Dick El Demasiado - Celulitis Popular (2012)

En el vanguardismo hay una rama que goza de su peculiaridad, aka fluxus, aka artes conceptuales, o el apodo que cada artista le adjudique a su producción. Sea cual fuere el caso, en general se trata de un estilo llevado a cabo por personajes retorcidos que se manifiestan dentro de estas esferas en las que se han corrido los límites del arte (y lo moral) hacia un más allá, y lo han hecho con la forma muy propia de su estilo. Como Reynols y sus experimentos, Wild Man Fischer y su delirio apadrinado por Zappa, Derek Bailey y sus desconciertos sonoros, o sin ir más lejos, John Lennon y Yoko Ono y su etapa experimental en álbumes como Unfinished Music y Wedding Album, álbumes que llenarían de dudas a cualquier fanático de la música de The Beatles que ama las canciones canciones del grupo, pero le cuesta escuchar su ‘’Revolution 9’’. Lo mismo ocurre con Dick El Demasiado y sus lunáticas que llegaron para marcar el rumbo en el under cumbiero.

Es que no se trata solo de artistas experimentales, sino que esa peculiaridad que poseen radica en el hecho de que esa rama del vanguardismo es bastante bizarra, siendo ellos mismos una manifestación de lo que pretenden comunicar, y sus producciones artísticas poseen la cualidad de haber sido expresadas sin la barrera que generalmente un artista convencional le impone a sus producciones. Eso puede ocurrir por diversas razones, ya sea por temor al rechazo, por búsqueda de popularidad o dinero, o ya sea nomas por la formalidad de pertenecer a un estilo o convención el cual exija el ajustarse un molde determinado.

Pero estos personajes pareciera que carecen de esa barrera moral autoimpuesta, carecen en mayor medida de temor, lo que hace que puedan desarrollar su arte de manera autentica y que por tanto no les interese cual sea la reacción del entorno hacia su arte. Lo que ellos prefieren es gozar en alto grado de su espíritu creativo, deseando poder manifestarlo sin restricciones limitantes.

Las producciones de este tipo de artistas son extremas en el sentido de que van hacia donde quieren sin imponerse limitaciones, y esto deja como resultado músicas que son difíciles de aceptar por el público común. Son artistas que se vuelven hacia las sombras del under, teniendo la posibilidad de recibir el culto de alguna sub escena o publico paralelo, estando siempre en un lugar de marginación en comparación con un artista netamente popular. Ellos manifiestan su espíritu creando con ello, sin esfuerzo, un estilo propio, y suelen publicar manifiestos, desarrollar conceptos propios, hacer proclamas, romper con instituciones comúnmente aceptadas, chocar contra el espíritu público, avanzar hacia una concepción artística sin concesiones en su cualidad, etc. Hablan en sus propios idiomas porque así lo quieren y hacen una música nacida de su autenticidad, porque ello es lo justo y así debe ser para ellos.

Dick El Demasiado es un personaje que refleja a la perfección esa definición del anti artista capaz de despertar un sinfín de sensaciones ya no más en los primeros encuentros con su arte. Tanto en la música, como la escultura, pintura, sus instalaciones, películas y libros, en cualquiera que sea su manifestación puede llegar a generar un desconcierto repleto de maravillas porque su arte se desborda de un estilo que es tan suyo como lo pueda llegar a ser, y al tratarse de un personaje de los vahos artísticos, entonces sus manifestaciones son expresiones de la marginalidad que llega a la luz del día para chocar con lo convencional y llenarlo de dudas.

Él habla en su propio idioma en el arte, y cuenta historias o se manifiesta contra enemigos, pero enemigos que solo él con su visión puede detectar, enemigos que no cualquiera puede llegar a ver. Él nos anuncia sobre asuntos importante, y su música está plagada de esas visiones que brillan tanto por su presencia como por su peculiaridad. Y en su música esto es llevado siempre hacia ese extremo de un arte conceptualista basado en lo absurdo y demás yerbas deliciosas. Varios álbumes ha publicado y en cada uno de ellos retrata su visión del mundo y sus males, y su sonido es un antídoto contra esa chatura escondida en la superficie de la comunidad que se recalca hacia las convenciones para no salir jamás de allí. Pero es que Dick El Demasiado ha dado varios pasos hacia un adelante que lo ubica en un lugar de marginalidad, lo cual pareciera no representarle un peligro para él.

‘’Celulitis Popular’’, de 2012, es uno de sus trabajos discográficos, aunque a diferencia de sus demás publicaciones, aquí nos encontraremos con un trabajo instrumental, ya con nada de voces, lo cual pone la preponderancia en el despliegue instrumental. En esa área este disco consiste, estando entre ritmos provenientes de la cumbia pero que son adornados por distorsiones, sampleos y un sinfín de elementos que provienen del abanico creativo del autor y que enriquecen las performances y las llevan a ese lugar tan ‘’lunático’’ como solo Dick podría llevar, son sus auténticas cumbias lunáticas.

Tal vez sea la falta de voces cantadas lo que representa que la música de este trabajo viaje muy rápidamente hacia las experimentaciones instrumentales típicas del autor, y que estas experimentaciones estén volcadas a lo largo de todo el trabajo. La falta de voces abre el terreno para que el autor pueda jugar con los adornos de forma global, llevando su música a una intensificación de lo experimental. Estas son cumbias, pero poco reconocibles como tal en su forma clásica, son sus propias cumbias que se reconocen a la distancia y que llevan marcado a fuego su nombre.

Ese lugar que ha construido es de una buena riqueza y todo su mundo es espacio que se mantiene a salvo por si mismo. Todo su arte goza de una extravaganza, desde el mensaje, pasando por los materiales, hasta las sustancias y medios con los que se lleva a cabo, pero es que al fin se trata de un artista que ha tomado su camino y que nada ha logrado sacarlo de allí.

Cod: #1838

Fred Van Zegveld - Hammond Organ Dynamite (1969)

En su país natal el organista holandés Fred Van Zegveld supo hacer de las suyas con varios emprendimientos, por ejemplo siendo parte de la banda ‘’Roek's Family’’ con la que publarian el disco ‘’Get Yourself A Ticket’’ de 1969, pero tal vez uno de los puntos discográficos más notorios de su carrera fue este álbum en solitario, ‘’Hammond Organ Dynamite’’, publicado en 1969.

Poca información hay dando vueltas por ahí en la red sobre el autor, hay un comentario común que dice que es en realidad el estudio estaba preparado para grabar a otro artista, el cual no se presentó a la grabación, el buen Fred Van Zegveld andaba por ahí y aprovechando el momento entró al estudio con su banda y así salió el disco a la luz.

‘’Hammond Organ Dynamite’’ es un álbum típico de época con su sonido Hammond, sus reinterpretaciones de temas de The Beatles y sus búsquedas con miras amplias. Con el jazz de trasfondo y el órgano Hammond como líder de la producción, el disco presenta una serie de pistas en su totalidad instrumental y con mucha injerencia de las composiciones del artista, aunque también con algunas reinterpretaciones de temas conocidos, tres más específicamente, dos del repertorio de The Beatles y el "Whiskey" original de  Errol Garner.

Es un sonido que sabe ser suave cuando quiere, con momentos muy agradables de jazzy blues y piezas cortas de jazz fusión, y cuando quiere se acerca al rock y explota con alguna composición mucho más poderosa. 

El sonido del Hammond se adecua a cada situación de manera maestra, con sutilezas, suavidades y arreglos delicados en temas de pop, con vertiginosidades un poco mayores en algún jazzy blues cuando la ocasión lo amerita y con explosiones cuando se meter en algo de rock, o jazz rock, con un sonido mucho más frontal.

El disco es totalmente instrumental, hay un par de bluses altamente deliciosos, en los que suele aparecer una guitarra de fondo tirando algunas bases y no mucho más que eso más allá de sus segundos de gloria en el tema ‘’Round About 12’’, de todas formas no es necesario ya que el órgano interpreta lo justo y necesario para que la experiencia de su sonido solo haga brillar al sonido.

Hay mucho por escuchar aquí en el sentido de intensidades y búsquedas, la lista de tracks no es homogénea, todo el álbum es, aunque instrumental y aunque ejecutada por el mimo combo de músicos, una búsqueda de muchas cosas sucediéndose.

Es un álbum con su rock, su psicodelia, sus momentos de improvisación, sus búsquedas sonoras, piezas en su mayoría no tan extensas, y con su vena jazzera atravesando cada pasaje de las interpretaciones. No es un sonido excepcional ni mucho menos progresivo salvo por alguna suerte de fugaz momento improvisado donde sueltan las líneas un poco, pero no mucho más que eso, en general es un álbum que cuida los momentos y se maneja por un lugar estándar en la ejecución.

Publicado bajo el sello Park, el disco es una pieza extraña más allá de los conocedores de la psicodelia underground de epoca y de los amantes del sonido Hammond de época que puedan llegar a encontrar interés en esto.

Hacia finales de los 60s, con la explosión del órgano Hammond como recurso mucho más portátil y practico que un piano, este instrumento/sonido se convirtió en una pieza fundamental para el estilo de varios géneros, en especial el rock psicodélico, el rock progresivo, y por supuesto también el jazz y jazz fusión. Este lanzamiento refleja la fiebre que hubo con los lanzamientos jazzy blues y aledaños con sonidos caracterizados por el órgano Hammond.

Cod: #1782

Ramses Shaffy - Sunset-Sunkiss (1969)

Esta es una aventura musical de vanguardia, un invento, una innovación que para su época estaba bien ubicada, ya que suele atreverse a decir que incluso también se trata de rock progresivo, es que lo que aquí ocurre implica el surgir sucesivo de partes de rock que aparecen entre ambientes experimentales. De lo que más sabe este lanzamiento es de ambientes, momentos de delirio dentro de los que ocurre todo, como si de un experimento y un sonido conceptual se tratase. Es dentro de ese contexto donde surgen los elementos varios que enriquecen al sonido, entre gritos y voces, recitaciones habladas, y por supuesto esas partes de rock que dan la sensación de lo progresivo y pervierten aún más lo perverso.

Las continuas partes de rock surgidas en un sinfín de momentos, se pierden sucesivamente entre otras partes, con recitaciones, ruidos, delirios, instrumentaciones, fenómeno que deja en el aire esa sensación de que progresiones relacionadas con el rock están ocurriendo. Las partes de rock surgidas tienen que ver con momentos instrumentales, arremetidas acertadas y bien dinámicas entre lo que pareciera ser algo de música rock psicodélica. Las partes instrumentales se vuelven llamativas debido a que las mismas fueron ejecutadas por auténticos músicos de sesión de mucha calidad, entre los que estaban, entre otros, miembros de Focus.

Aunque el elemento que más sobresale por sobre todo lo demás es esa voz masculina que se encarga de recitar, con dotes expresivos y una voz profunda, algunas recitaciones que terminan de desparramarse durante todo el trabajo y vuelven el asunto hacia tierras de recitaciones y palabra hablada. Un sinfín de poemas son recitados con intensidad a lo largo de todo el trabajo.

El álbum fue creado por el conocido cantante holandés Ramses Shaffy, quien también participa en piano y voz en el mismo disco. El cantante y actor holandés-francés Ramses Shaffy se hizo popular durante la década de 1960, especialmente por sus canciones enérgicas y conmovedoras con las que sedujo a los holandeses, quienes, al menos hasta finales de los años 60, eran conocidos por su falta de extravagancia. Se dice que durante los años 60 todo el mundo en Ámsterdam estaba enamorado de él.

El disco puede llegar a no ser sencillo de escuchar debido a la extravagancia del mismo. Dividido en dos extensas partes, de entre 20 y 25 minutos cada una, y que ocupaban cada una un lado original del lanzamiento época en vinilo, se presenta toda una aventura musical en la que no hay canciones sino dos extensas partes de incursión sonora y experimentación instrumental. 

Seguramente se trata del álbum más ‘’extravagante’’ de Ramses Shaffy, o por lo menos en el que experimentó más, saliéndose de los sonidos populares y la canción. En gran medida esto es típico de la época, este tipo de extravagancia que solían surgir en las discografías de las bandas y artista solistas del momento no aparecían por casualidad. Había en la era hippie una fascinación por los vanguardismos, fascinación que encajó a la perfección con la cosmovisión del artista de época que buscaba en la psicodelia una forma de romper con los estándares e instituciones, la vanguardia no tardaría en llegar y complotar con la psicodelia del momento.

Esas vanguardias provenían de las escuelas europeas de música electrónica y concreta, de orquestas vanguardistas, e incluso antes de ello, de vanguardias como los surrealistas, dadaístas y futuristas, todo ello terminó de arribar a la década de los 60s en gran forma, y hacia finales de la década se vieron revitalizadas al encontrarse con la música popular. Este encuentro hacía que muchas veces la música de aquella época dorada no sea tan sencillo de escucha, pero es un buen ejercicio el de escucharla para romper con la estructura eterna del mote del hit cancionero popular que enloquece a las masas sedientas de divertimentos vanos.

En el inconsciente colectivo suele estar instalada la noción de que la música tiene que ser una canción, y si es pegadiza y exitosa se vuelve mucho más atractiva, percepción por la que se llega a despreciar cualquier música que se sale de estos requerimientos morales. Esta tendencia pareciera estar instalada a fuego en la percepción sobre la música, que nace de la percepción humana en sí misma, y que por supuesto se ve reflejada en las elecciones musicales de la mayoría.

Cod: #1774

Nico Gomez Y Su Afro Percussion Inc. - Ritual (1971)

Es ironico que este disco, tan embebido en la cultura latina, haya sido grabado por un holandés en su Holanda natal, pero es así, Joseph Van Het Groenewoud, mejor conocido como Nico Gómez, fue un músico y compositor nacido de los Países Bajos pero que pasó su juventud en las Antillas, Cuba y otras islas del Caribe, paso por esas tierras que dejaría una influencia decisiva en su estilo artístico y personal.

Desde la década de los 50 hasta los sesenta, Nico Gómez trabajo como director de orquesta para varios artistas como Chakachas y Francis Bay, al mismo tiempo que dirigió muchos conjuntos con sabor latino. Aunque su grabación, y lanzamiento, más memorable y buscado por los coleccionistas, probablemente sea su ‘’Ritual’’ publicado en 1971 bajo el nombre de Nico Gómez And His Afro Percussion Inc., un excitante obra de música funk con notable sabor afro latin, una obra exótica de gran nivel, muy bien ubicada en el género. 

Toques de funk, elementos de música latin como el mambo, o Bossa, elementos afro y cubanos, exotismo ritual afro y sonidos de rock psicodélico dan vida a un disco que, sin ser necesariamente una mera copia del estilo de Santana, se ubica como un artefacto destacado dentro del género ‘’latin’’ en la orientación de funk o rock.

No hace falta comparar a este disco con los discos de Santana, porque este artefacto cuenta con su propia aura y su propio merito, con una fusión muy esmerada entre la psicodelia y el mundo latino, mezclando, como es costumbre en los discos de este estilo, elementos de música latinas que muchas veces aparecen crudos y no fusionados a las guitarras eléctricas u órganos Hammond.

El trabajo es divertido en su totalidad ya que cuenta con invenciones ricas en estribillos, pasajes, ritmos funk a lo que muchas veces se le suman percusiones típicas, además de una variedad de propuestas que hacen transitar al oyente por momentos más movidos y otros más lentos y melódicos. Entre sabores de mambo, música chicana, samba brasilera, rock, psicodelia, y más elementos se conjugan en el sonido del disco para dar vida a un artefacto destacado del latin funk y la música latin de la época.

Tal vez otro de los logros del disco sea la fusión con los elementos psicodélicos, que aparecen en forma de guitarra eléctrica fuzz, con el típico sonido distorsionado sesentero, además de la aparición de los Hammonds  que terminan de darle esa aura de influencia sesentera, psicodélica y chicana; psicodelia que se entremezcla como pocas veces vista entre sambas y sabores de todo tipo, entre instrumentaciones y ambientes.

Tampoco podía faltar el aura ritual que el mundo afro y latin puede aportar, es más, el disco se llama así mismo, ‘’Ritual’’, reflejándose entre las auras de cada pista pero haciéndose carne especialmente en una pista llamada exactamente de la misma manera, ‘’Ritual’’, una pieza instrumental con sabores funk y adiciones de percusiones y líneas de viento, que terminan volcándose en una sesiones de percusiones entre baterías y bongos que dominan la pista.

Y tal vez el mérito más logrado del trabajo sea la forma en que este músico holandés capto la esencia latin afro cubana que absorbió en su estadía en estos países y que supo trasladar a su Holanda natal, con yeites típicos del estilo muy bien logrados como esos agregados vocales tomados al parecer de la influencia de Perez Prado y que son tan característico de esta música, además de los sabores y la diferentes mixturas logradas en el disco.

Cod: #1632

Group 1850 - Agemo's Trip To Mother Earth (1968)

Publicado originalmente en 1968, este es el primer lanzamiento de la banda holandesa Group 1850, un artefacto perdido del rock holandés que no tiene tanto que ver con el progresivo como se dice por ahí sino más bien está relacionado con la psicodélia y la experimentación rumbo a esos lares de delirio y cierto misticismo. La banda, aunque no alcanzó fama fuera de su Holanda natal y no tuvo un gran despliegue histórico en su país, aun así con su primer disco se ubicó como uno de los primeros proyectos psicodélicos de Holanda, con una propuesta que realmente ahonda en muchos momentos de gran goce lisérgico experimental. Con el tiempo la banda ha ido obteniendo algo de reconocimiento hasta tal vez ubicarse, con su primer lanzamiento, como una de las propuestas más delirantes de la psicodelia europea de la época.

Su álbum debut apareció en 1968, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, haciendo un evidente guiño hacia la psicodelia de la época, de la cual se nutren y proveen, apareciendo esta desde el comienzo hasta el final del trabajo, empapando a la producción rockera propuesta. Fueron agiles al momento de crear propuestas delirantes, en su mayoría las pistas son trips que conducen al delirio, con una producción delicada donde aparecen sutiles propuestas de delirio sonoro, experimentación, ambientes, etc. En los Países Bajos, el disco poseía una portada que tenía una imagen en 3-D y venía con un par de lentes en 3D para poder verla correctamente.

Un rol que cumplió la psicodelia fue el de, no solo romper con viejas tradiciones morales post segunda guerra mundial, sino también, destruir la estructura básica de la canción, proponiendo nuevas formas que se salían de los cánones artístico y se ubicaban en un lugar de fulguraciones creativas. Si bien el maistream comercial del rock psicodélico sí utilizó la canción, lo cierto es que cuando muchas bandas de la época experimentaban, en esa búsqueda bajo efectos alucinógenos, muchas veces aparecían sonidos que difícilmente podían ser ubicados bajo una forma reconocible, apareciendo fusiones con diversos estilos, experimentando en estudio con sonidos alterados lo que daba como resultado un vanguardismo sonoro, apareciendo también las extensas improvisaciones donde se caía en delirios instrumentales, etc.

En este disco aparecen algunas de esas salvedades creativas típicas de la época, por ejemplo la pieza ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’, un track de trece minutos de duración extendido en un trip psicodélico de gran experimentación que logra alcanzar una complejidad llamativa al transitar por buena cantidad de partes y momentos diversos, tal vez por eso eventualmente se tilde al disco de ‘’progresivo’’, pero esa pieza tiene relación directa con la psicodélica, con experimentaciones varias y hasta para una sesión donde suena solo una voz y en el fondo una batería. Luego, las utlimas tres piezas del disco también cuentan con su peculiaridad, viajes delicados que se suceden entre pasajes calmos pastorales, recitaciones y más ambientes delirantes.

Todo el disco en sí mismo en una gran puesta en escena creativa presentando una serie de piezas de variado índole psicodélico y de diferente manufactura, una travesía que parece conceptual, con un concepto ininteligible que hace referencias a la ‘’mother earth’’ y a la ‘’universal people’’. Esta es una gran adición a la colección psicodélica, con un disco que está realmente a la altura de la época en producción y creatividad y provee de un buen trip al oyente. Se destacan piezas como la mencionada ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’ y otra pieza de gran goce es la llamada ‘’Little Fly’’.

La banda se fundó en 1964 en La Haya, Holanda. Comenzaron bajo el nombre Klits, en una clara referencia al clítoris, pero rápidamente cambiaron su nombre por el de ‘’Group 1850’’. En 1966 su single debut, "Misty Night" / "Look Around", apareció en el pequeño sello Yep. En 1968 publican su disco debut, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, bajo el sello ‘’Philips’’. Un lanzamiento en el Reino Unido (también en Philips) no ayudó a la banda a afianzarse fuera de los Países Bajos, y Philips los abandonó poco después. Su siguiente álbum, ‘’Paradise Now’’, apareció en el sello discográfico holandés Discofoon en 1969 y fue solo un poco menos influenciado por el ácido que su predecesor. La banda se disolvió poco después, pero estuvo esporádicamente activa durante la década de 70s.

Cod: #1566

Boudewijn De Groot - Picknick (1968)

Por aquellos años el Sgt. Pepper's de los Beatles marcaba tendencia como una obra icónica que había irrumpido en la escena rock psicodélica y ya se comenzaba a erigir como un pilar del género instaurando un nuevo estándar: el ‘’disco conceptual psicodélico’’, con arreglos orquestales y cierta experimentación. En realidad Sgt. Pepper's no fue tan sinfónico (a no ser por algunos breves arreglos en ‘’A Day In The Life’’) y tampoco fue una obra de composiciones tan conceptualizada, a no ser por algunos pasajes, pero en la época repercutió notablemente, insinuándose como un obra conceptual experimental e inspirando a muchos contemporáneos a crear obras conceptuales de similar o mayor calibre experimental. Los griegos de Aphrodite's Child tomaron mucho del Sgt. Pepper's para crear su icónico  disco 666. Y sería el holandés Boudewijn De Groot otro artista quien se inspiraría en dicho disco de los Beatles para crear uno de sus discos más psicodélicos, Picknick, de 1968.

Frank Boudewijn de Groot es un artista, autor y productor de discos holandés, que vive en Haarlem, Holanda . Es mejor conocido por las canciones "Welterusten, Meneer President", "Verdronken vlinder", "Testament", "Jimmy", "Avond" y "Het land van Maas en Waal". A mediados de los 60s comienza su carrera profesional y comienza a vivir exclusivamente de su profesión como músico. Sus primeros singles de 1964 y algunas apariciones en televisión hiciero de Boudewijn un joven celebridad. Luego de sus dos primeros discos publicados como solistas, se encamina hacia la creación de Picknick, en 1968, inspirado por el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles.

‘’Picknick ‘’ es un muy ambicioso trabajo que toma mucho de su época y lo reproduce a la holandesa, en su mayoría se trata de pop con acercamiento a la psicodelia, algo de rock, además de arreglos de vientos, y también arreglos orquestales. Boudewijn De Groot: ‘’Le pedimos a Han de Vries que viniera a tocar con algunos instrumentos de viento y trajo la mitad del Dutch Wind Ensemble con él. Citamos música clásica (''Zauberflöte'' de Mozart se puede escuchar en ''People around me'') y pop (usé el lick de guitarra de ''Foxy lady'' de Jimi Hendrix para ''Tegenland''). Musicalmente pasamos de la India, que era una necesidad absoluta para cualquier verdadero hippie, a los años ' 30 y luego el jazz de los 60, como en 'Canzone 4711'. Queríamos todo y Bert Paige podía hacer todo.’’

La producción es delicada y dedicada, sutiles arreglos se desparramas por todo el disco, y este cuenta con esa visión de trascender y proponer algo sorprendente, por lo que hay detalles, arreglos y elementos desparramados por todo el disco. Hay mucha canción pop, siempre finamente ornamentada por finos arreglos de cuerda, también hay rock, jazz, baladas, una cancion acústica, es decir todo un repertorio y un despliegue único. La canción ‘’Canzone 4711’’ es una canción de amor en la que la marca de agua de colonia 4711 está entretejida en el título. En la letra hay una referencia a ‘’All You Need Is Love’’ de The Beatles. Las canciones ‘’Eva’’, ‘’El jardín de las delicias’’ y ‘’Megatón’’ juntas forman un tríptico (Cielo, Tierra e Infierno) que está tomado e inspirado del tríptico ‘’Jardín de las Delicias’’ del pintor Jeroen Bosch.

Boudewijn De Groot  declara en su sitio web acerca de este disco: ‘’Un album cada año, ese era nuestro lema. El flower power había sido introducido, soplado desde San Francisco y puesto a música de una vez por todas por The Beatles con '' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band''. Más o menos desafiado por la revista pop Hitweek, le grité a Lennaert que teníamos que hacer un disco así, porque también podíamos hacerlo. El primer disco psicodélico en holandés; pedazo de empresa. Teníamos que demostrarlo, porque según la revista pop nuestra música no era pop y la de Armand sí. Así que no podíamos dejar que eso siguiera nuestro camino. O en realidad debería hablar por mí mismo, porque Lennaert rara vez o nunca participa en las tendencias y no tiene absolutamente nada que ver con los hippies y el flower power. ’’

Este disco fue uno de las primerísimas producciones psicodélicas de Holanda, además de un éxito, consiguió oro y platino y un premio Edison. Después de este éxito, Boudewijn creyó que podía seguir experimentando. Junto con un amigo de la academia de cine, Lucien Duzee, escribió la epopeya casi mística ''Heksensabbath'', el componente principal del LP "Nacht en ontij" de 1968. La carrera de Boudewijn continuó de manera fructífera, alternado su tarea entre la producción de otros artistas y la producción de sus propios discos, continuando su carrera hasta el día de hoy, en 2020 dio su último concierto antes de su retiro oficial de los escenarios.

Cod: #1522

Supersister - Present From Nancy (1970)

Supersister es a menudo citada en los ámbitos progresivos debido a su considerable fama dentro de este género en Europa, siendo una banda pilar para la música progresiva de su Holanda natal, fama que consiguieron debido a su tan particular sonido de rock sofisticado netamente propio y personal, proponiendo, dentro de los pocos años de su corta vida (por lo menos en su primer etapa en la década de los 70s), una serie de mixturas y propuestas progresivas de gran originalidad. A menudo se la relaciona también con la música progresiva de la escena de Canterbury, debido a varios elementos que la emparentan con algunas bandas de ese estilo, como Caravan o Soft Machine, de esta última especialmente se hace familiar el sonido por los típicos sonidos distorsionados de los órganos y por el estilo de arreglos vocales y cantos.

Esta banda holandesa propuso ya desde su primer trabajo, ‘’Present From Nancy’’, de 1970, una conjunción de elementos que rondan lo progresivo y una serie de tramas de variada índole, con un sonido netamente propio y con alto rango de efectividad progresiva, o sea que las progresiones son justas y no se sobrecargan en ningún momento. Hay varios episodios en este disco que se diferencian entre sí, desde la muy particular introducción, algunas piezas con aire de canción, hasta otras que son atascos progresivos instrumentales.

Otro elemento destacado es la clara influencia de la música fusión/experimental temprana de Frank Zappa, con el típico estilo ecléctico y vanguardista, a lo que se le suma también su influencia con esos elementos de sátira musical o humor ácido que se refleja en instrumentaciones abruptas y sonidos agregados, además de otros agregados bizarros con voces; véase ‘’Corporation Combo Boys’’ donde incluso nombra a The Mothers of Invention.

La sofisticación de este disco es cosa particular, podría decirse vagamente que se trata de música progresiva, y definitivamente están influidos por esta, pero hilando fino se puede apreciar un patrón en las composiciones, un carácter como de cierto ‘’minimalismo’’ que hace que las estructuras fluyan dentro de patrones que eventualmente se repiten sucesivamente y que, al ser ejecutados con vertiginosidad, da esa sensación de algo ‘’progresivo’’, pero en realidad se trata de una moción propia de la banda: estructuras con bases repetitivas sobre la que desfilan diversos arreglos e improvisaciones.

El disco, pese a su gran cantidad de tracks, transcurre rápidamente, debido a que muchas piezas son de corta duración, pero debido más especialmente a lo agradable y variada de la propuesta, lo que hace de la escucha algo que fluye entre diversas estructuras y ocurrencias. El primer trabajo de Supersister sigue siendo uno de los mejores álbumes de rock progresivo de Holanda y un clásico del género en todo el mundo, porque cuenta con esa virtud de ofrecer una paleta de variados colores instrumentales y eso hace del sonido una experiencia enriquecedora y reveladora, con sonidos cómodos pese a la complejidad, sonidos suaves del órgano pese a la distorsión.

Párrafo aparte puede hacerse sobre la reinterpretación que hace la banda de ‘’Dona Nobis Pacem’’. Esta composición tradicionalmente se la conoce como ‘’ronda’’,  una composición musical que consiste en la repetición sucesiva de una melodía sencilla, pero que la banda toma y convierte en algo con aire experimental, en un ambiente lúgubre y oscuro predominado por órganos y otros agregados instrumentales pero sutiles y con estilo clásico. La aparición de esta ronda en el final del disco tal vez sea una pista para entender el concepto total del trabajo, que a menudo consiste en repeticiones de estructuras que se suceden en el tiempo.

Supersister se formó originalmente en La Haya, Holanda, en 1967, bajo el nombre de Sweet OK Supersister, una banda escolar con el cantante y compositor Rob Douw, quien poco después se fue. Los miembros restantes continuaron como un cuarteto musical más serio bajo el nombre de Supersister.  Los miembros de la banda más predominantes fueron Robert Jan Stips (teclados, voz), Sacha van Geest (flauta), Ron van Eck (bajo) y Marco Vrolijk (batería). Grabaron cinco discos entre 1970 y 1974, este último año fue cuando se separaron casi definitivamente.

Se volvieron a reunir en 2000, pero en 2001, Sacha van Geest murió de un ataque al corazón que significó el final para Supersister. Luego planearon una reunión como una banda de tres miembros en 2010, pero luego Ron van Eck murió de cáncer en 2011. En 2019, Robert Jan Stips le pidió a un grupo de viejos amigos musicales que hicieran nueva música al estilo de Supersister que llevó a la banda que ahora se llama Supersister Projekt 2019.

Cod: #1507

Annette Peacock & Paul Bley - Dual Unity (1972)

Este trabajo nace del encuentro de dos músicos que en realidad eran pareja, estaban casados, el genio del jazz canadiense Paul Bley, y la vocalista Annette Peacock quien por ese 1972 había publicado su primer álbum solista ‘’I'm The One’’, demostrando su carácter experimental y su espíritu por demás vanguardista. 

Dual Unity, grabado en dos sesiones diferentes, el 26 de Marzo de 1971 en Venue Club B14, Rotterdam, Holanda, donde se grabaron los tracks uno y dos del disco, y el 16 de Noviembre de 1971, en Espace Cardin, en Paris, Francia, donde se grabaron los tracks restantes, tres y cuatro; disco publicado finalmente un año después, 1972, bajo el sello Freedom Records. 

Este trabajo es el resultado del encuentro entre el jazz y la electrónica, embalados en un paquete vanguardista experimental que los lleva a plantear escenas musicales de ejecución libre, tipo free jazz electrónico, con una visión vanguardista de sonoridad experimental, aplicación libre del sonido una libertad de ejecución que los hace trascender varios limites dentro de la electrónica y por supuesto dentro del jazz mismo.

Es una autentica declaración de valores a través del minimalismo sintético y la experimentación vanguardista con free jazz. ‘’MU’’ es la primera pieza del trabajo, la más extensa, ya que dura diecisiete minutos, y la que tiene en todo el álbum un concepto más marcado con respecto a los demás tracks, se trata de una base instrumental que se repite constantemente y sobre la cual desfilan las melodías y las experimentación, y ya sobre el final aparece la voz de Peacock dándole otro color a una pieza que de por sí ya era algo extraña.

El resto de los tracks del trabajo constan también de un sonido similar, jazz electrónico, pero en este caso nos encontramos con experimentación pura y dura, sonido de ejecución libre y caótico, estilo free jazz puro pero reinterpretado desde la electrónica, con los sintetizadores a pleno vuelo, desparramando modulaciones y aplicaciones de diversa manufactura. Es posible que la misma Peacock haya participado también con algún artefacto que alterara su voz de forma electrónica, como lo hizo en su álbum debut, publicado ese mismo año de 1972, en el que se puede escuchar su voz distorsionada electrónicamente.

La músicos participantes del trabajo constaron en Annette Peacock en voz y efectos electrónicos vocales, su esposo el pianista Paul Bley en sintetizador Moog, además de Han Bennink en batería en "MJ" y "Gargantuan Encounter", Mario Pavone en bajo y Laurence Cook, batería en "Richter Scale" y "Dual Unity"

Estas son algunas palabras de Peacock sobre su trabajo en aquellos tiempos: ‘’En aquel momento el sintetizador era algo nuevo y realmente excitante. Yo trabajaba en esa época con un pianista, Paul Bley, que se limitaba a utilizar el sintetizador con el teclado. Yo tuve la idea de modificar todo el sonido del grupo durante la actuación en directo mediante el sintetizador (aplicado a la batería, la sección de viento, etc.). 

Pero era muy complicado hacerlo en directo, por la falta de medios; en estudio era más sencillo, puedes oírlo en “I’m The One”. Luego pensé en pasar la voz por el sintetizador e inventé una forma de hacerlo. Entonces colaboré con los fabricantes (Moog) para desarrollar una unidad más accesible. Parecía inevitable que el desarrollo tecnológico afectara la voz. Por supuesto, hoy en día esta puede modificarse notablemente.’’

Cod: #1367

Free Music Quintet - Free Music One And Two (1968)

Free Music Quintet fue un grupo de músicos de variada nacionalidad dedicado al free jazz y a, como el nombre del grupo lo indica, la música libre, hacer música libre completamente radicalizada y manifestada de forma casi expresionista. El grupo fue creado en 1967 y liderado por el baterista y percusionista Pierre Courbois (cuya lista de créditos para esa época ya incluía sesiones y shows con John Coltrane, Kenny Clarke, Bud Powell, Lol Coxhill, Johnny Griffin y Mal Waldron), quien estaba acompañado por Ferdy Rikkers en bajo, Peter Van Der Locht en saxo y flauta, Boy Raaymakers en trompeta y percusión, y Erwin Somer en violin y percusión.

El quinteto grabó un álbum para el sello ESP-Disk en 1968, ‘’Free Music 1 And 2’’, grabado en un típico día lluvioso holandés, en la granja de Erwin Somer, dentro de un establo, al cual había llevado una enorme grabadora de cuatro pistas. En este trabajo el grupo refleja su postura cuasi filosófica ante la música, partiendo desde el free jazz y yendo aún más allá con un sonido que expresa completa libertad de expresión y acción hacia cualquier dirección expresiva. Los músicos parecen actuar bajo la premisa radical de libertad total, lo que se refleja en una música sin nombre, sin comienzo ni final, sin armonía, se trata de una música bruta y neta, creada a mano, traída espontáneamente y liberada al instante.

El trabajo consta de dos composiciones sin nombre, dos extensas sesiones de, como se dijo antes, una música expresada libremente, a lo largo de un extenso repertorio de un carácter muy personal, por momentos caótico y sobrecargado, por momentos más sutil, pero siempre funcionando como una cacofonía de vientos, percusiones y cuerdas que vuelan libremente al ritmo de un compás espontaneo y para nada planeado de antemano.

Pequeños chasquidos, golpecitos, rasguidos, se aproximan y se agolpan sutilmente, Courbois siempre en la batería dando un trasfondo definido y siendo parte principal del cuerpo sonoro, aún más en los momentos de mayor tensión y ejecución. El sonido se va creando con pequeños aportes de cada músico, seguramente desconcertantes para el oído más convencional pero de una sutileza enorme al fin, con un montón de texturas, alturas, intensidades, ambientes percusivos, recreaciones cacofónicas y puestas en escena de una música soltada sin restricciones.

Es una música a la que hay que aproximarse con cuidado porque, por si sola, derrumba muchos de los prejuicios que tenemos a la hora de escuchar el sonido musical, aquí no hay canciones ni composiciones, no hay armonías ni acordes, no hay tempos ni ritmos, solo una libre ejecución de los músicos que actúan a placer y completan el espacio de forma espontánea. Hacer esta salvedad y entender estas premisas puede ayudarnos a acercarnos a este disco y este tipo de música.

Peter Van Der Locht recuerda que: ‘’Estaba yo muy influenciado por el tan llamado ‘’psicodrama’’, en el cual tenes tres posibilidades de establecer tu posición: hacer exactamente lo opuesto de lo que hacen los demás, hacer lo que hacen los demás, o hacer algo completamente distinto de todo lo demás. Esas tres ‘’reglas’’ eran mi guía. Vi a la música como un ejercicio para desarrollarme a mí mismo, para aprender acerca de la forma y sus problemas. Al final esto me ayudó mucho conceptualmente. Toda la banda se inmiscuyó cada vez mas en estas ideas de psicodrama.’’

Pierre Courbois fue el único músico del grupo que quien se le pudo seguir el rastros, él había sido uno de los primeros en hacer free jazz en Europa, creando su Free Jazz Quartet en 1961. Luego de la experiencia con el Free Music Quintet  fundó uno de los primeros grupos europeos de jazz-rock, que en un comienzo era conocido simplemente como ‘’Association’’. En 1982 Courbois fundó ‘’New Association’’ junto a Heribert Wagner, Ben Gerritsen y Ferdi Rikkers. 

En 1992, comenzó con un quinteto con su propio nombre y, por primera vez en su carrera, interpretó piezas compuestas por él mismo, este conjunto sorprendió gratamente a los críticos y al público, con un retorno a la tradición de Charles Mingus: jazz temático, conjunto melódico y una experimentación con improvisación lineal. En 1999 fundó el Double Quintet y en 2003 el Five Four Sextet, con Eric Vloeimans, Ilja Reijngoud , Jasper Blom, Paul van Kemenade y Niko Langenhuijsen. Actualmente sigue tocando en vivo.

Cod: #1341

Association & Pierre Courbois - Earwax (1970)

Pierre Courbois es un baterista de jazz holandés, director de orquesta y compositor, quien después de estudiar percusión en Hogeschool der Kunsten en Arnhem, se trasladó a París, el centro del jazz en Europa a principios de los años sesenta, donde tuvo mucho trabajo como músico. Courbois fue uno de los primeros músicos en Europa para experimentar con el free jazz. En 1961 se convirtió en el baterista y líder del Free Jazz Quartet. En 1965 fundó otro grupo, el Free Music Quintet, compuesto por músicos internacionales.

En 1969, Courbois fundó uno de los primeros grupos europeos de jazz-rock, que en un comienzo era conocido simplemente como Association. Originalmente era acompañado por el tecladista holandés Jasper van't Hof, el guitarrista alemán Toto Blanke y el bajista Siggi Busch, aunque en el primer disco de la banda participaría también otro bajista, Peter Krijnen. Su primer trabajo llegó en 1970, conocido como Earwax, un álbum de una extraño estirpe, más bien calmo, sin mayores distorsiones o complejidades, tendiente un tanto hacia la experimentación pero esta no se presenta tan abruptamente.

En sí se trata de un trabajo de jazz-rock, con un sonido en general limpio y prolijo, y, por ejemplo, aparecen algunas pieza como ‘’Spider’’, ‘’Earwax’’ o ‘’Jazzper’’, que parecen ser más bien convencionales dentro del fusión, con estructuras sencillas y correctas, y buenos solos en guitarra eléctrica y piano eléctrico. Aunque por otra parte aparecen algún sonidos que rompen con esto, en ‘’Hit the P. tit’’ o ‘’Round A’bout Nine’’, que se adentran más dentro del campo de la experimentación, con sonidos improvisados, distorsiones y estructuras creadas con la libre ejecución.

Es un álbum más bien del under, no muy ambicioso pero no por eso menos valedero, es un trabajo no muy extenso, que presenta tímidamente una cara que termina siendo experimental, o algo vanguardista, un sonido que tal vez guste a algunos. Un álbum fino, no predestinado a mayores convenciones, de una gran calidad. A menudo suele aparecer, extrañamente, entre las listas de discos de krautrock, cosa extraña porque no pareciera tener mucho acercamiento a este estilo, ni tiene tampoco acercamiento alguno a al electrónica, en sus momentos más ‘’experimentales’’, por así decirlo, se acercan más que nada, podria decirse, al free jazz, pero no al krautrock.

Luego del primer lanzamiento la banda funcionó bajo el nombre de Association P.C. El grupo existió hasta 1975, etapa en la que alcanzaron a publicar cinco discos, trabajos en los que continuaron y profundizaron el desarrollo del jazz-fusion, con algunas miras experimentales, a veces similares a Soft Machine. El pianista alemán Joachim Kuhn se unió a la formación para sus dos últimas grabaciones, Rock Around The Cock y Mama Kuku , reemplazando a Jasper Van't Hoff cuando éste se despidió para formar el proyecto Pork Pie.

En 1982 Courbois fundó ‘’New Association’’ junto a Heribert Wagner, Ben Gerritsen y Ferdi Rikkers. En 1992, comenzó con un quinteto con su propio nombre y, por primera vez en su carrera, interpretó piezas compuestas por él mismo, este conjunto sorprendió gratamente a los críticos y al público, con un retorno a la tradición de Charles Mingus: jazz temático, conjunto melódico y una experimentación con improvisación lineal. En 1999 fundó el Double Quintet y en 2003 el Five Four Sextet, con Eric Vloeimans, Ilja Reijngoud , Jasper Blom, Paul van Kemenade y Niko Langenhuijsen. Actualmente sigue tocando en vivo.

Cod: #1315

Solution - Solution (1971)

La banda holandesa de rock progresivo Solution existió entre 1970 y 1983, tiempo durante el cual lanzaron seis álbumes de estudio y un álbum en vivo. Incorporaron influencias de jazz, rock, pop y soul, convirtiéndose en más comerciales en su quinto y sexto álbumes. Los orígenes del grupo tienen lugar en 1966, los miembros fundadores el saxofonista Tom Barlage y el pianista Willem Ennes, que habían tocado juntos en la banda holandesa ‘’The Keys’’, se alejan de este grupo para emprender su propio camino. La banda adopta el nombre de ‘’Soulution’’ y en 1969 el baterista Hans Waterman se les une.  

La banda firmó con el pequeño sello Catfish y para 1971, el ahora cuarteto, logra publicar su primer lanzamiento, un formidable trabajo de rock progresivo potente y muy atinado en la eficacia de sus arreglos, y además, pese al poderío progresivo, que son capaces de sobrellevar, no se encierran en este, lo progresivo, sino que se encargan en desarrollar otras facetas, mostrando una cara más sutil y melancólica, con pasajes instrumentales suaves, pero sin dejar de ser experimentales y atmosféricos, y sin dejar lo complejo de lado. Un costado más sutil de otro, el otro lado de la moneda, que es netamente progresivo, complejo, en el que se agolpan partes y partes, con cambiantes tempos y variadas texturas, siempre con un sonido bueno al oído, no difícil de escuchar. 

Es una producción bastante ecléctica, del tipo que no se puede identificar fácilmente en un estilo determinado; crearon su música sin preocuparse demasiado por un público objetivo, esto se refleja en el tiempo que dedican en desarrollar las partes más suaves, y de como de ellas se desprenden otras partes directamente progresivas y más vertiginosas; esto véase fielmente en ‘’Phases’’, tema que cuenta con una introducción de 5 minutos (si es que eso es una introducción, tal vez en realidad sea la primer parte propiamente dicha) con una instrumentación tranquila y de la que no se sospecharían que se engancharía con alguna parte más concreta.

El resto de los temas, especialmente los últimos dos, ‘’Trane Steps’’ & ‘’Circus Circunstances’’ son más que una continuación de lo dicho anteriormente, temas progresivos potentes que se intercalan con partes interiores más tranquilas y suaves, elementos de jazz fusión que surgen y se potencian con los arreglos de saxo, progresiones, explosiones de teclas, estructuras complejas y cambiantes, etc., no hay manera de pasarla mal con este disco si es que se gusta del rock progresivo.

Sin guitarras eléctrica, los encargado de dirigir los atascos son unos teclados y órganos que juegan en general a la par, sumado a arreglos de viento con saxos y flautas, de la combinación de estos surge el cuerpo mismo del sonido. Lo único que podría decirse como critica es que los temas, más allá de la temible sofisticación y poderío, son algo repetitivos, algunas estructuras, arreglos y melodías suelen repetirse, eso hacen de las composiciones algo cíclicas, esto le quita algo de frescura al estilo final, aunque no disminuyen demasiado el disfrute que se puede obtener de los temas.

Todos los temas son instrumentales, a escepsion de ‘’Phases’’ que cuenta con la voz del también bajista Peter van der Sande. Él fue sucedido por Guus Willemse alrededor del momento del lanzamiento del álbum debut, e inmediatamente la banda comenzó a registrar más canciones vocales; tres de estas pistas fueron incluidas en el segundo álbum, Divergence, la banda poco a poco fue inclinándose hacia un costado más melódico. El tercer álbum, Cordon Bleu, de 1975, fue lanzado por el propio sello de Elton John, ‘’The Rocket Record Company’’, así como su seguiente "Fully Interlocking", de 1977. Ambos álbumes fueron producidos por el productor de John, Gus Dudgeon , presentando un sonido más nítido y con composiciones más concisas. A pesar de algunas críticas por una dirección más comercial, los dos siguientes álbumes, ‘’... It's Only Just Begun...’’ de 1980, y ‘’Runaway’’ de 1982, continuaron con esta tendencia. Las dos pistas del título de estos álbumes se convirtieron en singles de éxito en Europa.

Cod: #1298

Karel Appel - Musique Barbare (1963)

Karel Appel fue un pintor, escultor y artista gráfico expresionista holandés de la segunda mitad del siglo XX. Estudió en la academia de Bellas Artes de Ámsterdam, entre 1940 y 1943, durante la ocupación alemana, y fue un importante participe de los movimientos artísticos vanguardistas de su país. Sus padres se opusieron a su elección de convertirse en un artista, llevándolo a irse de casa natal, esto también era necesario porque necesitaba esconderse de la policía alemana para no ser capturado y enviado a Alemania, para trabajar en la industria de armas. 

En 1948 colaboró con la fundación y fue parte del movimiento vanguardista del grupo ‘’Cobra’’, surgido poco después del fin de la segunda guerra mundial.  En 1950 se trasladó a París y durante la siguiente década comenzó a ganar reputación internacional con viajes a Francia, México, los Estados Unidos, Brasil y Yugoslavia, dividiendo su residencia entre Nueva York y Florencia. Pasó largos periodos en los Estados Unidos y llegó a ser uno de los más grandes exponentes de la Abstracción Expresiva.

En 1963 se registró en el Instituut Voor Sonologie, en Holanda, un estudio de música electrónica destinado al desarrollo experimental de la sonoridad perteneciente a al sello Philips, para componer música para un documental realizado por el cineasta Jan Vrijman. Realizado en colaboración con otro miembro del instituto, Frits Weiland, ‘’Musique Barbare’’ es una incursión en terrenos de música experimental, música concreta, sin ritmos, ni melodías, ni estructuras, elaborada a base de exabruptos sonoros y reberberancias con órganos eléctricos, además de distintos disturbios percusivos distorsionados ejecutados en una batería, ensamblado todo en un paquete sonoro manipulado en estudio, editado y mezclado con cintas y efectos electrónicos, que por momentos le dan una forma nueva a los sonidos y le brindan una identidad que no pareciera salida de los instrumentos de los cuales realmente salieron.

El concepto de ‘’música bárbara’’ (Musique Barbare) queda más que claro reflejado en el carácter de las ejecuciones, que son abruptas y llegan a desbordarse en su propio caos, elaborado bajo una consigna de expresión libre y espontánea. Se puede escuchar al mismo Appel exclamando en la grabación: “I Do Not Paint / I Hit!” (yo no pinto, golpeo!), como un reflejo de su estilo, la manifestación sonora propia y espontánea, la ejecución instantánea, una característica sonora que no sería más que una extensión de su propio estilo personal artístico, al que desplegaba especialmente en sus pinturas, de estilo abstracto y expresionista, conocidas ya desde la década de los 50s.

Influenciado por Harry Bertoia y sus teorías de ‘arte bruto’ y ‘arte de desconocidos’, o influenciado por la música concreta de Jean Dubuffet, Appel trata al sonido desde la mirada del artista plástico y su paleta sonora se vuelve un terreno experimental, muy fértil para lo intuitivo, enviando señales de arte sonoro bruto. La aparición de los teclados electrónicos, además de la alteración sonora de estudio, da al sonido un acercamiento a la electrónica, además de recordar a Sun Ra y sus similares alocados solos en teclado. La presencia del libre improvisacionismo en teclados y baterías no dejan muy lejano al sonido de lo que es el free jazz, y también trae reminiscencias de alguna experimentación psicodélica futura. Según dicen, ‘’la violencia gestual y el desprecio por la forma, reforzadas por yuxtaposiciones cromáticas, colores vivos y tonos patéticos y burlescos’’, eran sus consignas como pintor y artista gráfico, por lo menos en el primer periodo de su carrera, y parece ser una manera perfecta de definir su única creación musical, controversial por naturaleza. 

Appel fue un artista incansable que exploró múltiples lenguajes, desde la escultura, la cerámica, la pintura mural, la vidriera o el grabado. Durante su larga carrera artística recibió numerosos reconocimientos y colaboró con artistas de otras disciplinas como el poeta Allen Ginsberg o el coreógrafo Min Tanaka. Su carrera, obviamente, ha tenido más notoriedad por el lado de la pintura, su obra ha sido expuesta en varias galerías, entre ellas la Galería Anita Shapolsky de Nueva York, la Galerie Lelong de París, la Galerie Ulysses de Viena y la Gallery LL de Amsterdam. Appel falleció en Zurich, a la edad de 85 años en 2006.

Cod: #1288

Ahora Mazda - Ahora Mazda (1970)

En 1965, en la ciudad de Amsterdam (Holanda), se reunieron tres músicos: Rob Van Wageningen y los hermanos Peter y Winky Abbink. Todos ellos tocaban música orientada al jazz. Casi inmediatamente el equipo recibió el nombre de "Free Art Group". Para puntos de referencia se tomaron maestros del género como Ornette Coleman, Sun Ra y John Coltrane. En 1968, el bajista Tony Schreuder se unió al Free Art Group. Pronto el grupo cambia su nombre a "Grupo 67/68".

Luego de varios años experimentando y re interpretando el jazz desde sus cimientos hasta la vanguardia más contemporánea; el grupo comienza a adentrarse en la experimentación, en su nueva faceta en la cual "Ahora Mazda"; bajo la influencia de la “world music” el cuarteto holandés decidió adentrarse en el mundo del rock y da como resultado una mezcla que ronda el progresivo, la psicodelia propiamente dicha, el jazz y la música de oriente; una linda y rara combinación que se manifestaba en forma de largas zapadas en vivo.

Por fortuna, para 1970 graban su único disco homónimo el cual da la sensación que todos esos años de zapadas alocadas quedan resumidas en seis canciones bastante cargadas, dejando su legado en un trabajo que promete mucho desde la portada pero créanme que cualquier cosa que sientan antes de escucharlo, lo cumple.

Los músicos del grupo no son necesariamente virtuosos ni mucho menos, son músicos promedio que se las ingeniaron para desarrollar un sonido psicodelico que, lejos de caer en el convencionalismo, ofrecen una faceta más que nutrida, la cual bebe de la fuente de la experimentación y el divague instrumental para completar todos los espacios restantes en una música que de por si tiene suficiente estilo.

La mayor parte del disco está completado con delirios sonoros, sesiones alocadas sin sentido ni dirección, trips psicodélicos instrumentales que incrementan al máximo el nivel experimental y psicodélico de un disco que de por sí ya era psicodélico desde un comienzo. Hay pocas canciones, pocas composiciones, más bien pareciera que la mayor parte del disco es improvisado, ya que se encuentra enmarcado en un enclave sonoro ruidoso y experimental. Este sonido es especial para los fanaticos del sonido desenfrenado y experimental de los 60s/70s.

Durante el año siguiente, Tony Schreuder y Winky Abbink tuvieron algunos problemas para tocar y ensayar. En los conciertos necesitaban la ayuda de músicos sustitutos, como el guitarrista Jan Landkroon y Michiel Krijnen. Abbink fue reemplazado por Paul van Wageningen, quien tocaba la batería en Groep 1850. Debido a estas dificultades y la falta de atmósfera que acompañaba a los sustitutos, la banda dejó de existir.

Cod: #1331

Cargo - Cargo (1972)

‘’Cargo’' fue una mítica y fugaz banda prog, nacida a principios, en Ámsterdam, Holanda, e integrada por por Jan de Hont (anteriormente en "Hope Express" y ‘’Music Garden’’), Adrie de Hont, (anteriormente en ‘’Alexander Curly's Flying Circus’’ y ‘’Maggie MacNeal’’), Wim de Vries (anteriormente en ‘’Mayflower’’) y Dennis Whitbread (anteriormente en ‘’Flying Circus’’ y ‘’Music Garden’’). Posteriormente Whitbread seria reemplazado por Jerry Gobel (ex ‘’Angelflight Railways’’ y ‘’Carlsberg’’) durante la grabacion del disco. El origen de la banda se remonta a 1970, la cual veria la luz bajo el nombre de ‘’Septembre’’. Solo alcanzarían lanzar dos canciones, ¨Little Sister y ¨Walkon By¨, que sonarían como hard rock, con partes progresivas.

Hasta 1972, ya habían grabado varios singles, y es ahí cuando deciden  planear un disco. Buscando un impacto comercial, la banda graba 4 extensas pistas, con la idea de que sonaran como una actuación en vivo. Esto le provee al sonido una energía arrolladora y vital y nutre a los temas de un dinamismo totalmente alucinante, los cuales cuentan, cada uno, con una extensa sesión de improvisación, de hecho el tema ‘’Cross Talking’’ es en si mismo una zapada de guitarras eléctricas, una autentica ‘’charla cruzada’’ que mantienen las guitaras de los hermanos De Hont.

Es así que la banda lanza en 1972 su primer (y único) disco, el homónimo ‘’Cargo’’. Un disco desconocido pero de muy buena calidad, con su hard rock que de repente sorprende con sus fuertes riffs, un tanto heavy prog, alucinantes temas, cual profundos atascos ácidos, con alucinantes jams instrumentales eléctricos, repletos de solos de todo tipo, realizados por el duo de guitarras de los hermanos De Hont, que a veces nos remontan a Wishbone Ash.

La banda también tiene un costado melódico impregnado en las melodías de las guitarra y el sonido de los temas, se puede percibir en esos primeros 4 temas, aunque se deja ver más aun en los demás singles del álbum, en temas más melódicos, aunque siempre con ese toque heavy que los caracteriza. Un pedazo esencial de la historia del rock europeo y una maravilla para los oídos también.

La edición que aquí les traemos contiene 12 temas, de los cuales los primeros 4 serían los que fueron publicados originalmente en la primera edición del disco, y en los cuales se obtiene su sonido más compacto y emblemático. En las reediciones posteriores en cd y vinilo, se le fueron sumando distintos singles que la banda fue grabando en distintas sesiones y con distintas formaciones, realizadas entre Septiembre del 70 y Septiembre del 72, pero que lamentablemente nunca fueron publicados antes.

Aunque tuvieron cierta buena repercusión de los críticos, el disco en sí mismo jamás alcanzaría el éxito comercial, tal vez por la paupérrima estrategia comercial de la banda, o por el manoseo de las distintas disqueras que no quisieron ofrecerles un buen contrato. El álbum no vendería muchas copias, a finales de 1972, la banda ya no existía.

Cod: #1039