31 dic. 2013

Brainticket - Cottonwood Hill (1971)

Brainticket fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África. 

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. 

Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Amanecer Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión, Werni Prahlach en bajo y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodelico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acides que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgico extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgasmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados…


Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de Brainticket como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut. También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: “No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a Brainticket un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.”

Cod: #1165

29 dic. 2013

East Of Eden - Mercator Projected (1969)

‘’East of Eden’’ fue un grupo británico de rock progresivo formado en Bristol, Inglaterra, en 1968, que alcanzo un top 10 Top en el Reino Unido con el sencillo , " Jig-A-Jig ", en 1971, pista incluida en su tercer álbum. Originalmente se llamaron “Pictures of Dorian Gray”, hasta que en 1968  trasladan a Londres, donde firman un contrato de grabación con Deram. Es ahí cuando cambian su nombre tan lírico por el mas cinematográfico “East of Eden”.

‘’Mercator Projected’’ fue su primer álbum y en realidad el mejor que han lanzado, dentro de los varios discos que han lanzado. La banda no tenía una formación constante, pero en este álbum, el grupo estaba formado por el violinista y flautista Dave Arbus, el saxofonista Ron Caines, el guitarrista y vocalista Geoff Richardson, el bajista Steve York y el baterísta Dave LaFont. 

Todo el álbum nace de una combinación exótica de psicodelia, sonidos orientales, country, rock progresivo temprano y jazz-rock, aunque es el rock más duro el que ensambla las bases de las composiciones y de hecho el que los caracteriza en sus siguientes albums. A partir de esa base, los temas surgen es una explosión mágica y muy versátil, una combinación exótica que fluye, mediante una performance magistral, hacia altos climax exploratorios… en estados post psicodélicos, progresivos tempranos y un art rock único. Una obra fascinante no apta para oidos obtusos y de mentes estrechas, aquí hay que escuchar atentos, posiblemente por momentos su propuesta suene algo desfasada, pero es la mezcla de colores y los sonidos particulares que alcanzan, lo que hacen de este un disco de culto.


El álbum contiene un sin fin de temas altamente originales, el pesado "Northern Hemisphere", los mas atmosféricos y expansivos "Bathers", "Waterways" y "Moth", y el alucinante ‘’ In The Stable Of The Sphinx’’, una pieza genial que combina todas las características nombradas del disco, una grabación relativamente extensa, que contiene en medio, para un delirio total de los oídos, un atasco psicodelico ruidoso alucinante. En esta reedición en cd se puede escuchar una versión temprana del mismo tema, en la cual se aprecia la inclusión de melodías tomadas de un tema de Jimi Hendrix, ‘’Third Stone From The Sun’’.

Algunos atascos a los que llegan en combinación de flautas y saxos, hacen acordar mucho a momentos de Soft Machine, y la participación oscura y perdida del violín recuerdan mucho al disco ‘’Precious Cargo’’ de ‘’High Tide’’.

En 1970 lanzarian 'Snafu', que fue el último disco que lanzaron con Decca. A partir de ahí editaron varios discos con Harvest de EMI, que parecían más destinados a vender que a producir buena música, el grupo pasó de ser una banda de culto a un grupo del montón.

La banda se separó en 1978 despues de haber sufrido muchos cambios en su formación.  Los tres miembros principales (Arbus, Caines y Nicholson), se reunieron en 1996 y lanzaron Kalipse al año siguiente.

Cod: #1072

24 dic. 2013

Pappo's Blues - Volumen I (1971)

Reseña escrita por Alfredo Rosso:

‘’Estamos en el tiempo en el que el ser humano vive con razón de ser’’ decía Pappo en ‘’el hombre sub urbano’’ y la frase se aplica perfectamente a su autor, porque la razón de ser de Pappo era el blues y la herramienta para darle forma, su guitarra. Pappo sabía de qué estaba hablando, ya que estuvo allí desde el principio, al punto que es posible seguir la trayectoria del rock nacional con solo recorrer su biografía. Formó parte de los Abuelos de la Nada originales y - al irse Miguel Abuelo para continuar como solista- tomó el timon del grupo el tiempo suficiente como para dejar grabado ‘’La estación’’, ese gran blues que ostenta su firma, su voz y su guitarra. Más tarde integro el cuarteto trunco que podría haber sido ‘’Manal’’, y paseo su temprano profesionalismo por ‘’Conexión N°5’’, antes de transformarse en pieza clave en la evolución de ‘’Los Gatos’’, del pop predominante en sus primeros tres albums al musculo más rockero de ‘’Beat N° I’’ y ‘’Rock de la mujer perdida’’.

Sin embargo, quienes lo vimos en el Luna Park, en Junio de 1970, colorear la notable zapada de ‘’Fuera de la ley’’ de Los Gatos, o en una soleada tarde de Noviembre de ese mismo año, trepado al riff poderoso de ‘’Can you see me?’’ de Jimi Hendrix, en el primer festival de B.A. Rock, intuimos que Pappo estaba para mas. Habia en el miles de notas por ser articuladas y muchas palabras por ser pronunciadas.

La espera fue corta: el sello Music Hall empezaba a abrirle las puertas al rock –una movida apadrinada por la impronta visionaria de Jorge Alvarez- y 1971 veria el debut de ‘’La Pesada del Rock and Roll’’ y la aparición del primer álbum de Pappos Blues.


El secreto de un power trio es el equilibrio de su química interna y en este sentido tanto David ‘’Davis’’ Lebon como Black Amaya resultaron ideales. Bajista y baterista supieron acompañar a Pappo palmo a palmo, lo acompañaron en sus excursiones sonoras, dialogando con él, sin jamas meterse en medio.

A Pappo, como a Hendrix, su maestría como guitarrista opaca el reconocimiento de sus otras habilidades. Es cierto que el ‘’Carpo’’ no tenía el registro más amplio del universo, pero lo que le faltaba en el rango vocal lo compensaba en expresividad, escuchen el tono ironico-existencial que adopta su voz en ‘’El viejo’’, el dejo de bronca resignada que salpica ese retrato de rutina e intemperancia de ‘’El hombre sub urbano’’ o la queja impaciente  de ‘’A donde esta la libertad’’, filosófica pregunta que en aquel momento de gobierno militar, censura y represión nos hacíamos todos los argentinos.

Un elemento clave que contribuyo a hacer de Pappos Blues el álbum clásico en el que se convirtió es su diversidad. Aprecien, en este sentido, la brutal energía de este testimonio renovación espiritual que inicia el disco ‘’Algo ha cambiado’’, con sus solos despiadados y la mas creativa utilización del pedal wah wah que registre del rock de estas costas. Y como prueba final del interplay creativo entre Pappo, Lebon y Black propongo la intensidad claustrofóbica de ‘’Especies’’, un temprano ejemplo de hard-blues con tono psicodélicos.

En 1971 el rock argentino lamentaba la disulucion de sus tres grupos fundacinales: Manal, Los Gatos y Almendra pero, al mismo tiempo, le daba la bienvenida a una nueva camada de bandas que mantendrían viva su llama. Entre ellas brillaba, con propia luz, Pappos Blues.

                             Cod: #1025

11 dic. 2013

The Freak Scene - Psychedelic Psoul (1967)

‘’The Freak Scene’’ fue una creación de Rusty Evans, un guitarrista, compositor y cantante de folk ostensible, responsable de varios álbumes de "bandas" que eran, en realidad, Evans y un grupo de músicos de estudio.  ‘’The Freak Scene’’ fue el segundo de sus grupos de pop-psych, siguiendo los pasos de ‘’The Deep’’, y con muchos de los mismos músicos que habían tocado con el en el álbum que grabaron con dicha banda, por lo tanto el sonido que alcanza con este nuevo emprendimiento se planta en bases similares a sus proyectos anteriores, con los cuales buscaba sacar provecho de las tendencias psicodélicas imperantes. 

Aunque también el disco tiene su costado espiritual o cósmico, reflejado en las alocadas letras y los lisérgicos sonidos, mezclando dadismo, psicodelia, hinduismo, exploración lisérgica, influenciado por un movimiento que estaba en auge y en el cual se habían masificado las búsquedas espirituales en general, exploración de realidades metafísicas a través de drogas que alteran la mente, religiones orientales, ver la vida desde un punto de vista más existencial, etc. En ese sentido el álbum estaba destinado a captar la atención de jóvenes y adolescentes (o publico en general) errantes que buscaban integrarse a toda esta nueva oleada psicodélica…

‘’Psychedelic Psoul’’, de 1967, fue el único álbum que lanzaron con la banda, un trabajo que, pese a que tiene su costado comercial, también posee su atractivo único, es como una especie de excursión o exploración acida y psicodélica de estudio, llegando a alcanzar sonidos muy atípicos, que se desarrollan en medio de un sonido garagero característico, folk psicodelico, mezclado con pop/rock psicodelico, y algunas melodías indias mezcladas por ahí. También juegan con algunos efectos de sonido y mezclas con las cintas.


Los temas son muy atípicos, las guitarras son muy hipnóticas y rudimentarias y pareciera que las voces surgieran de un recinto distinto al que estamos acostumbrados, como provenientes de un viaje acido en su momento de mayor éxtasis y caos, en donde todo estalla entre si y la nada es la razón de todo. También juegan con algunos efectos de sonido y mezclas con las cintas, como es el caso de ‘’A Million Grains Of Sand ‘’, o el alucinante ‘’Grok!’’.

En muchos aspectos, este álbum supo dejar su huella única, adelantados algunos años en algunos elementos que implementaron, por las composiciones atípicas, por las exuberante mezcla que logran en el sonido, por ser un álbum psicodelico autentico que nació en un momento en el que la psicodelia recién estaba despertando. El álbum resulta una sorpresa muy grata, en tanto a lo que su rareza comprende y deja finalmente muchos temas alucinantes para tener guardados y volverlos a escuchar cada dos por tres.

Cod: #1078

8 dic. 2013

Herbie Hancock - Takin' Off (1962)

 Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop,fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a lamúsica de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.


Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento presente, no el pasado.

‘’Takin 'Off’’ es el álbum debut del pianista de jazz Herbie Hancock como líder, lanzado originalmente en 1962 para el sello Blue Note. La sesión de grabación incluyó a  Billy Higgins a los tambores, Butch Warren en bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, y Dexter Gordon en saxofón tenor.

El debut de Herbie Hancock reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad que desplego un jazz, hard bop claisco, con muy elegante, impregnado por un toque de soul y blues, y con un feeling muy personal, lo que le dio al sonido un rumbo muy especial e hizo alzarlo al standares en el mismo jazz, con por ejemplo con su primer tema de todo su repertorio, el pegadizo ‘’Watermelon Man’’, que se convirtió en un clásico del pianista y en un estándar dentro del jazz.

El resto de los temas de disco quedan irremediablemente eclipsados por un tema inicial tan brillante, pero es que los otros cinco también se han convertido en clásicos y en estándares recurrentes dentro del hard bop, por su estilo refinado y particular. Por eso este estupendo debut en Blue Note se considera un álbum clave en la discografía de Hancock, porque ya permite apreciar sus primeras innovaciones, de cómo en su cabeza quizá ya empezaba a gestarse la revolución del jazz fusión y, por supuesto, todas las novedades que introdujo en el hard bop. 

El álbum fue re lanzado en CD en 1996 con tres tomas alternativas y remasterizada en 2007 por Van Gelder. La edición 2007 cuenta con nuevas notas por Bob Blumenthal.

Código: #1021

6 dic. 2013

Almendra - Almendra II (1970)

He aquí, el segundo disco de Almendra, banda de la cual ya hemos subido su primer trabajo. Por si alguien no lo sabe y ni lo ha leído en el primer post que hemos hecho sobre esta alucinante banda, Almendra fue una banda creada, en su comienzo, por cuatro adolescentes, los cuales se conocían por ser compañeros del Instituto San Román: Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz),Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería).

Almendra vio la luz en 1967, en el barrio porteño de Belgrano, y ya desde sus comienzos comenzaros con una andanada creativa ultra precoz para sus edades, en especial por el mismísimo Spinetta, que a los 18 ya estaba componiendo temas muy profundos y maduros como ‘’Tema de Pototo’’, ‘’El mundo entre las manos’’, ‘’Hoy todo el hielo en la ciudad’’, entre  tantos otros. Tal fue su despegue que lograron alcanzar un lugar de elite entre las bandas de su época y entre las mismas bandas fundadoras del denominado rock argentino.

Su debut no se dejó esperar más, hasta que en 1970 lanzan su primer álbum, repleto de temas fundacionales y emblemáticos, cuasi adolescentes pero con templanza y firmeza, así como también dulzura e inocencia, incomparables.

Pero en este caso nos vamos a centrar en su segundo disco, el que lanzaron  para 1971, un disco doble que nació de las cenizas de una ópera rock fallida, incluso el mismo disco comienza con su ‘’Obertura’’, el cual hubiese abierto la potencial opera fallida. Este segundo álbum, llamado igual que el primer disco, ‘’Almendra’’, se presenta no tan fácilmente como los primeros sonidos a los cuales tenían acostumbrados a su público, esta vez denotan tal vez cierta madurez, melodías más desestructuradas que comienzan a marcar el camino a seguir de los músicos, especialmente el de Luis. 

En este trabajo pareciera que la banda girara el timón en medio del océano, casi a la deriva, sin un destino prefijado, ni melodías fáciles de asimilar. Este disco doble es introspectivo, lejos ya de aquellos primeros años adolescentes. Una propuesta más compleja pero menos rigurosa. 


Este disco doble marca el final de la banda, la cual no llega a estrenar la anunciada "Opera", en la cual venían trabajando y donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, lamentablemente la obra quedaría inconclusa ante la separación de la banda en el mes de diciembre. Este segundo álbum se construye con temas de esa opera inconclusa y es lanzado en momentos de ruptura de la formación.

‘’Almendra II’’, lanzado 1971, es un álbum de folk rock, es más ecléctico, experimental, disperso y hasta con un tinte muchísimo más rockero e intenso que el primer álbum. El sonido se construye desde el sonido que la banda ya venía trabajando, un folk introspectivo y altamente personal y complejo, sumado esta vez a un rock con toques garageros, que deja un buen sabor. Si bien no es un disco simple de abordar, por otro lado nos muestra otro lado de la banda, más expansivo, que se contrapone perfectamente con lo que venían haciendo y deja de entrever más aun la profundidad creativa, musical y poética de los músicos.

Desde el inicio, ‘’Obertura’’, tema instrumental, o ‘’Florecen los nardos’’, anticipan una ardua tarea que pretende explorar nuevos ritmos con un concepto muy rockero en el que prepondera la guitarra eléctrica, a veces algo desalineada. Canciones que trazan con fuerza un eje central no tan visible, ‘’No tengo idea’’, ‘’Aire de amor’’, ‘’Cometa Azul’’, ‘’un pájaro te sostiene’’, ‘’En las cúpulas’’, ‘’Mestizo’’, ‘’Amor de aire’’ y el clásico ‘’Rutas Argentina’’. Por su lado: ‘’Camino difícil’’, ‘’jingle’’, ‘’vete de mí’’, ‘’cuervo negro’’, ‘’verde llano’’ (estas dos últimas lindantes con el jazz) conservan en parte el espíritu del álbum anterior pero con textos no formulados sobre la base de un discurso claro. En ‘’Para ir’’ y ‘’los elefantes’’ Spinetta muestra la punta de un iceberg de lo que será su definida identidad musical, composiciones muy representativas de ese particular estilo propio. 

Excepto en raras ocasiones se eliminan los arreglos corales que alivianaban el resultado final: ‘’Parvas’’ o ‘’leves instrucciones’’. En el caso de la infinita ‘’Agnus Dei’’, las melodías se suceden entre acordes semiarábigos, guitaras acústicas planas y eléctricas para los solos. El sendero de experimentación reflejado en ‘’Carmen’’ o ‘’Toma el tren hacia el sur’’, alcanzara su forma final con el futuro trabajo solista de Luis, ‘’Spinettalandia y sus amigos’’,
"Almendra no se divide, se multiplica", la frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país. Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); y Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre.

La reunión de 1979-1981: La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado. ‘’Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada", Rodolfo García.
Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas, una convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.

Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se realizaran: ‘’(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.’’, Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores, 4 de diciembre de 1979.

Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982.

En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.

La reunión de 2009: la siguiente reunión se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un recital donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un espectáculo que duró más de cinco horas denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.

Cod: #1028

1 dic. 2013

Pablo El Enterrador - Pablo El Enterrador (1983)

La banda nace en la ciudad de Rosario entre los años 1971 y 1973, su formación inicial incluía a Jorge "Turco" Antun, Carlos"Koki" Andon Brandolini, Juan Carlos Savia, Rubén Goldín y Lalo de los Santos.

Cultores del rock sinfónico con elementos folk, su debut se produce durante 1973 en la segunda fecha de la Organización Independiente Rosarina de Rock. Pasado un tiempo, la banda se reorganiza incorporándose José Maria Blanco en voz líder, guitarra y bajo, en lugar de Lalo de los Santos que se va a vivir a Bs.As., Omar López en teclados, Marcelo Sali en Batería, y queda desde los comienzos Jorge Antun en teclados.

Estabilizada su formación la banda registrar su primer álbum, grabado en 1979 pero editado finalmente en 1983, pero el escaso apoyo recibido por el sello grabador los decide a rescindir contrato.


Entre 1995/97, trabajan en su segundo disco, "2" (también conocido como "Sentido de lucha") el mayor logro del grupo, dónde varía su estilo a Progresivo Melódico, con toques de folklore contemporáneo, manteniendo la estructura de sus composiciones en piano, voz y una sólida base de batería.

En el año 2001 se produjo la reunión del grupo sin la presencia del tecladista Omar López, que abandonó la banda por cuestiones laborales, Pablo... quedó entonces convertido en trío, conservando sus integrantes originales y efectúa varias presentaciones en el Gran Buenos Aires y Rosario.

Compré el cd, lo mejor es que pude conseguirlo porque es algo incoseguible y lo ripeé, espero que lo disfruten. Este disco se reeditó en 2009. 

Cod: #1208

26 nov. 2013

The Free Pop Electronic Concept - A New Exciting Experience (1969)

Vuelvo a postear este disco, en este caso con la version en FLAC, creo que casi inedito en toda la web, o por lo menos este es uno de los pocos lugares en donde lo vas a encontrar en calidad lossles. 

Este disco nace de la mano de los hermanos Antonio y Fernando Lameirinhas, mas conocidos como Jess and James , portugueses afincados en Belgica, los cuales para 1969 ya tenían experiencia en el soul, rythm, beat y psicodelia, habiendo editado tres disco, algunos bajos el nombre ‘’Move’’.

En este caso emprenden este trabajo experimental e inédito para la época, bajo el nombre ‘’ The Free Pop Electronic Concept’’, que contaba con Fernando Lameirinhas (James) en bajo, Stu Martin en batería, Antionio Lameirinhas (Jess) en guitara eléctrica, Scott Bradforden órgano y el puertorriqueño ‘’Vinagre’’ en percusión y congas, a los que se le suma el apoyo del jazzan Scott Bradford y científico loco y padrino de la electrónica Arsène Souffriau.


De todo eso nace este disco altamente exótico, lanzado en Belgica… en el año 69. Musicalmente es un trabajo instrumental y bastante groovy, de soul/funk y rythm psicoldeico… con toques de jazz, y tal vez un tanto oscura. Los temas se despliegas en jams muy agradables de soul y funk; lo particular nace en que la música esta entremezclada con efectos electrónicos… de principio a fin, bastante delirantes, lo que convierte el sonido en todo un viaje underground experimental, electrónico y hasta espacial.

Los efectos de sonido fueron agregados una vez compuesta la música y tal vez sea por eso que haya cierta desconexión entre los tiempos y los efectos, aunque el disco también tiene sus parte neta de búsqueda sonora, como en el tema ‘’ Free Pop Electronic Theme No. 1’’, que dura 14 min… en los cuales se mezclan distintos efectos d sonido, percusión, guitarras fuzz… creando un ambiente volátil muy cargado y condimentado…  y hasta acido. Este emprendimiento temprano constituye un paso importante en la unión de la música rítmica y los instrumentos electrónicos…

En el 2007, se lanza una re-edicion de 500 copias por el sello Vampi Soul, en dos versiones, digital y vinilo, una de esas 500 copias del cd es la que, por fortuna, he conseguido.

Código: #1022

22 nov. 2013

John McLaughlin - Extrapolation (1969)

John McLaughlin (nacido el 4 de Enero de 1942, Doncaster, Reino Unido, también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70 llamado jazz-fusión o jazz-rock. Sin embargo, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el Flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y desde la década del 70 en adelante con sus grupos "Mahavishnu Orchestra", "The Heart of Things", "Five Pece Band" y actualmente "John McLaughlin y la 4ta Dimension") y con la música clásica (en su "Concierto para guitarra y orquesta" y en el disco "Thieves and Poets").

McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963.

Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.

Antes de trasladarse a USA, McLaughlin lanzo su trabajo ‘’Extrapolation’’, su álbum debut, su primer álbum como líder,  único álbum que grabó antes de unirse a Miles, el cual suena tan fresco hoy como sonaba allá por 1969. Fue grabado en Advision Studios, en Londres, el 18 de enero de 1969 y primero lanzado a finales de ese año por Giorgio Gomelsky's Marmalade Records.


El album cuenta con el subestimado John Surman en el saxo, Tony Oxley en la batería y Brian Odges en el bajo. Este cuarteto explota a través de dinámicas y frescas composiciones de jazz-blues-rock de McLaughlin, con forma de mezcolanza de ritmos inquietos y ganchos irresistibles, un jazz moderno y de vanguardia, con una notoria participación de cada integrante del cuarteto, a los cuales se les permite sobresalirse de las estructuras básicas e ir moldeando constantemente la sesión a su manera. 

El sonido es muy crudo, aunque increíblemente maduro para un álbum debut, las piezas son temáticas, tienen su esencia particular y se funden y unen unas con otras entremezclando toda esa variedad de composiciones, entremezcladas con dulces matices de blues que fluyen en cascada hacia surcos profundos y lugares cambiantes, envueltos un estado de melancolía y desazón, mientras la guitarra de McLaughlin guia los pasajes y los abraza con constantes fraseos con acordes de jazz y exquisitas intervenciones con sus solos.

El álbum no fue lanzado en los EE.UU. hasta 1972, tras el éxito de McLaughlin como el líder de la Mahavishnu Orchestra . La primera versión de EE.UU. y el resto de reediciones posteriores se encuentran en la Polydor etiqueta.

Luego de grabar su primer disco se trasladó a los EE.UU., donde tocó con en el grupo de Tony Williams, ‘’Lifetime’’ y luego con Miles Davis en sus álbumes de jazz-fusión eléctrico In A Silent Way, Bitches Brew, A Tribute to Jack Johnson and On The Corner. 

Luego llegaría unos de sus puntos culmines de su carrera, crearía su banda eléctrica, su Mahavishnu Orchestra, explotando todo su estilo técnicamente virtuoso y complejo que fusiono jazz eléctrico con con progresivo, junto a otros sonidos como ciertas influencias indias.

En 2010 el guitarrista Jeff Beck llamó "el mejor guitarrista vivo". El indio  maestro de tabla, Zakir Hussain lo ha llamado "uno de los más grandes y uno de los músicos importantes de nuestros tiempos". En 2003, se clasifico a McLaughlin, en la revista Rolling Stone, en el puesto 49 º de la lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Cod: #1214

17 nov. 2013

Odin - Odin (1972)

'Odin' no sólo era el nombre del dios mitológico, sino también el de una banda de rock progresivo, fue un cuarteto progresivo nacido en Gran Bretaña, pero con residencia en Alemania (al igual que ‘’Nektar’’), estaba compuesto por miembros, no solo británicos, sino también alemanes y holandeses. Su sonido se ajusta mas o menos al sonido británico de principio de los 70, como el de bandas como Quatermass, Deep Purple, Atomic Rooster, etc.

La banda estaba formada por Jeff Berr en los teclados, Ray Brown en el bajo, Stuart Fordham en la batería, y Rob Terstall en la guitarra, con la particularidad que todo estaban abocados en tareas vocales, incluso el baterista. 

Graban en 1971 su único trabajo, basado en sonidos progresivos que parten con intenciones mas pesadas, hard rock, heavy prog, desplegando habilidades musicales impresionantes para un cuarteto prog mas bien estándar, como lo eran ellos. El álbum fue lanzado  en 1972, por el sello Vertigo, y se convirtió en uno de los títulos más deseados en la etiqueta. 


Presentan un rock progresivo dinámico y un tanto crucial, altamente definitorio en cuanto a las intenciones melódicas y muy diversos musicalmente, incluyendo una mezcla ecléctica de estilos,  con varios pasajes y melodías  implícitas que van desde muy buenos condimentos bluseros en los arreglos vocales, muy buenas melodías, además de, pese a no ser un álbum extremadamente extenso, grandes arreglo incluso en los temas de corta duración, es por eso que la satisfacción está garantizada casi en cada tema.

Si te gusta el sonido del Hammond, este es tu álbum, el teclado cumple un rol muy importante en las excursiones progresivas que llevan a cabo, el cual por momentos denota una cierta influencia de ELP, con composiciones rebuscadas y un tanto jazzeras y participaciones definitorias en los solos. La guitarra por su lado, también heavy, cumple también un rol vital, con su sonido fuzz, bien cargado y ecléctico, pero aportando un sonido mas desde su lado más funk rock y blues...

También denotan, tal vez intencionalmente, la influencias que Frank Zappa ha volcado sobre ellos, de hecho en el tema instrumental ’’ Tribute To Frank’’ se acercan demasiado a trabajos instrumentales de Zappa, por lo que podríamos concluir en que el ‘’tributo’’ del cual se jactan en el nombre de ese tema, no es más que para el mismo Zappa.

                                              Cod: #1159

2 nov. 2013

Relax - Padre (1977)

Esta oculta banda argentina, de rock progresivo, estaba compuesta por Daniel A. Grasso en voz, flauta y guitarra rítmica, Ruben H. Campás en guitarra líder, Hector C. Grasso en bajo y Jorge R. Rodriguez en batería y percusión. Entre sus influencias se encontraban bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, entre otras, de las cuales también interpretaban temas. 

En 1977, entre algunos inconvenientes económicos, logran sacar su primer LP, un trabajo excepcional de rock progresivo, que hace difícil englobar el sonido en un género, no se estancan en ningún momento… y con más mérito esto sabiendo que las composiciones son guiadas solo por dos guitarras.

Las progresiones de los temas parten de un rock duro y con grandes riffs, en ese sentido algunos temas cuentan solo con una base eléctrica y algún solo interesante, otros temas se presentan más elaborados y con un desarrollo más nutrido, como lo es ‘’ Padre Un Amigo Que Se Fue’’. 


El condimento especial, cual la mayoría de las bandas de la época, las letras cósmicas y mágicas que llevaban adelante… que hacen mucho más interesante todo… (y que demuestra cuando una banda es comercial y cuando no lo es, en este caso… es una banda extraordinaria y autentica que no tubo repercusión comercial porque hacían música de verdad…). Sea cual fuere la complejidad, este disco me parece una joya total, que contiene un sonido único y altamente agradable, expresado en cada melodía.

Lamentablemente por la dificultad económica que existía para grabar un disco (LP) en esa época para ellos que eran "Under" solo pudieron grabar 1 LP y un simple, aunque tenían más proyectos de su autoría, como por ejemplo una Opera-Rock basada en la vida de Cristo (como lo hizo Vox Dei con la Biblia) que nunca se pudo grabar y se perdió completamente.

Cod: #1062

28 oct. 2013

Cargo - Cargo (1972)

‘’Cargo’' fue una mítica y fugaz banda prog, nacida a principios, en Ámsterdam, Holanda, e integrada por por Jan de Hont (anteriormente en "Hope Express" y ‘’Music Garden’’), Adrie de Hont, (anteriormente en ‘’Alexander Curly's Flying Circus’’ y ‘’Maggie MacNeal’’), Wim de Vries (anteriormente en ‘’Mayflower’’) y Dennis Whitbread (anteriormente en ‘’Flying Circus’’ y ‘’Music Garden’’). Posteriormente Whitbread seria reemplazado por Jerry Gobel (ex ‘’Angelflight Railways’’ y ‘’Carlsberg’’) durante la grabacion del disco.

El origen de la banda se remonta a 1970, la cual veria la luz bajo el nombre de ‘’Septembre’’. Solo alcanzarían lanzar dos canciones, ¨Little Sister y ¨Walkon By¨, que sonarían como hard rock, con partes progresivas.

Hasta 1972, ya habían grabado varios singles, y es ahí cuando deciden  planear un disco. Buscando un impacto comercial, la banda graba 4 extensas pistas, con la idea de que sonaran como una actuación en vivo. Esto le provee al sonido una energía arrolladora y vital y nutre a los temas de un dinamismo totalmente alucinante, los cuales cuentan, cada uno, con una extensa sesión de improvisación, de hecho el tema ‘’Cross Talking’’ es en si mismo una zapada de guitarras eléctricas, una autentica ‘’charla cruzada’’ que mantienen las guitaras de los hermanos De Hont.

Es asi que la banda lanza en 1972 su primer (y uncio) disco, el homónimo ‘’Cargo’’. Un disco ahora raro, pero muy bueno, con su hard rock que de repente sorprende con sus fuertes riffs, un auténtico heavy psych, un tanto heavy prog, alucinantes temas, cual profundos atascos ácidos, con alucinantes jams instrumentales eléctricos, repletos de solos de todo tipo, realizados por el duo de guitarras de los hermanos De Hont, que a veces nos remontan a Wishbone Ash.


 La banda también tiene un costado melódico impregnado en las melodías de las guitarra y el sonido de los temas, se puede percibir en esos primeros 4 temas, aunque se deja ver más aun en los demás singles del álbum, en temas más melódicos, aunque siempre con ese toque heavy que los caracteriza. Un pedazo esencial de la historia del rock europeo y una maravilla para los oídos también.

La edición que aquí les traemos contiene 12 temas, de los cuales los primeros 4 serían los que fueron publicados originalmente en la primera edición del disco, y en los cuales se obtiene su sonido más compacto y emblemático. En las reediciones posteriores en cd y vinilo, se le fueron sumando distintos singles que la banda fue grabando en distintas sesiones y con distintas formaciones, realizadas entre Septiembre del 70 y Septiembre del 72, pero que lamentablemente nunca fueron publicados antes.

Aunque tuvieron cierta buena repercusión de los críticos, el disco en sí mismo jamás alcanzaría el éxito comercial, tal vez por la paupérrima estrategia comercial de la banda, o por el manoseo de las distintas disqueras que no quisieron ofrecerles un buen contrato. El álbum no vendería muchas copias, a finales de 1972, la banda ya no existía.

Cod: #1039

24 oct. 2013

Alas - Alas (1976)

Unas de las movidas fundamentales en el rock anglosajón de los primeros años '70 fue la corriente progresivo-sinfónica, simbolizada por grupos como Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer que le habían dado al género una nueva proyección, al incorporar elementos de música clásica y de jazz. Eran, también, días de notables avances desde el punto de vista tecnológico: nuevos y sofisticados teclados, como el mellotron y el sintetizador, permitían emular los sonidos de una orquesta y también crear nuevas texturas sonoras, que desafiaban el antiguo monopolio de las guitarras eléctricas como instrumento dominante del rock.

El períoso que va de 1973 a 1977 marcó paralelamente un salto evolutivo para el rock nacional, con la formación de varios grupos adhirieron a la movida progresivo-sinfónica. Surgieron bandas como Ave Rock, Madre Atómica, Om, y Aschábel, entre otras, que dejaron su marca en el circuito progresivo local, aunque su repercusión no haya trascendido el ámbito de los entendidos. Pero sin duda hubo tres grupos que tomaron la delantera en términos de logros musicales y de aceptación popular: Espíritu, Crucis, y Alas.

El trío Alas nace en la parte final de 1974, tras el alejamiento del trompetista y cantante Gustavo Moretto de Alma y Vida, banda que había sido pionera de la fusión jazz-rock en Argentina. Es entonces cuando Moretto concibe un nuevo grupo, para el que convoca al bajista y guitarrista Alex Zucker, que venía de tocar con Montes y de acompañar a Pedro y Pablo en el álbum Conesa y a Carlos Riganti, ex baterista de Materia Gris, banda que venía de registrar la obra conceptual Ohperra Vida De Beto en EMI.

Desde el vamos, Alas concibe una música de gran riqueza técnica, Un sonido elaborado que tenía como base los múltiples teclados de Moretto y que, en su temática, exploraba las posibilidades de la cruza del rock progresivo-sinfónico con elementos de tango y folklore. Entrevistado por la revista Expreso Imaginario, en julio de 1977, Moretto decía: ''al principio, lo único que nos propusimos fue formar un conjunto que sonara bien y que tuviera algunos aspectos nuevos, especialmente los arreglos. Luego llegamos a una conclusión de que, si bien no podíamos negar para nada lo que habíamos hecho hasta entonces, ni podíamos pasar por alto la música que en este momento mueve al mundo, teníamos que reflejar de alguna manera lo argentino''.


Alas tuvo un consagratorio debut en el teatro IFT de Buenos Aires y poco tiempo se embarcó a una breve gira por las principales ciudades del país, antes de su debut discográfico en EMI, producido en 1975, con un simple que contenía los temas ''Aire (Surgente)'' y ''Rincón, Mi Viejo Rincón''. 

A mediados de los 1976 aparecería el álbum debut de Alas, que llevaba el nombre del grupo cómo título del álbum. El larga duración estaba integrado por dos extensas composiciones, ''Buenos Aires Sólo Es Piedra'' y ''La Muerte Contó El Dinero'', divididas en varios sub-temas. n la primero predominaba una sensibilidad tanguera, mientras que la segunda estaba basada en un ritmo vidala. Moretto, por su parte, reconocía que el elemento folklórico estaba tamizado por el entorno urbano: ''Como ninguno de nosotros vive en el campo, lo más lógico era buscar un folklore de la ciudad que vivimos. Quisimos producir una música que fuera reconocible como perteneciente a Buenos Aires''.

Esa exploración musical que fuera una constante a lo largo de toda la carrera de Alas, sería llevada a nuevas dimensiones con la incorporación, como músico invitado, el bandoneonista Daniel Binelli. Además, en octubre de 1976, Alas se presentó con gran repercusión en el teatro Coliseo de Buenos Aires, acompañados por tres bandoneonistas: el propio Binelli, Juan José Mossalini y Rodolfo Mederos, quienes habían sido compañeros del primero en la orquesta del maestro Osvaldo Pugliese, adems de integrar el grupo de Mederos, Generación Cero.

Con el éxodo de Alex Zucker a Estados Unidos y su reempazo por un muy jóven Pedro Aznar (que venía de Madre Atómica) Alas habría de emprender un nuevo rumbo en su carrera. De su etapa musical, sin embargo, quedaba como testimonio este álbum debut, una de los hitos icuestionables del rock progresivo-sinfónico rioplatense. 

Reseña por Alfredo Rosso

Cod: #1228

The Joint - Freak Street (1967)

‘’The Joint’’ fue un grupo ingles, nacido en julio de 1967, creado por los miembros de la ex banda ‘’The Lonely Ones’’, por la cual habían pasado, Noel Redding, bajista de la mitica Jimi Hendrix Experience, Jim Leverton, quien luego tocaria con los Yardbirds , y Rick Davies, quien se haria famoso como miembro del Supertramp.

El grupo estaba compuesto por John ‘’Andy’’ Andrews en voz, Trevor Williams en guitarra y voz, Rick Davies en teclado y voz, Keith Bailey en batería, Martin Vinson y Steve Brass en bajo y Tony Catchpole en guitarra.

Durante la gira europea en 1967, la banda se junta con el guionista de cine David Llewelyn y el director y compositor George Moors, para grabar material para la banda de sonido de una serie de películas underground, en Múnich, Alemania, entre ellas “Jet Generation” y “Der Griller”, pero la banda se dividió en 1969 sin trabajos a su nombre.


La mayoría de las grabaciones de ‘’The Joint’’ se presumen perdidas, este lanzamiento, ‘’Freak Street’’, fue elaborado a través del descubrimiento reciente de una cinta perdida, de ¼ de pulgada, con grabaciones inéditas, lo cual lo convierte en una gema preciosa de la psicodelia perdida.

‘’Freak Street’’ consta de grabaciones varias, alboradas entre un rock psicodelico bastante ácido y desbocado, canterbury scene y rock proto progresivo, una fusión de gran nivel para su época, con un valor psicodelico y experimental muy alto,  y una fuerza de ejecución notable. Personalmente, destaco los temas más prog del compilado, ‘’Laura’s’’ o ‘’Turnstile’’, son piezas proto progresivas de lujo. Tambien es destacable ‘’Dinosaur’’, un rock acido alucinante.

La grabación a sufrido su descaste con el tiempo y por ente la calidad de sonido se ve un tanto afectada, pero la gran calidad musical de la banda hace que, después de 40 años, valga la pena recuperar el material.

Cod: #1090

20 oct. 2013

Flaming Youth - Ark 2 (1969)

Flaming Youth, catalogados como “an obscure British rock group“, fue un grupo británico , conocido mas que nada por que Phil Collins fue parte del mismo, entonces de 18 años de edad. La banda estaba formada por el tecladista Brian Chatton (19 de julio de 1948, Bolton , Lancashire , Inglaterra ), Ronnie Caryl en el bajo eléctrico y guitarra, Gordon Smith en la guitarra y el bajo, y Collins en la batería. Hacia el final del grupo, Rod Mayall se unió brevemente en el órgano.

El grupo lanzó un álbum ‘’Ark 2’’ , en 1969, antes de separarse. Un disco influenciado por la atención mediática de esa época en relación al tema de la “Era Espacial”, un álbum conceptual basado en una idea de posible evacuación de los habitantes de un casi muerto Planeta Tierra.

Si la banda hubiera sido más psicodélica, el sonido que hubiesen alcanzado se parecería al de ‘’Touch’’ (banda estadounidense, también proto progresiva, pero mas psicodelica), ya que también elaboran un sonido proto progresivo de alto despliegue y gran elaboración, aunque poco tienen de alucinaciones y viajes cósmicos. Flaming Youth arma un rock proto progresivo que se diluye más que nada en la mezcla de pop rock, toques de jazz, baladas, algunos sonidos sinfonicos y un condimento especial que es el de las grandes voces que aportan al sonido un condimento especial.


No es una obra icónica, pero creo yo que tiene su gran atractivo, por buenos momentos proto progresivos, por ser una obra un tanto osada que, y aunque no alcanzo un gran éxito comercial, aporta su sonido único, repleta de alucinantes coros y grandes melodías, un experimento pop proto progresivo, que deja algunas piezas atípicas pero increíbles como ‘’The Planets’’, y la alucinante pieza proto progresiva ‘’Weigthless’’. 

Hoy, Ark 2, sólo queda como el recuerdo de ser el primer trabajo de Collins pre-Genesis, y creo haber leído que él reconocía como su peor momento musical, aunque, si bien es cierto no es una gran obra maestra, este disco es mucho más real, natural o “sincero” que mucha de su actual música. 

Al disco le siguio la grabación de un single, “Man, Woman, and Child”. Aunque después de una breve gira, el grupo se disolvió. Collins y Ronnie Caryl audicionaron para Genesis el año siguiente, aunque Caryl no tuvo éxito. Caryl más tarde toco conCollins como guitarrista en sus giras en solitario. Collinstambién se mantuvo en contacto con Chatton, tocando en por lo menos una canción del segundo álbum de la banda Boys Don't Cry.

Cod: #1070

18 oct. 2013

Bubu - Anabelas (1978)

Daniel Andreoli, compositor de Anabelas, cuenta la historia de Bubu.
Para hablar de la génesis de Bubu, tenemos que situarnos en el tiempo y espacio.  Era una época muy creativa, no sólo en la música sino en el cine, en las letras, en la plástica… Éramos hijos de la generación del instituto Di Tella y teníamos un gran marco de referencia artístico, además de sentir el espíritu de libertad que uno respira a los veinte años. A esa edad nos conocimos con Jorge “Monin” Liechtenstein, quien por entonces era el baterista de Orion’s Beethoven. Con él nos juntábamos a tocar en su casa de Belgrano. Y ahí se fueron sumando Ricardo La Civita en flauta, Sergio Blostein en guitarra, Noel Reyes en violín, el futuro cantante y líder de Suéter, Miguel Zavaleta, en voz y más tarde Wim Fortsman en saxos.

Por ese entonces nos llamábamos Sion. Éramos muy jóvenes y la banda sacaba chispas; todos queríamos estar en el centro, pero había alguien que tenía la cabeza muy clara y sabía cómo se hacían las cosas, y ése era Wim. Un día me llevó aparte y me dijo: “mira, Daniel: esta música hay que volcarla en partituras, hacer un casting, empezar a a probar gente y que toquen los más idóneos.”

De todas maneras a esa altura el grupo original se estaba disolviendo por distintos motivos. Reyes estaba por irse a Estocolmo, Blostein trabajaba como músico profesional; en fin, cada uno estaba tirando para su lado. Entonces a Wim le cupo la tarea de armar el nuevo grupo, que fue Bubu.

Allí empezo un nuevo ciclo. Lo primero que se hizo fue buscar un lugar de ensayo y llamar gente. En ese mismo momento a mí me sale una beca del Collegium Musicum para profundizar mis estudios musicales. Yo tocaba el bajo en Bubu, pero ésta no era una música que se pudiese tocar sin estudiar varias horas al día: era necesaria una disciplina. Yo no quería perder la oportunidad del Collegium porque mi fuerte era la composición. Entonces, aunque me encantaba, tomé la decisión de dejar de tocar para dedicarme a componer. Hasta ahí había compuesto lo que es la primera par del disco de Bubu, “El cortejo de un día amarillo”, que contiene la “Danza de las atlántidas” y “Locomotora Blues”. Ya estaban las partituras individuales de los músicos y todo. Mi Rol de bajista lo cubrió Edgardo “Fleke” Folino y en lugar de Sergio Blostein entró el guitarrista Eduardo Rogatti, quien años más tarde tocaría con Juan Carlos Baglietto y León greco, entre otros.

Por su parte “Monin” fue suplantado por Eduardo “Polo” Carbella, ex miembro de los Pisk Ups y más tarde integrante de los Abuelos de la Nada, quien había tocado también conmigo cuando éramos chicos, ya que fuimos vecinos. Ingresaron Cecilia Tenconi en flauta, Sergio Polizzi en violín y continuó Miguel Zavaleta como cantante. De Miguel guardo un recuerdo muy especial, porque si no hubiese aportado todo su humor y toda su escenografía, hoy no estaríamos hablando de esta música. Tal vez todo hubiera terminado en una sala de ensato. Porque lo que atraía a la gente era una combinación entre la música de Bubu en sí y todo el despliegue que había sobre el escenario, y esto era un aporte innegable de Zavaleta.


En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.

Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.

Las composiciones de Anabelas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violìn y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero.

Hubo un desgaste natural en la banda porque, si bien Bubu se presentó varias veces en vivo, la grabación del álbum se fue postergando más y más y eso contribuyó al deterioro grupal. 

Para colmo la salida del disco también sufrió una larga demora, de forma tal que cuando finalmente Anabelas aparece, en 1978, ya bubu prácticamente no existía. Ese desgaste que mencionaba tuvo mucho que ver con la salida de Zavaleta. Su relación con Wim a esa altura no era la mejor. Igual participó en dos sesiones de grabación, pero sintió que no podía continuar y decidió irse. Pero insisto: Miguel forma parte del alma de Bubu por más que el disco se haya hecho sin él.

A esta altura no quiero olvidarme de elogiar la labor de Petty Guelache, porque no era fácil calzarse los zapatos de Zavaleta y Petty, en un par de sesiones, metió las voces y lo hizo bien. Y también quiero mencionar a Daniel Grinbank –quien daba sus primeros pasos como manager- porque nos apoyó siempre y fue muy importante para el crecimiento de Bubu.

Viéndolo ahora, con la perspectiva que da el tiempo transcurrido me habría encantado que 
Bubu hubiese grabado un segundo disco, como estaba previsto en nuestro contrato pero, claro, ya el entorno social se había vuelto caótico. Varios de los músicos decidieron continuar sus carreras en el exterior, los que se quedaron se embarcaron en nuevos proyectos musicales y así la idea de continuar con el grupo se fue diluyendo poco a poco. Por mi parte, yo he seguido componiendo todos estos años y tengo una serie de trabajos que espero poder editar en un futuro cercano.

Nunca imaginé, en aquel entonces, que la música de Bubu obtendría el respeto del que hoy tiene en el circuito de rock progresivo internacional, donde se la conoce a través de ejemplares del viejo disco de vinilo, que ya es pieza de coleccionistas. Por eso me pone muy feliz que Anabelas finalmente aparezca en forma oficial en forma de CD.

Entrevista a Daniel Andreoli por Alfredo Rosso, enero del 2007

Cod: #1155

The Nice - The Thoughts Of Emerlist Davjack (1967)

The Nice fue una banda inglesa de rock progresivo, que comenzó a partir de los años 60s como grupo de acompañamiento de P.P. Arnold (P.P. Arnold Band). Se caracterizaban por su sonido único que fusionaba rock, jazz y música clásica, en una verdadera alucinación progresiva temprana, son recordados, además, por ser el grupo del que salió Keith Emerson, que tocaba los teclados, y era el mayor compositor y adaptador.

El grupo estaba constituido en sus principios por, el ya nombrado Keith Emerson, en los teclados, además de… Lee Jackson con el bajo y en las voces, Brian Davison con la percusión y a la batería, y David O'List (más conocido como "Davy") con la guitarra, guitarrista quien mas tarde se iria de la banda, quedando la misma cono un trio.

Su álbum debut, The Thoughts of Emerlist Davjack, fue lanzado en 1967, y al momento logró un gran éxito, a menudo se considera el primer álbum de rock progresivo, y el curioso titulo es la compresión de los nombres de los componentes de The Nice, Emer - O´List, Dav - Jack. En este trabajo, la banda desarrolla un rock proto progresivo devenido de la fusión de jazz y música claisca, llegando a momentos en los que deliberadamente se mezclan melodías clásicas en medio de pasajes progresivos frenéticos.

El álbum es bastante adelantado a su tiempo, en lo que a la progresión respecta. Se planta en gran parte en florituras y mixturas psicodélicas y pop típicas de la época, por momentos tambien… bien blues rock, pero en la elaboración desestructura cualquier conformismo y se encamina enérgicamente, desde el primer momento, hacia una mezcla abrumadora temprana de incursiones sinfónicas arrolladoras. 


La calidad de los temas es notable, desde el primero al ultimo se puede notar la inmensa calidad de los musicos, y la versatilidad para incluir cualquier condimento que se les cruce por el camino, proveniente de una banda  de músicos indiscutiblemente profesionales haciendo lo que les da la gana. Virtuosismo constante el que derrochan, donde se destaca la presencia de un Keith Emerson que ya nos deja claro los derroteros por donde quiere caminar en el futuro. Pero no solo brilla él, sino tambien la sección rítmica bajo-batería, en un derroche de facultades increíble, enfundan los temas de forma que ganan en potencia, resultando totalmente contundentes en sus desarrollos.

El sonido de The Nice, asi como el de Keith Emerson en general, siempre ha sido un tanto controversial, debido especialmente a sus fusiones de rock con música clásica, logrando, por ejemplo, el enfado de varios, por su versión de la canción "América", que compuso Leonard Bernstein para la pelicula "West side story", y que Keith la tocaba de forma espectacular, llegando a levantar el órgano entero mientras la tocaba, en un show de rabia. (sobre esa cuestión de el acting con el teclados y los movimientos frenéticos, tuvo mucho que ver ‘’Don Shinn’’, tecladista ingles, del cual el mismo Emerson declaro ser una de sus mayores inspiraciones.)

Al tiempo la banda se reduciría a un trio, eliminando la guitarra de su sonido, formación con la cual lanzarían mas discos, pero eso lo dejaremos para otro posteo.

Cod: #1033
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