Psicodelai Calal - Psicodelai Calal (2025)

El rock argentino muchas veces se ha caracterizado, entre otras cosas, por su personalidad, y en el rubro de lo psicodélico han aparecido interesantes artefactos a tener en cuenta por estas tierras. Los chicos de Psicodelai Calal han hecho de las suyas en el género de lo psicodélico y aledaños con este muy interesante disco que por fin salió a la luz en 2025, después de varios años de estar guardado, para liberarse como un artefacto que se maneja entre el rock psicodélico, y con influencias de krautrock y el rock progresivo, pero que principalmente es algo muy propio de la banda. 

Se nota el funk, lo buenos grooves, las construcciones bien elocuentes de temas con esa personalidad que tuvieron para crear cosas con forma propia. Las pistas representan una propuesta interesante desde la composición, con formas de canción que en general son poco predecibles, son inventos que llevan a explorar lugares diferentes, y eso siempre es algo interesante.

Además, con buen bagaje creativo se las arreglar para nutrir a sus composiciones con buenos elementos, desde teclas, guitarras, bajos y grooves. Se notan las influencias que arrastran de la música progresiva de antaño, se nota ese factor nutricio de la creatividad que jóvenes músicos, cargados con su entusiasmo, pudieron darle a su música. El estilo progresivo tiene esa cualidad de conducir a la música a esa amplitud en la composición, y esa cualidad aparece en este disco, con pasajes elaborados en la canción, entre introducciones, desenlaces y finales, pero sin salirse finalmente de la canción.

Hay algunas pistas instrumentales interesantes en el trabajo, es allí donde la influencia progresiva más de puede apreciar. Hay muchos pasajes que recuerdan al krautrock, por el uso que le dan a los teclados, esa influencia está a las claras. Lo psicodélico está presente, el pop y el funk también está aquí, pero ninguno de estos géneros termina de definir exclusivamente a este disco, es más un invento de ellos y su creatividad.

No se defraudarán con este disco que mucho tiene de experimento, hay varios inventos dentro del rock, con mucho estilo para manejar el groove rockero, mucha prestancia para liberarse en esos pasajes que de pronto todo rompe en algún riff con bastante power.

La propuesta parece interesante vista desde el exterior, y en el encuentro con las letras también hay material rico. Desde la lírica hay un contenido fuerte, hay mucha introspección que parte de esa energía que se requiere para mirar hacia adentro, con críticas hacia el mundo vano, que van desmenuzando en visiones distócicas que parten de la desazón que puede generar el encuentro de alguien profundo con el mundo frívolo que lo rodea, pero a esta visión la efectúan primordialmente con mucho espíritu y mucha riqueza, por lo que la construcción musical ayuda a que la lirica pueda ser digerida sin caer en el pesimismo, y caso contrario, los grooves poderosos que manejan se encargaran de levantar cualquier desanimo existencial, haciendo bailar a cualquiera que se anime a escuchar.

Psicodelai Calal llega a la colección del Jardín Psicodélico, y para cerrar esta historia, aquí están algunas preguntas, con sus correspondientes respuesta, que amablemente los chicos me respondieron y que siempre ayudan a vislumbrar aun más a las bandas, sus discos y las historias que hay por detrás.

¿Cuál es la historia de la banda? ¿Cuándo se formó? ¿Cuánto tiempo funcionó la banda? 

''Bueno, arrancamos como un grupo de 4 amigos de Pilar, Buenos Aires. Nos juntábamos en la casa de Pablo a escuchar, hacer música y filosofar mirando el cielo nocturno. épocas donde el tiempo nos sobraba.

Tanto como Francisco Maris (tecladista), Pablo Masuco (Guitarra y voz) y Martino Stefano (Bajo y voz) íbamos al colegio juntos y veníamos haciendo música de forma recreativa desde el 2009 aprox. y Nico Mena (Batería) apareció, ya que Pilar es chico…

La banda se formó en el 2015, y duro 2 años, hasta octubre del 2017.''

Vi que el disco que publicaron había sido grabado en parte en 2017 y hace poco lo retomaron para terminarlo, ¿es así? ¿Cuál es la historia del disco?

''Si, es así. Grabamos baterías, bajos y teclados en 2 jornadas de septiembre del 2017 en el estudio 505 con Francisco Marquez y nos separamos un mes después por diferencias. 

Pablo comenzó a montar su estudio en 2020 y como solo faltaban las guitarras y las voces, decidió retomar el proyecto en el 2021. Grabó sus guitarras en su estudio, los más fieles posibles a lo que eran originalmente y después nos juntamos a grabar las voces y algún que otro arreglo de teclado también.  Lo llevamos a mezclar y masterizar en Cosmonauta récords con Mariano Keller, y en el 2025 lo pudimos sacar.

A nuestro amigo Gaston Richardson (@gastonrichardsonart), gran aliado de la psicodelia, le pasamos el disco y escuchándolo, nos pintó un tremendo cuadro representando lo que para él era Psicodelai Calal.

Se demoró el lanzamiento del disco por las obligaciones del día a día y el escaso tiempo libre que le pudimos dedicar (el tiempo de calidad que se merecía).''

¿Qué géneros e influencias hay dando vuelta en el disco?

''Psicodelia pura, krautrock, rock progresivo, jazz, rock alternativo, noise, tecno, blues.''

¿De qué habla el disco? ¿De qué están hablando con esas letras y composiciones?

''Del existencialismo, de la búsqueda personal más que nada y que todo.''

Ustedes dicen: ‘‘El camino de la felicidad es el constante descubrimiento de uno mismo’’, muy buena frase, lo que se estanca se marchita. A veces las bandas que hacen psicodelia o aledaños andan con esas visiones profundas. ¿Qué pensaban ustedes sobres estos temas cuando estaban en la banda?

''Si trasladamos esa frase a nuestras composiciones, el descubrimiento de algo nuevo genera muchísima dopamina, y nosotros improvisábamos mucho. Al improvisar aparecían las melodías y grooves completamente nuevos, originales, del momento más presente posible, descubriendo esos sentimientos con nuestra música, que sin duda generaban felicidad. Hasta los momentos más oscuros y turbios de psicodelia eran sensación de felicidad absoluta.''

¿Por qué ‘’en el futuro ya no existen las almas’’?

''Recurriendo a la matemática, y la vida que habitamos hoy, siendo una línea recta exponencial, la llegada de la tecnología, las redes (sobre todo las redes), están haciendo que el alma deje de tener mérito, presencia, protagonismo… realmente, en el futuro ya no existen las almas y cada vez se comprueba más. 

Ahora... tenemos fe todavía, y en algún momento podrá pegar la vuelta, y vamos a necesitar más del alma, que de volvernos virales para subsistir.''

¿Por qué ese nombre de la banda? ¿Hace referencia la psicodelia?

''Primero le pusimos ese nombre a la canción homónima y nos gustó tanto que terminó siendo el nombre de la banda. Salió de un chiste entre amigos, risas y música. ¿Sabés como se dice Psicodelia en Chino?... No tiene sentido y tampoco importa. De eso se trata la psicodelia!''

¿Qué conexión tienen con la psicodelia? ¿Cuáles son sus referentes del género?

''Mucha; hemos experimentado como lo hacían nuestros ancestros de Grateful Dead en sus fiestas de acid testers. Hacíamos improvisaciones hasta el amanecer y un poco más y nada importaba.

Nuestros máximos referentes fueron Pink Floyd (Sus primeros discos, sobre todo A Saucerful of Secrets), Tame Impala (Innerspeaker-Lonerism), Can, Neu, Miles Davis, Mars Volta, y muchas más.''

¿Tocaban mucho en vivo? ¿Cómo eran sus presentaciones?

''Teníamos buena rotación y eran intensas. Lo que más nos representaba eran nuestras fechas que organizábamos en un viejo bar local llamado Steparius. Se llamaban Ranove. Ahí invitábamos artistas de todo tipo que quisieran expresarse y nos dimos el gusto de llamar a bandas cercanas a la psicodelia/experimental. Se armaban fechas de pura felicidad, ya que se trataba de disfrutar ese momento.

Nuestras presentaciones arrancaron variadas, y terminamos tocando muy similar a lo que quedo en el disco. En las primeras fechas solíamos empezar improvisando una especie de noise/ambient y un amigo nuestro, Ignacio Pedernera solía recitar poemas arriba de ellos.''

¿Qué ha sido de los músicos? ¿Se siguen reuniendo alguna vez? ¿En qué proyectos andan ahora?

''Todos seguimos de alguna manera conectados y haciendo música. 

Martino es un productor/dj de urban house solista y se dedica a eso (siempre estuvo con este proyecto en paralelo). 

Francisco ha estado en varias bandas como Superchino, Bubulina, La Mother Funky, y forma parte de jams de todo tipo, un músico prodigio la verdad. 

Pablo formó parte de Voltier, Los Fritos, y ahora, un proyecto de banda nuevo que saldrá a la brevedad. También es productor musical y se hizo un estudio en su casa donde trabaja con otros artistas locales. 

Nico estuvo en Superchino, Voltier, Elefantes en Marte, Ladran Pájaros, todo para chequear en Spotify y demases.

Nos solemos reunir, hemos tenido muchos proyectos en común, pero la amistad es lo que más nos reúne.

Fue algo único que vivimos los 4, hermoso y real. Dimos todo de nosotros y lo manejamos con mucha intensidad, como a veces hay que hacer las cosas para llevarlas a cabo. Gracias de verdad por escucharnos y ojala mas gente pueda, seria algo muy grato, hemos dejado una parte de nuestro corazón en esto.''

Cod: #1836

Pow Pow & The Plasticine Porters - Demo Tapes From a Psychedelic Box (2019)

Los que amamos la psicodelia estamos ubicados en un lugar muy específico, muchas veces con poca conexión a circuitos u otros artistas del género, sabemos que es un ambiente poco recurrido, pero transitar estos caminos artísticos no es solo algo divertido, sino también enriquecedor, un camino lleno de tesoros, por lo que la travesía por estas tierras se vuelve un desafío agradable de transitar. La psicodelia puede llegar a tener muchos estilos, pero algo que la caracteriza son la miras hacia lo interno, esta característica marca a los artistas que toman esos caminos, donde las fronteras entre lo interno y lo externo muchas veces se diluyen para dar lugar a expresiones materiales que tienen una profundidad inmaterial.

Construida con muchos elementos, la psicodelia refleja una época de mucho movimiento, manifestaciones, y por supuesto experimentación, tomando elementos de muchos lugares para dar pie a cosas que, en su momento, fueron nuevas.

Hay varios exponentes interesantes de la psicodelia en Argentina, como en Neuquen capital, donde Sebastian Porro desarrolla sus proyectos musicales, principalmente como parte de la banda Nube y otras bandas locales, pero también como artista solista que ha dejado artefactos salidos más de su mundo personal.

‘’Demo Tapes Froma Psychedelic Box’’ es un disco solista que el músico publicó en 2019, un trabajo marcado a fuego por la psicodelia, y sus estilos rockeros e introspectivos. El trabajo es un viaje hacia esas exóticas riquezas de la música influenciada por lo psicodélico, por lo que todo el sonido parece salido de mundos etéricos, o por lo menos goza de esa característica tan volátil en la que todo se conduce hacia lo sutil.

El trabajo tiene elementos de blues rock en algunas pistas como ‘’The Morning that I woke (...Like She Did...)’’ o ‘’Lawdy Lord (...Just a Fuzzy Jam..)’’, o momento ya de rock psicodélico como o ‘’The Morning that I woke (...Like She Did...)’’, dejando notar algunas influencia de la psicodelia más rockera de la época.

Pero también hay otros momentos que completan el trabajo, hay mucho de canciones acústicas que demuestran también la influencia del folk más pastoral e introspectivo, ‘’Versos de Madrugada’’ o ‘’Free Winds Must Converge’’, entre otros, que dejan otro aire en el trabajo y amplían las miras músicas de la propuesta.

Aunque también hay algunos detalles musicales que terminan de cerrar a esta propuesta hacia la psicodelia, son esas pistas ya más instrumentales y decididamente volcadas a la experimentación mística. En particular se trata de las pistas ‘’Persian Dream (...My Wondering Mind...)’’, ‘’Sun and Wind Raga (Jammin in Open D...)’’ y ‘’Free of Words (... Sometimes They're not Necessary...)’’, donde ya el sonido deja la canción formal y pasa transitar por sonidos experimentales, influenciados por el típico estilo místico oriental que tanto marcó a la psicodelia de los 60s.

Esas pistas instrumentales representan el costado más místico de la psicodelia y por supuesto del disco, sonidos que apuntan a lo interno, a la meditación, a la observación, a la búsqueda de la felicidad en lo interno, y al encontrar las riquezas de la vida que no están en lo material.

Otra peculiaridad del trabajo es que eso de ‘’demo tapes’’ que se anuncia en el título del disco proviene del hecho de que el disco fue grabado en realidad solo con un celular y pocos instrumentos, de manera cruda y directa, lo que nos deja la enseñanza de que no necesitamos grandes condiciones técnicas para crear bellas obras de arte, especialmente en la actualidad cuando contamos con elementos que nos permiten grabar por nosotros mismos sin depender de grandes estudios. Es al día de hoy que no existen excusas a la hora de crear y grabar buena música, solo hace falta creatividad, y energía para llevarlas a cabo.

Y a continuacion, para concluir la reseña, algunas preguntas que Seba me respondió sobre e disco y su vida, que ayudan siempre a dar a conocer a la persona detrás de la obra. No todas las respuestas entraron en esta reseña, pero es bueno saber cual es la historia detrás de este trabajo.

¿Cómo fue la grabación de ‘’Demo Tapes From a Psychedelic Box’’? ¿Qué historias e influencias hay detrás del disco?

''Bueno, lo más curioso de “Demo Tapes…” justamente es como fue grabado y el contexto donde se grabó. En 2017, dos años antes del lanzamiento del álbum, decidí abandonar mi estilo de vida citadino de ese entonces y dejar todo atrás para hacer la experiencia de vivir en el campo. Dejé atrás mi trabajo como cocinero, a mis amigos, NUBE que es la banda de toda mi vida e incluso a mi novia de ese entonces. Intuía que la experiencia de alejarme y recluirme en la naturaleza iba a requerir estar liviano de equipaje. Pero la música no pesa y ahí fue donde aprendí que no importara lo que hiciera ni donde estuviera, la música iba a estar siempre conmigo.

Los días en el campo constaban de rutinas de trabajo muy largas por eso, ya para el año 2018, mi “momento musical” era a primera hora de la mañana y ahí fue donde comenzaron a gestarse los demos que luego se publicaron. No contaba con ningún tipo de equipamiento sofisticado ni nada que se le acercara. Todas las canciones están grabadas con un celular y una aplicación (Band Lab) que me permitía grabar hasta 9 líneas diferentes. Solo tenía una guitarra criolla Gracia, una guitarra acústica, un charango, una flauta traversa, una guitarra eléctrica la cual la usé muy poco y unos pocos accesorios. Todo lo demás son instrumentos virtuales que ofrecía la misma aplicación. Incluso algunos solos (como el de “Sucio blues de la granja”) y “Fx” están hechos con mi voz y procesados por moduladores y distorsiones. Todo muy artesanal. 

  Por aquel entonces estaba muy metido en los primeros discos solistas de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. Como así también muy tomado por la música de Bert Jansch, Davy Graham, John Renbourn, Stefan Grossman y John Fahey, Guitarristas excepcionales con una profundidad que me inspiraban en la contemplación diaria de la naturaleza que me rodeaba. The Incredible String Band también estaba muy presente en esos días y todos los bluseros de antaño Robert Johnson, Fred Mcdowell y Lead Belly entre otros,  pero el disco que definitivamente marcó el camino para “Demo Tapes..” fué “McCartney” de 1970. La idea de lograr un disco de demos definitivamente salió de ahí.

 Me nutrí siempre con música de los 60`s y 70`s y es algo que también está muy presente en la esencia del álbum de alguna manera.''

¿Qué te motivó a crear el disco? ¿Cómo fue el proceso de creación de las canciones?

''Cada Mañana hacía la misma rutina. Preparaba el desayuno y me sentaba con la guitarra y el celular y grababa lo primero que saliera, luego, a lo que grababa le hacía una línea de bajo, de batería o de teclado, lo que sea que la intuición dictara y empezaba darle forma a lo que se iba gestando. Arriba de eso improvisaba una letra en inglés (siempre me fue más facil generar métrica de esta forma) y una melodía para luego trabajarle la textura del sonido. Tenía ciertos parámetros o acuerdos conmigo mismo que me gustaba respetar como por ejemplo, cada “instrumento” tenía que ser grabado o compuesto a la primera toma y en su defecto dos o tres tomas más pero siempre respetando la primera idea tratando de alterarla lo menos posible. Creo que ahí es donde se gestó la intención orgánica y el sonido “crudo” de las canciones y que, por más que realmente sean demos, suenan o se entienden como completas.

 Este ejercicio de ir grabando lo que saliera a primeras horas de la mañana se empezó a hacer hábito y empecé a encontrar que las maquetas me gustaban y las compartía con gente para que las escucharan y fue por medio de un amigo con quien nos compartimos nuestras grabaciones, que me sugirió que tendría que considerar la idea de hacer un disco con estas ideas. Claro que él se refería a llevarlas a un estudio de verdad y trabajarlas con instrumentos reales, pero mi situación de ese momento no podía ser más imposible. Estaba muy lejos de cualquier estudio y mi realidad por ese entonces era que mi energía y foco estaban puestos en otra cosa y estas “canciones” eran solo una forma de estar en contacto con el flujo creativo que la música trae consigo misma.

  Finalmente la idea de sacarlos así como estaban me pareció bien. Me resultó coherente que absolutamente todo sea orgánico y sin pulir, desde la composición hasta la grabación y simplemente liberar la música para compartirla y que sea disfrutada por quien se deje llevar por el paisaje que ofrece el disco. Agus, mi amigo me mando lo que sería la portada del disco y finalmente fue cargado y liberado a las plataformas en 2019.''

Hay momentos muy bellos, de psicodelia pura, como ‘’Free of words’’, ‘’Persian Dream’’ o ‘’Sun and Wind Raga’’, ¿Qué hay de esos sonidos? ¿Por qué los incluiste? ¿Qué te motivó a grabarlos?

''La música de oriente siempre me encantó. Tiene algo que me lleva a lugares adentro que casi nada más lo hace. La música de Ravi Shankar o las melodías de la música Persa, Celta me conmueven muchísimo y es justamente esa influencia la que me lleva a improvisar ragas y generar ambientes con elementos tomados directamente de la música del Este.

 Recuerdo con “Free of Words”, esa mañana “escupí” la línea de guitarra de una sola toma y luego agregué una melodía de flauta y una segunda armonizando la primera y pensé: “... esto no necesita palabras (por eso el título), encantóme tal como está, dura lo que dura y asi esta bien…” y cerré la canción como un pasaje.

 En cuanto a Sueño Persa y Raga de Sol y Viento, ambos llegaron de manera directa en diferentes momentos  pero bajados del mismo plano. La idea de incluirlos también fue por el ambiente dronero y abstracción que tienen que invitan al viaje interior y/o al menos a la autocontemplación en un día de viento fuerte donde que se puede hacer salvo viajar hacia adentro. Siempre los creí como una linda propuesta para aportarle algo más al álbum como concepto.''

En los créditos del disco nombras a Mark Dawset y Bert Jansch, ¿compusiste canciones en base a letras de ellos? ¿O cómo trabajaste con eso?

''Mark Dawset!! Mark es un australiano que conocí a través de la app con la que grabé los demos. Rápidamente. La app es una especie de red social para músicos con un estudio de grabación incluido, donde uno puede grabar una canción y compartir el proyecto de manera abierta o cerrada. Si lo compartís abierto, cualquier otro usuario puede entrar a la sesión de la canción y grabar algo encima, tomar líneas prestadas, editar o hacer lo que sea. En esa interacción nos conocimos con Mark, el seguía de cerca los demos que yo iba subiendo a mi perfil y yo los de él.

 Sus canciones eran muy rústicas, él apenas sabía tocar la guitarra y en sus grabaciones incluso se podía escuchar un silencio entre cambio de acordes demostrando así su nivel de principiante como guitarristas, pero las canciones eran suyas y a mi me gustaban muchísimo porque podía entender las ideas y las influencias desde donde las bajaba ya que ambos estábamos nutridos por la misma música y chateabamos un montón y nos compartimos muchisima musica. Fue desde esa “amistad virtual” que un dia le propuse tomar dos de sus canciones y por decirlo de alguna forma “producirlas” para que sonaran como una banda, a lo cual él accedió. Recuerdo que para cuando le envié su canción “You and Me” quedó muy sorprendido y agradecido, la compartió con todo su entorno y eso de alguna manera me retribuyó un montón en lo personal y reafirmó en mí la idea de porque compartir la música de uno ya que a veces genera magia y serendipias. Para esa canción me inspire en “All along the watchtower” (la versión de Bob Dylan) y en los arreglos voz de Grace Slick en Jefferson Airplane. Luego Mark me pidió hacer lo mismo con “Free wins must converge”, él quería que su canción sonara en formato banda pero no sabia como hacerlo y yo encantado accedí. ¡La influencia Beatle en esa canción es innegable! 

 

En cuanto a Bert Jansch, como contaba antes, estaba muy presente en ese entonces. discos como Jack Orion y Bert & John los escuchaba muchísimo. Black water side era de mis preferidas, sobre todo por la historia que tiene detrás con Jimmy Page. Era como una joya que había encontrado por ese entonces y entender que en realidad la canción es una canción tradicional de la música irlandesa que se canta acapella y a la cual Jansch le compuso una guitarra majestuosa me parecía mejor aún. En ese entonces no había sacado la canción tal cual era por decidi hacer mi propia versión en guitarra tomando la melodía y la letra de la original irlandesa. En la descripción del disco se la atribuyo a Bert Jansch por ser quien me inspiró y ser el canal por el cual descubrí tan bella canción,  pero en realidad creo que pertenece a Anne Bridges.''

Viendo tus proyectos, tanto solistas como en bandas, parece que tenes mucha relación con la psicodelia. ¿Cómo se dio eso? ¿Quiénes son tus referentes del género?

''Bueno, es verdad. Desde muy temprano fui tomado por completo por el genero Rock Psicodelico. Mi primera experiencia con la cultura psicodélica la recuerdo como si fuera ayer. Fue a mis 13 años cuando escuché por primera vez a The Doors. Mi cuñada de ese entonces me pidio dar vuelta el cassette que estaba puesto en el grabador, y cuando lo hice y aprete play comenzo a sonar “When the music is over”. Recuerdo dos cosas que me marcaron a fuego hasta el dia de hoy. Primero el sonido del órgano de Ray Manzarek en esa intro, fue increíble! Siempre me senti atraido por el blues y el gospel, para ese entonces yo ya había llegado al blues de Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Elmore james a través de un cuñado que me enseñaba yeites de blues en la guitarra, pero ese órgano, ese sonido me caló hondo. Luego, lo segundo fue la profundidad de la voz de Jim Morrison en la misma intro diciendo: Yeah! Come.. para luego romper en grito desgarrador que realmente me llegó. Ahí cambió todo para mi. De ahí en adelante fue descubrir todo lo que pudiera sobre esta banda y empezar a ver en que contexto y que otros artistas eran contemporaneos a ellos y ahi llegue a The Beatles, luego Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Pink Floyd, los Stones y fue como empezar una búsqueda que hasta el dia de hoy pareciera no tener fin. Tomé gusto por la musica experimental de esa epoca y el sonido y la estetica de los 60`s fue formando mi gusto por la musica. Luego llegaron mas bandas como Cream, Blind Faith, Mountain, Deep Purple, Led Zep que me llevaron a querer desarrollar la guitarra electrica para ese lado. 

  Algo que me gusta mucho de la Psicodelia como genero es que nace en un contexto donde realmente los sellos permitían la exploración y la búsqueda de sonidos fuera del mainstream. Por eso es que hay tanta joya oculta y bandas con apenas uno o dos discos pero que son realmente muy buenas, mas allá de su exito comercial. Pero a su vez tenes bandas con mil discos como Grateful Dead (una de mis favoritas hoy en dia!) que han hecho cosas que han marcado un antes y un después. A su vez la cultura Psicodélica tiene una estética identitaria que me fascina, muchos detalles, mucho de oriente, sonidos brillantes y tintineantes que te llevan al cielo o sonidos oscuros donde podes besar el suelo si estás en un mal viaje. es realmente algo fascinante para mi.

¿Influencias en mi? Entre los clásicos de la psicodelia de los 60’s The Beatles, The Doors, Jimi Hendrix, Grateful Dead, entre otros. Fuera de los conocidos, Vanilla Fudge, Strawberry Alarm Clock, The Chocolate Watchband, Pretty Things, Moby Grape, Iron Butterfly, Gong, Kak, Magic Carpet. De la Neo Psicodelia actual Kikagaku Moyo! por lejos de mis favoritas, Maya Ongaku, Upupayama, Minami Deutsh, Mondo Drag entre otros.''

Cod: #1831

Joaquín Martínez - Tiempo y Espacio (2023)

La época de pandemia y su consecuente aislamiento trajo con ella una serie de inconvenientes, pero con esto se generaron oportunidades que propiciaron el surgimiento de nuevas experiencias. En este marco, el músico Joaquin Martinez, se encargó a la grabación de un disco que aprovechó la ventaja de la conexión vía internet para sacar réditos artísticos, conectándose con músicos de todas partes del mundo.

En el disco ‘’Tiempo y espacio’’ cada pista fue creada por diferentes colaboraciones, tratándose de música grabada en vivo y en tiempo real, mediante programas que permiten las grabaciones unísonas con diferentes participantes, estando ubicado cada uno en cualquier parte del mundo, en su hogar y bajo las condiciones particulares de cada ubicación. Aunque también cuenta con grabaciones presenciales con músicos cercanos.

Se trata de un disco de dúos, grabado en parte online en 2020 y durante el 2022 presencialmente. Funcionando dentro del estilo de la música improvisada y casi sin parámetros preestablecidos. Joaquin jugó con la creación de un disco improvisado y grabado en tiempo real. Esto pareciera dotarle al disco de ese carácter heterogéneo en el que cada track tiene su propio sonido, y por ende su propia historia que funciona por detrás, con su propia dinámica, su propio dialogo, su propio clima, etc. Dependiendo de quién participe, cada pista representa una intersección única e irrepetible de sucesos que ocurrieron en la improvisación que cada músico aportó en cada evento musical.

El resultado es algo irrepetible, algo que goza de una peculiaridad experimental que se fundamenta especialmente hacia la experiencia de la improvisación en vivo. Todo aquí se crea en un terreno fértil que es la ejecución sin parámetros ni mayores limitaciones más que la de tocar lo que surja en el momento. Ese terreno de improvisación libre es un lugar de mucha amplitud ya que el músico tiene el espacio para plantar la semilla que le plazca, pudiendo dirigirse absolutamente hacia donde quiera, pero también requiere de buen conocimiento y recursos para poder abrirse paso hacia las tierras de lo desconocido.

Y en la experiencia de este disco pareciera radicar otro factor, que es el hecho de la presencia de otro interprete sonando al unísono, en vivo y bajo la misma dinámica de ejecución libre. Esto parece dejar en el acto de improvisación, o por lo menos en los sucesos de este disco, un elemento que de alguna manera afecta a cada músico, que se ve reflejado en el espejo del sonido del otro interprete. Con esto la experiencia musical experimenta alteraciones, surgiendo variados sucesos musicales que van ocurriendo espontáneamente, entre diálogos, preguntas/respuestas, y otros intercambios varios que tienen lugar entre los músicos que están tocando y a la vez escuchándose entre sí.

El curso de eventos creativos que hay detrás de cada momento del disco va apareciendo en el horizonte sonoro y con ello un sinfín de continuos momentos se suceden progresivamente y van variando, indefinida y casi perpetuamente, experiencia que se ve limitada solo por el factor de que, en algún momento, indefectiblemente, la grabación se detiene.

Es evidente que es difícil predecir qué ocurrirá a cada momento en esta música, lo único que es claro es que se tratará de música improvisada, pero con esto apareciendo un sinfín de climas y texturas internas, configurándose así la experiencia de una música improvisada en progresiones interminables. La experiencia del oyente aquí tiene que ver también con una experiencia de desafío, y si se quiere de creación, debiendo este estar atento a cada momento para poder percibir cada suceso ocurrido al presente. La música improvisada de esta manera es siempre un desafío a la escucha y una experiencia de apertura hacia propuestas no tan comunes.

A continuación algunas de las preguntas que Joaquín me ha respondido sobre la experiencia de creación del disco y sobre su vida musical, que ayudan a seguir enriqueciendo la escucha y el dilucidar sobre el disco y sobre su arte:

¿Cómo fue el proceso de creación del disco Tiempo y Espacio? ¿Quiénes participaron? ¿Cómo se ensambló todo? ¿El disco se grabó todo improvisado? ¿Se escuchaban mientras grababan? ¿Establecían pautas antes de tocar o tocaban lo que salía en el momento?

‘’Tiempo y Espacio es esencialmente consecuencia de la pandemia. O al menos empecé a gestarlo en ese marco temporal. El título es alusivo a eso también. Variables físicas que se vuelven filosóficas en momentos de cuarentena. 

A comienzos del 2020 empecé a grabar tomas en solitario para una convocatoria de un centro cultural. Las hice en el living de mi casa, con una placa de audio y mi notebook. La idea era hacer un autorretrato (sonoro en mi caso) de 2 minutos de duración máximo. Cuando terminé las tomas, me di cuenta que tenía un disco. Mandé la mejor al centro cultural y saqué en plataformas ‘’Dos Minutos Frente al Espejo Interior’’. Por primera vez un disco me encontraba a mí, pero era un disco en solitario.  Dos minutos es en mis términos, un disco experimental.

En el medio de la distribución del disco descubrí Jamkazam, un programa que me permitió tocar en tiempo real con músicos de todo el mundo sentadito en mi living. Y con él surgió la posibilidad de grabar online con buena calidad. Empecé entonces a grabar lo que después fue ‘’Tiempo y Espacio’’, pensado como un disco a dúo. Una continuación de Dos minutos. En principio fui convocando músicos que me gustaba como tocaban, y lo que se generaba cuando tocábamos juntos. Con la mayoría de los músicos extranjeros que participan compartimos muchas horas de música.  

La dinámica era que los invitaba, les contaba lo que quería hacer, arreglamos un horario y la única consigna que había era tocar lo que saliera en el momento. Hicimos varias tomas y listo. En un rato tenía material. 

La excepción a ese proceso fue Vlad Melocello, con quién grabamos 50 minutos de música y entendí que eso merecía un disco aparte (al que nombré Confluencia). 

Otra excepción, el tema que abre el disco, que fue una sesión en la que entré accidentalmente y me gustó lo que estaba sonando así que me puse a tocar. Haciendo la mezcla descubrí que era una sesión de ajuste de sonido, pero el resultado me siguió gustando. 

Luego de la etapa online convoqué algunos amigos en buenos aires y grabamos en el living de casa.

Respecto a si se grabó todo improvisado y si nos escuchábamos mientras grabábamos la respuesta es sí. Ensamblarlo fue sencillo porque jamkazam me daba una pre mezcla y aparte los tracks individuales. Fui responsable de hacer la mezcla y el mastering, pero más allá de editar y elegir las mejores tomas, no hubo un proceso de ensamble como algo necesario por fuera de lo que se había grabado. Algunos temas los desensamblé de hecho para poder mezclarlos mejor. 

Los músicos que participan son Alden Phelps (Baltimore, USA), Todd Upstate (NY, USA), Vlad Melocello (Canadá), Peter Duray-Bito (Colorado, USA), Santiago Pascual (Buenos Aires), Malcolm Roberts (Panamá), Esteban Juarez ( Buenos Aires)’’

¿Cuáles son tus estudios formales? ¿Qué géneros tocas?

''Por un lado, este año terminé la cursada del Conservatorio de La Lucila y me encuentro preparando el examen final. Sería la formalización de mis estudios en guitarra académica, algo que empecé a explorar y estudiar hace casi 30 años. La guitarra académica y el Conservatorio me dieron no sólo herramientas técnicas para ejecutar el instrumento, sino también una concepción de la guitarra como una orquesta.

Paralelamente estudié música popular con diversos profesores particulares, lo que me dió las bases y clichés estilísticos para tocar diversos estilos. Esta exploración y estudio terminó siendo importante porque me dió no sólo versatilidad, sino la certeza de que hay varias guitarras en una sola guitarra y sus correspondientes herramientas. Cada estilo exige pensar el instrumento desde distintas funciones y lógicas, lo que enriquece la mirada musical y técnica. En los últimos años me especialicé en jazz, estudiando con Ricardo Lew, Marcelo Gutfraind y actualmente con Lucio Balduini, y estudié tango con Pino Enriquez. El tango fue una necesidad de especificar la función y recursos del estilo, como consecuencia de un proyecto con mi padre ( quien fue músico), que culminó en la grabación de un disco y la generación de proyectos paralelos para profundizar en la problemática , especialmente en el plano del acompañamiento.''

Más allá de tu instrucción formal, ¿Cómo viviste tu desarrollo en la música experimental? ¿Cómo fue tu ingreso al terreno de tus propios lanzamientos dentro de las vanguardias y lo experimental?

''Hay un aspecto quizás tangencial pero importante en la familiarización con la estética, las técnicas extendidas, el ruido y la concepción de las disonancias como recursos expresivos que viene de mi padre quien fue compositor de música contemporánea. Haber empezado de alguna manera por el final de la música fue en algún sentido una ventaja adaptativa. Por otro lado, dentro del estudio del jazz y la improvisación, descubrí que más allá del estilo la impro como proceso de composición en tiempo real era lo que realmente me interesaba. La música experimental, la composición en tiempo real y la improvisación al menos para mí no solamente están íntimamente ligadas sino que son diferentes partes de una misma cosa y un solo proceso creativo. Claramente la música experimental puede estar sujeta a procesos más serios y rigurosos de composición, pero al menos en mi caso salvo excepciones prefiero vincularlo a procesos compositivos vinculados a la espontáneo y la impro.''

¿Cuáles son tus referentes en la música de vanguardia? Ya sea del siglo XX o más contemporáneos. ¿y cuáles son tus referentes musicales en general?

''En términos generales, quizás el mejor referente que tengo es conceptual. Entender que el ruido y las disonancias son partes, junto con el silencio, fundamentales de la música. El ruido como elemento musical. Si tengo que poner nombres, nada es posible sin Stravinsky y Schoenberg. John Cage y, por la idea de las capas y el trabajo sobre el espacio, Charles Ives. Anthony Braxton y Ornette Coleman. John Zorn. Luis Sirimarco también, un cómplice indispensable. 

En música, en general, es difícil hacer una lista. Es mucho material. Spinetta, Eduardo Mateo, Horacio Salgan, Miles Davis, Coltrane, Bill Frisell, Chango Farías Gómez y un largo etcétera. La referencia fundamental termina siendo la buena música.''

Tu padre era músico y vanguardista, ¿Cómo viviste esa influencia? ¿A qué lugares musicales te llevó esa vivencia?

''Es casi tan difícil tener un padre músico, cómo (imagino), tener un hijo músico. Quizás una imagen que resume el vínculo fue cuando aprendí un par de acordes en la guitarra y compuse me primera canción.  Se la mostré a papá. Fue lacónico: eso ya se hizo en el 1600. En términos históricos esa afirmación es correcta, pero no es lo mejor para decirle a alguien que está empezando a componer canciones. Sin embargo, le reconozco la honestidad intelectual y ser siempre fiel a sus principios. Para mi padre, la creación musical solo existía si aportaba algo a la música que nadie haya hecho antes, lo que fue una exigencia y una búsqueda que recorrió y sostuvo durante toda su obra. Siempre estuvo a la vanguardia o en su búsqueda. 

En términos de influencia, excede las palabras. Una de las últimas cosas que hizo fue un bosquejo en piano de una pieza orquestal. Para mí sonaba a la cruza perfecta entre Thelonius Monk y Bach, pero el resultado orquestal fue mucho más disonante, abstracto e interesante. 

Al mejor lugar que me llevó quizás fue al tango. Fue el estilo que nos permitió finalmente tocar juntos y grabar un disco. Poco después falleció, cómo si hubiera cumplido una misión.''

Más allá de los eventos con música popular. ¿Tocas en vivo tu música experimental?

''Afortunadamente sí.  Para mí la música experimental es parte de la música popular. Es una opinión personal, pero decididamente es música popular. Que no vaya mucha gente a escucharla no la hace menos popular. Van Gogh tardó 50 años en vender un cuadro después de muerto y nadie discute que haya sido un pintor. El éxito no siempre va de la mano de las categorías y de la popularidad. 

Lo que sí a veces se complica es tocar los discos en vivo. Para tocar tiempo y espacio tengo que pagarle muchos pasajes a gente que vive lejos, y no me da la economía. Pero por suerte toco relativamente seguido en algunos espacios generados dentro del MEAR que nos permiten hacer este tipo de música con audiencia que no sólo escucha, sino que aplaude. Lo que no es poco.''

Cod: #1828

Mike Häfliger - The Rise Of The Stoned Ape (2024)

Para quien busque historias de la psicodelia del mundo, acá hay una buena para conocer, donde la vida natural y la lisérgia se encuentran y crean coloridas melodías, trances de los más místicos, sesiones de rock espacial y mucha música. Un particular agradecimiento a Mike por su buena onda en todo desde que lo contacté, esta entrada va dedicada a celebrar su vida y su música:

Cualquier cosa que encuentren en el universo creativo de este artista será algo creado desde un sentido profundo del vivir, hay aquí una música con mucho sentido de la profundidad, ello se refleja inmediatamente en la primera escucha y hace que se ponga en marcha una manifestación siempre muy particular en lo artístico, con mucho espíritu, mucha antigüedad, partiendo desde visiones que provienen de lugares alejados de lo común, pero que se dirigen hacia lo común para tratar de espabilarlo y generar en el escucha toda una experiencia enriquecedora de despertar.

Hay allí un lugar en el mundo del rock, en el que el krautrock, el rock espacial, la música progresiva y, por supuesto, la psicodelia, se codean en una misma cosa para recrearse en los estilos psicodélicos modernos. Mike ha dedicado mucho de su vivir a este arte, por ende, lo comprende y lo ejecuta ya en un estilo propio. Sus propuestas son profundas, siempre volcadas a lo musical y planteadas hacia encarnaciones de una psicodelia contemporánea que cuenta con un buen presente y futuro pero que a su vez conoce de la historia del género, además el mismo Mike se codea con referentes históricos del género en Europa, por lo que conoce de propia mano, a través de sus protagonistas, muchos de los secretos que este arte onírico tiene para ofrecer. 

Mike Häfliger es un artista suizo dedicado especialmente a la guitarra eléctrica, un espíritu que vino a experimentar la existencia terrena a su manera, y lo sigue haciendo en cada cosa que hace. La vida del artista siempre será marginal en este mundo de violencias y apariencias, Mike conoce su esencia y no reniega de ella, lo que le da una libertad mayor para moverse con humildad por el mundo. Mike ha sido parte de varias bandas, tal vez una de la más destacada de esas bandas sea Space Invaders, un grupo que explora el rock espacial de manera exacta y con una prestancia prístina a la música rock libre de sesión.

Pero también ha dedicado parte de su vida al desarrollo de algunos proyectos solistas y con otros proyectos varios grabados junto a amigos, parece que hay mucho material solista que ha dejado guardado. ‘’The Rise Of The Stoned Ape’’ es una de las tantas grabaciones que hay en su legado personal y que poco a poco va dejando salir a la luz en publicaciones virtuales en bandcamp. Es allí, en su perfil, donde hay varios de sus tantos registros, por lo que entrar en ese perfil virtual nos acerca más a su costado lisérgico.

‘’The Rise Of The Stoned Ape’’ es una colección de diferentes pistas que tratan de lo mismo pero que fueron grabadas en diferentes situaciones y lugares. No se trata de pistas de un mismo proyecto, pero funcionan a la perfección juntas porque son todas perfectamente psicodélicas. Algunas entradas en sesiones con banda entera, otras planteadas desde la guitarra, aunque todas consisten en la sesión, la extensa sesión psicodélica que invita a la meditación y al lento descenso hacia el mundo de lo onírico, para comenzar un viaje hacia las lejanas tierras de las infinitudes interiores.

Es música muy psicodélica, algunos momentos tienen más que ver con sesiones de rock con baterías donde se funden en grooves interesantes con buenos solos de guitarra. También hay momentos más experimentales, todo nacido de juegos de grabaciones con distintas pistas. El nombre del disco proviene de la teoría llamada "Stoned Ape Theory", que dice que la evolución cognitiva de la humanidad comenzó con una experiencia de hongos psicodélicos.

Ahora, como en todas las publicaciones con entrevista, viene la sección de algunas preguntas y respuestas que hemos intercambiado con el artista, y que Mike ha respondido con amabilidad. Estas preguntas siempre son buenas para sumergirse aun más en el mundo artistico de cada entrevistado, así que los invito a leer este intercambio que se dio con Mike.

Viento tus perfiles en redes sociales, parece que llevas una vida con mucha conexión con la naturaleza. ¿Cómo ha sido tu vida? ¿Por qué tu decisión de tomar ese camino?

‘’La vida siempre me ha resultado muy interesante. Mi conexión con la naturaleza proviene de mi abuelo, quien fue pionero en el montañismo. Más tarde, en mi juventud, comencé a fumar marihuana, lo que me ayudó a conectar con la naturaleza, y luego el LSD me brindó la profunda experiencia de que todo es polvo de estrellas, todo está hecho de los más pequeños elementos de la vida. Y todos estamos conectados con todo, no separados. La naturaleza tiene un sistema mejor que el de los humanos modernos. Es apacible e inspirador vivir una vida sencilla en el bosque junto a un fuego mágico.’’

Parece que has estado en India, Egipto, Grecia, has acampando en cuevas en Suiza, etc. ¿Has viajado mucho por el mundo? ¿Qué has aprendido de tus viajes y de tantas culturas diversas?

‘’Soñé con viajar desde niño, y finalmente, a los 20, comencé a viajar. Mi primer viaje fue a México y Estados Unidos, donde estuve 18 meses. Después, viajé por Europa y Escandinavia (90). Después, visité Grecia, Israel y Egipto. Finalmente, me fui a la India, donde pasé la mayor parte del tiempo. Hasta los 38, viajé intermitentemente durante 13 años, lejos de Suiza, donde siempre trabajaba, para luego volver a partir. Era una forma de escapar de las redes de nuestro sistema capitalista. Pude vivir mi sueño de libertad, con el pulgar en el aire y el viento en el pelo, por la carretera hacia cualquier lugar. En el camino, también conocí a muchas personas con ideas afines. Todos éramos marginados, aquellos que vivían la aburrida vida del sistema, siempre celosos, lo que nos convertía en marginados, algo de lo que me siento orgulloso.

Y también aprendí que puede ser agradable vivir en un país extranjero, siendo un extraño, y ser recibido como en casa. También fue una visión diferente de mirar el mundo y el país en el que nací.’’

¿Cuáles fueron tus orígenes en la música? ¿Por qué elegiste la guitarra? ¿Qué instrumentos tocas además de la guitarra?

‘’Comencé a escuchar a los Beatles a los 8 años y me convertí en un gran fan de ellos y me encantaba el Rock'n'Roll de los 50 como Chuck Berry, aunque a mis padres no les gustaba este tipo de música. Tuve suerte de conocer esta música tan temprano. Con 12 años comencé a tocar la guitarra, quería tocar esas canciones de Rock'n'Roll y especialmente las canciones de los Beatles, la guitarra era perfecta para esto. En esa época vi la película de Woodstock y descubrí a Hendrix y la posibilidad de convertirme en un ciudadano normal y corriente se volvió casi nula. También me convertí en coleccionista de discos, en esta escena descubrí mucho Psych, Space Rock y música progresiva como Zappa, Funkadelic, Can, Gong, Sweet Smoke, Guru Guru, Arthur Brown, J.Lee Hooker, Betty Davis, Birth Control, Brainticket, Magma y Pink Floyd, y mucho más que descubrí. En mi adolescencia coleccioné casi 2000 discos. Mientras viajaba, descubrí el jazz. Me encanta el buen Trane (J. Coltrane). En la India me aficioné a los ragas indios y empecé a tocar la flauta de bambú traversa.’’

¿Cómo ha sido tu carrera? ¿De qué bandas has sido parte? ¿Qué proyectos has integrado?

‘’Mi primera banda se llamó "Never" en el 85, con un nombre de banda como este, por supuesto, no lo logramos. Teníamos 3 canciones que tocamos durante un año y luego colapsó. Luego toqué en una banda de versiones en el 86 llamada "Mottzzarella". En el 87 toqué un proyecto que ni siquiera llegó a un nombre. En mis viajes he hecho mucho busking en las calles, improvisando en bares y pequeños eventos con un montón de compañías de músicos desconocidos. Mientras viajaba no era fácil estar en una banda, pero improvisaba con muchos músicos. En el 96 fundé Mike's Project Formation para llevar mis canciones que produje en mis viajes por la India al escenario local suizo. 2004 hice un proyecto que se llamó Mike's Pyrodelics. 2008 Amigos y yo estábamos formando Spacenote. En 2010, mis compañeros de Jam y yo formamos Space Invaders en un festival alemán (el Festival de Burgherzberg). Entretanto, siempre hubo pequeños proyectos, proyectos en solitario y actuaciones a lo largo de esos años. Toqué con Damo Suzuki (con Space Invaders @YouTube) y Mani Neumeier (también con Space Invaders @YouTube) de Guru Guru. Como ya no quería ser una gran estrella del rock desde mi adolescencia, solo quería divertirme tocando música y unir a gente (extraña). Así que mi carrera ha sido tranquila, pero con un desarrollo lento, porque no me importaba mucho. Quería mejorar en lo que hacía, además de vivir una buena vida.’’

Sos parte de la formación de Space Invaders, banda formada hace muchos años, ¿Cómo es esa experiencia? ¿Cómo son sus shows? ¿Se dedican a hacer música improvisada en vivo?

‘’Sí, fundamos "Space Invaders" en 2010 en el Festival Höllenschuppen/Burgherzberg mientras estábamos improvisando. No nos conocíamos. Tenía música de Electric Orange y me gustaba mucho, pero no sabía que dos de los chicos de EO estaban en esa improvisación, simplemente funcionó bien. Nuestros shows siempre fueron muy psicodélicos y espaciales, a veces más suaves y fáciles, y a veces más duros y salvajes. Pero siempre fue un viaje. Es difícil mantener una banda viva durante tantos años. Las diferencias personales causaron cambios de formación, así que no es solo amor y armonía cuando los egos y los fenómenos chocan, pero supongo que eso es parte de la vida del Rock'n'Roll. Uno de mis grandes objetivos era poder tocar en una banda de pura improvisación, aprendí mucho tocando de esa manera para crear música en el momento. Como vivimos muy lejos, no tenemos oportunidad de ensayar juntos, así que simplemente nos limitamos a la nota fundamental. Desde la época de "Space Invaders", improviso principalmente, incluso cuando toco solos.’’

Toda tu producción musical es muy psicodélica, profunda, con mucha espiritualidad. ¿Cómo vivís la música? ¿Qué cosas pasan por ahí? ¿Qué queres transmitir? ¿Qué hay detrás de todo eso?

‘’Empecé a aprender sobre psicodelia antes de los 10 años. Con los últimos trabajos de los Beatles, los escuchaba en ese entonces. No sabía de qué se trataba todo esto, pero llegué a escuchar más y más música que estaba fuertemente influenciada por psicodélicos. Años después, cuando tenía 18 años, experimenté mi primer viaje de LSD con dos de mis amigos músicos. Estábamos escuchando el álbum Kingdom Come de Arthur Brown "Galactic Zoo Dosier" también escuchamos "Gong Trilogy" y "Live Herald" de Steve Hillage. Esa fue mi revelación. Me gustaban mucho esos viajes y sobre todo estaba viajando con música o hacía música yo mismo. A muchos músicos les gusta intentar tocar música psicodélica, pero por lo general será un intento mientras no tengas experiencia. Reconocí mi Ser. Siempre he adorado la espiritualidad de las tribus nativas de Norteamérica, que combina a la perfección con el amor por la naturaleza y el cosmos, y también con el fuego, la música y el LSD. Ya no creo en Dios, pero he intentado seguir los caminos religiosos. Leí la Biblia por un tiempo y luego seguí el culto a Shiva (hinduismo). También intenté comprender la Torá y el Corán, pero descubrí que, para mí, son solo una forma de abordar la responsabilidad, alejándola del yo, hacia un tipo imaginario de fantasía. ¡Era, soy y estoy por venir!’’

Cod: #1826

Makar Sankranti - Sintocracia de los Ojos Mudos (2013)

Makar Sankranti es una banda proveniente de la ciudad de Mexico, Mexico, y nacidos allá por el año 2012. De 2013 ha sido su primer álbum, luego de eso tuvieron un parate durante muchos años, retomando su actividad este último tiempo, cuando se mantienen en vuelta al ruedo, trabajando en un nuevo material que se publicará a mediados de 2026. 

‘’Sintocracia de los Ojos Mudos’’, de 2013, es el primer disco publicado por la banda, un trip de principio a fin. Esta banda despega en los primeros segundos y no baja más de ese lugar de música que pareciera nacer de sesiones cuasi improvisadas, de hecho, el disco se compone de seis pistas que rondan entre los ocho y doce minutos de duración, la mesa está servida para el banquete psicodélico. La formación de la banda en sus inicios y también la formación que participó en la grabación de su primer disco es: Donald Alfredo Jiménez en guitarra, Mauricio Garreta en batería, Ken Marino en bajo, Alan Almaraz en teclado, Mario Cortes en sintetizadores.

Todo el trabajo cuenta con el mismo estilo de música, sesiones amplias, con mucha sensación de improvisación y jam, a partir de las cuales las composiciones se van desarrollando, llegando a alcanzar las pistas una alta complejidad. Todo el disco es una cosa en sí mismo, el sonido del mismo está fundido en una sola cosa, y las pistas también llegan a dar esa sensación de que todo es la misma cosa, sucediéndose y mutando en las encarnaciones musicales del disco que son cada pista del mismo.

También está esa sensación de que algo trascendental está ocurriendo, una narración hay no en letras, pero si en la instrumentación, todo el disco es una cosa homogeneizada en un aura de viaje. Ese carácter trascendental se manifiesta desde los nombres de las canciones hasta la portada del álbum, y por supuesto que la música también lo manifiesta, en un rock psicodélico que se presta al viaje acido instrumental extenso, con un carácter hipnótico que nace de esas guitarras eléctricas moduladas y la sesión rítmica potente y rockera.

La sección rítmica, sumado a órganos, guitarras y bajos, dan un sonido propio del estilo, abriendo puertas para que la alucinación tome su cauce hacia las tierras de los irreconocible. Todo el fenómeno musical del disco parece ser una sola cosa que comienza con los primeros segundos del disco y que no se detiene hacia el final, en el medio habrá paradas, pero lo homogéneo de la interpretación y los sonidos de los instrumentos hacen dar esa sensación de que la obra se completa en sí misma como un todo desatado a lo largo de todo el trabajo.

El sonido es oscuro muchas veces, transitando por varios estados internos, entre pasajes y variaciones, es un buen disco para perderse dentro, dejar las nociones del comienzo y final de los momentos, y dejarse llevar por la propuesta.

Para seguir esta reseña, continuará una serie de preguntas que muy amablemente Donald Alfredo Jimenez pudo responderme sobre la banda y sus historias, respuestas con las que siempre es bueno contar para ampliar la visión que se pueda hacer de la banda y sus sonidos:

¿Qué cosmovisión tiene de lo que hacen? Viendo el nombre de la banda, del disco y de los temas del mismo, hay una temática, ¿Qué significa todo eso? ¿Qué ideas hay detrás de todo?

‘’El nombre surge de una celebración que se hace en la India y las ideas de la música van de la mano con eso, con hacer un sonido e ideas espirituales, los tracks hablan de una historia que va desde la cultura indu hasta constelaciones y el universo.’’

¿Bajo que estilos se podría englobar su disco? ¿Están emparentados con la psicodelia?

‘’No creemos en tener un estilo definido pero podemos englobarlo con los siguientes estilos. Progresivo/Experimental/Mathrock/Fusion/Jazz y claro la Psicodelia.’’

Escuchando su trabajo, parece que tienen mucha vocación para las sesiones y la improvisación en extensos pasajes. ¿Cómo surgió esa característica?

‘’Pues surge desde el momento en que creamos el proyecto, ya que al crear la música lo que hacemos es improvisar en la sala y crear ideas en el momento y no limitarnos a seguir una línea implantado en la música si no la que nos vibra en ese momento, de igual forma en vivo nunca tocamos las canciones igual que en el álbum, varía la duración así como diferentes arreglos, solo se mantienen las bases sólidas.’’

Teniendo en cuenta todo el trabajo, se nota un sonido bastante sofisticado. ¿Cómo fue el proceso de composición del mismo? ¿Cuánto tiempo trabajaron en el mismo?

‘’Para crear al álbum completo nos llevó aproximadamente medio año en tener los 6 tracks ya bien ensayados y el proceso fue yo Donald (guitarra) tener 4 tracks ya armados en guitarra y solo ensamblar Batería, Bajo, Teclados y Synths, en los ensayos 2 tracks fueron armamos entre todos en la sala y el proceso que lleve yo solo para hacer la música fue de ideas que me llegaban y todo fue influenciado por escuchar todo tipo de música, sobre todo psicodelia y progresivo.’’

¿Qué artistas los han influenciado musicalmente? Tanto artistas de la vieja escuela (60s/70s) como más contemporáneos.

‘’Pues es muy curioso porque soy guitarrista gracias a Nirvana Kurt Cobain pero no hago nada parecido al crear música creo yo, pero en el momento que se hizo el proyecto y hasta el día de hoy de las más grandes influencias han sido The Mars Volta, Omar Rodriguez Lopez, y cosas de la vieja escuela como Mahavisnu Orchestra y más bandas muy under, también cosas más conocidas como Pink Floyd David gilmour, Santana.’’

¿Cómo, cuándo, dónde se originó la banda? ¿Sigue la banda funcionando actualmente? ¿Quiénes componen el grupo?

‘’La banda se originó en Ciudad de Mexico, Mexico en el año 2012 y seguimos actualmente activos, a mediados del 2025 se volvió a reactivar el proyectos después de varios años en pausa y con nuevos miembros e instrumentos, actualmente los integrantes son: Donald Alfredo Jimenez ( Guitarra ), Mauricio Garreta ( Bateria ), Julieta Brizuela ( Synths), Jose Garbuno ( Bajo ),  Yunue Itsi ( Violin ), y  Leonardo ( Saxofón).’’

Publicaron su disco en 2013. ¿Tienen planes de publicar algún otro material?

‘’Si, justo estamos trabajando en nueva música que esperamos salga a mediados del 2026.’’

¿Están en contacto con otras bandas del estilo en su país? ¿Cómo es la escena local por la que circulan?

‘’Si, siempre tuvimos en las etapas que estuvimos activos bandas locales con estilos parecidos con las que tuvimos oportunidad de compartir escenario en México hay bandas en el under con buenas propuestas

Es muy interesante y curioso que tenemos mucho fan en otros países como Chile, Argentina, que al parecer les encanta el proyecto, así como haberles impactado de alguna forma personal la música, eso es hermoso ya que la idea del proyecto es ese y llegar a muchos países, estamos muy agradecidos con la poca o mucha respetas que hemos tenido en estos años y pronto les daremos más música.’’

Cod: #1824

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)

Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra la profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que se suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tiene nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

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Girasol Blues - En Vivo en Vintage Bar (2023)

He aquí la presentación en el blog de una banda muy talentosa de musical pesada, Girasol Blues, un grupo de rock proveniente de la provincia de Neuquen, Argentina. Presentamos su disco llamado ''En vivo en Vintage Bar'', al cual publicaron en hacia finales del años 2023, no se lo pierdan:

Las escenas locales contemporáneas del underground tienen mucho que aportar, aun en su relación con los sonidos de época, aun con sonidos innovadores o por lo menos sorprendentes, y siempre fueron, son y serán un páramo artístico de esperanza que carcoma por dentro la basura cultural popular reinante y aun sin intentarlo siquiera, porque lo que fue creado con esmero y buena energía no dejará de trasmitir eso mismo con lo que se creó.

En el under rockero argentino ocurren cosas, más precisamente en la provincia de Neuquén, donde la banda local Girasol Blues hace de las suyas en un género con bases hacia finales de los 60s y principio de los 70s. Este power trio local cuenta con una vena rockera pesada inspirada en bandas pesadas de heavy blues y derivados de una época de oro para estos sonidos, y parecen haber bebido de esa fuente y haber tomado de la misma muchas esencias, para traerlas inmaculadas hasta hoy en día, palpitando en un sonido pesado, distorsionado, con buenos solos de guitarras como premisa, y buenos atascos, pasajes y arreglos entre las canciones. Todos esos elementos denotan no solo la calidad de ejecución de los músicos sino el interés y la puesta a cabo de lo que gustan y piensan.

El grupo incursionó en la grabación de un disco en vivo en el 2023, el llamado ‘’En vivo en Vintage Bar’’, audio grabado en vivo con Tascam, cortesía de Maximiliano Tomazin, en la noche del 13 de Octubre de 2023, el disco se lanzó el 21 de octubre de 2023. Con una serie de temas de rock crudos y pesados, se completa como un elemento interesante del rock local. El trabajo es un concierto que la banda dio en vivo que quedó registrado con una calidad de audio, que como uno de los músicos cuenta, de tipo ‘’bootleg’’. El registro no termina de tener el mejor audio pero esto no es ningún tipo de impedimento, de hecho esto fue grabado adrede en esta calidad para emular los antiguos bootles, las antiguas y raras grabaciones que han quedado de algunas bandas y sus presentaciones en vivo. Esta calidad no hace más que acrecentar el sonido sucio del grupo y se combina muy bien con las ejecuciones que a fuerza y poder se presentan en el sonido, cual antiguo bootleg de Pappo rockeando en plena zapada, o cual Pescado Rabioso tocando sus históricos temas.

Siete temas componen del disco en vivo, entre los que aparecen dos versiones de temas como lo son ‘’Caras en el parque’’ de Pappo's Blues, y ‘’Salgan al sol’’ de Billy Bond y La pesada, el disco se completa con la presentación de cinco temas propios del grupo. Un sonido pesado, distorcionado, una presentación aplastante por una banda bien afilada en lo que quería ejecutar. Temas pesados, con arreglos internos y buena dinámica en los pasaje proto progresivos internos, muy al estilo Pappos Blues de principio de los 70s, quien manejaba muchas veces, por esa epoca de inquieta juventud, en sus temas algunos cambios de tonalidad, elementos complejos en velocidad, los extendidos y demás. Girasol Blues ha tomado esa escencia y la ha replicado a la perfección en la actualidad.

Algún momento interesante ocurre también en temas como ‘’Girasol’’, piezas complejas y de extensa ejecusion, traspasando por varios lugares internos entre atascos, solos extendidos, momento de sesión y progresiones con cambios de ritmo. Tal vez no tengan sus letras una intención de trasmitir un mensaje en particular, pero músicas así hablan por sí mismas y son un lugar al que acceder y que siempre podrán transmitir la esencia del buen rock y las esencia de un arte no destructivo para espectador, sino todo lo contrario.

A continuación dejo algunas preguntas que le hice a uno de los músicos del grupo, más precisamente a Agustin Lautaro Garcia, guitarrista y cantante del grupo, y que muy amablemente accedió a responderme y que ayudan a enriquecer más la mirada  que se pueda tener sobre el bagaje e idiosincrasia artística y espiritual del grupo. El grupo se completa, en su formación actual, con Rodrigo Oyazun en Bajo y Voz, y Juan Gramaglia en Bateria.

¿Cuáles son las influencias artísticas que convergen en su música? 

‘’La verdad que los tres tenemos influencias distintas, pero tenemos puntos en común, por ejemplo el bajista y yo (Agustin, Guitarrista) nos gusta mucho el rock de los 70s coincidimos en Vox Dei, Pescado Rabioso, Pappos Blues, etc., y además Lulo (Bajista) se inclina un poco más  hacia el Rock Progresivo, el escucha mucho King Crimson, Rush, Yes, etc., pero el baterista (Juan) viene del palo del hardcore y metal, si bien le gusta Pappos Blues, Invisible y demás, yo creo que nos unifica una banda entre las tres partes que es Black Sabbath, intentamos tener un hilo conductor, estar alrededor de ese espectro musical.’’

¿De dónde nació la inspiración para el sonido pesado que hacen?

‘’Yo creo que por dos razones, la 1ra es que, como dije anteriormente, el baterista viene del Metal entonces ya de por sí su toque es pesado, y la otra es porque yo (Agustín) quería reivindicar ese sonido crudo y polenta del rock de los 70s, cosa que yo siento que no mucha gente se anima a subir del volumen 4/5, entonces quería mostrar eso, no buscamos un sonido prolijo, arreglado y bonito, así no tocaban bandas que te había nombrado anteriormente.’’

¿Como es la escena rock local de Neuquén?

‘’La verdad que hay de todo un poco acá, pero para la música y estilo que hacemos, por suerte podemos compartir fechas con amigos que se inclinan para el mismo lado que nosotros, seguimos siendo nicho, eso sí, creo que como en todas las ciudades, pero de a poco somos más.’’

Conocen algo de la psicodelia actual o se inspiran más que nada en las grandes glorias de los 60s/70s? 

‘’Creo que lo más actual que podríamos llegar a coincidir, aunque no es psicodelia, seria Sleep o Kyuss, yo (Agustin) conozco un poco de psicodelia actual, pero no escucho mucho, preferimos el riff pesado y sucio en 4/4 de los años 70s.’’

Tienen alguna relación con la psicodelia? Como los ha influido musicalmente/artísticamente?

‘’Bueno yo (Agustin) en mi adolescencia tenía mucha aspiración por el rock psicodélico, bandas como la Strawberry Alarm Clock, Lemon Pipers, Grateful Dead, Jefferson Airplane y demás, así que algo de aquellas bandas está un poco en nuestras canciones desde mi lado, de hecho el nombre Girasol viene por un tema de los Grateful Dead que se llama ‘’China Cat Sunflower’’ ’’

Acerca de sus letras de canciones, parece que son cosas fuertes, a veces oscuras. Quieren transmitir algo? Decir algo? De que hablan sus letras?

‘’No tenemos un enfoque hacia donde queremos trasmitir lo que decimos, a veces por ejemplo cuando hay un tema o riff, la melodía y la letra sale, a veces quizás el significado viene después, aunque claro, hay temas que son bastante directos, otros solo frases, yo por ejemplo no soy muy de las metáforas, y viví parte de mi adolescencia transitando soledad, por eso pueden llegar a estar presentes en mis composiciones, luego Lulo (bajista) es más poético, tiene buen recurso para trasmitir en metáforas, yo por el contrario no soy así.’’

Hablando sobre ‘’En vivo en Vintage Bar’’ de 2023, en ese disco tienen temas pesados pero también algunos extensos y complejos, pareciera haber elementos progresivos ahí. ¿Eso cómo nació? ¿De donde salió la inspiración o ganas de hacer cosas complejas?

‘’Bueno, no sé si llamarlo disco, es más como un bootleg, o algo así, fue grabado con dos micrófonos nada más, lo quisimos hacer para decir que teníamos algo en las redes y en circulación, yo (Agustin) soy muy fanatico del sonido baja calidad, por suerte Juan y Lulo estuvieron de acuerdo.

Si! Hay algunos pasajes progresivos y otros no tanto, es porque el bajista viene de ahí, le gusta salirse del 4/4, tenemos otros temas próximos a estrenar que salen un poco de eso, aunque claro, yo (Agustin) soy más clásico de seguir derecho, entonces buscamos meter un poco de esas dos cosas, más que nada para que los 3 estemos contentos jajaja’’

Mas comentarios sobre el disco:

‘’El disco ‘’En vivo en Vintage Bar’’ (escuela/taller de música de la ciudad de Neuquen, que a la noche abre sus puertas para que las bandas puedan tocar) básicamente salió la idea de los bootlegs de los 70s, respectivamente en los audios de calidad ''nacional'', yo siempre decía ''me encantaría poder haber escuchado algo de ‘’Bola de Destrucción’’ (conjunto que Pappo que formó en 1972/3), pero que pasa, no hay registro de estudio, solamente un audio en vivo de baja calidad, entonces ahí se disparó un poco la idea. También yo (Agustin) venia de muchos cambios de formación, entonces cuando encontré a la gente adecuada (que es la que esta hasta el día de hoy) decidí hacerlo porque no sabíamos si íbamos a grabar un disco de estudio, entonces, ante las anteriores situaciones de ir y venir de antiguos miembros, no quería desaprovechar la oportunidad de haber pegado en la tecla con los músicos, así que aproveche la tascam de dos microfnos de mi amigo Maxi Tomazin, Peti y Lulo estuvieron de acuerdo, asi que le dimos para adelante. No le hicimos una gran difusión, pero sí lo editamos en físico de forma propia y casera, lo compartimos lo justo y necesario para que la gente supiera que estamos en circulación, luego pudimos grabar nuestro 1er EP con una mejor calidad de audio, con más detalles, las voces se entienden mejor.

Yo siempre hago esta reflexión, hubieron muchos grupos de música en nuestro país, bandas muy exquisitas que nunca llegaron a grabar nada en un estudio por quizás peleas, o no querían simplemente, bueno, a veces solamente se encuentran singles de dos canciones o registros de audio en vivo de baja calidad, yo no quiero que eso pase con Girasol, porque cuando seamos más grandes vamos a poder decir que algo hicimos, que esta banda existió y pudimos dejar un registro, entonces ante la preocupación de no saber si íbamos a grabar algo de estudio, propuse de grabar este disco con en vivo, algo así como una rareza quizás, un audio de 1 canal sin mezclar ni nada, exportar los archivos y subirlo.’’

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