31 dic 2013

Brainticket - Cottonwood Hill (1971)

Brainticket fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África. 

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. 

Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Amanecer Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión, Werni Prahlach en bajo y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodelico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acides que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgico extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgasmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.


Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de Brainticket como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut. También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: “No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a Brainticket un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.”

Cod: #1165

29 dic 2013

East Of Eden - Mercator Projected (1969)

‘’East of Eden’’ fue un grupo británico de rock progresivo formado en Bristol, Inglaterra, en 1968, que alcanzo un top 10 Top en el Reino Unido con el sencillo , " Jig-A-Jig ", en 1971, pista incluida en su tercer álbum. Originalmente se llamaron “Pictures of Dorian Gray”, hasta que en 1968  trasladan a Londres, donde firman un contrato de grabación con Deram. Es ahí cuando cambian su nombre tan lírico por el mas cinematográfico “East of Eden”.

‘’Mercator Projected’’ fue su primer álbum y en realidad el mejor que han lanzado, dentro de los varios discos que han lanzado. La banda no tenía una formación constante, pero en este álbum, el grupo estaba formado por el violinista y flautista Dave Arbus, el saxofonista Ron Caines, el guitarrista y vocalista Geoff Richardson, el bajista Steve York y el baterísta Dave LaFont. 

Todo el álbum nace de una combinación exótica de psicodelia, sonidos orientales, country, rock progresivo temprano y jazz-rock, aunque es el rock más duro el que ensambla las bases de las composiciones y de hecho el que los caracteriza en sus siguientes albums. A partir de esa base, los temas surgen es una explosión mágica y muy versátil, una combinación exótica que fluye, mediante una performance magistral, hacia altos climax exploratorios… en estados post psicodélicos, progresivos tempranos y un art rock único. Una obra fascinante no apta para oidos obtusos y de mentes estrechas, aquí hay que escuchar atentos, posiblemente por momentos su propuesta suene algo desfasada, pero es la mezcla de colores y los sonidos particulares que alcanzan, lo que hacen de este un disco de culto.


El álbum contiene un sin fin de temas altamente originales, el pesado "Northern Hemisphere", los mas atmosféricos y expansivos "Bathers", "Waterways" y "Moth", y el alucinante ‘’ In The Stable Of The Sphinx’’, una pieza genial que combina todas las características nombradas del disco, una grabación relativamente extensa, que contiene en medio, para un delirio total de los oídos, un atasco psicodelico ruidoso alucinante. En esta reedición en cd se puede escuchar una versión temprana del mismo tema, en la cual se aprecia la inclusión de melodías tomadas de un tema de Jimi Hendrix, ‘’Third Stone From The Sun’’.

Algunos atascos a los que llegan en combinación de flautas y saxos, hacen acordar mucho a momentos de Soft Machine, y la participación oscura y perdida del violín recuerdan mucho al disco ‘’Precious Cargo’’ de ‘’High Tide’’.

En 1970 lanzarian 'Snafu', que fue el último disco que lanzaron con Decca. A partir de ahí editaron varios discos con Harvest de EMI, que parecían más destinados a vender que a producir buena música, el grupo pasó de ser una banda de culto a un grupo del montón. La banda se separó en 1978 despues de haber sufrido muchos cambios en su formación.  Los tres miembros principales (Arbus, Caines y Nicholson), se reunieron en 1996 y lanzaron Kalipse al año siguiente.

Cod: #1072

8 dic 2013

Herbie Hancock - Takin' Off (1962)

 Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop,fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a lamúsica de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.


Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento presente, no el pasado.

‘’Takin 'Off’’ es el álbum debut del pianista de jazz Herbie Hancock como líder, lanzado originalmente en 1962 para el sello Blue Note. La sesión de grabación incluyó a  Billy Higgins a los tambores, Butch Warren en bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, y Dexter Gordon en saxofón tenor.

El debut de Herbie Hancock reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad que desplego un jazz, hard bop claisco, con muy elegante, impregnado por un toque de soul y blues, y con un feeling muy personal, lo que le dio al sonido un rumbo muy especial e hizo alzarlo al standares en el mismo jazz, con por ejemplo con su primer tema de todo su repertorio, el pegadizo ‘’Watermelon Man’’, que se convirtió en un clásico del pianista y en un estándar dentro del jazz.

El resto de los temas de disco quedan irremediablemente eclipsados por un tema inicial tan brillante, pero es que los otros cinco también se han convertido en clásicos y en estándares recurrentes dentro del hard bop, por su estilo refinado y particular. Por eso este estupendo debut en Blue Note se considera un álbum clave en la discografía de Hancock, porque ya permite apreciar sus primeras innovaciones, de cómo en su cabeza quizá ya empezaba a gestarse la revolución del jazz fusión y, por supuesto, todas las novedades que introdujo en el hard bop. 

El álbum fue re lanzado en CD en 1996 con tres tomas alternativas y remasterizada en 2007 por Van Gelder. La edición 2007 cuenta con nuevas notas por Bob Blumenthal.

Código: #1021

6 dic 2013

Almendra - Almendra II (1970)

He aquí, el segundo disco de Almendra, banda de la cual ya hemos subido su primer trabajo. Por si alguien no lo sabe y ni lo ha leído en el primer post que hemos hecho sobre esta alucinante banda, Almendra fue una banda creada, en su comienzo, por cuatro adolescentes, los cuales se conocían por ser compañeros del Instituto San Román: Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz),Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería).

Almendra vio la luz en 1967, en el barrio porteño de Belgrano, y ya desde sus comienzos comenzaros con una andanada creativa ultra precoz para sus edades, en especial por el mismísimo Spinetta, que a los 18 ya estaba componiendo temas muy profundos y maduros como ‘’Tema de Pototo’’, ‘’El mundo entre las manos’’, ‘’Hoy todo el hielo en la ciudad’’, entre  tantos otros. Tal fue su despegue que lograron alcanzar un lugar de elite entre las bandas de su época y entre las mismas bandas fundadoras del denominado rock argentino.

Su debut no se dejó esperar más, hasta que en 1969 lanzan su primer álbum, repleto de temas fundacionales y emblemáticos, cuasi adolescentes pero con templanza y firmeza, así como también dulzura e inocencia, incomparables.

Pero en este caso nos vamos a centrar en su segundo disco, el que lanzaron  para 1970, un disco doble que nació de las cenizas de una ópera rock fallida, incluso el mismo disco comienza con su ‘’Obertura’’, el cual hubiese abierto la potencial opera fallida. Este segundo álbum, llamado igual que el primer disco, ‘’Almendra’’, se presenta no tan fácilmente como los primeros sonidos a los cuales tenían acostumbrados a su público, esta vez denotan tal vez cierta madurez, melodías más desestructuradas que comienzan a marcar el camino a seguir de los músicos, especialmente el de Luis. 

En este trabajo pareciera que la banda girara el timón en medio del océano, casi a la deriva, sin un destino prefijado, ni melodías fáciles de asimilar. Este disco doble es introspectivo, lejos ya de aquellos primeros años adolescentes. Una propuesta más compleja pero menos rigurosa. 


Este disco doble marca el final de la banda, la cual no llega a estrenar la anunciada "Opera", en la cual venían trabajando y donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, lamentablemente la obra quedaría inconclusa ante la separación de la banda en el mes de diciembre. Este segundo álbum se construye con temas de esa opera inconclusa y es lanzado en momentos de ruptura de la formación.

‘’Almendra II’’, lanzado 1971, es un álbum de folk rock, es más ecléctico, experimental, disperso y hasta con un tinte muchísimo más rockero e intenso que el primer álbum. El sonido se construye desde el sonido que la banda ya venía trabajando, un folk introspectivo y altamente personal y complejo, sumado esta vez a un rock con toques garageros, que deja un buen sabor. Si bien no es un disco simple de abordar, por otro lado nos muestra otro lado de la banda, más expansivo, que se contrapone perfectamente con lo que venían haciendo y deja de entrever más aun la profundidad creativa, musical y poética de los músicos.

Desde el inicio, ‘’Obertura’’, tema instrumental, o ‘’Florecen los nardos’’, anticipan una ardua tarea que pretende explorar nuevos ritmos con un concepto muy rockero en el que prepondera la guitarra eléctrica, a veces algo desalineada. Canciones que trazan con fuerza un eje central no tan visible, ‘’No tengo idea’’, ‘’Aire de amor’’, ‘’Cometa Azul’’, ‘’un pájaro te sostiene’’, ‘’En las cúpulas’’, ‘’Mestizo’’, ‘’Amor de aire’’ y el clásico ‘’Rutas Argentina’’. Por su lado: ‘’Camino difícil’’, ‘’jingle’’, ‘’vete de mí’’, ‘’cuervo negro’’, ‘’verde llano’’ (estas dos últimas lindantes con el jazz) conservan en parte el espíritu del álbum anterior pero con textos no formulados sobre la base de un discurso claro. En ‘’Para ir’’ y ‘’los elefantes’’ Spinetta muestra la punta de un iceberg de lo que será su definida identidad musical, composiciones muy representativas de ese particular estilo propio. 

Excepto en raras ocasiones se eliminan los arreglos corales que alivianaban el resultado final: ‘’Parvas’’ o ‘’leves instrucciones’’. En el caso de la infinita ‘’Agnus Dei’’, las melodías se suceden entre acordes semiarábigos, guitaras acústicas planas y eléctricas para los solos. El sendero de experimentación reflejado en ‘’Carmen’’ o ‘’Toma el tren hacia el sur’’, alcanzara su forma final con el futuro trabajo solista de Luis, ‘’Spinettalandia y sus amigos’’,
"Almendra no se divide, se multiplica", la frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país. Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); y Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre.

La reunión de 1979-1981: La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado. ‘’Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada", Rodolfo García.


Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas, una convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.

Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se realizaran: ‘’(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.’’, Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores, 4 de diciembre de 1979.

Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982.

En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.

La reunión de 2009: la siguiente reunión se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un recital donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un espectáculo que duró más de cinco horas denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.

Cod: #1028

26 nov 2013

The Free Pop Electronic Concept - A New Exciting Experience (1969)

Este disco nace de la mano de los hermanos Antonio y Fernando Lameirinhas, dos portugueses radicados en Belgica, llegados a dicho país en 1959, escapando de la atmosfera opresiva y dictatoríal que se vivía en su país natal, Portugal. Fue en Belgica que los dos hermanos estudiaron usica y comenzaron con sus primeros proyectos musicales, seria para 1964 cuando publicarían sus primeros singles bajo el nombre de The Modes. Pero bajo ese nombre no funcionaron mucho tiempo, pronto cambiaron al de Jess and James, nombre bajo el que publicaron tres albums, bajo estilos como soul, rythm, beat y psicodelia.

Sería en ese mismo año en el que se encargan en un proyecto experimental, para fusionar esa misma música que venían haciendo, R&B, soul y funk, pero esta vez combinándolo con electrónica, al estilo ‘’Psyché Rock’’ de Pierre Henry, o ‘’Les Maledictus Sound’’ de Jean-Pierre Massiera. Fue en ese momento cuando el productor, Roland Kruger llegó con la idea para desarrollar un nuevo álbum relacionándolo con las tendencias underground del momento, y fue así que los hermanos Lameirinhas se juntaron nuevamente en el estudio para nuevas sesiones de estudio.

El sonido consiste en varias sesiones, casi como improvisadas en estudio, atascos de soul/funk y R&B, algo psicodélicas, grabadas en un solo día, tal cual quedó en estudio, sin overdubs o agregados instrumentales. Para estas sesiones se les unió un tal ‘’Vinagre’’, un percusionista puertorriqueño que formaba parte de la escena latina que había en aquel entonces en Bruselas, y que se sumó a ellos, para las sesiones, en congas. Las grabaciones resultantes, fueron manipuladas por el productor, y co-compositor de la obra, Arsene Souffriau, quien se encargó de agregarle los distintos efectos electrónicos, ondulaciones y motivos diversos, que condimentaron por encima a las sesiones instrumentales.


Los temas desplegados son jams muy agradables, típicas del soul hippie de finales de los 60s, un sonido movido, entretenido, divertido, que en este caso queda como de fondo, en la entre-mezcla, como sirviendo de plataforma  para los diversos agregados electrónicos, que aparecen de principio a fin y que convierte el sonido en todo un viaje underground experimental, electrónico y hasta espacial. No se trata de una fusión, porque primero se produjo las bases y luego, por encima se le agregó la electrónica, es un entrecruce, un experimento. Se asemeja considerablemente al trabajo ‘’Ceremony: An Electronic Mass’’, que Spooky Tooth produjo junto a Pierre Henry.

Los efectos de sonido fueron agregados una vez compuesta la música y tal vez sea por eso que haya cierta desconexión entre los tiempos y los efectos, parecen dos mundos funcionando a la vez, aunque el disco también tiene sus partes netas en la búsqueda sonora, como en el tema ‘’ Free Pop Electronic Theme No. 1’’, que dura 14 minutos y en los cuales se mezclan distintos efectos de sonido, percusión, guitarras fuzz, creando un ambiente volátil, muy cargado y condimentado. Este emprendimiento temprano constituye un ejemplo en el acercamiento de la psicodelia y la música electrónica.

Se trata de un extraño y oscuro artefacto de la psicodelia belga, un proyecto que surgió como una eventualidad y no tuvo mayores connotaciones comerciales, pero fue una gran oportunidad para los músicos, e incluso una gran oportunidad para el productor Arsene Souffriau, quien era un aficionado y experto en la musica electrónica y fue el encargado de la parte experimental del disco. Luego de este lanzamiento los hermanos Lameirinhas continuaron sus carreras, especialmente en Belgica y varios paises de Europa, hicieron algunos giras por España con otro proyecto, llamado Los Canarios, junto al musico Teddy Bautista. Durante la decada de los 80s Fernando Lameirinhas tuvo exito en su carrera solista como cantante y compositor.

Código: #1022

22 nov 2013

John McLaughlin - Extrapolation (1969)

John McLaughlin (nacido el 4 de Enero de 1942, Doncaster, Reino Unido, también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70 llamado jazz-fusión o jazz-rock. Sin embargo, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el Flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y desde la década del 70 en adelante con sus grupos "Mahavishnu Orchestra", "The Heart of Things", "Five Pece Band" y actualmente "John McLaughlin y la 4ta Dimension") y con la música clásica (en su "Concierto para guitarra y orquesta" y en el disco "Thieves and Poets").

McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.

Antes de trasladarse a USA, McLaughlin lanzo su trabajo ‘’Extrapolation’’, su álbum debut, su primer álbum como líder,  único álbum que grabó antes de unirse a Miles, el cual suena tan fresco hoy como sonaba allá por 1969. Fue grabado en Advision Studios, en Londres, el 18 de enero de 1969 y primero lanzado a finales de ese año por Giorgio Gomelsky's Marmalade Records.

El album cuenta con el subestimado John Surman en el saxo, Tony Oxley en la batería y Brian Odges en el bajo. Este cuarteto explota a través de dinámicas y frescas composiciones de jazz-blues-rock de McLaughlin, con forma de mezcolanza de ritmos inquietos y ganchos irresistibles, un jazz moderno y de vanguardia, con una notoria participación de cada integrante del cuarteto, a los cuales se les permite sobresalirse de las estructuras básicas e ir moldeando constantemente la sesión a su manera. 


El sonido es muy crudo, aunque increíblemente maduro para un álbum debut, las piezas son temáticas, tienen su esencia particular y se funden y unen unas con otras entremezclando toda una variedad de composiciones, fusionadas con dulces matices de blues que fluyen en cascada hacia surcos profundos y lugares cambiantes; envueltos en un estado de melancolía jazzera, mientras la guitarra de McLaughlin guía los pasajes y los abraza con constantes fraseos con acordes de jazz y exquisitas intervenciones con sus exquisitos solos e improvisaciones.


El álbum no fue lanzado en los EE.UU. hasta 1972, tras el éxito de McLaughlin como el líder de la Mahavishnu Orchestra. La primera versión lanzada en los EE.UU. y el resto de las reediciones posteriores fueron publicados por la etiqueta Polydor.

Luego de grabar su primer disco se trasladó a los EE.UU., donde tocó con en el grupo de Tony Williams, ‘’Lifetime’’ y luego se unió por un tiempo a Miles Davis y sus proyectos, participando de los albumes ''In A Silent Way'', ''Bitches Brew'', ''A Tribute to Jack Johnson'' y O''n The Corner''. 

Luego llegaría unos de sus puntos culmines de su carrera, crearía su banda eléctrica, su monstruo del jazz, su maquinaria de rudimento potencial, su Mahavishnu Orchestra, explotando todo su estilo técnicamente virtuoso y complejo, con el que prácticamente creó una corriente y un estilo propio dentro del jazz fusion mismo; dentro de este genero él es uno de los precursores y mayores entusiastas. 

En 2010 el guitarrista Jeff Beck llamó "el mejor guitarrista vivo". El indio maestro de tabla, Zakir Hussain lo ha llamado "uno de los más grandes y uno de los músicos importantes de nuestros tiempos". En 2003, se clasifico a McLaughlin, en la revista Rolling Stone, en el puesto 49 º de la lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Cod: #1214

17 nov 2013

Odin - Odin (1972)

'Odin' no sólo era el nombre del dios mitológico, sino también el de una banda de rock progresivo, fue un cuarteto progresivo nacido en Gran Bretaña, pero con residencia en Alemania (al igual que ‘’Nektar’’), estaba compuesto por miembros, no solo británicos, sino también alemanes y holandeses. Su sonido se ajusta mas o menos al sonido británico de principio de los 70, como el de bandas como Quatermass, Deep Purple, Atomic Rooster, etc.

La banda estaba formada por Jeff Berr en los teclados, Ray Brown en el bajo, Stuart Fordham en la batería, y Rob Terstall en la guitarra, con la particularidad que todo estaban abocados en tareas vocales, incluso el baterista. 

Graban en 1971 su único trabajo, basado en sonidos progresivos que parten con intenciones mas pesadas, hard rock, heavy prog, desplegando habilidades musicales impresionantes para un cuarteto prog mas bien estándar, como lo eran ellos. El álbum fue lanzado  en 1972, por el sello Vertigo, y se convirtió en uno de los títulos más deseados en la etiqueta. 


Presentan un rock progresivo dinámico y un tanto crucial, altamente definitorio en cuanto a las intenciones melódicas y muy diversos musicalmente, incluyendo una mezcla ecléctica de estilos,  con varios pasajes y melodías  implícitas que van desde muy buenos condimentos bluseros en los arreglos vocales, muy buenas melodías, además de, pese a no ser un álbum extremadamente extenso, grandes arreglo incluso en los temas de corta duración, es por eso que la satisfacción está garantizada casi en cada tema.

Si te gusta el sonido del Hammond, este es tu álbum, el teclado cumple un rol muy importante en las excursiones progresivas que llevan a cabo, el cual por momentos denota una cierta influencia de ELP, con composiciones rebuscadas y un tanto jazzeras y participaciones definitorias en los solos. La guitarra por su lado, también heavy, cumple también un rol vital, con su sonido fuzz, bien cargado y ecléctico, pero aportando un sonido mas desde su lado más funk rock y blues...

También denotan, tal vez intencionalmente, la influencias que Frank Zappa ha volcado sobre ellos, de hecho en el tema instrumental ’’ Tribute To Frank’’ se acercan demasiado a trabajos instrumentales de Zappa, por lo que podríamos concluir en que el ‘’tributo’’ del cual se jactan en el nombre de ese tema, no es más que para el mismo Zappa.

                                              Cod: #1159

2 nov 2013

Relax - Padre (1977)

‘’Relax’’ es una de las bandas del rock argentino que ‘’no tiene historia’’, poco se sabe de ellos y de sus actividades en su época. Esta oculta banda argentina, de hard rock, estaba compuesta por Daniel A. Grasso en voz, flauta y guitarra rítmica, Ruben H. Campás en guitarra líder, Hector C. Grasso en bajo y Jorge R. Rodriguez en batería y percusión. Entre sus influencias se encontraban bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, entre otras, de las cuales también interpretaban temas. 

En 1977, entre algunos inconvenientes económicos, logran sacar su primer álbum, un trabajo muy interesante de rock pesado setentero, el sonido tiene su magia, sin duda se trata de una agrupación que es propia del under y por ende cuentan con su rusticidad, lo que no es más que un condimento más de su sonido cosmico y rockero. 

Las piezas se construyen en base al juego y dialogo que mantienen constantemente las dos guitarras, cuando una se encarga de las bases y otras de los solos, ambas son el fundamento del sonido, a puro riffs, arpegios y solos. Se trata de hard rock con guitarras crudas y buenas baladas pesadas y/o temas rock pesados, que se desarrolla hacia algunos arreglos que tímidamente tienden hacia lo progresivo sin necesariamente serlo.


El condimento especial, como muchas bandas de la época, son las letras cósmicas y mágicas que llevaban adelante, y que hacen referencia a la unión de la humanidad, la paz, el encuentro con el cosmos y la erradicación del materialismo. Este concepto cósmico puede verse representado en la extensa introducción del tema ‘’Padre, un amigo que se fue’’, un auténtico sonido dentro de un ambiente cósmico y volátil.

No se trata de un disco emblemático pero por su carácter oculto, under, la poca información que existe de la banda y la dificultad de hallar una copia del disco original de la epoca, entonces la banda ha despertado cierto interés entre coleccionistas y conocedores del rock de la epoca.

Lamentablemente por la dificultad económica que existía para grabar un disco en esa época para ellos que eran "Under" solo pudieron grabar un solo LP y un simple, aunque tenían más proyectos de su autoría, como por ejemplo una Opera-Rock basada en la vida de Cristo (como lo hizo Vox Dei con la Biblia) que nunca se pudo grabar y se perdió completamente.

Cod: #1062

28 oct 2013

Cargo - Cargo (1972)

‘’Cargo’' fue una mítica y fugaz banda prog, nacida a principios, en Ámsterdam, Holanda, e integrada por por Jan de Hont (anteriormente en "Hope Express" y ‘’Music Garden’’), Adrie de Hont, (anteriormente en ‘’Alexander Curly's Flying Circus’’ y ‘’Maggie MacNeal’’), Wim de Vries (anteriormente en ‘’Mayflower’’) y Dennis Whitbread (anteriormente en ‘’Flying Circus’’ y ‘’Music Garden’’). Posteriormente Whitbread seria reemplazado por Jerry Gobel (ex ‘’Angelflight Railways’’ y ‘’Carlsberg’’) durante la grabacion del disco. El origen de la banda se remonta a 1970, la cual veria la luz bajo el nombre de ‘’Septembre’’. Solo alcanzarían lanzar dos canciones, ¨Little Sister y ¨Walkon By¨, que sonarían como hard rock, con partes progresivas.

Hasta 1972, ya habían grabado varios singles, y es ahí cuando deciden  planear un disco. Buscando un impacto comercial, la banda graba 4 extensas pistas, con la idea de que sonaran como una actuación en vivo. Esto le provee al sonido una energía arrolladora y vital y nutre a los temas de un dinamismo totalmente alucinante, los cuales cuentan, cada uno, con una extensa sesión de improvisación, de hecho el tema ‘’Cross Talking’’ es en si mismo una zapada de guitarras eléctricas, una autentica ‘’charla cruzada’’ que mantienen las guitaras de los hermanos De Hont.

Es así que la banda lanza en 1972 su primer (y único) disco, el homónimo ‘’Cargo’’. Un disco desconocido pero de muy buena calidad, con su hard rock que de repente sorprende con sus fuertes riffs, un tanto heavy prog, alucinantes temas, cual profundos atascos ácidos, con alucinantes jams instrumentales eléctricos, repletos de solos de todo tipo, realizados por el duo de guitarras de los hermanos De Hont, que a veces nos remontan a Wishbone Ash.


La banda también tiene un costado melódico impregnado en las melodías de las guitarra y el sonido de los temas, se puede percibir en esos primeros 4 temas, aunque se deja ver más aun en los demás singles del álbum, en temas más melódicos, aunque siempre con ese toque heavy que los caracteriza. Un pedazo esencial de la historia del rock europeo y una maravilla para los oídos también.

La edición que aquí les traemos contiene 12 temas, de los cuales los primeros 4 serían los que fueron publicados originalmente en la primera edición del disco, y en los cuales se obtiene su sonido más compacto y emblemático. En las reediciones posteriores en cd y vinilo, se le fueron sumando distintos singles que la banda fue grabando en distintas sesiones y con distintas formaciones, realizadas entre Septiembre del 70 y Septiembre del 72, pero que lamentablemente nunca fueron publicados antes.

Aunque tuvieron cierta buena repercusión de los críticos, el disco en sí mismo jamás alcanzaría el éxito comercial, tal vez por la paupérrima estrategia comercial de la banda, o por el manoseo de las distintas disqueras que no quisieron ofrecerles un buen contrato. El álbum no vendería muchas copias, a finales de 1972, la banda ya no existía.

Cod: #1039

24 oct 2013

Alas - Alas (1976)

Unas de las movidas fundamentales en el rock anglosajón de los primeros años '70 fue la corriente progresivo-sinfónica, simbolizada por grupos como Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer que le habían dado al género una nueva proyección, al incorporar elementos de música clásica y de jazz. Eran, también, días de notables avances desde el punto de vista tecnológico: nuevos y sofisticados teclados, como el mellotron y el sintetizador, permitían emular los sonidos de una orquesta y también crear nuevas texturas sonoras, que desafiaban el antiguo monopolio de las guitarras eléctricas como instrumento dominante del rock.

El períoso que va de 1973 a 1977 marcó paralelamente un salto evolutivo para el rock nacional, con la formación de varios grupos adhirieron a la movida progresivo-sinfónica. Surgieron bandas como Ave Rock, Madre Atómica, Om, y Aschábel, entre otras, que dejaron su marca en el circuito progresivo local, aunque su repercusión no haya trascendido el ámbito de los entendidos. Pero sin duda hubo tres grupos que tomaron la delantera en términos de logros musicales y de aceptación popular: Espíritu, Crucis, y Alas.

El trío Alas nace en la parte final de 1974, tras el alejamiento del trompetista y cantante Gustavo Moretto de Alma y Vida, banda que había sido pionera de la fusión jazz-rock en Argentina. Es entonces cuando Moretto concibe un nuevo grupo, para el que convoca al bajista y guitarrista Alex Zucker, que venía de tocar con Montes y de acompañar a Pedro y Pablo en el álbum Conesa y a Carlos Riganti, ex baterista de Materia Gris, banda que venía de registrar la obra conceptual Ohperra Vida De Beto en EMI.

Desde el vamos, Alas concibe una música de gran riqueza técnica, Un sonido elaborado que tenía como base los múltiples teclados de Moretto y que, en su temática, exploraba las posibilidades de la cruza del rock progresivo-sinfónico con elementos de tango y folklore. Entrevistado por la revista Expreso Imaginario, en julio de 1977, Moretto decía: ''al principio, lo único que nos propusimos fue formar un conjunto que sonara bien y que tuviera algunos aspectos nuevos, especialmente los arreglos. Luego llegamos a una conclusión de que, si bien no podíamos negar para nada lo que habíamos hecho hasta entonces, ni podíamos pasar por alto la música que en este momento mueve al mundo, teníamos que reflejar de alguna manera lo argentino''.


Alas tuvo un consagratorio debut en el teatro IFT de Buenos Aires y poco tiempo se embarcó a una breve gira por las principales ciudades del país, antes de su debut discográfico en EMI, producido en 1975, con un simple que contenía los temas ''Aire (Surgente)'' y ''Rincón, Mi Viejo Rincón''. 

A mediados de los 1976 aparecería el álbum debut de Alas, que llevaba el nombre del grupo cómo título del álbum. El larga duración estaba integrado por dos extensas composiciones, ''Buenos Aires Sólo Es Piedra'' y ''La Muerte Contó El Dinero'', divididas en varios sub-temas. n la primero predominaba una sensibilidad tanguera, mientras que la segunda estaba basada en un ritmo vidala. Moretto, por su parte, reconocía que el elemento folklórico estaba tamizado por el entorno urbano: ''Como ninguno de nosotros vive en el campo, lo más lógico era buscar un folklore de la ciudad que vivimos. Quisimos producir una música que fuera reconocible como perteneciente a Buenos Aires''.

Esa exploración musical que fuera una constante a lo largo de toda la carrera de Alas, sería llevada a nuevas dimensiones con la incorporación, como músico invitado, el bandoneonista Daniel Binelli. Además, en octubre de 1976, Alas se presentó con gran repercusión en el teatro Coliseo de Buenos Aires, acompañados por tres bandoneonistas: el propio Binelli, Juan José Mossalini y Rodolfo Mederos, quienes habían sido compañeros del primero en la orquesta del maestro Osvaldo Pugliese, adems de integrar el grupo de Mederos, Generación Cero.

Con el éxodo de Alex Zucker a Estados Unidos y su reempazo por un muy jóven Pedro Aznar (que venía de Madre Atómica) Alas habría de emprender un nuevo rumbo en su carrera. De su etapa musical, sin embargo, quedaba como testimonio este álbum debut, una de los hitos icuestionables del rock progresivo-sinfónico rioplatense. 

Reseña por Alfredo Rosso

Cod: #1228

20 oct 2013

Flaming Youth - Ark 2 (1969)

Flaming Youth, catalogados como “an obscure British rock group“, fue un grupo británico , conocido mas que nada por que Phil Collins fue parte del mismo, entonces de 18 años de edad. La banda estaba formada por el tecladista Brian Chatton (19 de julio de 1948, Bolton , Lancashire , Inglaterra ), Ronnie Caryl en el bajo eléctrico y guitarra, Gordon Smith en la guitarra y el bajo, y Collins en la batería. Hacia el final del grupo, Rod Mayall se unió brevemente en el órgano.

El grupo lanzó un álbum ‘’Ark 2’’ , en 1969, antes de separarse. Un disco influenciado por la atención mediática de esa época en relación al tema de la “Era Espacial”, un álbum conceptual basado en una idea de posible evacuación de los habitantes de un casi muerto Planeta Tierra.

Si la banda hubiera sido más psicodélica, el sonido que hubiesen alcanzado se parecería al de ‘’Touch’’ (banda estadounidense, también proto progresiva, pero mas psicodelica), ya que también elaboran un sonido proto progresivo de alto despliegue y gran elaboración, aunque poco tienen de alucinaciones y viajes cósmicos. Flaming Youth arma un rock proto progresivo que se diluye más que nada en la mezcla de pop rock, toques de jazz, baladas, algunos sonidos sinfonicos y un condimento especial que es el de las grandes voces que aportan al sonido un condimento especial.


No es una obra icónica, pero creo yo que tiene su gran atractivo, por buenos momentos proto progresivos, por ser una obra un tanto osada que, y aunque no alcanzo un gran éxito comercial, aporta su sonido único, repleta de alucinantes coros y grandes melodías, un experimento pop proto progresivo, que deja algunas piezas atípicas pero increíbles como ‘’The Planets’’, y la alucinante pieza proto progresiva ‘’Weigthless’’. 

Hoy, Ark 2, sólo queda como el recuerdo de ser el primer trabajo de Collins pre-Genesis, y creo haber leído que él reconocía como su peor momento musical, aunque, si bien es cierto no es una gran obra maestra, este disco es mucho más real, natural o “sincero” que mucha de su actual música. 

Al disco le siguio la grabación de un single, “Man, Woman, and Child”. Aunque después de una breve gira, el grupo se disolvió. Collins y Ronnie Caryl audicionaron para Genesis el año siguiente, aunque Caryl no tuvo éxito. Caryl más tarde toco conCollins como guitarrista en sus giras en solitario. Collinstambién se mantuvo en contacto con Chatton, tocando en por lo menos una canción del segundo álbum de la banda Boys Don't Cry.

Cod: #1070

18 oct 2013

Bubu - Anabelas (1978)

Daniel Andreoli, compositor de Anabelas, cuenta la historia de Bubu.
Para hablar de la génesis de Bubu, tenemos que situarnos en el tiempo y espacio.  Era una época muy creativa, no sólo en la música sino en el cine, en las letras, en la plástica… Éramos hijos de la generación del instituto Di Tella y teníamos un gran marco de referencia artístico, además de sentir el espíritu de libertad que uno respira a los veinte años. A esa edad nos conocimos con Jorge “Monin” Liechtenstein, quien por entonces era el baterista de Orion’s Beethoven. Con él nos juntábamos a tocar en su casa de Belgrano. Y ahí se fueron sumando Ricardo La Civita en flauta, Sergio Blostein en guitarra, Noel Reyes en violín, el futuro cantante y líder de Suéter, Miguel Zavaleta, en voz y más tarde Wim Fortsman en saxos.

Por ese entonces nos llamábamos Sion. Éramos muy jóvenes y la banda sacaba chispas; todos queríamos estar en el centro, pero había alguien que tenía la cabeza muy clara y sabía cómo se hacían las cosas, y ése era Wim. Un día me llevó aparte y me dijo: “mira, Daniel: esta música hay que volcarla en partituras, hacer un casting, empezar a a probar gente y que toquen los más idóneos.”

De todas maneras a esa altura el grupo original se estaba disolviendo por distintos motivos. Reyes estaba por irse a Estocolmo, Blostein trabajaba como músico profesional; en fin, cada uno estaba tirando para su lado. Entonces a Wim le cupo la tarea de armar el nuevo grupo, que fue Bubu.

Allí empezo un nuevo ciclo. Lo primero que se hizo fue buscar un lugar de ensayo y llamar gente. En ese mismo momento a mí me sale una beca del Collegium Musicum para profundizar mis estudios musicales. Yo tocaba el bajo en Bubu, pero ésta no era una música que se pudiese tocar sin estudiar varias horas al día: era necesaria una disciplina. Yo no quería perder la oportunidad del Collegium porque mi fuerte era la composición. Entonces, aunque me encantaba, tomé la decisión de dejar de tocar para dedicarme a componer. Hasta ahí había compuesto lo que es la primera par del disco de Bubu, “El cortejo de un día amarillo”, que contiene la “Danza de las atlántidas” y “Locomotora Blues”. Ya estaban las partituras individuales de los músicos y todo. Mi Rol de bajista lo cubrió Edgardo “Fleke” Folino y en lugar de Sergio Blostein entró el guitarrista Eduardo Rogatti, quien años más tarde tocaría con Juan Carlos Baglietto y León greco, entre otros.

Por su parte “Monin” fue suplantado por Eduardo “Polo” Carbella, ex miembro de los Pisk Ups y más tarde integrante de los Abuelos de la Nada, quien había tocado también conmigo cuando éramos chicos, ya que fuimos vecinos. Ingresaron Cecilia Tenconi en flauta, Sergio Polizzi en violín y continuó Miguel Zavaleta como cantante. De Miguel guardo un recuerdo muy especial, porque si no hubiese aportado todo su humor y toda su escenografía, hoy no estaríamos hablando de esta música. Tal vez todo hubiera terminado en una sala de ensato. Porque lo que atraía a la gente era una combinación entre la música de Bubu en sí y todo el despliegue que había sobre el escenario, y esto era un aporte innegable de Zavaleta.


En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.

Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.

Las composiciones de Anabelas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violìn y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero.

Hubo un desgaste natural en la banda porque, si bien Bubu se presentó varias veces en vivo, la grabación del álbum se fue postergando más y más y eso contribuyó al deterioro grupal. 

Para colmo la salida del disco también sufrió una larga demora, de forma tal que cuando finalmente Anabelas aparece, en 1978, ya bubu prácticamente no existía. Ese desgaste que mencionaba tuvo mucho que ver con la salida de Zavaleta. Su relación con Wim a esa altura no era la mejor. Igual participó en dos sesiones de grabación, pero sintió que no podía continuar y decidió irse. Pero insisto: Miguel forma parte del alma de Bubu por más que el disco se haya hecho sin él.

A esta altura no quiero olvidarme de elogiar la labor de Petty Guelache, porque no era fácil calzarse los zapatos de Zavaleta y Petty, en un par de sesiones, metió las voces y lo hizo bien. Y también quiero mencionar a Daniel Grinbank –quien daba sus primeros pasos como manager- porque nos apoyó siempre y fue muy importante para el crecimiento de Bubu.

Viéndolo ahora, con la perspectiva que da el tiempo transcurrido me habría encantado que 
Bubu hubiese grabado un segundo disco, como estaba previsto en nuestro contrato pero, claro, ya el entorno social se había vuelto caótico. Varios de los músicos decidieron continuar sus carreras en el exterior, los que se quedaron se embarcaron en nuevos proyectos musicales y así la idea de continuar con el grupo se fue diluyendo poco a poco. Por mi parte, yo he seguido componiendo todos estos años y tengo una serie de trabajos que espero poder editar en un futuro cercano.

Nunca imaginé, en aquel entonces, que la música de Bubu obtendría el respeto del que hoy tiene en el circuito de rock progresivo internacional, donde se la conoce a través de ejemplares del viejo disco de vinilo, que ya es pieza de coleccionistas. Por eso me pone muy feliz que Anabelas finalmente aparezca en forma oficial en forma de CD.

Entrevista a Daniel Andreoli por Alfredo Rosso, enero del 2007

Cod: #1155

17 oct 2013

The Nice - The Thoughts Of Emerlist Davjack (1967)

En 1967, tras pasar por varias bandas, el pianista con formación clásica Keith Emerson forma ‘’The Nice’’, que se convertiría en uno de los grupos pioneros en la fusión del rock y la música clásica, fue un embrión que marcó la época y plasmó el camino hacia el tránsito de nuevos sonidos que en un futuro surgirían. Con el deseo de desafiar los límites de la música popular, Emerson forma y lidera una banda acompañado Lee Jackson en el bajo y en las voces, Brian Davison en la percusión y la batería, y David O'List (más conocido como "Davy") en la guitarra.

Esta banda comenzó su carrera en 1967; impulsados por el ansia de innovar, los cuatro músicos se diversificaron, utilizando y combinando música clásica, jazz, blues y rock para forjar un sonido nuevo y dinámico, su propio sonido; y pronto alcanzarían la fama en la escena europea. Las presentaciones en vivo de The Nice eran auténticas puestas en escena, especialmente por los actings de Keith Emerson, quien se encargaba de revolar su hammond, saltando sobre el mismo, tirándoselo encina, clavandole cuchillos entre las teclas, un despliegue más que controversial pero típico de una época en la que las actuaciones frenéticas brillaban por su presencia. Jimi Hendrix los invitaría a ser parte de una gira tras verlos actuar en vivo. 

Según el mismo Keith Emerson, esos frenetismos en los vivos fueron inspirados por su confeso ídolo Jimi Hendrix, quien evidentemente hacia usos de despliegues muy particulares en sus presentaciones, y por influencia de otro personaje, ya no tan conocido, apodado ‘’Don Shinn’’, quien propuso en la misma época algunos sonidos similares a los de The Nice, fusionando melodías clásicas a sonidos de rock impulsados teclados hammond, Emerson tomaría mucho de allí para inspirarse en sus sonido.

"Tuvimos suerte", recuerda O'List. "Jimi Hendrix vino a uno de los conciertos y nos invitó a una gira". La "primera gira psicodélica" de Gran Bretaña llegó en 1967, 40 minutos para Hendrix, 17 minutos para Pink Floyd, 12 minutos para ellos, convirtieron a The Nice en cabezas de cartel. ¿Cómo clasificar el sonido original The Nice? Era psicodélico, con letras espaciales y solos de guitarra a lo Hendrix por O'List. Pero Hendrix era provenia del blues y The Nice no tenía eso. "La política básica del grupo es que somos un grupo europeo", explicó el cantante principal Jackson en una entrevista con International Times, en 1968. "Entonces, estamos improvisando en estructuras europeas. La improvisación puede estar relacionada con cualquier forma de música. No somos estadounidenses negros, por lo que no podemos improvisar y sentir de la manera que ellos pueden.’’


Pronto llegaría ‘’The Thoughts of Emerlist Davjack’’, el álbum debut del grupo, lanzado ese mismo año de 1967, y al momento logró un gran éxito, a menudo se lo considera como uno (sino el primero) de los primeros álbumes de rock progresivo; su curioso título se forma por la compresión de los nombres de los componentes del grupo, Emer (Emerson), list (O'List), Dav (Davison), jack (Jackson).

En este trabajo, la banda desarrolla un sonido que primeramente es psicodélico, apegándose a los estándares del rock psicodélico del momento. Los primeros tres temas del disco son las tres composiciones más sencillas del disco, dentro de un pop rock psicodélico bastante entretenido y pegadizo, típico de la época. Tres aciertos de rock psicodélico que trataban de aunar a sus filas sonoras las características más llamativas de la época, bases frenéticas y pegadizas, arreglos en guitarra eléctrica distorsionada, melodías pegadizas, etc.

Si hacemos de cuenta que no conocemos la carrera y el virtuosismo Keith Emerson y sus posteriores desarrollos, y nos quedamos con esos primeros temas, encontramos un sonido que, a priori, no nos deja ver aun los entretelones de lo que se estaba gestando, por detrás, en la banda, y lo que surgiría a futuro. Las ambiciones musicales del grupo no quedarían allí, en la creación de singles o hits, los músicos impulsaron la innovación, especialmente por las ideaciones y ocurrencias de su líder, Keith Emerson, proponiendo una música en la que poco a poco se hacen presentes distintos arreglos en teclas que denotan una formación ulterior al mero rock y una investigación musical que trasciende la esferas del género.

Significativa es la aparición de ‘’Rondo’’, el cuarto tema del disco, acerca del cual podríamos decir, precipitadamente, que ‘’se trata de un sonido proto progresivo!’’, pero antes de esto vale aclarar que el origen de esa composición proviene del jazz, el nombre completo de la pieza es ‘’Blue Rondo A La Turk’’ y fue publicado en el disco ‘’Time Out’’, de 1959, por The Dave Brubeck Quartet (Dave Brubeck sería uno de los ídolos musicales de Keith Emerson). 


The Nice reinterpreta ‘’Rondo’’ no solo como una remembranza hacia una gran pieza del pasado o por el uso de una pieza que fuera del gusto del público, el grupo reinterpreta y transforma esta pieza proveniente del jazz, convirtiéndola en una canción de rock, convirtiendo su tiempo de 9/8 a 4/4, agregándole un intermedio frenético de improvisaciones que incluye solos de guitarra eléctrica, más una intervención, también bastante frenética, del hammond de Emerson aplicando melodías clásicas al medley interno de la pieza. Un sonido que rompe con muchas estructuras de la musica rock de la época y se presenta como una de las primeras piezas de rock donde se incursiona fusionando jazz y musica clasica. Esta version sería interpretada por Keith Emerson incluso aun en los primeros años con ‘’Emerson, Lake And Palmer’’, banda que crearía tras el declive de The Nice.

A partir de allí, el disco prosigue por la misma senda de frenetismos rockeros, explosiones, arreglos extraños al igual que las estructuras, aplicaciones rápidas de melodías clásicas en con teclados hammond, psicodelia bastante adornada; siguen por la senda de romper con algunos estándares compositivos y sonoros. Para finales de los 60, la psicodelia dominaba y el rock estaba impregnado de guitarras distorsionadas. Por ello el mérito del precoz Keith fue notable, al asumir el riesgo de liderar una banda desde otro costado, armado de su modelo L-100, que había adquirido siendo un adolescente.

El sonido de The Nice, asi como el de Keith Emerson en general, siempre ha sido un tanto controversial, debido especialmente a sus fusiones de rock con música clásica, logrando, por ejemplo, el enfado de varios, por su versión de la canción "América", que compuso Leonard Bernstein para la pelicula "West side story", y que Keith la tocaba de forma arrolladora en vivo. El 5 de junio, después de que dispararon a Robert F. Kennedy, Emerson pensó en el poder alegórico de "America". "Si Bob Dylan puede hacer canciones de protesta, ¿por qué no podriamos hacerlo?", Se preguntó. "Podría ser la primera protesta instrumental". 

Convertido en trío tras la salida de O’List, The Nice publica ‘’Ars Longa Vita Brevis’’ en 1968, consolidando se propuesta sonora, adaptando al rock ‘’Karelia Suite’’ del compositor finlandes Jean Sibelius, y creando una larga suite homónima, ‘’ Ars Longa Vita Brevis’’, de 19 minutos. Eran los tiempos de la psicodelia, el rock ácido y el folk rock, y nada ni nadie sonaba como The Nice. Las semillas de un nuevo rock, más complejo y sofisticado, ya habían sido tiradas al aire.

Cod: #1033

8 oct 2013

Almendra - Almendra (1969)

Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings (formadas por compañeros de distintas divisiones) nació Almendra allá por 1967. Este grupo es considerado miembro de una trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal.

El primer simple, "Tema de Pototo" / "El mundo entre las manos", fue lanzado en septiembre de 1968 y la repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda.

Los primeros shows fueron en Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. «Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos de lamé y corbatita. (...) Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas», relata Del Guercio (E.Abalos, pag 100).

En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP ("Almendra", 1969) y, casi inmediatamente, el segundo disco, de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos. A fines de 1970, Almendra se disolvía. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de ese año, ante 10.000 personas.

Almendra fue corta pero muy intensa -comenta Del Guercio-. Igual fue un corte medio abrupto para la gente, porque cuando nos separamos se estaba generando cada vez más adhesión hacia nosotros» (E.Abalos, pág 102).

Los historiadores del rock en Argentina convienen en aceptar que Los Gatos, Manal y Almendra constituyen los pilares del "Rock Nacional". Surgidos en un momento en que la música joven se llamaba "beat" (como lo prueba el título del 4to LP. de Los Gatos, "Beat Nº1"), sufrieron la influencia del pop inglés, el que, encabzado por los Beatles y Rolling Stones, terminó por desplazar del gusto juvenil la hasta entonces exitosa "nueva ola" representada por los miembros del Club del Clan.


 Si Los Gatos eran herederos directos del pop y Manal del blues, Almendra con sus bellas melodías y letras surrealistas porducía un impacto desde lo inusual de la tapa de su LP. Hasta la ausencia del artículo antepuesto al nombre del grupo. Los que no eran ni "los" ni "la", sino simplemente "Almendra" eran resultado de la decantación de grupos anteriores, Los Larkings,  Los Esbirros y Los Masters, donde -en un momento u otro- figuraron los integrantes del conjunto: Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari, Carlos Emilio del Güercio y Rodolfo García.

Una nueva generación de músicos desde la legendaria "Cueva" de la calle Pueyrredón, intentaba reflejar una realidad cotidiana ausente en la música popular desde el tango. Y tanto en Manal, Moris, Miguel Abuelo, Billy Bond, Tanguito, Alma y Vida, Vox Dei eran lanzados al mercado por el sello independiente Mandioca (creado por Jorge Álvarez a imagen y semejanza del Apple de Los Beatles), Almendra accedió a Vik, sello subsidiario de RCA Argentina que se preocupó de absorber a muchos de los artistas mencionados cuando los integrantes del Club del Clan terminaban de abandonarlo al ascender al pendaño de la consagración para grabar directamente con RCA Víctor.

 Almendra no pudo sustraerse a la confusión generalizada típica de los tiempos de transición. En tanto la prensa especializada comenzaba a hacer distinciones entre "música progresiva" y "música complaciente", el singles debut del grupo "Tema de Pototo" no lograba la difusión necesaria y adquiría notoriedad grabado por Lenoardo Favio. El segundo single, "Hoy todo el hielo en la ciudad" era también ignorado, en tanto se colocaba en los primeros puestos del ranking peruano gracias a la aparición de Almendra en el Festival de Ancón, representando a la música argentina.

La populariad de Almendra quiérase o no, llegó al igual que la de Donald, gracias a una publicidad televisiva,  cuando ''Muchacha (Ojos de papel)'' fue usada para promover una marca de telas, tal vez por la detección por parte de un creativo publicitario del verso ''muchacha , pies de rayón''  

A partir de allí, el público aceptó sin reparos la propuesta de Almendra obviando un particular manejo del lenguaje ''y el ave aquel'' (en lugar de ''y el ave aquella'', en ''Fermin'') o un conspicuo error de acentuación: ''Plegaria para un niño dormido'' o ''Figuraté, que pierdes la cabeza'' (en ''Figuración''), y muy probablemente productor de un ''yeiteo'' en inglés, idioma - como francés - predominantemente agudo en sus versos, así como el italiano es esdrújulo, en contraposición al castellano predominantemente grave. Esta muletilla marcó al ''rock nacional'' en su segunda generación, cuyo representante más notable fue Sui Géneris, hasta el advenimiento del ''Rock Argentino'', cuando a partir de Virus el castellano fue ingeniosamente aprovechado. 

Con el paso de los años, la poesía de Almendra ha mantenido su frescura y su vigencia convirtió al grupo en objeto de culto para las nuevas generaciones. Esta colección pretende devolver, en el formato del compact- disc, el legado muical de uno de los conjuntos más destacados del rock en Argentina.

Cod: #1205