20 jun. 2018

Association & Pierre Courbois - Earwax (1970)

Pierre Courbois es un baterista de jazz holandés, director de orquesta y compositor, quien después de estudiar percusión en Hogeschool der Kunsten en Arnhem, se trasladó a París, el centro del jazz en Europa a principios de los años sesenta, donde tuvo mucho trabajo como músico. Courbois fue uno de los primeros músicos en Europa para experimentar con el free jazz. En 1961 se convirtió en el baterista y líder del Free Jazz Quartet. En 1965 fundó otro grupo, el Free Music Quintet, compuesto por músicos internacionales.

En 1969, Courbois fundó uno de los primeros grupos europeos de jazz-rock, que en un comienzo era conocido simplemente como Association. Originalmente era acompañado por el tecladista holandés Jasper van't Hof, el guitarrista alemán Toto Blanke y el bajista Siggi Busch, aunque en el primer disco de la banda participaría también otro bajista, Peter Krijnen. Su primer trabajo llegó en 1970, conocido como Earwax, un álbum de una extraño estirpe, más bien calmo, sin mayores distorsiones o complejidades, tendiente un tanto hacia la experimentación pero esta no se presenta tan abruptamente.

En sí se trata de un trabajo de jazz-rock, con un sonido en general limpio y prolijo, y, por ejemplo, aparecen algunas pieza como ‘’Spider’’, ‘’Earwax’’ o ‘’Jazzper’’, que parecen ser más bien convencionales dentro del fusión, con estructuras sencillas y correctas, y buenos solos en guitarra eléctrica y piano eléctrico. Aunque por otra parte aparecen algún sonidos que rompen con esto, en ‘’Hit the P. tit’’ o ‘’Round A’bout Nine’’, que se adentran más dentro del campo de la experimentación, con sonidos improvisados, distorsiones y estructuras creadas con la libre ejecución.


Es un álbum más bien del under, no muy ambicioso pero no por eso menos valedero, es un trabajo no muy extenso, que presenta tímidamente una cara que termina siendo experimental, o algo vanguardista, un sonido que tal vez guste a algunos. Un álbum fino, no predestinado a mayores convenciones, de una gran calidad. A menudo suele aparecer, extrañamente, entre las listas de discos de krautrock, cosa extraña porque no pareciera tener mucho acercamiento a este estilo, ni tiene tampoco acercamiento alguno a al electrónica, en sus momentos más ‘’experimentales’’, por así decirlo, se acercan más que nada, podria decirse, al free jazz, pero no al krautrock.

Luego del primer lanzamiento la banda funcionó bajo el nombre de Association P.C. El grupo existió hasta 1975, etapa en la que alcanzaron a publicar cinco discos, trabajos en los que continuaron y profundizaron el desarrollo del jazz-fusion, con algunas miras experimentales, a veces similares a Soft Machine. El pianista alemán Joachim Kuhn se unió a la formación para sus dos últimas grabaciones, Rock Around The Cock y Mama Kuku , reemplazando a Jasper Van't Hoff cuando éste se despidió para formar el proyecto Pork Pie.

En 1982 Courbois fundó ‘’New Association’’ junto a Heribert Wagner, Ben Gerritsen y Ferdi Rikkers. En 1992, comenzó con un quinteto con su propio nombre y, por primera vez en su carrera, interpretó piezas compuestas por él mismo, este conjunto sorprendió gratamente a los críticos y al público, con un retorno a la tradición de Charles Mingus: jazz temático, conjunto melódico y una experimentación con improvisación lineal. En 1999 fundó el Double Quintet y en 2003 el Five Four Sextet, con Eric Vloeimans, Ilja Reijngoud , Jasper Blom, Paul van Kemenade y Niko Langenhuijsen. Actualmente sigue tocando en vivo.

Cod: #1315

12 jun. 2018

Wolfgang Dauner - Output (1970)

Tal vez no tan reconocido por la escena alemana, Wolfgang Dauner supo formar parte de esos primeros impulsores seminales que inspiraron y, a la vez, se inspiraron de la escena rock alemana que ya desde finales de los 60s comenzó a tomar un definido y definitivo camino hacia la experimentación y la fusión del rock con la electrónica. No queda del todo claro si Dauner participó del movimiento krautrock ideológicamente, pero lo que es seguro es que utilizó casi los mismos elementos de este movimiento  para llevar a cabo su música: experimentación electrónica, jazz vanguardista, R&B, influencias psicodélicas norteamericanas y extensas improvisaciones, que caracterizaron su música, en lo que respecta a sus lanzamientos de por aquellos años, entre finales de los 60s y principio de los 70s.

Wolfgang Dauner fue un fructífero y pionero multi-intrumentista alemán, pianista, teclista y compositor de jazz y jazz fusión, conocido sobre todo como fundador y líder de la United Jazz and Rock Ensemble, donde estuvieron músicos como Charlie Mariano, Barbara Thompson, Albert Mangelsdorff o Jon Hiseman, y que se convirtió en la principal big band europea de jazz rock. En 1963 fundó su propia banda de jazz, ‘Wolfgang Dauner Trio’, centrándose en el escenario contemporáneo, junto al famoso bajista alemán Eberhard Weber y el batería estadounidense Fred Braceful. Desde un comienzo mantendría un incansable interés y desarrollo dentro del jazz contemporáneo y el free jazz, tomando un camino luego hacia el jazz experimental y las distintas fusiones dentro del género. 

Entre sus varias producciones de por aquellos años aparece Output, un trabajo que ya por su nombre y por el arte de portada es fácil predecir su predilección por la electrónica, o por lo menos predecir que se trata de un trabajo influenciado por esta tendencia; una predicción no errada ya que desde el comienzo surgen algunos sintetizadores como para erradicar cualquier confusión al respecto, de hecho, el primer tema del disco se llama ‘’modulaciones’’.

El sonido de este disco, aparentemente improvisado, es un ejemplo de una de las tendencias que estaban en boga entre las bandas de aquella época, y que se puede escuchar de bandas provenientes de cualquier parte del mundo, es esta tendencia a hacer música de libre ejecución, casi sin estructuras ni ideas prefijadas, desarrollada nada más que con la ejecución libre y espontánea, con lo que surgiera en el momento de grabación. 


Este estilo tuvo varios precedentes inmediatos, que provienen: del movimiento de free jazz surgido a finales de la década de los 50s en los Estados Unidos, en el que se hizo jazz aparentemente bajo las mismas condiciones; o también algunas bandas europeas de mediados de los 60s, conocidas vagamente por el término de ‘’free improvisation’’, que hacían música totalmente improvisada y casual; o incluso también en el hippismo norteamericano, donde se experimentó bastante con los ‘’freak out’’ sonoros, la experimentación sonora y las extensas improvisaciones. De alguna forma esta tendencia se mantuvo en algunas bandas de principio de los 70s, post psicodélicas.

La electrónica está presente en todo el disco, con la presencia del sintetizador y sus diversas aplicaciones según cada pieza, y conducido por este elemento el sonido tiende considerablemente a manifestarse casi como con un estilo de ‘’musica concreta’’, construido con ruidos y sonidos electrónicos, libre aplicaciones de los instrumentos, caos, sonoridad libre y experimental. Alguna excepción se presenta en ‘’Nothing to declare’’, una pieza de 10 minutos de duración, un largo atasco con un estilo de jazz-rock, con un interjuego entre el piano y el sintetizador, y con un solo de bajo en el medio.

Se podría decir que se trata de jazz vanguardista, o krautrock, o música concreta electrónica, tal vez se trate de una mezcla de todo eso, y más. El resultado final es algo caótico, provocativo como la mayoría de los trabajos de Dauner, humorístico y satírico, con la fusión como lema principal y la libre improvisación como su idioma reiterativo. Sin duda toman al jazz y lo llevan a lugares insospechados. Un sonido muy bien acabo y terminado en su carácter experimental y electrónico, una gran anotación por parte de Dauner por publicar esto en épocas del surgimiento del krautrock.

Wolfgang Dauner fue pionero en la escena alemana, experimentando con jazz en los 60s, publicando elementos tempranos de jazz fusión y fusionando electrónica con jazz complejo y experimental. Por aquellos años fundaría Et Cetera, otro emprendimiento de iguales características en los que continuaría con la fusiones de jazz, rock, electrónica, psicodelia, música libremente fusionada; grupo que supo contar en sus filas con músicos como el legendario baterista Jon Hiseman y el mítico guitarrista Larry Coryell. En 1975 co-funda el grupo ‘The United Jazz+Rock Ensemble’, que combinaba los más excelsos músicos alemanes de jazz fusión de la época.

Cod: #1314

7 jun. 2018

The Fourth Way - Werwolf (1970)

Se puede incluir a The Fourth Way entre las bandas pioneras del jazz-fusión, aunque no provienen de la escuela inglesa, sino que son de los Estados Unidos, fue un cuarteto de jazz estadounidense compuesto por Eddie Marshall, Mike Nock, Michael White y Ron McClure. Se formaron en 1967 y trabajaron principalmente en el area de la bahía de San Francisco, hasta comienzos de la década de 1970, época en la que lanzaron tres álbumes.

Al igual que sus contemporáneos de Weather Report, fueron los pioneros en la fusión entre  jazz y rock, implementando además elementos eléctricos, con el piano Fender Rhodes de Mike Nock ejecutado a través de pedales de efectos, entre los que se incluía la ‘’modulación en anillo’’ (función de procesamiento de señal, una implementación de mezcla de frecuencia , realizada multiplicando dos señales, donde una es típicamente una onda sinusoidal u otra forma de onda simple y la otra es la señal que se va a modular), además del violín de Michael White amplificado eléctricamente, y el bajo eléctrico de Ron McClure.

Para 1970 ya había publicado dos trabajos, hasta que, ese mismo año, publican Werwolf, grabado en vivo en el Montreux Jazz Festival, un tercer trabajo en el que siguen la línea que venían trazando con sus anteriores discos, un sonido de jazz-rock instrumental caracterizado por atascos en los que brillan las buenas sesiones improvisadas con plenos solos de teclados y violín; aunque en esta nueva entrega presentan una nueva cara, que sería la electrificación sus sonidos, especialmente el del piano eléctrico, que a veces suena algo salvaje y crudo.


Es una rebana seminal del jazz-rock más tempano, con un estilo percusivo algo tendido al jazz-funk, con bases rítmicas sencillas y livianas, muy bien acomodadas a las ocurrencias que puedan presentarse en los momentos más, por así decirlo, ‘’extraños’’, como en las piezas ‘’Colours’’ o ‘’Mesoteric Circle’’,  en las que se salen del mero rectilíneo rítmico. En esencia son sencillos, de un gran atractivo, sus piezas no son complejas, son más bien llamativas y plagadas de buenas improvisaciones. 

Violín electrificado, modulaciones electrónicas e improvisaciones dentro de un jazz-rock instrumental, con algunos modos particulares en las escalas en uso, una fórmula utilizada tempranamente, y que luego, poco después, explotaría  y elevaría al máximo la Mahavishnu Orchestra; en esto puede otorgársele algo de valor de precursoriedad a la música de The Fourth Way.

No mucho más se supo del grupo luego del lanzamiento de esos trabajos, funcionaron hasta 1970, posiblemente desapareciendo luego de esa época. Se conoce que Mike Nock, el pianista del grupo, volvió a su país natal, Nueva Zelanda, país en el que se encuentra radicado actualmente, publicando una buena cantidad de discos solistas. Por su parte, el violinista del grupo, Michael White, también continuó con su carrera solista, siendo conocido incluso como el primer violinista de jazz-funk y free jazz, publicando también una serie de discos solistas, especialmente dentro de la década de los 70s.

Cod: #1313

7 may. 2018

Blue Effect & Jazz Q Praha - Coniunctio (1970)

Este proyecto fue impulsado por dos bandas Checas (por aquel entonces era Checoslovaquia), la gente de The Blue Effect y la banda Jazz Q Praha: una ingeniosa combinación que daría impulso discográfico a Jazz Q Praha, siendo el primer lanzamiento en el que participarían; y a la vez consolidaría el camino progresivo y/o más experimental de The Blue Effect, ya que hasta ese momento dicha banda solo había publicado un disco pero orientado más hacia el rock psicodélico clásico, sin miras tan experimentales como en las que se implicarían en este nuevo emprendimiento.

‘’Coniunctio’’, grabado en el estudio Supraphon Dejvice, en Praga, en Marzo de 1970, es el producto de la sumatoria del esfuerzo de dos grandes bandas Checas de la época, la cuales aportan, desde su estilo, su impronta y sus características particulares: The Blue Effect nace en Praga, en 1968, dirigidos por el vocalista y guitarrista Radim Hladík, quien terminaría siendo un miembro constante del grupo durante la carrera inicial y durante dos décadas en adelante. Ellos provenían más bien del rock psicodélico y del blues rock, más adelante publicarían épicos trabajos progresivos, pero hasta entonces, 1970, aun no se habían encaminado en esas tierras, por lo que ahora lo podían aportar era rock psicodélico. Por su parte, Jazz Q Praha, se formó en 1964, creada y liderada por el pianista Martin Kratochvil. Ellos hasta entonces, desde mediados de los sesentas, se inspiraban en el free jazz norteamericano de finales de los 50, pero ahora se topaban con la escena rockera de finales de los 60s, con la cual haría buenas migas, proporcionando sus estilos más orientados hacia el jazz, free jazz y jazz fusión.

Este entrecruce de estilos da pie a la elaboración de un trabajo en el que se fusionan, como se dijo antes, el rock psicodélico, el free jazz y el jazz fusión. Solo cuarto composiciones componen el trabajo, de las que brota un sonido extraño e inesperado, un caos instrumental y una libre ejecución que se hace presente casi continuamente en el sonido, una combinación inesperada y audaz. Antes de apresurarnos en otorgarle algún calificativo puntual a la música es preferible comenzar destacando de que se trata de música rock elaborada con una concepción bastante libre en sus parámetros y su ejecución.

‘’Coniunctio I’’ es la primera pieza del disco, con un sonido que comienza con lo que pareciera algo de rock psicodélico, pero este totalmente desfigurado por la incalculable aplicación de solos, agregados instrumentales y efectos, que inundan el sonido y lo vuelven caótico. Esta pieza, siempre instrumental, comienza con lo que pareciera ser una forma de canción más convencional, pero el delirio sonoro no se hace esperar y de ese comienzo se desprende una extensa sesión de improvisaciones, que se divide que varias partes y que transita por varias intensidades, alcanzando esta los 19 minutos de duración. Allí se muestra la verdadera fusión de los estilos de ambas bandas, el intimo entrecruce: solos de teclados y guitarras eléctricas se hacen presentes en un delirio electrico, lo que luego deriva en partes internas donde el sonido se vuelva indiscriminadamente hacia el free jazz, con la aparición de un contrabajo y aplicaciones libres en piano.


En las siguientes dos piezas ocurre una particularidad, los estilos se dividen, en ‘’Navsteva U Tety Markety, Vypiti Salku Caje’’, la segunda pieza del disco, parecieran transitar por el rock psicodélico más propiamente dicho, siempre con un toque particular en lo instrumental, pero esta vez dentro del rock del estilo de The Blue Effect; un tema más sueva, con buenas bases eléctricas y solos de guitarra eléctrica. Es una agradable pieza instrumental de rock psicodélico que presenta un particular esmero en su elaboración, ya que transita por varias partes y secciones, no sé si podría llamársele progresiva, pero si se presenta lo suficientemente compleja. 

Ya en la tercera pieza, ‘’Asi Pujdem Se Psem Ven’’, pareciera que Jazz Q Praha tomara el control del sonido, porque esta vez se orientan pura y deliberadamente hacia el free jazz, sin excusas ni preámbulos; el contrabajo de fondo, las elocuencias del piano, los parafraseos constantes del saxo, las bases arrítmicas, todo nos da cuenta de los caminos musicales por lo que transitó Jazz Q Praha en sus orígenes. 

La cuarta pieza no se hace esperar, ‘’Coniunctio II’’, en la que la fusión reaparece con el mismo desparpajo y descontrol del comienzo, bases de rock eléctricas sumado a aplicaciones en flauta, donde el rock y el free jazz tiene otro intimo encuentro instrumental. El caos vuelve a surgir, casi como uno de los lemas principal que ha tenido el trabajo, que también ha sabido ser complejo y, dentro de la informalidad, también sofisticado. También aparece la idea del jazz-rock, pero en un sentido muy diferente al utilizado habitualmente. 

Es un álbum bastante arriesgado y ambicioso que seguramente no le guste a todos, no está predestinado para una audiencia fácilmente identificable, la fuerte aparición de free jazz puede desalentar a los amantes del rock más aventureros, del mismo modo, la electrificación casi omnipresente del sonido puede desencantar a los puristas del jazz, pero definitivamente se trata de una fusión de un impecable nivel, que vale la pena escuchar. Esta obra sería el auténtico punto de despegue de ambas bandas (aunque The Blue Effect ya habia publicado un disco), la presentación hacia un ámbito de rock experimental, con miras hacia el rock progresivo en el que se inmergiría The Blue Effect en sus futuras obras, y el jazz-fusion que exploraría Jazz Q Praha en sus futuros trabajos.

Cod: #1312

1 may. 2018

Hiromasa Susuki - Rock Joint Biwa / Kumikyoku Furukotofumi (1972)

A principio de los setentas, el pianista y compositor Hiromasa Susuki ideó y lideró el desarrollo de un proyecto musical denominado como Rock Joint, del que saldrían dos álbumes, en los que fusionaría jazz rock con música étnica. Hiromasa Susuki era apoyado esencialmente por su trio, constituido por él, además de Kunimitsu Inaba en bajo y Hideo Sekine en batería; aunque a estos se les sumó una buena cantidad de otros músicos participantes: Shiho Miyake encargado de ejecutar el Biwa, Akira Ishikawa en Wadaiko (instrumento percusivo japonés), Kiyoshi Sugimoto en guitarra eléctrica, Takehisa Suzuki en trompeta, Takeru Muraoka en saxo, Tadataka Nakazawa en trompeta, además de un cuarteto de músicos, indefinido, dedicado a instrumentos de cuerda.

Los músicos que trabajaron en torno a estos álbumes fueron esencialmente provenientes del ámbito del jazz, y el sonido final del proyecto tuvo ese fundamento principal, el jazz, o mejor dicho jazz fusión. Rock Joint se divide en dos álbumes, con estilos ligeramente diferentes: el primero, 'Rock Joint Biwa', se centró en el instrumento japonés biwa y la música oriental japonesa, mientras que el segundo 'Rock Joint Cither' se orientó alrededor de sitar y la música india.

Alguna confusión se produce a la hora de nombrar los discos, no está del todo claro si el trabajo fue acreditado bajo el nombre de Rock Joint, o bajo el nombre de Hiromasa Susuki, o bajo algún otro nombre. Por otra parte, los nombres de los discos también se prestan para cierta confusión, el nombre completo del primer disco de la serie es ‘’Rock Joint Biwa ~ Kumikyoku Furukotofumi‘’, el cual fue publicado en 1972. El segundo de ellos apareció en 1973, llamándose ‘’ Rock Joint Cither ~ Kumikyoku Silk Road’’. Las confusiones a la hora de los nombres se prestaron también por las diversas transcripciones de su idioma original japonés, que aparecieron en las diferentes reediciones posteriores.

El primer disco de este proyecto, el ya mencionado Rock Joint Biwa ~ Kumikyoku Furukotofumi,  presenta una serie de piezas que se fundamenta  principalmente en un sonido de jazz fusión, caracterizado por atascos que terminan derivando en su mayoría en improvisaciones de teclados y guitarras eléctricas. El sonido de este álbum da la impresión de tener todavía algún parentesco con la psicodelia, especialmente por los solos de guitarra con un sonido algo distorsionado, y que en alguna pieza, por ejemplo, utiliza el clásico wah wah. Aunque también parecen estar bajo la influencia de la fusión temprana, la fina destreza en la ejecución de los teclados y piano por parte de Susuki da prueba de esto, mientras que el resto de músico se esmera por seguir al pie de la letra el rigor compositivo y los detalles sutiles que componen las piezas.


Los temas parecieran estar caracterizados principalmente por una fórmula: introducciones, proseguidas por atascos improvisados, para luego concluir con algún arreglo terminante, lo que da fin a las piezas. Parece ser la formula típica del jazz fusión, proveniente del jazz propiamente dicho. Afortunadamente esto se corta con la sutileza de los arreglos, y la aparición del biwa que suma aun en la estética ‘’fusion’’ del sonido. Las bases rítmicas son muy acertadas, y dan un gran pie para las improvisaciones. La lista de temas está presentada de tal forma que se entremesclan piezas más bien ‘’rockeras’’, con algunas piezas ya más de un corte melódico, que contrarrestan muy bien con el sonido del disco.

El biwa pareciera no tener un lugar tan preponderante en el sonido de la obra, como se lo podría haber esperado de antemano por tratarse de un trabajo que, a priori, está dirigido conceptualmente alrededor de este instrumento y de su sonido; el titulo lo reclama: Rock Joint Biwa. Se hace presente especialmente en las introducciones de los temas, o también suele aparecer de fondo, como dando un toque étnico al comienzo de las piezas, pero no siendo tan fundamental para el sonido general. El trabajo también está supuestamente orientando a la música oriental japonesa, cosa que tampoco parece verse tan presente en el sonido general. Una salvedad podemos hacer con el último tema del disco, que directamente se trata de una sesión de música étnica japonesa donde lo único que se escucha es el biwa.

El nombre en el titulo correspondiente a ‘’Kumikyoku Furukotofumi’’, hace referencia al antiguo libro japonés Furukotofumi (también llamado Kojiki), el libro más antiguo que se conserva en Japón, y que supuestamente inspira a la conceptualización del sonido de este trabajo. Se trata de un antiguo libro, de sospechada procedencia, que contiene varios mitos y leyendas de Japón, acerca de la creación del mundo a manos de los kami (dioses) Izanagi e Izanami, y acerca de la historia de antiguos emperadores japoneses. El libro contiene además, la escritura de algunas canciones. Mientras que los registros históricos y los mitos están escritos en alguna forma de chino con una fuerte mezcla de elementos japoneses, las canciones están escritas con caracteres chinos usados para transmitir sólo los sonidos. Este peculiar uso de los caracteres chinos es llamado Manyogana, y se requiere un conocimiento de dicha especialidad para comprender las canciones. Están escritas en un dialecto de la zona de Yamato entre el siglo VII y el VIII, un idioma denominado Jōdai Nihongo.

Hiromasa SUZUKI continuaría grabando discos de jazz bajo su nombre o bajo su trío hasta su muerte en 2001, dejando una serie de discos publicados especialmente en la década de los 70s; también participando de algunas bandas sonoras y colaboraciones con las bandas Count Buffalos Rock Band, The Fredom Unity y Electro Keyboard Orchestra.

Cod: #1311

24 abr. 2018

Exmagma - Exmagma (1973)

Usualmente se suele encasillar a Exmagma dentro de la etiqueta del krautrock, por su proximidad a la movida (eran de la misma Alemania), y por ofrecer, al mismo momento en que se desarrolló dicho género, un estilo experimental en el cual usaban incluso los mismos elementos que en dicho género; pero Exmagma recombinó los sonidos y utilizó su imaginación (o su espíritu) para crear una música a priori muy difícil de encasillar o clasificar.

Exmagma fue formada en Stuutgart, Alemania, por Andy Goldner en guitarra, bajo y saxo, Thomas Balluff en teclados, trompeta, flauta, y voz, y el baterista de jazz Fred Braceful, proveniente de otro grupo alemán contemporane, ‘’Et Cetera’’. Originalmente iban a llamarse Magma, pero tuvieron que cambiar de nombre tras enterarse de la asociación francesa que llevaba el mismo nombre. El primer y homónimo álbum de Exmagma se grabó en 1972 y se lanzó en 1973, presentando una serie de atascos de, dentro de lo que difícilmente podría decírseles, jazz-rock, condimentado con una serie de factores y animidades que conducen al sonido hacia costados poco esperable pero que serían bien recibidos por los amantes del jazz-rock más experimental, de la época, o por los amantes de los sonidos psicodélicos. 

A menudo, al escucharlos, queda la sensación de que están desplegando sesiones, son auténticos atascos con una base percusiva amplia, con un estilo tipo funky, repleto de alocados solos estilo free jazz, con teclados, e incluso algunos agregados sonoros electrónicos. El sonido, parece cuasi improvisado, tiende a conducirse muchas veces a la experimentación sonora, especialmente en la última pieza del disco, la que seguramente ocupara, por aquel entonces, todo el lado B del original vinilo publicado por ellos; se trata de ‘’Trippin With Birds - Kudu – Horny’’, una pieza de 18 minutos en donde exponen aún más su potencial rupturista, apareciendo ambientes electrónicos juntos a solos de saxo a la free jazz, sonido que sigue así durante varios minutos para desembocar en otro atasco, típico del disco, pleno de solos de teclado y bases percusivas arrítmicas.


Una música ‘’desconocida’’, con una identidad extraña; sin duda uno de sus elementos recurrentes es el jazz-rock, en el que se afirman las formas propiamente concretas, los ritmos y armonías, que suelen aparecer en el sonido pero que de todas formas lo realizan de forma extraña, no típica; sin duda estaban interesados en mantenerse bajo un halo vanguardista, seguramente estaban preparados para elaborar piezas de un tipo convencional o evidente, pero utilizaron sus recursos para desarrollar sus ocurrencias sonoras.

Despliegan sonidos extraños pero da gusto escucharlos, tienen estilo aun desplegando elementos que por lo general causan extrañeza o desinterés en el público. Puede que recuerden a Soft Machine de los 60s, e incluso se dice que recuerdan a los trabajos contemporáneos de Wolfgang Dauner, otro alemán, quien en la misma época elaboró algunos trabajos de jazz rock de características bastante similares, como ‘’Output’’ o ‘’Et Cetera’’. También recuerdan en cierta manera a los atascos realizados por el Miles Davis de principio de los 70s, la epoca del ''Call it anything'', con groove y delirantes improvisaciones constantes.

A principios de 1973 Exmagma recorrió Francia, donde sus experimentos sonoros fueron bien recibidos y permanecieron allí durante unos dos años. "Goldball" se grabó en el sudio de Conny PLANK cerca de Colonia, y solo se lanzó en el pequeño sello francés, Urus, en 1974. Un tercer álbum del grupo tuvo su preparación, en 1975, Exmagma 3, pero no vio la luz sino recién en un cd en 2006.

Cod: #1310

18 abr. 2018

Lula Côrtes e Zé Ramalho - Paêbirú (1975)

'’Paêbirú: Camino de la montaña de sol’’, también conocido simplemente como ‘’Paêbirú’’, es un álbum ideado y realizado por dos brasileros, el pernambucano Lula Côrtes y el paraibano Zé Ramalho (que años después se convertiría en cantante de éxito), grabado entre los meses de octubre y diciembre de 1974, en la discográfica ya desaparecida Rozemblit, en Recife, en el estado de Pernambuco, Brazil, y lanzado en el año 1975; disco del cual participaron como invitados otros músicos como Paulo Rafael, Robertinho de Recife, Geraldo Azevedo y Alceu Valença, entre otros. ‘’Paêbirú’’ fue el primer y único álbum lanzado por asociación entre Cortés y Ramalho, también fue el segundo álbum de Lula Cortés y el primero de Ze Ramalho.

Cuando Zé Ramalho conoció a Lula Côrtes, a mediados de 1974, los dos fueron contagiados por la fascinación por la región Ingá del Bacamarte, en Paraíba, gracias a un amigo en común, el artista Raúl Córdula, cuyo padre estaba ligado a la sociedad Arqueológica de Paraíba. El dúo resolvió hacer un disco conceptual vinculado a esta zona en particular y las maravillas arqueológicas ubicadas en ella, ambos investigaron sobre los ritmos indígenas locales y las leyendas de la región. 

También resolvieron transformar el disco en una especie de trip colectivo, de acuerdo con las costumbres hippies de la época. Lula Côrtes cuenta "Zé Ramalho fue de importancia fundamental, porque él tenía una experiencia muy grande con bandas. Era una persona que tenía cierta disciplina para conducir los ensayos.’’. El sentido de disciplina de Zé Ramalho era fundamental aún por otro motivo: una amplia parte de los músicos del proyecto estaba involucrado con experimentaciones lisérgicas, durante las sesiones de grabación los músicos experimentaron con ácido lisérgico. Côrtes: "La gente que pasaba por Paraíba, en el camino, paraba y comían hongo, era una cuestión astral volcada a la sensibilidad, no para convertirse en una persona grosera y estúpida".

Así es como ‘’Paêbirú’’ exhibe una serie de piezas ambientales acústicas, de un carácter relajado y místico, que reflejan intrínsecamente la cultura del tropicalismo y el folklor brasilero, sumado a visiones indígenas y a misticismos tomados de leyendas locales que fueron revividas bajo intensas experiencias alucinógenas que tuvieron los músicos en el proceso de grabación. El sonido se fundamenta por un entrecruce absoluto de sonidos acústicos (en largos pasajes instrumentales), sonidos rituales, ritmos regionales del noreste de Brasil y psicodelia. El trabajo originalmente fue publicado en dos vinilos, en los que, cada lado de cada disco representaba conceptualmente un elemento de la naturaleza, siendo la tierra, el aire, el fuego y el agua, los objetos retratados en cada una de las partes en las que se divide la obra.


Es cierto que cada elemento está representado con algunas características particulares: en la parte correspondiente a la ‘’tierra’’ aparecen algunos tambores y maracas y unos sonidos como de ritual, mientras que para la parte del ‘’aire’’ el sonido es prácticamente acústico, elaborado con arpegios y arreglos en guitarra acústica. Para las piezas correspondientes al ‘’fuego’’, pareciera que el sonido se vuelve más rockero, por así decirlo, aparece la guitarra eléctrica y aparecen sonidos de rock psicodélico, ya no tan acústicos o sutiles. Por último, para el ‘’agua’’, en las piezas correspondientes a este elementos aparecen sonidos de agua, algunos canto tribales de alabanzas, y otros arreglos acústicos, a lo largo de las sesiones.

Aunque por otro lado, las diferencias sonoras son sutiles entre cada parte, en realidad todas están marcadas por lo mismo, por el carácter de ritual, la búsqueda conceptual elaborada como una gran alabanza sonora reivindicatoria a las culturas precolombinas brasileras y sus costumbres místicas. Una de las fuentes de inspiración para el disco fue la ‘’Pedra do Ingá’’, una enorme piedra de 24 metros de longitud y tres metros de altura, ubicada en el municipio brasilero de Inga, en el estado de Paraíba, en una zona de importancia arqueológica, con cuervas y piedras repletas de distintas inscripciones y tallados, algunos zoomorfos, otros representando signos abstractos y otros que representan estrellas.

A su vez, para el trabajo se inspiraron en una variedad de leyendas sobre Sumé, una entidad mitológica en la que los indios locales creían antes de la colonización española. Las letras del disco hacen incontables referencias a estas leyendas y grabados, léase el mismísimo nombre del tema 8, que corresponde a la parte del disco dedicada al fuego, ‘’En las Paredes de la Piedra Encantada, Los Secretos tallados por Sumé’’. Otras entidades importantes de la cultura brasileña como Yemanjá también se citan. Además, el nombre del disco, ‘’Paêbirú’’, hace referencia a "Ruta Paêbirú " o ‘’Camino de la montaña de sol’’, se trata de un camino construido por los indios desde hace más de mil años, que une el Océano Pacífico con el Océano Atlántico.

Cuenta una leyenda, que un suceso involucrado al lanzamiento del disco hizo que el mismo se volviera mucho más codiciado y que le diera un aire aun mas legendario a su historia. La discográfica Rozenblit, que lo grabó, se encontraba a la orilla del río Capiberibe, y luego de su producción en físico, los discos fueron almacenados en un galpón ubicado en las cercanías. Lamentablemente una secuencia de lluvias torrenciales comenzó a llegar a la zona lo que hizo desbordar al rió aledaño, llevándose consigo casas y hasta vidas de algunos lugareños, y con esto, el lote de discos que estaba almacenado también fue afectado. 1000 copias del vinilo fueron arrasadas por el agua, quedando solo unas pocas copias, alrededor de 300, disponibles. (En el 2011 se realizó el documental ‘’En las paredes de la piedra encantada’’, que cuenta la historia de la realización del disco y de la región que inspiró su realización.)

Cod: #1309

11 abr. 2018

Black Renaissance ‎- Body, Mind And Spirit (1976)

El coautor e ideólogo principal de este proyecto es Harry Whitaker, un norteamericano nació un 19 de Septiembre de 1942, en Pensacola, Florida. Ya en plena adolescencia, su padre solía llevarlo a un famoso Templo Masónico llamado “The Blue Bird”, donde algunas noches florecían jam sessions sin límites horarios que provocaron una inminente influencia en el joven Whitaker. A los 16 años y recién graduado se decidió a probar suerte junto a su amigo y bajista, Ray McKinney, juntos recorrieron kilómetros y kilómetros de carretera buscando audiciones, tocando en clubs y ganándose un nombre como bien podían. (Algunos párrafos para esta reseña fueron tomados de Concepto Radio)

Su gran oportunidad fue en 1965, cuando Slide Hampton lo contrató para formar parte de la banda de Lloyd “Mr. Personality” Price, como pianista una formación de auténticos salvajes del circuito, músicos de talla mundial. Whitaker no se achicó y con tan sólo 22 años compartió escenario con leyendas como Kenny Dorham, Pat Martino o Jimmy Heath, músicos que también supieron introducirle ante otros grandes nombres del momento, como por ejemplo el gran batería Alphonse Mouzon (con quién compartiría estudio en la futura grabación del mítico álbum de Eugene McDaniels, “Headless Heroes Of The Apocalypse”, quién a su vez le presentó a un vibrafonista de Los Angeles llamado Roy Ayers, que en aquellos tiempos se encontraba en plena búsqueda de un pianista para su nuevo álbum.

Así comienza una nueva asociación de Whitesnake con Ayers, y se podría decir que la carrera de Whitaker ya nunca volvería a ser la misma, aquella relación que determinó al pianista como nuevo integrante de la banda del vibrafonista (Ayers) fue un punto de inflexión tanto en su ideología, su manera de tocar. Juntos grabaron el disco “Ubiquity”, que fue un preludio de la formación que años después se conocería como Roy Ayers Ubiquity. “He’s Coming”, el segundo álbum de la formación de Ayers se grabó en 1972, se editó también en Polydor y fue arreglado y dirigido por completo por el mismo Whitaker.

Eugene McDaniels fue otro personaje igualmente clave para la carrera del aún joven pianista Whitesnake. Fue en las sesiones de grabación en Atlantic para “Headless Heroes Of The Apocalypse”, donde estos dos grandes amigos y colaboradores estrecharon su amistad, una admiración mutua que llegó a su punto más alto en la producción, arreglo y ejecución del uno de los mejores álbums de Soul de todos los tiempos, el “Feel Like Makin’ Love” (1975) de Roberta Flack, quien también coincidió en varias tardes de grabación en Atlantic, donde quedó impresionada con el talento y destreza de Whitaker y lo propuso como su nuevo director musical tras la marcha de León Pendarvis.


Whitaker, quien ya venía haciendo carrera como pianista, productor y arreglista, se encarga a su propio proyecto, a la joven edad de 26 años, invirtiendo su propio dinero duramente ganado como arreglista, escritor y músico de sesión, en la realización de su propia epopeya musical no comercial, un audaz emprendimiento que combinaba jazz y música afroamericana al cual denominó ‘’Black Renaissance, Body, Mind And Spirit’’, grabado en el estudio Sound Ideas, de Nueva York, el 15 de Enero del año 1976, día correspondiente con el 47 aniversario de nacimiento de Martin Luther King.

La historia de la formación que grabó este trabajo comienza con la unión de algunos de los músicos más importantes en la facción más políticamente comprometida del Jazz de los 70; James Mtume y Billy Hart en las percusiones, Woody Shaw en la trompeta, Azar Lawrence al saxofón, Buster Williams con el contrabajo y a la cabeza, por supuesto, Whitaker, en piano, dirigiendo el sonido.

‘’Body, Mind And Spirit’’ está compuesto por dos extensas piezas, dos largas sesiones que originalmente ocupaban cada una un lado completo del vinilo. En estas piezas, que son auténticas sesiones donde la improvisación tiene lugar casi como requisito, se despliega una música groove/funky con estilo afroamericano fusionada al jazz, donde toda la riqueza y significación de la cultura negra se aglomera en una música bastante espiritual y con riqueza. Una amplia gama de elementos componen al sonido final, soul espiritual afrocéntrico, poesía, influencias de free jazz, solos de saxo, aullidos instrumentales, etc. La presencia de la influencia del jazz está más espiritual está presente, se perciben reminiscencias de sonidos a lo Sun Ra, John Coltrane o Herbie Hancock.

Por supuesto Whitaker es quien marca el paso y dirige el sonido, con sus parafraseos jazzeros en piano, respetando los silencios y marcando los cimientos del sonido que fluye y refluye constantemente, tras hacer varios parates; véase el la pieza “Black Renaissance”, en la cual se modula hasta llegar a varios silencios intermedios.


Hay una noción, en el sonido, como de ritual, de magia afro, misticismo; son extensas sesiones, con arreglos vocales algo hipnóticos por su efecto reverberante y continuos solos de saxo, el sonido se introduce en tierras de misticismo negro. Véase especialmente el nombre del segundo track, ‘’Magic Ritual’’, que comienza con sonidos de ritual y termina sublimándose en orgasmos donde explotan los solos de saxo y los ritmos afro-funk. Recitaciones y voces, tanto en inglés como en un idioma que pareciera ser africano, se presentan en distintos pasajes de las sesiones, y dan aún más una sensación como de ritual.

La homónima “Black Renaissance” (de 23 minutos de duración y que reza al Renacimiento Negro) y “Magic Ritual”, dos muestras enciclopédicas de lo que fue la época más socialmente comprometida de la música Negra, elaboradas con un espíritu que denota las ansias de revolución, de integridad, de compromiso social y racial. 

En la reedición del cd viene una inscripción que dice: ‘’Un santo grial para todo coleccionista de soul-jazz y grooves extraños, y uno de los primerísimos ejemplos de rap en un LP de jazz. Grabado como tributo en el día honorifico de Martin Luther King, 1976, lanzado ilegalmente en una cantidad muy limitada, en Japón, más tarde ese mismo año’’. Esto nos da algunas pistas seguir adentrándonos en los orígenes musicales de la obra.

La vida musical de Harry Whitaker llevó años relacionada con Nueva York, donde sus actuaciones cada Jueves, Viernes y Sábado en el Arturo’s Restaurant de la 106 W Houston Street son toda una institución. Allí fue donde se gestó su intensa participación en el debut de la cantante Claudia Acuña para Verve (donde dirige y toca el piano) y donde Harry ha encontrado la oportunidad de editar sus primeros discos con su trio (junto a Omer Avital y Dan Aran) gracias al sello Small Records. “Thoughts (Past And Present)” primero y a modo de revisión de algunas composiciones del pasado del pianista, y más recientemente el “One Who Sees All Things”, enteramente compuesto por material nuevo. Harry Whitaker falleció el 17 de noviembre de 2010, en la ciudad de Nueva York.

Cod: #1307

31 mar. 2018

Laboratorium - Modern Pentathlon (1976)

Janusz Grzywacz, el líder de Laboratorium, dio sus primeros pasos musicales en Cracovia. A lo largo de todo el período de la escuela secundaria formó regularmente varias bandas: ‘’Smiacze’’, ‘’Lamparty’’, ‘’Tytani’’, en las que también participó Marek Stryszowski, su compañero de escuela, que casualmente vivía en la misma calle. Finalmente, en 1970, se estableció una alineación de cinco personas, compuesta por Janusz Grzywacz en piano, Mieczyslaw Górka en batería, Waclaw Lozinski en flauta, Edmund Maciwoda en bajo (que pronto será reemplazado por Maciej Górski, y Marek Stryszowski, que hizo la voz y interpretó el fagot, para finalmente reemplazarlo por un saxofón. Así, el embrión inicial del grupo conoció la luz.

Su debut en vivo fue en el festival Gitariada, en 1971 manteniéndose siempre dentro del jazz fusion o jazz rock. En los primeros años de su actividad realizaron principalmente música acústica, escapando hábilmente de cualquier definición, impulsados por la búsqueda sonora y la experimentación. La situación en la que se encontraba Polonia en ese momento (el acceso limitado a grabaciones y álbumes occidentales) no fue un obstáculo para la banda. En 1972 realizan sus primeras grabaciones, realizadas en un estudio que pertenecía al PR III, de la Radio Polaca. Por esas grabaciones ganaron un premio por el segundo puesto en el festival Jazz Nad Odra, 1972. 

En 1973, la banda fue nuevamente premiada en el festival Jazz Nad Odra, esta vez obteniendo el primer lugar y el premio a la mejor composición ('Prognoza na jutro' de Janusz Grzywacz). Este premio en realidad significó un avance del estado amateur al profesionalismo. La banda se encontró en ese momento con otro músico, Tomasz Stanko, con quien actuaron en Zaduszki Jazzowe '75.La música sufrió algunos cambios (Janusz Grzywacz reemplazó su piano acústico por una novedad en ese momento - Fender Rhodes), al igual que la alineación.La banda se separó de Waclaw Lozinski y Maciej Górski pronto fue reemplazado por Krzysztof Scieranski (conocido por jugar con Marek Grechuta), seguido por su hermano Pawel Scieranski, quien se convirtió en el primer guitarrista en la historia de Laboratorium. Con esta alineación, en 1976, la banda grabó su primer álbum oficial, "Modern Pentathlon".

El sonido de "Modern Pentathlon" parece salido de un autentico laboratorio (laboratorium) sonoro, especialmente por el primer track de la lista del trabajo, una larga canción principal, una autentica expedición sonora, de veinte minutos de duración, dividida en cinco partes, en la que se exponen diversas tramas dentro del estilo del jazz fusión. Esta gran pieza transita por varias partes, siempre con un carácter que se mantiene relajado, incluso dentro de los momentos más experimentales, secciones que aúnan bajo una ejecución muy cuidadosa y una producción que mejora aun el carácter de lo ejecutado; de esto queda una pieza difícil de identificar bajo los cánones clásicos del jazz fusión, se trata de una pieza muy compleja y repleta de diversos condimentos.


La estructura de dicha pieza es amplia en su concepción, y se presentan momentos en los que todas las aptitudes y/o ocurrencias del grupo tienen lugar y se unen bajo una misma composición; allí hay tiempo para las estructuras más concretas, como tiempo también para solos de batería, solos de saxo, e incluso hay momentos más experimentales en los que aparecen algunas vocalizaciones moduladas electrónicamente, unos arreglos vocales extraños, que le dan a la pieza un aire vanguardista.

El resto del trabajo se divide en cuatro canciones más cortas, cuatro piezas que se mantienen en el estilo pero se presentan con estructuras más convencionales pero no por eso menos valiosas, entre las que aparece ‘’Funky Dla Franki’’, una pieza también de jazz fusion pero con un estilo funky, ubicada en el segundo lugar de la lista, un sonido muy agradable perfecto para cortar con la abrumadora extensión de la pieza que abre el trabajo. El recuento de ventas del "Modern Pentathlon" alcanzó las 115 mil copias. Tras el éxito de su álbum debut, la banda comienza a tocar de nuevo, además de tocar en Polonia, también visita Alemania, así como el exótico festival Jazz Yatra, 

El grupo grabó otros dos álbumes con una alineación extendida por Pawel Valde-Nowak, tocando las congas. Durante los shows de septiembre en el 'Akwarium' de Varsovia, se grabó un álbum para la serie ''Aquarium Live No. 1 '', que intentó capturar la atmósfera presente en los conciertos de Laoratorium en vivo. Mientras tanto, en la 'Rotonda' de Cracovia, la banda grabó el álbum 'Nurek', que se suponía iba a ser lanzado por Polskie Nagrania, en el momento del festival Jazz Yatra, lamentablemente eso no sucedió. Simultáneamente, la banda contacta con Helicon (la discográfica de la Federación Internacional de Jazz), con la que finalmente lanzó 'Nurek', bajo el título en inglés 'Diver', publicado en 1978. En cuanto a Polskie Nagrania, el grupo preparó en 1979 un álbum de un solo registro 'Quasimodo' (serie de jazz polaco, nr 58), y ‘’Nogero’’, lanzado en 1980.

La banda continuó activa durante la década de los 80s, con algunos cambios en la formación y con varias publicaciones discográficas más. En varios artículos de prensa de los años 90 se puede ver el año 1990 como el final de la carrera de Laboratorium. Durante la década siguiente, la banda apareció varias veces en el escenario, también durante la celebración de su 25 aniversario (documentado por la producción de TV '25 Years of Laborka '), todos los guitarristas de la banda aparecieron juntos en el escenario en ese momento. Laboratorium ganó una reputación sólida dentro del rock y la música de jazz de su país, Polonia.

Cod: #1305

28 feb. 2018

Arsenal - Jazz-Rock Ensemble (1979)

Arsenal es una creación de Alexey Kozlov, un arquitecto profesional ruso, además de saxofonista y compositor autodidacta. Tocó jazz desde los años 50, con un profundo conocimiento de diferentes estilos, miembro de numerosas bandas, participó además en festivales de jazz en la URSS y en el extranjero (Polonia, Checoslovaquia, Hungría) y hasta los 70s tuvo una buena reputación en el jazz círculos. Pero como músico de mentalidad abierta, siempre estuvo (y sigue siendo) interesado en diferentes estilos de música. Es asi como escuchando la música de bandas como Chicago, Mahavishnu Orchestra, Blood, Sweet And Tears, Pink Floyd, King Crimson, y otros, le dieron la idea de ir en una nueva dirección y formar una banda capaz de interpretar una fusión de estos estilos.

Según Alexey Kozlov, él quería crear una banda de virtuosos, que pudieran interpretar, improvisar, tener el ‘’sentimiento del blues" y apreciar diferentes estilos de música. No fue tan fácil encontrar músicos para la nueva banda. La mayoría de los jazzeros experimentados eran escépticos sobre el rock y no lo consideraban música seria. La música rock en la Unión Soviética estaba entonces en estado embrionario y se mantenía casi totalmente en la clandestinidad, incluso la palabra "rock" estaba asociada con influencias occidentales hostiles. El equivalente oficial de la música rock existía en forma de conjuntos vocales, grupos profesionales cantando "canciones de compositores soviéticos", sin ningún espíritu rebelde, tan típico del rock. Y por otro lado, los músicos de rock existentes en el país se mostraron entusiastas, pero no pudieron tocar piezas complejas, muchos de ellos incluso no sabían leer música.

El primer ensayo de ARSENAL se llevó a cabo el 12 de noviembre de 1973. La formación inicial consistió en 4 cantantes y sección de vientos, también se usaron instrumentos de rock estándar. La banda comenzó a interpretar fragmentos de la ópera "Jesus Christ Superstar", composiciones de Chicago, Blood, Sweet And Tears, Tower Of Power y música escrita por Alexey Kozlov, y, obviamente, comenzaron desde el under. Dieron conciertos ocasionales, sin ser pagados por ellos, porque era ilegal obtener dinero para conciertos si los artistas no estaban trabajando en alguna organización oficial de conciertos. La solución llegó al reclutar jóvenes estudiantes de conservatorios, estos sabían de música, y no solo estaban interesados en música clásica, sino que eran entusiastas y estaban interesados en cruzar las fronteras musicales hacia el rock.

Las principales piezas de este ‘’Jazz Rock Ensemble’’ se grabaron en 1977, el comienzo mismo de la actividad filarmónica oficial de "Arsenal", cuando lograron salir del under al ser contratados oficialmente por la Filarmónica de Kaliningrado, lo que le dio la posibilidad al grupo dar conciertos por todo el país, la banda se hizo profesional desde el punto de vista oficial. Comenzaron las giras a diferentes regiones de Rusia, sin el derecho de hacer actuaciones en Moscú. Además, se les permitió ingresar a las regiones bálticas. Así fue como llegaron a Riga, Letonia, donde dieron cinco conciertos en la casa filarmónica local. Durante ese período, a pesar del poder soviético en la región del Báltico, había cierto disgusto oculto por todo lo que provenía de Rusia. Las represiones de Stalin, particularmente en Letonia, eran profundas en la mente del pueblo báltico. 


Luego del primer concierto dado en Riga, consiguieron un contrato de grabación al contactarse con Alexander Griva, el director de una compañía discografía, quien les hace una oferta inesperada para grabar varias piezas en los próximos días y quien a la vez funcionó de guía y director en las sesiones de grabación. Grabaron cuatro piezas durante tres sesiones, ‘’A dangerous game’’, ‘’Suite in A flat major’’, ‘’An Ivory tower’’ y ‘’A Tree’’, lo que terminaría siendo la piedra angular del primer lanzamiento del grupo, piezas bastante complicadas por sus formas y no fáciles de interpretar. 

Eran tiempo políticos tumultuosos en esos días en Rusia, hasta entonces no se les había permitido tocar en vivo en Moscú, pero ahora, en 1980, se les permitió hacerlo, para un programa cultural organizado, por los juegos olímpicos celebrados en Moscú. Lanzaron su primer disco con el material grabado en Riga, y luego, en otoño del mismo año en que se les permitió ir a el mayor festival Europeo «Berliner Jazz Tage», celebrado al oeste de Berlín.

Como su nombre lo indica, aquí nos encontramos con un auténtico ‘’ensamble de jazz-rock’’ que, lejos de ser un pequeño combo o un sutil proyecto, despliega una serie de elementos y factores a lo largo de las extensas piezas que presenta, volviéndose un auténtico experimento del género, proveniente de un país que, por lo pronto, no ha dejado tanta tela por cortar en la materia. Un sonido bastante ambicioso, además de entretenido, que no escatima en esfuerzos compositivos y exploratorios, con un jazz fusión instrumentado por vientos, fanfarrias al estilo de ‘’Ian Carrs & Nucleus’’, alcanzando todo un costado orquestal. Se trata de jazz fusión pero este no se caracteriza por los típicos atascos con improvisaciones del fusión más clásico, sino que presenta una cara más delicada e intimista, abocada a la composición orquestal, las estructuras complejas, con cambios progresivos y paso por distintos estados, distintas partes, con momentos más calmos, algunos arreglos vocales, aunque la mayoría del tiempo se mantienen por caminos instrumentales. Sin duda mantienen también algunas ideas sinfónicas, esto se refleja en lo complejo de algunas de sus composiciones.

Luego del primer lanzamiento el Ministerio de Cultura de la URSS les ofreció grabar más material, y así la banda se fortaleció como un conjunto oficial y profesional de jazz rock, y no solo como un energico fenómeno del under de su país. Sus adversarios, una cantidad de funcionarios, entendieron que no había ningún peligro ideológico en su música y que no tenían intenciones políticas en juego, ya que hasta entonces el rock en Rusia era visto como una cultura invasiva. El grupo continuó funcionando durante una década más, publicando más álbumes, siempre dentro de un estilo fusión, combinando su música con funky, elementos de folk, música clásica e incluso reggae. Pero a finales de la década de los 80s, con el declive del imperio soviético, se generó un momento difícil para muchos artistas, la presión ideológica cambió a dictadura de la economía del mercado. El año 1991, cuando la Filarmónica de Kaliningrado despidió a Arsenal, fue el final de la primera era de la banda. Alexey Kozlov trabajó en diferentes proyectos, lanzó algunos álbumes solistas a principios de los 90 y, justo cuando fue posible, revivió ARSENAL con nuevos músicos más jóvenes, desde alrededor del año 2000.

Cod: #1304
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