25 oct. 2019

The Moody Blues - Days of Future Passed (1967)

The Moody Blues es un grupo de rock de Reino Unido que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo y voz) y Mike Pinder (teclados). Tras una serie de singles lanzados logran algo de éxito,  lo que les permite salir de gira por los Estados Unidos, y editar su primer LP, The Magnificent Moodys. Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). 

El despegue del grupo se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido Deramic Stereo. The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en rock de la clásica Sinfonía del Nuevo Mundo, de Antonín Dvořák; inmediatamente ellos convencen al productor y al ingeniero para abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. 

Esto marcó una nueva etapa en el grupo que se reafirmó con la aparición de este segundo y más conocido álbum del grupo, finalmente llamado Days of Future Passed, lanzado en 1967 por Deram Records. Este disco icónico dejó una fuerte huella en los sonidos de su época, combinando composiciones de rock de la banda con arreglos sinfónicos ejecutados por The London Festival Orchestra, dirigida por Peter Knight.

A su favor tenía el grupo que casi todos componían y eso garantizó la variedad del repertorio. Ellos trabajan por su cuenta y, una vez terminado cada tema, se los pasan a Knight, que añade un prólogo orquestal, puentes sinfónicos y adornos. Así queda completa la fusión, y nace una amalgama que para la epoca es innovadora, presentando prototipos de rock sinfónico con algunas ideas adelantadas y otros arreglos no acabados en cuanto a la fusión.


Álbum conceptual? Opera rock? Rock progresivo? Para empezar, se podría decir que se trata de un álbum muy sofisticado, que presenta elementos de pop rock psicodélico, y que sin duda entra en la historia grande del rock progresivo y del rock sinfónico, como un precedente temprano de estos géneros a los cuales se les acerco completamente, y que sirvió como puntapié para inspirar a muchos artistas en los años que siguieron. Una producción arriesgada para la época y para una banda que venía haciendo algo completamente distinto a esto y que, en sus siguiente álbumes, continuó con conceptos también distintos.

El concepto de Days of Future Passed relata, a través de sus 7 temas, el transcurrir de un día, desde el alba (The Day Begins), hasta la noche (The Night), y cada tema está a su vez subdividido. Precisamente el último tema o movimiento con que se cierra el disco (The Night), contiene la célebre canción Nights in White Satin, compuesta por Justin Hayward, máximo éxito de la banda.

Es un disco ‘’redondo’’ por donde se lo mire, posee orquestación pero no es experimental, es agradable al oído, muy dulce, no es una orquestación en la que te puedas perder o que sea tediosa, al contrario, es muy agradable de escuchar; además de las canciones que presentan también son muy agradables para escuchar; parece un cuento sonoro, una dulce fabula sinfónica, con melodías de ensueño, composiciones agradables, momentos muy cómodos para escuchar y una sensación constante de dulzura y suavidad.

Luego de este lanzamiento, para sus siguientes trabajos, la banda desecha la orquesta en favor del mellotron, que rápidamente se volvió parte de su sonido. Le siguen álbumes como In Search of the Lost Chord de 1968, y en 1969 salen a la luz dos nuevos discos, On the Threshold of a Dream y To Our Children’s Children’s Children. En 1972 el grupo realiza un parate en su Carrera para retomar en 1977; practicamente desde entonces hasta la década de los 90s, no dejaron de publicar álbumes.

Cod: #1392

19 oct. 2019

Andrew Lloyd Webber & Tim Rice - Jesus Christ Superstar (1970)

Jesus Christ Superstar es una muy ambiciosa e icónica producción, una obra clásica considerada como una ópera rock, que tuvo repercusión en su época hasta llegar a nuestros días, fue puesta en escena en teatros y hasta se hizo una película que lleva el mismo nombre. Esta obra ayudó a abrir el camino entre el rock & roll y el teatro musical, siendo una de las grandes producciones musicales de su época, codeándose con mega producciones como ‘’Tommy’’ de The Who o ‘’Hair’’,  estas producciones marcaron una época irrepetible en cuanto a calidad y compromiso político de los artistas.

En 1970, Andrew Lloyd Webber compone esta ópera rock y se asocia con un tal Tim Rice que escribe un libreto con toda la intención de montar un musical. Sin un centavo para producir toda la puesta en escena, Webber y Rice deciden invertir todos sus ahorros en grabar la música en un disco conceptual doble que combina música de cámara y rock setentero, elementos de pop, y rozando el rock progresivo y/o sinfónico. 

Adaptado libremente de los Evangelios, el argumento de la obra se centra en los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, comenzando con los preparativos de su llegada a Jerusalén y finalizando con la crucifixión. La resurrección no está incluida de manera intencionada para evitar cualquier referencia a la divinidad del protagonista.

Rice y Lloyd Webber, que se conocieron en 1965 cuando tenían 20 y 17 años respectivamente, disfrutaron de su primer éxito compartido con Joseph y el Amazing Technicolor Dreamcoat en 1968. Luego se embarcarían en la creación de esta enorme obra pero en su momento no pudieron encontrar a nadie que estuviera dispuesto a producir el proyecto como un espectáculo teatral. Lloyd Webber recordó que les dijeron que era "la peor idea de la historia".

El espectáculo se adentra en la psicología de Jesús desde el punto de vista de su discípulo Judas Iscariote, quien es retratado como una figura trágica descontenta con la dirección que ha tomado la doctrina de su maestro, y plantea un enfrentamiento político y personal entre los dos que no está reflejado en la Biblia. Durante el desarrollo de la trama se presentan numerosos anacronismos intencionados, como actitudes y sensibilidades contemporáneas.


Antes de su estreno en Broadway y el West End, Jesucristo Superstar fue grabado en forma de álbum conceptual con Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena. En el disco también tomaron parte Mike d'Abo (líder de Manfred Mann) como Herodes y el cantante de glam rock Gary Glitter (acreditado como Paul Raven) en el papel de uno de los sacerdotes, además de una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos de rock.

La grabación salió a la venta en 1970 y consiguió llegar al primer puesto del Billboard en dos ocasiones. Las canciones "Superstar" (interpretada por Murray Head y The Trinidad Singers) y "I Don't Know How to Love Him" (interpretada por Yvonne Elliman) fueron publicadas como singles y se convirtieron en éxitos. 

Es que se trata de una obra con una contundencia y efectividad letal, nacida de arreglos punzantes, virtuosismo musical, orquestación, arreglos corales y de voces alucinantes (se destaca el papel de Ian Gillan), plasmada en una lista de composiciones enorme (disco doble) en la que aparecen cantidad de temas robustos y muy eficaces, era una obra destinada a grandes cosas.

La obra completa es muy ambiciosa y eleva la vara a un lugar muy alto en tanto a musicales o grandes producciones vinculadas al rock y a la música religiosa. La mayoría de las canciones son pegadizas y agradables, y la impecable musicalidad incrementa esta sensación y revitaliza el material que pese al paso de los años no parece haber perdido vigencia. 

El álbum conceptual de Jesucristo Superstar tiene un estilo rock muy distinto a los posteriores trabajos de Lloyd Webber. Esto se debe principalmente a las voces de Ian Gillan y Murray Head, al empleo de arreglos con varias capas de sonido que combinan elementos rock con otros más clásicos y a la participación de conocidos músicos del género como el bajista Alan Spenner, el batería Bruce Rowland o los guitarristas Neil Hubbard y Chris Spedding.

Cod: #1391

6 oct. 2019

Niebiesko Czarni - Naga (1972)

‘’Niebiesko Czarni’’ (Negro y Azul) fue un conjunto vocal-instrumental fundado en 1962, en Gdańsk, Pomorskie, Polonia, por Franciszek Walicki. Su concierto debut se celebró el 24 de marzo de 1962 en el club "Żak", en Gdansk. El grupo comenzó como una banda de rock beat con pistas pop psicodélicas, típicas de la época, lanzando cuatro LP de los años 60, aunque tal vez lo más notorio del grupo sería el lanzamiento de una ópera rock, su ópera rock llamada Naga, que en polaco significa ‘’desnuda’’. En 1971 dieron conciertos en los Estados Unidos. Inspirados por las actuaciones de la operas Hair y Tommy, decidieron crear la primera ópera rock polaca. Así nació el Naga , que se presentó por primera vez públicamente el 22 de abril de 1973. 

Sin embargo, antes de que sucediera, los ensayos en la sala alquilada del club Żak de Gdańsk continuaron durante muchas semanas. También buscaban una escena teatral que se atreviera a escenificar la actuación. En aquellos días, encontrar un director valiente que asumiera riesgos no era fácil. La legendaria Danuta Baduszkowa, directora del Teatro Musical de Gdynia, a quien se trasladaron los últimos ensayos solo una semana antes del estreno, no decepcionó. Stan Borys fue un cantante invitado tanto en el escenario del teatro Gdynia como en la grabación.

La idea en sí germinó desde principios de 1971 y luego se crearon las primeras canciones que se presentaron en los conciertos. Más tarde, la banda realizó una gira de tres meses por Yugoslavia, donde también se lijó el material resultante. Sin duda, el espectáculo en sí fue visionario a su manera, porque el verdadero teatro de rock solo se desarrolló más tarde.

En marzo de 1972, se grabaron canciones en el estudio Polskie Nagrania que se presentaron en el primer álbum. El segundo se grabó unos meses más tarde, y el espectáculo en sí se presentó al público en general solo un año después. Mientras tanto, el concepto del espectáculo en sí mismo ha madurado y cambiado, y la música fue reorganizada.


Este álbum fue lanzado originalmente como dos lps en 1972, el Naga I y Naga II, mientras que la ópera rock fue representada en el Music Theatre de Gdynia en 1973. El compositor y letrista del álbum fue Grzegorz Walczak. Los autores de la música son miembros del grupo: Janusz Popławski, Zbigniew Podgajny, Wojciech Korda, y también Zbigniew Namysłowski, Mateusz Święcicki, Janusz Koman y Andrzej Zieliński.

A pesar de ser considerado ópera rock, el álbum tiene muchas otras influencias como el rock progresivo, el jazz fusión, el funk y el pop rock europeo, aunque predominantemente lo que más resalta en el disco es una especie de pop rock instrumentado por órganos y con algunos pasajes de flauta, saxo y guitarra, además de contar con la orquestación de varios de sus temas.

Indudablemente hay fragmentos cautivadores aquí, pero todo esto no es del todo convincente, la obra en general no parece tan cohesiva y a partir del segundo tercio de temas la opera comienza a perderse en temas pop intrascendentes que no parecieran aportar demasiado a la ópera. Especialmente, sumando la lista de temas de los dos discos, se destaca el primer tercio de temas, donde aparece realmente el supuesto ‘’rock’’ del que trata la obra, con algunos temas con arreglos corales y acercándose a un aire proto progresivo.

En más de catorce años de historia, los Niebiesko Czarni han grabado 8 LPs y 24 singles y cuatro con una circulación total de 3.5 millones. Dieron más de 3000 conciertos, recorrieron más de 245,000 kilómetros en giras de conciertos. Ocasionalmente, Niebiesko Czarni se reactivaron en 1986, 1987, 1992 y 2002.

Cod: #1390

4 oct. 2019

William Sheller ‎- Lux Aeterna (1972)

Nacido de un soldado estadounidense y una madre francesa, William Hand Sheller estudió música clásica en el conservatorio de París y se hizo conocido por sus obras en los campos de la música clásica y pop. Un destacado artista de la música popular francesa desde la década de 1970, William Sheller tiene la particularidad de ser uno de los pocos cantantes de chanson francés que se ha beneficiado de una sólida formación en música clásica . Esto ha influido en su repertorio con un estilo musical sofisticado, combinando elementos de música clásica con chanson y rock sinfónico.

William dejó la escuela a los 16 años para estudiar composición con el maestro Yves Margat (él mismo alumno de Gabriel Fauré ) y luego armonía , fuga y contrapunto en el conservatorio de París . Estaba entrenando para el Prix de Rome pero recurrió a la música pop después de escuchar a los Beatles . Desde entonces, Sheller ha tenido una exitosa carrera tanto como compositor clásico como cantante pop. Sus obras a menudo mezclan ambos géneros.

Su primer álbum fue puro rock orquestal, ’’Lux Aeterna’’, publicada en 1972, originalmente compuesta para celebrar la boda de un amigo de Sheller, impulsada como una música religiosa, una misa que terminó incluyendo elementos de música clásica, coros, y fusión con el rock de la época, una gran epopeya sinfónica con arreglos finos de cuerdas y vientos, y partes corales que evocan a una autentica opera religiosa.


Esta liturgia electro-pop se graba con cuarenta músicos (clásicos y rock), fue compuesta en 1969 pero se publicaría tres años después, en 1972, sin demasiada repercusión comercial, tan solo pse venderían 2000 copias de este trabajo; de todas formas se trataría de una obra intrigante, llamativa para quien guste de la música clásica y también para los amantes del progresivo/sinfónico, ya que presenta una autentica fusión de estos mundos, generalmente consta de bases con batería y guitarras eléctricas, sobre las que descansan los distintos motivos orquestales y corales.

Esta pieza sinfónica de 34 minutos para coro, orquesta y banda de rock es una inteligente combinación de ópera, rock de la época y hasta, en algunos pasajes, sonidos electrónicos, que aparecen como dándoles un elemento futurista o innovador al sonido, especialmente en la pieza ‘’Opus magnum - part 2’’, donde se experimenta con la orquestación, aparecen sonidos electrónicos y el ambiente cambia bruscamente hacia lados oscuros; pero este caso sería solo una excepción, dentro de un álbum más centrado en la orquestación clásica y no tanto en la experimentación práctica.

De todas formas, se trata de un álbum auténticamente experimental, ya que presenta formas de rock sinfónico con un carácter propio, orquestación autentica en vez de utilizar mellotrones, grandes momentos que se presentan como atascos entre percusiones roqueras y motivos sinfónico/corales que avanzan con motivos melódicos con un aire de pop, evocando un carácter de avanzada épica que arrasa con arreglos corales punzantes y acompañamientos de guitarras eléctricas.

Cod: #1389
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