6 oct. 2019

Niebiesko Czarni - Naga (1972)

‘’Niebiesko Czarni’’ (Negro y Azul) fue un conjunto vocal-instrumental fundado en 1962, en Gdańsk, Pomorskie, Polonia, por Franciszek Walicki. Su concierto debut se celebró el 24 de marzo de 1962 en el club "Żak", en Gdansk. El grupo comenzó como una banda de rock beat con pistas pop psicodélicas, típicas de la época, lanzando cuatro LP de los años 60, aunque tal vez lo más notorio del grupo sería el lanzamiento de una ópera rock, su ópera rock llamada Naga, que en polaco significa ‘’desnuda’’. En 1971 dieron conciertos en los Estados Unidos. Inspirados por las actuaciones de la operas Hair y Tommy, decidieron crear la primera ópera rock polaca. Así nació el Naga , que se presentó por primera vez públicamente el 22 de abril de 1973. 

Sin embargo, antes de que sucediera, los ensayos en la sala alquilada del club Żak de Gdańsk continuaron durante muchas semanas. También buscaban una escena teatral que se atreviera a escenificar la actuación. En aquellos días, encontrar un director valiente que asumiera riesgos no era fácil. La legendaria Danuta Baduszkowa, directora del Teatro Musical de Gdynia, a quien se trasladaron los últimos ensayos solo una semana antes del estreno, no decepcionó. Stan Borys fue un cantante invitado tanto en el escenario del teatro Gdynia como en la grabación.

La idea en sí germinó desde principios de 1971 y luego se crearon las primeras canciones que se presentaron en los conciertos. Más tarde, la banda realizó una gira de tres meses por Yugoslavia, donde también se lijó el material resultante. Sin duda, el espectáculo en sí fue visionario a su manera, porque el verdadero teatro de rock solo se desarrolló más tarde.

En marzo de 1972, se grabaron canciones en el estudio Polskie Nagrania que se presentaron en el primer álbum. El segundo se grabó unos meses más tarde, y el espectáculo en sí se presentó al público en general solo un año después. Mientras tanto, el concepto del espectáculo en sí mismo ha madurado y cambiado, y la música fue reorganizada.


Este álbum fue lanzado originalmente como dos lps en 1972, el Naga I y Naga II, mientras que la ópera rock fue representada en el Music Theatre de Gdynia en 1973. El compositor y letrista del álbum fue Grzegorz Walczak. Los autores de la música son miembros del grupo: Janusz Popławski, Zbigniew Podgajny, Wojciech Korda, y también Zbigniew Namysłowski, Mateusz Święcicki, Janusz Koman y Andrzej Zieliński.

A pesar de ser considerado ópera rock, el álbum tiene muchas otras influencias como el rock progresivo, el jazz fusión, el funk y el pop rock europeo, aunque predominantemente lo que más resalta en el disco es una especie de pop rock instrumentado por órganos y con algunos pasajes de flauta, saxo y guitarra, además de contar con la orquestación de varios de sus temas.

Indudablemente hay fragmentos cautivadores aquí, pero todo esto no es del todo convincente, la obra en general no parece tan cohesiva y a partir del segundo tercio de temas la opera comienza a perderse en temas pop intrascendentes que no parecieran aportar demasiado a la ópera. Especialmente, sumando la lista de temas de los dos discos, se destaca el primer tercio de temas, donde aparece realmente el supuesto ‘’rock’’ del que trata la obra, con algunos temas con arreglos corales y acercándose a un aire proto progresivo.

En más de catorce años de historia, los Niebiesko Czarni han grabado 8 LPs y 24 singles y cuatro con una circulación total de 3.5 millones. Dieron más de 3000 conciertos, recorrieron más de 245,000 kilómetros en giras de conciertos. Ocasionalmente, Niebiesko Czarni se reactivaron en 1986, 1987, 1992 y 2002.

Cod: #1390

4 oct. 2019

William Sheller ‎- Lux Aeterna (1972)

Nacido de un soldado estadounidense y una madre francesa, William Hand Sheller estudió música clásica en el conservatorio de París y se hizo conocido por sus obras en los campos de la música clásica y pop. Un destacado artista de la música popular francesa desde la década de 1970, William Sheller tiene la particularidad de ser uno de los pocos cantantes de chanson francés que se ha beneficiado de una sólida formación en música clásica . Esto ha influido en su repertorio con un estilo musical sofisticado, combinando elementos de música clásica con chanson y rock sinfónico.

William dejó la escuela a los 16 años para estudiar composición con el maestro Yves Margat (él mismo alumno de Gabriel Fauré ) y luego armonía , fuga y contrapunto en el conservatorio de París . Estaba entrenando para el Prix de Rome pero recurrió a la música pop después de escuchar a los Beatles . Desde entonces, Sheller ha tenido una exitosa carrera tanto como compositor clásico como cantante pop. Sus obras a menudo mezclan ambos géneros.

Su primer álbum fue puro rock orquestal, ’’Lux Aeterna’’, publicada en 1972, originalmente compuesta para celebrar la boda de un amigo de Sheller, impulsada como una música religiosa, una misa que terminó incluyendo elementos de música clásica, coros, y fusión con el rock de la época, una gran epopeya sinfónica con arreglos finos de cuerdas y vientos, y partes corales que evocan a una autentica opera religiosa.


Esta liturgia electro-pop se graba con cuarenta músicos (clásicos y rock), fue compuesta en 1969 pero se publicaría tres años después, en 1972, sin demasiada repercusión comercial, tan solo pse venderían 2000 copias de este trabajo; de todas formas se trataría de una obra intrigante, llamativa para quien guste de la música clásica y también para los amantes del progresivo/sinfónico, ya que presenta una autentica fusión de estos mundos, generalmente consta de bases con batería y guitarras eléctricas, sobre las que descansan los distintos motivos orquestales y corales.

Esta pieza sinfónica de 34 minutos para coro, orquesta y banda de rock es una inteligente combinación de ópera, rock de la época y hasta, en algunos pasajes, sonidos electrónicos, que aparecen como dándoles un elemento futurista o innovador al sonido, especialmente en la pieza ‘’Opus magnum - part 2’’, donde se experimenta con la orquestación, aparecen sonidos electrónicos y el ambiente cambia bruscamente hacia lados oscuros; pero este caso sería solo una excepción, dentro de un álbum más centrado en la orquestación clásica y no tanto en la experimentación práctica.

De todas formas, se trata de un álbum auténticamente experimental, ya que presenta formas de rock sinfónico con un carácter propio, orquestación autentica en vez de utilizar mellotrones, grandes momentos que se presentan como atascos entre percusiones roqueras y motivos sinfónico/corales que avanzan con motivos melódicos con un aire de pop, evocando un carácter de avanzada épica que arrasa con arreglos corales punzantes y acompañamientos de guitarras eléctricas.

Cod: #1389

20 sept. 2019

Carla Bley & Paul Haines - Escalator Over The Hill (1971)

A ‘’Escalator Over The Hill’’ se la conoce principalmente como una pseudo-ópera de jazz , pero fue lanzada como una "cronotransducción", con textos de Paul Haines , adaptación y música de Carla Bley, producción y coordinación de Michael Mantler , e interpretada por la Jazz Composer's Orchestra, una enorme orquesta compuesta por músicos de jazz, originada en la ciudad de Nueva York, como resultado de la asociación autosustentada de músicos independientes de free jazz, entre los que se encontraban Sun Ra, Michael Mantler, Cecil Taylor, Dixon, Archie Shepp, John Winter, etc.

Esta banda, la Jazz Composer's Orchestra, que más que banda era una autentica big band, alcanzó a lanzar dos discos, dentro del jazz de vanguardia o free jazz, mostrando una notoria evolución desde la primera a la segunda publicación, publicados entre 1965 y 1968. Estos lanzamientos servirían como base para establecer a un grupo organizado de grandes músicos que participaban juntos en presentaciones en vivo y que servían como apoyo para sustentar musicalmente los proyectos y lanzamientos que cada miembro del grupo lanzaría.

Entre 1968 y 1971 la pianista, arreglista, compositora e integrante de la orquesta, Carla Bley, concibió, escribió, grabó y produjo un enorme y ambicioso trabajo al que apodó ‘’Escalator Over The Hill’’, una especie de pseudo-ópera con trazos de rock, jazz, música de vodeville, cabaret, poesía e improvisación colectiva. Originalmente editado como un triple LP, “Escalator Over The Hill” sobrevivió a la prueba del tiempo con sus más de 2 y media horas de música y sus más de 40 músicos participantes. Este albùm, el primero, es sin duda unos de sus màs grandes trabajos de su carrera.

Esta obra merece lugares mayúsculos en nuestra escucha y en nuestra concepción, viendo y considerando el calibre y tamaño musical desplegado por una enorme masa de grandes músicos. Una creación gigantesca y ambiciosa que desafía los límites de lo posible composicionalmente y se ubica entre los trabajos más experimentales que hayan salidos del jazz de vanguardia, porque eso es de lo que se trata este trabajo, una creación con raíces culturales e ideológicas que surgen del free jazz, la libre improvisación y la vanguardia, una serie de eventos y visiones que, al unísono, coincidieron y se plasmaron bajo una misma concepción, que no hizo más que eclosionar en una serie de composiciones orquestales y experimentales únicas.


Es difícil elegir un genero tras el cual consignar esta música, es más, no es posible, ya que se trata de una creación que propone sonidos nunca antes oídos hasta el momento y que difícilmente se hayan vuelto a oír, es un trabajo experimental propiamente dicho que explora muchas de las posibilidades creativas que se pueden obtener de una big band, con arreglos orquestales y coros, se presenta como una autentica opera jazz o, en todo caso, enorme obra magna de jazz de vanguardia; sea cual sea el caso son muchas las posibilidades que se plantean a cada segundo en este trabajo.

Se dice generalmente que esta obra es una ‘’opera’’ debido a la forma y estructura en la que fue compuesta y presentada, una obra gigantesca de larga duración, con arreglos corales con voces de ambos sexos y un despliegue mayúsculo que llega a plasmarse en un sinfín de ‘’tracks’’ de diversa manufactura, estilo y duración, aquí hay tiempo no solo para el jazz sino también para el rock, algo de música hindú, música de cabaret, aunque lo que más prima son las composiciones instrumentales sobre las que desfilan arreglos corales, esta característica constituye la mayor parte de la masa musical de la obra.

Los límites fueron corridos más allá, los conceptos y nociones morales fueron puestos en juego y se manifestaron temáticas que lindaban con los extremos de la moral y el buen juicio, se trata de una enorme puesta en juego de visiones surrealistas y creaciones que exceden los límites de lo uno podría llegar a imaginar, con composiciones eclécticas y fuera de lo común, una puesta en juego musicalmente brillante por ejecutantes maestros en lo suyo, que combinaron sus poderes en una comedia oscura, una arremetida con un pleno convencimiento surgido de un concepto poético inmoral, excéntrico e irracional. 

‘’Escalator Over The Hill’’ es la culminación de varios años de trabajo, compuesto por Carla Bley y grabado junto con un elenco de cerca de 100 músicos divididos en varias agrupaciones, así como el letrista Paul Haines, y un sinfín de estrellas destacas entre los que se encuentran, por nombrar algunos: Charlie Haden, Jack Bruce, Gato Barbieri, John McLaughlin, Don Cherry, Michael Mantler y Don Preston. Esta obra es tan gigante que es difícil divisarla y mucho menos comprenderla, en cada escucha se encuentra algo nuevo, y en la medida en la que la atención que se preste sea mayor, mayor serán los elementos que se divisen y se descubran. Las letras en ingles dificultan el mayor entendimiento del concepto expresado pero igualmente musicalmente no deja de ser un trabajo que presenta un desafío enorme para ser escuchado.

Cod: #1388

7 sept. 2019

Norma Winstone - Edge of Time (1972)

La escena de jazz británico supo experimentar un florecimiento, allá entre finales de los 60s y principio de los 70s, que duró varios años y del cual surgieron una serie de notorios músicos: Nucleus, Lifetime, Soft Machine, The Brotherhood of Breath, Keith Tippett, John McLaughlin, Michael Gibbs, etc. Esta escena fértil tuvo su origen en el "Old Place" de corta duración de Ronnie Scott en Gerrard Street, Soho, que por un breve tiempo proporcionó una incubadora para el mejor y más nuevo talento de jazz, creando un vórtice creativo que mantuvo el impulso para muchos años después de su cierre. The Old Place puso un resorte en los talones de Graham Collier Music, la banda de Westbrook y muchos más músicos aventureros de Londres. Las ondas se extendieron por todas partes, a músicos y oyentes que eran demasiado jóvenes o muy alejados de Soho. 

Edge of Time representa el florecimiento de esa escena, que se expandió hacia límites insospechados, con varios exponentes que propusieron nuevas y sorprendentes formas de jazz, este álbum atrapa perfectamente la atmósfera embriagadora de aquellos días, cuando todo parecía posible. En este caso, este álbum deja destellos de lo que parece ser un estilo que se acerca al third stream, con composiciones complejas y sofisticadas que no alcanzan el calibre de orquesta pero que fueron concebidas para una gran banda con vientos, con músicos destacados entre los que figuran Tony Levin, Kenny Wheeler, John Taylor, Alan Skidmore, Paul Rutherford, Mike Osborne y muchos más.

Aparte de Winstone, entre los compositores de las piezas figuran Neil Ardley y John Surman (aunque no tocan en el disco), lo que da una idea de hasta qué punto estamos ante un pedazo de historia del jazz británico. El disco es una obra sorprendente, un debut mayúsculo y maduro que sorprende por su riqueza, variedad, originalidad, destreza, composición, sumado a la gran figura del sonido, la señora Winstone, que realiza un despliegue bocal descomunal, con una voz versátil que acompaña y lidera en cada pasaje de las composiciones, una voz dulce que combina fragilidad y fuerza, un enorme manejo de los agudos y hasta una gran capacidad de improvisación, ya que es capaz de dejar improvisaciones vocales en algunos pasajes.


Winstone tiene un enfoque único de las voces, que pone la voz humana en un nivel igual a los instrumentos y le permite actuar usando técnicas vocales particulares sin palabras, haciendo duetos con alguna trompeta o dejando una serie de arreglos vocales por todos el disco, lo que se vuelve tan importante como cantar letras, que en la mayoría de los casos ella misma escribe. Este enfoque le valió una posición respetada de vocalista de la escena británica en ese momento, lo que se reflejó en los numerosos álbumes en los que apareció.

El álbum incluye siete piezas originales, cuatro de las cuales fueron compuestas por el pianista John Taylor, dos por John Surman y la otra por John Warren. El sonido es realmente sorprendente, las piezas son versátiles, jazz de vanguardia típico del jazz inglés de la época, arreglos finos, solos por doquier y cambios de tiempo y espacialidad, como en ‘’Enjoy This Day’’, una pieza de diez minuto de duración, bastante compleja y fina, o ‘’Erebus’’, otra pieza que sorprende por la composición y que termina alcanzando una intensidad llamativa.

Todo el sonido es una reinterpretación del jazz estadounidense, reimpreso desde el ojo de la vanguardia, con instrumentaciones versátiles y composiciones adaptadas para voz femenina. La tarea de Winstone no es sencilla, porque no se trata de canciones simples de jazz, estamos hablando de composiciones muy abiertas, cuasi orquestales, vanguardistas, con cambios consantes, introducciones y desenlaces, y aplicaciones finas instrumentales, es e medio de esto que Winstone se destaca con un despliegue vocal descomunal. Al igual que Karin Krog, Annette Peacock, Sheila Jordan y otras cantantes de jazz de su generación, Winstone siempre estaba empujando los límites de su oficio, adoptando un estilo que comenzó con un enfoque simple basado en el jazz y convirtiéndolo en un desarrollo completamente nuevo de sonidos y voces que sortearon ampliamente los estándares.

Cod: #1387

30 ago. 2019

George Russell - Listen To The Silence (1973)

George Allen Russell fue un pianista, compositor, arreglista y teórico estadounidense del jazz. Es considerado uno de los primeros músicos de jazz en contribuir a la teoría musical general con una teoría de la armonía basada en el jazz en lugar de la música europea, en su libro Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (1953).

Russell desarrolló toda su formación en los Estados Unidos, pero a medidados de la década de los 60s viajó a Escandinavia a realizar una serie de conciertos y por esas cosas de la vida se quedó a vivir allí algunos años, fue en esa época en la que realizó varios de sus trabajos más experimentales y vanguardistas.

Varias publicaciones de vanguardia quedarían de esta etapa, la primera de ellas sería ’’Othello Ballet Suite & Electronic Organ Sonata No. 1’’, la primera obra sinfónica de carácter experimental publicada por Russell, compuesta originalmente para musicalizar un ballet basado en ‘Othello’, la tragedia escrita por William Shakespeare. Su segunda publicación en esta etapa sería ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’, una obra que tal vez se trate de una de las mayores y más arriesgadas y ambiciosas incursiones en tierras de jazz modal, uno de los mayores elementos y experimentos que el jazz modal haya podido dejar jamás; realizado por el creador teórico mismo del jazz modal (Russell).

Otro de sus trabajo de ese periodo fue ‘’Listen to the Silence’’, un álbum en vivo originalmente grabado en 1971 y lanzado en el sello Concept en 1973, con una actuación de Russell junto a una gran serie de músicos entre los que resaltan Stanton Davis, Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen y Jon Christensen con coro vocal.


Esta obra es otro de los grandes trabajos vanguardistas de Russell en los que el compositor expone sus ideas experimentales e innovadoras, en el caso de ‘’Listen to the Silence’’ no encontramos con una masa para orquesta y coro, una composición en la que resaltan especialmente los arreglos corales ya que estos son los que ocupan especialmente la mayor parte del sonido, solo voces, sin instrumentación. Los instrumentos tienen lugar en algunos pasajes pero no tienen un lugar tan preponderante como lo tiene la voz en la obra.

Se trata de una obra compuesta especialmente para coro, se trajo un coro clásico del conservatorio de música de Oslo, aunque eso no era suficiente para toda la controversia, por lo que Russell agregó casi 10 cantantes más. Estas voces proclaman extractos de ‘’Bury My Heart at Wounded Knee’’ de Dee Brown, así como extractos de textos de Rainer Maria Rilke, también tratan temas políticos desafortunados para la época como la guerra de Vietnam y el genocidio cometidos contra los nativos estadounidenses. 

Es un sonido intenso, extraño, controversial, con una extraña espacialidad por el entrecruce que se genera entre los arreglos corales y los rápidos arreglos instrumentales que por momentos surgen y devienen rápidamente. Están puestos en juego los conceptos que Russell habi desarrollado de ‘’forma vertical’’, que se muestran como arreglos progresivos rápidos sobre bases percusivas dinámicas. La obra es extensa, muy fina y delicada, diversos arreglos corales de los tantos cantantes que había en escena que parecen repetir un leitmotiv melódico que repiten en todas las piezas.

Esta etapa tan experimental en su carrera, en los países nórdicos, marcaría además el comienzo de un último periodo en su carrera, el periodo moderno, caracterizado por la vanguardia y la experimentación, publicando trabajos como ‘Listen To The Silence’ de 1973, regrabando ‘Electronic Sonata For Souls Loved By Nature ‘ en 1980. Además de ‘Trip To Prillarguri‘ de 1982, ‘Live In An American Time Spiral’ de 1983, ‘The African Game’ de 1985, y el que tal vez sea el punto más álgido de su desarrollo teórico, el alucinante ‘Vertical Form VI’, publicado en 1981. Entre tantos otros discos publicados.

Cod: #1386

29 ago. 2019

Keith Tippett's Ark ‎- Frames (Music For An Imaginary Film) (1978)

A principio de 1970, antes de encomendarse su primer disco como solista, hizo sus aportes y colaboraciones para la banda King Crimson, participado de la grabación del segundo álbum del grupo, ‘’In the Wake of Poseidon’’, grabado entre Enero y Abril de ese año. También apareció en la formación de la banda que participó en el programa de TV, Top of the Pops.

Con sus propios grupos mantuvo siempre un ímpetu de desarrollo experimental, aportando discos innovadores ya desde sus primeros lanzamiento. En 1970 formó su primer grupo profesional, ‘’The Keith Tippett Group’’, un supergrupo en el que también estaría el destacado saxofonista inglés Elton Dean, también estarían el bajista Jeff Clyne, el trompetista Marc Charig, el baterista Alan Jackson y Nick Evans en trombón. Dicha formación, liderada por Tippett, lanzaría en 1970 el primero de sus dos discos, ‘’You Are Here... I Am There’’, en el cual extienden una exploración de jazz contemporáneo y jazz rock. Esta formación se mantendría un tiempo más, lo suficiente como para lanzar un segundo álbum, llamado ‘’Dedicated To You, But You Weren't Listening’’, de 1971.

Aprovechando su nueva reputación, tras el lanzamiento de sus primeros discos, se encarga, también 1971, en un proyecto sin precedentes, crearía y lideraría una big band compuesta por 50 músicos de todo tipo, con la cual lanzaría el mítico disco ‘Centipede’, un trabajo de jazz rock y free jazz, netamente experimental y rupturista. Grupo que no tuvo una larga duración debido al costo económico que comprendía mover semejante maquinaria humana. 

Luego de lanzar varios discos a lo largo de la década de los 70s, y varios años después de su gran éxito con el gran conjunto Centipede y su lanzamiento de Septober Energy, el pianista Keith Tippett regresó al formato de big band con su recién formado Tippett's Ark. Esta banda de 22 integrantes, creada alrededor de 1978, tenía menos influencia del rock y más influencias de la música libre, el free jazz y el minimalismo repetitivo.

‘’Frames’’ es una obra colosal, como muchas otras obras de Tippet, una obra de jazz vanguardista de dimensiones colosales en las que se explora en gran medida y de manera ambiciosa los amplios terrenos y las varias posibilidades que proporciona el experimentar, y sumado a esto se encuentra el factor de la big band, ya que una gran banda lo acompaña y da forma a sus ocurrencias compositivas, así que tenemos una enorme orquesta ejecutando música extremadamente compleja, sofisticada y experimental.


Cuatro temas largo componen la obra, bastante diferentes entre sí, dispuestos uno a cada lado de los cuatro lados de los dos discos de vinilo en la edición original de la época. Difícil sería analizar uno por uno a estas cuatro piezas ya que se trata de composiciones enormemente complejas y sofisticadas, pero se pueden detectar varios factores que se repiten reiteradamente a lo largo de todo el trabajo y no pueden ayudar a comprender mejor el sonido. 

Por un lado tenemos el free jazz y la libre ejecución como una manera cuasi exclusiva con la que Tippet manifiesta sus composiciones, un estilo al que venia manifestando desde varios de sus discos anteriores, como en ‘’Septober Energy’’, una obra de similares características a Frames, de hecho estos dos trabajos están dispuestos de la misma manera, a lo largo de cuatro enormes piezas de yun sonido sofisticado, experimental y constantemente cambiante. Por otro lado tenemos la experimentación compositiva y la búsqueda sonora que lleva a Tippet a crear sonidos nunca antes escuchados, ya que pareciera tener la capacidad de crear estilos nuevos a partir de elementos particularmente familiares. Más allá de los factores utilizados para desarrollar la música, los conceptos creativos de cada pieza son bastante disimiles, representando cada pieza una incursión única hacia tierras vanguardista únicas e irrepetibles.

Por otro lado tenemos además el factor de la big band, Keith Tippett muestra su maestria a la hora de mover masas orquestales enormes en piezas que se desarrollan a partir de pequeños motivos o células muy simples, que se mueven entre los distintos instrumentos, se desarrollan y son la base de algunos solos antológicos. 

El disco se mueve desde el caos free más absoluto (siempre dentro del esquema predispuesto por Tippett), y secciones obsesivas con cierta influencia de la música repetitiva (Tippett reconoce como influencias el “Einstein on the Beach” de Phlipp Glass, así como los clásicos británicos del siglo XX: Vaughan Williams, Benjamin Britten o Edward Elgar), para construir enormes estructuras orquestales indefinidas en su estilo, son enormes masas ambicionas que superan lo conocido y se erigen como grandes composiciones vanguardistas orquestales.

El resto de la década del 70 fue también importante en su carrera y sus trabajos, participo para bandas como, la ya mencionada, King Crimson,  además para Peter Sinfield, Elton Dean , Soft Machine o Nucleus. Sus trabajos como solitas, durante este período, no encontraron más que una pequeña audiencia, pero su participación en otras bandas lo convirtieron en un nombre familiar para decenas de miles de oyentes.  Durante la década de los 70s y 80s hizo fuertes aportes al jazz y jazz rock, creó innumerables formaciones con músicos destacados del género y elaboró su propio concepto de jazz en base a la creación espontanea. La discografía de Tippett se extiende incluso durante los 90s hasta el día de hoy, lanzando innumerables discos como solista o como acompañante o ayudante.

Cod: #1385

28 ago. 2019

New Herd + M. Togashi - Canto Of Aries (1971)

Desde un auspicioso comienzo en 1958, el japonés Toshiyuki Miyama y su New Herd, crecieron de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles. Los orígenes del grupo originalmente tienen lugar por 1950, cuando Miyama forma la banda de jazz Jive Aces, como líder y miembro del grupo, interpretando el saxo. Miyama se había unido a la banda militar/naval japonesa en 1939 y jugó en la cubierta de muchos buques de guerra japoneses durante la segunda guerra mundial, lo que le dio una gran experiencia.

A pesar de que comenzaron como una banda de jazz para pista de baile, a comienzo de los 50s, fue en la década de los 60s cuando, luego de incluir a varios músicos convirtiendo al grupo en una big band, se establecieron en la escena del jazz moderno japonés, volviéndose unos auténticos referentes de la época. Hacia finales de la década de los 60s supieron acercarse hacia el jazz rock, pero las tendencias del jazz mundial y la moda de free jazz que llegaba de los Estados Unidos, hicieron que la banda cambiara el rumbo. Su primer lanzamiento discográfico apareció en 1969, Perspective, que tuvo un dejo de jazz rock y un estirpe principalmente de big band y jazz vanguardista moderno.

Para los siguientes trabajos esto se acentuaría aún más, tomando deliberadamente un rumbo hacia la fusión entre el jazz de vanguardia y free jazz, cosa que se puede apreciar en su Canto Of Aries, publicado en 1971, un trabajo de jazz de big band, con participación del mítico Masahiko Satoh, un pianista y arreglista, también japonés, con mucha actividad en la época como arreglista, quien es el cargado de la composición y orquestación de este Canto Of Aries.


New Herd y Satoh ya habían colaborado en un álbum lanzado un año antes, Canto Of Libra, y en este caso continúan por la senda experimental del free jazz orquestal, con un sonido tan desquiciado como antes. En comparación con su predecesor Canto Of Libre, en Canto Of Aries la banda se siente mucho más suelta y las composiciones no están tan marcadas y determinadas, en este caso el free jazz tiene una vía libre más determinada y las composiciones son mucho más sutiles.

No se trata simplemente de libres ejecuciones, las marcas y las intensidades están determinadas, las piezas tienen formas sutiles de convergencia que se conducen siempre con el delirio instrumental moderado de la big band que es dirigida por caminos en forma de suites sutiles, bien planeadas e ideadas. El nivel de ejecución es exquisito debido a los grandes ejecutantes presentes en la banda, donde se destacan Masahiko Togashi en percusión y Masahiko Sato en piano.

El envión por el interés sobre el free jazz/jazz de vanguardia no le duraría demasiado tiempo más a la banda, lanzando además bajo esta línea Yamataifu en 1972, este último funcionando la orquesta a sonidos electrónicos, disco que ganó el honorable premio ‘’Geijutsusai Yushu’’, muy apreciado en todo el mundo del arte japonés. Aunque, pronto, luego volverían una vez más hacia el jazz orquestado más convencional y fácil de escuchar. New Herd grabó con Charles Mingus en 1971 y realizó giras por todo el mundo durante los años 1970 y 1980, como por ejemplo participando del Monterey Jazz Festival en 1974 y una gran gira por Sudamérica en 1978, junto a Satoh.

Cod: #1384

27 ago. 2019

Horde Catalytique Pour La Fin - Gestation Sonore (1971)

Formado en 1967, el cuarteto de vanguardia francés tocaba instrumentos procedentes del oeste, culturas africanas, de Oriente Medio y del Lejano Oriente.  Se trató de un colectivo con una vida útil fugaz abocado a la música libre, improvisada y a las vanguardias.  La formación del grupo consitió en cuatro miembros: Richard Accart en saxo tenor y flautas, Francky Bourlier en Harpe de verrer, flauta, vibráfono, percusiones, Jacques Fassola Contrabajo, guitarra, banjo, Orgue a bouche, y Gil Sterg en Batería y percusión.

‘’Gestation Sonore’’, su primer y único álbum, grabado en 1971, en Niza, Francia, lanzado originalmente por el legendario sello Futura, es el resultado intrigante de una sesión de improvisación cruda y totalmente libre e improvisada, una maraña de zumbidos y ruidos y arrebatos musicales arrancados de diversos instrumentos, desplegados en una serie de cuatro sesiones de un carácter intrigante y sombrío, además de oscuro.

"Solo queríamos el sonido, la textura del sonido en bruto, antes de ser tratados y moldeados por cualquier código cultural", recuerda Georges Alloro, miembro de Horde Catalytique Pour La Fin, y manteniéndose fiel a sus ideales de improvisación, el grupo grabó completamente sin una partitura predeterminada, con cada miembro del grupo enfocando su creatividad espontánea para conectarse sin esfuerzo entre los músicos individuales. Las referencias para esta banda provienen de todas partes, con hojas tomadas de artistas como AMM y Limbus 3 de improvisación temprana.


Yendo un paso más allá del free jazz, hacia reinos más vanguardistas, Horde Catalytique trabajó bajo una direccion de gestación de sonido completamente nueva, en que nada estaba predeterminado o planeado en estas piezas, sino que los miembros del grupo crearon espontáneamente la música mientras tocaban. Varios instrumentos diferentes crean varios sonidos amorfos y abstractos en las cuatro pistas de Gestation Sonore.

El álbum se abre paso a través de pasajes oscuros en los que los códigos creativos están por supuesto plasmados por los ejecutantes, sin dirección alguna, actúan y ejecutan aleatoriamente, fieles a una posición cuasi filosófica de música sin condicionamientos culturales o comerciales. Es el resultado de cuatro años de experimentación sonora, consagrados en un trabajo en los que explotan todas sus visiones al máximo.

Se trata de una joya oscura de la música de vanguardia y de libre improvisación europea de su época, con una organización de los sonidos impredecible y una libre ejecución aleatoria, que se asemeja a algunos colectivos vanguardistas contemporáneos y coterráneos, un trabajo experimental que , como era de esperar, llegó a la famosa lista de influencias de la famosa banda ‘’Nurse With Wound’’. 

Cod: #1383

26 ago. 2019

New Direction For The Arts - Free Form Suite (1972)

Masayuki 'Jojo' Takayanagi fue un músico japonés de jazz / free jazz / noise . Estuvo activo en la escena del jazz japonés desde finales de la década de 1950. En la década de 1960 formó New Directions (más tarde, New Direction Unit), que grabó varios álbumes a lo largo de la década de 1970. También grabó varios álbumes con el saxofonista Kaoru Abe, incluidos Kaitai Teki Kohkan, Gradually Projection y Mass Projection.

Takayanagi no es un personaje conocido en el mundo de la música. Comenzó como un excelente músico profesional, principalmente para eventos de jazz, y rápidamente se convirtió en un guitarrista muy conocido en los estudios japoneses. Era un técnico único, capaz de tocar cualquier tipo de música, pero decidió transitar la ruta peligrosa y controvertida de la libre improvisación. 

El guitarrista Masayuki Takayanagi fue uno de esos inconformistas extremos que combinó la interpretación virtuosa y la comprensión extrema de la teoría musical con la destrucción radicalmente atonal del amplificador, inspirando y molestando a los contemporáneos a lo largo de sus cuarenta años de carrera. De hecho, fue notablemente excluido por la comunidad del jazz a fines de los años 60 por haberlos descrito como 'un grupo de perdedores' en la prensa. Sin embargo, cuando descubrió el jazz libre en 1969, la música de Takayanagi se trasladó a un territorio verdaderamente estelar. 

Formó su grupo ‘’New Direction For The Arts’’ en 1971, con el saxofonista Kenji Mori y el batería Hiroshi Yamazaki. El percusionista Joe Mizuki se unió a la banda poco después, y después de unos exitosos conciertos fueron al estudio para grabar ‘’Free Form Suite’’, producido por Takeshi Fujii, grabado en el Aoi Studio, Tokio, el 19 de mayo de 1972.


En este tiempo caótico, muchos músicos de jazz exploraban la "forma libre", y Takayanagi era un líder respetado de ese movimiento en Japón. Aquí, el grupo rastrea la historia de la música de jazz tocando un blues estándar, lo cual significa un comienzo inesperado y un quiebre en la imagen que uno espera de un disco que de antemano sabe que se va a tratar de free jazz, pero ahí aparece ‘’The Blues’’, la primera pieza del disco, un gran estándar jazzy blues que no hace más que dejar una dulce pieza de gran degustación. El resto del trabajo oscila entre el free jazz y una música libre que, sin dejar de transmitir restos de free jazz mismo, es ejecutada libremente y casi sin ataduras, siendo un gran ejemplo de lo que es la libre improvisación.

 Podríamos dividir conceptualmente al disco en dos partes, el lado A donde aparecen, además de un blues, dos piezas de free jazz con una forma cierta forma determinada, caracterizados por sesiones libres con bases en guitarra e improvisaciones extensas en flauta. Y el lado B del disco, en el que está ubicada la pieza ‘’Free Form Suite’’, dividida en tres partes, y como su nombre lo indica, se trata de una ‘’suite de forma libre’’, ya soltándole la mano al apego hacia el free jazz y hacia cualquier otra forma pactada y encaminándose en una música sin límites, ejecutada sin forma ni tempo, libremente. 

La suite de forma libre es ejecutada primero cuidadosamente, las primeras dos partes ocurren en el basto espacio del silencio, con ejecuciones sutilmente abruptas y una amplitud instrumental que abarca percusiones, guitarras y saxos, aplicados sin inundar el espacio, como breve exabruptos espontáneos que surgen y devienen constantemente, oscilando entre breves espacio de silencio, el cual también forma parte de la forma libre. 

Aunque para la última parte de esta ‘’suite de forma libre’’, el sonido da un vuelco y explota con un considerable poderío hacia un sonido inundado y bellamente perturbador, cuando los tres instrumentos que estaban siendo ejecutados en calma revientan en un atasco sin paz y dan vuelta hacia una nueva carilla en el álbum, la del ruido, la improvisación alocada, desenfrenada, y lo que podría detectarse como ‘’noise’’, ya que la guitarra ahora aparece en forma de distorsiones y acoples infernales y los demás instrumentos no dejan de volcarse en una cacofonía alocada y ruidosa. Estamos en presencia de un álbum muy amplio en su concepción y con una mezcla de conceptos musicales que pocas veces se los ha visto juntos. 

Cod: #1382

25 ago. 2019

Larry Young - Of Love And Peace (1966)

Larry Young (también conocido como Khalid Yasin) fue un organista de jazz estadounidense y pianista ocasional. Joven pionero del Hammond B-3, también tocó soul jazz, entre otros estilos. Grabando para Prestige desde 1960, Young hizo una serie de discos de soul jazz, Testifying, Young Blues y Groove Street. Cuando Young firmó con Blue Note alrededor de 1964, su música comenzó a mostrar la marcada influencia de John Coltrane. En este período, produjo su obra más duradera. 

Grabó varias veces como parte de un trío con el guitarrista Grant Green y el baterista Elvin Jones. La mayoría de estos álbumes fueron lanzados bajo el nombre de Green, aunque Into Somethin ' (con Sam Rivers en el saxofón) se convirtió en el debut de Young para Blue Note. Unity, grabado en 1965, sigue siendo su álbum más conocido; Presenta una primera línea de Joe Henderson y el joven Woody Shaw . 

Desde el año 1964 hasta 1975 fue difícil predecir qué estilo tocaría Larry Young. Durante ese período de once años tocó casi todos los estilos imaginables, jazz moderno y fusión, así como el rock psicodélico y progresivo. Después de comenzar como un organista de hard bop blues, Larry se mudó al post bop cerebral de ‘’Unity’’ de 1965, y en 1966 decidió encaminarse en la vanguardia con este álbum, ‘’Of Love and Peace’’. Para esta estimulante grabación para Blue Note, el organista Youngse se encuentra con el trompetista Eddie Gale (que tocaba con Cecil Taylor durante esta época), el flautista James Spaulding, el saxofonista tenor Herbert Morgan, y Wilson Moorman III y Jerry Thomas en la batería. 


El álbum fue grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 28 de Julio de 1966. El álbum consta de cuatro extensas piezas: "Of Love and Peace" y "Falaq" son en gran parte improvisaciones libres que no siguen un hilo conductor predeterminado sino que se trata de arrebatos improvisads libremente. Las otras dos pistas son covers de los temas "Pavanne", y " Seven Steps to Heaven " de Victor Feldman y Miles Davis.

Se trata de música estimulante free jazz bastante agradable al oído, especialmente por los arreglos en órgano de Young que brindan una suavidad y familiaridad al sonido y conforman un colchón formidable por donde desfilan los demás instrumentos, y con dos bateristas tocando a la vez, bases percusivas no es lo que falta en el disco.

Aunque este álbum tiene muchos momentos ruidosos que esperarías de un disco de jazz de vanguardia de mediados de los 60, en general la música aquí es un poco más relajada y controlada, cohesiva, que mucha música similar de este período de tiempo. Young tiene un gran conjunto (tres cuernos, dos baterias, más él mismo) reunidos para esta grabación, pero los músicos a menudo son sensibles entre sí y no participan en exhibiciones competitivas de fuerza sónica. Los dos bateristas (Wilson Moorman III y Jerry Thomas) tienen cuidado de mezclarse entre sí mientras crean combinaciones rítmicas fascinantes.

Cod: #1381

24 ago. 2019

Ovary Lodge - Ovary Lodge (1973)

Keith Tippett fue una figura que supo experimentar con el jazz de vanguardia, el free jazz y la libre improvisación, incursionando en terrenos desconocidos y jugado con las formas, los sonidos y las ejecuciones, a manera de crear nuevas propuestas conceptuales y estilísticas. Tippett resaltó en su época entre los pioneros del jazz libre inglés, con un sinfín de trabajos experimentales dentro del campo.

Hasta entonces, además de haber participado momentáneamente en la formación de King Crimson, Tippett había lanzado ya varios discos solistas o que funcionaron bajo su liderazgo, dos discos bajo el nombre de The Keith Tippett Group, además de liderar la enorme big band Centipede con la que lanzaría el enorme y ambicioso trabajo ‘’Septober Energy’’, además de lanzar su primer albuym solista, Blueprint en 1972.

Continuando su camino exploratorio y experimental, en 1971 crea el trio Ovary Lodge, junto al percusionista Frank Perry y el bajista Roy Babbington (de Soft Machine), con los que lanzan un álbum homónimo en 1973. Este es un colectivo dedicado a la forma más extrema de improvisación y abstracción, sin discusiones previas permitidas sobre la dirección de cada nueva pieza, extendiéndose hacia costados inimaginables y puramente creados en la espontaneidad de la ejecución libre.


Una de las gracias más peculiares de Ovary Lodge es que se dispone a crear vanguardia radical sin hacer uso de instrumentos eléctricos (o electronicos) ni emplear prodigiosos efectos de consola: bastan un piano, un contrabajo (casi siempre con arco), una batería, variados ítems percusivos y una cítara para crear el alucinado viaje musical que se nos avecina.

Un climax de abstracción se expande entre el silencio y unos extraños quejidos, golpecitos, rasguidos, ruiditos, matices sombríos y cautivadores, la vanguardia está servida a la mesa de una instrumentación sencilla y cuasi minimalista y se deconstruye bajo un aura inquietantemente sutil. Dentro de este enjambre de sublimaciones, quien más se destaca es Tippett en piano, demostrando su nivel académico fuertemente arraigado en el jazz, que no deja de desbordar el trabajo de nivel y profesionalismo improvisado.

Luego del lanzamiento de este álbum la formación del grupo cambiaría, Roy Babbington se iría a tocar el bajo a Soft Machine y sería reemplazado por el bajista nacido en Sudáfrica Harry Miller, además se sumaron su esposa Julie y el percusionista Frank Perry. En 1975 grabarían en vivo y publicarían  su segundo trabajo, que nos recuerda cuán ecléctico podría ser el cuarteto, yendo a donde quisiera sin tener en cuenta los límites y normas culturales o estilísticas. 

Cod: #1380

20 ago. 2019

Basil Kirchin - Worlds Within Worlds (1971)

Basil Kirchin fue un baterista y compositor británico de jazz. Tras comenzar tocando la batería en la big band de su padre, a la edad de 13 años, y continuar componiendo bandas sonoras para películas, acabó experimentando con la manipulación de sonidos pre-grabados, lo que le ha dado el reconocimiento como "el padre de la ambient music". Basil debutó en el Paramount, en Londres, en 1940, tocando la batería en la, entonces, popular big band de su padre, Ivor Kirchin. Tras la guerra, Kirchin tocó con Harry Roy y Ted Heath, directores de sendas big bands de baile, pero regresó con su padre, en 1951. La banda funcionó con éxito durante un tiempo, convirtiéndose en la banda acompañante de músicos como Billy Eckstein o Sarah Vaughan, sus conciertos fueron destacados en los polls de la revista Melody Maker. En 1957, el ascenso del Rock and Roll puso fin a la época dorada de las orquestas, y Basil decidió cambiar de escena.

Otro paso importante en su vida fue un viaje que emprendió hacia la india, una excursión espiritual de cinco meses a la India, a principio de los 60s, seguida de una temporada en Sydney, durante la cual sufrió la pérdida traumática de todo su archivo musical y una lesión en la cabeza casi fatal. Al regresar a Inglaterra, comenzó a componer bandas sonoras experimentales para películas, algunas reales, otras imaginarias. El dinero de las comisiones reales significaba que podía seguir ganándose la vida únicamente con la música, mientras que las piezas que hizo para producciones ficticias proporcionaron una salida creativa sin cadenas para su trabajo más vanguardista.

En 1967, el Arts Council of Great Britain le otorgó un premio consistente en un grabador Nagra, que usó para recoger innumerables sonidos naturales y de animales, captados en el zoológico de Londres, así como voces de niños autistas de la escuela suiza donde trabajaba su esposa.. Kirchin experimentó con variaciones de velocidad en las grabaciones obteniendo "pequeños cantos rodados de sonido". Sus experimentaciones fueron financiadas gracias al encargo de bandas sonoras como Catch Us If You Can (1965), The Shuttered Room(1967), I Start Counting (1969, con Jenny Agutter) y The Abominable Dr. Phibes (1971).

Con mucho del material que tenía grabado se dedicó a un trabajo propio, que sería uno de los trabajos más llamativos de su carrera, sus piezas experimentales fueron publicadas en dos álbumes, llamados World Within Worlds. El primero se publicó en 1971: Worlds Within Worlds, Columbia-EMI (SCX6463) y se dividía en dos partes, "Part I - Integration" y "Part II - The Human Element". El segundo no se editó hasta 1974: Worlds Within Worlds Island Records (HELP 18), con las partes siguientes, "Part III - Emergence" y "Part IV - Evolution".


Originalmente programada para ser una banda sonora de una película, pero convertida en esta obra maestra clásica de música concreta y collage de sonidos, World Within Worlds representa uno de los lados más experimentales de Kirchin, donde explora, fusiona y exprime todos sus conocimientos y experiencias previas, para crear un sonido experimental como pocos. Sonidos de animales transformados en posibilidades para que los improvisadores interactúen a la par, música concreta y free jazz, todos estos elementos se encuentran presentes en este lanzamiento que se trata de un autentico experimento, grabado en Pinewood Studios, Londres.

La obra se divide en dos partes, que ocupaban originalmente una cada uno los lados del vinilo. La primera parte es tal vez la más experimental, ‘’Integration’’, ya que es en la que aparecen grabaciones de cantos de animales como aves, sumado a la experimentación con música concreta, y sumado a esto además la instrumentación, tipo free jazz, con saxos desenfrenados, que aplican encima a todo esto; de ello queda algo irreconocible y altamente experimental, una fusión de mundo que a priori son muy disimiles y no suelen estar unidos en el mismo sonido.

Saxo soprano, contrabajo, marimba, cello, órgano, guitarra y bajo fueron combinados mediante la edición con llantos de animales, canto de aves y el sonido amplificado de ineptos, para crear así música abrumadora y totalmente original. Kirchin ha orquestado sus instrumentos de manera que se fusionen con los sonidos agregados. El canto de un canario hace dueto con un saxo soprano, y ambos se unen con un petirrojo y un mirlo en un cuarteto de gran belleza y complejidad. El increíble gruñido de un león es acompañado por una marimba y una guitarra en otra increíble sesión.

Ninguno de los discos obtuvo ventas importantes, aunque se convirtieron en discos de coleccionista. Continuó componiendo en esta línea, y editó nuevas referencias, con el sello discográfico Trunk Records. Muchos músicos han reconocido la influencia de Basil en sus obras. Desde Brian Eno y Nurse With Wound hasta Broadcast. Los últimos años de su vida los vivió en Hull.

Cod: #1379

18 ago. 2019

Josef Anton Riedl - Josef Anton Riedl (1972)

Compositor de obras para electrónica, multimedia e instrumentos autoconstruidos. Riedl se sintió atraído por la música desde muy joven, realizando obras improvisadas para piano y órgano mientras aún estaba en el gimnasio. Su vida temprana en Alemania fue complicada por la herencia judía de su madre; sin embargo, fue reclutado muy tarde en la Segunda Guerra Mundial, alrededor de 1944, solo para ser hecho prisionero por las fuerzas aliadas y retenido en un campo de prisioneros de guerra en Francia hasta 1947. 

Riedl nació en Munich en 1929. Después de un período de estudios en la Hochschule für Musik und Theatre München y en cursos impartidos por Hermann Scherchen en Gravesano, Riedl, influenciado por Carl Orff y Edgar Varèse, se dedicó como compositor particularmente a la percusión y al Lautgedichte (poesía sonora).

En 1950 fue cofundador de la Sección Alemana de Jeunesses Musicales, junto con Herbert Barth, Reiner Bredemeyer y Eckhart Rolfs. A partir de 1952 realizó trabajos pioneros en el uso de sonidos concretos y electrónicos, uniéndose a Groupe de Recherche Musicale de Pierre Schaefer en 1953. En 1955 trabajó en el estudio electrónico de NWDR en Colonia, y pasó algún tiempo en 1959 en el estudio experimental de Scherchen en Gravesano. Desde 1959 hasta su cierre en 1966, Riedl fue director del Estudio Siemens para música electrónica. En 1967 estableció el grupo Musik / Film / Dia / Licht-Galerie, y en 1974 en Bonn fundó el Foro Kultur, que dirigió hasta 1982.


El homónimo ‘’ Josef Anton Riedl’’, publicado en 1972, en un trabajo en el que presenta paisajes sonoros absurdos y psicoacústicos, que no solo abordan la música concreta electrónica sino que presentan una visión más profundamente arraigada en sonoridades experimentales, por lo que tenemos algunas piezas en las que se escuchan voces, otras con percusiones, otras con ruidos de papeles, otras con gárgaras y ruidos de voces en al agua; parece empeñarse en extraer y presentar formas musicales alternativas, con las cuales juega y experimenta en diversas formas y maneras. 

Este trabajo representa fielmente la idiosincrasia musical de Riedl, con sus formaciones en percusión, que aparecen reflejadas en parte del sonido que consta en sesiones percusivas en las que explora distintas posibilidades sonoras con distintos instrumentos y objetos de los que obtiene pequeños ruidos, golpes y percusiones.

Sus visiones lo llevan a jugar con los ruidos y sonoridades cotidianas, que se fusionan con la música concreta en un interjuego donde voces y percusiones se intercalan con arrebatos electrónicos y algunos sutiles pastiches agregados, con sonidos de instrumentos. La música concreta es la que le brinda la identidad a este trabajo y la que está detrás de la cohesión de todas las ideas presentadas,  se trata de un estilo concreto sutil, con los típicos collages y arrebatos de distintas distorsiones y accidentes electrónicos pero ofrecidas de manera agradable sutil y agradable al oído; un desarrollo que no parece del todo acabado por que manifiestamente representa una oportunidad para encontrarse con visiones experimentales no abrumadoras y por ende favorables para la expansión y la exploración.

Cod: #1378

8 ago. 2019

Harry Partch ‎- Delusion Of The Fury / A Ritual Of Dream And Delusion (1971)

Compositor, teórico e innovador, Harry Partch destaca entre tantos otros artistas clásicos estadounidenses como uno de los más excéntricos. Rechazó notablemente la tradición de compositores como Beethoven y Bach por falta de teatralidad y drama, y tomó sus mayores inspiraciones del teatro japonés Noh , incorporando frecuentemente el habla y la danza en sus piezas, además de exigir a los participantes que realizaran múltiples partes. Sus teorías reflejaron este rechazo, que buscaba devolver la tradición musical a las de la era preclásica, con un fuerte enfoque en la microtonalidad y los intervalos de octava más allá de lo que se utilizaba tradicionalmente. En muchas de las piezas que compuso destacarían instrumentos de su propia invención, incluidos instrumentos de cuerda muy modificados, instrumentos de mazo y órganos de tubos.

A lo largo de su vida, Partch lanzó una serie de discos, hizo una banda sonora de numerosas películas de Madeline Tourtelot y escribió el texto altamente influyente ‘’Genesis Of A Music’’, publicado por primera vez en 1949, que presentaría sus teorías a una audiencia contemporánea e inspiraría a otros compositores de vanguardia como Lou Harrison , Ben Johnston , James Tenney e incluso el famoso colectivo experimental The Residents . 

En su libro Partch responsabiliza a Johann Sebastian Bach por "el movimiento hacia una afinación de igual temperamento, lo que significa que los compositores no podían absorber las escalas de otras tradiciones mundiales; y la necesidad de hacer que la música sea aún más instrumental y abstracta". Luego continúa explicando su teoría de afinación basada en la entonación justa , el conjunto de instrumentos musicales de su propia invención (como el "Surrogate Kithara, un instrumento de cuerda golpeada", y la guitarra con trastes móviles que él solía componer Barstow), y varias de sus más grandes composiciones musicales .

Una de sus obras más famosas fue la obra de teatro Delusion Of The Fury , una obra de arte basada en el drama japonés Noh Atsumori, una forma importante de drama musical clásico japonés que se ha realizado desde el siglo XIV, a la vez que tomaba pistas de cuentos populares etíopes, la tragedia de Shakespeare y las antiguas tradiciones griegas. Delusion Of The Fury es considerado por los críticos e historiadores como una de las obras fundamentales de Partch, haciendo un uso intensivo de su característico estilo de composición micro-tonal, así como muchos de sus propios instrumentos inventados. Se considera su confrontación con su propia ira hacia un mundo que con frecuencia lo rechazó y le causó dificultades.


El primer borrador para cantantes, mimos, bailarines y músicos se llamó Cry from Another Darkness; Partch lo completó el 30 de diciembre de 1964. El segundo borrador, fechado el 17 de enero de 1965, era una pieza más larga y completa, titulada Delusion of the Fury. Originalmente fue concebido como una obra de teatro en dos actos, con un primer acto dramático y un segundo comediante. Partch completó la escritura de la música el 17 de marzo de 1966. La obra se estrenó por primera vez en UCLA Playhouse en 1969, después de lo cual fue grabada por Columbia Records y presentada en un formato de doble LP publicado originalmente en 1971.

‘’Delusion Of The Fury - A Ritual Of Dream And Delusion’’ consiste en una obra enormemente ambiciosa y experimental de música clásica moderna, que rechaza las viejas tradiciones y se abraza a nuevos conceptos expresivos y compositivos como medio de expresar en sí mismo los conceptos planteados, las nuevas formas expresivas y compositivas son parte fundamental de la obra en sí misma, representan el espíritu de lo que se quiere transmitir, al igual que el uso de instrumentos que fueron creación del mismo Partch, que eran parte de la escenografía de la obra en escena y era parte esencial del concepto teatral.

Esta no es solo una obra musical, es una autentica obra teatral que integra música, nuevos conceptos musicales, con una puesta en escena en vivo, con coros, actores disfrazados de época, mimos, efectos de luces, bailarines, además de 25 instrumentos desplegados en el escenario, funcionando de manera que los músicos pudieran convertirse además en actores y bailarines pasando de instrumentos a áreas de actuación según lo requiera el ímpetu del drama.

La música debe ser entendida conceptualmente, ya que se encuentra estrechamente vinculada con conceptos teatrales y con una historia que es relatada y a la vez musicalizada. El concepto compositivo de la música es muy complejo, exuberante, experimental y enormemente ambicioso; cabe resaltar que no deja de ser música clásica, pero esta no suena de la misma manera que conocemos a la música clásica en su forma tradición, en esta obra de Partch los instrumentos son ejecutados conceptualmente, los intrincados ritmos y armonías que emplea el compositor son empleados para evocar una respuesta emocional en el oyente, es un concepto de ‘’música corpórea’’.

La composición y el nivel de sofisticación de la música sobrepasan cualquier parámetro de lo conocido, incluso de lo conocido en la muisca clásica propiamente dicha; los instrumentos mediante ejecuciones cuidadosas y ‘’temporales’’ construyen estructuras enormes que guardan un dejo de misterio y reflejan la mente maestra de Partch quien devuelve, con sus composiciones, la teatralidad a la música y devuelve, mediante una composiciones meticulosa y una complejidad asombrosa, la cualidad artística que toda música debería tener y jamás debería perder. Se trata de una música más que experimental, música de orquesta experimental y teatral concebida como un enorme concepto artístico que exuda sus propias visiones.


El Acto I de Delusion of the Fury se basa en el drama japonés Noh Atsumori, que cuenta la historia de un guerrero que fue asesinado en la batalla. Su asesino ha viajado en remordimiento a la escena del asesinato, para que pueda arrepentirse. El guerrero muerto reaparece como un fantasma para el hombre. Luego entra su hijo, buscando creer que puede ver una visión de su difunto padre. El padre fantasma está lleno de resentimiento y vive de nuevo a través de la terrible experiencia de la batalla de su muerte. Finalmente, ante la inutilidad de su ira, busca la reconciliación tanto con su hijo como con el asesino.

El Acto II se basa en un cuento popular etíope , "Justicia". La historia es la siguiente: un joven está preparando una comida en el fuego cuando se acerca un viejo cabrero, buscando un cabrito perdido. Ella le pregunta al hombre si ha visto al niño. El hombre es sordo, no entiende la pregunta y, posteriormente, señala a la anciana. Ella malinterpreta esto como una dirección hacia la ubicación del niño perdido, se aleja y lo encuentra, y vuelve a ofrecer gracias. A su regreso, el hombre se enoja y se pone beligerante por ser molestado por segunda vez, y una multitud se reúne. Los aldeanos los obligan a consultar con el juez de paz, que es sordo y miope.. En otro malentendido, el juez toma la disputa como una disputa matrimonial y ordena a los dos que se vayan a casa junto con su "hijo".

Estas historias ilustran el tema general de Delusion of the Fury : la naturaleza delirante y la inutilidad de la ira humana, y la segunda incluye una crítica de la justicia comunitaria. Delusion of the Fury reúne la tragedia y la farsa en una sola obra, que recuerda la antigua tradición griega de seguir una tragedia con una obra de teatro sátiro . Los críticos dicen que Partch, quien se enfrentó a la injusticia y el rechazo de la sociedad en la que trabajó y vivió, puede haber ofrecido este trabajo como un gesto de auto-amonestación, una forma de enfrentar su propia ira hacia su mundo. Danlee Mitchell afirmó que Delusion of the Fury era "la reconciliación de Harry con el mundo".

Delusion of the Fury se estrenó en el UCLA Playhouse el 9 de enero de 1969, donde fue grabado para Columbia Records. Su siguiente actuación fue en 2007 por la Japan Society en Nueva York. En 2013, Delusion of the Fury se organizó por primera vez en Europa en Ruhrtriennale, en el norte de Alemania, por Ensemble MusikFabrik, bajo la dirección de Heiner Goebbels. Esta producción estuvo de gira en el Festival Internacional de Edimburgo en 2014. Delusion of the Fury recibió otra actuación en París como parte del Festival ManiFeste del IRCAM en la Grande halle de la Villette el 18 de junio de 2016.

Cod: #1377

7 ago. 2019

Albergo Intergalattico Spaziale - Albergo Intergalattico Spaziale (1978)

Después del gran éxito de su grupo ‘’I Giganti’’ en los años 60, Giacomo "Mino" Di Martino se dedicó totalmente a la exploración de la música de vanguardia, formando Albergo Intergalattico Spaziale con su esposa Edda "Terra" Di Benedetto. Junto con su esposa y actriz de teatro Terra Di Benedetto, Di Martino abrió un local de música en vivo en Roma referente a la música under y experimental, este espacio se llamó también Albergo Intergalattico Spaziale. Si anteriormente Di Martino había mostrado interés en la música cósmica alemana, es en este período en que comenzó a frecuentar a los músicos de la escena romana experimental y, en particular, a Franco Battiato , apasionándose por las formas más minimalistas de la experimentación italiana.

Es en este período y en este contexto que Mino Di Martino y Terra Di Benedetto comienzan a experimentar sonoridades hechas de electrónica y vocalizaciones, grabando en 1975 una serie de pistas que luego se convertirán, después de tres años, en su primer y único álbum que llevaría el mismo nombre del grupo. Este trabajo homónimo sería lanzado en 1978 en privado en un número limitado de copias.

En este proyecto vanguardista exploran las posibilidades sonoras experimentales ofrecidas por teclados y sintetizadores, manifestándose en un sonido particular, algo oscuro y difícil de entender, que se propaga en una propuesta experimental combinada con voces femeninas líricas y algo de minimalismo. El dúo estaba interesado en las vanguardias contemporáneas y así lo expresa, influenciados por las vanguardias italianas, por el minimalismo y por el krautrock alemán.


El concepto general del trabajo parece inacabado y poco maduro para la época, con conceptos aun no cohesivos entre si y formas figurativas que representan ideas no tan pulidas. En 1978 ya habían desfilado muchos exponentes que habían evolucionado mucho junto a la electrónica, por lo que Albergo Intergalattico Spaziale no representa un avance en la electrónica italiana, pero si es un buen ejemplo de ambiente under que circulaba en Roma en la época.

El sonido es inacabado pero enigmático, guarda recelosamente una oscuridad que no permite dejarse ver fácilmente, hay que buscar en él, dentro de las piezas, la esencia particular que contiene; en su rusticidad manifiesta un espíritu vanguardista honesto y rupturista. La aparición de la voz de Terra Di Benedetto es un buen valor del trabajo ya que ofrece un aire fresco donde reposar la tensión del concepto oscuro y devolverse hacia una senda algo formal.

Después del lanzamiento del álbum Di Martino e Terra siguieron sus experimentos musicales con varios conciertos hasta la década de 1980, y Mino también escribió una representación teatral a mediados de la década de 1990, ‘’Le campane del gloria’’, basada en los poemas del director Pier Paolo Pasolini con la ayuda del ex miembro de Stormy Six, Tommaso Leddi. En 1982 Di Benedetto produjo un interesante single para It (ZBT 7252) con Angels and Dinosaurs y Silence, Time Turns , lanzado para Terra. Giallo Records lanzó dos colecciones de grabaciones inéditas realizadas principalmente a finales de los 70 y principios de los 80, tituladas ‘’Angeli di solitudine’’ y ‘’Cammino sotto la mare ‘’.

Cod: #1376

6 ago. 2019

Code III - Planet Of Man (1974)

Este fue un proyecto más que eventual que funcionó pura y exclusivamente solo para el momento de la concepción de este trabajo. Code III nunca fue una banda, fue un grupo improvisado creado por el ingeniero de estudio de Berlín Manfred Schunke con la finalidad de poner en marcha un nuevo sistema de grabación que habían desarrollado en la Universidad Técnica de Berlín. 

El sistema de grabación se llamaba ‘’Kunstkopf Artificial Head’’, es un método de grabación utilizado para generar grabaciones binaurales que consiste en una cabeza artificial de un muñeco, con micrófonos en lugar de oídos, lo cual es utilizado para simular la posición de una persona real a la hora de grabación y que de esa forma, al momento de escuchar la música, se puede apreciar como en primera persona, con auriculares, todos los detalles de los instrumentos ejecutados.

Manfred Schunke quiso poner a prueba su nueva tecnología de grabación y le preguntó a Klaus Schulze si estaba interesado en participar de un proyecto musical experimental. Schulze aceptó y así el proyecto comenzó a formarse. El resto del equipo fue formado por Ed y Mary Key, una pareja de músicos hippies norteamericanos radicados en Alemania. Schunke participa del sonido con efectos de sonidos y voces, Ed Key en voces y guitarra, su esposa Mary Key en voces, Klaus Schulze en batería y también aparece el músico Aparna Chakravarti en tamboura y voces.


‘’Planet Of Man’’, lanzado en 1974, es el resultado de sus experimentos en estudio, es un inquietante trabajo de música cósmica electrónica alemana, un trabajo que conceptualmente gira en torno a la idea de la creación del hombre, la evolución humana y tecnológica a lo largo de los siglos, es una representación sonora de la historia de la Tierra, desde el vacío del espacio, pasando por la formación de los planetas, la evolución de la vida, hasta la dominación del planeta por el hombre y, en última instancia, de regreso al vacío.

El trabajo consta de tres extensas sesiones en las que se desarrolla la experimentación electrónica, a través de diversos efectos, de manera diferente en cada caso, representando la esencia cósmica de la música experimental alemana, con ambientes espaciales e hipnóticos y voces de ensueño. Hay una canción acústica que aparece en el primer track y también aparece al final del último track, una pieza pastoral dulce con guitarra acústica y flauta. El sonido del trabajo es muy variado en cada caso y experimental, siempre bajo un aura magnética de experimentación electrónica pero presentado diferentes situaciones sonoras como momentos de cantos tribales, momentos de dulces canciones con fondos de pájaros y mares, hasta pasar por el rock más hermético y áspero. 

Para este trabajo se alquilaron habitaciones y se construyó un estudio grabación exclusivo. Incluso Klaus, que nunca clavó un clavo en la pared, de repente cargó cosas, cortó madera, pegó y clavó. El estudio final fue llamado ‘’Delta Acustic’’, ubicado en Berlín, Klaus Schulze tomó la silla de ingeniero de sonido detrás del escritorio de grabación y mezcla. Después de algunos lanzamientos, todo el negocio del estudio terminó. Schunke se mudó de Berlín, fundó otro estudio en el norte de Alemania.

Cod: #1375
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