28 abr. 2013

Rush - 2112 (1976)

Sabemos que Rush empezó en 1968, con sus primeros discos como, Rush, Fly By Night, por los cuales son más Hard Rock, tirándose al estilo Led Zeppelin, pero ya en 1976, sacando su disco 2112 comenzó toda su escencia del rock progresivo.

2112 como vemos aquí, consiste de 6 temas, empezando por 2112, un tema que dura 20:37, un tema de muuy larga duración, consiste en que tiene ''etapas'' empezando por Overture (4:32), luego con The Temples Of Syrinx (2:13), siguiendo con Discovery (3:29), Presentation (3:42), Oracle: The Dream (2:00), Soliloquy (2:21) y por último Grand Finale (2:14). En vinilo, se representa como un sólo lado, una canción, y luego las demas canciones pertenecen al lado B.


El resto de las canciones en el disco no guardan relación con el tema titular, aunque cuentan con letras de Neil Peart asimismo. Alex Lifeson y Geddy Lee escribieron las letras de dos temas, Lessons y Tears, respectivamente. Esta última canción es el primer tema de Rush donde toca un músico ajeno a la banda: Hugh Syme, quien contribuyó con una parte en melotrón y tocaría teclados en varias canciones de Rush en el futuro (como por ejemplo Different Strings en "Permanent Waves" y Witch Hunt en "Moving Pictures")

La banda, aún bajo la presión de la compañía discográfica (Mercury Records) de no realizar otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, "Caress of Steel", que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero de Rush en figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (durante la promoción su siguiente álbum, "A Farewell to Kings"). El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "Moving Pictures".

Código: #1016

27 abr. 2013

Rainbow Ffolly - Sallies Fforth (1968)

Los hermanos Jonathan y Richard Dunsterville, dos jóvenes ingleses casi adolescentes, procedentes de la ciudad de “High Wycombe” en el condado de Backinghamshire. Llevaban haciendo música desde primeros de los sesenta con una banda llamada “The force four” y que se dedicaba principalmente a interpretar temas de sus admirados Everly Brothers.

Años después, ya en 1967, Jonathan conoció en la universidad a un baterísta llamado Stewart Osborn, quien a la vez propuso invitar a un bajista amigo suyo llamado Roger Newell a tocar. Juntos formaron lo que sería “Rainbow Ffolly” iniciando su andadura de la mano de un mánager llamado John Sparrowhawk (Juan Gabilán para los amigos) poco después lanzaban al mercado su primer single que incluía el tema “Drive my car” (nada que ver con el de Los Beatles), a este sencillo sucedería en 1968 un elaborado y excelente álbum titulado “Sallies Forth”, compuesto con material grabado en los estudios de Malcolm y John Jackson, los hijos del famoso disc-jockey John Jackson. 

Los derechos fueron adquiridos por EMI Parlophon , lo que no garantizó en absoluto su éxito comercial, si no al contrario, el álbum pasó de largo a pesar de su indudable calidad, sin pena ni gloria, fue olvidado con el paso de los años y perdiéndose en la noche de los tiempos.


“Goodbye” es una bonita canción de amor y despedida, donde se aprecia desde el principio el sello Mcartniano y romántico que imprime el vocalista, hasta el punto de que parece ser el propio Paul el que nos estuviese cantando al oído una melodía recién compuesta por él. “Goodbye”está acompañada de unas guitarras acústicas intachables con cierto aire de Bolero. Preciosa y romántica. Increíblemente desconocida.

“Sun sing” excelente pieza que nos hace viajar en una atmósferade psicodélia muy elaborada y de una calidad muy alta. El tema más ácido y auténtico de los que componen el disco. Un claro ejemplo del talento e inventiva de los Rainbow Ffolly.


“Come or gone” es un tema con un ritmo muy pegadizo y me recuerda mucho al estilo Rhythm & blues de los primeros “Pretty Things” lo he querido añadir para que veáis el magistral contraste que hace con el resto de los temas del álbum.

Código: #1017

Contraluz - Americanos (1973)

‘’Contraluz’’ inicio su historia en Buenos Aires al comienzo de los 70s, la banda estaba formada por Carlos Barrios en guitarra, Nestor Barrios en batería, Gerry Barchielli en voz, Alejandro Barsi en flauta traversa y voz y diego Prochnik en bajo…

Fueron considerados como los ‘’Jethro Tull argentinos’’ debido al uso de la flauta traversa al estilo ‘’Anderson’’ (asi como ‘’Ñu’’ fue considerado el Jethro Tull de España o ‘’Nuevo Mexico’’ el Jethro Tull mexicano). Una de las características del grupo eran las letras con un alto contenido político y musicalmente usaban armonias pesadas pareciendo un hard rock elaborado…

En 1973 graban su único disco, ‘’Americanos’’; cuyo despliegue musical del disco es impecable, excelentes bases rítmicas un tanto jazzeras de la mano del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Nástor Barrio, que mezclan constantemente sutilezas con poderosos riffs de una manera unica... lo cual le da un sonido muy agradable a las canciones. La formacion folklorica de la banda no se refleja con ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino mas bien en la composición y hasta en la poética de las mismas letras que parecieran estar influenciadas por historias de pueblos humildes con contacto aborigen... (como en ''Indios Sin Prision'' o ''Sin Trabajo'' dos de los temas mas destacados del disco...)


Otro punto importante del discos es la constante implementación de la flauta transversa ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, lo cual es totalmente injusto porque las raíces profundas de esta banda están estrechamente relacionadas con esta tierra y además porque la banda se desarrolló en la Argentina de los años 70s... con todo lo que eso conlleva política, social y culturalmente... 

‘’Contraluz’’ no llego a ser una banda popular pero en el circuito musical underground estaban muy bien reconocidos, sus show tenían una dinámica muy impactante.

Finalmente tras 25 años la banda se reunió nuevamente. En septiembre del 2000 editó un nuevo CD denominado ‘’El Pasaje’’, que tiene una estructura de rock sinfónico y en el 2003, y de forma también independiente, editaron ‘’Ramos Generales’’, presentado en el Teatro La Máscara, de Capital.

Código: #1018

Amon Düül - Psychedelic Underground (1969)

Amon Düül era el nombre con el que se denominaba a una comuna artística, muy politizada (de izquierda), formada en Munich, en 1967. Once adultos y dos niños que se reunieron para hacer todo tipo de expresiones musicales. Solían llevar a cabo happenings basados en improvisaciones libres que podían durar horas en las cuales cualquier miembro de la banda y del público (incluso aunque no fuera músico) podía unirse a ellos para tocar…

Antes de publicar su primer disco, por razones contractuales (y hasta ideológicas) la banda se separa quedando dividida en dos, los desertores formarían ‘’ Amon Düül II’’…una versión más convencional, musicalizada y comercial de Amon Düül… Los miembros que quedaron, seguirían como Amon Düül y con la misma idea musical libre…

En 1969 publicarían su primer álbum, "Psychedelic Underground"… y si buscaban un auténtico sonido psicodélico underground… pues aquí lo tienen…

Prácticamente todos los discos de Amon Düül vienen de una misma serie de grabaciones realizadas a finales de los 60s ( finales de 1968 o principios de 1969), las cuales de hecho no se grababan en estudio, por lo cual la calidad de sonido es muy pobre, tanto es así... que suena como un bootleg. Aunque tal vez esto sea lo que le dé parte de la gracia que posee la grabación, las cuerdas parecieran filtradas atreves de un charco de ácido… o tal vez las mismas cintas fueron mojadas en esas aguas, cual radiografía recién lavada. Dicho nivel de calidad sonora le da un trasfondo más desestructurado, informal, liberador… así como también oscuro y caótico.


A eso sumarle que al surgir de sesiones experimentales… nada tiene sentido, o tal vez lo tiene por completo pero nosotros no lo podemos percibir; los ‘’temas’’ (por asi decirlo) son sesiones alocadas altamente volátiles y libres. 

Lo primero que se escucha es un tema de más de 15 minutos basado en un ritmo de batería tribal muy repetitivo sobre el que van improvisando hasta que, hacia el final, directamente se les va la cabeza del todo y comienzan a gritar sonidos incoherentes como si estuvieran poseídos. Si uno sobrevive a eso… el resto irá bien, todo el álbum sigue esos mismos derroteros a grandes rasgos, con algunas descompaginaciones y mezclas de distintos sonidos y grabaciones, lo que denota algunos retoques en estudio. A veces se insinúa alguna melodía como en "Im Garten Sandosa", con ese aire oriental, pero no se crean que Amon Düül van a hacer algo tan vulgar como componer una canción, en su lugar repiten la melodía continuamente mientras otros músicos se dedican a hacer cosas raras por encima. Si hay que ponerle una etiqueta… sería la de krautrock, psicodelia y sonido experimental… 

Al principio cuesta un poco asimilar el disco, lo escuche porque… el nombre del disco, la tapa y proviniendo de tal banda ya lo hace un disco más irresistible, luego depende de uno seguir en el o no. Esta bueno para desestructurarse, para salirse de estructuras y sonidos convencionales y comenzar a abrirse a nuevas posibilidades… (creo que si estás leyendo esto o si te interesa en si la psicodelia, por alguna razón estas acá y ese hecho ya te hace alguien con gustos alternativos, aun así… este disco sigue siendo toda una prueba…)

No es un disco fácil pero tampoco es un disco malo, es un trabajo realmente extraordinario, con un potencial psicodélico enorme, con mucho valor histórico, que nace desde el mismo corazón del krautrock … y provoca a flor de piel varias sensaciones familiares difícilmente descriptibles … (…como suelo pensar, esas sensaciones que hasta a mi olfato le parecen familiares…, pero que a la vez, no se pueden describir con ninguna palabra conocida…)

Código: #1019

26 abr. 2013

Annexus Quam - Osmose (1970)

Annexus Quam fue un ensamble germano que exploro al kraut rock por su lado mas jazzero y groovy y genero un sonido, aunque influenciado, bastante personal. La banda esta armada por el flautista Harald WEDGE, el saxofonista Ove VOLQUARTZ, el teclista (que toca algo de clarinete en algún momento) Werner HOSTERMANN y dos guitarristas un de ello (Nans KAEMPER) asume también ocasionalmente la responsabilidad del trombón. 

Este disco, de 1970, se ramifica por distintos espacios sin salirse nunca de una atmósfera un tanto oscura que insinúa el sonido... y por la cual confluyen a la par los distintos músicos, en los que se destaca la participación de una flauta, un clarinete y un saxofón; aunque a la vez ninguno de ellos se destaca por sobre el resto por lo que el ensamble completo dirige las sesiones instrumentales de las cuales se nutren las pistas. La psicodelia también esta presente en la atmósfera generada por la banda, en distintos efectos propiamente dichos y otros efectos que sazonan el sonido de algunos instrumentos... 

Este disco consta de cuatro pista en las que se escuchan sesiones jazzeras y ritmos funkys, aunque a la vez las pistas se dividen cambiando el espectro musical y generando un sonido distinto al del comienzo... por lo cual podríamos decir que el disco esta subdividido en mas partes; ''Osmose I’' marca el inicio del disco... que nace sin un ritmo definido, en un ambiente pesado y sombrío guiado por intrumentos de viento, ''Osmose II’' surge inmediatamente y fluye con mucha mas intensidad... aunque tambien es un tanto difuso, con su base funky y su persistencia que culmina mas rapido que el primer tema.


''Osmose III'' ya es una pieza de diez minutos en la que la banda se explaya con mucha mas libertad, comienza con un tiempo lento en el que despliegan bases de blues lideradas principalmente por la guitarra, que hasta pareciera darle un toque garagero por su sonido mismo y la relación que tiene con la base rítmica; hasta que a los cinco minutos cambia la base rotundamente y gira hacia un lado un poco mas abierto a la experimentación y la busqueda... y va aumentando su nivel global de energía de forma sostenida y razonablemente sutil, siempre dentro de ese aire en la bases de blues. 

La cuarta y última parte, ‘Osmosis’ ocupaba todo el lado B del vinilo, cerrando el disco. En esa sesión la banda se explaya por su lado jazzero el que parece darle mas comodidad a la exploración; la pieza comienza con una introducción en piano que parece incitar a los demas musicos y les da pie, desde la sutileza, a que se unan, el bajo marca constante el ritmo y la bateria parece guiar ritmicamente la sesión; el sonido va evolucionando... los distintos instrumentos comienzan a bajar su intensidad y a aderezar el plato principal que empieza a ser definitivamente de la batería misma, que adquiere cierta libertad y la culmina rápidamente en un solo disperso entre las sutilezas melodicas... de saxo y guitarra. 

Los últimos 2 minutos y medio de... surgen como un ambiente aleatorio e irreal que culminan en esa dirección, entre el absurdo de distintos sonidos experimentales...Un disco cautivador dentro de lo que es el kraut rock poco conocido, y una joya a degustar para los amantes del rock experimental y de sesión, sazonado de jazz y una psicodelia un tanto oscura y peculiar...

Cod: #1184

Crucis - Crucis (1975)

Esta agrupación tuvo origen en agosto de 1974 y ya para octubre lograban llenar teatros. La consagración tan rápida de esta banda de rock sinfónico fue un caso atípico en la música nacional. Ya con Gonzalo Farrugia en batería comenzaron una serie de presentaciones en teatros y pubs repletos, a tal punto que Charly García (en pleno apogeo de Sui Generis) concurrió al Teatro Astral para comprobar la performance de la banda. Quedó tan impresionado que él mismo se ofreció para producir artísticamente el primer disco, "Crucis" (1976).

Dos funciones exitosas en el Teatro Coliseo y otra en el Luna Park los catapultaron al tope de las encuestas de popularidad, detrás de Sui Generis.

Muy en los comienzos Crucis fue un quinteto producido y manejado por el mítico Jorge Alvarez (fundador del sello Mandioca) pero pronto el bajista José Luis Fernández se alejaría para unirse a 'La Máquina de Hacer Pájaros', el grupo que tenía Charly García por aquel entonces. Muchos piensan que el alejamiento de Fernández fue a cambio de la producción de su primer LP por el propio Charly García; quién concurrió en persona al teatro donde Crucis daba sus shows y quedó tan impresionado que se ofreció a producirles su primer álbum llamado "Crucis" de 1976.


Este primer álbum presenta siete canciones de un gran virtuosismo instrumental y trabajo de voces que no está tan logrado. Se editó también un simple "Todo Tiempo Posible/ Irónico Ser" (RCA Víctor 31A-2657). El mismo Charly García estuvo muy involucrado en las sesiones de grabación de ese primer álbum.

Cronologicamente creo que entre 1975 y 1978 en la Argentina se logro el tope de creatividad musical, tanto en calidad como cantidad de bandas. Crucis fue durante un par de años un verdadero fenomeno, encabezados por el guitarrista Pino Marrone, Gustavo Montesano en bajo y voz, Anibal Kerpel en teclados y Gonzalo Farrugia en bateria. 

Con algunos cambios en su formacion grabaron dos discos, ambos circularon timidamente en nuestro pais. Estos vinilos eran fetiches de los coleccionistas y algunos programas vanguardistas de radio en varias ocasiones los programaban. Obviamente en Argentina tuvieron un gran exito y siempre estan presentes en las menciones que se hacen de las mejores bandas de ese pais. Se les ubica claramente como una banda sinfonica y siempre que se les menciona se habla de Yes o Camel, para mi es Crucis, un grupo tremendamente autentico y con un sonido único.

Cod: #1056

21 abr. 2013

Materia Gris - OhPerra Vida De Beto (1972)

"Materia Gris" fue una banda argentina formada en 1970. En un principio su música se vio influenciada por la primera etapa "Beatle" pero esto cambio rápidamente. Tras dos años de presentaciones, elaboran su propia música, a la cual la llevan por caminos más sofisticados, dentro de ambientes progresivo, y siempre dentro del ámbito under.

En 1972 lanzan su primer álbum, "Oh, perra vida de Beto", dándole vida a una de las primeras ópera rock argentinas, algunos dicen que se trata de la primera ópera rock, teniendo en cuenta de que ‘La Biblia’ de Vox Dei no sería una ópera rock sino un álbum conceptual; otros dicen que se trata de la segunda ópera rock, lo cierto es que es realmente una obra sorprendente que refleja la luminaria compositiva de estos músicos con un potencial enorme; una de las primeras ópera rock argentina, con un nivel a la altura de las circunstancias.

No es para menos la calidad del álbum si tenemos en cuenta que el grupo fue prácticamente un semillero de grandes otros grupos, la formación consistía en Carlos Riganti en batería, quien en 1975 formaría el grupo progresivo ‘ALAS’, Omar Constanzo en bajo quien en 1977 formaría ‘Naranja Mecánica’, además de Edgardo Rapetti y Julio Presas en guitarra. El trabajo también cuenta con la colaboración de Litto Nebbia y Bernardo Baraj.


En este trabajo ‘Materia Gris’ despliega un sonido progresivo realmente complejo, dentro del campo del rock, aparición de algo de psicodelia, toques de jazz rock y excelentes arreglos que se entremezclan y unen con las distintas estrofas que a lo largo de las piezas van surgiendo. Una fusión realmente esmerada, con un sonido oscuro, que va variando entre distintas intensidades y complejidades.

La dinámica que toman es formidable, avanzan constantemente y sin el menos esfuerzo se detienen donde quieren, así las piezas fluyen y desde un principio con un sonido formidable. La mescla primaria nace siempre desde un hard rock algo pesado, con buenos riffs y una buena dureza, pero la calidad de audio hace que ciertas cualidades del sonido queden algo suavizadas, de lo contrario tal vez diríamos que sea trata de un progresivo duro.

Un sonido sorprendente para un debut, que fue ampliamente alabado por la crítica, aunque desgraciadamente casi indiferente para las disqueras. Luego de este lanzamiento el grupo retorna a sus presentaciones por los distintos escenarios porteños y comienza a dar forma a su segundo trabajo que se llamaría "Pandemonium", disco que finalmente no llegarían a editar. En la actualidad el vinilo de "Oh, perra vida de Beto" es objeto de culto por coleccionistas de todo el mundo. 

Cod: #1043

19 abr. 2013

Toad - Toad (1971)

Toad es una banda de rock oriunda de Suiza y formada en 1970. La banda era suiza porque fue en ese país en que realizó su mayor actividad, pero en realidad estaba compuesta por el alemán Werner Froehlich en bajo, el baterista italiano Cosimo Lampis y el virtuoso joven guitarrista italiano, de 17 años en por aquel entonces, Vittorio Vergeat (ex guitarrista original de Hawkwind). Aunque el grupo a menudo contó con la ayuda de un vocalista adicional para algunas grabaciones en estudio, Bens Jaeger era el líder vocal en un principio, pero salió del grupo tan pronto como algunas grabaciones fueron terminadas.

La banda saltó a la cima de las listas de su país gracias al sencillo "Stay" en 1971, allanando el camino para el movimiento de metal suizo de principios de los años 80 con notables bandas como Krokus y Celtic Frost. Finalmente, ese mismo año, se encaminan hacia su primer lanzamiento discográfico, el homónimo Toad, un trabajo de hard rock y blues rock de un impecable nivel, que sabe mantener un repertorio variado y diverso y no cae en la monotonía o en la repetición. Todo está ensalzado bajo el mismo espíritu rudo, rock pesado con tintes psicodélico, solos rudos y casi virtuosos en guitarra eléctrica, temas con buenas melodías y buenos yeites bluseros.

En general, la lista de temas es bastante entretenida, no bajan el nivel nunca, aparece algún blues pesado y lento, algunos temas más cortos de hard rock, o por ejemplo la última pieza del disco es una composición delicada en guitarra acústica. Párrafo aparte se puede hacer para las piezas ‘’Cotton Eood Hill’’ y ‘’Life Goes On’’, ambas de entre los ocho y once minutos de duración, tratándose de auténtica incursione compositivas, con estructuras amplias y variadas que pareciera acercar al sonido a un cierto aire progresivo, sin perder jamás el estirpe pesado y el hard rock.


Cuando se estrenó su primer álbum en 1971, Toad actuó en el Festival de Jazz de Montreux que fue grabado en vivo por la televisión suiza, pero el metraje se perdió y hasta la fecha parece que no hay más copias. Aunque la banda no tuvo éxito comercial fuera de su propio país, fueron sus actos en vivo fueron populares debido a su furia, musicalidad y payasadas escénicas. En particular, cuando el guitarrista principal Vic Vergeat tocaba la guitarra con los dientes. Sus conciertos a menudo se comparaban con los de Jimi Hendrix.

Ese mismo año, se editó el álbum en vivo Open Fire: Live in Basel capitalizando la exitosa gira que estaba realizando la banda, aunque este no fue publicando sino hasta una reedición en cd en el 2005. Luego editaron su nuevo álbum de estudio Tomorrow Blue en 1973, y luego Dreams de principios de 1974. Algunos álbumes en vivo, recopilaciones y trabajos de estudio continuaron saliendo durante el resto de los años 70 y principios de los 80. A principios de los años 2000, el interés por la escena del hard rock europeo en general (y Toad en particular) condujo a una serie de reediciones de CD.

En algún momento entre 1979 y 1988, el bajista original Werner Fröhlich dejó el grupo y fue reemplazado por Kelvin Bullen, y después de que él también se apartó del grupo a principios de la década de 1990, fue reemplazado por André Buser, que permanecería con la banda hasta su muerte. Durante 1993, Toad lanzó otro álbum de estudio, "Stop This Crime". Tras su lanzamiento, el baterista original Cosimo Lampis se separó del grupo y fue reemplazado por Claudio Salsi, que permanecerá hasta la disolución del grupo. Alrededor de 1995, Toad se disolvió y no se supo más nada de ellos, mas allá de algunas reediciones en cd de sus discos.

Cod: #1258

17 abr. 2013

Arzachel - Arzachel (1969)

Los orígenes del grupo tienen lugar bajo el nombre de ‘’Uriel’’, la banda se forma cuando Steve Hillage, Clive Brooks, Mont Campbell y Dave Stewart se juntan en Londres para hacer un poco de música, inicialmente tocaron covers de Cream, Jimi Hendrix, John Mayall & the Bluesbreakers y The Nice. Poco después Hillage se iría de la formación para asistir a la universidad, el trío restante comenzó a producir su propio material y cambian su nombre por el de ‘’Egg’’ a principios de 1969.

El trio conocido como ‘’Egg’’ continuó funcionando junto, pero eventualmente Steve Hillage regresó a la formación para grabar con ellos, es ahí cuando la historia de Arzachel tiene lugar, se trata una grabación que realizaron como cuarteto, pero los músicos registrados como Egg ya tenían contrato con Decca Records, lo que los imposibilitaba realizar otros proyectos, por esta razón se registraron bajo seudónimos, e incluso el nombre de Uriel fue reemplazado por el de Arzachel.

Así es que, en paralelo al proyecto de Egg, los músicos graban en Londres este excelente álbum, de 1969, producido en una jam session, en un solo día, una zapada sublime en la que la banda despliega en buena gama de su potencial y capacidad. Las canciones son muy agradables, los primero tres temas, pese a que tiene algunos sonidos psicodélicos intensos, en general son tranquilos, corren mas por un costado pop psicodélico plagado de teclados que le dan aun mas suavidad al sonido, junto a esmerados arreglos de voces, pop-rock psicodélico con un sonido brillante y claro.


Los últimos tres temas, también psicodélicos, son un poco más duros y tienen que ver más con el blues y el rock. ''Leg'' es un blues pesado y muy contundente con el que sorprenden e interrumpen en el disco, comenzando sutilmente y terminando en un desmadre hard altamente explosivo. Lo siguiente es ''Clean Innocent Fun'', un tema de rock psicodelico hipnotico, sensillo pero muy agradable y contundente, con unos teclados furiosos que marcan surcos en el sonido y una buena sesion de improvisacion donde predomina la guitarra de Hillage con unos solos furiosos.

La otra joya del disco es ''Metempsychosis'', una pieza total y completamente improvisada, una sesión de música libre y sin ataduras, en la que aprovechan a volcar su imaginaria psicodelica y explotan en atascos misteriosos; con un sonido similar al de Saucerful Of Secrets de Pink Floyd. Rasguños, explosiones del teclado, solos de guitarra, cambio de climas, etc, es una sesión que tiene muchos condimentos y le da el broche de oro con una pieza exquisita y experimental, a un disco que ya de por si es de primer nivel, variado, claro y muy contundente.

Todo el sonido del disco pareciera contar con una especie de eco o reverberancia especial, todo el sonido está tratado de la misma manera, si no recuerdo mal esto se debe a que el disco fue grabado en una cueva, lo que le da este brillo particular al sonido y le dota de un carácter tipo space rock a las sesiones, que ya de por si son experimentales y psicodélicas.

Código: #1015

13 abr. 2013

Between - And The Waters Opened (1976)

’’Between’’ es una banda alemana nacida en 1970, ideada por el teórico musical y experimentalista Peter Michael Hamel, quien tras reunir una amplia gama de músicos internacionales, crea la banda cual crisol musical y cultural.… y con esta misma, crea un sonido innovador, totalmente experiemntal e innedito para la época.

En 1973, a través de Music Factory, lanzan su segundo disco, el que aqui les presentamos… ‘’And The Waters Opened’’, que seria uno de los primero trabajos dentro del sonido etnico, fusion y new age. El grupo sin dudas tenia influencias kraut, entre las cuales se podrían destacar bandas como Popol Vuh, Can y Tangerine Dream, tambien adquirio sonidos heredados del hippismo y la psicodelia de los sesentas; aunque tomarían más los aspectos experimentales, desarrollando un sonido innovador y experimental, expresado en sesiones improvisadas y ambientes vibracionales enriquecidas con muchísimos efectos electrónicos, de teclados y guitarras que funcionan como conductores en las atmosferas muy bellas, por momentos oscuras… misticas, que retratan…


Las composiciones cambian totalmente de estilo dependiendo de quién compone cada tema..., así es que en cada pista nos encontraremos con un viaje distinto al anterior, pasando por distintos motivos y matices, intensidades y efectos, sesiones de tambores, instrumentales étnicos estilo hindú, sesiones de efectos… guitarras acústicas…, etc.


Para grabar el disco se reduce el número de componentes a Black, Détrée, Eliscu y Hamel más la colaboración esporádica de Walter Bachauer a la electrónica y Duru Omson, flauta de bambú, percusiones y voces.

Sin dudas un trabajo innovador bastante adelantado para su época… por la gran cantidad de estilos y matices que fusiona, netamente exotio, espiritual, una obra psicodleicas grandiosa para degustar y viajar… y si tenemos un poco de hierva a mano, mucho mejor…

El disco ha sido reeditado varias veces en lp y en cd se publicó por primera vez por el sello luxemburgués Germanofon en 1994 y la edición que aquí presentamos de 2005 , que pertenece a la editora alemana Intuition Records, y que cuenta con el añadido de tres temas inéditos grabados en 1976 (temas 1, 8 y 9).

Código: #1014

11 abr. 2013

Goldenrod - Goldenrod (1969)

''Goldenrod'', fue una banda norteamericana de rock acido/psicodelico de entre mediados y fines de los 60 que estuvo en proyectos donde fueron teloneros o tocaron con Elvis Presley y The Doors, entre otros. Eran provenientes de California y el grupo estaba integrado por Ben Benay en Guitarra, Jerry Scheff en Bajo y Toxey French en Batería. El interés del conjunto en la música pesada y la improvisación dio lugar a la grabación de su primer y único álbum, que se grabó en 1969 en Hollywood, bajo el sello Chartmaker Records. Este álbum homónimo presenta un sonido de rock ácido y duro con matices de blues y psicodelia, pasajes oscuros, experimentación e improvisación. 

Consta de cuatro extensas pistas instrumentales de sesión donde la banda juega a experimentar, en parte, con un poco de rock oscuro y buenas zapadas ácidas guiadas por una guitarra que es la protagonista estelar de las sesiones, y por otra parte experimentan con sonidos improvisados de percusión y solos de batería, flautas y otros sonidos extraños y oscuros que generan una atmósfera bastante fatalista y tal vez un tanto bizarra pero definitivamente atrapante; al final todos estos condimentos juntos terminan conjugándose en largas sesiones improvisadas.


Los temas siguen una línea similar entre sí, tratándose de rock ácido duro, con buenos riffs y buenos agregados en guitarra eléctrica, que terminan conduciéndose hacia atascos y sesiones improvisadas, netamente instrumentales. Por ejemplo, ‘’The Gator Socciety’’ cuenta con un interludio percusivo con baterias, gongs y otros instrumentos metálicos, que brindan una atmósfera totalmente diferente a la esperada al principio, realmente la banda tenia intenciones experimentales y lo demostró desplegando sus temas en forma de sesión.

Luego de este proyecto todos los músicos se dedicaron a sus asuntos. Ben Benay continuó su carrera guitarrista de sesión. Grabó con Barry McGuire, "Steely Dan", T-Bone Walker, BB King, Barbra Streisand, "Beach Boys", Cher, John Mayall y muchos, muchos más. Jerry Scheff se unió al grupo de Elvis Presley en 1969, donde trabajó hasta 1977. Era el bajista en el álbum "LA Woman" de la banda "The Doors" (y, si no fuera por la muerte de Morrison, incluso podría convertirse en miembro de él). Visto en los discos Ray Manzarek, Bob Dylan, Barry McGuire, Elvis Costello, etc. Toxey French grabado con Patti Dahlstrom, Free Movement, etc. 

Cod: #1199

9 abr. 2013

Asoka - Asoka (1971)

El grupo nace originalmente bajo el nombre de ‘’Taste of Blues’’, en 1967, formada por el organista Claes Ericcsson y el batería Patrik Erixson, además del cantante Anders Stridsberg, el guitarrista Rolf Freedenberg y el bajista Robert Möller. En 1969 lanzaron un disco de debut llamado ‘'Schizofrenia'’, un trabajo algo psicodélico y oscuro más bien relacionado al rhythm y el blues.

En 1971 restablecieron la formación de la banda, con la aparición de los hermanos Bengtsson y con Robert Larsson en guitarra, y pasaron a llamarse Asoka, y tras un período corto pero intenso de giras y grabaciones, lanzan su álbum debut homónimo, consiguiendo un contrato con el sello Sonet. Este sencillo pero contundente trabajo se centra en el hard rock, algo psicodélico, desenvuelto en sesiones con mucho groove y sabor, atascos pesados y contundentes en los que aparecen algunas buenas improvisaciones y sesiones. Los temas en general son cortos y muy amigables, entretenidos de primera mano.

El sonido no es progresivo ni tiene que ver mucho con el jazz, como se dice por ahí, es más bien un trabajo de no demasiada elaboración, que se centra en el groove para desenvolverse y demostrar su poderío. Cantadas algunas en idioma sueco y otras en ingles, las canciones reflejan la influencia de las bandas pioneras del hard rock de la época, Deep Purple o Jimi Hendrix, e incluso puede hacerse una similitud con Santana, por el estilo de las sesiones.


Puede que no sea un clásico del rock pero es un álbum con su estilo y su rudeza, va de menor a mayor en complejidad, manteniendo siempre un espíritu rudo y pesado. Algunas pausas y cambios de ritmo son lo suficientemente complejos como para ver el progreso en ellos, pasando de un rhythm más sencillo a un sonido mucho más crudo y visceral.

La base del disco es un potente rock que se apoya principalmente en una excelente guitarra y un grupo muy ágil y rápido. Especialmente el trabajo de percusión adicional de Erixon a menudo le da a las canciones un enorme impulso. Rock pesado de la escena sueca de principios de los 70s, con mucho sabor, fuzz, llenos de energía y con un auge en casi todas las pistas.

Tras el lanzamiento del álbum, la banda se disolvería. Tras la disolución, Claes Ericsson y Larsson Robban grabarían más tarde dos álbumes con el grupo de jazz-rock ‘’Lotus’’ . En 1990 se re edita el disco, al cual se le suman varios outtakes y grabaciones, y en el 2005 se re edita el álbum en versión digi-pac. En el 2004 la banda se reagrupa y vuelven a formar la banda y en el 2007 editan su segundo disco, ‘’36 years later’’.

Código: #1012

8 abr. 2013

Carl Palmer en el ND Ateneo, Buenos Aires, Argentina - 06/04/2013 (Concierto)

Con motivo de su gira internacional “TWIST OF THE WRIST TOUR 2013” y bajo la etiqueta ‘’EMERSON, LAKE AND PALMER Legacy’’, el mundialmente conocido baterista Carl Palmer (ex Emerson, Lake And Palmer y ASIA) se presentó con su banda en el teatro ND ateneo, en Buenos Aires, el 6 de Abril de 2013, como parte de su agenda internacional, por la cual visitara Sudamérica, Japón, el Caribe, Estados Unidos, Canadá y Europa…

Con un formato power trio, (más que ‘’power trio’’ diría que es un ‘’atomic prog trio’’) la banda liderada por el legendario baterista desplego un alucinante show de dos horas que combinó música con proyecciones de video… en una experiencia inolvidable, en la cual interpretaron varios temas entre los cuales se encontraban clásicos de ELP como Knife Edge, Tarkus y Pictures At An Exhibition, un cover de ‘’ Stairway To Heaven’’ hecho por el bajista, y otros varios temas propios de la banda…

Al famoso batero lo acompañan, el virtuoso joven guitarrista Paul Bielatowicz y otro excepcional músico, Simon Fitzpatrick, en el bajo, quienes interpretan clásicos emblemáticos del rock progresivo con una naturalidad increíble y un despliegue técnico asombroso que sobrepasa cualquier expectativa. El espectáculo es netamente instrumental, tomando la guitarra, por momentos, el lugar de la voz. 

El espectáculo visual, proyectado detrás de la banda misma, no se centro demasiado y tal vez no se sincronizo con el motivo de la música, pero en este caso pasa totalmente desapercibido debido a la calidad musical que se despliega…

Tuve la fortuna de poder presenciar el show, uno de los dos que realizaron en la Argentina, aquí les dejamos algunas fotos de lo que fue la presentación...



Y aquí algunos videos de lo que fue la noche:

Carl Palmer's ELP Legacy - Hoedown



Carl Palmer's ELP Legacy - Pictures At An Exhibition



7 abr. 2013

Status Quo - Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo (1968)


Status Quo es una banda de hard rock o rock psicodélico (como en este disco) formada en el año 1962. Antes de ser conocidos por ''status quo'' esta banda tenía el nombre ''the spectres''. 

Status Quo ha sido una de las bandas británicas de mayor éxito comercial. Surgieron a finales de la década de los sesenta. Aunque los Status Quo nacieron como un grupo de beat y psicodelia, finalmente desembocaron en una banda de boogie desenfadado, con ritmos procedentes de clásicos del rock y del blues. 

En 1967 los Spectres se rebautizaron como los Status Quo y se pasan a la psicodelia. Tras publicar algunos trabajos con resultados dispares, en 1970 los Status Quo se redefinen. Mudan las ropas psicodélicas por los más habituales tejanos y se convierten en una banda de rock y boogie, con un espectacular sonido de guitarra.


Con este disco, Status Quo comienza su carrera como banda psicodélica, y despues de los 69' su sonido comienza a parecerse más al blues rock y al hard rock que a la psicodélia.
Este disco se conoce por la muy famosa canción ''Pictures of Matchstick Men'' la cuál tiene un poderoso y pegadizo riff. 

Unas de las canciones que más me gustan de este disco es ''Ice In The Sun'', que también es muy pegadiza. Technicolour Dreams, otra canción que tiene un riff bastante similar a las demás canciones, también es una de las canciones que más llaman mi atención, son esas canciones que suelen quedarte en tu cabeza y cantarlas por un tiempo.

Lo que me gusta de este disco es aparte de que está inspirado en toda la época, ya en los 60' mucha psicodélia, las guitarras sucias, las voces, los riffs, este disco es genial si te gusta la psicodelia tirando a garage rock o garage psych. Esta banda está formada por Francis Rossi guitarra y voz, Alan Lancaster bajo, Rick Parfitt guitarra y voz, John Coghlan batería y Andy Bown, teclados.

Código: #1011

3 abr. 2013

Xhol Caravan - Electrip (1969)

Xhol Caravan fue una de las primeras bandas en formar parte de ese torbellino rupturista que se produjo en el rock alemán desde principio de los 70s en adelante, un fenómeno del que salieron muchos experimentos musicales provistos por bandas que, contagiadas por el entusiasmo de la contracultura norteamericana y los nuevos fenómenos de jazz-rock y rock progresivo (especialmente inglés) que estaban surgiendo a la par, comenzaron a producir música de rock en especial experimental, a menudo fusionando e incursionando con elementos como electrónica o la música concreta.

A este fenómeno se lo suele denominar, casi caprichosamente, como ‘’krautrock’’, una identidad bajo la cual se formaron muchas agrupaciones pero con la cual cada una supo imprimir sus propias ideas, sus propios experimentos, sus propios sonidos y elocuencias. La idea de un ‘’movimiento krautrock’’ entendida como un avance común de músicos encaminados bajo una misma dirección es muy relativa, muchas bandas ya habían desaparecido en el momento en que otras estaban dando los primeros pasos, algunas utilizaron en su cuerpo musical al rock psicodélico, otras tomar una línea pura dentro de sonidos electrónicos propiamente dichos.

Los orígenes de Xhol Caravan tienen lugar en Wiesbaden en 1967, cuando sus fundadores, los saxofonistas Tim Belbe y Hansi Fischer, que habían nacido en Wiesbaden y Bad Schwalbach respectivamente, fundaron Soul Caravan, el primer nombre que recobró la banda, orientada en un comienzo hacia la musica soul, especialmente hacían covers de soul influenciados por los lanzamientos del sello Motown y los sonidos que estaba poniendo en boga con muchos nuevos proponentes de la música negra de soul. 


Tocando clásicos del soul, algunos temas propios y algunas versiones standard de jazz, realizan muchos conciertos en clubs frecuentados por soldados norteamericanos. En una de estas actuaciones, el guitarrista Werner Funk se les une espontáneamente, en vivo, mientras interpretaban el “Take Five” de Dave Brubeck, finalmente se quedaría con ellos como miembro estable de la banda. Con esta formación firman con CBS, publicando en 1967 su álbum debut, Get In High, un disco de R&B bastante estándar.

Hacia los siguientes dos años el grupo comienza a tomar otra dirección, para entonces ya había cambiado su nombre por el de Xhol Caravan. Después de algunos cambio de la formación, editaron el single ‘’Planet Earth’’ / ‘’So Down’’, en 1969, mostrando una mutación en su sonido, aun con características soul pero más ensimismados a las influencias psicodélicas norteamericanas. Estaban gestando un nuevo sonido y lo ya hacían notar, pero nada ni nadie hubiese previsto que su camino investigativo los llevaría aún más allá de la línea de las meras copias o reinterpretaciones.

El siguiente paso del grupo fue la publicación del álbum Electrip, una aventura sonora en la que convergen, para crear un sonido propio, influencias de variada índole, aún quedan marcadas las experiencias musicales por las que transitaron, las bases rítmicas del soul y las estructuras y solos del jazz, que se aunaban a las nuevas ocurrencias del grupo: el estilo funk, las sesiones psicodélicas y la presencia de la influencia del jazz rock de Frank Zappa. Como definir a un sonido en el que convergen tantos elementos y aun algunos más? Ellos aparecen ensimismados en un mismo sonido que se presenta en forma atascos, sesiones de variada índole dentro de un especie de jazz rock, caracterizadas principalmente por contener secciones con extensas improvisaciones sobre bases rítmicas dinámicas y rápidas.

El concepto de Electrip (viaje electrónico) está presenten continuamente en la esencia fundamental del disco, en cada track, son emprendimientos cuasi improvisados que tienen su germen en lo psicodélico y electrónico que y fluyen con suavidad. Este elemento particular tiene su eclosión en el apoteótico ‘’Raise Up High’’,  un tema de 17 minutos de duración que pretende ser, y lo eso, el corazón del disco y la fuerza impulsora de sus nuevas ideas, aunque a la vez, y sorprendentemente, el tema comienza como un rock psicodélico al estilo Jefferson Airplane, y se vuelve un largo atasco con improvisaciones al fiel estilo Acid Test de las bandas psicodelicas norteamericanas. Nos quedaríamos solo con esto si no contáramos con la presencia de algunos elementos particulares, que aparecen en la enorme sesión improvisada que representa este tema, elocuencias y locuras sonoras, especialmente en un fragmento donde surgen los saxos, electrificados, improvisando libremente, en lo que pareciera un acercamiento al free jazz.


La electrónica está claramente presente en este trabajo, aunque paradójicamente no recobra un papel tan fundamental, como se lo podría esperar de una banda llamada de ‘’krautrock’’. Los teclados y algunos elementos generadores electrónicos están presentes pero de forma ambiental, son los que terminan de dar esa consistencia al cuerpo del sonido y lo que le brindan esa aura dulce que parecieran tener las sesiones, sobre la que trepan y posan los demás elementos, especialmente las improvisaciones.

Al lanzamiento de este trabajo, le siguió un periodo intenso de muchas presentaciones en vivo, algunas de las cuales sirvieron de base para la edición de sus próximos albumes. La banda ahora pasaría a llamarse simplemente Xhol, desprendiéndose del ‘’Caravan’’ para evitar la confusión con el grupo británico de ese nombre. Bajo este nombre comienza una nueva etapa en la que el grupo se perdía cada vez más en enormes improvisaciones en las que los sonidos del órgano de Ocki Breven adquirían un rol cada vez más dominante, alejándose desmedidamente de las posibles convenciones a las que pudieran estar atados de antemano.

Sus próximos álbumes dan cuenta de este desprendimiento, un paso de alejamiento del estilo de ‘’Electrip’’ es la aparición de su próximo disco, ‘’Hau-Ruk’’, donde se ve como se acercan aún más a la concepción musical de lo experimental, aun montados a la idea de largos atascos improvisados. Esta tendencia de alejamiento a la convenciones tuvo su apoteosis en ‘’Motherfuckers GmbH & Co KG’’, que ya desde el titulo dejan ver cuáles eran sus intenciones en cuanto al éxito comercial, y el resultado sonoro es exactamente el que se podría imaginar, un extraño artefacto en el que se adentran aún más en la fusión del jazz rock con la electrónica, recreando algunos  ambientes y disertaciones electrónicas, cerca del minimalismo y la música abstracta, un acercamiento al corazón absolutamente electrónico del krautrock.

Código: #1009

2 abr. 2013

Walrus - Walrus (1970)

‘’Walrus ‘’ fue una banda inglesa fundada en 1969, en Londres, por el bajista Steve Hawthorne. Por la gran cantidad de miembros con los que contaba la banda, sufrió varios cambios en su formación, una tendencia muy característico para los grupos de este tipo. La banda estaba formada por por nueve miembros: Steve Hawthorn en bajo, Scates John en guitarra rítmica, Nod Gabb en batería, Barry Parfitt en órgano y piano, Noel Greenaway en voz, Don Richards en trompeta, Roy Voce en tenor sax, Bill Hoad en saxos y clarinete y Roger Harrison en batería, cencerro.

Realizaban giras a las afueras de Londres, cuando son vistos por miembros del sello ‘’Decca’’ quienes les proponen grabar, por lo que ese mismo año de 1969 entran al estudio de grabación. Para diciembre de ese año ya tenían el material listo, que contó con el liderazgo creativo del bajista Steve Hawthorn y la producción de David Hitchcock , aunque por algunos problemas técnicos no lo pudieron lanzar sino hasta un año mas tarde. 

Es así que en Noviembre de 1970 lanzan su primer y único disco, el homónimo ‘’ Walrus ‘’, un trabajo de rock pesado y rudo, caracterizado por la robustez y la gran contundencia en sus arreglos, un rock que cala directo en el riff pegadizo y en las sesiones contundentes.


Puede notarse que la banda manejaba otros estilos, ya que de entre el sonido pueden extraerse momentos de un tipo de jazz-rock, con esmerados arreglos de vientos y muy buenas improvisaciones, y algunas partes tambien donde el blues-rock tiene lugar. Por momentos recuerdan al mismísimo Atomic Rooster, y por la gran participación de saxos y trompetas recuerdan mucho al sonido de Mogul Trash

Los temas son potentes y entretenidos, de principio a fin, son buenas piezas en su mayoría pesadas, buenas canciones que no salen de la forma convencional pero que no dejan de sorprender. Una salvedad puede hacerse con el tercer tema del disco, ''Why'', una pieza acústica, con arreglos en guitarra acústica y flauta, un sonido que no se repite más en el trabajo ya que el resto de los temas son eléctricos y culminan con rabiosos atascos pesados.

El álbum no gozo de éxito comercial, por lo que un segundo disco nunca llegó a realizarse. Después de numerosos intentos de superar problemas de financiamiento, y a pesar de las brillantes actuaciones en vivo, en 1972 , la banda se separa.

Código: #1008

1 abr. 2013

Ant Trip Ceremony - 24 Hours (1968)

''Ceremonia de viaje de la hormiga'' (Ant Trip Ceremony) fue una banda norteamericana de rock acido, ideada por Steve Detray (guitarra lider) en 1966. Steve habia entrado a la universidad ''Oberlin College'' en Ohio en 1966, pero decidio tomar un descanso de los estudios y en 1966 y parte de 1967 se fue a vivir con su hermano en Logan, a Utah. 

En ese tiempo Steve formo una banda y necesitaba de un nombre para la misma y fue hasta que un maestro de ingles le sugirio Ceremonia de viaje de la hormiga ya que lo había leído en una novela la cual describe a la sociedad moderna...Pero para el verano del 67 la banda ya estaba disuelta y Steve volviendo la Ohio con planes de formar otra banda... (la cual llevaría el mismo nombre). Finalmente de vuelta en la universidad terminaría encontrando a los musicos para su nueva formación... (Steve Detray en guitarra líder, George Galt en guitarra, voz, armónica y arpa, Roger Goodman en voz, Gary Rosen en bajo, guitarra y voz, Mark Stein en guitarra, flauta y bajo y Jeff Williams en Batería.) 

Ant Trip Ceremony grabaría su primer (y único) disco (del cual solo se editaron 300... de los cuales se vendieron 100 para recuperar los gastos) gracias a dos sesiones llevadas a cabo... la primera en Febrero del 68 y la segunda unos meses despues, en un local alquilado en la misma ciudad donde estaban (Oberlin). Algunas fallas técnicas afectaron a la grabación, la grabadora KLH utilizada para la reproducción tuvo el altavoz derecho defectuosa y la conversión de la mezcla se vio afectada, como consecuencia las voces que suenan más atrás en la mezcla de lo previsto inicialmente.


El sonido que despliegan es lisergico, una especie de rock psicodelico, no demasiado heavy... sino mas bien suave, influenciado por el sunshine pop y folk de la epoca lo que le da un estirpe mas melodico; ahogado sutilmente en una atmosfera lisergica que no se exede demasiado en ningun momento. Los temas fueron surgiendo de presentaciones en vivo que podían extenderse por varias horas por las autenticas zapadas psicodelicas que se mandaban... debido a que no tenian demasiadas estructuras,ninguna cancion se hizo dos veces de la misma forma... (lamentablemente no hay registros en vivo de la banda). 

El trabajo final es muy elogiables pese a no ser una banda con mucha experiencia o trabajo y hasta por tener un cierto aire garagero, los temas no son muy extensos pero son todos lisergicamente cautivadores (salvo por el tema ''Elaborations'', que tambien es psicodelico pero dura 7 minutos, donde se puede escuchar un despliegue instrumental con estilo oriental); reflejan tambien influencia de blues y rock and roll en temas como ''What's The Matter Now'', ''Little Baby'' o ''Get Out Of My Life Woman''..., ademas de un alucinante cover del tema ''Hey Joe'' de Hendrix.

A finales de 1968, la banda se disolvió cuando los miembros se graduaron de Oberlin College. Después de numerosos bootlegs del álbum de la venda, una re-liberación oficial del álbum fue lanzada por ''Collectables Records'' en 1999. Una reedicion fue lanzada el 2 de diciembre de 2010, ofreciendo un ensayo con las grabaciones del grupo, un sonido remasterizado digitalmente.

Código: #1007

La Máquina de Hacer Pájaros - García y La Máquina de Hacer Pájaros (1976)


Como les decía en el post anterior sobre la máquina, esta banda estuvo formada por, Charly García, Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica, Oscar Moro y José Luis Fernandez.
Este primer disco fue editado en 1976. Ya García, con un tiempo de dejar Sui Géneris se interesó en hacer un estilo de músico más sinfónico, y progresivo, por sus influencias :3
Para los seguidores de García de toda la vida, en esa época, él estaba haciendo una cosa totalmente a lo que fue Sui Géneris, cambió toooodo y lo mejor es que le salió muy bien!

Hablemos del disco, este disco, tiene 7 tracks, uno mejor que otro, pero repasemos bien cada canción. Empecemos con Bubulina, esta canción fue dedicada a Maria Rosa Yorio, la cuál en la canción es apodada Bubulina, para empezar el disco, es una canción muy linda, la cuál las voces no se escuchan mucho, pero creo que es apropósito eso, además si le prestas atención a la letra, es una letra muy linda. Con un intro de piano, y los demás arreglos, la hace una canción inolvidable. 

Cómo mata el viento norte, participan Nito Mestre y Maria Rosa Yorio como invitados para hacer los coros, ya que García y Mestre vivían en el mismo edificio sólo que con departamentos separados uno al lado del otro. Esta canción es medio tirando para el folk, acústica obviamente.


Boletos, pases y abonos, aquí viene una de las canciones que más me gustan, desconozco el motivo por el cuál tiene ese tipo de título, esta canción es una de las más movidas en cuanto a la música, también por el ritmo y los sintetizadores. Luego hacen un solo muuuuy rápido de sintetizadores y eso te hace poner con más pilas, más hiperactivo, eso es lo bueno de la máquina.

No puedo verme más es una canción también bastante rápida, la cuál también tiene una base muy rápida y también la letra. Empieza con un muy buen riff de guitarra hecho por el querido Gustavo Bazterrica proveniente anteriormente de Los Abuelos de la Nada. Rock and roll, que sería mi favorita de este gran álbum, comienza con un intro de piano excelente, además de ser una melodía hermosa, y luego se van sumando los demás instrumentos, también la letra tiene un mensaje hermoso.

Por probar el vino y el agua salada, tiene esos toques folk igual que en ''como mata el viento norte'', empieza con unos hermosos arpegios. Y luego como en toda canción, se le van sumando los instrumentos faltantes. Ah, te vi entre las luces, también es una de las que más me gustan y las que más duración tienen, no diría que esta canción es instrumental porque tiene letra, pero gran parte de la canción es instrumental, lo que hace una canción tranquila.

Código: #1006
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