13 jun. 2017

Stan Kenton conducts Robert Graetinger's - City Of Glass (1951)

En la década de los 40s, el modernismo, como lo conocemos hoy en día, todavía estaba muy lejano pero ya había proponentes de música moderna, la música moderna según las visiones del momento. Una época de post segunda guerra mundial, donde se estaban gestando en Estados Unidos, las primeras formas de pop, llamadas en la época como easy listening, el futurismo y el space age, la electrónica primaria, surgían el teremin en algunas grabaciones, el jazz moderno recién se estaba gestando, y recién comenzaban a surgir algunas figuras que cambiarían la escena musical popular posterior. Todo esto tendría su apogeo y un notable impacto desde la década de los 50s en adelante.

Stan Kenton fue un compositor, arreglista, director y pianista norteamericano, y surge en esta escena como un sucesor natural de los anteriores grandes directores de big bands y como un importante participe del jazz, con un estilo popular contemporáneo, ya que aunaba estos parámetros a sus visiones, sin dejar de lado jamás sus ideas orquestales innovadoras, impulsando la vanguardia hacia el terreno de lo popular y escénico, combinando el futurismo con el show y los grandes escenarios.

La década de los 40s para Kenton fue la década de formación, en 1941 formó su primera orquesta y grabó para el sello Decca. Aunque en esta primera orquesta no hubiese grandes artistas (el bajista Howard Rumsey y el trompetista Chico Álvarez eran lo más destacable), Kenton pasó el verano de 1941 tocando con regularidad ante una audiencia apreciable en el salón de baile Rendez-vous Ballroom, en Balboa Beach, en el sur de California. Bajo la influencia del arreglista Jimmie Lunceford (quien, como Kenton, gustaba de trompetistas y de tenores con entonación fuerte), la Orquesta de Stan Kenton después de su éxito inicial tuvo que luchar bastante, sus grabaciones de Decca no tuvieron grandes ventas. 

Tras cambiarse al sello Capitol en 1943, Kenton obtuvo su primer gran éxito con el tema "Artistry in Rhythm" que fue el comienzo de una exitosa trayectoria durante la década a base de profundizar en los instrumentos de viento, las melodías tocadas al saxo en ligado y tempos brillantes. Contó también con la colaboración de importantes cantantes como Anita O'Day y June Christy, y de arreglistas como Pete Rugolo.

El periodo de la orquesta de Kenton, consistente entre 1947 y 1953, fue muy importante para su desarrollo futuro y su paso hacia la vanguardia y el profesionalismo. Sus años de formación habían terminado y desde un comienzo había tocado en grandes escenarios, pero ahora tenía intenciones de experimentar con la música moderna y no temería en hacerlo. Él había reformado su orquesta en septiembre de 1947 con la intención declarada de hacer "jazz progresivo", diseñado específicamente para la sala de conciertos y con la idea de trascender el jazz estándar caracterizado por sesiones de improvisación.


Hasta entonces Kenton había presentado ‘Artistry in Rhythm’ en 1946, su primer éxito, y ‘A Presentation of Progressive Jazz’, en los tempranos años finales de la década de los 40s. Aun todo estaba por inventarse pero Kenton no sería menos en este horizonte de sorpresas musicales, continuando con el desarrollo de algunos de sus trabajos, como ‘Encores’, publicado 1949, o ‘Innovations in Modern Music’, publicado en 1950. 

Tal vez otro de sus grandes logros fue el de impulsar a jóvenes compositores, talentos nacientes, siendo sus big bands auténticos vehículos por los que transitaban melodías de cantidad de compositores interesados en explorar la fronteras de jazz. Uno de los más originales compositores que trabajaron con Kenton fue Robert Graettinger, un joven músico estadounidense de jazz, saxofonista, pianista, arreglista y compositor, que cumplió perfectamente con las expectativas que Kenton tenía, en ese momento, para establecer una nueva música americana. Sus composiciones le dieron a la música de la orquesta de Kenton una revitalización y modernización a medida, surgida de una colaboración entre ambos que también fue a medida. 

Graettinger fue el compositor de todas las piezas que hoy se compilan bajo el nombre de ‘City Of Glass’, pero que en aquellos años fueron presentadas originalmente en distintas publicaciones, en discos de diez pulgadas, bajo distintos nombres (‘’This Modern World’’, ‘’City Of Glass’’, y otros singles), publicados entre 1950 y 1954. El trabajo no se lo pudo escuchar completo en un mismo disco sino hasta posteriores reediciones en cd que contenían todas las piezas de la obra en su totalidad. En estas reediciones en cd también aparece ‘’Everything Happens To Me’’, escrito por Graettinger, arreglado por Matt Dennis, y cantado por June Christy. Esta pieza, arreglada para voz femenina, no fue realizada bajo los auspicios de Kenton, y tampoco fue registrada en la época. El grupo total de 16 piezas proporciona una idea real del funcionamiento interno de la escritura de Graettinger.

La colaboración entre ambos comienza en 1947, embarcándose juntos en el desarrollo de una ambiciosa música sinfónica que se fundamenta en una fina fusión entre influencias clásicas (Stravinsky, Schonberg, Bartok) y elementos de jazz y swing, presentado todo para arreglos de big band, con un evidente carácter de vanguardia, un producto experimental proveniente de la era post segunda guerra mundial. Aunque ‘City Of Glass’ fue eclipsada por otras publicaciones contemporáneas de jazz, por autores como Gunther Schuller, George Russell, Neal Hefti o Lennie Tristano, aun así fue un hito importante y un predecesor y referente de influencia para el surgimiento del Third stream.

Esta obra tiene un nivel de concierto, delimitada por patrones de la música popular easy listening, con piezas que no superan los dos o tres minutos cada una pero conteniendo una increíble intensidad en sus composiciones. "Thermopylae" es la primera composición de Graettinger, concerniente a la obra, fue grabada por la orquesta de Kenton en diciembre de 1947. Una pieza de estilo misterioso y de, al igual que toda la obra, un carácter que toma elementos de música clásica (véase la cercanía con Iron Foundry de Alexander Mosolov) pero que se basa en el jazz, como manifestando pertenecer a un linaje particular, con cambiantes arreglos que provienen del swing y crean polifonías y diversas capas de contrapuntos que determinan el estilo total de esta música.


Los cambiantes arreglos se manifiestan a lo largo de todas las composiciones, con un estilo sombrío, tenso, una turbulencia por la que las redes polifónicas se cruzan y entrecruzan hasta rozar costados muy particulares. Las composiciones fueron ideadas, por Graettinger, para funcionar de manera que cada uno de los músicos se manifestara individual e independientemente, de forma separada a la función de los demás. Así, cada instrumento funcionaba solo y tenía su propio rol en el sonido total.  

Tal vez por el hecho de que se trata de una grabación algo antigua, que no contó con los recursos adecuados, el producto final no pudo captar todo el espectro sonoro de la interpretación, por lo que los vientos suenan más brillantes y tensos, y los contrabajos y baterías apenas se perciben. Esto realza la tensión y el carácter sombrío.

‘’City Of Glas’’ fue uno de los momentos más significativos para la carrera de Kenton, no en términos populares o comerciales, definitivamente, sino en términos de desarrollo y desafío. Él estaba buscando superar sus horizontes, proponiendo un ‘’jazz progresivo’’, y de pronto se encuentra trabajando en la obra más vanguardista en la que jamás podría haber trabajado y que por supuesto superaba ampliamente sus expectativas de lo ‘progresivo’; las implicancias compositivas, las innovaciones, los riesgos que tuvo que tomar en reformar su orquesta, arduas sesiones de grabación, además de tener que seducir a Capital Records para que financiara un proyecto que tardó un par de años en completarse (en arreglarse y grabarse), y luego, además, convencerlos para que publicaran las grabaciones. 

Definitivamente el proyecto era insostenible como una entidad comercial viable, que luego de finalizado obligó a Kenton a restablecer su banda como una banda de swing progresiva más aceptable al público. La influencia de ‘City Of Glass’ sobre la obra posterior de Kenton es sutil, es un trabajo con un nivel de detalle alto, en el que cada instrumento funciona de manera individual, y que fue grabado alrededor de 1950, con la tecnología ‘precaria’ con la que contaban, fue una autentica obra de ingeniería sonora, además de ser el punto más álgido de vanguardia en su carrera. Kenton no podía atenerse tan fielmente a estos parámetros de allí en adelante, continuo con su ‘jazz progresivo’, pero reformado de forma más sutil, popular y más aceptable, lo que no es de criticar porque dejó innumerable cantidad de incursiones y conciertos realmente alucinantes y de vanguardia. Tal vez los ideales de Graettinger permanecieron latentes en la psique musical de Stan, y hayan tenido una revitalización en alguna de sus obras más complejas.

Por su parte, Bob Graettinger continuó como una figura enigmática y misteriosa, tuvo una muerte prematura, de cáncer de pulmón, en 1957, a la edad de 33 años, vivió una gran parte de su vida personal como un solitario. En ese momento era una figura olvidada y los únicos colegas en asistir a su funeral fueron Stan Kenton y Pete Rugolo. La vida de Graettinger había estado en constante ebullición. El saxofonista Bud Shank dijo lo siguiente: "La mayoría de nosotros sabíamos que él [Bob] murió con un corazón roto. Vivía totalmente en su propio pequeño mundo. Nunca pudo encontrar a nadie para entenderlo." 

Cod: #1283

8 jun. 2017

Michael Gibbs - Tanglewood 63 (1971)

Michael Gibbs fue una figura notable dentro del desarrollo del jazz inglés de los 60s y 70s, que por aquel entonces estaba conociendo nuevas estilísticas, por la irrupción del rock y sus nuevos sonidos, que muchas veces eran tan finos y sofisticados como el jazz. El mismo Gibbs fue un incursioncita en ese terreno, haciendo uso de elementos de rock en su jazz orquestal. Las orquestas de Gibbs fueron etapas importantes en las carreras de varios músicos de fusión, y su trabajo de organización, dirección y producción fue muy apreciado.

Gibbs nace en Rhodesia del sur (ahora Zimbawe), en 1937, y comienza su formación en la ‘Berklee School Of Music’ de Boston, a la edad de 21, tras trasladarse a los Estados Unidos. Allí encontraría influencias vitales para su desarrollo, tocando en la banda de Herb Pomeroy, y estudiando con pioneros como George Rusell y Gunther Schuller. También se haría amigo de gente como Gary Burton y Carla Bley, otros pioneros dentro en el campo de la fusión, junto a quienes trabajaría más tarde.

Alrededor de 1965 se establece en Londres, volviéndose una figura vital y enérgica para la escena jazzera local. Allí estaban surgiendo nombres como los compositores John Stevens, John McLaughlin y Keith Tippet, los sonidos experimentales de Mike Westbrook y el más ortodoxo Dankworth Orchestra. Por su parte la ‘New Jazz Orchestra’ estaba dando lugar a nuevos compositores como Neil Ardley, bandas por la que pasó el mismo Gibbs. En algún punto en estos años, Gibbs hizo música con todos ellos.

Tras la ‘’renuncia’’ a participar como músico, Gibbs comienza a abocarse a la composición y la dirección de sus propias obras; con los años reunió un propio cuerpo de trabajo que lo supo acompañar en sus ideas propias dentro del jazz moderno y de fusión, proponiendo innovadoras y atrevidas formas de jazz, en las que aparecían elementos de música clásica y rock.


Siguiendo la línea de su primer trabajo solista, el homónimo ‘’ Michael Gibbs’’ de 1970, para su segunda publicación, ‘’ Tanglewood 63’’, de 1971, Gibbs continua por la senda de la orquestación con trompetas y las fusiones estilísticas en sus composiciones, que nacen del entrecruce de sus visiones, sus conocimientos adquiridos en composición, y otros ritmos y elementos que toma del rock. Para esta ocasión continua explayando sus ocurrencias compositivas, que siempre se despliegan en forma de sesiones o atascos en los que  el sonido va mutando o transformándose constantemente, transitando por distintos elementos tomados de distintas fuentes; esta capacidad para desarrollar nuevas formas estilísticas a lo largo de sesiones o atascos era una de sus principales cualidad, por lo menos en lo que respecta a sus primeros trabajos.

‘’Canticle’’ es una pieza que se mantiene constantemente en un ambiente relajado y calmo, también algo tenso, sobre el cual parece volcar algunos arreglos provenientes de la música clásica. Por otro lado, el ‘’Five for England’’, recae en otra de sus predilecciones, el rock, presentando otro atasco, esta vez un poco más agresivo y con presencia de una guitarra eléctrica, dándole el inequívoco toque de ‘’jazz-rock’’ al sonido. Sus primeros trabajos se caracterizan por esto, por la variedad en estilo e intensidades que pueden presentarse a lo largo de los temas.

Entre el cuerpo de músicos que componen la ‘’pequeña big band’’ que lo acompañan en la grabación de este trabajo se encuentran Chris Spedding en guitarra, Roy Babbington y Jeff Clyne en bajo, John Marshall en batería, Frank Ricotti en percusión, Gordon Beck en teclados, Kenny Wheeler y Henry Lowtheren trompeto, Alan Skidmore y Chris Pyne en saxo, Dick Hart en tuba y Fred Alexander en chelo.

El nombre y reputación de Gibbs se elevó luego de sus primeros lanzamientos, alcanzando ser una figura codiciada como arreglista y músico de sesión, llegando a trabajar para algunos de los mejores músicos de rock del momento, como Jack Bruce, Chris Spedding, miembros de Soft Machine, entre muchos otros. Varios discos de sus grandes bandas siguieron a este lanzamiento, siempre dentro de un jazz de vanguardia, impulsado por sus big bands. Desde finales de los 70s, trabajó especialmente como arreglista y orquestador, apareciendo su nombre en discos de artistas como Peter Gabriel, Stanley Clarke, Elton John, Whitney Houston y Uriah Heep.

Cod: #1266

4 jun. 2017

Henry Lowther Band - Child Song (1970)

Otro músico proveniente de la nueva camada de jazz fusión inglés, de finales de los 60s, fue Thomas Henry Lowther, trompetista nacido el 11 de julio de 1941 en Leicester, Leicestershire, Inglaterra. Él estudió violín brevemente en la Royal Academy of Music, pero volvió a tocar la trompeta en 1960, que se volvería su instrumento principal.

Se desarrolló especialmente como músico de sesión, razón por la cual transitaría por un sinfín de bandas y orquestas, muchas de ellas importantes. En la década de 1960 obtuvo algo de distinción trabajando con distintos artistas, Mike Westbrook (a partir de 1963 y continuando en la década de 1980), Manfred Mann , John Dankworth (1967-1977), Jack Bruce, Graham Collier, John Mayall, John Warren (1968 y posteriormente), Neil Ardley y Bob Downes, todas luminarias del jazz rock ingles de la época.

Hacia finales de los 60s se uniría momentáneamente al grupo inglés Keef Hartley Band, y se presentarían en vivo en el festival de Woodstock, siendo el primer grupo británico en presentarse en dicho festival. El sonido de blues-rock con toque de jazz no hizo gran impacto y la banda pronto fue olvidada, pero la performance de Lowther fue lo suficientemente contundente como para llamar a atención del sello Deram, quienes le propondrían el lanzamiento de su propio trabajo solista.


Su único esfuerzo solista quedaría volcado en ‘Child Song’, una incursión tranquila y relajada, sobre tierras de jazz modal y con un claro acercamiento al jazz fusión. Sin duda carga con la influencia inglesa de la época, con la soltura y la rapidez típica, a lo que a la vez le aplica un sentido de suavidad y elegancia personal, de esto quedan piezas rápidas y agradables al oído. Con esto pareciera reflejar ese concepto de ‘’canción de niños’’ o ‘’canción infantil’’ (que refleja además con la presencia de un niño en la portada del disco), un sonido que a veces llega a ser extenso, y a lo que le agrega por momentos algunas texturas y sonoridades atípicas, pero nunca deja de ser algo agradable, simpático, bueno para el oído. 

La influencia del ‘In a Silent Way’ de Miles Davis es evidente en el estado de ánimo general, silencioso, melancólico, sin embargo los instintos melódicos y las ocurrencias de Lowther hacen que, afortunadamente, el sonido se amplíe lo suficiente, pasando por distintas sonoridades y texturas.

Durante la década de 1970 hizo aportes para Mike Gibbs, Kenny Wheeler (1972), Alan Cohen, Michael Garrick, Kurt Edelhagen, John Taylor, Stan Tracey (1976 en adelante),Tony Coe, Hawkwind, Graham Collier (1976-1978), Barbara Thompson y Gordon Beck (1978). En adelante siguió su Carrera principalmente como músico de sesión, trabajó con Buzzcocks en 1980, Peter King, con Gil Evans en 1984. Tocó con Charlie Watts 1986-87. Desde finales de 1980 se hizo muchos trabajos en grandes bandas, como la Orquesta de Jazz Contemporáneo de Berlín (1989-1993), la orquesta de Compositores de jazz de Londres (1989-1996), Kenny Wheeler's group (1990), la Orquesta Dedicación (1994), The Dedication Orchestra (1994), y George Russell's Living Time Orchestra, and the Creative Jazz Orchestra (1996).

Cod: #1282
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