30 nov. 2019

Limbus 3 - New-Atlantis / Cosmic Music Experience (1969)

El trio alemán ‘’Limbus 3’’ surgió en Heidelberg, en 1968, como un pequeño colectivo artístico abocado a la música experimental tendiente a la libre improvisación con diversos instrumentos, muchos de ellos traídos de otras culturas. Generalmente se clasifica al sonido de la banda como ‘’krautrock’’ pero esto es muy lejano y fuera de la realidad ya que el grupo está lejos de acercarse con su sonido a lo que sería el llamado ‘’krautrock’’ de su época, son coterráneos a este movimiento pero apenas se pueden tender algunos puentes y similitudes a este, es que el sonido de Limbus 3 no tiene mucho que ver a la música electrónica. Denominar como ‘’krautrock’’ al sonido de esta banda no es más que un vicio en el que caen mucho generalmente, llamando krautrock a la música de toda banda nacida en Alemania por aquellos años.

Limbus 3 fue la primera encarnación de la banda, que en primera instancia surgiría como un trio, de ahí en ‘’3’’ de su nombre, integrado por Odysseus Artnern, Bernd Henninger y Gerd Kraus, todos participantes y ejecutantes de todos los instrumentos que suenan en el sonido principal del grupo y que se ve reflejado principalmente en el primer y único disco que alcanzaron a lanzar bajo este nombre y formación, ‘’New Atlantis - Cosmic Music Experience’’, publicado en 1969.

El principal componente del sonido de este disco es la libre ejecución de diversos instrumentos exóticos que Kraus adquirió gracias a amigos que viajaron a continentes extranjeros, el uso de tablas, sitar, bul-bul tarang y varias pipas se sumaron al sonido inusual y así se construyó un estilo que no responde a nada concreto sino que fluye, de forma acústica e improvisada, en un par de largas sesiones donde todo tipo de ocurrencias sonoras tienen lugar.


Como se dijo antes, pese a ser alemanes la música que exponen no es de krautrock, si hemos de tender algún puente hacia algún estilo lo podríamos hacer hacia el género de la ‘’libre improvisación’’, similares a bandas como AMM o Nihilist Spasm Band, aunque lo que le da el estilo particular a Limbus es que el uso de instrumentos exóticos le da un aire más orgánico a su sonido y lo aleja del free jazz, incluso no se centran tanto en instrumentos más convencionales como guitarra, batería o bajo, y pese a que se puede escuchar algo de batería o bajo en su sonido, se avocan a sonoridades errantes, lejos del formato instrumental de banda convencional.

Sin duda tienen un estilo étnico en sus ejecuciones, dado por el uso de instrumentos exóticos y por la influencia de la música hindú, que por momentos pareciera invadir sutilmente las sesiones que presentan, hasta que alguna otra ocurrencia instrumental surja y cambie la sonoridad hacia otra dirección, divergiendo hacia otros estados dentro de una misma atmosfera rupturista y experimental. No se puede pretender esperar de este disco un clásico, una composición o ritmo pegadizo, una estructura familiar, más bien todo lo que hacen está abocado a la música libre, que va surgiendo poco a poco según el ánimo del momento y los caminos instrumentales que recorre y que se suceden y conectan entre sí. 

Entre los diversos instrumentos que utilizan aparecen el piano, bajo, guitarras, violonchelo, violín, flautas, totalophon, Valiha, Faray, Tsikadraha, tabla, pandereta, y percusiones. Al uso de estos instrumentos y al estilo totalmente improvisado que manejan lo mantendrían incluso hasta en su segundo disco, llamado ‘’Mandalas’’, al cual lanzarían ya bajo el nombre de Limbus 4, el cambio de nombre es debido a que a su formación se les sumaría un miembro estable más, Matthias Knieper, un segundo percusionista.

Cod: #1397

24 nov. 2019

Magical Power Mako ‎- Magical Power (1973)

Makoto Kurita, mejor conocido como Magical Power Mako, nació en Izu-Shuzenji, Japón, en 1955. Con un talento natural para tocar el piano y componer música, se erigió como un músico y compositor de música vanguardista que muchas veces chocó contra la música convencional comercial de su Japón natal. A lo largo de su infancia, fue un extraño que escribió mucha música y tocó el piano y la guitarra mientras todavía estaba en la escuela primaria. En la escuela secundaria, decidió hacer un esfuerzo más concertado para realizar su visión musical, y volvería a casa después de la escuela para escribir canciones todos los días. 

Su casa estaba situada en las montañas y miraba hacia las aguas termales de la ciudad. Mako quedó fascinado y luego obsesionado por un hotel octogonal construido cerca de las aguas termales. Visible desde su habitación, Mako creía que alguien lo estaba observando desde el tercer piso del hotel. Esta sensación de ser observado lo impulsó aún más en las actividades musicales y, a los catorce años, comenzó a grabar con un carrete a carrete. 

Las vacaciones de verano de 1970 las gastó en largas sesiones de grabación haciendo su propio LP. Cuando terminó, Mako escribió en la caja de cinta de carrete: "Verano de 1970, cosas en las que piensa un niño de 14 años". La cinta comenzó con una canción ("Compré un ojo extraordinariamente grande en la ciudad un día por un buen precio de ganga").

Su debut discográfico tuvo lugar en 1973, con un disco homónimo llamado ‘’Magical Power’’, el cual no puede evaluarse bajo casi ninguna etiqueta, su estilo es la vanguardia y desde ahí es donde parten sus ocurrencias y diversas ideas musicales que se despliegan hacia un sinfín de direcciones. El trabajo se compone de música compuesta durante la infancia de Mako hasta los veinte años, junto con grabaciones de campo y experimentos de cintas de estudio.


Este trabajo obliga al oyente a llevar adelante una escucha musical distinta a lo acostumbrado, con una música que sale de los muchos parámetros que conocemos y con un aire de vanguardia y de descompresión total que se aleja de los surcos comerciales y se erige con sonidos excéntricos y extremadamente variados entre sí; es por eso que es difícil predecir qué es lo que uno puede encontrarse en ese disco cuando empieza a escucharlo, cada track representa una ocurrencia e inventiva diferente a la anterior.

El trabajo se divide en dos lados conceptuales, el lado A es ‘’Cat Side’’ y el lado B es ‘’Dog Side’’, qué significa esta designación de los lados es dificial de reconocer porque ni siquiera los lados del disco entre si guardan conceptos en separado, más bien cada pieza suena como única, individual y única, todo el trabajo suena como una compilación de diferentes artistas de diferentes continentes 

Si bien hay indicios de una banda de rock en el álbum, cualquier apariencia en un marco reconocible se esfuma rápidamente atosigada por ocurrencias como niños cantando, música tradicional japonesa, alguna canción acústica o incluso algo de experimentación sonora electrónica tipo krautrock como bien lo es la pieza ‘’Look Up The Sky’’. 

Mako no es un virtuoso pero tampoco es un tradicionalista, contrarresta cualquier ‘’deficiencia’’ descontracturandose y desplegándose hacia afuera con ideas poco convencionales que generan nuevas sensaciones en el oyente, el cual es transportado hacia esferas de vanguardia e innovación. Desafía los límites de lo posible, de lo bueno y lo malo, porque su música no se guía en convencionalismos, es así que tampoco puede medirse objetivamente, porque su valor es puramente subjetivo.

Cod: #1396

10 nov. 2019

Captain Beefheart & His Magic Band - Trout Mask Replica (1969)

Algunos párrafos para este posteo fueron tomados del articulo: Las mejores potadas del rock: Captain Beefheart & His Magic Band, ''Trout Mask Replica'', de la pagina efeeme.com

Lanzado el 16 de junio de 1969, Trout Mask Replica, el tercer álbum de estudio del Capitán Beefheart & His Magic Band, este registro ha resistido el paso del tiempo, porque será que acaso los eventos musicales que contiene esta producción sobrepasan los caracteres y yeites propios de cualquier género, erigiéndose como un elemento con una atemporalidad y autonomía propia y un nivel de decadencia que lo ha colocado entre lo más exquisito que la música de vanguardia haya podido dar jamás, y entre los discos más icónicos del siglo XX.

Este disco es una gran incógnita que aún no ha podido ser resuelta pero esta incógnita en sí misma es la que le da el valor tan icónico a la obra, como fue concebida la música? Bajo qué aspectos los músicos trabajaron? Pese a la aparente anarquía que se desprende de los surcos del disco, todo estuvo perfectamente pensado e interpretado con precisión a partir de las notas escritas por Van Vliet (Capitán Beefheart), una por una, de todo el disco. Sin contrato discográfico, Frank Zappa se prestó a socorrer a su amigo de la infancia, convirtiéndose en su benefactor musical. Le ofreció libertad artística total, y el grupo se encerró durante ocho meses para preparar el disco.

Durante aquel tiempo, los músicos compartieron una casa alquilada en las colinas Woodland, en las afueras de Los Ángeles, bajo un control artístico y emocional total por parte de Van Vliet. En más de una ocasión, alguno de los músicos era separado del grupo y Van Vliet lo reprendía hasta que este se derrumbaba declarándole sumisión total. Las condiciones materiales tampoco eran las más adecuadas: sin ingresos, vivían de la beneficencia y las aportaciones de los familiares, casi sin comer. Solo una vez a la semana uno de ellos podía salir a comprar algunas verduras. En la casa se ensayaba más de catorce horas al día, sin otra distracción.

La esencia freak y maniaca que Van Vliet imaginó para el concepto total de la obra fue puesta en marcha y se trabajó hasta en el más mínimo detalle para que esa idea se plasmara a la perfección, ello se aprecia en el concepto musical tan excéntrico y despreocupado que manejan, impulsando los limites hacia el exterior y creando un estilo que jamás se había escuchado antes y que nace como una síntesis de todas las experiencias musicales de la banda, trazos de R&B, blues, rock, además de aparecer el free jazz.

Aunque hay varios elementos que crean el estilo musical, no podríamos decir que se trata de una estricta ‘’fusión’’ sino de una puesta en escena que pone en marcha una exageración adrede de las características más excéntricas contenidas en las fibras más íntimas de cada músico, de esto surge una síntesis musical exagera y única con base en el rock, caracterizado por arreglos constantes y punzantes en guitarra eléctrica, acompañados por extraños compases percusivos de la batería; esto compone el cuerpo principal de la sonoridad del disco. Van Vliet es también quien se encarga de llevar adelante las voces en el disco, a veces canturreando, a veces hablando, a veces recitando cosas vagas, su participación no hace más que acrecentar las cuerdas del concepto más elemental que intentan impulsar.


La moral del disco está sustentada por valores totalmente desconocidos e inocuos, Van Vliet y sus músicos parecen estar completamente convencidos de algo, pero de qué? Qué los impulsa adelante? De qué están hablando en sus canciones? El convencimiento y la profusa soltura que mantienen hacen creer que no se trata de una mera excentricidad eventual, ellos parecen encontrarse en un lugar paralelo al común, un limbo dadaísta de donde obtienen el material para sus recitaciones inentendibles y, más allá de su valor poético, de aparente inutilidad, pero que seguramente para ellos contengan una profundidad y valor ético inexpugnable.

Una de las características más llamativas de este disco es que los músicos parecieran haber ‘’desmejorado’’ adrede sus habilidades a la hora de componer y ejecutar sus instrumentos. Pese a que lo que hicieron en este trabajo requiere un gran nivel artístico e incluso profesional, de todas formas la performance que llevan a cabo no deja de ser errática, confusa,  una gran incógnita a saber de cómo es que hicieron para en sus discos anteriores sonar de forma más cohesiva pero en este trabajo volverse tan punzantes y abocados a ejecuciones atemporales, rasgueos inciertos, armonías disonantes, etc, es como un ‘’desmejoramiento buscado’’, buscaron realmente sonar así, y aun así y todo lograron sonar muy bien e incluso ‘’mejor’’ que antes, ya que todo este extraño repertorio musical los llevó a producir un álbum icónico para la época, el álbum más icónico de su carrera.

Hay un aspecto del disco que le juega en contra y es que se trata de un álbum muy extenso, esto no sería mayor problema salvo porque todo el disco suena exactamente igual, de principio a fin, empieza como termina, con atascos maravillosos, orgásmicos, inciertos e inarmónicos de baterías y guitarras, sobre los que desfila algún solo desenfrenado tipo free jazz de saxo o alguna recitación vaga de Captain Beefheart, pero que se repiten una y otra vez lo largo del disco, esto vuelve al trabajo algo tedioso, es difícil de escuchar el disco completo de una sola vez. Lo que ayuda a contrarrestar este efecto extenso del disco es que las piezas en su mayoría no duran más de dos o tres minutos, lo que hace la escucha por lo menos un poco más dinámica. 

El disco fue grabado en unos pocos días de marzo de 1969, con la salvedad de dos canciones registradas previamente y alguna grabación que Zappa había hecho anteriormente en la misma casa. En aquel momento, el disco no tenía título ni portada. Para ello, Zappa decidió contar con Cal Schenkel, que era el diseñador de los dos sellos que Zappa tenía entonces, ‘’Bizarre’’ y ‘’Straight Records’’. Zappa lo llamaba su «ingeniero de arte».

Schenkel pensó en preparar una máscara con la cabeza de un pez, pero no tenían tiempo material, así que Schenkel compró una cabeza de una carpa grande en el mercado de pescado de la Avenida Fairfax de Los Ángeles. La llevó de vuelta a su estudio y le extrajo toda la carne blanda de su interior. La montaron como una máscara, poniéndole un pequeño cordel para unir los dos extremos, y se la dio a Van Vliet para que se la pusiera. A pesar de su penetrante olor, Van Vliet la llevó encima durante las dos horas que duró la sesión de fotos en el estudio de Cal Schenkel en Melrose y La Brea (Los Ángeles). Como pesaba tanto, Van Vliet hubo de sostenerla con su pulgar, como se puede comprobar en la imagen que finalmente se eligió.

Cod: #1395

9 nov. 2019

Spooky Tooth & Pierre Henry - Ceremony: An Electronic Mass (1969)

’’Ceremony An Electronic Mass’’ es un álbum nacido de la ‘’colaboración’’ entre la banda inglesa Spooky Tooth y el compositor francés de música concreta Pierre Henry. Se habla de este disco y muchas veces no se le tiene en gran consideración, por lo accidentado del sonido, por la falta de cohesión entre los mundos del rock y la electrónica, y porque fue la misma banda inglesa la que defenestró el álbum luego de ser lanzado.  

Grabadas en un día a un costo total de £600, las seis pistas que componen el trabajo, todas escritas por el organista Gary Wright, combinaban música generosamente infundida con órgano Hammond y letras prestadas libremente de la liturgia católica. La música fue interpretada por Wright y el resto del grupo, Luther Grosvenor en guitarra, Mike Harrison en voz y teclados, Mike Kellie  en batería y el recién reclutado Andy Leigh en bajo y guitarra. Una vez realizada la grabación de las pistas crudas de rock, fueron enviadas las cintas a Pierre Henry, quien se encargaría de agregarle los efectos de sonido electrónicos.

En este trabajo se cruzan el rock y la música concreta, y el resultado es algo oscuro, vanguardista y con el agregado de ser una música conceptualizada en temáticas católicas, lo que le da más aun un aire misterioso y épico a lo ya misterioso y épico. El resultado final es un rock vanguardista con miras experimentales, que explora diversas variantes de sonidos electrónicos mientras que las composiciones también presentan variantes en un sentido compositivo, finalmente nos encontramos con travesías sonoras oscuras que transitan por diversos estados.

Se nos ofrece buen rock, buenos pasajes con rock, hard rock y blues rock pesado y contundente, típico de la época, y también se nos ofrece pasajes muy experimentales donde la música transita por atmosferas oscuras, misteriosas, la música concreta no deja de proveer una sensación siniestra y perversa. El álbum se llama ‘’Ceremonia: una misa electrónica’’, y funciona como tal, como una misa rock, con pasajes y predicas orales; un pastiche musical que surgió por error, un álbum infravalorado y no bien recibido ni siquiera por los mismos músicos del grupo.


Es que no todo el álbum suena realmente cohesivo, pareciera como si Pierre Henry no entendiera la música de Spooky Tooth, y viceversa, a veces no se entiende lo que quisieron hacer, parecen dos grabaciones producidas en diversos ámbitos y juntadas arbitrariamente sin ningún concepto previo; pero aun así el álbum ofrece muchos pasajes que son de un nivel soprendente, con un rock proto progresivo que se sale de la norma convencional, y la música concreta que aparece para destruir cualquier mira comercial, para poner en peligro las aspiraciones comerciales de una buena banda de rock.

Cuando la compañía disquera les propuso hacer este disco, asociándose con Pierre Henry, la banda no sabía con lo que se iba a encontrar, la propuesta era hacer una música para ser publicada por el compositor francés Henry. Luego del trabajo grabado y ensamblado, Spooky Tooth se encontró con la sorpresa de que el álbum se publicaría a su nombre porque para la disquera era un resultado sorprendente. A pesar de que para el ambiento intelectual este álbum fue una grata sorpresa, para Gary Wright, tecladista del grupo, el álbum simplemente ‘’terminó la carrera de la banda’’.

Wright, "... hicimos un proyecto que no era nuestro álbum. Fue con este compositor francés de música electrónica llamado Pierre Henry. Simplemente le dijimos al sello: 'Sabes que este es su álbum, no nuestro álbum. Tocaremos como músicos ". Y luego, cuando terminó el álbum, dijeron: "Oh, no, no, es genial. Lanzaremos esto como tu próximo álbum". Dijimos: "No puedes hacer eso. No tiene nada que ver con la dirección de Spooky Two y arruinará nuestra carrera". Y eso es exactamente lo que pasó. Wright dejó la banda luego del lanzamiento del álbum.

Este álbum es un trabajo muy ambicioso y con aires perturbadores, que provocó influencia en la vida y el ánimo de la banda, esto ocurrió porque acaso la banda tenía ya propio ‘’concepto’’ y de alguna manera este trabajo vino ‘’desvirtuar’’ sus formas? O será que la meteórica y vertiginosa posición dentro de la fana te lleva a producir música bajo ciertas reglas, aceptables para el público masivo, y publicando este disco la banda puso en peligro su ‘’respetabilidad’’ y su carácter comercial publicando algo que salía de lo común y proponía una fusión pocas veces vista en la época?

Cod: #1394

1 nov. 2019

Harvey Mandel - Cristo Redentor (1968)

El guitarrista estadounidense autodidacta Harvey "The Snake" Mandel es un innovador musical cuyo estilo de guitarra proviene del blues eléctrico de Chicago de su juventud. Harvey Mandel tuvo su primer intento en la música en la fértil escena del blues de Chicago a mediados de los 60, haciendo su primera grabación como guitarrista líder de la banda del armonicista Charlie Musselwhite. Después de eso se embarcó en su carrera solista, grabando un par de álbumes instrumentales que se convirtieron en favoritos de emisoras underground, ubicando a Mandel como uno de los mejores guitarristas jóvenes de la época.

En 1968 publica su primer álbum solista, ‘’Cristo Redentor’’, un disco puramente instrumental, con una serie de composiciones bien acertadas y con una buena contundencia, con bases firmes y riffs pegadizos, rock con toques de blues, psicodelia y aires experimentales y una búsqueda sonora que lleva a los temas a manifestarse cual sesiones semi improvisadas, con melodías y arreglos prefijados.

Las composiciones tienen su particularidad creativa que las distingue e identifica, no son canciones, son composiciones instrumentales para rock, lideradas por la guitarra de Mandel, que por momentos protagoniza con algún solo sutil u otros momentos acompaña dejando bases rítmicas. Algunas piezas cuentan con algunos arreglos orquestales, como son ‘’Wade in the water’’ o ‘’Lights out’’, lo que le da un toque más particular aun a lo ya particular que es el sonido.


El sonido de ninguna manera se estanca ni es repetitivo, sino que demuestra una gran variedad de mociones y temas estilísticos diversos, que hace de cada track un viaje único, con su groove y funky, sus improvisaciones, sus motivos melódicos y sus conclusiones. La excepción a la regla ocurre en ‘’Cristo Redentor’’, el tema principal del disco, que se presenta como una pieza solemne y operística, con un aire melódico, arreglos de cuerda y en el cual aparece la única voz del disco, no cantando ninguna letra sino que dejando melodías al aire que acompañan a la delicadeza del sonido.

Este trabajo muestra que un guitarrista de blues rock es capaz de salirse de convencionalismo para producir música propia y autentica, con una variedad de distorsiones provenientes de pedales y amplificadores diseñados para ello, y desarrollando técnicas propias las cuales no deja de aplicar constantemente, como su dominio temprano del feedback a través de su amplificador Bogan personalizado, y su posterior desarrollo del tapping ejecutado con las dos manos.

Sin embargo, Mandel ganó mucho más reconocimiento cuando se convirtió en el guitarrista líder de Canned Heat, en 1969 y 1970, reemplazando a Henry Vestine y apareciendo con la banda en Woodstock. Al poco tiempo tambien pasó a formar parte de los Bluesbreakers de John Mayall. También fue conocido por presentar audición para los Rolling Stones, para los cuales fue guitarrista de sesión luego de la salida de Mick Taylor, y grabó gran parte de las guitarras en el álbum de los Stones ‘’Black and Blue’’, de 1976.

Cod: #1393
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