28 may. 2019

Fripp & Eno - (No Pussyfooting) (1973)

Este es el encuentro de dos grandes iconos de la música rock/electrónica. Por una parte, Robert Fripp, guitarrista autodidacta de King Crimson, y por otro lado, Brian Eno, que en aquel momento era parte de la banda Roxy Music, y a la vez, ese mismo año, estaba trabajando en su álbum solista Here Come the Warm Jets. No Pussyfooting representa los experimentos iniciales del dúo que dejaría mucha tela para cortar luego. Ambos se reinventarían en sus herramientas elegidas: Eno, el estudio, Fripp, la guitarra, para concebir una unión musical que luego daría más frutos.

No es una obra maestra pero es una interesante colaboración entre estas dos figuras que, en pleno auge en sus respectivas bandas, se toman un tiempo para experimentar, adentrándose en ámbitos de música ambiental prototípica. El trabajo consta de dos extensas piezas divididas en varias partes cada una, en las que juntos recrean ambientes sintetizados y electrónicos, funcionando Eno con grabadores Revox A77 con lo que crea loops, y en la segunda pista introduciría también un sintetizador, sobre lo cual aparece la guitarra (Gibson Les Paul) de Fripp, también con un sonido alterado por los magnetófonos Revox.

El dúo instaló dos grabadoras de cinta unidas entre sí, que permitirían agregar elementos de audio a un bucle de cinta continuo, elaborando una capa densa de sonido que se repetía en el tiempo, creando así el efecto ‘’ambiental’’, sobre el cual Fripp participa con sus improvisaciones sutiles en guitarra eléctrica, que van apareciendo en un in crescendo en la medida en que se despliega el sonido. 


No es un álbum muy complejo y de hecho es algo repetitivo, pero sirve para darse una idea acerca de lo que pasaba por la cabeza de estos personajes en aquel entonces. En esa época, Fripp era un especie de innovador del sonido eléctrico, de hecho, gracias a esta experiencia con grabadores de cinta utilizados en No Pussyfooting, llegó a crear un dispositivo llamado Frippertronics, un especie de aparato que le permitía hacer loops, delays y cosas que a mediados de los 70s no eran nada habituales. Por su parte, Eno, fue una especie de pionero de la música electrónica y especialmente de la música ambiental; para ese 1973 recién estaba dando sus primeros pasos en el género pero llegaría a publicar una serie de discos, entre finales de los 70s y principios de los 80s, que sirvieron de inspiración para acuñar el término ‘’música ambiental’’.

Esta constituye la primera colaboración entre Brian Eno y Robert Fripp, grabada en tres sesiones. La primera está fechada el 8 de septiembre de 1972 y la segunda y tercera el 4 y 5 de agosto de 1973 respectivamente. De la primera sesión se extrae el corte "The Heavenly Music Corporation", y el segundo corte se llamaría "Swastika Girls".

Las dos colaboraciones en vinilo que el dúo grabó en los años 70s, No Pussyfooting de 1973 y Evening Star de 1975, ahora remasterizadas y reeditadas por DGM, sentaron las bases para las obras más icónicas de cada músico. Eno refinó la técnica de la manipulación sonora, a través de cintas, para el estudio, publicando varios discos posteriores, como Discreet Music de 1975; y Fripp refinó la técnica en su Frippertronics que utilizaría preferentemente para sus presentaciones en vivo.

Cod: #1351

24 may. 2019

Don Bradshaw-Leather ‎- Distance Between Us (1972)

Don Bradshaw-Leather nació en 1948 en Essex, uno de los cuarenta y siete condados de Inglaterra, Reino Unido, hijo de padres judíos de clase media. Según la hermana de Bradshaw-Leather, "[Don] creció con la música más por el destino genético que por las consecuencias ambientales". Durante la larga y oscura resaca del Summer of Love, el prodigio de formación clásica se acercó a CBS Records con grabaciones propias buscando que le dieran un lugar. Aunque parece increíble en retrospectiva, un ejecutivo de A&R con visión de futuro debe haber visto un potencial flujo de ingresos en el ruido clásico de Bradshaw-Leather. 

El artista recibió un generoso avance monetario para grabar un álbum. La hermana de Don llena los espacios en blanco: “él usó los fondos para crear un gran estudio en Sussex con muchos instrumentos, incluido un órgano real de iglesia. Aquí, por su cuenta, sin el uso de ninguna secuencia electrónica, grabó Distance Between Us usando simplemente cinta multipista.’’

El extraño artefacto resultante de la grabación da cuenta de una ideación muy particular y una concepción muy oscura de la música; aquí no hay canciones sino cuatro extensas piezas, de alrededor de entre veinte y veinticinco minutos cada una, cada una de las cuales ocupaba un lado completo de cada uno de los dos vinilos en los que fue publicado. Al parecer Don era un formidable pianista y tenía formación clásica pero sus visiones fueron mucho más allá y lo llevaron a crear esta música inimaginable de antemano.


La oscuridad y la atmósfera siniestra se hacen presente desde un principio, creando una desazón general desarrollada por una instrumentación para nada típica, arreglos en piano atípicos que se entremezclan con una serie de arreglos en mellotrón, que le dan un aire de perversión y absurdo siniestro al sonido. La distintas piezas van trascurriendo por distintos estados, a lo largo de toda su extensión, pasando por momentos más calmos en piano, hasta pasar por momentos muy cargados con mellotrones y percusiones que hacen asemejar al sonido a un especie de ritual voodoo oscuro, y voces sin palabras.

Es difícil de determinar a ciencia cierta el género de esto, se dice que es krautrock, o psicodelia, o música de vanguardia, no sabemos en lo que Don se inspiró para hacer esto, seguramente se trate de visiones internas propias ya que el sonido creado por él no se parece a casi nada en su época; sus visiones oscuras, las extensas suites de música vanguardista, su formidable técnica como pianista clásico, y la completa ejecución de todos los instrumentos del discos, sumado a la producción, todo estuvo a cargo de él mismo, todo fue moldeado a su gusto.

Se trata de un experimento de un extraño logro musical, que combina distintos elementos para crear una música pensada para ser y funcionar en su propia concepción y nada más, de hecho el mismo Don creó su propio sello discográfico exclusivamente para publicarse él mismo su propio disco. Lo atractivo de esta experiencia musical es que está rodeada de misterios insondables, la música es intrínseca a una paranoia propia y particular, y el ideólogo de todo esto es un personaje del que muy poco se sabe y que desapareció por completo del mapa luego del lanzamiento de este trabajo.

Cod: #1350

18 may. 2019

Igor Wakhevitch - Logos (1970)

Igor Boris Wakhévitch, nacido el 12 de mayo de 1948, en Gassin-Saint Tropez, Francia, es un músico y compositor francés de música de vanguardia, electroacústica y experimental, que ha trabajado en muchas direcciones musicales, siempre sensible a las nuevas formas de expresar las construcciones del sonido. Fue uno de los primeros compositores de su generación en introducir en sus composiciones varios tipos de teclados electrónicos, sintetizador Moog, sintetizador ARP, órgano electrónico, etc. Sus álbumes se encuentran entre los trabajos más impresionantes de música experimental lanzados en Francia en los años 70. 

Su estilo musical está fuertemente influenciado por la vanguardia contemporánea, el dodecafonismo y las experimentaciones sonoras. A finales de los años 60, trabajó para el "Grupo de investigación musical" francés, bajo la dirección de Pierre Schaeffer. Sus primeras piezas electroacústicas tienen relaciones cercanas con otros precursores franceses como Luc Ferrari o Bernard Parmegiani. Sus primeros trabajos revelan formas y modulaciones espectrales bastante eficaces que concentran al oyente en paisajes mentales inmersivos y muy oscuros. Algunas piezas contienen instrumentaciones amplias y espaciadas en el género de los clásicos del krautrock cósmico (durante este período temprano, Igor Wakhevitch también fue un gran amigo de Robert Wyatt y Mick Ratledge).

Logos, de 1970, fue su primera incursión como solista, y vale hacerse un tiempo para examinar cuidadosamente esta música ya que es muy particular, contiene una tensión especial que hace de la escucha toda una experiencia significativa. Desde el comienza ya se deja notar que el concepto musical trasciende mucho de lo que conocemos y aceptamos como válido, es que las visiones aquí plasmadas (musicalmente) contienen subrepticias incursiones hacia terrenos de lo que tal vez sea una concepción metafísica de la música, o tal vez de la vida o el universo mismo.

Se trata de un estilo más que único y difícil de determinar, nacido del entrecruce de música clásica moderna y creaciones sonoras vanguardistas, con toques electrónicos y efectos de sonido, canto coral, percusiones rituales y un uso particular del espacio que hace de las piezas, aunque en su mayoría no muy extensas, unas auténticas excursiones hacia tierras desconocidas. Todos estos elementos aunados bajo una misma visión cósmica, caótica y oscura, hacen del sonido algo irreconocible y lamentablemente desconocido para el público general.


Hay muy pocos instrumentos de pop o rock utilizados. Por lo que se puede oír hay un uso de elementos orquestales al servicio de la construcción vanguardista del sonido, con zumbidos electrónicos, coros que evocan epopeyas oscuras y percusiones rituales que evocan a la entrada del ser hacia un nuevo estado perceptivo. La completa concepción de '’Logos'’ suena como si perteneciera a una ópera vanguardista o una gran obra ambiciosa y oscura por demás. En donde más el sonido se acerca a una concepción que tiende a algo conocido es en el track llamado ‘’Dance Sacrale’’, donde se puede escuchar un bajo, un piano y una batería, un track donde aparecen algunos elementos familiares, pero de todas formas no deja de ser una piezas frenética y descontrolada, como todo el resto del disco.

El sonido de este trabajo guarda en sí varios enigmas aún por resolver, sería bueno poder contar con la palabra del mismo compositor para explicar lo que aquí quiso decir pero hay varios indicios de los que podemos sacar algunas conjeturas: por ejemplo algunos nombres de los ‘’temas’’ como ‘’iniciacion’’, ‘’mineral, vegetal, animal’’, ‘’homo sapiens ignorabimus’’, ‘’delirio’’, o el mismo nombre del disco ‘’Logos’’, que filosóficamente significa ‘’una inteligencia superior detrás de todas las cosas’’. Estos nombres dan cuenta de un pensamiento metafísico, científico, filosófico, tal vez el autor haya intentado retratar al destino cosmológico detrás de la evolución de la biología y la cultura humana, siendo que estos funcionaran bajo un destino consignado por una inteligencia que funciona detrás de todas las cosas. O tal vez no se trate de nada de esto…

Publicado en 1973, el suntuoso "Hathor", su tercer disco solista, marca un giro en la carrera personal de Wakhévitch. Fue grabado después de que conoció a Terry Riley (el padre del minimalismo espiritualizado). "Hathor" está profundamente impregnado de elementos mágicos y teóricos. En 1974 el pintor surrealista Salvador Dali le pidió a Igor Wakhevitch que compusiera la música de su 'poema-ópera en seis partes' titulado "Être Dieu", obra en la que Wakhévitch representa atmosferas electrónicas sobre las que Dalí recita sus poemas surrealistas en francés. El álbum fue grabado en los estudios EMI en París (Boulogne), interpretado por Dalí en persona y varios actores (Delphine Seyrig, Alain Cuny, Ramond Gérôme, Catherine Allegret, Didier Haudepin, Léon Zitrone), oradores y cantantes, una orquesta de cuerdas, el coro, la soprano solista Eve Brenner, el percusionista Sylvio Gualda y una banda de rock. ("Sputnik & Statistik") 

Durante los años 80, Igor Wakhevitch decidió vivir en el sur de la India, escribió partituras musicales para el Instituto Goethe y el Centro Nacional de Artes Escénicas en Bombay (en 1991). Las últimas publicaciones de Wakhévitch están en gran parte reservadas para teatro, representaciones de ópera, piezas electrónicas épicas para orquestaciones y sintetizadores de meditación directa. 

Cod: #1349

13 may. 2019

Xhol - Hau-Ruk (1970)

Los orígenes de Xhol tienen lugar en Wiesbaden en 1967, cuando sus fundadores, los saxofonistas Tim Belbe y Hansi Fischer, que habían nacido en Wiesbaden y Bad Schwalbach respectivamente, fundaron Soul Caravan, el primer nombre que recobró la banda, orientada en un comienzo hacia la musica soul, especialmente hacían covers de soul influenciados por los lanzamientos del sello Motown y los sonidos que estaba poniendo en boga con muchos nuevos proponentes de la música negra de soul.

Tocando clásicos del soul, algunos temas propios y algunas versiones standard de jazz, realizan muchos conciertos en clubs frecuentados por soldados norteamericanos. En una de estas actuaciones, el guitarrista Werner Funk se les une espontáneamente, en vivo, mientras interpretaban el “Take Five” de Dave Brubeck, finalmente se quedaría con ellos como miembro estable de la banda. Con esta formación firman con CBS, publicando en 1967 su álbum debut, Get In High, un disco de R&B bastante estándar.

Hacia los siguientes dos años el grupo comienza a tomar otra dirección, para entonces ya había cambiado su nombre por el de Xhol Caravan. Después de algunos cambio de la formación, editaron el single ‘’Planet Earth’’ / ‘’So Down’’, en 1969, mostrando una mutación en su sonido, aun con características soul pero más ensimismados a las influencias psicodélicas norteamericanas. Ese mismo año publican Electrip, un viaje cuasi psicodélico electrónico.

Hau-Ruk, de 1970, es el fruto de una nueva etapa de la banda, ya bajo el nombre de Xhol, fueron dejando poco a poco los colores de la herencia contracultural hippie y la música comenzó a adentrarse en terrenos más vanguardistas, aunque sin dejar jamás sus influencias, que siguen corriendo en las venas de este nuevo sonido, su esencia jazzera, las raíces soul y su estirpe típico, ese que los llega a desplegar su música en largas y experimentales sesiones, de hecho este disco consta de exactamente eso, tres largas sesiones plagadas de improvisaciones y de ambientes ‘’extraños’’.


El sonido, como se dijo antes, se oscureció un poco, las bases se realentaron, los pasajes se volvieron más misteriosos y confusos, el órgano de Ocki Breven pasó a tener mucho más lugar en el sonido general y las improvisaciones jazzeras se volvieron el leguaje preponderante; este disco es un paso más en la evolución natural de la música del grupo que supo ver en la vanguardia una oportunidad para reinventarse nuevamente, encontrando en la música improvisada una forma de expresión natural, cada vez más antisistema.

El trabajo consta de tres largas sesiones, casi sin composiciones prefijadas o melodías estructurales, se trata casi netamente de sesiones improvisadas a puro saxo y teclado, en extensos diálogos que estos dos instrumentos mantienen a lo largo de todo el disco. Se podría trazar alguna diferencia entre cada una de las tres pistas: la primera es una sesión algo oscura en la que predomina la improvisación de jazz. En la segunda pieza ocurre lo mismo pero en esta ocasión, a la mitad de la pista el sonido se convierte en un blues y al grito de ‘’rock me baby’’ termina con un ‘’feeling negro’’ mucho más, al fiel estilo jazz. 

Ya en la tercera pieza también nos encontramos algunos otros elementos, el sonido en esta oportunidad se acerca tímidamente a lo que pareciera ser el jazz fusión, con, por supuesto, muchas improvisaciones a lo largo de una extensa sesión, hasta que en la mitad sobrevienen algunos ritmos y bases pegadizas tipo de funky/soul. Tres piezas plagadas de improvisaciones, con una música camaleónica que se va reinventando y sabe encontrar su lugar poco a poco.

El grupo se adentraría aún más en lo abstracto y experimental, jugando contra la convenciones en 1972 publicarían en ‘’Motherfuckers GmbH & Co KG’’, que ya desde el titulo dejan ver cuáles eran sus intenciones en cuanto al éxito comercial, y el resultado sonoro es exactamente el que se podría imaginar, un extraño artefacto en el que se adentran aún más en la fusión del jazz rock con la electrónica, recreando algunos  ambientes y disertaciones electrónicas, cerca del minimalismo y la música abstracta, un acercamiento al corazón absolutamente electrónico del krautrock.

Cod: #1348

10 may. 2019

The Spoils Of War - The Spoils Of War (1970)

James Cuomo es el encargado de crear y dar vida a The Spoils Of War, una banda hippie norteamericana nacida en Urbana, Illinois, en 1967; una comuna de músicos que se adentrarían en la música de la época, rock psicodélico y folk rock, encargándose además de experimentar con la música electrónica y concreta, pero manteniéndose bajo el radar durante su época, siempre permaneciendo al ámbito del under. 

James Cuomo fue el encargado de componer, grabar y producir todas las canciones del grupo. Cuomo, según parece, era un poco fanático del control, en el sentido de que estaba a cargo de casi todas las partes del álbum, escribió todos las canciones, escribió la mayoría de las letras y tocó muchos instrumentos diferentes en muchas de las canciones, también fue el productor. Según cuenta Cuomo para la reedicion del cd, las presentaciones del grupo eran auténticos eventos salvajes y alocado, más salvajes que los mismos happening típicos de los hippies de la época, con efectos de luces, efectos de sonidos y una puesta en escena de los músicos.

Entre 1969 y 1970 tenía ya una buena cantidad de material grabado, habían lanzado un par de singles, pero lamentablemente, por razones que se desconocen, no llegan a lanzar un disco en su época. No fue sino hasta 1999 que el sello Shadoks Music rescató el material dejado por la banda y tras 30 años de olvido reapareció la música del grupo y por fin tuvo su edición oficial.

El homónimo The Spoils Of War es un compilado con el material dejado por la banda, una selección que demuestra los caminos sonoros intrincados que tomaría el grupo. Este elemento de música hippie sabe incursionar en terrenos atípicos que solo algunas otras bandas supieron recorrer, la gente de The United States Of America, o The Red Krayola, y algunos otros, grupos selectos que experimentaron más allá, fusionando su música, que ya de por sí era algo experimental, al estrepitoso mundo de la música concreta y la electrónica, generando un sonido de vanguardia único e irrepetible.


El folk y el rock psicodélico se hacen presentes en una cita en la que la manipulación sonora  y la experimentación están presentes, apareciendo elementos electrónicos entre las sesiones y las canciones psicodélicas. La experimentación se hace presente de principio a fin y de este compilado surgen una variada serie de piezas ideadas y preformadas especialmente para la ocasión, surgidas de un espíritu que buscó romper lo ya roto, que buscó ir más allá de lo ya transgredido. 

Quedan si algunas bellas canciones, bellas baladas suaves y tranquilas que surgen de entre el caos y la explosión y dejan un nuevo sabor, mostrando que la banda también transitaba por caminos melódicos y lo hacía muy bien, más allá de su llamativo encuentro con la música concreta, con las contribuciones vocales de la cantante Annie Hat.

Los destinos del grupo luego de esta experiencia son inciertos, se sabe que luego de esto, hacia principios de los 70s, se trasladaron Nueva York, formando parte de una compañía de teatro, funcionando como banda bajo el nombre de ‘’Mormos’’. Luego se trasladarían a Francia en 1970. Allí, bajo el nombre de Mormos, lanzarían un primer álbum llamado ‘’La gran muralla china’’, con arreglos acústicos de melodías previamente grabadas por Spoils of War a finales de los años sesenta. Mormos se disolvió a principios de 1973 con Delman, Mansfield y Williams uniéndose al Sky Farmer de Chicago.que permaneció activo hasta 1975. 

Cuomo continuó grabando durante los años 70, ocasionalmente con Sandy Spencer, Daniel Hanks, Clive Griffiths y varios músicos de sesión europeos. Estas grabaciones fueron lanzadas en la década de 1990, acreditándolas retroactivamente a Spoils of War. Cuomo más tarde se involucró en la música basada en computadora y aún graba y realiza y actualmente reside en Australia

Cod: #1347

2 may. 2019

Buffy Sainte-Marie - Illuminations (1969)

Buffy Sainte-Marie es una cantautora, música, compositora, artista visual, educadora, pacifista y activista social canadiense. Buffy Sainte-Marie nació en 1941, en la Reserva de la Primera Nación de Piapot Plains Cree en el valle de Qu'Appelle , Saskatchewan , Canadá. Más tarde fue adoptada, creciendo en Massachusetts, con sus padres Albert y Winifred Sainte-Marie, una pareja de descendientes de Mi'kmaq en Wakefield, Massachusetts. A lo largo de su carrera en todas estas áreas, su trabajo se ha centrado en los temas de los pueblos indígenas de las Américas . Su repertorio de canto y escritura también incluye temas de amor, guerra, religión y misticismo.

A partir de la Fire & Fleet & Candlelight de 1967 , la música de la cantante y cantante Buffy Sainte-Marie comenzó a adquirir una naturaleza decididamente esquizofrénica. Tradicionalmente celebrada por sus canciones políticas mordaces, así como por su enfoque rígido a la canción popular, a finales de los sesenta la vio tomar su sonido distintivo en una serie de direcciones sorprendentes. A la luz delas velas experimentó con amplios arreglos orquestales y música pop eléctrica, mientras que en su seguimiento, I'm Gonna Be A Country Girl Again, Buffy se sumergió profundamente en las tradiciones de Nashville. Llegó el invierno de 1969, y la joven firebrand decidió cambiar las mesas una vez más, lanzando el que es quizás su álbum más esotérico de todos: Illuminations .

Illuminations, lanzado en 1969, es el sexto álbum de Buffy Sainte-Marie, un álbum que tenía un sonido completamente diferente de lo que había hecho anteriormente. Basándose en la voz y la guitarra acústica, Sainte-Marie y el productor Maynard Solomon utilizaron sintetizadores electrónicos para crear un sonido que era mucho más experimental que el folk. De hecho, Illuminations fue el primer álbum vocal cuadrofónico que se hizo, y en canciones como el único sencillo del álbum "Better to Find Out Yourself", su voz está completamente alterada por un sintetizador.


Este disco contiene toda su dulzura y esoterismo, que se combinan en una serie de canciones folk y folk rock de variada manufactura, y variada producción porque las canciones están pasadas por estudio, con finos agregados sonoros, detalles electrónicos que hace del sonido aún más interesante. Es una pena no poder contar con las letras en español, más allá de saber que se inspiró en algunos escritos de Leonard Cohen, en lo que habla poéticamente acerca de dios y el devenir de la vida.

En su mayoría se trata de temas cortos, con una entonación llamativa de Buffy, y con un repertorio ecléctico, que pasa por la canción folk más oscura que pueda haber, hasta pasar también por canciones rock más convencionales. Sin duda ella es la reina del disco y todo está preparado para que su voz resalte frente a todo, las bases instrumentales son convencionales pero el álbum en general tiene como un aire de sentido conceptual que le da a la obra general una acogida interesante.

Buffy recuerda que: ‘’El libro de Leonard Cohen "Beautiful Losers" me robó el corazón en 1963 y también lo hizo la idea del procesamiento electrónico en un disco vocal. Tenía programada una sesión de grabación y Leonard estaba en la ciudad. Apoyé dos páginas de su libro en un atril y simplemente lo canté, adjuntando la melodía y la música de guitarra a medida que avanzaba. Siempre he querido volver a grabarlo, ya que me encanta la forma en que el poder de las palabras obviamente controla la música y la impulsa más allá de cualquier consideración de la firma de tiempo.’’

Cod: #1346

1 may. 2019

Robbie Basho - The Seal Of The Blue Lotus (1965)

Robbie Basho (nacido como Daniel R. Robinson, Jr.) fue un guitarrista, pianista y cantante estadounidense. Basho nació en Baltimore , Maryland, y quedó huérfano cuando era un bebé. Adoptado por la familia Robinson, Daniel Robinson, Jr. asistió a escuelas católicas en la Arquidiócesis de Baltimore y se preparó para la universidad en Saint James School, una escuela episcopal, en el oeste de Maryland. Continuó sus estudios en la University of Maryland College Park. Su interés en la guitarra acústica creció durante sus años universitarios, como resultado directo de sus amistades con sus compañeros estudiantes John Fahey , Ed Denson y Max Ochs.. En 1959, Basho compró su primera guitarra y se sumergió en el arte y la cultura asiáticos.

Lanzado originalmente en el sello Takoma Records, de John Fahey, en 1965, The Seal of the Blue Lotus es el álbum debut del compositor y guitarrista estadounidense Robie Basho. En la universidad, Basho se sumergió en el estudio del arte y la cultura asiática, incluso cambió su nombre al de Matsuo Basho (en honor al poeta japonés Matsuo Bashō), y su música refleja esta enorme influencia oriental, mucho mayor que la de contemporáneos como John Fahey y Peter Lang. Basho estaba particularmente fascinado por la forma raga que se ve en los clásicos como "Dravidian Sunday" de este álbum.

El álbum se compone por una serie de piezas instrumentales de un estilo único y experimental, que nace de la mezcla de folk acústico típico norteamericano con lo que pareciera ser música hindú, quedando como resultado una cosa sonora que no responde a nada. Parece un estilo nacido de las reglas propias del autor, la ejecución no es virtuosa y las características musicales (como la métrica, el ritmo, las estructuras, la composición, etc.) parecen estar también regidas por el ejecutante, así que todo el producto es creado bajo consideraciones personales. El mismo Basho estaba inmiscuido en alteraciones musicales, nuevas afinaciones, nuevos tonos, nuevas notaciones musicales, etc, buscaba nuevas formas de expresar sentimientos a través de la música.

Se trata de seis piezas acústicas e instrumentales de folk ejecutadas por una guitarra acústica, piezas experimentales,  de sesión ya que se mantienen en su mayoría entre los 6 y 7 minutos de duración, tiempo por el que la guitarra transita por distintos estados de ánimo, a lo largo de estructuras que tienen un aire exploratorio, tranquilo, algo cambiante, alcanzando costados muy psicodélicos, con un aire de ‘raga’.


Si las piezas fueron creadas bajo influencia de algún alucinógeno, entonces podríamos decir que se trata de folk psicodélico temprano. En cambio si las piezas fueron creadas por un ánimo exploratorio que llevó al autor a fusionarse con la música hindú, expresando además una intención experimental que relacionaba al sonido con la espiritualidad y la búsqueda introspectiva, entonces también se podría decir que se trata de folk psicodélico temprano. La intervención de la fusión con la música hindú, sumado al aire ‘’espiritual’’ que tienen las piezas, más el carácter tan experimental que tiene la música, entonces podemos recaer en que es un estilo psicodélico prototípico, por tratarse de 1965.

El resto de elementos que componen el sonido van por entre una especie de folk primitivo o música country tribal, con aire misterioso, reflejo de una búsqueda sonora amplia, de un estudio de entre diferentes estilos y técnicas, alguna aparición de alguna voz dejando quejidos, y con muy poca forma de canción; un estilo más abocado a la sesión acústica totalmente libre en forma y tiempo. No se puede apreciar hasta qué punto las piezas fueron compuestas o improvisadas en el momento, tal vez sea un poco de las dos, ya que la música contiene un estilo muy particular y difícil de determinar a ciencia cierta.

La técnica de guitarra de Basho, ejecutada con los dedos, fue fuertemente influenciada por la ejecución del sarod, y los estudios que realizó con el virtuoso indio Ali Akbar Khan. Basho empleó afinaciones abiertas inusuales, incluidas varias variantes en "open-C" y tocó una guitarra de 12 cuerdas para recrear el drone que es una característica notable de su amada música clásica india. Las melodías de guitarra de Basho fueron creadas a menudo usando modos y escalas orientales, pero su trabajo contiene una amplia gama de influencias notables, desde música clásica europea hasta blues (en su período anterior) y estilos de balada de América.

La visión de Basho era ver cómo la cuerda de acero se convertía en un instrumento de concierto y crear un sistema raga para los Estados Unidos. Durante una entrevista de radio en 1974, promocionando su álbum Zarthus, Basho habló sobre su música en detalle. Describió cómo había pasado por una serie de "períodos" relacionados con la filosofía y la música, incluidos los japoneses, hindúes, iraníes y nativos americanos. Zarthus representó la culminación de su "período persa". Basho afirmó su deseo, junto con John Fahey y Leo Kottke, de elevar la guitarra de cuerdas de acero al nivel de un instrumento de concierto. Reconoció que la guitarra de cuerdas de nylon era adecuado para "canciones de amor", pero su contraparte de acero podía comunicar "fuego".

Cod: #1345
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