19 jul. 2019

Jimmy Page ‎- Lucifer Rising (1973)

Esta historia comienza con el ocultista Aleister Crowley, quien en 1899, a la edad de 24 años, compró una mansión en la costa de Loch Ness (Tierras Altas de Escocia) llamada Manor of Boleskine y Abertarff, más tarde llamada Boleskine House. Crowley fue dueño de esta mansión por poco más de una década, y la adquirió porque creía que la ubicación era ideal para llevar a cabo una serie de rituales de magia sagrada de acuerdo a ‘’The Book of Abramelin’’, un libro de magia y kabbalah. 

Supuestamente Crowley desencadenó una serie de rituales, con invocación de espíritus, pero según la leyenda, tras un viaje repentino que tuvo que hacer mientras realizaba los rituales, nunca desterró a los demonios que había convocado, lo que llevó a sucesos extraños que ocurrieron en la mansión. Otro suceso extraño ocurrió  en 1965, cuando Edward Grant, el por aquel entonces dueño de la propiedad, se suicidó en un dormitorio de la mansión, con una escopeta. 

Aproximadamente, un año después, el cineasta Kenneth Anger se mudó de Los Ángeles a San Francisco para trabajar en su próximo proyecto, ‘’Lucifer Rising’’. Desde su adolescencia, Anger se había enamorado del personaje de Aleister Crowley como de la religión que este personaje creó, Thelema. La película debía basarse en la noción Thelémica de que la humanidad estaba entrando en el "Aeon of Horus", que para nuestros propósitos se puede considerar como sinónimo del concepto hippie de la Era de Acuario. En 1968, Anger dejó San Francisco y se estableció en Inglaterra, donde siguió trabajando en sus visiones de su Lucifer Rising. También se hizo amigo de Mick Jagger y Keith Richards, y trató de convencer a Mick de que fuera su nuevo Lucifer, para la pelicula. Jagger rechazó el papel, pero grabó algo de música para la película.


Un coleccionista y fanático de Crowley, Jimmy Page, compró, cuando su fortuna se lo permitió, la mansión de Boleskine House en 1970. Un par de años más tarde, conoció a Anger en una subasta de artículos de recuerdo de Crowley y lo invitó a las antiguas excavaciones del ocultista. Algunos informes afirman que Page necesitaba ayuda de Anger para deshacerse de un fantasma; independientemente de eso, los dos se unieron en su interés por Crowley y se convirtieron en frecuentes amigos. 

Anger comienza a visitar asiduamente la casa de Page en Sussex (que perteneciera al actor Richard Harris), convenciendo al guitarrista para que le componga y grabe la banda sonora de su corto Lucifer Rising. Lo cierto es que "Lucifer Rising" ya había comenzado a rodarse en 1966, protagonizada por el mismo Anger, Bobby Beausoleil, Marianne Faithfull y el hermano de Mick Jagger, Chris Jagger. La película pudo terminarse recién en los años 70, aunque no vio la luz hasta 1980.

Page completó aproximadamente 24 minutos de música probablemente hacia fines de 1973, aunque el producto terminado jamás llegó; ante la demora del guitarrista en presentar una banda sonora, Anger decidió sustituirlo por alguien más, y seguir adelante con la producción de su película, cuya banda sonora sería finalmente confiada a Bobby Beausoleil, aunque para ese entonces Beausoleil (allegado al Clan Manson) estaba preso por homicidio, por lo que compuso y grabó la música en prisión (Beausoleil aparece en el film, ya que rodó sus escenas correspondientes cuando aún estaba libre). Una discusión entre Anger y la esposa de Page en 1976 terminó no solo con la amistad de los fanáticos de Crowley sino también con su relación de trabajo. Anger eliminó a Page del proyecto y supuestamente le lanzó una maldición.


Las grabaciones de Page creadas para Lucifer Rising se convirtieron desde entonces en un material de culto, especialmente para fanáticos y coleccionistas de Led Zeppelin. El material fue publicado de forma pirata a lo largo de las décadas, bajo distintos nombres, pero no fue publicado oficialmente sino hasta 2012, cuando el mismo Jimmy Page se encargó de remasterizar el material y lanzó su propia versión oficial a través de su sitio web, ‘’Lucifer Rising y Other Sound Tracks’’. Además de estar supervisada por Page personalmente, la edición tuvo un prensaje limitado de ejemplares, los cuales fueron firmados de puño y letra por el guitarrista.

El material creado y pensado por Page para musicalizar Lucifer Rising es por demás oscuro y experimental, no tiene nada que ver con su lado rockero de Led Zeppelin; en estas grabaciones demuestra todo su interés por el ocultismo, con una música oscura ideada para musicalizar escenas referentes a una película con mucho simbolismo místico y ocultista, por lo que refleja ese espíritu con ambientes oscuros, tenebrosos, que parecieran musicalizar un ritual luciferino, con magia e invocaciones.

La grabación no es sumamente extensa, solo alrededor de veinte minutos han quedado oficialmente de esta creación, pero lo que hay alcanza para descubrir otra faceta de Page, como místico, ocultista, interesado en la magia, porque la música así lo refleja, se sumerge en ambientes muy oscuros, donde van emergiendo distintos elementos, melodías extrañas, cantos rituales oscuros tipo tibetanos, sonidos extraños y un sinfín de apariciones sonoras de extraña procedencia.

Cod: #1364

18 jul. 2019

Wilburn Burchette - Opens The Seven Gates Of Transcendental Consciousness (1972)

El enigmático Wilburn Burchette es una autentica figura oculta, nacido en los Estados Unidos, se sabe poco más sobre él, más allá de su música. Analizando sus sonidos es fácil deducir que se trataba de un joven místico, relacionado profundamente con la espiritualidad y la metafísica, autodenominado ‘’maestro’’. Es posible, o tal vez probable, que el nombre de Wilburn Burchette fuera un seudónimo.

Lo poco que se sabe de Burchette, proviene del libro Revelation: The Divine Fire, de 1973, escrito por Brad Steiger: ‘’Durante los últimos dos años he valorado una amistad con un fascinante joven ocultista-músico llamado Wilburn Burchette. Cuando tenía doce años, Wil estaba profundamente inmerso en sus experimentos poco ortodoxos con la música. A él se le había ocurrido que como todo en nuestro universo está compuesto de átomos vibratorios, entonces la vibración sería movimiento, el movimiento sería tiempo, y que, para lograr cualquier creatividad espiritual, el hombre debe elevarse por encima del tiempo.

"Consideré la música como una forma de arte del tiempo, a través del tiempo y en el tiempo. Asumí que todo era tiempo. Sin embargo, lo que concibe el tiempo no necesariamente tiene que estar en él ", me dijo Wil. "El avance hacia la Realidad Superior está fuera del tiempo. Cuando rompes el tiempo, eso es relevante, eso es romper a través de lo divino."


Los primeros trabajos de Burchette constaron solo de sesiones en guitarra, luego se inmergiría en la electrónica, pero siempre procurando elaborar una musica espiritual. En su segundo disco, siguiendo la línea de su primer trabajo y de su propio estilo creado, se manifiesta de forma mística a través de extrañas melodias y composiciones arrancadas de su ‘’guitarra’’, pero esta vez adentrándose mucho más deliberadamente en el mundo de la espiritualidad, ya que dicho trabajo (su segundo disco) se titula ‘’Abre las siete puertas de la conciencia trascendental’’, un título más que sugestivo que invita a la introspección, a la contemplación interna, la búsqueda de la espiritualidad interna, en la que, por supuesto, su música correría con un papel fundamental ya que es la encargada de guiar sonoramente el trance de lo cotidiano hacia ese estado místico del que tanto intenta adentrarse.

Sumado al sonido de su guitarra, aparecen algunos efectos, tal vez se trate de voces distorsionadas, o sonidos misteriosos, de misteriosa procedencia, que acompañan al leitmotiv espiritual del trabajo y acrecientan su potencial místico. Se trata de un estilo desconocido, que solo él puede reconocer porque es él mismo quien lo ha creado.

Tocando una guitarra hecha en su casa y por él mismo, la ‘’impro guitar’’, construida de seis tipos diferentes de madera, explora la psicodelia solista de sesión y el new age, similar a lo que haría Robbie Basho o en todo caso John Fahey, aunque Burchette se volcaría más profundamente hacia lo místico, el ocultismo, ofreciendo una música puramente improvisada (o compuesta pero en mayor medida surgida de improvisación), autodidacta y auto gestionada, publicada con el fin de trasmitirse y no de venderse. Burchette auto-distribuyó sus propios trabajos mediante el sello ‘’Burchette Brothers’’, en colaboración con su hermano, Kenneth, de 1971 a 1977, años entre los que fue publicada toda su discografía.

Cod: #1363

14 jul. 2019

Flute & Voice - Imaginations Of Light (1971)

El grupo se forma en Mannheim, Alemania, en 1969, primero surgiendo como proyecto de una banda, que luego se acortaría y quedaría formado como un duo, con Hans Brandeis y Hans Reffert. Tuvieron su primer concierto público el 25 de mayo de 1970 en Frankenthal, una ciudad cerca de Ludwigshafen, en una pequeña discoteca llamada Pop Shop, la segunda presentación el 11 de junio de 1970 en la Escuela Técnica de Furtwangen, a unas horas de Mannheim.

Hans Brandeis  cuenta acerca del origen del nombre de la banda: ‘’Bueno, creo que hubiera sonado bastante tonto si hubiéramos llamado a nuestro dúo Hans & Hans ... o Reffert & Brandeis, Brandeis & Reffert ... ¿De qué sirve usar dos nombres de los que nadie haya oído hablar? En su lugar, queríamos que el nombre de la banda fuera más programático, contando algo sobre el personaje de la música. Era un hecho que nuestros instrumentos principales eran guitarras ... Entonces, ¿qué hay de Guitar & Guitar? De ninguna manera ... En cambio, decidimos enfatizar nuestras diferencias. Hans estaba estudiando flauta clásica, y yo estaba tomando lecciones de voz. Y Flute & Voice suena mejor que Voice & Flute ... La primera versión del nombre, The Flute and the Voice sonaba demasiado voluminosa para que la acortáramos.’’

El debut discográfico del grupo es ‘'Imaginations Of Light’', originalmente lanzado en 1970 por el legendario sello Pilz, es un intento de combinar las influencias que cada uno de los músicos del dúo traía consigo, con Hans Brandeis tocando guitarra y sitar y cantando, y Hans Reffert tocando guitarra, grabadora de bajo, flauta transversal y un montón de otras flautas y silbidos.


La primera pieza del álbum hace entender el porqué de la portada del disco, una extensa sesión llena de influencias orientales, con sitar y flauta, que van creando un ambiente místico por demás, misterioso, pacífico y relajado, un ambiente en donde es fácil perderse, relajarse, encontrar un estado de tranquilidad porque eso mismo es lo que transmite, suavidad y espiritualidad. Es una pieza improvisada para sitar y flauta, con voces melódicas que juegan a la par del sitar, en la que se hace uso de la espacialidad, de la extensión, se juega con el silencio para crear un carácter misterioso, tomando lo más rico de la cultura oriental hindú y explotándolo al máximo.

A contraste de la primer pieza, y para sorpresa en la escucha de este disco, en el segundo track el sonido muta rotundamente apareciendo un dúo de guitarras eléctricas que, en un parafraseo jazzero extenso, dialogan entre sí, sin perder el aura tranquila en la que estábamos inmersos, pero esta vez transitando por tierras que se adentran en terrenos del jazz instrumental. ‘’Resting Thinking About Time’’ es la tercera pieza, en la que parece que siguen la línea del segundo track, con un dúo de guitarras eléctricas, limpia y sin distorsión, elaborando una extensa canción con un canto melódico e hipnótico, y con un extenso interludio jazzero con solos de guitarra.

En ‘’Notturno’’, la cuarta y última pieza del disco, vuelve el sitar esta vez para fusionarse con la guitarra; de alguna manera se fusionan los dos estilos anteriormente presentados, el estilo oriental del sitar y mundo jazzero de la guitarra, en una pieza fusión de un estilo único, propio, nacido de las visiones propias de los músicos en plena experimentación y búsqueda de nuevas sonoridades. Por supuesto sin dejar jamás el aire introspectivo en el que están envueltos desde el principio, la pieza es otra muestra de la profundidad y el potencial místico con el que cuenta su música.

Cod: #1362

12 jul. 2019

Pandit Kanwar Sain Trikha - Three Sitar Pieces (1971)

Pandit Kanwar Sain Trikha  llegó a Londres desde India en 1964, después de haber estudiado el Sitar desde 1943, bajo la dirección del profesor Tey Bhan, Sangeetacharya, un músico de la corte de Cachemira. Ha actuado en concierto y en televisión en Gran Bretaña y en todo el Continente. Los principales intereses de Pandit Trikha se centraban en sus estudiantes en el Instituto de Música Oriental que fundó en Londres poco después de su llegada a Inglaterra.  

Pandit Trikha incursiona en su primer trabajo Three Sitar Pieces, originalmente lanzado por Mushroom Records, sello underground de Vic Keary, a principios de los 70. Mientras que Vic Keary estaba interesado en el reggae, Mushroom Records incursionó además en grabar un poco de todo. Conocido sobre todo por la gran variedad de productos psicodelicos, progresivos y ácidos, el LP de Pandit Kanwar Sain Trikha encaja a la perfección con sus compañeros del sello británico como Simon Finn, Chillum, Pierre Courbois, Jasper Van't Hof, Magic Carpet, Ravi Shankar, etc.

Pandit Kanwar Sain Trikha, conocido por sus habilidades afinadas en el Sitar, muestra su virtuosismo en Three Sitar Pieces, tres ragas (en realidad son cuatro, ya que viene un bonus de más en una reedición) en los que claramente el sitar es el interlocutor principal del sonido, el cual cuenta con poco acompañamiento, la percusión apenas se escucha de fondo en algunos momentos, siendo una pieza fundamentalmente para sitar. Contando con acompañamiento de Paul Burwell en tablas, un percusionista británico, influyente en los campos de la improvisación libre y el arte experimental.


En este álbum, Pandit Trikha no deja de demostrar su virtuosismo, canalizando su energía en ragas cuya característica es siempre exploratoria y cuasi improvisada (como todos los ragas), y que se va construyendo poco a poco en la medida en que avanzan las piezas; con un ritmo constante particular en su ejecución y una manera propiamente melódica, proveniente de su propia personalidad y su propia manera de ejecución, demostrando en cada no su virtuosismo versátil y rítmico.

Son piezas de gran nivel, que tal vez no estén a la altura de grandes del género como Ravi Shankar, pero que aun así demuestran virtuosismo, una virtud de constancia en la interpretación que se mantiene firme a lo largo de las ejecuciones y demuestra el tipo de misticismo cálido y rítmico propio del que se trata de manifestar en el sonido. Las piezas tienen un ritmo constante desde que comienzan hasta que terminan, lo que le da dinámica y una impronta propia al sonido.

Varios destellos rítmicos delicados, audaces, dulces o incluso cuestionantes, establecen el ambiente y, literalmente, emana una confianza y un logro supremos en su instrumento. Otra obra de música clásica hindú que llega a occidente a conquistar los oídos de por aquella época que estaban algo abiertos a las influencia hindúes, entusiasmados por la popularidad que había logrado la música de Ravi Shankar por estos lados del mundo.

Cod: #1361

4 jul. 2019

Ken Kesey ‎- The Acid Test (1966)

En la década de los 60s se llevó a cabo la madre de las revoluciones culturales, que darían pie e influenciarían a muchos otros sub-movimientos y revueltas, como el mayo francés, en krautrock, el progg sueco, etc. Esta revolución cultural se llevó a cabo esencialmente en los Estados Unidos, y tuvo repercusión en todo el mundo, esparciendo un espíritu que proponía la reflexividad respecto al poder y los lideres, la oposición a los horrores de la guerra, la oposición al capitalismo, la experimentación con psicodélicos, el amor libre y la creación y experimentación con nuevas formas de arte.

Esta revuelta generacional estaba alimentada en parte por una guerra estúpida y la desilusión general con el capitalismo de consumo. El punto cero de los sucesos, al menos en los Estados Unidos, se encontraba en San Francisco y, en el centro de ella estaban participando entusiastamente  algunos personajes como Ken Babbs, Ken Kesey, los Merry Pranksters, y sus legendarios eventos contraculturales ácidos, los ‘’acid test’’, fiestas o conciertos donde abundaba el LSD, el rock y las largas improvisaciones blues-rock psicodélicas que podían durar horas y horas, hasta que durara el efectos de los alucinógenos. 

La primera acid test "no oficial" ocurrió en la casa de Ken Babb, justo afuera de Santa Cruz en 1965, en Halloween. Los Pranksters en ese momento eran una banda en vivo, pero mientras estaban afuera y discutiendo la organización del evento, escucharon música proveniente del interior de la casa. Un grupo de músicos, llamados The Warlocks en ese momento, habían recogido los instrumentos y comenzaron a tocar. Estos fueron los músicos conocidos más tarde como los Grateful Dead, y más tarde pasaron el resto de la noche atascándose con los Pranksters hasta que saliera el sol.

En este ambiente, los Grateful Dead encontraron su sonido. Podían tocar lo que quisieran, y estirarlo musicalmente hasta donde quisieran también, sin disentir si era la forma correcta de jugar, o no. Tenían la libertad de hacer lo que querían, algo que muchos grupos de rock no pueden experimentar, ya que hay una forma "correcta" establecida de interpretación socialmente la musica. Este fue el primer espectáculo que tocó Grateful Dead, y cambió para siempre la forma en que representarían la elaboración de la música durante los próximos treinta años de su carrera musical.


Se realizaron pruebas de ácido posteriores. Playa de Muir, 11 de diciembre. Palo Alto, 18 de diciembre. Portland, 24 de diciembre. Cada evento, fue un caos enloquecedor de luz y sonido. Se animó a la gente a subir al escenario y rapear sobre lo que sea. Los micrófonos se extendieron por el lugar y se enrollaron en un frenesí de tonterías mientras la gente gritaba a través de ellos. Se reprodujeron espectáculos de luces, provistos por el agua que se esparcía en una variedad de colores y se proyectaba en las paredes. Mientras que Grateful Dead pronto se convirtió en una pieza central de cada programa.

La prueba de ácido más grande fue el “Trips Festival” de tres días que se llevó a cabo del 21 al 23 de enero de 1966, en el Longshoreman's Hall en San Francisco. Diez mil personas se presentaron cada noche, y mil más fueron rechazadas. El día 22, Grateful Dead y Big Brother & The Holding Company subieron al escenario y asistieron 6,000 personas, bebiendo el acido provisto. Krassner, un bromista, describe la escena en The Electric Kool-Aid Acid Test de Tom Wolfe: "...un salón de baile surrealista hirviendo con un par de miles de cuerpos apedreados fuera de sus atuendos, con disfraces locos y maquillaje obsceno, con una banda de rock and roll escandalosa y luces estroboscópicas y una máquina de truenos y globos y cabezas y serpentinas y el equipo electrónico...''.

Los Merry Pranksters eran los seguidores del autor estadounidense Ken Kesey, alrededor en 1964. Ken Kesey y los Merry Pranksters vivían en comunidad, en las casas de Kesey en California y Oregon, y su actividad principal consistía en viajar por todo el país, un largo viaje por carretera que realizaron en el verano de 1964, viajando a través de los Estados Unidos en un autobús escolar pintado psicodélicamente llamado Further, organizando fiestas y repartiendo LSD.  Estos sucesos incluyeron luces brillantes, música en vivo de músicos de la talla de The Grateful Dead y copiosas cantidades de LSD. 

Durante este tiempo se encontraron con muchas de las luces guía del movimiento cultural de mediados de la década de 1960 y ayudaron al establecimiento de lo que comúnmente se considera hippies, con comportamiento extraño, vestimenta teñida con multicolores y renuncia a la sociedad normal, a la que denominaron ‘’el stablishment’’. El escritor y periodista Tom Wolfe hizo una crónica de sus primeras aventuras en su libro ‘’The Electric Kool-Aid Acid Test’’.


Los miembros notables del grupo incluyen al mejor amigo de Kesey, Ken Babbs , Carolyn "Mountain Girl" Garcia , Lee Quarnstrom y Neal Cassady . Stewart Brand, Dorothy Fadiman , [3] Paul Foster , Dale Kesey (su primo), George Walker, los brujos (ahora conocidos como Grateful Dead ), Del Close (entonces diseñador de iluminación para Grateful Dead), Wavy Gravy , Paul Krassner , y los escritores de los Fab Five de Kentucky, Ed McClanahan y Gurney Norman (quienes se superponían con Kesey y Babbs como estudiantes graduados de escritura creativa en la Universidad de Stanford ) se asociaron con el grupo en diversos grados.

Este registro de 1966 refleja muy bien el espíritu del movimiento, el ambiente de los acid test y la idiosincrasia de este grupo de gente que se propuso ir a contracorriente. Estas grabaciones se caracterizan por una mezcla de delirio, debates, extractos de voces, charlas, experimentación sonora, ruidos, debates sobre política y la guerra de Vietnam, sarcasmos sonoros, música delirante e incierta: todo un conjunto de ingredientes culturales que impulsados por la implosión del LSD se manifiestan como una gran masa sonora que tal vez sea indefinida pero es de una valor artístico muy experimental: el acid test.

El álbum capturó material del 1 al 2 de octubre de 1966 en el acid test de San Francisco State College con Kesey y sus amigos en un extendido viaje de ácido. Habiendo sido arrestado dos veces por cargos de mariguana, para evitar el tiempo en la cárcel Kesey había estado viviendo en el exilio, en México. Antes de la decisión nacional de convertir el LSD en una droga prohibida (la ley entró en vigencia el 7 de octubre de 1966), Kesey regresó al país para recibir una prueba de ácido más. La mayor parte de este material es simplemente Kesey empapado de ácido, sin pensar y divagando sobre nada en particular. Sus narraciones fueron tratadas ocasionalmente con un extenso eco con la intención de mejorar la sensación trippy. 

Las narraciones también fueron acompañadas ocasionalmente por fragmentos de música, supuestamente de Jerry García y otros miembros de The Dead, con efectos de sonido esporádicos. Si esperaban escuchar a los Dead en esta grabación quedaran decepcionados, porque no aparecen para nada. Las drogas claramente tuvieron un efecto en Kesey que operaba bajo la creencia errónea de que él era un gran talento.

Cod: #1360

3 jul. 2019

Bango - Bango (1970)

Los orígenes del grupo tienen lugar bajo el nombre de Os Canibais, un grupo que había lanzado un primer disco. Para el lanzamiento de su segundo disco deciden cambiar su estilo musical, y junto con el cambio en el diseño musical vino el cambio de nombre, ahora se pasarían a llamar Bango, nombre bajo el que publicarían otro disco, de nombre homónimo, en 1970. El quinteto estaba formado por Aramis de Barros y Fernando en las guitarras, Elydioen el bajo, Roosevelt Tadeu en el órgano y voz y Max Pierre en batería.

Desafortunadamente, hay muy poca información disponible sobre la banda que actúa bajo el apodo de Bango. Al igual que Os Canibais, la banda se estableció como una de las bandas de baile más respetadas durante los años sesenta, y la banda residente de programas de televisión durante la Guardia Joven. Con el cambio de la década, siguen las influencias de la época en que el rock tropical después del Tropicalismo se reflejaba cada vez más en Os Mutantes, haciéndose cada vez más pesados. 

El único álbum de Bango es una perla perdida del rock tropical brasileño, que representa un nuevo sonido de la banda que incursiona en psicodelia y rock, aunque también hay lugar para algo de pop, baladas y hasta música country brasileña. Ofrecen algunos temas pesados, con buenas bases y buen poderío vocal e instrumental.

Después de unos pocos conciertos, el grupo se separó y el disco quedó en la oscuridad (más tarde, algunos de los miembros de la banda se convirtieron en productores notorios de las mayores compañías discográficas de Brasil). 


Con los años, el álbum homónimo de Bango se convirtió en una leyenda por derecho propio y comenzó a llamar la atención. La razón es obvia: canciones como ‘’Inferno no mundo’’ y ‘’Motor maravilha’’ son pistas asesinas con un uso increíble de fuzz y wah-wah, sonidos de órgano de Hammond, sonidos fuertes, coros pegadizos y estados de ánimo alocados.

El grupo explora también otras facetas, presentando algunos temas más suaves, un par de baladas suaves, pero en lineas generales el sonido de los temas está representado por atascos dinámicos en batería, buenos solos de guitarras sucias, un estilo de funky rock movedizo y pegadizo, temas con buena dinámica y estilo pese a no ser demasiado extensos. 

Esta gema olvidada ha sido reeditada una vez por una etiqueta alemana, pero estuvo agotada por años. Groovie Records de Portugal ahora está lanzando el LP de Bango con una canción extra exclusiva y nunca antes lanzada, una versión de Mongoose del grupo Elephant's Memory. Este único LP de Bango está bien grabado y tiene un repertorio inspirado, pero tuvo poco éxito comercial y luego del su lanzamiento pronto el grupo se separaría fugazmente.

Sus miembros casi han desaparecido por completo, a excepción de Max Pierre que es uno de los productores más prolíficos de Brasil, trabajó en los años setenta con bandas como A Barca do Sol, director artístico de Som Livre en los años ochenta, y luego tomó la dirección de Polyram en la década de 1990. Con el nuevo milenio, Max se convirtió en el vicepresidente artístico de Universal Music of Brazil. Otro que tiene un currículum respetable como productor es Aramis de Barros. En los años noventa, Aramis reemplazó a Max como director artístico en Free Sound.

Cod: #1359

2 jul. 2019

William Nowik - Pan Symphony in E Minor (1974)

El guitarrista William Nowik grabó este oscuro registro instrumental en 1974 en el área de Nueva York. Este es uno de esos trabajos difíciles de determinar en alguna categoría particular, debido a la cantidad de distintos estados y estilos por los que transita el sonido, que está presentado en forma de suites, dos extensas suites en donde en sonido se va desarrollando; tal vez este concepto sea un reflejo del título del álbum que insinúa que se trata de una ‘’sinfonía’’.

Las composiciones no están centradas y son algo inconsistentes en el sentido en que los elementos se unen sin mayores detalles compositivos, más bien son partes instrumentales de diversa manufactura que se van correspondiendo consecutivamente para crear una cosa común mayor y extendida en el tiempo; son pequeñas composiciones tituladas cada una por separado en el original vinilo lanzado en la época, que ahora en la reedición en cd aparecen toda juntas en un track. 

William Nowik ejecuta casi todos los instrumentos de la grabación, se escucha en guitarras (acústica, eléctrica y eléctrica de 12 cuerdas, hawaiana), bajo eléctrico, violín acústico y eléctrico, flautas, piano, percusión y kalimba. Algunas otras personas ayudaron en este álbum mayormente instrumental, incluido un saxofonista bastante bueno, Warren Cooper.


Sin duda el elemento más recurrente y consistente en el sonido es el rock, que aparece en forma de bases instrumentales, con buena definición y algo de groove, sobre las que desfilan algunos solos de guitarra eléctrica; pero esto aparece solo como un fragmento del sonido total en el que también aparecen partes instrumentales con instrumentos de cuerda, violines y guitarras acústicas que pintan paisajes folk, calmos y pastorales. 

Hay lugar para la improvisación, especialmente cuando se experimenta con la sensibilidad de los momentos calmos, tranquilos, en los cuales los arpegios y ritmos de violines y guitarras parecen deambular a sus anchas y crear un ambiente misterioso; y al no haber voces, lo instrumental se encarga de decirlo todo. 

No hay mucha diferencia de una cara a la otra, porque la propuesta es similar en ambos lados, la de una música que varía y muta dentro de una identidad musical propia y totalmente personalizada por su creador. Originalmente, en su época, solo se imprimieron 200 copias del vinilo y nunca se distribuyeron, por lo que se necesitó 35 años para ser descubierto.

Cod: #1358

30 jun. 2019

Satya Sai Maitreya Kali - Apache (1972)

Craig Vincent Smith fue un músico americano, compositor y actor. Se graduó en junio de 1963 y rechazó ofertas académicas para dedicarse de lleno a la música, ese mismo años fue reclutado por Michael Storm y Tom Drake para unirse a Good Time Singers, grupo con el que lanzaría un disco. Entre 1966 y 1967 formó parte de otro grupo, Chris & Craig, formado por él y Chris Ducey. Firmaron con Capitol Records, grabando varios demos durante el verano de 1966. Su primer sencillo, "Isha", fue escrito por Ducey y lanzado en julio de 1966. Originalmente un dúo acústico, durante sus sesiones posteriores de 1966 comenzaron a experimentar con una banda completa, y en noviembre de 1966 fueron teloneros deThe Mothers of Invention de Frank Zappa. Fue allí donde Smith pude hacer conexiones con músicos talentosos como Gábor Szabó y los Beach Boys, pero no pudo trascender y aprovechar la oportunidad de tener esas conecciones. 

Alrededor de 1968 comenzó su etapa de viajero, decidió irse solo en un viaje de mochilero rumbo a Asia, pasando por India, con solo una guitarra y una mochila, llegando a Turquía en octubre de 1968, posiblemente a través de Austria y Grecia. En este etapa comienza a consumir drogas, marihuana y LSD, comienza a experimentar, y comienza a tener problemas psicológicos. Smith posiblemente pasó algún tiempo en un manicomio afgano, donde se cree que desarrolló una esquizofrenia aguda. No se sabe si Smith alguna vez llegó a la India, aunque él y su diario de viaje afirman que visitó la India, se reconectó con el Maharishi y se fue a Nepal. 

Smith regresó a los Estados Unidos a fines de 1968 o principios de 1969, pero pronto emprendió un nuevo viaje, a América del Sur, pasando un tiempo en Perú, Ecuador, Bolivia, Argentina y las Islas Galápagos de Chile, periplos donde experimentó los efectos del peyote. Después de experimentar con drogas mientras viajaba, sufrió problemas de salud mental que empeoraron con el tiempo. Smith afirmaba tener poderes místicos, y pensaba que era un mesías. Profetizó que sería "Rey del mundo" para el año 2000. Afirmó ser una reencarnación de Jesús, Buda y Hitler, su comportamiento se volvía cada vez más errático.


Dentro de esta vorágine de demencia, delirios, viajes y drogas, crea dos álbumes solistas, ‘’Apache’’ e ‘’Inca’’, publicados ambos en el año 1972. Para esa ocasión se presenta bajo el nombre de Satya Sai Maitreya Kali, tal vez sea otro de sus delirios místicos, pero este estado en que se encontraba lo lleva a experimentar un poco con música y a componer sus propio material, canciones algo psicodélicas, inspiradas en sus experiencias místicas con las drogas, dentro del estilo del folk, folk rock y el rock psicodélico.

Las canciones son en su mayoría cortas, muchas siendo de pura guitarra acústica y voz, piezas algunas con un aire misterioso y volátil, con melodías bellas y suaves. Aparecen algunos efectos y el sonido general tiende a ser considerablemente psicodélico. Apache fue lanzado en su propio sello ‘'Akashic Records’', e ‘’Inca’’ fue lanzado unos meses después, en el verano de 1972, no como un álbum independiente sino como una continuación de Apache, publicado bajo su nuevo sello '’United Kingdom of America Records’'. Si bien musicalmente los dos trabajos siguen la misma línea psicodélica, "Apache" es en relación a su sucesor "Inca" menos electrificado, más no por ello menos psicodélico, de hecho y como reza su portada, está dedicado a Jimi Hendrix. En ambos discos, es Satya Sai Maitreya Kali quien ejecuta todos los instrumentos y canta. Además, se hizo cargo de la fotografía y dirección de arte.

Después de que se lanzaron los álbumes, Smith vendió su automóvil con la intención de ir a Etiopía. El 22 de abril de 1973, Smith atacó a su madre en la casa de la familia, a causa de esto pasó alrededor de tres años en distintas prisiones, tiempo en el que un juez le asigno tratamiento médico y psiquiátrico intenso. Fue liberado de prisión en junio de 1976. Los próximos 35 años los pasó sin hogar, pasando por varios hospitales psiquiátricos hasta alrededor de 1980. Smith murió el 16 de marzo de 2012. Su familia se negó a recolectar sus cenizas, y finalmente fueron recolectadas por el periodista Mike Stax.

Cod: #1357

28 jun. 2019

Master Musicians Of Joujouka - Brian Jones Presents The Pipes Of Pan At Joujouka (1971)

En 1968, Brian Jones, de los Rolling Stones, viajó a la ciudad de Tangér, Marruecos, con su novia Suki Potier y un técnico de sonido, George Chkiantz; allí se conectó con el escritor y artista Brion Gysin y el autor Paul Bowles, quienes a menudo pasaban un tiempo en Marruecos, con la intención de realizar grabaciones de música ceremonial local. Gysin los llevó a las montañas para conocer a los músicos del pueblo de Jajouka (que significa "algo bueno te llegará").

Jones había hecho su primer viaje a Marruecos en 1966, sin embargo este país siguió atrayéndolo, y volvió a hacer sucesivos viajes para conocer las culturas ancestrales locales, especialmente su música. Y así que, en 1968, la estrella de rock regresó de nuevo, acompañada por el ingeniero de grabación George Chkiantz, quien trajo una máquina grabadora portátil de cinta a batería.

Mohamed Hamri llevó a Jones y Chkiantz a la ladera donde residían los Maestros Músicos, y los interpretes recrearon su música durante una sesión de un día.  Jones visualizó sus grabaciones no como algún tipo de documentación, sino como la base para un álbum de rock. De vuelta en Londres, recortó la duración de estas largas horas hipnotizantes e hipnóticas canciones y añadió fases estéreo, eco y otros efectos. Aparte de eso, mantuvo la música lo más auténtica posible, incluso absteniéndose de cantarla o tocarla él mismo. Así que en realidad es más un álbum de Master Musicians of Jajouka que un álbum de Brian Jones .

Asediado por problemas legales relacionados con las drogas y obstaculizado por problemas personales que lo convirtieron en una responsabilidad profesional, él mismo fue llevado a la masacre. El 8 de junio de 1969, Jones fue confrontado en su casa por Richards, Mick Jagger y Charlie Watts, y fue despedido de los Stones. Menos de un mes después, fue encontrado muerto en su propia piscina. Tenía 27 años.


Los Rolling Stones publicaron las cintas de Jones en 1971, bajo el nombre de ‘’Brian Jones presenta The Pipes of Pan en Joujouka’’, en su propia impresión personalizada. Se trata de un documento de música tradicional marroquí que logra efectos de trance a través ejecuciones hipnóticas, insistente percusión, canto vocal misterioso y sonidos de instrumentos locales. 

Originalmente dividido en dos partes de LP sin título e ininterrumpidas (aunque se desglosan y se titulan oficialmente en la reedición del CD), se debe tener en cuenta que se trata simplemente de extractos editados de interpretaciones que pueden durar horas, y por lo tanto solo ofrecen una muestra del evento en vivo total. Aunque la primera parte en particular se basa en la implacable energía de los clímax rituales, aquí hay actuaciones discretas y diferentes, algunas con cantos femeninos, otras vocales masculinas menos intensas, y otros pasajes de instrumentos no acompañados que suenan como flautas.

No es sorprendente que no se vendiera bien, pero profetizaría un profundo interés entre otros músicos de rock por los sonidos de las músicas del mundo, y disfrutó de una larga vida después del trabajo de otros. Algunos interesados más en la música de Jajouka viajaron a Marruecos con sus propias máquinas de cinta. En 1972, el estadounidense Joel Rubiner grabó en una de las aldeas.  

Otro interesado fue el músico y periodista Robert Palmer, quien en enero de 1973, trajo a Jajouka, al compositor y saxofonista de vanguardia, Ornette Coleman , donde la pareja grabó durante horas con los Maestros Músicos. Un fragmento del trabajo, la canción "Midnight Sunrise", se incluyó en el armolódico álbum de jazz y rock de 1977 de Coleman, Dancing in Your Head . Dos álbumes de material se dice que permanecen inéditos. Los Rolling Stones invitaron a Master Musicians Of Jajouka con Bachir Attar a grabar el tema "Continental Drift" en su álbum Steel Wheels en 1989, dos décadas después del fallecimiento de Jones. 

Cod: #1356

26 jun. 2019

Stomu Yamash'ta - Red Buddha (1971)

Stomu Yamash'ta nació en 1947 en Kyoto, Japón, con el nombre de Yamashita Tsutomu. Es un baterista, percusionista, teclista y compositor japonés de jazz y de rock. Con frecuencia aparece citado como Stomu Yamashta o Stomu Yamash'ta. Su padre fue el director de orquesta japonés, Kiyoharu Yamashita (1907-1991). Stomu estudió música en la Universidad de Kioto, en la Juilliard School, y en Berklee, formación que le permitió alcanzar una reputación internacional como compositor e intérprete de jazz rock fusion, rock, electrónica, así como proyectos multimedia para el teatro, música para ballet y bandas sonoras cinematográficas. 

Llegó a Europa a principios de la década de los 70, trabajando brevemente en Francia en proyectos multimedia de teatro (por ejemplo, el precursor de "Red Buddah Theatre" y "El hombre del este") antes de trasladarse por el Canal a Inglaterra. A lo largo de la década de los 70, YAMASH'TA grabó la mayoría de sus álbumes de los 70 en el Reino Unido, pero lamentablemente muy pocas de las grabaciones de Island Records se han publicado en CD.

En esos primeros años de su estadía en Europa, exactamente en 1971, publica uno de sus primeros trabajos solistas Red Buddha, que representa el comienzo de sus exploraciones musicales de por aquel entonces comienzo de su carrera, avocado totalmente a la percusión y a la experimentación percusiva. Red Buddha es en realidad el nombre de un teatro en París, para el cual se grabó este álbum. Yamash'ta había estado estudiando las tradiciones del jazz del oeste, y lo habían llevado a Europa, donde una nueva mentalidad exploradora parecía adornar la maleza brillante de cada ciudad importante.

Red Buddha es el primer documento, y probablemente es el menos accesible de Stomu, pero sin embargo es un logro sorprendente, ya que en su mayoría solo hay instrumentos de percusión que completan las dos caras de este álbum. No hay sintetizadores, no hay guitarras, ni nada más que no tenga que ver con instrumentos de percusión, aquí es todo percusivo, con algunos instrumentos más exóticos que otros, con los cuales construye ambientes en ensueño demostrando la versatilidad y la imaginería puesta al servicio de la construcción percusiva.


El trabajo consta de dos extensas pistas de alrededor de quince minutos cada una, y ocupan cada una las respectivas caras del vinilo. La música de este registro es absolutamente instrumental y experimental, no pareciera seguir ningún patrón, pero tampoco pareciera ser improvisada, se dice que fue compuesta y que todo lo ejecutado está perfectamente planeado de antemano. Aunque no parezca esta música es académica, no tanto ligada a lo intelectual, por la calidad experimental de las ejecuciones y las inclusiones de los instrumentos, que no obedecen ningún parámetro reconocible y se van sumando en una cacofonía percusiva enigmática.

Tal vez por lo que más se lo reconozca en su carrera es porque entre 1975 y 1978, Stomu fue el líder de un supergrupo de jazz rock llamado Go, con Steve Winwood, Al Di Meola, Klaus Schulze, y Michael Shrieve, un grupo compuesto por estrellas. Sin embargo, antes de formar Go, Yamash'ta jugó un papel en la formación de músicos que posteriormente fueron más conocidos por tocar en importantes grupos de jazz de los años 70 en el Reino Unido, por ejemplo, Brand x e Isotope. Yamash'ta atrajo a músicos como Morris Pert y Gary Boyle para su proyecto "Red Buddah Theatre".  Yamash'ta reclutó también al ex Soft Machime Hugh Hopper, para lo que se uniera al proyecto que luego publicaría al álbum de jazz rock ‘’Freedom Is Frightening", de 1973. En 1974 Yamash'ta formó la banda East Wind.

Realizó composiciones para el Royal Ballet británico, y escribió varios temas para el film de David Bowie, El hombre que vino de las estrellas, interpretando también la música de la banda sonora compuesta por Peter Maxwell Davies para la película de Ken Russell, The Devils, así como la de John Williams para Images, de Robert Altman (1972). Ha compuesto, además, varias bandas sonoras, siendo la más conocida, One by One (1974).

Después de dejar Europa en 1980, Yamash'ta se retiró a un templo budista en Kyoto. Tal retiro fue breve y luego lanzó una serie de grabaciones que emplean sintetizadores, sonidos grabados pregrabados, instrumentos orquestales y percusión. De estas grabaciones, la llamada "música espacial" del disco de 1983 "Sea and Sky" está disponible en CD. Sigue lanzando álbumes de vez en cuando en este género electrónico / ambiental. Su 'Space Theme' fue utilizado por la BBC en la Guía de la galaxia del autostopista (serie de radio).

Cod: #1355
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