28 dic. 2015

Room - Pre-Flight (1970)

‘’Room’’ fue un grupo británico oscuro que lanzó un prometedor álbum debut, para luego desaparecer en el olvido. Formada por amigos, la banda nace en 1968, en Dorset, un pequeño condado ubicado al sudoeste de Inglaterra, sobre el canal de la mancha. El grupo estaba compuesto por Steve Edge en guitarra, Chris Williams en primera guitarra, Bob Jenkins en batería y percusión, Jane Kevern en voz, y Roy Putt en bajo.

Ellos habían estado dando concierto durante varios meses desde su nacimiento, hasta que la oportunidad tocó su puerta en 1969, obtuvieron un segundo puesto en ‘Melody Maker's’’, un certamen de bandas de rock, cuyo premio era la grabación de un disco.

Así la banda que sorprendía en un comienzo con sus sonidos pesado obtenía la sorpresiva oportunidad de grabar su propio disco, oportunidad de que no desaprovecharían. La grabación se desarrolla durante el verano de 1970, en los ‘Decca’ estudios. Su primer y único disco ’’Pre-Flight’’ seria lanzado unos meses antes, ese mismo año, se trataría de una extraña y oscura pieza del progresivo temprano británico, una obra de punta, dura y por momentos compleja, una delicia progresiva under.

Al igual que otros discos que hemos posteado aquí como ‘’Ikarus’’ o ‘’Catapilla’’, ‘Pre-Flight’ mantiene pese a la complejidad desplegada cierto nivel de rusticidad en el sonido, como con cierto parentesco característico a la reciente explosión psicodélica de algunos años atrás, o talvez solo sea la mera herencia propia de hard blues rock mismo que ejecutan en la mescla de estilos del discos. Esto último es un hecho primordial del sonido, progresivo y blues rock se encuentran en el disco, una mescla que lanzan casi sin temor ante la inevitable diferencia de complejidades o sofisticaciones, blues rock tipo La pesada del Rock & roll, medio boogie y con buenos solos.


Por el lado del progresivo demuestran ser una banda temprana dentro del género, pareciera algún tipo de rock experimental que busca en las nuevas estilísticas su razón de ser, estilísticas que son esencialmente progresivas (o proto progresivas) y hasta sinfónicas, pero también podríamos decir que mantienen cierto nivel innato, propio, por los yeites que despliegan, por la frescura y dinámica de las piezas, por las melodías particulares, por la mescla de estilos que marcábamos anteriormente, etc.

Al igual que en ‘Catapilla’, ‘Room’ también combina psicodelia con arreglos sinfónicos (ademas de ambos contar con vocalistas femeninas), también podríamos decir que se trate de algún tipo psicodelia sinfónica; ruda, amplia, explorativa, experimental en las estructuras, con muchos solos, bases percusivas concretas y rudas tipo Zeppelin, toques de jazz rock, y una muy buena calidad de producción y sonido, lo cual es un factor fundamental del trabajo.

Pese a los buenos sonidos que presenta el disco, los músicos no quedaron muy satisfechos en su momento, "Me quedé decepcionado con la selección de las pistas" admitiría el guitarrista. Pre-Flight finalmente fracasaría en las ventas tras su lanzamiento. El guitarrista Steve Edge dejaría la banda por asuntos personales, y el grupo seguiría junto hasta 1971, cuando se separa, muy probablemente por razones económicas.

Si les interesa saber más sobre la banda y su historia pueden entrar a roomprogressive.blogspot.com, un blog creado por el mismísimo guitarrista de la banda, como una forma de hacer circular memorabilia y recuerdos de los comienzos y la historia del grupo. No me queda más que dejarlos con el disco y sus sonidos, esta rareza progresiva que bien vale la pena escuchar, espero que os disfruten de esto.

Cod: #1027

7 dic. 2015

Quatermass - Quatermass (1970)

La importancia prima de todas estas bandas radica en el hecho de que llevaron al rock a otro nivel, lo volvieron peligroso, digno, progresivo, sinfónico, complejo y sin perder la rusticidad típica del rock. Un sonido vigilado por las disqueras, inescuchable para los conservadores de la música quienes creen que hacer música es vestir trajes y ser alguien reconocido por la burguesía; mientras que estas bandas no dejaron jamás de ser de los bajos, de los suburbios, de los sotanos, desaparecieron sin un peso, y aun así de ellas se desprendieron trabajos de exquisito nivel, a la altura de cualquier obra de música clásica.

‘Quatermass’, un excepcional power trio progresivo inglés, que mostró ya desde sus inicios, allá por Agosto de 1969, ser una gran promesa musical. El trio estaba formado por el bajista y vocalista John Gustafson, el tecladista J. Peter Robinson y Mick Underwood en la batería, todos ellos muy buenos músicos, que se habían conocido mientras tocaban en 'Episode Six' junto a Ian Gillan. Mick Underwood había tocado ya antes junto a Ritchie Blackmore en el grupo 'The Outlaws'.

Lamentablemente la banda no supo recibir la atención que con suerte merecía, pero mientras duró su corta carrera dieron incontable cantidad de conciertos, incluidos en EEUU, sumado al lanzamiento de su único pero excepcional álbum que supo conquistar oídos y dejar su influencia en el progresivo inglés.

El primer y único álbum publicado por ellos es el homónimo ‘’Quatermass’’, lanzado por primera vez en mayo de 1970. Esta es una obra esplendida, de gran nivel progresivo y gran carácter, sus estructuras y melodías reflejan muy bien un estilo concreto y profundidad sonora muy bien marcando y delimitado y, siendo un álbum de estirpe clásico dentro del progresivo ingles, saben dejar sonidos alucinantes, en los que el órgano hammond tiene el liderazgo marcado los caminos engorrosos por los que se encaminan.

Las composiciones exquisitas, algunos temas altamente complejos y muy agradables, e incluso los temas más simples están impregnados de esa contundencia a la vez que de una atracción innata, típica de todo el disco, se podría decir que es una obra que marca cierta dirección en su totalidad, como un concepto progresivo propio.


El sonido pesado trata claramente de ser heavy progresivo, con fuertes riffs, un bajo muy marcado, características exaltadas a un gran nivel, primero por ser un trio lo que les deja la obligación de aprovechar más los espacio, y segundo esta característica es lo que los define propiamente dicho, de hecho a menudo se los considera como precursores del metal progresivo. Es un trabajo que derrocha estilo, potencia, buen gusto, de principio a fin mantiene su nivel en un lugar muy alto, sinfónico, complejo, excelso…

El disco fue editado por el sello Harvest y hoy está considerado como uno de los mejores grupos británicos de la época. Del mismo modo que su álbum es un disco de culto y una joya dentro del rock progresivo y del hard rock, precursores de un sonido más heavy como también lo sería ‘Rainbow’. 

Por su estilo pesado dejaron una gran huella, pero fue su ímpetu innovador los que los colocó realmente en un lugar de vanguardia, ya que no hicieron temas cuadrados, sino que se trataba de músicos de calidad excelsa de sesión que hacían música progresiva pesada, lo cual les contrajo obviamente un correspondiente déficit comercial.


Debido a problemas financieros, el grupo se separa en Abril de 1971. Mick Underwood se une a Paul Rodgers en una bada de corta durecion durante 1971, también durante los 70s forma el grupo Sammy, y otro llamado Strapps, con esta última banda graba tres albums antes de unirse a la banda de Ian Gillan’s, en 1979. 

John Gustafson forma ‘Bullet’ junto a ex-miembros de Atomic Rooster, y también participa en la banda ‘Hard Stuff’, otra banda compuesta por miembros de Atomic Rooster. Gustafson también funda la banda ‘Baltik’ y participa de Roxy Music, en un tour de 1976. Peter Robinson también fue muy solicitado por bandas de sesión, participó de la banda Phil Collins ‘Brand X’.

En 1994, Underwood junto a Nick Simper (fundador de Deep Purple) se unieron en un proyecto titulado ‘Quatermass II’. Gustafson contribuyó con dos canciones para el album ‘Long Road’, al cual lanzaron en 1997, en el cual también participa Gary Davis y Bart Foley en las guitarras, con Don Airey en los teclados.

Cod: #1080

21 nov. 2015

Pulsar - Pollen (1975)

Aquí tenemos una banda francesa de rock progresivo, ‘Pulsar’, una de las bandas más relevantes e influyentes dentro del progresivo de su país. Los orígenes del grupo tiene lugar en Lyon, Francia, a mediados de los 60s, cuando tres alumnos pupilos del mismo secundario se conocen, Gilbert Gandil, Victor Bosch y Jacques Roman, esta sería la columna vertebral de la primera formación del grupo. 

En 1966 los tres amigos forman ‘’Soul Experience’’, con alrededor de entre 13 y 14 años, comienzan su carrera en los escenarios locales, haciendo covers de gente como Hendrix, Cream, y otros clásicos de la psicodelia y rythm. En 1968 comienzan a tomar otro camino musical, dejan atrás esta etapa primaria y se vuelven más psicodelicos,  comienzan a ejecutar en vivo extensas composiciones y sesiones improvisadas.

Pronto la banda seguiría evolucionando, impulsados por el pop rock de finales de los 60s e inspirados por una nueva camada de bandas progresivas que estaba surgiendo, Pink Floyd, Soft Machine, Jethro Tull, estas marcaron el destino musical del grupo, el cual comenzó a reproducir covers de todos estos grupos, además de a elaborar sus propias composiciones, las cuales sumarian a sus presentaciones en vivo.

Pronto comenzaron a ser reconocidos en la zona como una de las bandas más llamativas, estos cambios los impulsan a abandonar los covers y a hacer reproducir sus propios temas en vivo, además de cambiarse su nombre definitivamente por el de ‘Pulsar’. El crecimiento no se detendría, pronto ganarían un premio como banda destacada en un concierto que daría en Belin-Béliet, rivera del sur de Francia, lo que les abriría las puertas a giras en todo el país.

Pulsar fue la primera banda francesa que firmó con el sello inglés "Kingdom Records". Su primer álbum, ‘’Pollen’’, se publicó en 1974 y fue aclamado por la mayoría de los críticos, a pesar del fracaso económico en el Reino Unido. Se trata de un trabajo rock experimental que sabe mantener sus propias estilísticas propias y originales; rock ambiental, space rock, algo progresivo, desarrollado sobre espectros electrónicos ambientales, un especie soft electronic rock, con aplicaciones en sintetizador, buena dinámica y cambios, frescura, originalidad en las melodías, que no deja de sorprender con su sutil vertiginosidad progresiva.


El sonido que tenemos aquí es una fusión entre progresivo y electrónica, con un factor ‘experimental’ muy presente que es con el cual modulan las intensidades y los cambios y dan cuerpo a la mescla de sonidos, en ese carácter experimental se puede encontrar toques de avant garde, psicodelia, y hasta en algunos pasajes recitan algunas palabras en frances, talvez sean poesías. En su costado progresivo reflejan influencia de bandas como Floyd, Krimson, algunos señalan a ‘Pulsar’ como los Pink Floyd Franceses, también denotan cierta influencia de músicos clásicos como Gustav Mahler.

El trabajo en su totalidad tiene un carácter como de obra conceptual u algún especie de opera progresiva o surrealista, los cambios están prolijamente presentados y no se desbordan, corresponden todos a un lema que en general sabe muy bien hacia donde se dirige, no temen en pasar de partes eléctricas a partes más acústicas, y después a otras partes con piano, para volver a otras partes eléctricas, etc.; y en el camino van dejando grandes sonidos de rock progresivo, inesperados cambios en las progresiones, cambios en las intensidades que se corresponden muy bien entre sí, y muy buenos ambientes electrónicos.

 En 1975, Philipe Roman dejó el grupo. Al año siguiente, publicaron su nuevo álbum, The Strands of the Future (1976), en el que se incorpora al bajo Michel Masson. Le siguió Halloween (1977), considerado un clásico del rock progresivo francés. Entre 1974 y 1989, sus álbumes fueron producidos por CBS. Más tarde, se hizo cargo de ellos Musea, un sello francés que compró los derechos de distribución.

El grupo nunca rompió fdefinitivamente, pesce a que a principios de los 80s se separaron, para 1989 se volvieron a reunir para publicar un nuevo disco, ‘Görlitz’, al igual que en 2007, para publicar su álbum más reciente, ‘Memory Ashes’, producido por Cypress Music. En 2008, la revista Goldmine Magazine incluyó Halloween entre los 25 álbumes más destacados del rock progresivo.

Cod: #1081

8 nov. 2015

Spectrum - Part One (1971)

Durante su corta pero ilustre carrera, ‘Spectrum’  supo alcanzar a la vanguardia del rock progresivo de su país, Australia, dejando muchos sonidos innovadores y creativos dentro del género. La figura central en ‘Spectrum’ fue el cantante, compositor y guitarrista neozelandés Mike Rudd. Mike llegó a Australia en 1966 como guitarrista para el grupo neozelandés ‘Chants R & B’, banda que permanece en Australia hasta 1967, año de su separación.

‘Chants R & B’ duró un corto tiempo tras de su llegada a Australia, pero Mike se mantuvo en Melbourne, donde pronto se asoció con el joven cantautor Ross Wilson y el guitarrista Ross Hannaford, dándole vida a ‘The Pink Finks’, una corta banda que trabajó en una línea similar a ‘Chants R & B’, alcanzando algo de éxito en las listas locales en Melbourne. Mike también participaría de otras bandas, seria invitado a formar parte de ‘Party Machine’, y participaría del proyecto ‘Sons of the Vegetal Mother’, estando en este ultimo incluso aun cuando ‘Spectrum’ ya estaría formado.

En este tiempo Mike había comenzado a explorar un poco los sonidos progresivos, por lo que decide organizar su propia banda para darle más cuerpo a sus intenciones musicales particulares. ’Spectrum’ nace en Abril de 1969, bajo la formación original de Mark Kennedy en batería, Lee Neale en órgano, Bill Putt en bajo, y por supuesto, Mike Rudd en guitarra y voz.

El grupo, antes de firmar para el lanzamiento de su primer álbum, alcanza cierta fama con un exitoso single de folk lanzado unos meses antes del lanzamiento de su primer disco. Luego de firmar para EMI, y aclamados por el éxito de su primer lanzamiento, alcanzan a lanzar su primer álbum, ‘’Part One’’ (primera parte), un muy interesante trabajo psicodélico progresivo, algo oscuro, elaborado a base de exquisitas composiciones melódicas interpretadas principalmente por un órgano.

Algo llamativo de este disco es que mientras mantiene cierta complejidad, por momentos progresivo, a la vez está elaborado con un sonido heredado más del lado psicodélico, ósea del rock psicodélico, algo folk rock, con órganos hammonds, un sonido rustico con cierto parentesco con el garaje, por lo que es casi imposible imaginar que, desde un principio, ese tipo de rusticidad se encaminará hacia complejidades. 


Tímidamente se mueven hacia estructuras elaboradas y lo hacen de una manera sutil; combinando cierta melancolía melódica, con influencia de pop rock inglés, rusticidad psicodélica y más influencia progresiva inglesa, dando como resultado este sonido como de progresivo temprano, pese a ser lanzado ya en 1971; un sonido que refleja perfectamente su inminente aproximación tanto a lo psicodélico como a lo progresivo.

Su segundo álbum, ‘’Milesago’’, fue lanzado en enero de 1972, convirtiéndose en el primer album doble d rock lanzado en Australia, también es el primer álbum de rock australiano registrado con una grabadora de 16 pistas, todo un adelanto para la época. Luego de algunos cambios en la formación, registran el tercer disco, que alcanzan el puesto número de las listas australianas, y graban en vivo un cuarto álbum, lanzados ambos el mismo año, 1973.

Para ese entonces, tras el lanzamiento de su cuarto disco, la banda se estaba separando y dándole fin a su primera etapa de vida. Tras la disolución, tres miembros del grupo continuaron juntos y formaron la banda Ariel, que funcionó desde mediados de 1973 hasta 1977. Durante un par de décadas los músicos se mantuvieron activos en la música como invitados para otras bandas o con proyecto musicales propios, pero no fue hasta 1999 cuando la banda volvió a unirse, manteniéndose activa hasta el día de hoy.

Lo que compartimos en esta ocasión es una reedición en cd lanzada en el 2007, contiene los temas del primer disco, más otros varios temas bonus, entre los que se encuentran los temas que originalmente iban a formar parte del supuesto ‘’Part Two’’, que finalmente no se lanzó; y también está el single folk lanzado al comienzo de su carrera, mas alguna otra grabación de estudio que dejaron por ahí y que ahora la rescatan.

Cod: #1046

30 oct. 2015

Kin Ping Meh - Kin Ping Meh (1972)

‘’Kin Ping Meh ‘’ fue fundada en 1970, en Mannheim, Alemania, como un quinteto, integrado por el guitarrista y pianista Joachim Schaffer, el cantante Werner Stephan, el bajista Torsten Herzog, el baterista Kalle Weber, y el tecladista Joachim Schafer. 

La banda tuvo buen sonido desde el principio, haciendo principalmente hard rock; sonido que les ayudaría a ganar varios concursos y shows de nuevas bandas florecientes de la zona, rápidamente llamaron la atención de Polydor, compañía que enseguida les propuso un contrato para su primer álbum.

En la primavera de 1972 lanzan su primer álbum, grabado en el ‘’Windrose Dumont Time’’, un estudio de grabación establecido en Hamburgo. Supieron recibir ciertas críticas en su momento, talvez por el costado algo melódico o glam que tienen los temas, pero sin duda se trata de un trabajo con mucha personalidad como para tratarse del primer disco de una banda poco conocida y que, por aquel entonces, contaba poca experiencia.

el sonido tiene ciertos aires Crimsonezcos por momentos, una dureza tipo Atomic Rooster, hard rock creado con bases concretas y duras, buenos riffs y muchas zapadas en medio, tanto de guitarras como de teclados. Rock duro de sesión, que se acerca tímidamente hacia algunas progresiones, talvez no puestas ahí intencionalmente, pero que se reflejan en medio de temas que son considerablemente largos y elaborados, similar al estilo de Cargo.


Sin duda también tiene una impronta krautrockera que es la que hace a los temas algo extenso, con muchos pasajes e instrumentación dedicada a la sesión extensa, además de mostrar buenos dotes hacia el blues rock y algunos tintes psicodélicos. 

El sonido de todo el trabajo se basa en esas estilísticas, a excepción del cuarto y octavo tema, ‘’Too Many People’’ y ‘’My future’’ respectivamente, en el que hacen algo de folk, folk rock; son temas que desentonan con el principal sonido del disco pero que parece bastante acertado su lugar en la lista, ya que cortan un poco la dureza de tanta pesadez y refrescan un poco el oído.

La banda nunca alcanzó la fama internacional, cosa que no fue mayor escollo para ellos ya que se mantuvieron activos por varios años más, en los que lanzaron otros 5 discos. La mayor dedicación del grupo fue a las presentaciones en vivo, lo que le trajo aparejado un constante cambio en su formación. En 1976 graban un disco en vivo, y pronto se separan, para el verano de ese mismo año.

Geff Harrison emprendió una carrera discográfica en solitario, pero sólo con un éxito moderado. Mrozeck y Weber se embarcaron en un intento malogrado de mantener la banda va con Michael Pozz (voz), Ron Sheepmaker (teclados) y Chuck Trevor (bajo), lo que resulta en el sexto que lanza un nuevo álbum de la banda para 1977. No se supo mas nada de ellos hasta 2005, cuando volvieron a rearmar el grupo.

Cod: #1038

18 oct. 2015

Haboob - Haboob (1971)

Este colectivo musical nació en Múnich, Alemania, a principios de los años 70, aunque no se trataba de músicos alemanes sino norteamericanos, tres músicos que eventualmente se encontraron en Europa y lograron concretar un proyecto bastante alocado en lo que a lo musical respecta. El trio se conoce en Munich, en un evento que los combinó en una casual banda, que finalmente no sería tan eventual porque de esa formación surgiría la banda propiamente dicha.

El grupo estaba integrado por el tecladista Jimmy Jackson, George Green en percusión y voz, y William D. Powell en guitarra, tres músicos norteamericanos que desarrollan su sonido fusionando elementos del rock y psicodelia norteamericano con claros elementos fusión y krautrock alemanes de la época.

Jimmy Jackson ya gozaba de cierta fama por haber sido miembro eventual de ‘Tangerine Dream’ (Electronic Meditation), ‘Amon Duul II’ (Tanz der Lemminge), ‘Doldinger’s Motherhood’ y ‘Embryo’, por lo que pudo obtener cierta ayuda en su nuevo proyecto, específicamente de Olaf Kubler, productor de la banda Amon Duul y saxofonista, quien lo adopta bajo su ala y decide promocionarlo, por lo que la banda es casi considerada como proyecto independiente liderado por el mismo Jackson.

Alcanzan a lanzar un solo trabajo, el homónimo ‘’Haboob’’, grabado alrededor de cinco días, durante principios de Abril, de 1971, Y lanzado a la venta el mismo año; se trata de un disco impredecible y experimental, a la vez que llamativo y atrapante, sonoramente seductor, psicodélico por naturaleza, aunque con muchos más ingredientes, que lo vuelven único.

Los títulos grabados son resultado de una excautiva experiencia de improvisación en la cual el trio exploró y desarrolló su sonido de manera única y creativa, fusionando elementos tomados de diversas fuentes psicodélicas, entre los que se distinguen el rock psicodélico, algo de blues inspirado claramente en el inconfundible estilo Hendrix, blues-rock, además de avant garde, krautrock alemán, y otros elementos varios. El resultado de esa mescla es un extraño rock psicodélico, proto progresivo, con aplicaciones de krautrock y una dinámica inconfundible de jazz fusión. 


El sonido está liderado por teclados, hammonds y sintetizadores, que de la mano de Jackson empapan todos los temas y los salpican de krautrock. Recordemos además que Jackson, luego del lanzamiento de este disco, participaría de la grabación de Rache, el segundo disco de Embryo, en el cual aplicaría un sonido muy similar, por lo que en este disco tenemos parte de la futura sesión de teclas de Embryo, como un especie de prefación electrónico de lo que sería el segundo álbum de Embryo a lanzarse un par de meses más tarde, en el mismo año.

La lista de temas es llamativa, el primer track se trata de rock psicodélico algo experimental, el segundo track es un blues, el tercero es una sesión percusiva de la  batería, el cuarto tema es una sesión sonora experimental atmosférica en donde utilizan hammonds y sintetizadores, como una especie de góspel electrónico, el quinto tema se trata de un rock psicodélico, algo krautock y con una percusión jazzera, el sexto tema parece un soul lento, tipo góspel, y el último tema es más funky, un funk rock psicodélico tipo Funkadelic.

Tenemos aquí un auténtico manojo de estilos que no parecen perderse sino que tiene coherencia al permanecer juntos en un mismo álbum, hay algo que los engloba bajo la misma atmosfera psicodélica, será talvez por el trato que recibió el sonido en estudio, será talvez por el ambiente psicodélico bajo el cual estaban sumidas las sesiones, lo cierto que es que el sonido es propio de una banda que pareció sortear ciertos límites compositivos para abocarse a la fusión sonora.

Los resultados musicales de ‘’Haboob’’ fueron más que auspiciosos, siendo abrigados dentro del krautrock alemán, aunque este desarrollo musical les previno el desarrollo comercial y rápidamente no pudieron seguir sosteniéndose económicamente y declinaron hacia la inminente desaparición del proyecto.

En los siguientes años, Jimmy Jackson siguió grabando como invitado para varias bandas, participando en discos como ‘’Wolf City’’ y ‘’Lemmingmania’’ de Amon Duul II, ‘’Rache’’, ‘’Steig aus’’ y ‘’Rock Session’’ de Embryo, además de otras participaciones en bandas como ‘’Utopia’’ o ‘’Doldinger’s Passport, etc.

Cod: #1044

10 oct. 2015

Guru Guru - Ufo (1970)

Luego de tanto progresivo y experimental, me di cuenta de que me había alejado un poco de la psicodelia; ahora estoy tratando de retomar esa senda psicodélica y recaí en que para continuarla era necesario pasar por este disco, que, pese a ser de una banda clásica de krautrock (lo cual no le quita merito, por supuesto), deja importantes nociones y conceptos en el uso de la distorsión y los sonidos lisérgicos, sonidos que han dejado su buena huella, como influencia, sobre varias bandas psicodélicas que nacerían en los siguientes años, especialmente bandas más contemporáneas del estilo jam band, bandas de sesión e improvisación, como Acid Mothers Temple, entre otras.

’’Guru Guru’’ nace en Alemania, para convertirse en una de las bandas más emblemáticas del krautrock, al participar del nacimiento de dicho genero siendo una de las primeras bandas del movimiento, junto a las bandas XhoI Caravan, Amon Duul y Can.

Fueron en sus comienzos, como una especie de power trio lisérgico, con su acercamiento al free jazz, la psicodelia, el stoner, el rock experimental y de fusión. El grupo originalmente se formó en 1968, con el nombre de ‘’The Guru Guru Groove Band’’, y comenzó como un proyecto de Mani Neumeier, el bajista Uli Trepte y el guitarrista Edy Nageli, quien más tarde fue reemplazado por Ax Grenich (ex-integrante deAgitation Free, otro grupo de krautrock).

La banda es parte de las entrañas mismas del krautrock, la que más acercamiento tuvo al rock propiamente dicho y la psicodelia, sin salirse de la parafernalia típica en la que están sumergidas todas las bandas kraut alemanas de la época. También son famosos por sus políticas de izquierda: sus miembros eran integrantes de una unión alemana de estudiantes socialistas, llevaban un estilo de vida comunal y en sus recitales leían textos políticos, además de sus excentricidades y sus búsquedas estilísticas experimentales, que siempre los llevaron hacia caminos experimentales e innovadores, con la idea de salirse de lo convencional y comercial del rock.


El primer álbum del grupo fue ‘UFO’, el cual fue editado en 1970, y cuyo sonido, pese a contener ingredientes clásicos, como psicodelia, muchos solos y mucho fuzz, es a la vez bastante particular y se ha vuelto distintivo, por lo menos a lo que respecta a sus primeros álbumes; se trata de una especie de ‘soft stoner’ con bastante distorsión, combinado a un especie de jazz ácido y psicodélico, con mucho solo y muchos pasajes y cambios, un sonido de plena improvisación lisérgica que va transitando por distintos pasajes y lugares ácidos surgidos del mismo envión lisérgico improvisado que llevan a cabo.

Cambios constantes tienen lugar, y pareciera que, por momentos, no tuvieran un lugar concreto al cual llegar, sino el medio improvisado mismo se vuelve la pista y el fin, la lisérgica siempre es el lema y con eso construyen los temas de este primer disco, estilo que también trascendería a los siguientes dos discos que lanzarían.

El disco se llama UFO (platillo volador) y pareciera que hicieran honor a ese nombre, un lema que interpretan como electrónico, tecnológico y/o futurista, ya que hacen mucho uso de la experimentación sonora y, por momentos, parecieran simular la intervención sonora de un elemento volador no identificado. Esto se refleja especialmente en el tema que lleva el mismo nombre del disco, ‘’Ufo’’, el cuarto tema, que está dedicado específicamente a esta cuestión experimental, ya que se trata de una sesión sonora experimental de 10 minutos, con intervención de sonidos electrónicos de todo tipo, un ambiente que realmente por momentos se vuelve oscuro y muy particular.

Luego del lanzamiento de dicho primer disco, seguirían con muchos más; los siguientes dos, como se dijo anteriormente, fueron de parecido calibre que el primero, de psicodelia experimental. La formación del grupo sufriría cambios constantes, desde dichos primeros días hasta la actualidad, cuando la banda sigue dando conciertos y lanzando discos, completando una extensa discografía que atravesó por completo todas las décadas desde su origen hasta hoy, transitando una innumerable cantidad de sub géneros y fusiones.

Cod: #1175

4 oct. 2015

Hansson & Karlsson - Monument (1967)

Esta historia tiene lugar en Suecia, tierra que sufrió una explosión psicodelia, la cual tuvo lugar, al igual que en Estado Unidos, a finales de los 60s. De este fenómeno surgieron algunas, varias, bandas la cuales marcaron la historia del rock de su país. Una de ellas ha sido Parson Sound, y hoy hablaremos de Hansson & Karlsson, un dúo, también sueco, conformado por, como su nombre lo indica, Hansson y Karlsson, Bo Hansson y Janne Carlsson, organista y baterista respectivamente.

Los músicos se conocen entre sí allá por 1966, al ser presentados por amigos en común, rápidamente congenian musicalmente y forman este dúo tan particular que consta de un teclado hammond y una batería, uno sonido que se volvería característico, y que es bastante atípico y arriesgado, pese a que ya hubo gente que hizo parecido en el jazz, como Jimi Smith o tantos otros.

Rápidamente llamarían la atención por su sonido fusión, bien jazzero y psicodelica, por lo que conseguirían, ya para 1967, un contrato para Polydor, para el lanzamiento de su primer álbum de estudio. Entre 1967 y 1969 lanzarían en total tres álbums de estudio, volviéndose rápidamente populares en su país y en toda Europa.

El primero de sus trabajos seria ‘’Monument’’, de 1967, y se trata de un exquisito trabajo psicodélico con toques muy especiales, un sonido que surge de la mescla de jazz, free jazz, soul, toques de fusión, algo de blues en las melodías; soft rock psicodélico trazado y plasmado por unos teclados que son el único instrumento (además de la batería) que se encarga de cada pieza. Teclas ahogadas en su propio efecto, hammond jazzero por excelencia, como una especie de Jimi Smith psicodélico-oscuro.

Los temas también son muy particulares, psicodélicamente ácidos, con el toque suave del jazz y con suficientes cambios y pasajes como para ser proto-progresivos, un estilo muy personal, tranquilo, meloso, de piezas de un estilo propio de soft rock muy agradable. Por momentos es sorprendente el sonido, teniendo en cuenta que se trata solo de dos músicos los que están actuando, se destaca por supuesto la capacidad atmosférica y acida de los teclados que con pocas notas puede rellenar tantos espacios, y aún más tratándose de piezas estrictamente instrumentales. 


Podría decirse también que se trata de jazz psicodélico, ''February'' es una autentica piezza jazz, con sus melodias, sus yeites, sus sutilezas, sus improvisaciones intermedias, y roces con el soul también, una pieza de jazz con un sonido atípico para el genero, en medio de un disco de igual calibre.

Sus sonidos llegarían a oídos del mismo Jimi Hendrix, el cual, atraído por su música tan particular, les pediría y se haría un lugar para tocar con ellos, en medio de su gira por Europa, jam session en vivo que llevaron a cabo en el club ‘Filips’, en Estocolmo. El mismo Hendrix haría también, más tarde, una reversión de una tema del duo, el tema se llama ‘’Tax Free’’, reversión que sumaría a su repertorio de temas que tocaba en vivo, y reversión cuya grabación aparecería años mas tarde en su disco póstumo ‘’War Heroes’’.

La banda estuvo activa hacia los últimos años de la década de los 60s, lanzando un par de discos más, siempre haciendo principalmente piezas instrumentales de jazz fusión, en gran parte basado en la improvisación, siendo considerados a menudo como pioneros del rock progresivo.

El punto final, para ellos, llegaría en 1969, año en el que se separarían, Hansson continuaría con su carrera solista, lanzando un par de álbumes emblemáticos como el ‘’Lord Of The Rings’’, que ya hemos publicado en el blog, mientras que Carlsson se centró en su carrera como actor.

Cod: #1223

29 sept. 2015

Khazad Doom - Level 6½ (1970)

En el verano del 64, allá por Illinois, California, cuatro individuos se unen con la intención de comenzar su propia banda, usando los pocos recursos que tenían mano, ellos eran, Jack Eadon, Bob Davis, Tom Sievers y Bill Heine. Originalmente llamados  ‘’The Vibratos’’. Durante los siguientes cinco años la formación vería incontables cambios, hasta que alrededor de 1968 quedarían formados casi formalmente, pasándose a llamar ‘’The Laymen’’.

Durante el año siguiente realizarían su primer álbum profesional, en una productora independiente, del cual lamentablemente no quedarían registros. Finalmente, ya para finales de 1969, el grupo quedaría definitivamente formado con cuatro integrantes, Jack Eadon en guitarra, Tom Sievers en bajo, Al Yates en órgano y Steve Hilkins en batería, cambiando también su nombre por el de ‘’Khazad Doom’’.

Entre 1969 y 1970, juntaros varias canciones y entraron a estudio, lanzando su ‘’Level 6  1/2'’, un trabajo de tirada privada, de muy pocas copias, para vender en las actuaciones. Se trata de un trabajo de psicodelia underground, algo oscuro y con una complejidad algo oscilante que se eleva por sobre el estándar promedio, por lo cual tenemos una psicodelia por momentos algo proto-progresiva, elaborada en base a teclados y pasajes soft rock, con muchas voces y melodías tipo baladas.


Tienen varias semejanzas al sonido de ‘’ The C.A. Quintet’’, no tan experimentales como estos, pero de todas formas hacen una psicodelia underground que pareciera nacer de ámbitos parecidos, algo así como amateur y sin contar con una gran producción. Con un estilo indefinido, que van elaborando de acuerdo a las influencias comerciales en las cuales crecieron y las condiciones musicales que los influenciaban en el momento, pop melódico, baladas lentas, algo de beat, un sonido también algo garaje.

Lejos están del rock propiamente dicho, y mucho más de los solos, no demuestran tener acercamientos hacia el blues o rock, salvo algunos riffs perdidos que se escuchan por ahí o algún tema que tiene alguna intencionalidad de riff o ritmo blues rock; pero si lo vemos en su totalidad, se podría decir que se trata de psicodelia, que se va creando en su propio caldo de cultivo underground, algo acido, y que se va generando en torno a sus propias normas o recursos musicales.

La banda realizó varias grabaciones, algunas under y otras en estudios con buenos recursos, pero lo cierto que es no pasaron más de ser una banda under, cuasi comercial, que se dedicó a tocar en clubs y pubs, etc. Luego de varios años, en 2007, se lanza un cd compilatoria, que reúne muchas de las grabaciones dejadas por la banda, el disco completo ‘’ Level 6 ½’’ sumado a otras piezas que quedaron grabadas, es esa reedición la que estamos compartiendo acá.

Cod: #1141

23 sept. 2015

The Crazy World Of Arthur Brown - The Crazy World Of Arthur Brown (1968)

Esta es otra historia hace tiempo que viene pidiendo lugar en este blog, y merece, por lo menos a mi consideración, un lugar destacado aquí, por la influencia y legado que ha dejado la banda con su música y sus actos en escena, en vivo. De la Crazy world of Arthur Brown han surgido grandes músicos y grandes sonidos que marcaron el rumbo de la música de la época, el rumbo de la visión psicodélica y de algunas de las nuevas movidas culturales y musicales que tendrían su origen en su época o los años siguientes.

La Crazy World forma parte como de una especie de árbol genealógico de rock, que relaciona su historia con los orígenes de otras bandas que prácticamente nacieron bajo su influencia, que nacieron bajo la directa participación de miembros que salieron de la banda de Arthur Brown. 

Dichas bandas, todas inglesas, serian ‘’Atomic  Rooster’’ y ‘’Emerson, Lake And Palmer’’, pero podríamos irnos aún más atrás en el tiempo, situándonos en los orígenes de otra banda, los ‘’Thunderbirds’’, banda que tuvo sus orígenes allá por finales de los 50s, más precisamente nacieron en Octubre de 1959, con Cris Farlowe como co fundador y miembro principal, dicha banda funcionaria hasta Mayo de 1968, y en su último año contaría con la participación de Carl Palmer, un joven  y talentoso baterista que por ese año estaba dando sus primeros pasos en la música.

Los Thunderbirds funcionarían hasta mediados del 68, Cris Farlowe (futuro Atomic Rooster) emigraría hacia otras bandas poco conocidas, y Carl Palmer se iría junto a Arthur Brown para crear con este, y con Vincent Crane, la flamante ‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’. 

Una confusión muy difundida se relaciona con el trabajo de Palmer en la banda, él fue el baterista que realizó una gira con el grupo, pero no fue el baterista que grabó el álbum The Crazy World of Arthur Brown. Drachen Theaker fue el baterista del álbum, pero su miedo a volar no le permitió hacer la gira con el grupo, y así Palmer pasó a formar parte de la banda durante un corto tiempo.


El grupo nacería a mediados del 67, en Londres, como un quinteto, que en un comienzo tuvo a Vicent Crane como líder, pero de a poco Brown fue tomando el liderazgo con su creatividad, sus presentaciones frenéticas en vivo, sello registrado que marcaría los pasos de la banda de forma definitiva. Bajo la tutela y dirección de, como su nombre lo indica, Arthur Brown, la banda se encaminaría irremediablemente hacia la psicodelia, la lisérgica, la extravagancia, repletas de visiones alocadas y oscurantismo.

Mientras Hendrix incendiaba su guitarra, Arthur Brown se había vuelto ‘el dios del fuego infernal’, vistiendo trajes y túnicas diabólicas, con cascos encendidos fuego, y pinturas faciales terroríficas en blanco y negro, en lo que sería el inventor de esta tan icónica pintura facial que luego popularizaría KISS. 

Y ya que nos referimos a Hendrix, vale recalcar una leyenda, que más que leyenda parece ser una dato biográfico concreto, parece ser que Brown y Hendrix tuvieron su acercamiento artístico, que no pasó a mayores, pero parece ser que Jimi, en busca de ampliar sus horizontes, le ofreció a Brown sumarse a la Hendrix Experience, oferta rechazada por Brown. Estas son palabras propias de Brown que cuenta el suceso: ‘‘Un día el road-manager de Jimi, Tony Garland, me llevó al apartamento del hotel donde se hospedaba Jimi, donde él me preguntó si estaría interesado en sumarme a su banda. La idea era los tres chicos de la experience, sumado a mí (Brown) en voz y mi organista Vicente Crane. Dijo que sentía que había ido tan lejos como pudo en sus discos y quería ampliar su música. Él también estaba planeando enormes pantallas de proyección y realizar copias de cintas de música de Wagner, todo tipo de cosas para ampliar la parte visual y el lado espiritual. Mi banda se caía a pedazos, pero realmente no quería ser sólo parte de algún otro grupo, por lo que nunca sucedió.''

‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’ lanza su primer álbum, el homónimo ’The Crazy World Of Arthur Brown’’, en Junio de 1968, producido por el manager de ‘The Who’, Kit Lambert, sumado a la producción asociada de Pete Townshend. Considerado un clásico de finales de los años sesenta, este álbum deja varias huellas en la historia, en la psicodelia británica y deja cierta influencia que marcaría al futuro rock progresivo. 

Elaborado bajo parafernalias y delirios oscuros, el trabajo plasma elocuentemente una psicodelia muy rica y original; con aplicaciones de blues y soul, lo que le da al rock que hacen un toque más soft, sumado al hecho de que es un teclado hammond el casi principal intérprete instrumental de los temas. Se trata de una obra que pareciera conceptual, una psicodelia con personalidad, algo progresiva y por momentos compleja, en el sentido como de mutación que por momentos alcanza.

(foto: The Experience & Arthur Brown, 8 de Octubre de 1967, ''Saville Theatre'', Londres''.)

La parafernalia y las excentricidades se hacen muy presentes y son parte principal del legado de esta obra, que confluye perfectamente de principio a fin, ya que el track list está plagado de muy buenos temas, con entonaciones vocales tipo Frank Zappa, inestabilidad mental tipo Barret y poética critica tipo Jim Morrison. Se trata sin duda de psicodelia de punta, con personalidad, oscuridad, teatralidad, rebeldía, dejos sinfónicos tipo el Sgt Pepper, pero abocados a una temática más delirante, circense y teatral.

Los temas también reflejan la fijación de Brown por lo místico, lo oscuro, la temática del infierno está muy presente, una manifestación un tanto irónica y sarcástica que pareciera reflejar el manifiesto artístico de un artista que se ofrecía un tanto en contra del status quo, del orden establecido. Estas serían palabras mismas de Brown: ‘’…el diablo fue creado por la iglesia. Creas un sistema de opuestos, si propones que dios es bueno y la iglesia es buena, y creas un dios humano, necesitas crear algo que sea opuesto para aterrorizar a la gente y alejarla de lo que no te conviene. La gente va por ahí diciendo que somos desagradables… y esto mismo es desagradable, su mente es como un tubo de desagüe, están llenos de ‘’educación’’, llenos de dogmas religiosos… y ni siquiera se para que sirve todo eso, no tienen el sentimiento de lo que es el universo, ellos solo van en sus volkswagen al trabajo, de vuelta a casa, a bañarse y acostarse… y etc…’’

Tras la edición de este álbum, Brown decide disolver el grupo, en 1969, para abocarse a otros proyectos musicales. Tras esta separación, Carl Palmer y Vincent Crane deciden tomar juntos un camino aparte, siguiendo un poco con el linaje rockero referido al principio, juntos forman la banda ‘Atomic Rooster’ y participan de la grabación del primer disco del grupo. Palmer no duraría mucho tiempo en esta banda tampoco, ya que pronto se uniría a Keith Emerson y Greg Lake, para formar juntos el mítico Emerson, Lake And Palmer.

Arthur Brown seguiría su carrera, desde principio del 70 hasta alrededor de 1974 lideraría su ‘’Kingdom Come’’, banda de rock progresivo, de similares características oscuras que la Crazy World, pero en este caso tomando caminos más progresivos y sofisticados. El resto de la década de los 70 seguiría lanzando varios discos más de manera solista. 

Hasta que en 2000 resurgiria The Crazy World, reformada y con nuevas ideas, el grupo editaria tres CD de estudio, ‘’Tantric Lover’’, ‘’Vampire Suite’’ y ‘’Voice of Love’’, en 2000, 2003 y 2007 respectivamente, además de un disco que recoge material inédito de su primera época: ‘’Strangelands’’, editado en 1988.

Cod: #1093

9 sept. 2015

Twenty Sixty Six And Then - Reflections On The Future (1972)

Esta muy buena banda, ‘Twenty Sixty Six And Then’, es un combinado alemán de rock progresivo pesado, surgido a principio de los 70s. En realidad su formación era una mescla de alemanes e ingleses, entre los que se encontraban Geff Harrison en la voz principal, Gagey Mrozeck en las guitarras, Dieter Bauer en el bajo, Konstantin Bommarius en la batería y Steve Robinson con Veit Marvos ambas funciones de compartición de órgano, piano eléctrico, sintetizador, mellotrón y voz.

El grupo es un clásico dentro de cierto público, lamentablemente tuvieron una corta vida que rondó entre la primavera de 1971 hasta el verano de 1972, y hay poca información detallada circulando sobre ellos, pero han dejado un trabajo muy destacable y es por eso que se los conoce.

Su único álbum es nada menos que un clásico, una obra pesada y alucinante, ‘’Reflections On The Future’’, grabado durante el otoño de 1971, en el estudio Dierks, cerca de Stommeln, un pequeño poblado ubicado al noroeste de Alemania, de no más de 8000 habitantes.

Este álbum contenía cinco largas pistas progresivas pesadas con un estado de ánimo dramático y un estilo que, pese a recordar sonidos de Deep Purple o Vanilla Fudge, logra erigirse a sí mismo de una forma magistral y maestra. Un rock progresivo de alto despliegue, que se vuelve art rock por la cantidad de ingredientes agregados que contiene, cambios de ánimo, cambios en las intensidades, agregados de sonidos, y lo que pareciera un carácter como de cuento de haga que se percibe en el sonido y le da una textura especial al sonido.


Un despliegue aplastante y poderoso, con un buen trato y manejo del sonido por parte de la técnica, que transita por caminos muy amplios, siempre dentro del progresivo pesado, pasando por partes más bluseras, otras jazzeras, algunos sonidos experimentales en algunos temas, etc., es una obra tan nutrida como interesante, tan compleja como llamativa, y difícil de describir.

El trabajo consta, afortunadamente, de varias piezas, entre las que se destacan tres de ellas, que rondan entre los 11 y 15 min. cada una, y en las cuales se puede percibir cual es la verdadera profundidad y complejidad atroz de esta banda. Uno se puede encontrar con una serie de piezas para todo tipo de oídos, siempre dentro del ámbito progresivo, algunas piezas más intrincadas y pesadas, y otras más cortas, más fáciles de escuchar.

Debido a las bajas ventas y una economía en ruinas, una de las mejores grupos de Alemania conoce su prematura desaparición sólo unos meses después del lanzamiento del álbum. 

Luego de la desmembración de la formación, los músicos fueron a parar a otras bandas, GEFF HARRISON y Gagey MROZECK unieron a Kin Ping Meh, Steve Robinson tocó en Nueve Días Wonder y Aera, VEIT MARVOS grabó con Emergency, Tiger B. Smith y Midnight Circus,  Konstantin Bommarius tocó la batería de Abacus y Karthago, DIETER BAUER se fue a Aera, aunque ninguno de ello logró por separado en sus respectivas bandas lo que alcanzaron junto en Twenty Sixty Six And Then.

Cod: #1158

24 ago. 2015

Sahara - Sunrise (1974)

Los orígenes de esta banda tienen lugar allá por Munich, alrededor del año 1966. Originalmente surgen como "The Subjects", pero 1968 cambian su nombre a ‘’Subject Esq’’, además de ganar un concurso de música beat, lo que les dio la oportunidad de tocar en circuitos en vivo y en la televisión.

Bajo el nombre de ‘’Subject Esq’’ funcionaron hasta 1972, alcanzando a lanzar un disco. Luego del lanzamiento de dicho trabajo, sufrieron algunos cambios de formación y, al conseguir un nuevo contrato musical, cambiaron su nombre a ‘’Sahara’’, cambiando así también su estilo y sus perspectivas musicales. En realidad, en un sentido general, siguen haciendo rock progresivo, pero esta vez se enlistan hacia caminos más jugados y arriesgados, y más sinfónicos por cierto.

En 1974 logran lanzar un nuevo trabajo, el primero bajo el nombre de ‘Sahara’, el primero de los dos trabajos que lanzarían bajo ese nuevo nombre. Nos referimos más precisamente a ‘’Sunrise’’, un trabajo bastante ciclotímico, tanto en la concepción del lema artístico general como en la concepción de los temas considerados particularmente, ya que transita por varios estilos y deja varias particularidades llamativas. 

En primer lugar el trabajo en sí consta de 4 piezas, todas progresivas y bastante complejas. La primera de ellas se llama ‘Marie Celeste’ y se trata de una bomba progresiva propiamente dicha, arrasadora, aplastante, tremendamente compleja y pesada, un deleite progresivo, con toques jazz rock, que alcanza varios momentos sinfónicos y deja algunos riffs alucinantes. 

En dicha primera pieza nos encontramos una de las primeras particularidades del disco, se trata solo de un pequeño pasaje dentro del tema, que se encuentra casi al principio del mismo, de entre 15 o 20 segundos de duración. La pista comienza con un extracto de grabación de una sinfonía clásica, que se desarrolla durante unos pocos segundos, hasta que se corta con una explosión pesada, una especie de rock-metal sofocante de surge de la nada como una explosión y que da comienzo al tema. Ese pequeño detalle le da a la pieza una significación muy particular, porque se trata de un sonido que, pese a que dura pocos segundos, suena bastante adelantado a su época, talvez se trate de una especie de ‘metal temprano’, con una calidad y profundidad sonora digna de bandas mucho más contemporáneas y con mejores recursos tecnológicos.


Al hablar de los siguientes dos temas nos encontramos con otra particularidad. Los temas 2 y 3, llamados ‘’Circles’’ y ‘’Rainbow Rider’’ respectivamente, parecieran desentonar un poco con el estilo tan determinante del primer tema, ya que, pese a ser igualmente progresivos, se involucran con lo que pareciera ser otros estilos. En ‘’Circles’’ se puede encontrar algo medio folk con un estilo medio country, un salto hacia un sonido mucho menos arriesgado, lo cual creo que le quita un poco de mérito al disco. El tercer tema sería ‘’Rainbow Rider’’, en el cual sucede algo parecido, se salen del rock oscuro para hacer algo de pop rock, se sigue repitiendo un poco esa idea de hacer algo un menos arriesgado, pese a que agregar algunos pasajes progresivos que hasta suenan muy bien.

A esto último lo remarqué debido a que en el cuarto y último tema del disco vuelven al rock progresivo aplastante, con el tema ‘’Sunrise’’, que es una sinfonía experimental y tremendamente compleja, lo cual vuelve a contrastar con los temas interiores del trabajo. En esta última pieza nos encontramos con que el sonido vuelve al estilo que tiene la primera pieza, rock progresivo muy complejo, pesado, plagado de grandes riffs y  buenas contundencias compositivas. En dicha pieza podemos encontrar otra de las particularidades del disco, ya que la misma dura media hora, se trata de un monstruo progresivo muy complejo, con aires de sinfonía, gran elaboración, que se combina con algunos sonidos de lluvia y ambientes electrónicos experimentales.

Luego de este lanzamiento, seguiría el segundo disco, ‘’For All The Clowns’’, de 1975, en el cual la banda seguiría explorando el rock progresivo sinfónico. No pasarían dos años más en que la banda terminaría separándose, en 1997.

Después de un largo descanso, el grupo se reúne en 2005, con su formación original. El 02 de agosto 2006 tuvo lugar 40 años de su formación, celebrado con un concierto de reunión, en el Theatron- Festival, en Munich. También dieron otros conciertos al aire libre en el Burg Herzberg Festival en julio de 2007, en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, y en otros eventos reconocidos en su país.

Cod: #1049

12 ago. 2015

Puppenhaus - Jazz Macht Spazz (1973)

Este disco ‘’Jazz Macht Spazz’’, pertenece a la banda Puppenhaus, un grupo alemán de jazz rock progresivo, formado alrededor de 1969, en  Göppingen, un pequeño poblado, en Baden-Würtemberg, Alemania. 

El grupo en nació bajo el nombre de ‘’ Puppenhaus Kaiser Blumenstrauss’’, formado por tres jóvenes amigos, compañeros de la secundaria, el baterista Bea Maier, Helmut Krebs y Frank Fischer. Al trio se le sumaria  el flautista y saxofonista Büdi Siebert, y ya como cuarteto comenzarían a trabajar cada vez más en serio en su propio concepto musical progresivo, inspirados por Zappa, Crimson, John McLaughlin, Traffic, Yes, entre otros tantos.

Deciden mudarse a la ciudad de Tubingen, donde Helmut Krebs dejaría la banda, y sería reemplazado por Herbert Binder, un talentoso guitarrista influenciado por Hendrix. El grupo sigue trabajando duro, entre otros trabajos que realizaban y estudios, ensayando cada noche y volviendo cada vez más complejas sus composiciones. Al poco tiempo se uniría también un talentoso pianista, Thomas Rabenschlag, atraído a la banda por haber descubriendo que necesitaban un teclado, al ir encaminándose hacia lugar cada vez más jazzeros y progresivos. 

Progresivamente fueron acercándose cada vez más hacia la música fusión, Miles Davis, Wheather Report, Soft Machine, entre otros comenzaron a tomar un lugar preponderante entre sus inspiradores y mentores musicales, lo cual se ve reflejado en el trabajo final que lograron.

En su tiempo, lamentablemente, nunca grabaron un álbum en concreto, pero dejaron muchas grabaciones, por lo que en el 2009 fue lanzado un cd que recopila buena parte del material que dejaron. En su mayoría se trata de grabaciones que hicieron en vivo en radios, estudios o escenarios, realizadas entre 1973 y 1974.


El disco se compone de un brillante compendio de, en total, siete pistas, que reflejan la absoluta profundidad progresiva que manejaban. En la primer pista transitan por rock progresivo con toques de jazz, y de a poco van encaminándose firmemente hacia pasajes más jazzeros aun, siguiendo por la línea de jazz rock progresivo, hasta llegar a un punto donde el jazz toma protagonismo pleno, volviéndose totalmente hacia el jazz fusión, y mostrando orgullosamente sus claras influencias obtenidas de la Mahavishnu Orchestra.

A primera vista el sonido es atrapante y ya es muy difícil salir de su cauce progresivo, son llamativos a primera vista y atrapantes, cautivantes. Cierto es que transitan por varios matices progresivos y jazzeros, y es ahí cuando cada uno va sabe que es lo que más le gusta del repertorio que tenían, pero es claro el poder progresivo que manejan. Esto se ve reflejado especialmente en las primeras pistas del disco, donde se ve el material más crudo, las composiciones más rusticas, arriesgadas, no tanto con una guía de jazz fusión, sino material que mescla puramente sus entrañas progresivas en el sentido más visceral y puro, rustico, aplastante, terriblemente complejo y rockero.

Como se dijo antes, no alcanzaron a lanzar un disco en concreto, no se especifica las razones, talvez tuvieron mala suerte o talvez su meta era solo la de progresar como músicos, talvez solo se interesaban por las presentaciones en vivo. Lo cierto es que terminarían separándose, talvez a mediados de los 70s, luego de realizar varias presentaciones en vivo. Los músicos se separarían, tomando diversos caminos, algunos emigrando hacia otras bandas locales, otro hacia academias donde seguirían estudiando música, otro seguirían como ingenieros y productores.

Aquí tenemos otra pieza progresiva alemana que vale altamente la pena escuchar, y que se suma al humilde compendio de trabajos de progresivo alemán del blog. Progresivo germano que bien nutrido puede llegar a ser si se lo investiga detenidamente.  ‘’Puppenhaus’’ no ha dejado discos pero nos deja estas grabaciones alucinantes, más materia prima para exigentes oídos melómano-progresivos.

Cod: #1216

7 ago. 2015

Subject Esq. - Subject Esq. (1972)

Esta fue una banda de rock progresivo alemana, fundada en Munich, en 1966, originalmente como "The Subjects". En 1968 cambiaron su nombre a ‘’Subject Esq’’, además de ganar un concurso de música beat, lo que les dio la oportunidad de tocar en circuitos en vivo y en la televisión.

Originalmente nacen y se crían entre sonidos de finales de los 60s, pero rápidamente se acomodan al desarrollo y evolución surgidos en los 70s, con un rock que tímidamente va dirigiéndose a progresiones bastante interesantes, sin dejar de lado la influencia algo pop, psicodélica, y proto progresiva.

En 1972 lanzan, tras haber firmado con Epic, su primer trabajo, el homónimo ‘’Subjects Esq.’’, donde transitan un rock progresivo algo áspero, no solo por los riffs pesados que utilizan, sino también por cierta intención apresurada en la que están envueltos. Así los temas se van desplegando de manera algo arrolladora, apresurada; de alguna forma esto contrarresta a la buena calidad compositiva de los temas, aunque por otro lado es un buen valor del sonido, compacto, rápido, poderoso, dramático, concreto, y de gran despliegue, similar al sonido de Mogul Trash.

Algo de su influencia temprana todavía se encuentra presente en el disco, algo de pop o folk se deja entrever en las melodías y los pasajes más convencionales. Conforme avanza el disco van avanzando en la complejidad de las piezas, hasta llegar a la mitad del álbum, donde encontramos un monstruo progresivo de 12 minutos, que contiene tanto pasajes pesados como otros más melódicos, buenos solos, cambios constantes y una impecable ejecución y contundencia.


Transitan progresiones vertiginosas, cambios constantes, mientras fusionan rock con algo de jazz fusión. Tanto saxos como guitarras acústicas están bastante presentes en los arreglos, y de buena manera, lo que le da un plus de buenos pasajes, agradables al oído, mientras se entremezclan con los pasajes eléctricos, de las guitarras y teclados. 

Luego de lanzamiento de su primer disco, y tras sufrir algunos cambios en la formación, el grupo cambia su nombre por el de ''Sahara'', nombre bajo el cual lanzan dos discos más, ‘’Sunrise’’ y ‘’For All the Clowns’’. En esta etapa su sonido evoluciona drásticamente, hacia caminos sinfónicos, complejos, y más herméticos en cuanto a la captación del público y la calidad de su música. Aunque al poco tiempo, en 1977, ya desarmarían la formación.

Después de un largo descanso, el grupo se reúne en 2005, con su formación original. El 02 de agosto 2006 tuvo lugar 40 años de su formación, celebrado con un concierto de reunión, en el Theatron- Festival, en Munich. También dieron otros conciertos al aire libre en el Burg Herzberg Festival en julio de 2007, en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, y en otros eventos reconocidos en su país.

Cod: #1215

3 ago. 2015

Ikarus - Ikarus (1971)

Alemania no solo fue cuna de grandes bandas de krautrock, como Can, Ash Ra Tempel, Tangerine Dream, Amon Düül II, etc, sino que también dio enormes frutos progresivos más clásicos dentro del género, podemos nombrar algunos conocidos como Nektar, Eloy, Novalis, etc., aunque otros han quedado ocultos, es el caso de los ya nombrados en este blog Odin o Nine Days Wonder.

En esta ocasión nos adentraremos un poco en un trabajo de otra de esas bandas progresivas alemanas que quedó en las sombras de la historia, pero que ha dejado algunos sonidos progresivos asombrosos. 

‘Ikarus’ fue un sexteto de jazz-rock progresivo, nacido en 1970, en Hamburgo, Alemania, y liderado por el productor y multiinstrumentista Joachen Peterson, quien luego de terminado el proyecto Ikarus se dedicaría de lleno a su trabajo como productor. La banda estaba integrada por el ya nombrado Jochen Petersen, ademas del pianista Wulf Dieter struntz, el guitarrista Manfred Schulz, el bajista Wolfgang Kracht , el cantante Lorenz Köhler, y el baterista Bernd Schröder.

En 1971 lanzan su primer y único trabajo, el homónimo ‘’Ikarus’’, que en líneas generales es bastante arduo, consta de cuatro piezas progresivas extensas, de las cuales dos rondan entre los 12 y 15 minutos de duración, y en ellas se encuentran mundos progresivos propiamente dichos. 

Se trata de un rock progresivo algo rustico y sinfónico, no tan estilizado pese a contar con arreglos orquestales, pero con una elaboración profunda, de gran despliegue, y una complejidad llamativa, en la cual aparecen elementos de folk rock, pasajes pesados e instrumentales, etc. Se nota la presencia de la influencia de King Crimson y Van Der Graaf Generator, también se nota un poco algún toque de krautrock en algunos arreglos, pero en líneas generales crean un sonido arduo y propio, pergeñado bajo sus propias reglas progresivas. 


Con esa avanzada sonora tan propia que elaboran, reflejan la visión profunda que tienen sobre el uso y la dinámica de los riffs y sobre la combinación de melodías y pasajes. El sonido se construye en base a guitarras acústicas y mellotrones, impecables bases rítmicas, y distintas aplicaciones de cuerdas sinfónicas, flautas, saxos y guitarras eléctricas.

En el primer tema, por ejemplo, dejan algunos arreglos sinfónicos que rozan con lo clásico, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas. En los siguientes temas se siguen viendo los arreglos sinfónicos, entremezclados entre tanto cambio y fluidez de pasajes. La última pieza del disco, llamada ‘’Early Bell’s Voice’’, que aunque dura solo 7 minutos de duración, la mitad que otras dos, es aun así es más compleja que las anteriores.

También hay lugar para cierto acercamiento a la extravagancia compositiva o ‘avant prog’, extravagancia que los lleva a desarrollan un sonido que, aunque es muy complejo, a la vez es algo minimalista, las progresiones y pasajes se van formando con melodías muchas veces repetitivas y simples. Y a la vez son algo oscuros y rústicos, una rusticidad un tanto post psicodélica. 

De esta mescla tan particular de sonidos, sale un rock progresivo muy poético, tipo art rock, con melodías épicas, letras que hablan sobre la devastación del mundo (por lo mínimo que entendí de las letras en inglés), y una complejidad que, por momentos, demanda ser escuchada varias veces para alcanzar a apreciar el tremendo valor compositivo que desarrollan, un deleite para el oído progresivo setentero.

Muy poca información he encontrado sobre la historia de la banda, por lo cual recaigo en la deducción unilateral de que seguramente se desintegraron sin dejar rastros, luego de haber lanzado su único trabajo, historia repetida ya por muchas otras bandas fugaces de similar condición. Así que nos queda este trabajo de jazz rock progresivo, que se disfrute y pronto volveremos con más.

Cod: #1051
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