Pappo's Blues - Triangulo (1974)

"Hay triángulos que no van más allá de sus propias tumbas. Lo que se piensa en un minuto de existencia y lo que sucede a cada instante solo nosotros lo vivimos. El triángulo, como conjunto, está más allá de la vida de un pensamiento deslizándose delante nuestro. Hay una historia fácil de comprender si la observamos." - Pappo

Norberto Aníbal ‘’Pappo’’ Napolitano fue uno de los mejores y más influyentes guitarristas que haya dado el rock argentino y especialmente el blues, con un sinfín de canciones pesadas que se volvieron himnos cantados a coro por sus seguidores en sus conciertos, y habiendo creado toda una escuela de rock con un estilo particular que muchas bandas de barrio procuran imitar. Ha sembrado el rock nacional de discos legendarios con ejecuciones que se volvieron icónicas en sus tantas creaciones cancioneras.

Sus producciones discográficas están plagadas de temas legendarios que marcaron a fuego el inconsciente colectivo musical del rock argentino, pero en este caso, para este disco llamado ‘’Triángulo’’, también conocido como ‘’Volumen 5’’, que publicaría en 1974, haría una excepción a su estilo cancionero y se sumergiría en estructuras y formas que por momentos se acercan a lo conceptual, con algunas excursiones instrumentales tipo zapadas de una performance cuasi virtuosa de Pappo en guitarra eléctrica que desenvaina una nueva faceta de su repertorio técnico y creativo, las formas en extensas sesiones cuasi improvisadas y las proyecciones con visiones del mundo más profundas que se dejan ver en la particulares letras cantadas en este disco.

Sin dudas aquí Pappo tomas sus riesgos y se sale de los causes convencionales para su estilo y para el rock más estándar, ya que de él se esperaba lo que bien ya hacía, las canciones populares que bien las sabía hacer, pero en esta oportunidad, aunque sí presenta algunos cortes cancioneros, se destacan un par de sesiones instrumentales, algo extensas, particularmente ‘’Nervioso Visitante’’ y ‘’Hubo Distancias En Un Curioso Baile Matinal parte II’’, en las que se vuelca de lleno en zapadas mayormente instrumentales e improvisadas, atascos pesados de un poderío llamativo, un gran despliegue técnico de la guitarra eléctrica, una buena conjunción en la función del trio, con momentos que parecieran ser conceptuales con algunos leves cambios y formas sutilmente progresivas, a lo que además hay que sumarle el tema ‘’Malas Companias’’que no está ejecutado con acordes en guitarra sino que es toda una improvisación continua con la que se abre el trabajo y que continua brindando esa sensación de que en este disco están sumergidos en una sesión improvisada cuasi conceptual total.

El estilo sigue siendo el fiel retrato de un Pappo que llevaba en la sangre el blues y el rock, sus arremetidas son típicas de su repertorio, con las que completa hasta el último segundo con su fiereza en guitarra, maestría blusera por excelencia, y unos dones con habilidades excepcionales para sucederse en un continuo de improvisación interminable, una habilidad para construir las estructuras de las canciones con fraseos y solos, habilidad única del guitarrista y muy difícil de imitar para el resto de los guitarristas mortales de cualquier región. Sus solos son de ensueño, con una justeza directa, una practicidad para deambular entre escalas mayores y menores, una maestría en tipos de blues, una estilo propio y mítico para improvisar con una habilidad muy alta, y todo su repertorio de construcción de canciones blues-rock letales que de alguna manera se continúan en este disco.

Aquí se puede escuchar el quehacer de la banda en sus fibras más íntimas, en sus momentos de ensayo, de improvisación, de zapada volcada al servicio de una construcción improvisada y cuasi conceptual del sonido. Es un sonido crudo donde se vuelcan en algunos atascos instrumentales dejándose llevar por los momentos de variaciones y cambios que se puedan ir presentando en el clima en el que se sumergen. Tal vez uno de los momentos más particulares del disco sea la última pieza, la extraña ‘’Buzo’’, que es un desconcierto sonoro para cualquiera que esté embebido en el estilo de Pappo y que de pronto escuche esto que es incomprensible, con Pappo mostrando su faseta acústica y/o clásica, con voces oscuras y ambientes de delirio y oscuridad, nadie sabrá jamas qué intentaron hacer en esa pieza porque inéditamente se puede escuchar a un Pappo como nunca jamás se lo ha escuchado, en una sonoridad netamente experimental, con roces barrocos y clásicos.

A fines de 1974 Pappo's Blues entró al estudio para grabar Triángulo/Volumen 5, el quinto disco de Pappo's Blues, lanzado en 1974. Esta vez acompañaban a Pappo, Daniel Eduardo "Fanta" Beaudoux en bajo y Eduardo Garbagnati en la batería. Tras la grabación de este disco, Pappo se fue nuevamente hacia Inglaterra, donde se quedó por dos años. En Londres trabajó de lava copas y descubrió un sótano que servía para ensayar. Aunque no tenía plata para alquilarlo se hizo del mismo tras acordar con la dueña hacer el mantenimiento del lugar. 

Cod: #1537

Larry Coryell - Coryell (1969)

Larry Coryell, antes de convertirse en el eximio artillero virtuoso del jazz fusión de los 70s en adelante, comenzó su carrera discográfica solista hacia finales de los 60s y por ende experimentó primeramente con sonidos que no tenían todavía tanto que ve con el fusión sino que se acercó a la psicodelia y el blues-rock, sin dejar de lado sus excepcionales dotes jazzeros, que ya por entonces daban de qué hablar, de ese encuentro de un estilo virtuoso prototípico con la experimentación psicodélica surgirían sonidos de fusión tempana, de experimentaciones atípicas, de sonidos atípicamente complejos para un guitarrista solista dentro de lo que era la psicodelia de la época, y lo hizo muy bien, con unos primeros lanzamientos muy pulidos y con mucho estilo.

Después de hacer sus primeros pasos con varias bandas, Chico Hamilton y el Gary Burton Quartet especialmente, Larry Coryell rechazaría la invitación de unirse al ‘’Tony Williams Lifetime’’ para dar rienda suelta a su desarrollo solista del cual se desprendería su primer trabajo, ‘’Lady Coryell’’, de 1969. Larry Coryell, de 25 años por aquel entonces, ya poseía una técnica virtuosa y una rica imaginación armónica y melódica. Para su primer lanzamiento exploraría algunas fusiones con psicodelia y jazz, y para su siguiente álbum, también lanzado en 1969, el homónimo ‘’Coryell’’, continuaría por esa senda, de blues rock, de buenas zapadas rabiosas, de apariciones tempranas de una música rock fusionada con jazz, elementos psicodélicos y la diversificación de las composiciones en algunas canciones muy atinadas.

El álbum es una cuidadosa y pulida pieza hibrida que funciona como conectora entre sus orígenes y primeras experiencias musicales con sus siguientes producciones musicales que marcarían una evolución notable hacia un sonido mucho más refinado. ’’Coryell’’ es un trabajo de composiciones esmeradas, detalladas con un impresionantes trabajo en guitarra solista donde se destacan no solamente los solos improvisados sino también todas las habilidades de Coryell desparramadas en un sinfín de arreglos diversos, distintas ingeniosas invenciones compositivas, diversos yeites y aplicaciones, armonías jazzeras, etc., un repertorio que enriquece a un trabajo muy agradable de escuchar.

Sería difícil de decir que se trata de estricto jazz fusión, sin duda se encuentra entre los orígenes del genero pero este disco todavía está relacionado con el sonido de la contracultura, las canciones y las buenas improvisaciones con guitarras distorsionadas, eso sí, hay un trabajo muy esmerado aquí que saca a todo ese mundo de blues-rock y lo pone en un lugar muy elevado de ejecución, elevando la vara y ubicando su imagen como guitarrista solista líder en un lugar de preponderancia para su, por entonces, joven carrera.

Aquí hay fusiones prototípicas donde las visiones del jazz se cruzan con estructuras de un fusión temprano, donde aparece también el ‘’solo’’ de guitarra como un elemento notablemente demarcado en casi todas las piezas (no podría ser menos con semejante ejecutante); en general pareciera que las piezas se conformaran de canción rockera, con estructuras de jazz, tímidas insinuaciones progresivas y rabiosos solos de guitarra distorsionada, esa es la masa que compone la mayor parte del cuerpo creativo del disco.

Es un álbum bastante variado, hay muchas opciones compositivas, las pistas van desde: la buena canción cantada de rock como lo es ‘’Sex’’, una canción de rock típica con un muy buen solo interior, hasta aparece el blues más suave ‘’Beautiful Woman’’; ‘’ No One Really Knows’’ es un hibrido entre canción/atascos rockeros/arreglos de jazz. Y luego aparecen también dos atascos a pura improvisación en guitarra, el movedizo ‘’Morning Sickness’’ y la furiosa y extensa sesión instrumental ‘’The Jam with Albert’’, construida especialmente con un discurso solista enfurecido por la guitarra de Coryell a puro blues/jazz/rock, con mucha distorsión (típico del momento) y con un despliegue técnico envidiable por parte de Coryell que hace lo que quiere con la guitarra y demuestra el porqué de la reputación de su apellido en la escena.

Cod: #1536

Love Live Life + One - Love Will Make A Better You (1971)

El sonido típico de la banda es el del vanguardismo y la experimentación, conforme han avanzando su carrera incursionaron en mayor medida en las fusiones con el jazz vanguardista más puro, pero para su primer trabajo, ‘’Love Will Make A Better You’’ de 1971, además del jazz aún estaban transitando el rock pesado y acido heredado de la psicodelia, con guitarras también pesadas y el blues-rock a puro poder, pero no se quedarían en ello y tornarían su primera producción en un icono del rock vanguardista japonés.

Lo primero y más notable que se puede apreciar del trabajo es el primer track, que ocupaba originalmente todo el lado A del vinilo original de época, una pieza de casi dieciocho minutos de duración que consiste en un viaje rockero de libre ejecución y libre improvisación, similar en parte al free jazz pero hecho con rock. Comenzando de forma libre y sutil, aunque con unas guitarras bastante ásperas, hasta que la sesión comienza a levantar vuelo y se asienta en una base rítmica estable, allí es donde han despegado hacia un quehacer rockero con buen groove, guitarras pesadas y la aparición de instrumentos de viento con la consecuente sensación de jazz. Luego de un extenso viaje repleto de improvisaciones, la sesión aterriza sobre un campo tenso con algunas recitaciones y agregados en flauta para terminar al fin.

Por si la búsqueda sonora no fuera suficiente, en el lado B del disco continúan con algunos sonidos particulares, aunque esta vez desparramados en cuatro piezas más cortas en las que continua el rock psicodélico pesado con guitarras ásperas y buenos riffs, pero aquí aparecen algunos otros condimentos vanguardistas, como los arreglos orquestales y las estructuras mixturadas con pasajes indefinidos y experimentales. El álbum fue orquestado por Ikuzo Orita, y cuenta con la participación del héroe de la guitarra, Kimio Mizutani. El "+ One" parece referirse al vocalista Akiri Fuse.

La amalgama de visiones aunadas en un éxtasis rupturista se coacciona con fragmentos de libre ejecución relacionados al jazz/free jazz, sumado a esto la orquestación de cuerdas en arrebatos difusos, elementos de psicodelia, agregados de saxos que provienen también del jazz, y todo funcionando de una forma de libre plasmación tendiente a un vanguardismo exquisito que hacía de las suyas con un sonido descontracturado al máximo y revertido hacia la formas más pura de expresión excéntrica.

‘’Love Live Life’’ fue una prominente banda japonesa de una producción importante dentro de la psicodelia japonesa, aunque sus miras iban más allá de lo psicodélico, incursionando en fusiones con el jazz y la experimentación vanguardista. En 1971, alrededor del líder saxofonista y flautista Kosuke Ichihara, Love Live Life se formó como un proyecto de rock de forma libre. La formación del resto de la banda estaba compuesta por prominentes músicos de la escena jazz/rock japonesa: Toshiaki Yokota en flauta y saxo), Kimio Mizutani en guitarra, Takao FujiI en guitarra, Hiro Yanagida en piano y órgano Hammond, Chito Kawachi en batería, Naomi Kawahara en percusión y Masaoki Terakawa en bajo. 

Antes de Love Live Life, Kimio Mizutani estaba en la banda People, con la que lanzó el particular ‘’Ceremony - Buddha Meet Rock’’ de 1970, y el mismo año en que salió ‘’Love Will Make a Better You’’, lanzó su álbum en solitario, ‘’A Path Through Haze’’. Hiro Yanagida también lanzó un álbum en solitario en 1971 llamado ‘’Milk Time’’, y antes de Love Live Life + One fue miembro del aclamado Foodbrain , con los que lanzó el álbum ‘’Social Gathering’’ en 1970, y también estuvo en Strawberry Path , cuyo disco ‘’When the Raven Has Come to the Earth’’ también fue publicado en 1971. Love Live Life tuvo algunas otras producciones discográficas, entre las que se destacan ‘’10 Chapters Of Murder’’, trabajo inspirado en el libro ‘’Encyclopedia of Murder’’ de Colin Wilson.

Cod: #1535

Wigwam - Hard N' Horny (1969)

Wigwam fue una banda finlandesa formada en 1968 en Helsink y disuelta en 1978, siendo una banda pionera, en su Finlandia natal, en cuanto a la música de rock progresivo. Wigwam fue uno de los conjuntos más importantes del rock finlandés en la década de 1970, y también fue la primera banda finlandesa en hacer un gran avance en el extranjero y ganar reputación, manteniendo hasta la actualidad una reputación dentro del ambiente del prog.

La historia de la banda se puede dividir en dos fases principales: el conjunto de la primera etapa consistida desde los primeros años de la banda hasta alrededor de 1974, tuvo una relación directa con la música progresiva ambiciosa y compleja, y la segunda etapa, consistida 1975 a 1978 representó un art rock más simple. Los miembros de Wigwam también han hecho discos en solitario y han tocado fondos en discos de varios otros artistas. 

En 1969 sale a la luz su primer publicacion, Hard N' Horny, un trabajo de rock setentero que refleja las típicas inquietudes de la época en cuanto a la fusión con el blues y el jazz, también acercándose sutilmente a alguna sensación progresiva. Es una mermelada fusión donde sobreviven las influencias del momento que se diversifican a lo largo de una serie de composiciones de variada índole.

El disco se divide en dos partes bien demarcadas, la primera mitad del álbum estaría totalmente dedicada a las composiciones de Jukka Gustavson, habiendo alguna alteración de blues, una sesión de jazz-rock y otras invenciones, y la segunda mitad del disco consistiría en composiciones de Jim Pembroke, esta segunda parte parecería ser conceptual ya que está constituida por una buena cantidad de pequeñas piezas de pocos minutos cada una.

Este trabajo poco tiene que ver con el rock progresivo y apenas en algunas piezas hay un acercamiento al jazz-rock, es que en realidad una buena parte del disco está compuesto por canciones, en su mayoría cortas, pero canciones al fin, de rock con elementos de blues y jazz pero de todas formas con aire más convencional, y lejos del supuesto ‘’progresivo’’ que se le acredita a la banda. 

La primer cara del disco es la que ofrece un poco de ese aire que hace de cierta semejanza con algo ‘’progresivo’’ o por lo menos de corte más elaborado, apareciendo una serie de piezas extrañas, de un sonido jazzy/bluesy rock, con algunas estructuras que se salen de lo común, algunos arreglos orquestales de cuerda y una cierta animidad en la búsqueda sonora que los lleva a explorar ciertas estructuras que se salen de la forma de canción.

Las primeras 400 copias del disco salieron con cubiertas de cartón hechas a mano (dibujadas / escritas por miembros de la banda y sus amigos) siendo cada una de ellas única e irrepetible, dibujadas a mano y difiriendo totalmente de las demás. En las siguientes ediciones del disco se utilizaron cubiertas impresas. 

El disco contiene letras tanto en finlandés como en inglés. El primer track del disco es "633 Jesu Fåglar", un pequeño inicio de ocho segundos con algunos sonidos canturreos por los miembros de la banda, se rumorea que ese era el comienzo de una pieza mucho más extensa y experimental que la banda había quedado, pero que por razones indefinidas el track completo no pudo ser incluido en el disco.

Cod: #1534

Hal Blaine - Psychedelic Percussion (1967)

La era psicodélica marcó tendencia de tal forma que los músicos contemporáneos que transitaron por esos años de contracultura no pudieron ser ajenos a la tendencia y, medio por conveniencia económica como también podrá ser por interés, se sumaron a la oleada multicolor y propusieron en su discografía algún que otro disco en los que aparecían portadas coloridas y que contenían sonidos experimentales y lisérgicos, sumándose a esa tendencia de volverse volátil, delirante, experimental, improvisado, freak-out, etc.

Hal Blaine haría lo suyo en esos años con este trabajo que se sale de lo común de su sonido más convencional y resalta de entre su discografía. Aunque es verdad que venía haciendo rock & roll típico del momento, para ‘’Psychedelic Percussion’’, de 1967, se vuelca decididamente y sin rodeos hacia la creación de una música experimental y exploratorio que proponía fusiones con sonidos diversos, manifestándose siempre dentro de ese estilo ‘’psicodélico’’ que tanto proclama el nombre del disco.

Esta ‘’Percusión Psicodélica’’ le hace honor a su nombre con un sonido especializado en percusión y psicodélia, con un ejecutante de lujo como Hal Blaine quien grabó la batería, gong, xilófono, órgano, bongos, congas y timbales, todo un repertorio instrumental muy amplio que queda reflejado en el sonido del trabajo que se erige en base de diversas habilidades y motivos que parten esencialmente de la percusión y que se construyen en base a ella; Blaine hace uso de sus buenas habilidades percusivas y las desparrama por todo el trabajo, siendo un sonido único en su tipo, con la unión del mundo de la percusión con el mundo psicodélico.

La psicodelia reversionada por Blaine se refleja en una música netamente instrumental, con predominio de la percusión (especialmente por parte de su batería a la que usa con una versatilidad asombrosa), estilo volcado en doce piezas, una por cada mes del año, en la que es posible sumergirse en ambientes delirantes, trip sonoros típicos de la época, repletos de misterios, exotismos sonoros, momentos más que experimentales y delirantes, apareciendo entre ellos además otro condimento que se agrega a la formula y que es uno muy particular para la época y el estilo, y es la electrónica. Esos ambientes de delirio se acrecientan en su embriaguez lisérgica debido a las diversas aplicaciones electrónicas que realzan el caos y lo elevan a niveles muy particulares.

Habiendo encarado un proyecto creativo con amplia libertad en la dirección creativa, Blaine toma mucho de lo de su época en cuanto a la extroversión y experimentación de la juventud del momento, concibiendo un sonido que se emparenta profundamente con la lisérgia, planteando doce piezas instrumentales y experimentales que muchas veces alcanzan momentos de ensueño sonoro, con ambientes delirantes y lisérgia por doquier. Las piezas no duran muchos más que dos minutos cada una pero ya es suficiente para viajar con una música exótica y lisergica.

Varias aristas se cruzan en este sonido: percusión especializada, psicodelia, exótica de los 50, electrónica, rock, y estilo de biblioteca con una forma de creación que se rehúsa a hacer caso a cualquier limitación de los productores para volverse hacia el creacionismo total, una búsqueda que trasciende lo hecho hasta entonces por al autor para volcarse hacia sonidos de experimentación y fusión. En trabajo contó además con la participación de Emil Richards y Gary Coleman en percusión, además de Mike Lang en teclado, órgano y piano, y Paul Beaver en efectos electrónicos.

Hal Blaine  fue el baterista de sesión de grabación más ocupado en Los Ángeles en las décadas de 1960 y 1970, tocando la batería en, según su recuento, decenas de miles de grabaciones, desde las producciones de Wall of Sound de Phil Spector  hasta las  producciones de  Brian Wilson de los Beach Boys , e incluyendo a la mayoría de los artistas de pop/rock en Los Ángeles en los años 60, así como a notables como  Elvis Presley  y Frank Sinatra . Blaine  publicó un libro de sus recuerdos, Hal Blaine and the Wrecking Crew, en 1990. 

Blaine tocó la bacteria en numerosas grabaciones de artistas como Nancy Sinatra, Jan and Dean, Elvis Presley, John Denver, The Ronettes, Simon & Garfunkel, The Carpenters, The Beach Boys, The Grass Roots, The 5th Dimension, The Monkees, The Partridge Family o Steely Dan. Participó en la grabación de 40 números uno y de al menos 150 éxitos top ten. Es considerado como el más prolífico batería de la historia del rock, participando en más de 35 000 grabaciones discográficas.

Cod: #1533

Ruscigan - Viaggio Nel Domani (1972)

Esta es una particular obra de Guido Baggiani alias Ruscigan. Baggiani fue alumno del legendario compositor de vanguardia Karlheinz Stockhausen, del cual se nutre reflejando la influencia en la inventiva sonora y en las sutiles aplicaciones en composición.

‘’Viaggio Nel Domani’’ fue lanzado originalmente en 1972. El sonido de este trabajo sorprende porque, a pesar del paso de los años, se mantiene con una nitidez muy particular, una claridad en el resultado sonoro, además de la inventiva electrónica con la que se crean todo tipo de sonidos, además de la diversas alteraciones sonoras aplicadas a las varias ejecuciones.

El disco se creó en los míticos Soundworkshop Studios de Piero Umiliani, donde Baggiani contó con el apoyo de Umiliani para capturar espectros indefinidos de ondas electromagnéticas para someterlos a sus visiones y refinarlas y compactarlas en forma de composiciones de una sutil influencia clásica moderna. 

El resultado es un sinfín (dieciocho piezas) de pequeños tracks donde se presenta toda la inventiva de Baggiani a la hora de procesas sonidos, alterar con efectos y reverberación, crear ambientes, jugar con la métrica y diversificar la creación a un sinfín de estados y texturas.

Las tramas del sonido son un entrecruce entre una música de sutil composición que se acerca a la electrónica ramificándose en un sinfín de propuestas sonoras. Todas las piezas que componen el disco son cortas pero hay muchas de ellas y al final del trabajo se puede apreciar la diversidad de propuestas por las que se ha transitado.

Se trata de otra joya rescatada de los pioneros electrónicos italianos en la que Baggiani se desarrolla con influencia de su entorno pero con una imaginación propia y alusiva a sus propias ideas. En un viaje electrónico psicodélico en el que los sintetizadores y las alteraciones moduladas son primordiales.

El misterio se hace eco en una fuente polimorfa de riquezas y tesoros inauditos, y la paleta de colores electrónicos se encarga de dar carne a un sonido enriquecido por la diversidad de texturas y de rasgos que en carácter de tal misterio se ramifica en una propuesta de enriquecida índole modulada.

Este Viaggio Nel Domani (viaje al mañana) parece ser la consumación de las reminiscencias del vanguardismo futurista, sumado a la reinvención personalista de los movimientos vanguardistas italianos contemporáneos, con un estilo que se consuma enigmático y lisérgico.

Nacido en Nápoles el 4 de marzo de 1932, Baggiani estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma con Boris Porena, luego en la Rheinische Musikschule de Colonia con Karlheinz Stockhausen. Desde 1967 participa en la actividad del grupo Nuova Consonanza, y en el mismo año realiza su primer trabajo "Mimesi", bajo la dirección de Gilbert Amy. 

De 1970 a 2000 ocupó una cátedra de composición que lo vio primero en el Conservatorio Rossini de Pesaro, luego en el Conservatorio Morlacchi de Perugia, luego en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma y, finalmente, en el Conservatorio Casella de L'Aquila.

Cod: #1532

Ruth White - Flowers Of Evil (1969)

Ruth White fue una pionera estadounidense de la música electrónica. Su serie de discos de finales de los sesenta y principios de los setenta incluía usos sorprendentemente innovadores de los sintetizadores Moog y equipos relacionados. Después de una exitosa carrera haciendo grabaciones educativas durante los años cincuenta y sesenta, consiguió hacerse con un sintetizador Moog modular y se volvió hacia terrenos experimentales, lanzando tres álbumes súper extraños entre 1968 y 1971. ‘’7 Trumps From The Tarot Cards And Pinions’’ de 1969, ‘’Short Circuits’’ de 1971, y su electrizante versión de "Flowers Of Evil" de Baudelaire, la más espeluznante de la trilogía. Su trabajo "Short Circuits" (1971) es considerado como uno de los discos más influyentes en lo que se denomina "Nueva música".

En 1969 grabó ''Flowers Of Evil'', un viaje de un ensueño lisérgico oscuro, con ambientes delirantes de una electrónica que enaltece el trance y realza el misterio, sobre los que aparecen unas recitaciones por la mismísima Ruth White quien se encarga de leer algunas poesías de Charles Baudelaire, la combinación es alucinante, con una visión que se desparrama en el oído del oyente y reparte apesadumbrados momentos de conmoción musical.

La recreación del panorama poético de Baudelaire por parte de White es de apoteosis ya que logra transformar en música, experimental por cierto, la oscura visión del poeta francés, trocando la distancia que podría haber entre la música y la poesía y uniéndolas en una sola expresión oscura, con ambientes perversos, que varían en su penumbra y demuestran el profundo respeto de la autora para con la obra del poeta al que está recreando y al cual convierte en sonido. La música consiste en una variada serie de ambientes desconcertantes, oscuros, decadentes, perversos, de una electrónica pulida y de punta ya que para esa época el uso de sintetizadores Moog era algo novedoso; con todo ello pinta escenas lúgubres de una profundidad lisérgica asombrosa.

Las aplicaciones electrónicas, los usos y las alteraciones utilizadas se reparten en un repertorio de un sinfín de distintos sonidos electrónicos, habiendo sonidos ambientales, aplicaciones más concisas tipo ruidos, u oscuras melodías desconcertantes, variantes que también están aplicadas a las voces y a sus diversas alteraciones sonoras, con reverberaciones y alteraciones también varias que se presentan particulares cada una en sus pista particular. Este trabajo es un viaje hacia tierras tal vez no coloridas sino penumbrosas y cavernosas, oscuros espasmos del espíritu, decadentes eventos sin nombres que sobrecogen el espíritu en un quehacer lúgubre y de ensoñación.

White declararía lo siguiente sobre la creación de este trabajo: “Para mí, los poemas de Baudelaire tienen un poder tan singular que siempre parecen elevarse por encima del nivel de la naturaleza personal y, a veces, existencial de su contenido. En esta composición, he intentado equiparar las cualidades trascendentales de la poesía a través de medios electrónicos. Para las palabras, usé mi propia voz como generadora del sonido original para ser alterado o "deshumanizado". Esto parecía práctico ya que mis experimentos con el medio consumían demasiado tiempo como para haberlos realizado fácilmente con un colaborador. Para modular mi voz, utilicé una variedad de técnicas. Los cambios de timbre se lograron con filtros. Los cambios de velocidad de la cinta se utilizan para controlar el tono. En la forma de algunas palabras, inyecté ondas sonoras y ruido blanco, cambiando así la calidad de su sonido pero no el flujo de su expresión. Al agregar reverberación, varié las atmósferas y disminuí o aumenté las ilusiones espaciales. Para acentuar palabras o frases especiales, utilicé retrasos de cinta controlados. Los coros se crearon combinando ligeros retrasos con múltiples grabaciones de pistas. Los ajustes musicales en torno a la voz se realizaron con materiales de concreto de música, un sintetizador Moog, otros generadores electrónicos e instrumentos convencionales, que generalmente se modificaban electrónicamente. En las traducciones, no hubo ningún intento de rimar el verso como en los poemas originales en francés. Solo traté de mantener el lenguaje lo más directo y simple posible, porque siempre encontré que el poder dominante de las ideas de Baudelaire "eran en sí mismas de fuerza electrizante".’’

Cod: #1531

Lula Côrtes & Lailson - Satwa (1973)

Esta es una joya de la psicodelia pernambucana, otro producto típico del estilo psicodélico de la región, un estilo post psicodélico, con su dosis contracultural y su acercamiento típico a la música hindú. Satwa fue formado después del regreso de Lula Côrtes y Lailson de sus respectivas excursiones extranjeras, el proyecto duró solo un año. Lailson era de la ex colonia holandesa de Pernambuco, mientras que Côrtes provenía de las salvajes tierras baldías de Paraíba. En 1972 Lailson había vuelto de los Estados Unidos, regresando a su Brasil natal, en el que se encontró con una brutal dictadura. Por su parte, Lula Côrtes también había arribado a Brasil, pero este viniendo desde Marruecos, país del que había traído un sitar consigo.

Lailson era conocido en la comunidad artística under que había en Recife (capital del estado de Pernambuco), su ciudad natal, y cuando el movimiento de estudiantes universitarios decide organizar una feria de artes experimentales, una especie de Woodstock brasilero, deciden convocarlo para que coordine los aspectos musicales del evento; allí es cuando Lula y Lailson se conocen. Con muchas cosas en común, se hacen amigos y pronto comienzan a pasar largas jornadas juntos haciendo música, combinando sus propios estilos y creando un estilo acústico propio. Lula Côrtes con su sitar marroquí y Lailson con su guitarra de doce cuerdas, de lo que saldría una combinación de música folklórica brasilera, música tipo hindú y elementos del mundo de rock & roll que se convertirían en otro aspectos más de la fusión. ‘’Eso era Satwa, el sonido del balance entre dos realidades diferentes’’.

El siguiente paso natural del duo fue grabar su música en un pequeño estudio de grabación local que también tenía un sello discográfico, por lo que podrían financiar y publicar su propio disco por sus propios medios. Grabado en los estudios Rozenblit, en Recife, entre el 20 y el 31 de enero de 1973, el trabajo es una joya que pasó desapercibida en su época pero que hoy es codiciada por los coleccionistas, siendo una pieza de colección prácticamente imposible de hallar. ‘’Teníamos una vaga idea de que lo que hacíamos era algo inusual, pero lo hicimos de forma tan natural que no nos dimos cuenta que estábamos grabando el primer disco independiente de Brasil’’, recuerda Lailson.

Con un estilo pastoral totalmente acústico, aunque armonizado con algunas voces sin letra, el trabajo presenta composiciones de aire místico y de una clara influencia de la música hindú, por lo que las estructuras de las piezas se vuelven hacia formas similares a los ragas típicos del estilo, sesiones que, aunque cortas, transitan por diversas intensidades y diversas texturas en un entrecruce de arreglos acústicos de cuerda.

El disco fue grabado y publicado en un momento en el que los censores militares se encontraban en una álgida situación en el poder, en una dictadura que asolaba a todo Brasil, haciendo uso de su corrupción armada censurando a los periódicos que podría contener algún mensaje ‘’subversivo’’, es por esto que el disco no contiene palabras cantadas, para evitar una posible censura, volviéndose las composiciones instrumentales hacia un lugar preponderante en el sonido y convirtiéndose en un disco de ‘’protesta sin palabras’’, con melodías, armonías y construcciones sonoras que trataban de dar a conocer un mensaje de resistencia por medio del sonido.

La música es una sucesión de composiciones áureas de tipo ragas y/o mantras, con juegos entre guitarras o entre guitarra y sitar. Es un estilo de folk acústico instrumental, de corte espiritual, presentando una serie de diversos motivos compositivos que deambulan en ingeniosas armonías e ingeniosas improvisaciones áureas, recordando mucho al estilo acústico experimental similar del colectivo norteamericano de A Cid Symphony, habiendo tomado ambos muchos elementos y concepciones de estilos de oriente para inspirarse tanto en lo artístico como el espiritual y personal. Lailso daría estas palabras sobre el significado espiritual del disco: ‘’Junto con Raja y Rama, Satwa es una de las tres cualidades de la realidad, o Gunas, si lo decimos de una manera menos compleja de explicar. Raja y Tama están en oposición entre ellas y Satwa es el balance, el ritmo, el espíritu que yace entre el cuerpo y el alma. Sutil y luminoso, es como un cristal líquido que brinda claridad a la mente y organiza la fuerza donde el principio del sonido está incluido.‘’

Cod: #1530

Brainticket - Celestial Ocean (1973)

Brainticket alcanza una profundidad mística con su música y logra recrear esa búsqueda mística de forma tan personal que se los puede ubicar entre otros artistas de también profunda espiritualidad volcada en sus producciones musicales, como el estilo new age temprano de Don Robertson, o la música acústica cósmica de Wilburn Burchette, el estilo psicodélico ritual de Father Yod y su Ya Ho Wha 13, o el estilo pastoral meditativo de Malachi, etc. Es común que Brainticket ofrezca en sus discos una experiencia musical que evoque sensaciones internas, viajes introspectivos, y más aún en este disco, ‘’Celestial Ocean’’, el cual está creado en torno a los textos del ‘’Libro egipcio de los muertos’’,  por lo que se eleva la sensación mística de la banda a niveles insospechados, siendo toda la producción sonora del disco una experiencia de transporte hacia realidades etéreas repletas de tesoros áureos sin nombre que enriquecen el viaje hacia un exótico ‘’más allá’’.

El interés del líder de la banda, Joel Vandroogenbroeck, por la música antigua, la espiritualidad, la vida bohemia, la experimentación, además de que ‘‘El Libro Egipcio de los Muertos’’ lo inspiraría, crearía bajo estas visiones el tercer álbum de Brainticket, ‘’Celestial Ocean’’. Grabado por el núcleo de Joel Vandroogenbroeck, Carole Muriel y Barni Palm en agosto y septiembre de 1972 en los estudios RCA Victor en Roma, ‘’Celestial Ocean’’ es probablemente el momento definitivo de Brainticket. Las composiciones conceptuales del disco, recreadas como viajes sonoros, cuentan la historia de los reyes egipcios en el más allá, viajando a través del tiempo y el espacio en una antigua nave con el dios Horus al timón. 

El disco es una colección de delirantes piezas experimentales donde aparece el rock pero también aparecen otras músicas de origen indefinido y desconocido, experimentos que solo la banda sabe manejar. El disco está conceptualmente dividido en dos partes, cada una de las partes presenta cuatro  tracks, los cuales no ‘’terminan’’ sino que están unidos en un sonido que no tiene cortes, lo que representa un viaje completo y extenso que ocupa cada cara del vinilo original. Las ocurrencias son varias, con un marcado estilo cósmico, con influencia de música hindú, rock, elementos electrónicos, recitaciones de poesía, y otras creaciones indefinidas de estilo espiritual y existencialista. 

Brainticket es una de las pocas bandas de la época que sin ser oriundos de Alemania aun así lograron que se instalara en el inconsciente colectivo de los seguidores del genero la idea de que se trata de un banda de ‘’krautrock’’, la influencia de este movimiento sobre el estilo de la agrupación es evidente, sus aplicaciones electrónicas son recurrentes y se diversifican por toda su obra, dotándole de un carácter muy particular y que recuerda mucho al krautrock, es que además forjaron su propio estilo en base a un sinfín de diversos condimentos, agregados, uso de múltiples instrumentos, experimentación sonora, búsquedas místicas y cósmicas del sonido, formas de vida bohemias, etc., un estilo artístico que encaja perfectamente en el estereotipo de las bandas alemanas de krautrock de la época.

Ellos hacían rock pero este estaba tan inmerso en sus visiones que prácticamente quedó alterado dentro de una concepción mística que trascendía lo inmediato y se erigía como un transporte hacia realidades paralelas. El sello característico de su estilo es la multiplicidad de instrumentos participantes, traídos de la mano del multiinstrumentista Vandroogenbroeck, además de las míticas recitaciones Carole Muriel, que dan una sensación volátil típica de la psicodélica y sus búsquedas alternativas. 

La carrera de la banda continuó por algunos años más, siempre ligada al espíritu de su creador e impulsor, Joel Vandroogenbroeck, un bohemio que viajaba por el mundo recolectado sonidos y experiencias, aprendiendo de las costumbres artísticas de cada región para acopiarlas a su extenso repertorio cósmico.  Vandroogenbroeck se trasladaría a la isla lejana de Bali para aprender los instrumentos exóticos locales, y comenzar la planificación de su carrera musical personal, habiendo aprendido a tocar el sitar, arpa, piano de pulgar, todo tipo de instrumentos de viento y percusión, y atrapado por la música de Indonesia. Después de regresar de Bali, a mediados de la década de 1970, Vandroogenbroeck continuó colaborando con Brainticket. Siguieron dos álbumes, Adventure en 1980 y Voyage en 1982, antes de que Vandroogenbroeck disolviera el grupo.

Cod: #1529