Bob James es más conocido por sus fusiones llenas de ruptura para Tappan Zee y Columbia y su producción para CTI que como una figura curiosa en el ambiente de jazz de vanguardia de los años sesenta. De hecho, sus dos citas como líder de este período prácticamente se han deslizado bajo el radar. El nombre del pianista había llegado a los oídos de los aficionados un par de años antes, bajo la protección de Quincy Jones, quien produjo el primer disco como trío, Bold Conceptions, con Ron Brooks en el bajo y Bob Pozar en la batería. El segundo disco del trio seria grabado el 10 de mayo de 1965 en Bell Sound Studios, NYC. Portada original de Bob James. ‘’ Explosions’’ salta con ambos pies al campo de la improvisación electroacústica, con una importante asistencia de Robert Ashley y Gordon Mumma de Sonic Arts Union. Sus contribuciones son especialmente notables en una versión de la composición de la cinta multicanal de Ashley "Wolfman" y el asalto de Mumma en "Anon" de Barre Phillips (aquí titulado "An On"). Hay una faceta de free jazz que sobresale tímidamente y da al sonido un matiz más reconocible para el oído jazzero, la conexión con el jazz es innegable, pero desde ahí en adelante usan ese lenguaje como surco por donde derramar toda su frescura inventiva y sus ocurrencias sonoras cuasi improvisadas. Usan al free jazz pero lo trascienden a este para ubicarse en un lenguaje mucho más abstracto, que es el lenguaje de la música con quejidos, golpes, ruidos y sonidos arrancados de los instrumentos.
La pincelada de jazz siempre se mantiene de fondo, por sobre la que desfilan una serie de transistores, acoples, quejas sonoras, nunca muy sobrecargado puesto que el silencio también se vuelve un condimento que ayuda a marcar la personalidad del sonido, misteriosa y sospechosamente seductora. Algunos efectos de sonido electrónicos pueden escucharse por ahí, agregados de estudio, que suman aún más a esta atmosfera experimental, probablemente sea la primera grabación de jazz improvisado combinado con música electrónica. La intención netamente armónica de los instrumentos no solo se sitúa en el free jazz, o más bien se tuerce hacia costados en los que los instrumentos ejecutan aún más libremente y de forma aleatoria. A diferencia de otros registros de free jazz, de música libre o ‘’free improvisation’’, este sonido no es absurdo ni sobrecargado, sabe mantenerse en una senda similar a lo largo de todo el trabajo, una senda de holgura y de una paz descocida. No necesariamente impresionante, pero definitivamente interesante y atrevido para la época, es un enfoque clásico casi moderno.
Se podría hacer una comparación con Burton Greene (un pionero de jazz de Moog y cuerdas de piano), pero a diferencia de su emotividad y sus melodías populares, el trío de Bob James parece más académico en sus investigaciones, con una deliberación en las combinaciones de sonidos. Se trata de una combinación más que exitosa por tratarse de un experimento del jazz de vanguardia de mediados de los 60s. No es un disco fácil de escuchar, principalmente para quien está acostumbrado a sonoridades más convencionales, pero quien le gusta las experiencias más radicales se deleitara con este disco, y no se trata del Bob James de Nautilus y del jazz fusión popular de los 70s, este es el Bob James del free jazz de mediados de los 60s.
Jan Garbarek es un músico, saxofonista tenor y soprano noruego (también flautista y tecladista) y compositor. A los 15 años, participó en NM para músicos aficionados de jazz y ganó el primer premio como solista y líder de orquesta. En la década de 1960, tocó con, entre otros, Karin Krog y George Russell, que significaron mucho para su desarrollo. Hacia el final de la década, dirigió un cuarteto que se inspiró en gran medida en los movimientos recientes del jazz estadounidense, incluido el llamado free jazz. Como saxofonista, fue muy influenciado por John Coltrane y Albert Ayler. Su primer álbum bajo su propio nombre, Til Vigdis , llegó en 1967. Al año siguiente recibió el Premio Buddy. Este es un registro clave en lo que fueron los años formativos del noruego Garbarek, que tenía veinte años cuando hizo esto y en ese momento estaba muy inspirado por lo nuevo en los Estados Unidos; Coltrane, Shepp, Ayler y Sanders son fuertes fuentes de inspiración. Si miramos el primer tema ‘’Sr. J.C.’’ (J. Coltrane), es una adaptación del tema ‘’Sr. P.C.’’ de Coltrane para Paul Chambers, una adaptación que demuestra la versatilidad y el prodigio de Garbarek y la gran influencia del jazz norteamericano sobre él, reversionando y extendiendo el tema durante 18 minutos, en un monologo en trio, solo con su saxo. "Freedom jazz dance" otra reversión que aparece en este disco, de la cual también existe en muchas versiones, una de las cuales se puede encontrar en el álbum "Miles Smiles" con el cuarteto clásico y, por supuesto, en "The In Sound" de Eddie Harris desde 1965. Esto demuestra que Garbarek estaba bastante al tanto con lo que estaba pasando en el mundo del jazz en su momento.
Este álbum es bastante diferente de lo que Garbarek haría posteriormente, aquí es mucho más intenso, menos preocupado por el silencio, la elaboración y el espacio, se enrosca en largas excursiones, especialmente en el "Freedom Jazz Dance", donde transita por varios estados en los que cada uno de los instrumentos del cuarteto tiene su tiempo de improvisación; que por cierto, a diferencia del primer tema, el segundo es en cuarteto. El primer tema en trio fue grabado en vivo en "Abeidsbrakka" Asker, 1 de Abril de 1967, y las últimas dos piezas fueron grabadas en vivo en Studentbyens Jazz Klubb, Oslo, 24 de Septiembre de 1967. En la formación se encontraban Jan Garbarek, Per Loberg, Jon Christensen el trio que participa de la primer pieza, mientras que Jan Garbarek, Frank Phipps, Arild Andersen y Jon Christensen son el cuarteto que participa en las últimas dos piezas. Tanto Arild Anderson como Jon Christensen, sería los músicos con los que, unos años más tarde, en 1970, Garbarek lanzaría ‘’ The Esoteric Circle’’, a los cuales se les sumaría Terje Rypdal. En 1970, Garbarek inició una colaboración con el fabricante alemán Manfred Eicher y su compañía discográfica ECM, una colaboración que ha dado lugar a una gran variedad de lanzamientos y ha dado a conocer su música en todo el mundo. A través de ECM también conoció a músicos como Keith Jarrett , Ralph Towner , Egberto Gismonti y Bill Frisell . Más tarde, ha colaborado con practicantes de Asia, África y América del Sur que tienen experiencia en tradiciones musicales completamente diferentes. También ha trabajado mucho en música folk noruega y sami. También se ha utilizado ampliamente como compositor para ballet, cine y teatro. En 1994 colaboró con el grupo vocal clásico The Hilliard Ensemble en el álbum Officium., que se convirtió en un gran éxito tanto artístico como comercial. El éxito se repitió en 1999, con el álbum Mnemosyne (1999) y una serie de conciertos.
Sonny Sharrock fue un guitarrista eléctrico estadounidense que hizo su nombre en los discos de jazz de Herbie Mann y Pharoah Sanders. Trabajó en los círculos más importantes del mundo del jazz desde finales de los años 60 hasta su muerte en 1994, tocando con Dave Burrell, Norris Jones (también conocido como Sirone), Milford Graves (todos los cuales aparecen en este disco), y Peter Brtzman, Ronald Shannon Jackson, John Zorn, Miles Davis (tiene una aparición sin acreditar en A Tribute to Jack Johnson), Byard Lancaster, Cecil Taylor, Pharoah Sanders y Herbie Mann. Dado que los músicos de jazz a menudo son juzgados más por quién tocaron que por lo que tocaron, esas credenciales solo son probablemente suficientes para solidificar su lugar en el canon de fuera del jazz. Black Woman es el álbum debut del guitarrista de jazz estadounidense Sonny Sharrock, que se grabó en 1969 y se lanzó con el sello Vortex. Este disco tiene una belleza particular, fuera del free jazz tradicional, aun le alcanza para mantenerse dentro de la vanguardia y la experimentación dentro del género, con la guitarra de Sonny Sharrok como líder y la voz de, su esposa, Linda Sharrok participando de la mayoría de las piezas en las que aparece con sus gemidos y evocaciones vocales explosivas e intensas, que le dotan al sonido de una emotividad que va más allá del común. Sonny Sharrok no es un virtuoso pero se las arregla para ser lo suficientemente versátil a la hora de la ejecución, no es común un guitarrista líder en una sesión de free jazz y él lo lleva con firmeza, como la oportunidad lo demanda, aplicando sus yeites y borbotones sobre la fina capa que se crea en el entrecruce con la voz de su mujer. Aún más impresionante es su uso de efectos: no hay ninguno. A diferencia de muchos de los guitarristas de fusión de la época que necesitaban su gran distorsión o wah-wahs o cualquier otro efecto, Sharrock se contenta con dejar que su guitarra y su amplificador hablen.
En el disco reina un clima creado especialmente por el uso de las voces y lo que estas puedan aportar a una construcción melódica, simpática, una dosis de urbanismos afro, de canto que hay que apreciar a su debido tiempo para saber interpretar qué rol cumple y como funciona. El sonido en esencia son atascos con voces orgásmicas, guitarra chirriantes y baterías que saben de todo menos de ritmos convencionales, una combinación que de aúna en un sonido que hay que saber escuchar y apreciar. Este álbum marca su primera vez como un líder de banda. Herbie Mann, el empleador de Sharrock en ese momento, alentó a sus varios sidemen a grabar sus propios discos para dejar salir cualquier creatividad que no haya encontrado una salida en su propia música. Como resultado, este álbum fue grabado y producido por Mann y publicado originalmente por el sello Vortex de Herbie Mann. Después del lanzamiento de su tercer disco, Sharrock estuvo semi retirado durante gran parte de la década de 1970, se divorció de su esposa y colaboró ocasionalmente con Linda en 1978. Su carrera comenzó de nuevo a principios de los años 80 cuando conoció a Bill Laswell, quien lo contrató para formar el cuarteto Last Exit (con Ronald Shannon Jackson y Peter Brötzmann) entre 1986 y 1990. Sharrock ha lanzado grabaciones en solitario (el aclamado "Ask the Ages" en Axiom Records de Bill Laswell, con Pharoah Sanders de nuevo) y tocó como invitado en muchos otros discos (con Material, Ginger Baker, Nicky Skopelitis, F. Robert Lloyd, etc.). Fallecido el 25 de mayo de 1994 en Ossining, Nueva York.
Esta historia comienza cuando el estadounidense Bill Dixon, un trompetista de jazz, artista y profesor de música, quien en 1964 organizaría el festival de jazz ‘’October Revolution’’, en el ‘Cellar Café’ de Nueva York. Un evento maratónico de cuatro días de duración, realizado entre el 1 y el 4 de Octubre de 1964, en el ‘‘Cellar Café’’, una pequeña casa de café ubicada en el lado oeste de Nueva York, lejos de los grandes centros de performance de jazz, era difícil pensar que en un lugar como ese se podría dar una auténtica revolución musical. Por aquel entonces el ‘Cellar Café’ contaba con un rustico y ecléctico espacio donde se ofrecían películas, se recitaba poesía, además de hacerse música folk y jazz en vivo. En busca de ofrecer oportunidades a músicos de free jazz desempleados, Dixon arregla con el dueño del lugar para organizar un evento donde ofrecer una serie de conciertos del nuevo jazz que surgía. Sumados al propio combo de Dixon, se presentarían Paul Bley Quartet, the Free Form Improvisational Ensemble, y el Sun Ra Sextet, entre otros. Una serie de emergentes músicos formarían parte de estos grupos: Pharaoh Sanders, Giuseppe Logan, John Tchicai, el trombonista Roswell Rudd, pianista Bley, Sun Ra, Burton Greene, el bajista David Izenson, y el percusionista Milford Graves, Sonny Murray, y Rashied Ali. Cada una de las cuatro jornadas del festival estuvo repleta de público, con mucha gente esperando por tocar, y personalidades del género que se presentaron autoconvocados como parte de la audiencia o para participar de los debates que también se realizaron, como Ornete Coleman, Gil Evans, Cecil Taylor, Archie Shepp, Steve Lacy, entre otros. El éxito del festival y los sucesos en el ambiente del jazz tuvieron una continuación natural, la creación de la ‘’Jazz Composers Guild’’. Muchos de los participantes del festival se unieron en un grupo independiente con la idea de auto-promover y auto-administrar sus propias presentaciones, fechas, eventos, grabaciones, etc.; apoyándose mutuamente y salvaguardándose de las antipáticas compañías discográficas, propietarios de clubes, etc., en toda la ciudad de Nueva York. El Gremio organizó y promovió conciertos presentados por sus miembros, que en mayo de 1964 incluyó a Paul y Carla Bley, Michael Mantler, Cecil Taylor, Dixon, Archie Shepp, John Winter, Sun Ra, Burton Greene, Roswell Rudd y John Tchicai. Para una serie de conciertos en diciembre de 1964, Paul Bley sugirió a Carla que ella y Mike Mantler formaran una gran banda formada por los miembros del Gremio, con el fin de atraer a la audiencia. Este fue el comienzo de la ‘’The Jazz Composer's Orchestra’’. Esta orquesta grabó su primer álbum en vivo, las cintas de dos conciertos, con composiciones de Michael Mantler y Carla Bley, realizados en diciembre de 1964 y abril de 1965, fueron vendidas al pequeño sello holandés Fontana, así apareció ‘’Communication’’, el primer registro del grupo.
Para 1968 aparecería su segundo trabajo, el homónimo ‘’The Jazz Composer's Orchestra’’, otro trabajo realizado por el grupo, que en esta ocasión también contó con un elenco de lujo, entre las figuras que participaron de la grabación estuvieron luminarias como Cecil Taylor, Don Cherry, Roswell Rud, Pharaoah Sanders, Larry Coryell y Gato Barbieri; e movimiento había tomado cierta notoriedad como para lograr atraer a una buena cantidad de músicos de calidad de la escena y poder contar con ellos para las grabaciones y representaciones. Para esta ocasión el grupo muestra una nueva cara, ya habían dejado el ‘’despilfarro’’ de sus inicios y ahora se inmergirían en composiciones mucho más complejas y elaboradas, con un orden de fondo y con una sofisticación que demuestra el progreso compositivo de Michael Mantler y Carla Bley, que eran los lideres espirituales y encargados de mantener el grupo unido. No se sabe como es que adquirieron la formación pero lo cierto que las composiciones de este segundo disco son mucho más maduras, no caen jamás en la locura sino que son piezas extensas que van variando en intensidades y en distintos arreglos, logrando maniobrar la big band dentro de piezas planeadas de antemano, haciendo orden del caos que podría significar tantos grandes músicos (ego) juntos. Las piezas están formadas en sofisticadas y extensas estructuras, véase el ‘’Communications #11’’, una composición de 34 minutos en dos partes, un concierto para Cecil Taylor y orquesta, donde el piano juega un chisporroteo en el apogeo de sus poderes, y una avalancha de vientos suena sobre este, con algunos pasajes improvisados que se entremezclan con líneas compositivas metálicas. ‘’Communications #8’’ sigue este lineamiento con un interjuego entre piano y fanfarria. ‘’Communications #9’’ es una pieza un poco más corta, caracterizada por un clima más calmo donde desfila la guitarra saturada y la distorsión de Larry Coryell, un juego con ruidos y solos cuasi virtuosos que desfian sobre la tensión de los vientos. ’’Communications #10’’ es tal vez la pieza más, por así decirlo, calma de todo el trabajo, con una apertura suave con un contrabajo y una sesión de vientos que se va acoplando pero que nunca pierde la senda de la sobriedad. Las tensiones dentro del Gremio estaban muy altas en 1965, los choques filosóficos estaban definitivamente presentes (Dixon se enfureció cuando se enteró de que su antiguo compañero musical Archie Shepp había aceptado un contrato para los discos de Impulse!). También existe el rumor de que Sun Ra no aprobó la presencia de Carla Bley en el grupo debido a su género. En cualquier caso el Gremio se disolvió a mediados de 1965, pero Carla Bley y Michael Mantler decidieron tratar de mantener a la Orquesta funcionando, así que juntos formaron la ‘’Jazz Composer's Orchestra Association’’, otra organización para mantener la administración de la orquesta. En su tercer lanzamiento presentaron el épico ‘’Escalator Over The Hill’’, una obra de dimensiones épicas, un triple LP con más de 40 músicos participantes, con un sonido que fusiona el jazz con un sinfín de elementos musicales y que dio a Carla Bley un prestigio inmenso entre el vanguardismo de la época. El resto de los álbumes de la ‘’Jazz Composer's Orchestra’’ fueron lanzados en ‘’JCOA Records’’, un sello discográfico independiente creado por formado por Carla Bley y Michael Mantler, también nacido del intento de auto-gestionarse en sus propios trabajo. La orquesta continuó funcionando hasta 1975, dieron su último concierto ese mismo año.
En 1966 la Association for the Advancement of Creative Musicians (asociación creada en Chicago en 1965 para la ayuda material y defensa de los intereses profesionales de los músicos de jazz de la ciudad) ya estaba formada, y la Art Ensemble of Chicago estaba formándose lentamente. Joseph Jarman fue participe activo de estas asociaciones, y en 1966 ingresa al estudio con Chuck Nessa de Delmark Records, emergiendo con ‘’Song For’’, su propia contribución al legado temprano del colectivo. Jarman estuvo acompañado aquí por el saxofonista tenista Fred Anderson, el trompetista Bill Brimfield, el pianista Christopher Gaddy (en su única aparición en el disco), el bajista Charles Clark y los bateristas Steve McCall y Thurman Barker. Muchos de los mismos jugadores se unirían a Jarman nuevamente para su segundo LP un año después. Jarman era particularmente cercano a Clark y Gaddy, y cuando ambos murieron a menos de un año de diferencia hacia el final de la década, la banda de Jarman se disolvió y entró en la órbita de Art Ensemble de Mitchell. La banda de Jarman fue uno de los principales grupos de trabajo regulares dentro de la Association for the Advancement of Creative Musicians, de fines de los años 60, junto con el sexteto de Mitchell y el trío Anthony Braxton / Leo Smith / Leroy Jenkins. En unos pocos años, Jarman se uniría al núcleo del grupo Mitchell para formar el Art Ensemble of Chicago, y cada vez más ese grupo se convertiría en la cara pública y la manifestación más popular de las ideas e influencias de la Association for the Advancement of Creative Musicians.
El debut de Jarman captura algunas de las corrientes más teatrales y poéticas de la Association for the Advancement of Creative Musicians. Esa sensibilidad extra-musical es especialmente evidente en la segunda pista, "Non-Cognitive Aspects Of The City ", una epopeya de 14 minutos construida alrededor de la recitación de poesía de Jarman. La pista se abre con una breve declaración de saxo, un pulso de bajo nervioso y un solo de batería de Barker, que pronto se calmará cuando Jarman lee un poema repleto de imágenes urbanas y reflexiones enigmáticas sobre la negrura, la educación y el poder. Un hilo a través del poema parece ser que Jarman trata con la tensión entre la intelectualidad (hace referencia al movimiento Dada en el primer verso, por ejemplo) y las experiencias "no cognitivas" de la ciudad. Otra línea clave, parte de un torrente de versos rápidos, sugiere la experiencia del individuo creativo negro en una ciudad o el país. "Non-Cognitive Aspects Of The City" fue una de las dos piezas que Jarman grabó en una sesión de octubre de 1966, poco después de la grabación de Mitchell's Sound . La otra pista de esa sesión fue "Little Fox Run", en una toma más larga que Jarman terminó sin usar. Regresó al estudio unos meses después para terminar el álbum, y una nueva versión de "Little Fox Run" abriría el disco. El lado B del disco se abre con ‘’Adam's Rib’’, que abre con que yuxtapone líneas de saxo contra un fondo arrítmico, mientras la batería evita los latidos, en su lugar llenan el espacio con capas de chisporroteo de platillos y toques esporádicos. La pieza continua con el parafraseo de saxos internos, para volver la fanfarria del principio. Es una pieza sencilla pero no menos emotiva. La pista final de disco es ‘’Song For’’, de 13 minutos, que abre con campanas y campanillas tintineantes. Poco a poco se agregan más elementos, pista se vuelve bastante densa y ocupada, pero nunca se convierte en anárquica, ya que a menudo parece estar preparada. Un ritmo de batería que cambia constantemente y que salta pisando fuerte a ritmos sincopados y los pulsos de los saxos que van y vienen también de manera medida, contraponiéndose, por momentos. La forma del álbum cambia constantemente de improvisación colectiva a solos tradicionales a un espacio de forma más libre que fácilmente podría convertirse en un caos, pero se mantiene alejado de ese límite solo por la atención y la generosidad democrática de todo el grupo.
Muhal Richard Abrams fue un educador, administrador, compositor, arreglista, clarinetista, violonchelista y pianista de jazz estadounidense proveniente del medio del free jazz. Dentro del mundo del jazz, se hizo famoso porque en 1962 fundó la Association for the Advancement of Creative Musicians(AACM), un organismo de músicos de Chicago que incentiva y promueve a los músicos de jazz de la ciudad y también por fundar la escuela de música de dicha entidad. Además, desarrolló su actividad docente en el Banff Center, y en las universidades de Columbia y Siracusa. ‘’Levels and Degrees of Light’’ es el álbum debut de Muhal Richard Abrams, que se lanzó en el sello Delmark en 1968 y presenta actuaciones de tres de las composiciones de Abrams. Durante la sesión Abrams se rodeó con algunos de los mejores talentos jóvenes de Chicago, entre ellos, Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Charles Clark, Gordon Emmanuel, Maurice McIntyre, Thurman Barker y Leonard Jones, con voz de Penélope Taylor y una recitación de poesía de David Moore. Esta obra cuenta con una gran significación espiritual y hasta poética, que se puede apreciar, para empezar, por el nombre y la portada del disco, y por supuesto mientras nos sumergimos en sus sonidos, que se presentan emotivos, dentro de un aura del jazz vanguardista y libre improvisación. La primer pieza de las tres que componen la lista de temas, ‘’Levels And Degrees Of Light’’, es una llamativa arremetida de una voz femenina cantando respaldada solo por platillos de ambiente y un vibráfono brillante. Cuando se retira la voz es reemplazada por un clarinete que mantiene más o menos la misma interpretación que la voz, con un carácter tenso y misterioso, siempre con un fondo con platillos y vibráfonos. Parecieran retratar alguna iniciación o introducción, no solo sonora, sino misteriosa hacia algún lugar idílico espiritual, un ritual que abre el espectro perceptivo hasta puertas místicas.
"The Bird Song" es la próxima y segunda pista, que comienza con una extensa recitación de poema de David Moore. Es un poema agradable que comenta sobre los derechos civiles, la espiritualidad, la raza y la relación del jazz con estas cosas. Al terminas la recitación, la piezas se va construyendo lentamente con aplicaciones en cuerdas y la aparición de platillos de fondo que cada vez se hace más intensos. Esto se va incrementando hasta que todos los instrumentos, incluidos unas campanitas, se intercalan libremente en un juego de libre ejecución, en la que aparecen cantos de pájaros. La intensidad y la tensión de la primera pista, vuelve a surgir un poco, esta vez de forma más orgánica y amplia. Esto continúa hasta la irrupción frenética de la batería y unos saxos que aparecen y rompen con el clima, para traer otro clima nuevo, más frenético y efervescente aun. Finalmente el tema recobra su intensidad anterior y el tema termina diluyéndose entre platillos y cuerdas. La pieza de cierre se titula ‘’My Thoughts Are My Future - Now And Forever’’, y comienza con un tema muy rápido para inmiscuirse velozmente en una andanada de solos, primero del piano, luego de saxo, luego la batería tiene su solo, la cual juega muy bien y brinda una base perfecta que se alinea con los demás instrumentos. El clima se relaja para poder escuchar un solo del contrabajo, desde el cual se desprenden de vuelta todos los instrumentos en otro intenso atasco. La banda se convierte en un crescendo efectivo al final, luego se desvanece con un sonido similar al principio del álbum. Como músico se destacan sus trabajos en casi todos los subgéneros del jazz, desde el boogie-woogie hasta el free jazz, pasando por el bop, el Avant-Garde, el Big Band y el Rhythm & Blues. Aunque no es reconocido como un gran instrumentista, sí es reconocido por sus pares (ganó varios premios, incluida la primera entrega del The JazzPar Prize) tanto por sus logros como compositor, como por su gran aporte al mundo de la música desde asociaciones como el Consejo de las Artes de Nueva York, o la Organización Nacional del Jazz de donde fue miembro activo. Sus composiciones fueron interpretadas por New Band, The Rova Saxophone Quartet, The String Trio of New York, Brooklyn Philharmonic Chamber Orchestra, Kronos Quartet, Ursula Oppens, Detroit Symphony Orchestra y Cassatt String Quartet, entre otros. Como pianista, participó en recitales y discos de The Art Ensemble of Chicago, y en grabaciones de los trompetistas Kenny Dorham y Woody Shaw, entre otros.
‘’The Sound of Feeling’’ fue un grupo inicialmente formado por el multi-instrumentista, arreglista y cantante Gary David y las vocalistas gemelas Alyce Andrece y Rhae Andrece, quienes se conocieron en Los Ángeles, a principios de los años sesenta. Las hermanas intentaban trascender como un dúo vocal, mientras que David tocaba jazz en el área alrededor de San Francisco, luego de su baja del ejército en 1959, además de dominar el bajo, el piano y la batería, también era cantante y arreglista. Eligiendo el nombre ‘’The Sound of Feeling’’ el trio se trasladó a los dominios del jazz de vanguardia, incorporando elementos de la música pop, construidos alrededor del sonido vocal único y elevado de las hermanas. Su música era demasiado vanguardistas para tener éxito, más allá de un espectáculo de culto de mediados de la década de 1960 en Los Ángeles.
Pero en 1966, en medio del floreciente auge psicodélico, Sound of Feeling se encontraba exactamente en la posición correcta en relación con el pop y el jazz: fueron escuchados por el crítico académico de jazz Leonard Feather, quien adoptó su enfoque innovador de vocalización del jazz y los puso junto con Oliver Nelson. El resultado fue su álbum debut para Verve Records, ‘’ Leonard Feather Presents The Sound Of Feeling And The Sound Of Oliver Nelson’’, con la producción de Feather, que obtuvo una nominación al Grammy.
En 1968 entran a estudio y se encargan a su segundo álbum, ‘’Spleen’’, un trabajo donde siguen por la senda del jazz vanguardista y la experimentación. Para esta ocasión el grupo estaba compuesto por Gary David en voz y piano, Alyce y Rhae Andrece en voz, Ray Neapolitan y Dave Parlato en bajo, Joe Roccisano en saxo soprano, flauta y percusion, Fred Katz en cello, Gayle Levant harpa, Emil Richards en vibráfono y percusión, Maurice Miller en batería y Paul Beaver en sintetizador moog. Este extraño artefacto transita por las particulares esferas del jazz de vanguardia, caracterizado por el dúo vocal de la hermana Andrece que ponen su voz en la mayoría de la pistas, demostrando su versatilidad y plasticidad a la hora de arreglar y participar de las sesiones. Es un trabajo de jazz vocal con un extraño dejo hacia la experimentación, por lo que no nos encontraremos con canciones clásicas, algunas pistas constan de experimentación sonora, cercana al free jazz, y en las canciones propiamente dichas que aparecen en el disco, cuenta con una instrumentación atípica, siempre con un clima intimista, con arreglos vocales exquisitos y una prolijidad en lo que a la producción respecta. El sonido está elaborado en base al jazz vocal, con voces de armonía dulce, además pop, embalado todo en un paquete vanguardista, lo que da por resultado una serie de pistas donde la experimentación tiene lugar, con arreglos vocales que empujan los límites de la expresión y crean un clima de ensueño que pese a todo deja jamás el jazz. El grupo continuó trabajando juntos hasta 1972, cuando David y las hermanas Andrece se separaron.
En plena etapa de tropicalismo en Brasil, Os Brazoes no sería la excepción a la regla. La banda se forma en Río de Janeiro a finales de los años sesenta. Miguel de Deus fue compositor, arreglista, guitarrista y cantante, fue el fundador de la banda, la funda en 1969. Al principio sirvieron como soporte de varios artistas, como Gal Costa y Tom Zé durante su período de Tropicalia, pero aparentemente nunca grabaron en el estudio con ellos. El primer álbum del grupo, álbum homónimo, Os Brazoes se lanzó originalmente en el sello RGE, en 1969. La formación que grabó el álbum consistía en Miguel de Dios en guitarra rítmica, Eduardo "Edu" Roca en tambores y percusión, Roberto en guitarra principal, Taco en contrabajo, y Mandrake en percusión. Más también pasarían por la banda Sergio Bandeyra en guitarra y voz, Paulinho Augusto en guitarra, Roberto en órgano, Luis Carlos en tambores y percusión, Francisco en batería y percusión, Gaston en percusión, Clarita en coros y WALKIRIA en coros. Se trata de una obra psicodélica que fusiona los sonidos de la contracultura de aquel entonces, rhythm and blues y rock, cargado de fuzz, voces exuberantes y efectos de sonido, reinterpretado todo a la manera de la tropicalia brasilera, con un estilo de samba impregnado de principio a fin, con batucadas y mucho sabor tropical.
Al igual que el legendario Paêbirú, el disco presenta una gran mezcla de ritmos: rock, samba, ritmos regionales y mucha experimentación marcan la personalidad de la banda y el disco, donde funcionan las ricas percusiones, las letras en portugués y el uso recurrente de los ritmos regionales, que completan la fórmula del sonido. Esta fórmula marca la personalidad entera del disco, com habiéndose encontrado un lugar en la tropicalia del momento. Os Brazoes suenan como Os Mutantes, especialmente sus primeros álbumes, pero no parecen tan excéntricos y sensacionales, sino más suaves en su mayor parte, sería como una versión más funky de Os Mutantes, con una experimentación acida y canciones con mucha batucada. En 1969, el mismo año en que Caetano Veloso y Gilberto Gil fueron arrestados y enviados al exilio, el dictador militar Emílio Garrastazu Médici tomó las riendas del país, en medio de una disctadura militar, e instituyó la pena de muerte. Os Brazões creó la música en un momento de agitación política; sus composiciones originales están yuxtapuestas con estándares brasileños sutilmente ácidos como "Volkswagen Blue" y "Carolina, Carol Bela". El integrante más famoso del grupo es Miguel de Deus, quien más tarde grabó álbumes en solitario y reunió a otros grupos, todos tan oscuros como este. Grabó el muy buscado LP 'Black Soul Brothers' en 1977, que se convirtió en un registro importante en el movimiento 'Black Rio'. El Sr. Bongo lanzó la canción principal de ese LP, en la compilación 'Brazilian Beats: Brooklyn' en 2006 y recientemente como parte de la serie de reediciones de Brazil 45.
