Bob Downes Open Music - Hells Angels (1975)

Siguiendo la línea de los trabajos que venía publicando, Bob Downes presenta su ‘’Hells Angels’’ de 1975, el último trabajo de esta etapa de su carrera en la que prácticamente hizo lo que quiso, como quiso y cuando quiso, siempre en terrenos del jazz pero llevando al género a lugares insospechados incluso para su coterráneos de la escena inglesa progresiva y vanguardista.

El sonido del disco es en parte una decantación de todas sus experiencias previas, en tanto a jazz libre, vanguardismos, búsquedas libres sin estructuras fijas, momentos solos de flauta, jazz rock, arreglos orquestales, etc., en síntesis, la experimentación típica de la casa para un Downes que hizo aportes enormes al vanguardismo inglés pero que no fue del todo apreciado por la escena Cantarbury.

Era la época más prolífica de Bob Downes en cuanto a discografía y exploración musical, habiendo experimentado ya para la época con música de cámara para flauta, jazz rock, música de biblioteca, música abstracta, vanguardismo, y otros inventos, etc., y para este disco aparecería un nuevo invento, ya que en la primer pieza del disco, la llamada ‘’Hells Angels (a visit to the devil)’’, se puede escuchar una nueva arremetida imaginativa, habiendo jazz-rock y siguiendo con una combinación entre jazz libre y elementos electrónicos, un muy interesante experimento, una pieza sofisticada, progresiva, que transita por varias partes. 

Este interés de combinar jazz y electrónica ya había sido emprendido en la época por el prodigio George Russell en sus obras vanguardistas, o sino también por otros como Freddie Hubbard, Paul Bley o el mismísimo Sun Ra, todos vanguardistas del jazz. Bob Downes no podía dejar de ser quien emprendiese ese experimento en Europa.

En cuanto a la concepción estructural, el disco está pensado de forma conceptual, con una pieza de diecisiete minutos de duración que ocupaba originalmente todo el primer lado del disco y siendo ejecutada por los once lementos de la banda entre metales y grupo de rock, la ya nombrada ‘’Hells Angels (A Visit To The Devil)’’. Mientras que la lado segundo del disco estaba ocupado por una serie de piezas más cortas pero no menos considerables, cinco piezas para la segunda mitan del trabajo.

En la segunda cara del disco Downes sigue experimentando con las sesiones de jazz libre, entre jazz rock y sesiones de libre ejecución, demostrando que estaba a la altura de ejecutantes libres europeos como Evan Parker y Peter Brotzmann. Predominantemente ejecutado por el trio de jazz, las ejecuciones son más estándar aunque muchas veces se salen de la formula básica del jazz para enroscarse en formas más libres en cuanto a estructura, armonía e improvisación.

Desde su lanzamiento solista de su ‘’Open Music’’ de 1970, siendo un álbum ganador de premios y ubicándolo como el mejor flautista de Inglaterra, Downes ha demostrado una profundidad conceptual enorme en sus obras. ‘’Hells Angels’’ es el producto final de una travesía sin igual en Inglaterra, que con su ‘’Open Music’’ y bajo su sello Openian llegó a explorar y presentar, transitando por varias facetas. Downes se retiró de su ‘’Open Music’’ después del lanzamiento de ‘’Hells Angels’’, siendo lo último que publicaría hasta después de varios años  en la década y las décadas siguientes.

"South American Journey" e "Inside Stonehenge" son algunos de sus albumes siguientes ya aparecidos en la decada de los 80s. Bob Downes se mudó al continente a finales de los 80 y ahora tiene su sede en Alemania, y continúa actuando como solista, tocando durante la ejecución de pinturas y exposiciones de arte, organizando talleres de flauta y lanzando algún que otro álbum de vez en cuando, "Sueños de la Naturaleza" de 1993.

Cod: #1735

Steven Halpern ‎- Christening For Listening (A Soundtrack For Every Body) (1975)

Buceando en las cavernas de la época aparece este artefacto que parece ser un precursor interesante de sonido new age, adelantado a otros trabajos ambiental/experimental de posteriores referentes como de Brian Eno, Steve Hillage e incluso ‘’Plantasia’’ de Mort Garson. ‘’ Christening For Listening (A Soundtrack For Every Body)’’ publicado en 1975 por Steven Halpern, ha marcado tendencia en su época y con los año ha madurado como un trabajo de innovación.

Se considera por varios que este trabajo marcó un punto definitorio a seguir en la música experimental y ambiental, y especialmente en lo que luego se llamaría new age. Trabajo que abre con una suite dividida en siete partes, una suite en Fender-rhodes por Halpern que hipnotiza por su extraña calma y su búsqueda de ambientes de ensueño. No se podría esperar de esto alguna canción ni nada por el estilo, por lo menos en esta primera parte del vinilo que está ocupada en su totalidad por esta suite de veinticinco minutos que exclama una visión de profundidad experimental y una búsqueda única en su tipo para esa época y que es toda una declaración de intereses, el álbum comienza con veinticinco minutos alucinantes. El sonido también apunta a explorar el efecto de tonos y ritmos en el cuerpo y la mente humana, así como en las plantas y otros organismos.

El segundo lado del vinilo comienza también con un sonido que sigue la línea del estilo del primer lado del mismo vinilo, ambientes hipnóticos en teclas que marcan un cambio en la escucha, una transformación en el organismo y una búsqueda de innovación entre una suerte de vanguardias, música experimental y sonidos adelantados a su época. Aunque, ya para este segundo lado, aparecen dos piezas que contienen además algunas instrumentos más en el ambiente, lo que hace salirse del sonido del primer lado y planea algunos nuevos experimentos.

Estos nuevos agregados empiezas a ayudar a dilucidar de donde proviene el sonido original con el que abre el disco y que no son tan solo una suerte de búsqueda aleatoria. En el segundo lado aparecen guitarras eléctricas y flautas en los ambientes, sumándose siempre a los ambientes de hipnotismo pero aplicando escalas complejas que denotan un poderío técnico de complejidades y búsquedas que partieron de lo académico o por lo menos de un conocimiento profundo de la armonía.

Publicado originalmente como una edición privada con muy pocas copias, en 1975, el álbum original en su primera edición contenía además una extraordinaria pista extendida de jazz funk en la cara B, ‘’Something For Every Body Suite’’, que nunca se incluyó en ninguna de las reediciones posteriores, lo que hace que la primera edición sea considerablemente rara y casi imposible de encontrar, así también como anhelada por muchos conocedores coleccionista.

Esta pieza de jazz funk, ‘’Something For Every Body Suite’’, exclusiva de la primera tirada del disco y que se ha rescatado en reediciones contemporáneas, marca un punto de quiebre en el sonido anterior del trabajo y da cierre a un disco brillante, además de que confirma las sospechas de los orígenes musicales del artista creador de este disco: el jazz. 

Semejante imaginería armónica y melódica no podía provenir de otro lugar, siendo el primer lado del vinilo una deformación adrede, un búsqueda que decanta sustratos y los diversifica en una visión que se planta como un tipo de búsqueda armónica experimental que, plasmada en ambientes, es razonada por una visión como un sonido que hipnotiza y enaltece el espíritu en un soundtrack que es para todo mundo.

Más propiamente sobre la pista ‘’Something For Every Body Suite’’, trata de una especie de suite, pero más que nada una extensa sesión aparentemente improvisada de jazz/rock/funk, un atasco que transcurre por diversos momentos internos, entre momentos, solos, estados y otros lugares por los que circulan, una sesión maestra de fusión que no es adelantada a su época pero demuestra el poderío de lo estos músicos que no eran para nada, irónicamente, improvisados.

Las siguientes son algunas palabras del propio Steven Halpern que aparecían en la contraportada del álbum y sirven para explicar el origen de la idea de este estos sonidos experimentales:

‘’Con el reciente aumento del interés en las técnicas de meditación y relajación en todo el país, muchas personas se han dado cuenta de la parte de cada uno de nosotros que es intrínsecamente tranquila. Muchos buscan caminos que estén en armonía con su propia personalidad. Asimismo, otros buscan herramientas útiles para ayudar a reducir el estrés y la ansiedad y los síntomas asociados, como hipertensión, dolor de cabeza y úlceras.

La música de este álbum se compuso específicamente para ayudar al oyente a alcanzar un estado relajado y meditativo. Como muestran las investigaciones, este es el estado específicamente valioso para el bienestar psicológico y fisiológico. Y es este estado el que ahora está siendo recetado por un número creciente de médicos como una adición no farmacológica al programa de salud total.

‘’Christening For Listening’’ trata su cuerpo, mente y espíritu con un masaje vibratorio que combina la sensibilidad creativa con los últimos descubrimientos en ciencia y psicología. Por ejemplo, en la “Suite Spectrum”, las frecuencias ascendentes de los centros tonales de las escalas musicales de siete miembros y los colores del arcoíris trabajan en armonía para producir una gestalt auditiva que es tan efectiva como hermosa. Todo lo que necesita hacer para beneficiarse de la experiencia es estar allí.

En resumen, hay más "oído" de lo que parece el oído. Estas composiciones “mejoran los sentidos y la sensibilidad de uno en muchos niveles. Los oyentes lo recomiendan para yoga, T'ai Chi, masajes y hacer el amor. Además, es bueno para los bebés y excelente para las plantas.

Pero la música habla mejor por sí misma. Solos o juntos, creemos que encontrará este álbum como una adición útil a su biblioteca y una experiencia que querrá recrear una y otra vez en su propia casa.’’

Cod: #1723

Ara Tokatlian & Enrique Villegas (ft. Guillermo Bordarampe) - Inspiración (1975)

En 1975 se publicó este fantástico trabajo de jazz libre creado por un eventual y fugaz dúo integrado por dos emblemas de la música argentina de época, como lo eran Ara Tokatlián, integrante fundador de la banda Arco Iris, en saxo y flauta, y Enrique "Mono" Villegas, pianista icono del jazz argentino. Tokatlián recordaría con estas palabras la experiencia de trabajar con Villegas: ‘’Al Mono le gustaba nuestra música. Y nosotros moríamos por él. Por su lucidez, su locura creativa, su talento musical. Estábamos ligados por algo mágico". El grupo para la grabación se completa con aportaciones estelares, Guillermo Bordarampe en contrabajo y percusiones, y Dana en voz, estos últimos dos también fueron miembros de Arco Iris.

‘’Inspiración’’ resume las experiencias de Tokatlián y demás miembros de de Arco Iris a lo hora de aportar su misticismo y espiritualidad que tanto habían volcado juntos en las composiciones con la banda, en la que ejecutaban una música algo disimilar a lo hecho en ‘’Inspiración’’, Arco Iris era una banda de rock que fusionaban música folklórica y también jazz, por lo que este nuevo emprendimiento, solista de Tokatlián, era una propuesta diferente y un punto de quiebre en la experiencia del y los músicos.

Y por supuesto, no pueden dejar de aparecer los ambientes espirituales que embeben todo el sonido con momentos de música mística, tan típico de los compositores participantes, misticismo que al ser volcado en este jazz libre vuelve al trabajo en una propuesta única en su tipo, por lo menos en la argentina. Jazz libre, con ambientes cercano a la libre ejecución, con ambientes espirituales, solos libres, y vanguardias e invento dentro del jazz, pocos momentos dentro del jazz argentino de la época se acercan a lo logrado en este disco en cuanto a su estilo, estirpe, misticismo y espiritualidad volcada al jazz.

El rol de Villegas en piano es vital para el sonido del disco, con aportaciones libres entre armonías y acompañamientos de amplitud que se conjugan a la perfección con los solos y melodías de los vientos de Tokatlián y los demás aportaciones. Las armónicas afectan el desempeño del grupo y completan con sensibilidad y hasta dulzura muchos de los momentos del disco, aportando una base que ha captado muy bien el misticismo de la propuesta y la réplica con creces para que los solos de saxo tengan lugar en tiempo y forma y se expresen entre melodías y solos libres.

Aunque no en todas las pistas aparece el piano, algunos tracks consisten solo en un juego de vientos y creaciones afines, como en ‘’Sombra de los dorados budas’’, donde al comienzo de la pieza hay un juego con tres vientos sonando a la vez en un ambiente libre, y por supuesto profundamente empapados por el misticismo de la propuesta, algún agregado vocal e instrumental extra sutil se le suma al track, jazz espiritual. ‘’Logré mi ser’’ es otra pieza en la que solo se aprecian un juego de vientos como principal armonía, sin aparecer el piano y apareciendo otros agregados como percusiones.

Estas palabras provienen de la histórica Revista Pelo, revista argentina emblemática de rock y aledaños, en una tirada de 1975 aparecieron esta palabras reseñando el disco que había sido seleccionado como destacado del año por ellos: ‘’Este álbum se convierte en algo realmente atractivo en los pasajes en que Enrique Villegas, pianistas de sensibilidad poco común, sostiene las tendencias armónicas del integrante de Arco Iris Ara Tokatlian. Es curioso como dos típicos representantes de generaciones bien diferenciadas en el tiempo y preferencias puedan llegar a sentarse juntos en un estudio de grabación. Esa confluencia, y su formidable resultado, es lo destacable de este álbum, algo empeñado cuando Villegas no participa. Los vientos de Tokatlian consiguen una dimensión mucho más amplia de lo que hasta ahora habían dado, la inspiración también es Villegas para él, y probablemente el pianista se haya sentido también atraído por la experiencia.’’

Cod: #1687

Toto Blanke - Spider's Dance (1975)

Luego de estudiar guitarra clásica, pasa a formar parte del grupo  de jazz rock ‘’Association P. C.’’ (que también incluye al bajista Sigi Busch , al baterista holandés Pierre Courbois y al tecladista Jasper van't Hof y Joachim Kühnpertenecía) apareció en numerosos festivales (incluido el Berlin Jazz Days de 1971) y lanzó una serie de discos a principios de la década de 1970, incluido también con el flautista Jeremy Steig. 

Luego trabajó con Joachim y Rolf Kühn, Randy Brecker, Jan Akkerman y en dúo con Philip Catherine. En 1975 Blanke grabó su primer disco "Spiders Dance" junto a un elenco destacado, Joachim Kühn en piano, Charlie Mariano en saxo y flauta, John Lee en bajo (futuro Return to Forever) y Gerry Brown en batería. ‘’Spider’s Dance’’ es el disco solista debut de Blanke, lanzado en 1975 por el sello discográfico Vertigo.

Esta una elegante combinación de música fusión combinada al jazz, las progresiones, los solos e improvisaciones en sesiones consecutivas típicas del jazz, lideradas por la guitarra poderosa de Blanke que por momentos es un genio creativo que discurre por entre sonidos típicos setenteros para traerlos a su terreno de fusión rabiosa, virtuosa.

El estilo de esta fusión tiene un aire a jazz rock que, pese a las armonías y progresiones, es también, más bien rockero y duro, recordando mucho, con los virtuosos solos de la guitarra eléctrica de Blanke, al estilo de John McLaughlin y sus fusiones duras y también rockeras. También tintes de Return to Forever o Weather Report son evidentes por momentos. 

El disco es raro y de él se dice que carece de originalidad debido a la proximidad con estilos clásicos como el de la Mahavishnu Orquestra, el parecido es evidente ya desde los primeros segundo, pero lo cierto es que para sonar como la maldita Mahavishnu Orquestra hay que ser un jodido genio para poder replicar semejantes ejecuciones y Toto Blanke está muy a la altura para ello.

Bases álgidas, muy dinámicas, se establecen entre las progresiones en forma de intro, intermedio y final que plantea la banda, en medio los solos virtuosos de la guitarra eléctrica y el teclado predominan las sesiones con solos de poder.

Una buena salvedad es la aparición de un par de piezas acústicas en el disco, especialmente la destacada ‘’Rocbaron’’, que salvan al sonido de la electrificación total, dan un aire distinto y siguen demostrando le virtuosismo de  Blanke, ya que prácticamente si se dijera que es el mismísimo McLaughlin el que está tocando en esas grabaciones tranquilamente podría creerse la idea; Blanke ha encontrado la manera de volverse y poderoso ejecutante y estas piezas virtuosas son el ejemplo de su poderío.

La carrera de Blanke por supuesto es mucho mayor y más extensa que este primer disco, desconocido y algo extraño, el cual, además de ser un interesante artefacto del fusion Europeo de mediados de los 70, es también un ejercicio de iniciación perfecto para el guitarrista y todo y halo de talento, creatividad e influencias en su país.

Cod: #1669

Far East Family Band - The Cave Down to the Earth (1975)

Considerado por muchos como el primer grupo de rock progresivo japonés, Far East Family Band fue una banda importante en la escena de su país, creando una estética que a menudo se lo relaciona con el krautrock y el space rock por la implementaciones de sintetizadores, aunque más que nada se ubica en la escena progresiva, con la directa influencia de bandas del género como Pink Floyd, influencia que se refleja por lo menos en este primer disco que la banda lanzaría, demostrando ecos del ‘’Dark Side Of The Moon’’ o incluso de sonidos de los primeros Pink Floyd.

El grupo comenzó su carrera a comienzos de la década del 70, bajo el nombre de Far Out, alcanzando a lanzar bajo ese nombre el homónimo ‘’Far Out’’ de 1973. Pero fue alrededor de 1975 cuando el grupo se reforma transformándose en Far East Family Band, ya como entidad más estable en la escena japonesa con la que lanzarían varios discos. El primero de ellos es el épico "The Cave" Down To The Earth en 1975. 

El trabajo es un variopinto de momentos, entre pasajes electrónicos espaciales bastante hipnotico y agradables, para pasar a momentos de rock con buenas guitarra rockeras, hasta llegar a épicos solos de guitarra en canciones melódicas, todo un paquete que recuerda calcado al estilo de Pink Floyd, incluso el parecido es mucho, casi copiado del sonido de la banda inglesa, tal vez sea una referencia o una forma de homenajear a la influencia extranjera.

De todas formas Far East Family Band logra intervenir vocalmente en japonés, lo cual es un gran logro para la esencia propia de la banda, la cual tampoco se que atrás con las diversas experimentaciones que aparecen en el disco. el acercamiento a lo psicodélico es sutil, ya alejados de esa era pero con guitarra que recuerdan al estilo, momentos conceptuales y experimentaciones sonoras.

El sonido de este disco es un invento entre experimentaciones electrónicas, momentos espaciales, solos épicos de guitarra, rock, momentos melódicos, momentos conceptuales, algo de psicodelia, y letras cantadas en japonés, el resultado es un álbum mítico de la escena de su país. Si bien el sonido puede ser algo monótono conforme avanza el trabajo, es la variedad de elementos e implementaciones las que realzan al sonido y le dan una nueva vida en el mundo de lo progresivo o ‘’art’’.

El tecladista Kitaro, que se había unido el grupo a principio de los 70, con sus intervenciones, influyó en la creación del sonido psicodélico distintivo de la banda, quien luego se estableció como un importante artista de la nueva era en los años 80. Aunque la banda a menudo también se categorizaba como new age, su sonido era claramente progresivo y a menudo generaba comparaciones con Tangerine Dream y los primeros Pink Floyd.

En el mismo año siguieron con el album ‘’Nipponjin (Join Our Mental Phase Sound)’’, que reversióna piezas del álbum Far Out y que fue mezclado por Klaus Schulze. Schulze también mezcló y produjo el tercer álbum del grupo, ‘’Parallel World’’, en el que se puede escuchar la influencia de su música electrónica.  Fue la influencia y el acercamiento de Schulze a la banda la cual ayudo a dar al grupo un renombre internacional

Sin duda inspirado por los propios trabajos en solitario de Schulze, Kitaro (Masanori Takahashi) eventualmente dejaría la banda antes de su cuarto y último álbum ‘’Tenkujin’’, y después de viajar solo por Asia, pronto comenzaría su propia carrera en solitario como artista, compositor, productor de discos y arreglista, haciéndose conocido por su música electrónica e instrumental, y a menudo considerado como uno de los artistas más destacados del new age.

Cod: #1664

Janko Nilovic - Soul Impressions (1975)

Muchos son los prodigios discográficos de Janko Nilovic lanzados especialmente para el histórico sello de biblioteca francés ‘’Montparnasse 2000’’, sello en el cual el artista pudo desarrollar todo su talento como músico, compositor, arreglista y creador de escenas y conceptos musicales como ninguno. Se abocó especialmente a la música de corte easy listening, en su mayoría, entre los que aparecen una serie de discos que funcionan bajo su concepto de ‘’Impressions’’, como su ‘’Pop Impressions’’, ‘’Supra Pop Impressions ‘’, ‘’Soul Impressions’’ o ‘’Psyc Impressions’’, y que son fruto de su búsqueda musical devenida de la libertad que el sello discográfico le otorgó confiando en su talento y sus visiones.

Y dentro de su concepto de ‘’Impressions’’ aparece el destacado ‘’Soul Impressions’’, publicado en 1975, un trabajo que tiene dos caras siendo en su totalidad instrumental, el lado más rockero y funk que se desarrolla con buenos atascos donde aparecen guitarras eléctricas, percusiones y momentos más ‘’duros’’, y por otro lado el costado más ‘’suave’’ donde aparecen una suerte de baladas y el pop más sutiles, con melodías pegadizas más fáciles y delicadas. Todo el disco está estructurado en una serie de pieza de corta duración, de tipo easy listening, caracterizadas por arreglos directos y efectivos, entre arreglo cuasi sinfónicos y buenas adiciones de percusiones, además de las diversas visiones del autor entre arreglos de todo tipo.

En su mayoría se trata de canciones de corte convencional con estructuras repetitivas, pero de todas maneras el trabajo es entretenido, con la particularidad de que todo es instrumental, por lo que el desafío es mayor, pero el trabajo cuenta con una buena dosis funky rockera muy efectiva que hace de la experiencia musical muy agradable y contundente.

La música ronda entre el funk, rock y fusión, con buenas mixturas entre fusiones y experimentos que circulan entre esos lugares, un rol preponderante cumple la guitarra eléctrica en muchas de las piezas, especialmente en los momentos más rockeros como ‘’Drug Song’’; aunque en el disco hay momentos más funky como ‘’Crazy Enterprise’’, momentos más jazzeros en ‘’To and Fro’’, o momentos más suaves en ‘’Open Country’’ o ‘’Lady Day’’.

Nilovic es un compositor, arreglista, director, pianista, percusionista, vocalista y productor, nacido en Estambul en 1941, se naturalizó francés en 1973. Ha publicado muchas obras, la mayoría de ellas en etiquetas de biblioteca que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde la música clásica, el jazz y el funk hasta el pop, psicodelia y el easy listening. El productor de hip-hop Dr. Dre sampleó gran parte de la pieza de Nilović ‘’Underground Session’’ para su tema ‘’Loose Cannons’’ del álbum Compton. El productor No ID muestreó la canción de Nilović ‘’In the Space’’, para ‘’DOA (Death of Auto-Tune)’’ de Jay-Z, en el álbum The Blueprint 3.

Los hitos de Nilovic aparecieron especialmente en la década del 70, pero fueron suficientes para elevar su figura a un lugar de culto para muchos. Su maestría en estudio, como arreglos y compositor, fueron notables y se esparcieron por muchos discos de todo tipo y género. De su producción y por su tipo de música que la sensación de que se trata de música que ya jamás se volverá a hacer, y de su discografía tal vez el disco que más resalte sea ‘’Rythmes Contemporains’’ de 1974, una obra donde el autor se sale del rol estándar de la música easy listening para crear una obra sinfónica progresiva con orientación al jazz fusión, una obra fundamental, un hito de esos que ya jamás se volverán a repetir.

Cod: #1636

Horacio ''Chivo'' Borraro - Blues Para Un Cosmonauta (1975)

Este emprendimiento presenta algunas facetas de innovación dentro de terrenos de un jazz con un carácter propio y que se parece a poco en su época, incluyendo instrumentaciones atípicas para el jazz de la época como aplicaciones acústicas del guitarrista brasileño Stenio Mendes, aplicaciones electrónicas de sintetizador Moog, y otros inventos atípicos y bastante experimentales; todos inventos que configuran un álbum único para la escena de jazz argentino de la época y lo ubican como un elemento muy interesante para tener presente dentro de la colección de jazz local.

Se trata de jazz, pero aparece la influencia de los vanguardismos tipo Pharoah Sanders o de estilos espirituales tipo John Coltrane, por lo que los desarrollos del jazz no se llevan a cabo en los típicos atascos instrumentales del género, y aunque sí estos se hacen presentes, también aparecen algunos aditivos entre introducciones, desarrollos progresivos de las composiciones, agregados y otros inventos que hace del sonido un cosa muy particular. En general es una experiencia muy disfrutable (para quien esté interesado en los inventos y las vanguardias), presentando una faceta de jazz muy fresca y llena de inventivas.

Hay varios inventos aquí, tal vez el que más se destaque sea ‘’La Invasión de los Monjes’’, siendo una pieza sin nombre especifico que comienza con algunas aplicaciones acústicas que se van diversificando a lo largo de una extensa introducción acústica a la que se le suman la batería y otras aplicaciones, a lo que le sigue una sesión de jazz modal, para terminar con algunos motivos finales también acústicos, como volviendo a las tramas del principio. El tema es original de Stenio Mendes y una version del mismo aparece en su disco solista ''Stenio Mendes'' de 1980.

En total son cinco las piezas que componen el trabajo, desde el spacy jazz de "Blues Para Un Cosmonauta" con sintetizadores psicodélicos de Moog, "Cancion De Cuna Para Un Bebe Del Año 2000" con humor suave y atractivo, "La Invasion De Los Monjes" combinando jazz modal con aplicaciones acústicas, "Mi Amigo Tarzán” que es un incursión con acercamiento al jazz rock más dinámico, y la pieza introductorio del disco ‘’Líneas torcidas’’ con más inventos entre jazz y aplicaciones acústicas. De la grabación del álbum participaron Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, teclados, flauta y percusión, Fernando Gelbard en piano eléctrico y sintetizador Moog, Stenio Mendes en Craviola (instrumento acústico de cuerda), Jorge Gonzales en contrabajo, Nestor Astarita en percusion, y Miguel "Chino" Rossi en percusion y efectos especiales.

Las siguientes son unas palabras pronunciadas por el mismo Chivo Borraro y que se encuentran en la contraportada del vinilo original de época:

‘’Este disco es el producto de la colaboración, la capacidad y por sobre todo, el talento de todos lo que me ayudaron a realizaron. Creo que es la primera vez que en grabaciones de nuestro medio, especialmente de jazz, se utiliza una cinta multicanal para lograr varias sobreimpresiones de un mismo tema con el fin de mezclarlas luego en una sola pista.

Deseo agradecer especialmente a Stenio Mendes -excepcional ser humano y músico- su confianza en mí, al aceptar grabar conmigo dos de sus temas -de notable belleza- a pesar de no expresarse ni ellos ni él en el idioma del jazz. No fue tarea fácil amalgamarlos con el quinteto para darles un clima jazzístico sin alterar su esencia. Creo no haberlo defraudado. Los dos temas de Stenio, ‘’Lineas Torcidas’’ y ‘’La invasión de los monjes’’, son los únicos que no llevan sobreimpresiones. 

En ‘’Mi amigo tarzan’’, la música africana que se escucha al principio y al final (que me perdonen las tribus de Kenya y Tanzania) fue hecha por mí con sobreimpresiones repetidas de xilofón, percusión y flauta dulce. El solo de piano acústico de Fernando también está sobreimpreso sobre el resto de la sección rítmica. 

En ‘’Canción de cuna’’, Fernando y Miguel grabaron la base de piano eléctrico y percusión. Sobre eso, Miguel agrego otra línea rítmica y Fernando un solo con sintetizador. Yo agregué luego el solo de tenor y unos compases de órgano en la introducción y el final. Los efectos de guerra del principio fueron hechos pro Miguel y yo con un bombo, artefactos metálicos pasados sobre las cuerdas del piano y sonidos de ametralladora. 

En ‘’Blues para un cosmonauta’’ se grabaron primero la base rítmica y armónica. Luego se agregó otra línea percusiva y Fernando un solo de piano eléctrico. A todo esto se superpuso otro solo de Fernando en sintetizador y finalmente yo agregué más voces al tema del principio y del final con el sintetizador, el piano eléctrico y el órgano.

Sin duda alguna, el avance de la técnica en todos los campos, nos permite expresar y realizar cosas, aun dentro del campo del arte, que resultarían imposibles de hacer de no contar con su concurso. ¿Por qué no aprovecharlas? Y a propósito de esto, quiero hacer aquí una mención especial de Hugo Manzini, que desde la consola resolvió con infinita paciencia y sapiencia todos los problemas técnicos que le planteé. Asimismo vaya aquí mi reconocimiento a mi amigo Polo Sagasti, cuya inapreciable colaboración facilitó la grabación de los temas de Stenio.’’

Cod: #1608

Spisek Sześciu - Complot Of Six (1975)

La escena del jazz polaco en su época fue una de las escuelas jazzera más prolíficas de toda Europa, tanto fue así que en su momento el sello discográfico polaco Polskie Nagrania Muza creó una colección de disco de la escena local polaca que funcionaba bajo una serie de publicaciones de jazz grabadas y editadas en los años 1965-1989, la serie de llamó ‘’Polish Jazz’’. Los discos que componen la lista son muy bastos y hay estilos de todo tipo de sonidos siempre dentro del jazz, con un acercamiento especial hacia los vanguardismos y el fusión. La serie fue revivida en el 2016 con nuevos lanzamientos. 

‘’Complot of Six’’ es parte de la serie de discos de Polish Jazz, más específicamente es el numero 45° de la colección, se trata del debut y único álbum de estudio de la banda de jazz polaca Spisek Szeście, grabado en Marzo de 1975 en Breslavia y publicado ese mismo año bajo el ya nombrado sello Polskie Nagrania Muza.

Aquí se presenta un sonido donde convergen diferentes sabores, especialmente en la suite que abre el disco, la pieza de diecinueve minutos de duración llamada ‘’Wizje (Na krawędzi-Pojedynek-Modlitwa)’’, una extensa suite de jazz de vanguardia donde aparecen sabores de free jazz, arreglos de viento cuasi orquestales, jazz contemporáneo y hasta elementos de jazz rock, formando un sonido hibrido entre todos estos condimentos para dar vida a una cosa indecible para un solo género en particular pero funcionando muy bien para los que busquen música de jazz de vanguardia y experimentos afines. Esta suite se divide aparentemente en tres partes, presentando una combinación de sabores entre todos los elementos que circulan por entre la esmerada composición que presentan.

Para el resto del disco aparecen otros elementos dentro del mismo estilo pero esta vez en tres piezas más cortas, donde la banda se aboca a sabores más reconocibles desde las estructuras, los ritmos del fusión y solos y bases modales también dentro de un estilo fusión, apareciendo algunas percusiones que se acercan al funky, y con muy buenos atascos instrumentales de un estilo moderno (en aquel entonces) propio de la banda, haciéndose eco de los sonidos del fusión europeos de principio de década y recordando a muchos hitos del géneros, pero generando una distinción que los diferencia y marca un aura no tan ruda debido a la no inclusión de la guitarra eléctrica distorsionada. 

Włodzimierz Wiński, saxofonista del grupo, diría lo siguiente acerca de la música que realizaban: ‘’Representamos a los llamados en medio de la vanguardia, es decir, tocamos de forma moderna, pero no llegamos a la barrera exterior del experimento del jazz contemporáneo. El modelo para nosotros es la música de esos jazzistas que, aunque actualmente están a la vanguardia de las vanguardias, son a la vez figuras clásicas. Los que marcaron hitos en el desarrollo del jazz. Me refiero a Davis , Hancock , Zawinul. La situación del jazz actual determinó las condiciones para nuestra creación y tal y ninguna otra actividad. Por un lado, nos apoyamos en los logros de la música electrónica (en la medida que nos conviene, así como en ciertas posibilidades técnicas y económicas), y por el otro, asumimos la máxima expresión natural. Por lo tanto, es extremadamente importante para nosotros arreglar los metales y la forma de las canciones. Cada uno de ellos está compuesto de tal manera que excluye cualquier cambio innecesario o saltos en la atmósfera de la música. Por eso, en principio (a excepción de las partes improvisadas, claro) adoramos la música compuesta’’.

Este grupo polaco estuvo activo entre los años 1972 y 1976. Inicialmente, la banda interpretaba sonidos dentro del jazz pero con estilo funky-jazz, posteriormente descubrieron el jazz-rock y se acercaron a ese lado, en definitiva terminaron elaborando su primer disco bajo influencia de estos estilos pero dándole lugar a sus visiones personales, por lo que no terminan de ser ni una cosa ni otra salvo por sus propias invenciones. Su primer y único disco fue grabado de una sola toma, ‘’en vivo’’ en el estudio, de punta a punta y sin tomas adicionales, sin correcciones de estudio ni superposiciones. Saben honrar a esa influencia fusión de principios de la década, manteniendo también un aura de jazz contemporáneo europeo, con aires de vanguardismo, además del ya mencionado funky en los ritmos y percusiones.

La banda debutó en 1973 en el Student Jazz Festival "Jazz on the Odra" en Wrocław, donde recibieron una distinción. Aparecieron en este evento tres veces más: en 1974, ganando el primer premio en un certamen de bandas, y en 1975-1976. En 1974, en el festival de jazz de Prerov (Checoslovaquia), recibieron una medalla de oro y el título de grupo de la liga europea. En el mismo año, también actuaron en festivales de jazz en Varsovia y San Sebastián (España), y un año después en Finlandia. En los años 1971-1974 participó en Komeda Days, organizado por el club de estudiantes "Medyk" en Varsovia. Ha realizado además grabaciones de archivo para la radio polaca en Wrocław y Varsovia.

Cod: #1599

Famoudou Don Moye - Sun Percussion Volume One (1975)

Famoudou Don Moye es más conocido por ser baterista de la mítica The Art Ensemble Of Chicago desde 1969, pero en paralelo mantuvo su carrera en solitario como un muy particular baterista y percusionista que cargaba con todo el vanguardismo afro de la Ensemble pero desarrollándose con un estilo propio en forma de luminarias y fulguraciones en el terreno de la experimentación con percusiones, siempre demostrando toda su técnica, su amplio repertorio de percusiones varias, sus conocimientos sobre rítmicas afroamericanas, africanas y caribeñas, y toda su cosmovisión acerca del mundo interno que poseía y que volcó en una música de vanguardia especializada en sonidos de percusión.

Pese a que fue miembro de la The Art Ensemble Of Chicago desde 1969, su primer lanzamiento en solitario no apareció hasta 1975, el álbum exploratorio ‘’Sun Percussion Volume One’’, nombre que hacer referencia a su filosofía heliocéntrica y meditativa sobre la batería y la percusión y a la que convirtió en una técnica en sí misma. Esta particular forma de ejecución o de concepción del mundo de la percusión se puede apreciar desde el primer momento en este disco, comenzando con el sonido de un gong, lo que marca el camino hacia una tierra exótica de aplicaciones de diversos instrumentos de percusión que se abren paso a lo largo de las siete pistas que comprende el trabajo.

La técnica apodada por Moye como ‘’Sun Percussion’’ se caracteriza por la meditación y el trance abocadas a la performance, con presentaciones especialmente en vivo emprendidas por múltiples músicos, utilizando una variada cantidad de instrumentos de percusión, y con ejecuciones libres en una improvisación colectiva que se extendía a lo largo de todo el concierto, como emulando rituales étnicos ancestrales, el mismo Moye era prueba viviente de esto no solo manifestándolo en su arte sino también reflejándolo en su tan característica forma de vestir. Moye y los otros miembros de The Art Ensemble Of Chicago obtuvieron su influencia tanto de África como del Caribe, tanto de espacios rurales como urbanos, estilo que marcó a fuego el quehacer artístico vivo de ambos y los colocó en un lugar de vanguardismo con fulguraciones étnicas como pocos lo habían hecho en ese entonces.

Aquí no hay canciones sino exploraciones instrumentales sumergidas en el mundo exótico de Don Moye, en lo que parece ser una música ritual con cantos típicos afro e improvisaciones libres, aspectos que se desatan y se colisionan a sí mismos en una música de auras de libre ejecución y libre desarrollo. En su totalidad el disco parece ser un ritual, funcionando como si el autor se sumergiera en alguna cultura milenaria del África en la que los participantes entran en un estado de trance por el que comienzan a comunicarse con entidades de otros planos, las cuales les confieren sus dones de sanación o gratificación, los cantos típicos marca aún más esa sensación ritual africana. A lo largo de todo el trabajo se puede apreciar una gran cantidad de instrumentos, desde congas, cascabeles, baterías, instrumentos de mano y otros instrumentos indefinidos, en lo que parece ser una especialización maestra en el mundo de las percusiones afro con reminiscencias directa con culturas exóticas del África.

‘’Sun Percussion Volume One’’ de 1975 fue publicado por el sello AECO, un sello independiente creado por los miembros de la The Art Ensemble Of Chicago para poder solventar y sostener sus propias publicaciones solistas. ‘’Sun Percussion’’ fue el primer lanzamiento del sello que presentó otros trabajos solistas del grupo como ‘’Sunbound’’ de Joseph Jarman y ‘’Natural & Spiritual‘’ de Malachi Favors. Por aquellos años solo se publicaron esos discos juntos a otros pocos más, y no fue sino con el paso de los años que el sello se siguió utilizándose para más producciones, lanzamientos y reediciones.

En la escuela secundaria Moye, comenzó a tocar la batería, las congas y los bongos y luego estudió percusión en la Wayne State University. En 1968, realizó una gira por Europa con la Detroit Free Jazz Band. Mientras estaba en el extranjero, Moye tuvo la oportunidad de trabajar con actores clave en el Free Jazz Movement. Moye dirigió el Sun Percussion Summit, fue miembro de "The Leaders" desde 1984 y grabó con muchos otros grupos. Tanto Don Moye como la Art Ensemble Of Chicago fueron importantes en su rol de vanguardia e improvisación libre, combinando la música de jazz tradicional y de vanguardia, con música africana, música clásica moderna, y posteriormente con otras formas populares como el blues, el rock y el reggae, también con otras formas de arte como el arte de la performance y el teatro.

Cod: #1592

Persona - Som (1975)

‘’La condición básica para el conocimiento de sí mismo, el conocimiento de la superación de la personal, la máscara entre el ego y el mundo objetivo y entre el ego y el mundo subjetivo. Nos colocamos frente a un espejo que nos muestra nuestra figura con fidelidad, nos hace ver aquel rostro que nunca, nunca mostramos al mundo, justamente porque cubrimos con la persona, una máscara de actor. Cuando el espejo está detrás de la máscara muestra el verdadero rostro.’’ - palabras introductorias en el disco, pronunciadas por Roberto Campadello

Este curioso emprendimiento brasilero representa toda una experiencia introspectiva que, entre la electrónica y a psicodélia, ofrece un viaje introspectivo muy curioso erigido en torno a una función ritual conceptual, por lo que toda la experiencia es un tránsito ritual tropicalista hacia el descubrimiento de sí mismo mientras se viaja en un trip por los rincones internos del propio ser. Es un trabajo por demás oscuro y particular, reflejando los ecos de la tropicalia y mostrándose experimental a todo momento, siendo todo el disco un experimento vivo que transita por pistas y sonidos diferentes entre sí.

La música ha sido compuesta e interpretada por Roberto Campadello, y el guitarrista brasileño Luis Carlini, líder de la banda Tutti Frutti, de Rita Lee. El artista Roberto Campadello concibió "El juego de la persona", en el contexto de una instalación para la XII feria Biennale de arte de Sao Paolo en 1973. Descubriendo las propiedades visuales del vidrio dorado, investigó los efectos de la superposición de imágenes, un misterioso momento de transparencia en el que dos personas se funden en el reflejo de la imagen, creando una única persona fantástica, de ahí la portada del disco. Campadello desarrolló un espacio de viajes ‘’intronáuticos’’, meditaciones, vanguardismos, experimentación y danzas cósmicas. La historia de este LP comienza justo para apoyar esas sesiones de iniciación ritual colectiva.

La primera edición original de época del disco fue publicada en 1975 y originalmente consistía en una caja con un disco de vinilo de 10", además traía un espejo, 2 velas y una base hecha con 2 piezas de madera para mantener el espejos en posición vertical. El manual de instrucciones del juego estaba impreso en la parte posterior de un póster que también venia en la caja. La música del disco era la creación musical que acompañaba al participante del juego mientras experimentaba con los objetos que venían en la publicación. Todo el paquete era una invitación a replicar aquellas experiencias que habían desarrollado en privado los autores y creadores del disco y su concepto original.

El sonido recorre por muchos momentos varios, comenzado con algunas recitaciones existencialistas, momentos oníricos, aplicaciones electrónicas, hasta llegar a momentos instrumentales más orgánicos como pistas con percusiones y guitarras eléctricas, voces y más existencialismo psicodélico. Todo lo presentado funciona a manera de presentarse como un viaje atípico que invita a la introspección, al viaje interno hacia lugares de encuentro con entidades internas. Cada pista del disco está inspirada en un elemento del I Ching (montaña, cielo, tierra, agua, lago, viento) que representó una fuente primaria de inspiración para Campadello. El sonido onírico y oculto no solo sugiere la atmósfera de esa experiencia, sino que aún revela los ecos de la mejor temporada del rock brasileño y el tropicalismo.

El disco fue publicado en una tirada privada, auto gestionada y en un número limitado de copias casi imposible de encontrar hoy en día. Fue grabado en ‘’Estudio Mídia’’ en Diciembre de 1975. La aparición de los momentos electrónicos le dan un toque particular al sonido, apareciendo el vanguardismo, mientras que la aparición de las guitarras distorsionadas recuerdan a lo mejor del tropicalismo que para ese año estaban dejando ya su última estela creativa en la escena under de Brasil. Particparon del disco: Roberto Campadello en voces, Carmen Flores como cantante, Franklin Paolillo en percusión, Luis Carlini en guitarra, además de Erico M. Muller, Silvana Perez, Osmar Flores y Zeca

Este extraño artefacto tropicalista se encuentra entre los más oscuros y experimentales lanzamientos que hayan salido de la tropicalia brasilera, comparable con otros artefactos como ‘’Krishnanda’’ de Pedro Santos, ‘’Paêbirú’’ de Lula Côrtes e Zé Ramalho, o ‘’Estrelando Embaixador’’ de Tribo Massáhi; todas obras atípicas y oscuras  provenientes de una era en Brasil en la que se produjeron sonidos oscuros, obras desconocidas paras las grandes masas pero de culto en los ámbitos del under.

Cod: #1579

Steve Maxwell Von Braund - Monster Planet (1975)

El dúo australiano de Cybotron hizo su camino a partir de 1976 con cuatro discos que funcionaban dentro de una electrónica de punta, con aproximaciones al rock y a la música espacial, pues fue previa a esta experiencia cuando uno de los integrantes del dúo, Steven Maxwell von Braund, publicó, en 1975, un artefacto previo al sonido de la banda y con el que ya comenzaría a explorar esos sinuosos terrenos por las tierras fértiles de la experimentación espacial.

El trabajo está compuesto por cuatro extensas piezas de alrededor de diez minutos de duración cada una y que son la excusa perfecta para desplegar el sonido en extensos viajes electrónicos de demarcada experimentación y consistente desarrollo, siempre dentro de ambientes perversos que incitan a una placida incomodidad mientras el internauta creador conduce las sesiones hacia tierras de mayor perversión aun, con agregados también oscuros con los que se conjugan las voces electrónicas que surgen en las pistas, formando así una combinación que está entre las delicias de la música under de su Australia natal.

De las cuatro piezas presentadas solo una presenta algo de instrumentación con acercamiento al rock, lo es en el caso de ‘’Moster Planet’’, la pieza introductoria del disco que le hace honor a su lugar de iniciadora con un desenlace de notable desarrollo progresivo, apareciendo una voz que canta algunas estrofas (que no se trata del mismo Von Braund sino de Jim Keays, cantante principal de Master Apprentice), la cual se fusiona con una batería y un saxo, para terminar apagándose en una andanada de inventos electrónicos siempre oscuros. 

También ocurre en la pieza ‘’Crystal Forest’’, donde aparece el sonido de un violín somado a la mezcla oscura y dotándole a sonido general una característica muy particular, con dicho instrumento aplicando algunas líneas melódicas pero funcionando de manera cómo entendiendo muy bien el estilo de los sintetizadores y acoplándose a ellos en ese cometido tan distintivo de ofrecer una entidad sonora perversa. 

Von Braund grabó este álbum predecesor al sonido de Cybotron cuando regresó a Australia en 1973, después de empaparse de los sonidos psicodélicos que encontró en su estancia en el Londres de los sesenta, donde se cruzó con Hawkwind, The Soft Machine y Graham Bond. También desarrolló una fuerte admiración por la música krautrock alemana, como de bandas como Amon Duul, Popol Vuh o Ash Ra Temple. Esta combinación de visiones y admiraciones resultó en este Monster Planet que es un experimento mutante y bastardo del under vanguardista australiano.

Su fuerte acercamiento al estilo kosmic krautrock alemán, con una intensa búsqueda sonora electrónica experimental, le confirió el favor de que los fanáticos del género tildaran a su música como mismísimo krautrock, y no es para menos ya que todo lo que ocurre en este trabajo está puramente pulido bajo una visión que surge estrictamente de inventos, ambientes y aplicaciones electrónicas varias.

Puede que las texturas sean algo monótonas o poco variadas, debido al uso del único sintetizador utilizado en el álbum, un Korg-700, lo que puede explicar esta tendencia a recaer en atmosferas similares en todas las piezas, las nombradas apariciones instrumentales de otros instrumentos es lo que le da un poco de aire creativo al trabajo y lo salva un poco de la monotonía total. No hay secuencias y aplicaciones típicas de otros sintetizadores utilizados en la época, la masa sonora electrónica propiamente dicha que compone el cuerpo de los ambientes electrónicos de este trabajo consisten casi exclusivamente en la estática y los ambientes espaciales que el creador del sonido le arranca a su sintetizador, y demás inventos sonoros que le puedan llegar a ocurrir.

El siniestro de su propuesta musical seguramente tenga que ver con ese planeta monstruoso del que hace referencia, esa visión de ciencia ficción que parece terminar con la tierra (o el sol), lo que a su vez es presenciado por una flotilla de naves galácticas que sobrevuelan el ambiente y observan (o propician) el atentado galáctico que da vida al nacimiento del planeta monstruoso post apocalíptico.

Cod: #1573

Invisible - Durazno Sangrando (1975)

Muchos recuerdan a Invisible como una de las mejores bandas que ha dado el rock argentino, un trio de notables con experiencia de sobra en el rock argentino: el baterista Hector ‘’Pomo’’ Lorenzo había sido parte de la primera etapa de Los Abuelos de la Nada y había formado además Pappo's Blues, siendo parte del trio que grabó ‘’Pappo’s Blues vol. 3’’. Por su parte el bajista Carlos Alberto ‘’Machi’’ Rufino también había sido parte del trio (junto a Pomo Lorenzo) de Pappo’s Blues y también había participado de la grabación de ‘’Pappo’s Blues vol. 3’’. El trió Invisible se completaba con el mismísimo Luis Alberto ‘’flaco’’ Spinetta, un pilar fundamental para el rock argentino, quien había creado hasta entonces bandas como Almendra y Pescado Rabioso y habiendo publicado álbumes fundamentales como ‘’Artaud’’ en 1972, entre otros.

En 1975 el trio Invisible graba y publica su segundo disco, ‘’Durazno Sangrando’’, grabado en los estudios CBS y siendo presentado posteriormente en el Teatro Coliseo, el 21 y 22 de noviembre de 1975. Se trata de un álbum conceptual inspirado en el libro "El secreto de la flor de oro", una obra taoísta china que habla sobre meditación, obra difundida en occidente por el psiquiatra y psicólogo Carl Jung y el teólogo Richard Wilhem, y no es difícil detectar que algo tramaban con las letras y las composiciones del disco, comenzando el mismo con una compleja suite llamada ‘’Encadenado al anima’’. Algunas de las tesis más famosas de Jung son la teoría del ‘’animus’’ y el ‘’ánima’’, donde el primero representa la "Vida" y el segundo la "Muerte", conceptos representados en las letras del disco.

Musicalmente representa un momento delicado en la carrera de Spinetta, principal compositor de la banda, con líricas profundas, expresiones delicadas venidas de lo profundo del animus, armonías áureas con instrumentaciones suaves pero potentes a la vez, toda una maquinaría compositiva y creativa que había evolucionado desde los primeros días en su carrera llegando hasta entonces donde se encontraba en un camino que comenzaba a recobrar un vuelo poético muy alto, de experimentos con fusiones, encuentro con el jazz, experimentaciones de tipo progresivas, y armonías inciertas provenidas de lo desconocido. El álbum está integrado por solo cinco tracks, incluyendo una de las canciones más difundidas del cancionero de Spinetta, la homónima "Durazno sangrando", de donde toma su título el disco. Esta canción da lugar al concepto del disco y representa el corazón del trabajo, una canción sencilla en medio de una enorme maquinaria progresiva. Una canción dulce, suave, icónica para el repertorio de Spinetta, con armonías sencillas pero utilizadas de forma tal para convertirse en un momento áureo y delicado que aun con sencillez logra estar a la altura de las demás composiciones del disco.

El disco ‘’Durazno Sangrando’’ no es plenamente aceptado por todos los fanáticos o seguidores de la música de Spinetta, eso es justamente porque este trabajo se sale de los cauces normales para cualquier banda de rock más estándar e incluso para el repertorio de lo que había sido hasta entonces la música del mismo Spinetta. Aunque Invisible sí había comenzado con un lanzamiento discográfico con demarcado rumbo hacia estructuras atípicas y progresivas, como lo había sido el homónimo ‘’Invisible’’ de 1974, es en ‘’Durazno Sangrando’’ donde aparecen complejidades mucho más profundas, no asequibles para cualquiera, especialmente apareciendo dos suites progresivas totalmente complejas como lo son ‘’Encadenado al Anima’’ y ‘’En una lejana playa del Animus’’, piezas de un sonido ambicioso y una complejidad única en la carrera creativa de Spinetta, una sofisticación que es un limbo entre invenciones y arreglos diversos que transcurren en un devenir prístino que se abre paso entre complejas secciones, cambios de ritmo, momentos internos, fusiones con jazz, sumado a la poética surrealista de las letras; un combo que no es fácil de digerir para cualquiera pero que es uno de los momentos cumbres en la carrera de Spinetta en lo que a la complejidad respecta.

La música de Spinetta es siempre muy particular, de una sutileza profunda, un encuentro con lo desconocido y que a su vez ‘’eso’’ llega desde otro espectro y se ubica entre lo material, como utilizando la obra de este autor como un instrumento para trocar las diferencias entre otros mundos y chocar en nuestra existencia en momentos de éxtasis y desconcierto. Esta obra no está exenta de eso, de ese efecto significante que se sincroniza con los misterios más insondables de la existencia, una maquinaria metafísica que se activa en los momentos más significativos de uno en el encuentro con el arte o con estados en lo interno.

Para los amantes de la música progresiva este es un disco ideal, por la gran complejidad y sutil sofisticación que por momentos experimenta, e incluso hay además un par de temas ‘’menores’’ en lo complejo como lo son ‘’Pleamar de águilas’’ y ‘’Dios de la Adolescencia’’, que completan el concepto del trabajo y se ubican como dos piezas de rock con elementos de jazz y arreglos ingeniosos combinándose a la perfección con el concepto total del disco. La tapa del disco diseñada, diseñada por Eduardo Martí, y el original afiche promocional con un dibujo del mismo Spinetta fueron censurados por las autoridades comunales de la ciudad de Rosario a fines de 1976, por considerar que la imagen (que según sus autores representaba un carozo de durazno) simulaba una vagina.

Cod: #1547

Magical Power Mako - Super Record (1975)

Magical Power Mako surge desde un contexto de psicodelia y de rock pero que por tener la mente retorcida trastornó esos elementos convirtiéndolos, a su merced, en una música vanguardista muy particular y que fue un símbolo en el vanguardismo japonés. 

Mako nació en Shuzeni Izu en Japón en 1956, y comenzó su educación musical a una edad temprana, haciendo su primera actuación pública en 1973 a los 16 años con su banda Genge en el famoso Shibuya Club. Sobre la base de estas impresionantes actuaciones públicas, el precoz Mako fue invitado a tocar con uno de los compositores contemporáneos más importantes de Japón, Toru Takemitsu, tocando junto al compositor en tres bandas sonoras de películas.

Su debut discográfico tuvo lugar en 1973, con un disco homónimo llamado ‘’Magical Power’’, el cual no puede evaluarse bajo casi ninguna etiqueta, su estilo es la vanguardia y desde ahí es donde parten sus ocurrencias y diversas ideas musicales que se despliegan hacia un sinfín de direcciones. El trabajo se compone de música compuesta durante la infancia de Mako hasta los veinte años, junto con grabaciones de campo y experimentos de cintas de estudio.

El segundo trabajo que publicaría sería ‘’Super Record’’, de 1975, en el que abandonaría el vanguardismo de campo tan radicalizado, para adentrarse en un sonido más fino y elaborado, con presencia de psicodelia y de ambientes que parecen ser espaciales.

Hay una tendencia en este trabajo a abordar elementos de culturas diversas del mundo, algunos elementos folklóricos de otras culturas convergen en el  gen excéntrico típico de Mako, con esa actitud típica de traer al oído algo que no se esperaba de antemano, ese es siempre su logro, sean del todo aceptado o no.

Su estilo es siempre personal, vanguardista, es un artista con su propia mirada y con un arte de difícil acceso para las concepciones convencionales. Para este segundo trabajo su música fruye desde fuetes orgánicos creadas desde la visión de una composición acústica/sintetizada que sobre pasa alguno motes, es vanguardismo de buen nivel, pero no es esencial. 

Una virtud del trabajo es la de lograr sintetizar sonidos, desarmar espectros sonoros, y traer algunos sonidos del mundo, con instrumentos típicos como la mandolina, a la psicodelia espacial, además de su estilo por el que nos podemos encontrar formas, texturas y composiciones totalmente atípicas para lo común.

El disco fue editado por Polydor y en la notas de presentación del disco destacaban que la música de Mako “posee un tipo extraño de textura, elementos que no podemos describir de manera clara y que van más allá de los diversos géneros de la música. Con todos ellos consigue emitir un brillo feroz”. 

Cod: #1525

Jordi Sabatés - Ocells Del Més Enllà (1975)

Jordi Sabatés es un pianista y compositor de jazz, además de  estar licenciado en física. Sabatés ha combinado a lo largo de su trayectoria propuestas musicales de todos los tipos de géneros y estilos, del jazz al rock, pasando por la canción, el lied, canciones sobre textos de los trovadores provenzales, música de cámara, música sinfónica, música para teatro y cine, cuentos infantiles orquestados, flamenco, cinema en concierto, conferencias didácticas, etc.; todo ello con un grado de calidad y excelencia que lo han hecho valedor de un crédito internacional.

Sabatés inició su carrera con la banda de pop de los años 60 Pic-Nic , agrupación en la que también se encontraba el guitarrista Toti Soler , con quien colaboraría frecuentemente. Después de la ruptura de Pic-Nic, Sabatés y Soler fundaron la banda Om, con la que lanzaron un muy interesante álbum homónimo de jazz rock, posterior a haber acompañado a Pau Riba en su álbum de 1969 ‘’Dioptria’’.  A principio de la década de los 70s Sabatés dirigió el conjunto de jazz Jarka , que editó dos álbumes durante ese tiempo. También volvió a colaborar con Soler en un álbum de jazz en 1973 antes de embarcarse en una larga carrera en solitario. También ha colaborado con muchos músicos de renombre del panorama musical catalán a lo largo de los años.

En 1975 Sabatés presenta su álbum en solitario ‘’Ocells Del Mes Enlla’’ (Pájaros del más allá, en catalán), producido por el sello Edigs. El sonido general de este trabajo es sofisticado y fino, delicadamente elaborado, con el sello típico del flamenco que se vuelca en algunas melodías y armonías y especialmente por la participación estelar de Toti Soler, guitarrista junto al cual Sabatés había realizado anteriormente varios proyectos. Especialmente esta dupla es la que coordina el sonido total del trabajo, funcionando en una dualidad progresiva muy cohesiva que se las arregla para entretejer una serie de pasajes progresivos con sabor mediterráneo, donde destacan las armonías de Sabatés y la gran destreza de Soler para acompañar vertiginosos atascos fusión con su guitarra criolla. 

El primer track que aparece en el disco es una extensa composición de corte progresivo y con un deliberado acercamiento al fusión a la catalana, con un comienzo rabioso y muy acertado y unos aires de rock muy agradables, luego, el elemento flamenco que surge en forma de guitarra criolla cuasi virtuosa dejando una buenas improvisaciones alrededor de la mitad del tema, pieza que luego, hacia el final, gira un poco el timón, apareciendo inéditamente sonoridades y elementos de la música típica brasilera, transformándose la pieza en un cruce étnico de sabores y especias de diferentes costas.

Luego aparecen algunos cortes diversos, la vertiginosa ‘’Gingers’’, de métricas punzantes, la guitarra criolla siempre presente dejar sus sabores un wha-wha que marca el tempo constante de muchas partes de la composición. O también se destaca ‘’Acuario’’, una pieza sauve y volátil donde la banda abandona momentáneamente su estilo vertiginoso, para recaer en un vector de estilo místico donde pareciera que el tiempo se detuviera para dar rienda a esa atmosfera solvente de misterios luminosos. Algunos sabores de blues surgen en la pieza ‘’Tema para el Richmond's’’, con una guitarra eléctrica dibujando algunos yeites típicos, junto al rol del teclado que crea una amalgama interesante.

Refiriéndose a ese sabor mediterráneo, de melodías exóticas típicas, la brisa, las gaviotas, la dulce melancolía de la vida en libertad que ofrece la orilla del mar, tal vez ‘’Tryada’’ es la que refleja mejor ese aspecto, marcado con los elementales y siempre presentes arreglos de Soler, el sonido fusión con el flamenco, y ese atasco borrascoso del sintetizador con el que se abre la pieza, que carcome internamente dejando sabores típicos y especias de un enorme misticismo proveniente ‘’del más allá’’.  Es un álbum de gran nivel y despliegue que conjuga diversos sabores para enaltecerse como una obra importante para la música progresiva catalana.

Cod: #1500

Klockwerk Orange - Abrakadabra (1975)

Klockwerk Orange fue una banda austriaca de corta duración, que solo vivió entre 1974 y 1976, y solo alcanzaron a publicar un solo disco en vida, además de otras varias grabaciones que dejaron de vivos de la banda y que vieron la luz en reediciones posteriores. El líder de la banda era el multi instrumentista y compositor Herman Delago, guitarrista, trompetista y tecladista, formado en la Academia de Música de Innsbruck. Posteriormente formó parte de Austria Trio y Viller Spatzen además de algunos grupos de Jazz.

En 1975 aparecería su único trabajo, llamado Abrakadabra. El sonido de este disco no tiene piedad y no se anda con medias tintas o rodeos, comienza como termina, en una búsqueda progresiva total, ramificándose en tres extensas piezas de un calibre progresivo muy complejo y sofisticado, de una sofisticación temerosa, un sonido aplastante que remueve sensaciones internas y despierna un ansia que se sincroniza con las piezas, ansia que estas a la vez van apaciguando en la medida que avanzan a lo largo de diversos e infinitos pasajes, partes, arreglos, progresiones, sucesiones e invenciones progresivas. Nada está librado al azar aquí, nada es casualidad, nada es porque sí, todo está perfectamente planeado para suscitar un remolino bastante ingenioso.

Es un trabajo en el que es muy fácil de perderse debido a la enorme sofisticación de las piezas, y es allí donde radica la dificultad de la escucha de este material, tantos pasajes y partes sucediéndose puede tornar tosca la escucha por eso es necesario prestarle rigurosa atención, en la medida de lo posible, a cada momento y pasaje. Las piezas se componen de un sinfín de pequeñas partes que se suceden en el tiempo y dejan de entrever, por ejemplo, algunos matices como sutiles elementos de algún influencia de flamenco, alguna influencia de Keith Emerson, tanto sea con The Nice o ya con su Emerson, Lake & Palmer, especialmente se puede apreciar en algunos pasajes donde predominan los teclados muy al estilo del artista nombra; además la enorme sofisticación hace de un sonido sinfónico que emula momentos rústicos, momentos más concretos y contundentes de rock,  otros momentos de una sutil fusión y/o arreglos símil jazz fusión, además de aparecer la influencia de la música clásica como coagulante de muchos otros pasajes también.

Se podría tender un puente hacia alguna reminiscencia con otras bandas pero sin dudas que lo que propone Klockwerk Orange trasciende muchas fronteras y se ubica en un lugar propio, con un entramado de composiciones sucesivas que se congenian entre sí en una sola confabulación progresiva, con diversos quehaceres que brotan, mostrando todo un costado todavía prototípico de la banda, como por ejemplo esa trompeta que suele aparecer por momentos y deja una desazón y una inquietante sensación de rustica calidez, un dejo sonoro que parece tomado de otra época y puesto en medio del disco. La enorme sofisticación recuerda a discos como Stained Glass Stories, de la banda Cathedral.

El sonido propuesto por la banda ronda entre lo complejo y lo rustico, entre la sofisticación y la visión prototípica que los músicos manejaban. El trabajo se compone de tres extensas piezas, dos de diez minutos de duración que ocupan la cara A del vinilo original, y una tercera pieza de veinte minutos de duración que ocupa todo el lado B del vinilo original. Es en esa última pieza donde aparece otro elemento que podría desconcertar a muchos pero hacer la delicia de los vanguardistas; hasta entonces todo ocurre en un quehacer progresivo total, pero es en la mitad de la última pieza donde aparece la experimentación sonora, unos minutos de desconcierto que dan un aire inusitado a la pieza y la salvan de una inevitable repetitividad o monotonía. Todo el trabajo está pensado y propuesto bajo manifiestas introducciones, desarrollos, divisiones, partes y conclusiones.

Este trabajo no es fácil de escuchar, es recomendado especialmente para fanáticos del progresivo que tengan el oído avezado con bastos discos y puedan apreciar la enorme propuesta manifestada en este trabajo. Por momentos inconexo, abrumador, monótono, por momentos glorioso y acertadamente experimental, es una propuesta que se sumó a la ola progresiva europea y rindió culto con una propuesta por demás sofisticada que no alcanzó el éxito pero tampoco necesitó hacerlo para mostrar su alma en el sonido. Esta es otra joya progresiva de Austria, una pieza de sofisticación y colección, un disco de épicas y propuestas de engranajes sofisticados.

Cod: #1494

The Headhunters - Survival Of The Fittest (1975)

Este álbum fue publicado por el grupo de respaldo de Herbie Hancock poco después de la inesperada popularidad masiva del disco ‘’Head Hunters’’ del susodicho Hancock; esto es lo que sucede cuando la banda soporte se separa del fenómeno y toma su propia dirección, obviamente siguiendo prácticamente los mismo lineamientos conceptuales de origen pero manifestando algunos aspectos propios e intensificando otros, lo que los diferencia de su tutor y protector y los coloca en la vanguardia del jazz/funk del momento.

‘’The Headhunters’’ se formó en 1973, compuesta y liderada artísticamente por Hancock (teclados), e integrada además por Bennie Maupin (saxofón, clarinete), Harvey Mason (batería), Paul Jackson (bajo) y Bill Summers (percusión). Su primer álbum, ‘’Head Hunters’’, vendió más de un millón de copias. Para el siguiente álbum, ‘’Thrust’’, Mike Clark asumió el cargo de baterista. Tanto Mason como Clark contribuyeron con la batería al álbum de 1975 de Hancock, ‘’Man-Child’’, que contó con 18 músicos, incluido Stevie Wonder tocando la armónica en la canción "Steppin 'in It". Para 1975, Herbie Hancock se había interesado por otras cosas y la gente de ‘’The Headhunters’’ decidieron seguir actuando sin él grabando ‘’Survival of the Fittest’’ en 1975, su primer álbum sin Hancock. El álbum contenía un éxito, "God Make Me Funky", que fue sampleado por los Fugees y otros. 

‘’Survival of the Fittest’’ es la continuación de un concepto creado, la prolongación de la fusión jazz/funk que por momentos es más fiel al estilo fusión típico del jazz negro norteamericano, pero que en otros pasajes ahonda mucho más es visiones étnicas experimentales. La falta de un teclado marca la clara diferencia con el funk-fusión de Hancock, volviéndose las guitarra eléctrica las protagonistas en los aspectos armónicos y rítmicos, tomando un papel realmente preponderante en las canciones propiamente dichas como ‘’God Make Me Funky’’ y ‘’If You've Got It, You'll Get It’’, en ese sentido el sonido de este álbum está mucho más cerca del funk de Funkadelic que del fusión de Miles Davis.

Por otro lado el estilo no deja de contener una cuota muy alta de trascendentalidad ritual y misticismo étnico enraizado en las melodías, en los momentos de misterio instrumental, en los agregados instrumentales como percusiones alusivas  y en la aparición del instrumento típico brasilero Birimbao. Es especialmente en las piezas ‘’Mugic’’ y ‘’Rima’’ donde se adentran en la experimentación y lo que se puede escuchar son ambientes de ritual étnico, instrumentaciones afro y elementos psicodélicos flotando en un aura etérea de misterios y delicias sonoras.

Armados con todo un repertorio instrumental étnico, las piezas se vuelven vergeles con un gran dejo étnico, batucadas afro con buenas percusiones, un sinfín de instrumentos percusivos agregados; estos elementos conforman la idiosincrasia cultural propia del grupo, idiosincrasia que funciona y funcionó independientemente de la cercanía con Hancock. Un ejemplo de esto son las voces con las que comienza la pieza ‘’Mugic’’, uno quejidos vocales inciertos sumados al sonar de una flauta, son exactamente los mismo elementos con los que comienza la versión de ‘’Watermelon Man’’ que aparece en el disco ‘’Head Hunters’’ de 1973, es uno de los tantos detalles que demuestran el aporte de las visiones propias de la banda al concepto de ese disco, elementos que en ‘’Survival of the Fittest’’ funcionan independientemente, en su caldo de cultivo étnico propio. 

Este disco puede sumarse tanto a colecciones de jazz como a colecciones de funk, alcanza un gran nivel en cualquiera de los dos aspectos y representa un experimento de dio buenos réditos creativos aunando estos dos elementos bajo una sola mirada, especialmente los ritmos y armonías del funk y las improvisaciones del jazz. A menudo etiquetado como un disco de ‘’space funk’’ por esos momentos étnicos desconocidos ya nombrados anteriormente, donde experimentan y se vuelcan hacia una instrumentación indefinida.

Cod: #1475

Szabados Quartet - The Wedding (1975)

György Szabados fue un pianista de jazz húngaro, a veces se lo conoce como el "padre" o "rey no oficial" del movimiento húngaro de jazz libre desde la década de 1960. A pesar de que comenzó a actuar en 1962, el ascenso a la fama de Szabados generalmente se considera que comenzó con su quinteto ganando el renombrado Gran Premio del Festival de Jazz de San Sebastián en la categoría de jazz libre en 1972. De 1975 a 1978 fue el líder del ‘’Taller de Música Contemporánea’’ en el legendario Kassák Club.

Pese a estar activo en la escena de su país desde finales de los 50s y principio de los 60s, su primer álbum que fue grabado con un cuarteto recién en 1975, titulado ‘’The Wedding’’, tratando de un intrépido registro experimental con el que se acerca al jazz libre y por el que transitan también la música de libre improvisación. El sonido refleja la influencia de la música de jazz moderna y de vanguardia de la época, además de mostrar la influencia del jazz libre afro-americano

El álbum del Cuarteto de Szabados fue el primer álbum de György Szabados y puede considerarse como el primer álbum de jazz de vanguardia en Hungría. Fue grabado en varias sesiones, dos composiciones en el primer lado se grabaron en 1974, y dos en el segundo lado se tocaron en 1973. De esta manera, el álbum se compone de cuatro extensas piezas, dos piezas a cada lado del vinilo original.

El sonido general del trabajo se encuentra homogeneizado dentro de un ámbito oscuro de vanguardismo de punta, jazz libre cacofónico donde cada miembro del cuarteto se encuentra encausado en una cruzada improvisacional que se desparrama a lo largo de cuatro piezas improvisadas muy extensas. El conjunto se estableció sobre la base de la interacción entre el pianista György Szabados y el violinista Lajos Horváth, ellos lideran las sesiones y son el cuerpo principal de las armonías, melodías e improvisaciones.

Los ritmos populares y los patrones melódicos son elementos del material de partida, enriquecidos con estructuras polirrítmicas y mejorado por escalas modales. Aunque los instrumentos del cuarteto tienen una tradición clásica y de jazz, los músicos usan armonías y articulaciones originarias del folklore húngaro, esto se aprecia especialmente en la pieza ‘’Miracle’’, donde aparece un instrumento de cuerda que simula melodías típicas de la región y le brinda al sonido un carácter étnico vanguardista.

Las piezas tienen mucho de improvisación pero no son atascos rasos, usualmente varían en estados internos donde predominan los complejos estados armónicos y polirítmicos del piano de Szabados, completando el dúo principal con el violín de Horváth que aparece y reaparece en diferentes momentos, cuando es requerido. La composición está impregnada de angustia y fuerza, tristeza y alegría de baile, con el obstinado ritmo que evoca, por así decirlo, la invencibilidad de la vida

Szabados instintivamente construyó su idioma musical en la base de la canción popular húngara de tipo ‘’rubato’’ y en el ritmo asimétrico oriental tan familiar de la música de Bartók, un idioma que reveló nuevas dimensiones en el género y condujo a una música controlada, pero con grandes posibilidades de improvisación. Su estilo incorpora música folclórica, música moderna y jazz de vanguardia, formando una unidad parcial con la que escapa a las modas opresivas de las convenciones.

Esta música está vinculada al espíritu de Bartók y Zoltán Kodály, pero con un sabor animado y original en el circuito marcado por John Coltrane, Archie Shepp, Pharoah Sanders, Cecil Taylor o Keith Jarrett, y aunque proporciona un medio para conceptos independientes en su contenido, también, a menudo, muestra un sorprendente parentesco musical con los logros de los mencionados anteriormente

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