Al escuchar este disco se puede pensar que la psicodelia de la primera hora ha revivido, incluso siendo un disco que no siempre está en el rock, con algunos momentos con acercamientos a la música electrónica moderna, o aires que reflejan el pop de la neo psicodelia, pero es que se trata de un rock psicodélico actualizado, y aun así se encarga a la paradoja, inconsciente o no, de tomar de aquel viejo espíritu de la música de rock acida de antaño.
Hay muchos momentos que traen reminiscencias a los antiguos hitos del género, como guitarras fuzz recontra podridas que recuerdan al primer disco de la banda SRC, o momentos de delirio que traen a la mente a los primeros Pink Floyd, aunque también otros momentos más duros que traen a la mente a la heavy psicodelia de Blue Cheer, o también el clavecín utilizado en algunos temas trae aires de antiguos discos de la psicodelia barroca como ‘’Walk Away Renée / Pretty Ballerina’’ de The Left Banke.
No es una propuesta pasajera, no hay algo pasatista aquí, ya que en la escucha se revela algo que fue trabajado minuciosamente, es un sonido enriquecido con muchos elementos, con una producción que lleva al escucha hacia diversos lugares, pero sin moverte del mismo disco, y aun así todo suena con una cohesión que unifica a las propuestas en una misma cosa.
Algunos estribillos de estas canciones son algo pegadizos, está presente la neo psicodelia, con similitudes a Tame Impala o sonidos actuales. El disco pareciera por momentos tener esa influencia, es una colección de melodías actualizadas, pero esa lista de temas pop pareciera haber sido pasada por ácido lisérgico, por lo que la lógica de las canciones varía, y los ritmos se vuelven hacia lugares poco comunes, típico de las producciones psicodélicas de antaño. Este trabajo en la percusión hace de esto un esfuerzo que saca a la canción de rock de su lugar común y la ubica muchas veces en el frenetismo de una lisergia que roza con la heavy psicodelia, enriqueciendo la sensación psicodélica del disco.
Todo el disco es, no solo entretenido, sino también fresco, a todo momento. Hay una frescura en la propuesta que hace que todo el trabajo sea interesante, con una variedad de cosas que suceden y siempre mantienen el interés. Es un disco que va a su ritmo, con su propia dinámica; propuestas que ubican a toda la obra en un lugar fuera de lo común, en un lugar propenso a lo hipnótico, a lo lisérgico, un ritmo con un dejo propio. No es rock y ya, es una propuesta con mucha profundidad que obliga al escucha a viajar a otros lugares. Esto también puede significar ubicarse en el espectro de un público muy específico, es un riesgo agradable que toma el disco, dotándole de credibilidad y honestidad artística.
El trabajo ha llamado la atención de muchos, especialmente de amantes de la psicodelia, y no por nada eso ha ocurrido, es un disco muy esmerado, con mucho por ofrecer y que es capaz de sorprender gratamente a los seguidores de esos sonidos de antaño tan comunes en el rock de la vieja escuela.
Del pop se toma la melodía, el estribillo y las voces agradables, por lo que, aunque se escuche algo heavy, tambien se puede apreciar lo que se canta como algo familiar. Sumado a eso, hay un trabajo esmerado con las guitarras eléctricas, muchas veces muy sucias.
Y por supuesto también hacer pie en el aire actualizado que posee el disco, uniendo clavecín y heavy psicodelia con sintetizadores y pop más moderno, pero haciéndolo de manera en que ambos lugares puedan coexistir a la perfección. Hay también algos temas que van más hacia lo electrónico y podría pensarse incluso en otro tipo de estilo en esos casos, pero esa actualización va muy bien con todo lo demás que propone el disco, toda la propuesta está muy bien unificada, los ingredientes cohesionan muy bien entre sí.
Parece que el disco fue gestado a lo largo de un extenso tiempo, con mucho esmero grabado en distintas locaciones, con inventos y experimentos, algunos fallidos y otros producto de una inspiración acertada, todo para intentar dar vida a una obra que fue pulida y producida con mucho trabajo, y que en su resultado final se puede apreciar aquello tan particular. ‘’Waui’’ reabre el estigma de la vieja psicodelia, y la actualiza sin recelo para ubicarse como un artefacto destacado del género en los últimos años. El resultado es una cosa que todos ya conocemos, pero que de todas maneras todavía nos sorprenderá.
En bandcamp es el propio artista es quien describe al disco de esta manera:‘’Dimorphodons, también conocido como el productor, multiinstrumentista y melómano empedernido Will Twynham, presenta su álbum debut, largamente gestado: Waui. Desde la grandilocuencia stoner de «Land Over Sea» hasta la grandilocuencia barroca cinematográfica de «Gondwanaland», Waui representa una obra que no fue fácil de reunir, terminar ni siquiera empezar. Un ambicioso viaje por la mente de un amante de la música, el proceso de grabación incluyó estancias en Glastonbury y Los Ángeles, un clavecín transportado en la parte trasera de una furgoneta hasta una capilla abandonada, cuatro bateristas, un coproductor, innumerables intentos fallidos, experimentos y momentos de inspiración que se han cristalizado en una obra de sorprendente originalidad.’’
Sonidos bluseros pesados es lo que encontrarán aquí, sonidos acercándose a un rock heavy y con mucho condimento de blues, un sonido que tiene su parentesco sonoro con otras bandas bluseras pesadas de la época como muchas las había por todo el mundo. Este estilo es un referente y una marca maldita del sonido de la época, una modalidad que sobrevive en muchas bandas, under o no, de la actualidad: blues, rock pesado, riffs, distorsiones, solos de guitarra y atascos eléctricos.
Otro estilo que es parte de la formula rockera del momento, que destilaba un sonido pesado que comenzaba a surgir en las bandas de la época, el elemento del blues que estaba más fuerte que nunca y ya se había fusionado hace algunos años al rock y la distorsión, y un sonido que era parte de la evolución del rock de la época, a partir del cual algunos comenzaron a endurecerse más aun mientras que otros tomarían caminos hacia tierras de mayores complejidades.
Muy poca información hay dando vueltas de esta agrupación alemana, nacida en Alemania y habiendo tomado ese camino hacia el rock pesado. Estuvieron activos durante pocos años hacia finales de los 60s y principio de los 70s. El que sería su primer disco fue publicado en una edición que intentó ser comercial y vender el material, bajo un nombre de banda diferente y bajo un nombre de publicación también alterno.
Pronto la banda cambiaria su rumbo y publicaría su disco ya bajo Hairy Chapter, y apareciendo dicho primer material en cuestión como un disco llamado ‘’Eyes’’. La portada pareciera mostrar el rostro de un cadáver, tal vez a modo de protesta para cortar con ese intento comercial que se le quiso dar al material en la primera publicación.
‘’Eyes’’ es un disco pesado de rock eléctrico, liderado por guitarras distorsionadas, sesiones duras, y un combo que se maneja en general muy bien por estas tierras. Mucha composición con riffs duros fue aplicada en esta fórmula rockera que no falla en su intento pesado, en muy buena forma para ser 1970. También el blues no falta y se combina de manera formidable con las composiciones de la banda.
Por su parte también la banda supo experimentar una evolución artística a la vista en los tan solo dos discos de estudio publicados, siendo este, ‘’Eyes’’, de 1970, su primer lanzamiento, tal vez el más crudo de ambos, el más rockero aun ligado a la canción y a la sesión de rock que es lo que marca la sustancia de estas composiciones.
Luego el grupo proseguiría con ‘’Can't Get Through’’ de 1971, su segundo lanzamiento discográfico, continuando con el sonido de rock pesado pero esta vez con acercamiento hacia el mundo de lo progresivo y las composiciones más metódicas, más pensadas hacia esos andamiajes compositivos complejos.
Hairy Chapter estaba compuesto por Harry Titlbach en la guitarra, Rudolf Oldenburg en el bajo, Rudi Haubold en la batería y Harry Hunte en la voz, su disco Eyes fue publicado en 1970 bajo el oscuro sello OPP World Wide.
Pocas bandas alemanas del momento alcanzaron ese acierto en la intensidad y llegaron a sonidos pesados dentro del blues, sus lanzamientos tuvieron repercusión, pero Hairy Chapter no sobrevivió mucho más que eso. El ingeniero de este disco fue Dieter Dierks de Cosmic Jokers.
Más allá de los inevitables emprendimientos comerciales inherentes a la condición humana, el rock de esa época se encontraba en una de sus más importantes encarnaciones y en un estado de fulguración total. Ya habían pasado décadas y estilos dentro del rock & roll y el rock psicodélico, entre otras encarnaciones, y ahora era el turno de ese recrudecimiento de los sonidos populares que habían puesto en boga bandas como Black Sabbath y que habían adoptado y continuado muchos otros.
El estilo continúa hasta el día de hoy, evolucionando posteriormente hacia un sinfín de sub géneros, pero en su época fue comenzado por varias banda de todo el mundo que siguieron esa onda y la replicaron bajo sus propias visiones.
El estilo de los chilenos
de Aguaturbia siempre fue, por lo menos en sus discos de estudio, el de un rock
muy acertado, que no vacila y por lo tanto genera revuelo, además de tender
puentes hacia la psicodelia contracultural norteamericana con similitudes en
ejecuciones y por un estilo rockero que suele asemejarse. Esa personalidad que
tuvieron los llevó a causar ruido con sus discos, primero por las portadas de
los mismos, y seguido a eso, por el muy buen sonido rockero pesado y
psicodélico que manejaban, una insignia de la psicodelia chilena y un punto de
referencia ineludible del rock fundacional de Latinoamérica.
A diferencia de muchas
otras bandas latinoamericanas, Aguaturbia no toma aun elementos folkloricos
locales, sino que presenta un sonido netamente rockero pesado, con muchos
agiles solos de guitarra eléctrica, adición del blues y acercamiento a lo psicodélico.
Todo este repertorio los llevó a ser referentes en su país natal, referentes en
Latinoamérica y referentes entre los conocedores de la psicodelia universal.
Sus discos, con pocas tiradas originales, son hoy elementos codiciados en el
coleccionismo del mundo psicodélico.
Como universalmente suele
pasar con los artistas pioneros, Aguaturbia tuvo un paso rápido y con solo dos
discos en la escena rockera de Chile, discos con poca tirada, y siendo la banda
fuertemente castigados por la crítica y medios, pero su desenfado y su estilo
rockero pesado marcaron la escena y lograron ser posteriormente reivindicados
como lo que realmente eran, una banda pionera y de gran influencia. La
inocencia que tuvieron para ejecutar sus acciones artísticas, sus discos y su
sonido es tal vez otro carácter importante en estos músicos que para entonces
eran unos jóvenes muchachos que estaban comenzando sus carreras profesionales y
que de pronto se encuentran con la fama y la controversia.
La banda es formada en 1968 por la pareja de Carlos Corales y Denise, el
baterista Willy Cavada y Ricardo Briones en el bajo. Ya armados, comenzaron a
ensayar en septiembre de 1968, dejándose llevar por la influencia de los
sonidos más psicodélicos como de bandas como The Jimi Hendrix Experience y
Jefferson Airplane, aunque también en sus orígenes y gustos había música de
soul y blues el estilo de canto de Denise se inspiraba en Janis Joplin, Aretha
Franklin y Billie Holiday.
En 1970 aparecerían sus dos primeros y únicos discos publicados en la época, comenzando con el homónimo ‘’Aguaturbia’’, un hito del rock psicodélico chileno, que causó revuelo y marco el puntapié para nuevos sonidos. Este primer disco está compuesto por varias reinterpretaciones de temas de rock extrajero y con algunos otros tracks creados por la banda con lo que también causarían revuelo, como la pieza ‘’Erotica’’.
Ya para su segundo lanzamiento aparecería ese mismo año su ‘’Volumen 2’’, otra pieza de rock muy acertada, un rock actualizado, con carácter propio, una guitarra eléctrica especializada que sabe muy bien lo que está ejecutando, y una voz femenina que marca tendencia y da un toque especial al rock de la banda.
Este disco contó con una nueva polémica que fue la portada insignia del mismo, con los rostros de los músicos y de fondo pudiéndose apreciar a la cantante del grupo, Denise, crucificada, imagen inspirada en la obra ‘’Cristo de San Juan de la Cruz’’ de Salvador Dalí.
El disco posee varios rock pesados al estilo de manufactura de la banda, mucha dinámica y poder, mucha vena rockera, y una frescura en la composición que hace de los temas un pasaje muy agradable y divertido. Los temas de esta banda no son de molde y tiene una personalidad propia, seguramente esa frescura es la que hizo que llamaran la atención en su momento y la sigan llamando. La pieza llamada simplemente ''Evol'', es un track de casi nueve minutos, un atascos pesado, duro y puramente rockero psicodelico, una autentica delicia con toques experimentales y un aire proto progresivo.
Una fusión de blues y rock pesado, tal vez heavy psyh, con mucho de atascos y un dinamismo que los hace volar en cada ejecución. ‘’Volumen II’’ fue grabado originalmente en estudios RCA y producido por Camilo Fernández. Este, tanto como el primero de la banda, son clásicos indiscutibles del rock chileno.
Este artefacto se podría ubicar entre la psicodelia y el rock proto progresivo, en realidad tiene mucho de zapada instrumental, todo el disco es instrumental, pero al recorrer varias partes internas y tratarse tan solo de cuatro extensas piezas, entonces queda una sensación de complejidad en el ambiente. Un sonido pesado de power trio con gran oficio para la zapada bluesera-rockera, por lo que los solos de guitarra no faltan. El rock que manejan es un rock pesado, rockero, rocanrolero, con ejecuciones que funcionan muy bien en la agilidad de sesiones amplias e improvisadas.
En esencia esto es psicodélico hasta la medula, cuatro piezas instrumentales con accesos internos hacia tierras de volatilidad rockera guitada por una guitarra electrica, con suciedad, ambientes, acercamiento a lo ritual y al delirio. Las cuatro piezas cuentan con pasajes internos, instrumentales e aparentemente improvisados, en los que la banda se vuelca hacia la libre ejecusion rockera, la jam sesión instrumental, en lo que demuestran ser maestros.
Las cuatro piezas que componen el disco cuentan con una característica similar, que es el hecho de que abren y terminan las sesiones con un motivo prefijado, la composición con algún riff o arreglo particular, siendo en el interior de ello, el desenlace en el que viajan hacia momentos de improvisaciones con mucha libertad.
Aunque también en ‘’The Gator Society’’ proponen un sonido que va más allá del rock, con la creación de ambientes misteriosos, donde esa característica tan hippie de lo ritual tiene lugar, cuando lo que comienza como un rock pesado termina siendo un pasaje por algún templo etérico en el espacio. Allí viajan muy lejos del rock insmiscuyendose hacia tierras desconocidas y misticas por naturaleza. El disfrute psicodélico que se puede obtener de muchos pasajes de este disco es absoluto, siendo a banda un grupo de músicos con miras hacia un más allá bastante lejano que los hacía extender sus composiciones de rock hasta lugares insospechados.
Para los amantes del sonido hippie y especialmente los amantes del sonido rock improvisado y las sesiones libres esto puede llegar a ser una perla, todo este trabajo se fundamenta en la improvisaciones, siendo el rock una excusa para liberarse de muchos moldes preestablecidos, para utilizarlo como plataforma desde la cual partir hacia una música que, aunque muy típica de la época, era la música ‘’nueva’’ del momento y ello trajo frutos en forma de influencia a mucho que lo que ocurriría luego en la escena rock y en la ‘’época de oro’’.
Este disco es una perla de rock olvidada en el tiempo y rescatada a veces por el mundillo de los amantes de la psicodélia, un trabajo que es estandarte de su generación en cuanto a reflejar lo que ocurría en ese ambiente creativo de las escenas de rock de la época en todo el mundo, en tanto a mucha improvisación, muchos solo de guitarra eléctrica, sonidos duros de rock & roll, momentos instrumentales, e ingreso a momentos de misticismo musical, rituales de rock.
''Goldenrod'', fue una banda norteamericana de rock acido/psicodelico de entre mediados y fines de los 60 que estuvo en proyectos donde fueron teloneros o tocaron con Elvis Presley y The Doors, entre otros. Eran provenientes de California y el grupo estaba integrado por Ben Benay en Guitarra, Jerry Scheff en Bajo y Toxey French en Batería. El interés del conjunto en la música pesada y la improvisación dio lugar a la grabación de su primer y único álbum, que se grabó en 1969 en Hollywood, bajo el sello Chartmaker Records.
Luego de este proyecto todos los músicos se dedicaron a sus asuntos. Ben Benay continuó su carrera guitarrista de sesión. Grabó con Barry McGuire, "Steely Dan", T-Bone Walker, BB King, Barbra Streisand, "Beach Boys", Cher, John Mayall y muchos, muchos más. Jerry Scheff se unió al grupo de Elvis Presley en 1969, donde trabajó hasta 1977. Era el bajista en el álbum "LA Woman" de la banda "The Doors" (y, si no fuera por la muerte de Morrison, incluso podría convertirse en miembro de él). Visto en los discos Ray Manzarek, Bob Dylan, Barry McGuire, Elvis Costello, etc. Toxey French grabado con Patti Dahlstrom, Free Movement, etc.
En Argentina tuvimos algo así como post hipismo, que fue la continuidad del hipismo de finales de los 60s pero traído al país para ser recreado algunos años más durante los 70s, incluso años posteriores también. La psicodelia en los Estados Unidos e Inglaterra comenzó alrededor de 1966, con un desarrollo y ejemplos prototípicos incluso más tempranos, pero en argentina tuvimos algunos de los primeros ejemplos discográficos importantes dentro de estos sonidos recién en 1969, para establecerse más especialmente durante los primeros años de la década de los 70s. En realidad, tampoco era psicodelia propiamente dicha, porque el rock argentino de la época siempre tuvo bastante personalidad como para recrear sus propias visiones y poética y no copiar de molde lo que tomaban del extranjero, sin dejar de lado el hecho de que la obsecuencia a la tendencia es de alguna manera u otra un tópico siempre presente en la psique humana, o por lo menos del artista contemporáneo a la misma.
Por otra parte, sí era psicodelia, a la argentina, pero psicodelia al fin, con un efecto amortiguado por el ambiente cultural local: las influencias culturales regionales, las represiones militares que marcaron las visiones de los artistas del país, y el avanzar mismo del tiempo que hace que la influencia se mueva y modifique de acuerdo a las novedades del momento en la escena artística. Con todo ello, bandas argentinas como, por ejemplo, Billy Bond y la Pesada, recrearon y tomaron mucho de la filosofía hippie, sus discos, con sus letras oníricas, experimentaciones instrumentales y zapadas constantes en blues y rock, dan cuenta de ello.
Color Humano parece haber vivido ese efecto también, con composiciones áureas de rock, entre canciones con buenas melodías y pasajes, letras cósmicas que le hablan al sol, y proyectos musicales muchas veces conceptuales o que responden un motivo artístico común que enarbola toda la producción de la banda bajo un aura de luz rockera. El primer disco de la banda, el homónimo ‘’Color Humano’’, de 1972, es un asunto serio, con búsquedas de un sonido con el que parecen haber encontrado alguna cosa que no puede palparse y abarcarse, pero que está allí, en el sonido del grupo, como viniendo de algún lado y disimulándose entre la instrumentación.
‘’¡Larga vida al sol!’’ proclaman mientras el grupo se pierde dentro de un aura misteriosa, de guitarras provenientes de otro espectro, una evolución estructural que hace de la misma una exploración, letras oníricas, estamentos de luz, búsqueda proto progresivas, o progresivas en sí, y buenas zapadas que dan cuenta que estaban a la altura de los sonidos de la época y que a su vez eran muy buenos músicos. De alguna manera en el disco aparecen algunos motivos comunes de los discos hippies de la época, entre zapadas en temas extensos de 10 minutos mínimo, canciones acústicas, poesía en letras oníricas, experimentación con alucinógenos, experimentación con estructuras, sonidos y texturas. Habían bebido de esa fuente, pero la habían cortado con un poco de cultura argentina, que no dejaba de ser la contracorriente hippie, pero bajo las condiciones sociales, políticas y económicas locales, y bajo los recursos con los que se contaba.
En este primer disco la banda experimenta un poco con la composición en temas de rock bien ornamentados y con desarrollos de elaboración, no se trata de simples canciones sino de piezas de rock que cuentan con búsquedas bastante esmeradas que incluyen muchos elementos en su haber, pasando por varios pasajes internos y progresiones internas. Una de esas piezas es ‘’Humberto Azulado De Azul’’, un tema de rock pesado, psicodélico, extendido con una sesión de improvisación interna, por lo que la pieza alcanza la duración de diez minutos de duración. Otro tema similar en el disco es ‘’Silbame Oh Cabeza’’, que también cuenta con una búsqueda instrumental interna, entre arreglos de bajo y motivos finales que dan fin al tema.
Aunque él momento del disco, el corazón sangrante del disco, es el mítico ‘’Larga vida al Sol’’, una pieza que marca más especialmente este costado áurico del disco, su sentida letra, su composición particular, e incluso el sonido que se obtiene de la guitarra eléctrica, dan cuenta de una pieza única en su época, con mucho carácter místico, mucha estirpe del hipismo argentino de la época que muchas veces hacia referencia a lo invisible en sus canciones y formas de vida, generándose entre los músicos y artistas de la época algo así como cofradías y grupos, agrupaciones que se reunían bajo el aura del arte y las búsquedas espirituales. ‘’Larga vida al Sol’’ comienza con unos rasgueos misteriosos, como anunciando un ingreso hacia algo, o un misterio que busca salir en forma de música, el sonido de la guitarra en el tema aporta gran parte de ese efecto y comanda al trio de músicos, y al oyente, a un viaje como pocos en la época, incluyendo canción, incluyendo viajes progresivos, incluyendo momentos extraños y poesía.
Otra pieza interesante aquí es la ‘’Introducción Polenta’’, una pieza instrumental que paradójicamente por su nombre cierra el disco, y que podría decirse que es ‘’progresiva’’ por su elaboración, ya que no es una canción sino una incursión instrumental con pasajes que avanzada y momentos que progresan y no se detienen en la repetición de alguna estrofa o estribillo. El disco se completa con dos piezas ‘’acusticas’’, la bella ‘’Padre Sol, Madre Sal’’, una bella canción en la que participa la cantante argentina Gabriela. Por otra parte, la pieza ‘’acústica’’ ‘’Después Del Hachazo’’, otro momento solo de guitarra bastante particular y que está al tono de la experimentación del grupo.
Tres son los lanzamientos discográficos que dejó la banda tras sus años de vida. Para el segundo lanzamiento la agrupación había preparado un lanzamiento de doble LP, pero por cuestiones de negocios el disco se dividió en dos, formándose así el ‘’Color Humano 2’’ de 1973 y ‘’Color Humano 3’’ de 1974. La banda para este primer lanzamiento estuvo formada por Edelmiro Molinari en guitarra y voz, coros, piano en "Introduccion Polenta", David Lebon en batería y coros, y Rinaldo Rafanelli en bajo, coros, órgano en "Introducción Polenta".
Aquí hay otra pieza perdida de la psicodelia tardía estadounidense, que deriva hacia la heavy psicodelia por la dureza de las guitarras y de los solos y por las canciones con esa epica que desprenden en muchos momentos, hard rock y heavy psych a pura potencia y con épicas incandescentes.
Hay varios momentos trascendentes aquí pero seguramente se trate del segundo track del tema, ‘’Ruler of the universe’’, la pieza que marca del disco, le termina de dar identidad, y la saca de algún tipo de convencionalismo para plasmarse en una zapada extensa en guitarra eléctrica y con momentos hasta espaciales. Es que trata de una canción estándar pero estirada con un solo de guitarra muy extenso que hace que la pieza alcance a los once minutos de duración, en medio de este solo brotan algunos efectos que perturban la performance del solo y lo conducen hacia momentos cósmicos.
En general las canciones, son sus respectivos solos de guitarra y agregados instrumentales, tiene un carácter de épica, con momentos proto prog y estribillos galácticos entre las liricas y las rabias varias, la épica se presta para quedarse desde y hacia muchos momentos en las canciones, aun siendo una gema under y privada.
Al momento de crear este trabajo el autor estaba pasando por momentos de aturdimiento, depresión, además de haber sido reclutado para el ejecito, momento al que él mismo no recuerda como lo mejor de su vida, tal vez sea de ahí que surge ese carácter de épica con el que cuenta el sonido, como tratándose de una sublimación de momentos interno que terminaron fluyendo musicalmente en momentos instrumentales muy intensos y solo muy rabioso y poderosos.
Terry Brooks recuerda: ‘’Terminé en el ejército en 'nam, lugar al que no entraremos. Esto fue a mediados de los años 60 y me reclutaron. Cuando regresé, pasé un tiempo bastante difícil durante mucho tiempo después de eso, con depresión y todo, y comencé a tocar blues nuevamente. Empezó con el álbum ‘’Translucent World’’ cuando todavía estaba aturdido. Era una especie de persona perdida con todas esas cosas que me habían pasado. Todo lo que tenía era mi música y el sentimiento en mi música y escribí sobre lo que sentía”.
‘’Translucent World’’ de 1973 y ‘’Raw Power’’ de 1976 son sus primeros dos trabajo, acreditados bajo el nombre de Strange, seguramente se trata de su música más conocida y llamativa, dos lanzamientos justamente publicados bajo su propio sello discográfico, ‘’Outer Galaxie Publishers’’. Ambos discos son muy similares, contado con momentos de tensión o epica muy fuerte que caracterizan al sonido, voces rusticas, buenas composiciones, y lo que no puede faltar en esta música, solo épicos solos de guitarra que tanto en ambos discos tienen su lugar para explayarse en un track por disco dedicado a la sesión donde la guitarra brilla por su poderío y nostalgia rockera.
Terry Brooks recuerda lo siguiente sobre sus orígenes y vida: “Empecé tocando blues en el circuito negro de todo Estados Unidos, el circuito chitlin', como se le conocía. Toqué por todo Estados Unidos con una banda negra, viajando con 18 personas en un autobús; en ese momento no había gente blanca en estos clubes. Yo era el único hombre blanco allí. Esto comenzó en el '61. Fue un momento difícil debido a las tensiones raciales. Había visto mucho abuso a los miembros de la banda que estaban conmigo, y muchas situaciones malas, pero tocar y viajar por Texas, México, Ohio, Mississippi, Louisiana, hombre, estás hablando de divertirte. ¡Esa fue la menor cantidad de dinero que gané en la música y la mayor diversión que tuve!”. Cuando se le consulta la manera en que definiría su música recuerda lo siguiente: “Es un estilo cósmicamente energizado. Tuve mucho cuidado de no tocar la música de otras personas. También tuve cuidado de no mirar ninguna otra extrapolación matemática. No quería ser influenciado por nada más”.
‘’Gusano Mecánico’’ representa uno de los momentos más álgidos del rock progresivo boliviano, propio de una banda que había nacido con influencias psicodélicas y hard rock pero con el paso de los años se fueron modificando en su estilo hasta alcanzar un nivel de complejidad llamativo, evolucionando en gran medida respecto de sus orígenes. Este LP de Climax es ampliamente considerado como un pináculo del progreso boliviano junto con ‘’El Inca’’, el debut discográfico de Wara, otra de las grandes bandas bolivianas del momento.
Climax fue una banda de rock boliviana de una carrera corta e inestable, funcionando principalmente entre finales de los 60 a mediados de los 70. Comenzaron como una banda que sumergida en los sonidos de finales de la década de los 60s, combinando hard rock, blues e influencias de la era psicodélica, interpretando en gran parte covers, y lanzaron algunos singles entre 1969 y 1970 llamados ‘’Nacido Para Ser Salvaje I y II’’. A finales de 1968 y principios de 1969, graban ‘’Nacido para ser salvaje’’ que incluía versiones de las canciones “Born to be wild” de Steppenwolf, “Sunshine of your love” y “Tales of the brave Ulysses” de Cream, "Fire" de Jimi Hendrix. En 1970, aparecería su segundo EP, llamado ‘’Nacido para ser salvaje II’’, grabado en 1969, en el cual participa también Bob Hopkins, un marine estadounidense que se integra a la banda tocando la armónica y cantando. El segundo simple de la banda incluiría una nueva versión de la canción de Steppenwolf conocida como “Born to be wild (The second part)" y además sus primeras composiciones: “The seeker", “Ritmo de la vida” y “El abrigo café de piel de gallina”, cantado por Hopkins, que se convertiría en un éxito para la banda.
Tras el paso de los años, con las nuevas influencias extranjeras, se reinventaron como banda de un rock que comenzaba a tender puentes hacia estructuras más complejas, sin dejar atrás las influencias psicodélicas y duras que bandas como Led Zeppelin o Hendrix les habían dejado. Es bajo ese contexto que crean y publican su primer LP, "Gusano Mecánico", publicado en 1974, un referente del rock progresivo boliviano que aúna la visión de un rock acido que sigue fuertemente ligado al rock pesado psicodélico, esto se puede ver en los fraseos y estructuras de canciones más convencionales como ‘’Transfusión de Luz’’, pero sumándole a esto todo un repertorio de composición que presentan estructuras atípicas y algo complejas, elementos sutiles de jazz, o momentos conceptuales.
Ellos se encaminan hacia algunas estructuras de marcado desarrollo compositivo, como lo es en el track conceptual ‘’Gusano Mecánico’’ que se divide en tres partes, ‘’Invasión/Dominio/Abandono’’, pero lo abordan desde una visión oscura, dura, tempestuosa, arrasadora, y el resultado de eso es una maquinaria mecánica que avanza en el tiempo y el espacio a pura ebullición rockera y que deja en el camino a cualquier que ose cruzárseles. Esa es la manera en la que encaran esa pieza y básicamente así también todo el disco, con una fuerza inusitada y un poderío psicodélico que late en las venas de la rabiosa guitarra eléctrica que lidera las sesiones, en principio, ya que tras algunas canciones en trio, en el disco, se les une un teclado que también permanece en ese torbellino poderoso que es el sonido. La pieza ‘’Gusano Mecánico’’, con su comienzo con cambios abruptos y repentinos y la incorporación de un teclado al mando de las armonías, dan cuenta de la influencia de bandas progresivas como Emerson, Lake & Palmer, es este el momento de mayor concepto y progresión del todo el disco.
El álbum comienza como termina, en un torbellino portentoso, una amalgama que ronda entre prototipos sonoros de una música a veces situada en lo progresivo, a veces netamente rockera, alcanzando a elaborar un sonido conceptual con base en una mirada pesada y dura, un aparatejo gigantesco que derrama su poderío en mecanismos conectados en circuitos rústicos que prosperan como un experimento híbrido entre músicas de una índole variada que sutilmente pero con fuerza se encamina hacia un adelante mecánicamente dictado.
En los nombres de los tracks nos podemos encontrar con referencias hacia mundos etéricos de luz, ‘’Pachacuttec (Rey de Oro)’’, ‘’Cuerpo Electrico - Embrión de Reencarnación’’ o ‘’Prana - Energia Vital’’ son algunos nombres que figuran en el disco y que demuestran los intereses de la banda por la mecánica áurea, la filosofía del ser, esa concepción metafísica e introspectiva que tanto demuestran muchas bandas locales sudamericanas y que sería el eco imperecedero del legado de civilizaciones antiguas que se desmoronaron hace cientos de años pero que permanecen en el inconsciente del legado precolombino que late en las fibras de estas tierras. Wara en su disco ‘’El Inca’’ también se hace eco de esta influencia y lo demuestra en la incorporación de instrumentos autóctonos o sonido típicos, en cambio Climax que aunque también pareciera demostrar la misma influencia milenaria, lo demuestra de otra forma, con las letras cósmicas, los conceptos compositivos y la fuerza vital que corre por las venas de su poderoso sonido. La banda trae no solo el mejor ejemplo del rock boliviano de la época, sino también uno de los mejores álbumes de rock psicodélico pesado de América del Sur en los años 70.
Es hora de una nueva entrega y aunque este disco ya se encuentra circulando por la red, principalmente porque en muchas páginas han posteado versiones más viejas (las cuáles también se las traigo) y porque el mismo grupo está vendiendo el disco remasterizado a través de Bandcamp, ya sea por formato físico o digital, hoy les traigo mi ripeo personal de la copia que me llegó hace unos 3 días, ya que tenía hace mucho que no posteaba algo de mi colección física.
Muchos de ustedes ya conocerán esta obra salida en 1972, aunque grabada entre el 68 y el 69, y aunque sé que es un tanto difícil de digerir por la simplicidad de su contenido y porque es un producto bastante similar a otros que salieron en el periodo de 1968 a 1973, al final termina siendo un disco bastante gratificante y que va dejando su huella dentro de uno.
Todo empieza con su vocalista George Faber, nacido en el seno de una familia de comerciantes de colchones de Champaign, Illinois, el cual decidió hacerse músico antes que seguir en la tradición familiar, él empezó siendo un aficionado a la música negra como el doo-wop y el soul y al rockabilly, pero en 1964, cuando surgió la "ola inglesa" con los Beatles, los Rolling Stones, los Animals, los Yardbirds y los Kinks, él encontró nueva inspiración ahí, tanta que gracias a los Rolling, empezó a interesarse por el viejo y marginal blues de Chicago que solo los ingleses tenían en su memoria (en aquel entonces), y esto lo entusiasmó a formar una banda, el problema es que no encontraba a ningún músico en la secundaria donde acudía, así que su amigo más cercano Larry "Tabe" Tabeling -con quién Faber pasaba más tiempo debido a las constantes peleas entre sus padres que no eran más que síntoma de un matrimonio que estaba muriendo- decidió aprender a tocar el bajo, debido a que se le hizo más fácil que la guitarra y poco a poco se les fueron uniendo otros músicos locales como el guitarrista Bryce Creighton y el organista Jimmy Hill, que eran músicos de tiempo completo en un grupo de breve duración llamado The Bohemians. Faber y Tabeling probaron que esta nueva banda sería más duradera.
Era 1965 e Illinois era una cuna fértil de bandas de garaje directamente inspiradas por la ola inglesa, entre ellas esta banda que aún carecía de nombre, encontraron al baterista Eric Swenson, al guitarrista Mark Warwick, al vocalista Jim Cole y al bajista Tim Anderson y aquí empezó su aventura por la escena música, ensayando en la casa de este, en donde se daban muchos eventos juveniles. Poco después se harían llamar los Finchley Boys, en inspiración directa de la leyenda que viene atrás del disco de los Kinks "Kinda Kinks" de ese mismo 65 que trata sobre una pandilla juvenil de la Londres marginal de aquel entonces.
Y así como fue cambiando el mundo en el 65 y el 66, los ensayos en la casa de Swenson le llamaron la atención a Bob Nutt, un hombre de negocios y manager que tenía una empresa llamada Blytham Limited y poco después, el grupo en su primigenia encarnación tocaría en un pequeño cine.
Poco después, Swenson dejaría su puesto de baterista debido a "problemas personales" y fue sustituido por el joven baterista J. Michael Powers, que al principio fue influenciado por el jazz, pero después encontró amor por el rock debido a los Kinks, abandonando así el jazz y la música clásica, por lo que congenió muy bien con el resto de miembros de la banda.
Para este entonces, Nutt y su nuevo compañero, Irving Azoff, les programaron conciertos a los Finchley Boys en varias batallas de bandas locales, fiestas de iglesias, fiestas de fraternidades y pequeños clubes locales, y también para este entonces, el grupo agregaría al guitarrista rítmico Steve Dyson, quien estaría muy poco tiempo en el grupo, y es aquí cuando George Faber decide hacerse el otro vocalista de la banda, después de fungir como el roadie de la banda y este empezó a hacer mancuerna con Jim Cole al empezar a escribir canciones juntos, Cole en este momento empezó también a ser el guitarrista rítmico.
Poco después el baterista J. Michael Powers tuvo que dejar a la banda debido a que su padre consideraba al grupo como "una distracción", dando paso a Glenn Cronkhite, un baterista local de jazz que ya era considerado profesional y era 5 años más grandes que el resto de miembros.
Para Enero de 1967, tocaron una pieza de música avant-garde escrita por un estudiante graduado en un evento que ellos describen como "notable" en el salón de baile de la Universidad Illini Union de su natal Champaign, Illinois, según ellos, fueron ovacionados por el público.
Después de un periodo prolífico que duró entre el invierno y la primavera del 67, Jim Cole dejó la banda, debido a conflictos internos, dejando al grupo como un cuarteto.
En su gira del verano del 67, Cole se reconcilió con ellos y fungió como roadie, pero al llegar a Champaign, rompieron, pero George Faber y Tabe querían seguir en sus carreras como músicos profesionales, por lo que reclutaron al guitarrista Garrett Oostdyk, al vocalista Brian Cook y al baterista Al Goldberg, creando así lo que al principio iba a ser un supergrupo regional a la que llamaron Brownfield Wood que estuvo presente en aquel verano del amor.
Al poco tiempo, Faber, tabe y Oostdyk tenían planes de revivir a los Finchley Boys, por lo que decidieron contactar de nuevo a J. Michael Powers y así nació la alineación clásica del grupo, que fue la que grabó su único disco entre 1968 y 1969, pero que solo duró tres años.
Los Finchley Boys decidieron psicodelizarse al 100%, aunque sin olvidar sus raíces en el blues y la invasión británica.
Durante este periodo posterior al verano del amor, la empresa Blytham Limited quería crear una escena similar a la de San Francisco en la que los Finchley Boys fuesen el centro de ella, sin embargo, los intentos fueron fallidos, pero en la escena de Chicago surgieron algunos grupos psicodélicos como H.P. Lovecraft, Haymarket Square, Bangor Flying Circus y la Illinois Speed Press. Durante este periodo, los Finchley Boys tocaron en el famoso Kinectic Playground.
Chicago se vio más afectada por el pop psicodélico de The New Colony Six y por el brass rock de Chicago Transit Authority (luego renombrados Chicago), por lo que Oostdyk, decepcionado decidió volver a su natal Champaign, debido a que en Chicago, la gente no le puso demasiada atención a la contracultura y a la música psicodélica.
En Champaign, los jóvenes estaban interesados por la efervescencia psicodélica y la contracultura de los 60's, y los Finchley Boys hicieron mancuerna con The Windy City, otra banda local. Y así como lograron tener conciertos en Nueva York y Toronto, estuvieron a punto de firmar un contrato con la CBS, pero solo si el grupo incluía sección de metales y canciones cristianas, por lo que Oostdyk se negó rotundamente a firmar el contrato.
Durante este periodo de 1968 a 1970, los Finchley Boys hicieron la locura de incluir una boa constrictor en sus shows, antes que Alice Cooper, quienes de hecho, los ovacionaron y estaban ansiosos de ver a la mascota de los Finchleys durante un concierto en el Kinetic Playground, pero según cuenta Faber que él no la podía aguantar y esta alcanzó a arrancarle un mechón de pelos con una mordida, mientras actuaban en un show de televisión local.
También durante este prolífico, pero corto periodo, tuvieron oportunidad de grabar las canciones de su único disco que terminó saliendo hasta 1972, cuando el grupo ya estaba separado.
La primera sesión tuvo lugar en los Estudios Chess en Chicago, y fue supervisada por los ingenieros veteranos Ron Malo y Stu Black, quienes recibieron con indiferencia y malos tratos al grupo, debido a que para ellos, "tocaban muy alto", por lo que al año siguiente continuaron las grabaciones en los estudios Golden Voice ubicados en Pekin, Illinois, donde según cuenta Oostdyk, fueron unas sesiones más satisfactorias y donde los ingenieros se mostraron más respetuosos hacia la propuesta del grupo, y es fácil saber por qué, pues esos estudios tuvieron la presencia de muchas bandas psicodélicas y pesadas como Buster Browns, que sacaron un sencillo en el 68.
En el 70, los Finchley Boys se sintieron muy satisfechos, debido a que tocaron en el festival de Kickapoo en mayo de ese año, el cual fue inspirado en el festival de Woodstock y tocaron gente como B.B. King, Country Joe & The Fish, Canned Heat y los Amboy Dukes, y pronto fueron re-contratados para tocar en otro festival enorme que se celebró en Iola, Wisconsin, que según la banda, fue como una especie de Altamont, debido a los conflictos provocados por las pandillas de motociclistas que atendían el lugar, por lo que J. Michael Powers se salió de la banda, antes de que esta se trasladara a San Francisco por un tiempo que duró entre el 70 y el 71, en los que tendrían a varios bateristas de reemplazo, pero con estos bateristas, no pudieron lograr sonar igual, por lo que se separaron.
En 1972, sacaron Everlasting Tributes, el cuál incluía todas las grabaciones hechas entre 1968 y 1969, y este fue promocionado con la reunión de la banda, que pronto se volvería a separar.
Durante muchos años, el disco como algunas grabaciones extrañas de la banda y de los miembros por separado circularon de forma no oficial, hasta el 2010, cuando el grupo se reunió y por primera vez se reeditó el disco de forma oficial, acompañado de un disco extra con tomas alternas, demos y grabaciones de diversos conciertos que dieron entre 1968 y 1970.
Ahora, los Finchley Boys quieren volver a la fama y están reunidos dando conciertos en su natal Illinois.
Después de su extensa historia, hay que hablar de su música.
Los Finchley Boys tal vez no eran unos ultra-maestros en lo que hacían y su música hasta pudo haber pecado de sonar tan similar a lo que otros grupos contemporáneos estaban haciendo en ese preciso momento, de hecho, los Finchley Boys guardan bastantes similitudes con Frijid Pink, Buster Browns, Floating Bridge, Fat, la Illinois Speed Press e incluso los Love de este periodo, pero todas sus carencias son sustituidas con la honestidad, la crudeza y la buena onda que presenta su música.
Everlasting Tributes es un disco de un rock ácido basado en el blues que está tan influenciado por Cream, Hendrix, los Kinks, los Animals y los Yardbirds como por las bandas de la costa oeste como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Country Joe & The Fish, también poseyendo cierto elemento claramente heredado por las bandas garajeras de mediados de los 60's, dándole una identidad que definitivamente entra en el heavy psych.
Hay guitarras que vomitan fuzz y wah-wah, blues hasta morir y mucho ácido lisérgico de por medio, como en Swelling Waters e It All Ends, dos baladas psicodélicas que tienen ciertas reminiscencias de Quicksilver Messenger Service y Jimi Hendrix o las pesadotas Once I Was A Boy, Hooked y Restrictions que se posicionan entre lo mejor del heavy psych gringo y que llegan a sonar como a una mezcla entre los Stooges y Frijid Pink diluida con elementos de la Illinois Speed Press y Fields, aunque bueno, los refritos de Howlin' Wolf, los Animals y los Kinks no tienen madre tampoco.
El segundo disco al que titularon Neverending Tributes tiene las versiones alternas de Outcast que tiene aplausos y gritos pre-grabados en vivo y Hooked que suena un tanto extraña sin los overdubs, mientras que el resto del disco sigue con la misma propuesta que tenían en el disco: rock ácido blusero y pesado.
Según los Finchley Boys, van a sacar más grabaciones alternas, no se sabe cuándo, pero esperemos que pronto, de mientras les incluyo otra edición con algunos demos y grabaciones alternas que no fueron incluidas en esta reedición.
Wildfire se formaron en 1969 en la localidad de Laguna Beach, California, con al parecer, dos de las cenizas de un grupo de surf y doo-wop de principios de los 60's llamado Phil and The Flakes, el cual estaba liderado por nadie más, ni nadie menos que el gran Phil Pearlman (que es más conocido por sus extraordinarios proyectos psicodélicos The Beat of The Earth, The Electronic Hole y Relatively Clean Rivers), sin embargo el grupo se localizó en Austin, Texas, por lo que llegaron a alternar con grandes como Shiva's Headband y Johnny Winter, aunque igualmente se dice que llegaron a tocar con Blue Cheer en su natal California por allá en 1969.
Este, su único disco que en realidad fue un demo editado de forma privada y en un tiraje de muy pocas copias, fue grabado en los estudios Sonobeat en 1970 (donde un grupo llamado Mariani -en el cual tocaba un jovencito Eric Johnson- también grabaron su único disco llamado "Perpetuum Mobile" en el mismo año) en Austin, Texas. Al parecer "Smokin'" fue editado en el mismo año.
Según lo que leí en su página web oficial, el guitarrista Randy Love era fan de Jimi Hendrix y quería sacar el tono de este, por lo que estuvo dañando su amplificador Fender Showman, por lo que su papá le iba a comprar un Dual Showman como los que llegó a usar en varias ocasiones Hendrix, sin embargo conoció a Pat Quilter y este le construyó un amplificador de transistores de 200 watts de potencia que sonaba como uno de bulbos, al parecer inspirado por los mencionados Fender Dual Showman, luego el bajista Danny Jamison también tendría el suyo.
Ahora sí a hablar de la música contenida en el álbum.
Smokin' tal y como lo sugiere el título (en español, "fumando") es un disco de heavy psych a la orden del día, cargado con bastante funk y esa suciedad tan característica de varios grupos gringos de la época, se podría decir que aquel clásico power trio originario de Flint, Michigan que aquí gozó de una inmensa popularidad en los 70's llamado Grand Funk Railroad fue la principal fuente de inspiración para Wildfire, sin embargo también hay influencias de Hendrix (como lo dije arriba), Moby Grape y hasta Blue Cheer, cabe destacar que también me recordaron parcialmente a otros grupos contemporáneos como Fields, Josefus, The Frost, Bliss, The Third Power y hasta Banchee.
El disco abre con "Stars in The Sky" que me parece que es un homenaje a Jimi Hendrix y su infravalorada obra maestra "Love or Confusion" del '67, pues incluso las letras tienen bastante similitud, los siguientes temas se van más hacia las aguas del Grand Funk Rairload que sacó esos grandes discos de hard rock y heavy psych como Grand Funk, Closer to Home, On Time, The Live Album, Survival y E Pluribus Funk, sin embargo Wildfire suenan todavía más psicodélicos que el mencionado power trio de Flint, Michigan, seguramente por esos tintes tan típicos de la costa oeste que se notan en su ácida guitarra que acompaña a cada tema del álbum.
Mis temas preferidos son la rocanrolera y enérgica "Let It Happen", la funky "Don't Look For Me", "What I Have Got Now" y la extensa "Quicksand" que dura 11 minutos donde improvisan tanto el guitarrista como el bajista, aunque cada tema del disco es excelente, por lo que los fans del Grand Funk no se querrán perder esta única placa de este conjunto Californiano radicado en Texas salida por allá en 1970, pues es una excelente pieza de heavy psych con pinceladas de funk y del rock ácido californiano sesentero.
El power trio alemán ‘’Franz K’’ nace allá por el año 1969, integrado por el bajista y cantante Peter Josefus, , el baterista Stefan Josefus y el guitarrista Mick Hannes, originalmente llamado Franz Kafka. En un primer momento la banda comienza tocando rock pesado, blues rock, tipo Hendrix, tipico de las bandas de la epoca influenciadas por el blues rock negro americano, además de contener un fuerte componente político, típico de las bandas alemanas de la época. Un sonido que fueron ampliando a medida que irían acercándose al lanzamiento de su primer álbum. Su primer trabajo fue lanzado en 1972, en un número limitado de copias y con una cubierta hecha a mano, y tiempo más tarde fue re-lanzado, el mismo año, bajo Phillips y con una portada diferente. Ellos de alguna manera continuaron reflejando sus iniciales influencias psicodélicas pero tomaron a las mismas para transformarlas y reinventarlas en composiciones de compleja manufactura.
Básicamente el álbum se compone de dos extensas pistas de alrededor de 20 min cada uno, una pista cubriendo cada lado del disco, y no se trata más que elaboraciones pesadas donde la banda expone a la perfección sus intenciones, influencias hard y su inventiva psicodélica, con un sonido pesado que combina blues rock, psicodelia, hard rock, agresivas letras en alemán, plagado de absurdos eléctricos pesados, maravillosos atascos pesados en guitarra con acercamiento al estilo heavy pero desplegado en composiciones sofisticadas y extensas. Al ser tan extensas las piezas, se vuelven como mapas, exposiciones sonoras extensísimas donde la banda termina volcando todo lo que tiene, creando dos monstruos heavy psicodélicos impresionantes.
Las dos extensas estructuras que presentan se construyen en base a la composición, con algunas ideas símil progresivas en algunas invenciones interesantes con partes sucesivas que emulan un sonido complejo y atípico en su conexión entre lo heavy y lo complejo; estas estructuras tambien toman mucho del quehacer de la improvisación para completar las sesiones como buenos atascos pesados constituidos especialmente por guitarras heavy. El sonido del disco poco tiene que ver con el krautrock, ya que muy poco de acercamiento tiene con el vanguardismo y la electrónica, es verdad que hay algunos momentos eventuales donde se experimenta con el sonido pero eso parece acercarse mas que nada a una experimentación psicodélica.
Originalmente el disco fue publicado en un número limitado de 500 copias y con una cubierta hecha a mano, y se lanzó a principios de diciembre de 1971, reeditado al poco tiempo por Phillips con una portada diferente y con una tirada de 2000 copias, lanzado a finales de enero de 1972.
En 1973 llegó su, menos progresivo, segundo LP, aunque en 1977 comenzaría el apogeo de la banda, lanzando su tercer disco ‘‘Bock auf Roca’’, disco que dicen que es su mejor trabajo, e iniciando una carrera que llegaría hasta finales de los 80s, etapa en la cual lanzarían alrededor de 6 o 7 discos más. Alrededor de este tiempo concluiría su etapa principal, más adelante solo de destacarían algunas reediciones y grandes éxitos. En 1997 moriría Peter Josefus, uno de sus fundadores. En el año 2000, su hermano Stefan reorganizaría la banda y comenzaría así una nueva etapa del grupo, etapa en la que se distinguen, tres nuevos lanzamientos.
‘’Cinderella’’ es una banda danesa que tuvo su momento entre los primeros años de los 70s, un power trio cuasi progresivo, bien rockero, en una línea blues rock contundente y poderoso. La banda estaba compuesta por Allan Vokstrup en bateria, Henning Kragh Pedersen en guitarra y voz, y Søren Hilligsøe en bajo y voz. En 1970 alcanzan a lanzar un EP de 7 pulgadas con un par de temas, y cuando la banda estaba lista y pronta a lanzar su primer disco, para el sello Spectator Company, en 1972, tristemente la compañía se incendia, incluidas cintas maestras de los trabajos, por lo que el disco verdadero jamás vio la luz. No fue sino hasta 1990 cuando Spectacular Records recopila viejos tapes de la banda y los lanza en un disco, en formato vinilo. El materia es todo proveniente de viejos demos que había dejado la banda tiempo atrás. En realidad se trata de una típica banda de hard rock, influenciada por los grandes de la psicodelia, que decidió seguir el camino de muchos e ir hacia sonidos ya conocidos dentro del rock. En ese sentido, si el disco hubiese podido ser lanzado en tiempo y forma, talvez no sería tan llamativo, pero el hecho de que perdieran su trabajo en las llamas justo antes de ser lanzado al público, y el rescate de la disquera que lanza demos antiguos, eso talvez le dé un toque de heroísmo al asunto.
Musicalmente son correctos, más que eso, muy buenos y altamente disfrutables para el oyente rock. El título del disco dice algo como ‘’danish progressive rock’’, lamentablemente el sonido de la banda lejos estaba de ser progresivo, eso sí, los temas cuentan con una buena calidad de elaboración y buenos esfuerzos de la banda para generar un sonido propio, al volcar buenos solos, interesantes pasajes instrumentales y una potencia poco común. En el 2006 se lanza un cd recopilatorio, que combina lo mismos temas lanzados anteriormente, más otros EPs y algunos temas en vivo, de un concierto que la banda dio en 1972. Los temas 1, 2, 4, 5, 7, 8 and 9 fueron grabados en el ‘Spectator studio’, en 1970, y los temas del 10 al 14 fueron grabados en vivo, de un show que dieron en Studenterforeningen, Copenhagen, en 1972. Lamentablemente, dicha reedicion en cd, viene con un folleto con la historia de la banda pero en danes! no se entiende un pomo, pero bueno, viene con algunos bonus para apreciar más el trabajo de la banda, con su heavy psicodelia al mango, blues rock pesado y hard rock en guitarra eléctrica. Denotando una influencia directa de Led Zeppelin, con algunos riffs muy típicos de ese estilo, e influencia también de Hendrix, del cual hacen un par de cover en el disco, entre otras influencias como Vanilla Fudge, Cream o los Doors.
No mucha información he encontrado sobre ‘’Virus’’, se trata de una banda psicodélica Alemana, nacida en 1970, en la ciudad de Bielefeld, la cual tuvo una corta carrera desarrollada alrededor de entre principio de los 70s. Lanzaron dos únicos álbumes el mismo año, y al parecer se trató de una experiencia musical esporádica, creada en el momento pero con poca repercusión, por lo que no duraron mucho tiempo juntos. "Revelation" es su primer trabajo, de 1971, grabado en Star Studios, Hamburgo y producido por Konrad Plank. La alineación de la banda para este primer álbum es: Werner Monka (guitarra), Jorg-Dieter Krahe (órgano), Bernd "Molle" Hohmann (voz, flauta), Reinhold Spiegelfeld (bajo) y Wolfgang Rieke (batería). Se trata de un trabajo de rock psicodélico un tanto pesado, con texturas progresivas, pasajes espaciales, presentado todo en un claro sonido krautrock. Su música incorpora distintos elementos los cuales se hayan incluidos dentro de los largos atascos que componen el disco. Tres de las cinco piezas del disco duran alrededor de 10 min., tiempo suficiente para que la banda despliegue sus potencialidades, piezas en gran parte duras, con un rock heavy en guitarras y bases potentes. Dejan bien en claro que influencias tenían, marcan bien un sonido que se acerca por momentos a Deep Purple, especialmente por los teclados, también resaltan algún pasaje muy a lo Pink Floyd, con efectos de sonido tipo "Set the Controls for the Heart of the Sun" y/o partes bien rockeras con melodías en guitarra. Por otra parte interpretan, en medio del primer atasco, el tema ‘’Paint in black’’ de los rolings. Tanto acercamiento hacia sonidos ajenos, hace que no sean tan tomados en serio por quien los pueda escuchar, pero lo cierto es que tienen su personalidad y, por ejemplo, logran sonidos floydeanos muy buenos como para tratarse de una banda totalmente desconocida.
Por otro lado también es destacable la estructura del disco, con varios temas de sesión, largos, repletos de atascos, una parte solo del bajo, pasajes psicodélicos muy agradables y medio oscuros, por un momento también se escuchan efectos de sonido, talvez si se hubiesen animado a mas, hubiesen podido hacer algo netamente experimental, propio y más jugado aun, como lo que hicieron los suizos de ‘’McChurch Soundroom’’ en su disco de 1971, pero aun así, por supuesto que vale la pena destacarlos. Es un álbum underground difícil de describir, de gran inventiva, oscuro, misterioso e impredecible, que contiene muchas sorpresas a lo largo de las diferentes pistas. Los temas demuestran una gran musicalidad, mucho juego de guitarra y órganos para armar las sesiones psicodélicas que se desarrollan con gran nivel y potencia, con cierto acercamiento a sonidos de bandas como ‘’Guru Guru’’ o ‘’Gila’’. Para el segundo disco, la formación de la banda cambia, al igual que el sonido, abandonaron su pistas largas y psicodélicas he hicieron algo más convencional dentro de lo que es el blues rock. Poco se sabe de la banda en cuestión, después del lanzamiento de sus únicos dos discos. Tres de los músicos de Virus Participaron de la grabación del disco ‘’Weed, de 1971, junto a Ken Hensley, miembro de Uriah Heep. En 2004 fue lanzado en cd bajo el nombre de ‘’Remember’’, con un show en vivo que dieron en 1973.
La banda norteamericana ‘’Privilege’’ fue formada por el organista Paul Venturini y guitarrista Edward Leonetti, originalmente miembros de ‘’The Soul Survivors’’, los cuales decidieron formar su propio proyecto, al momento de la disolución de dicha banda. Ellos, estando en Soul Survivors, habían conocido y hecho amistad con los Isley Brothers, a los cuales llamaron para que los ayudaran en su nuevo emprendimiento. Los Isley Brothers rápidamente los invitaron a grabar y les consiguieron un contrato para un disquera. Con el contrato de grabación a la espera, Paul y Edward salieron en busca de otros dos músicos para formar el grupo de cuatro miembros que imaginaban. Finalmente se reencuentran con otros dos músicos, Jack Douglas y Tommy Brannick, que habían conocido alguna vez tocando por ahí, y con los cuales congeniarían rápidamente. La meta de la nueva agrupación, no era encontrar estrellas del rock, sino más bien hallar gente que tuviera la misma idea en mente. Con Jack en el bajo y Tommy en la batería, ‘’Privilege’’ comenzó a tomar forma, comenzaron a ensayar y a organizar el material que Paul y Edward habían arreglado. La meta de la banda era hacer algo relativamente básico y comprensible para todos. Finalmente, el grupo consideró que ya estaban listos para grabar. Bajo la dirección de The Isley Brothers se dirigieron a las sesiones de grabación. Paul Venturini recuerda que: "En vez de decirnos qué hacer, y tratar de cambiar lo que haciamos musicalmente, los Isleys dejaron canaliza nuestras habilidades y nos permitieron fluir y desarrollar todas nuestras ideas’’. Así, en 1969, lanzan su primer y único disco, ‘’Privilege’’, un lanzamiento homónimo producido por los Isley Brothers para su etiqueta T-Neck Records. Es un muy buen disco de blues rock psicodélico, con un montón de buenos riffs y buenos solos, dicen que es como una mezcla de influencias por parte de Hendrix, soul rocanrolero por parte de Isley Brothers y la inevitable influencia que traían los músicos por haber tocado en The Soul Survivors.
La meta de la banda estuvo relativamente bien lograda, hacer música que guste y que sea accesible para todo el mundo, los temas tienen buenos arreglos desde los riffs, hasta los arreglos de voces y la buenas melodías que combinan. También se dan el lujo de implementar un poco de distorsión, lo que le da un toque más duro heavy al sonido y vuelve mucho más interesantes los temas. Finalmente alcanzan buenos momentos, resultante del consorcio de dureza hard rock cruda, dinamismo soul y arreglos melódicos pop en temas en forma de baladas, así es como los temas ‘’Purple Dog’’, ‘’Easter’’ o ‘’Sojorum’’ se llevan su reconocimiento, aunque en general, todos los temas tienen una característica similar, de gran sonido, buenas guitarras fuzz y buena implementación de los teclados. Sobre la banda no encontré mucha más información, es muy probable que al poco tiempo, o tarde o temprano, se hayan desintegrado, sin dejar noticia alguna. Lo poco que se sabe sobre los músicos es que Jack Douglas fue más tarde un conocido productor, dato que en general ha llamado mucho más la atención que la historia de Privilege en si misma. Jack estudió en Instituto de Investigación de audio en Nueva York, antes de ingresar como ayudante técnico en el Record Plant Studios, allí comenzó a realizar sus primeros trabajos profesionales, no como productor o ingeniero , pero como el conserje , pero pronto estaría dando la nota, trabajando en la producción para gente como Miles Davis , The James Gang , Alice Cooper , Cheap Trick , Montrose , Rough Cutt , Artful Dodger , Moxy , Flipp y Montaña. También forjó relaciones de trabajo con Patti Smith , Blue Öyster Cult , el New York Dolls , Cheap Trick , Starz y más notablemente Aerosmith, a quienes les produjo varios de sus discos en la década de los 70s. Su carrera también lo llevò a trabajar para en un par de albums para John Lennon y Yoko Ono.
Antes que nada, quiero agradecerle al buen Poseído del Alba por invitarme a su blog.
Truth and Janey fue una banda estadounidense formada en Cedar Rapids, Iowa en 1969, llamada así por el disco de Jeff Beck "Truth" y al apellido de su líder Billy Lee Janey. Esta primera alineación estaba formada por Billy Lee Janey en la guitarra y las voces, Steve Bock en el bajo y John Fillingsworth en la batería, este siendo sustituido al año siguiente por Denis Bunce.
En 1972 lanzaron un sencillo con las canciones "Midnight Horseman", composición propia del grupo y un cover de los Rolling Stones, "Under my Thumb". Al año siguiente lanzaron un segundo sencillo con la composición propia "Straight Eight Pontiac" y "Around and Around" de Chuck Berry en su propia etiqueta Wheel.
En 1976 decidieron lanzar su primer LP que se tituló "No Rest For The Wicked" en la etiqueta Montrose, después en 1978 lanzaron otro larga duración titulado "Just a Little Bit of Magic" y se separaron. Después en 1988 se lanzó un disco en vivo que fue grabado en 1976 que en el 2001 lo re-editaría con el nombre de "Erupts!" (próximamente se publicará aquí y en mi blog OutsideInside Music).
"No Rest For The Wicked" para algunos podría parecerles el típico disco de hard rock de mediados de los 70's con tendencias al heavy metal y glam metal de los 80's o al edulcorado y blando AOR que empezaba a reinar en estas épocas, pero nada de eso hay aquí, Truth and Janey en efecto eran hard rock pero mezclado con fuertes tendencias psicodélicas y algo de blues-rock, que en ocasiones de cierta manera llega a adelantarse a ese subgénero noventero que mezclaba tanto el heavy psych de estas épocas como grunge, rock alternativo y hasta algo de doom metal al que llamaron "stoner rock".
El sonido del grupo es potente, pesado, sucio y lisérgico sin llegar a ser viajadísimo como el de otros de sus contemporáneos como Terry Brooks & Strange, Jeff Liberman, JPT Scare Band, Sweet Toothe o Euphoria, sin embargo el sonido psicodélico está siempre presente a lo largo del disco, a pesar de no contener pedales fuzz, ni largas improvisaciones, ni atmósferas pachequísimas, el grupo conserva la esencia de grupos como Highway Robbery, Corpus, Totty, Unison, The Damnation of Adam Blessing, Primevil, Stray, Buffalo, Sir Lord Baltimore, Help entre otros.
El disco abre con "Down The Road I Go" con un riff machacante de guitarra y bajo y unas guitarras muy heavy psicodélicas. Después sigue "The Light", que es uno de mis temas preferidos, que tiene un magistral riff que no le pide nada a los grandes del hard rock de la época y la canción en general sin duda podría entrar entre los mejores temas de heavy psych de todos los tiempos.
Se viene un cover del bluesman Willie Dixon, "I'm Ready", en donde el grupo se atreve a coquetear con el boogie rock de la época, sin llegar a ser descaradamente simplones como varios grupos de dicho subgénero.
Llega la suite compuesta por 3 temas del grupo, "Remember", "A Child" y "Building Walls" que tiene un intro sospechosamente similar al de "Child in Time" de Deep Purple, sin embargo después el grupo vuelve a caer dentro de lo que mejor saben hacer: heavy psych, sin embargo, creo que esta canción es la que hace que algunos maletiqueten a la banda como "progresiva" o "con tendencias progresivas", debido a que es una suite de 3 canciones, pero la verdad es que no creo que lo sea, esta canción en lo personal me parece que tiene ciertas cosas en común con Primevil en sus momentos más "jammeros".
Llega el tema homónimo del disco "No Rest For The Wicked" que nos recordará por momentos a sus contemporáneos Totty y Poobah, o incluso a sus no tan contemporáneos Stray, Head Machine y Blue Cheer, pero más suaves, en donde las guitarras psicodélicas de Janey vuelven a hacer de las suyas con un riff machacante y unos excelentes solos. Otra de mis preferidas.
"It's all Above Us" la primera balada del disco, en donde el grupo apuesta por un sonido más suave que el de las otras canciones, recordándonos así a los grandes texanos Corpus quienes hicieron un extraordinario álbum de heavy psych y blues-rock en 1971 titulado "Creation a Child" e incluían muy bellas baladas como esta de Truth and Janey. Mi favorita junto con "The Light" y la anterior.
Se viene otro cover, "Ain't No Telling" de Mississippi John Hurt, otro gran bluesman, en donde el grupo vuelve hacer de las suyas, haciendo un cover ligeramente funky, similar en estilo a Help.
Para cerrar el disco llega la segunda balada del grupo, "My Mind", que además de tener una muy buena letra, nos recordará en ocasiones a Totty, Primevil y a Corpus, además de que vuelve a la misma formula que la mencionada "It's all Above Us", otro baladón.
Vámonos a los bonus tracks: "Midnight Horseman" tiene aires funkys, mientras que la influencia de Hendrix y Beck se hacen notar a lo largo del tema. "Under my Thumb" otro de esos covers heavys de los Rolling Stones que se hicieron en los 60's y 70's, y por cierto, excelente. "Around and Around" sigue con la misma fórmula de hacer covers pesados de los Rolling. "Straight Eight Pontiac" el grupo vuelve a coquetear con el boogie rock, sin embargo, siguen siendo mucho mejores que muchas bandas de dicho subgénero.
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