Dungen - Dungen (2001)

Seguir el rastro de este disco es complejo porque se trata de un sonido muy amplio, pero al fin y al cabo es el elemento psicodélico el que está detrás de todo para unificar cada insinuación musical en una misma cosa. A Dungen parece que le sienta bien lo psicodélico, en muchas presentaciones en vivo, sin contar sus discos, se sumergen en lugares experimentales, utilizando la instrumentación para encaminar su sonido hacia lo exótico. En 2001 publicaron el homónimo ‘’Dungen’’, un trabajo que se transformaría hacia el culto de algunos, y con un sonido que refiere el porqué de ese culto, un sonido difícil de clasificar debido a la gran cantidad de elementos que hay dando vueltas en su sonido, desde rock psicodélico y psicodelia, música progresiva, fusión, folk, música de sesión, y muchos otros elementos.

Además de la gran cantidad de insinuaciones que aparecen en este trabajo, lo sorprendente es que todo se fusiona con una inventiva que unifica cada cosa en función de la música de sesión cuasi improvisada, es allí donde todo ocurre y lo que comienza como algo psicodélico termina pasando por partes de un estilo fusión para terminar con algo pastoral, etc. Hay una despreocupación general en estos músicos a la hora de componer e interpretar, lejos de formalidades y con un espíritu muy amable para hacer arreglos creativos.

Todo el disco tiene ese aire de música graba en vivo en sesiones, esa libertad se encuentra en las interpretaciones cambiantes que mutan si resquemor ni vacilo, yendo hacia donde el grupo quiera, y con la soltura de ser interpretadas por una banda de buena calidad. Evidentemente conocen la música psicodélica/progresiva de antaño ya que esa influencia está marcada a fuego en su estilo, con predilección de música libre de sesión y ejecuciones psicodélicas instrumentales. 

El disco es bastante experimental, especialmente por la primera pista del mismo, la llamada ‘’Stadsvandringar’’, pero en realidad toda la propuesta se maneja por esas tierras amplias propia de músicos que aún no contaban con una gran fama y tal vez estaban sueltos para ir a esos lugares tan particulares como los que transita el disco. Esta propuesta toma mucho de los sonidos antiguos y los revive en un espíritu fresco, cantado con letras en sueco que reafirman aun la honestidad del lanzamiento. 

Seguramente sea el factor psicodélico el que más afecte a las producciones de Dungen, tomando muchos estilos del genero para recrearlos en su música. En la pista ‘’Stadsvandringar’’ tenemos zapadas estilo fusión, o en ‘’Andra sidan sjön’’ nos encontramos con una pista folk psicodélico con sitar, o en ‘’ Och du frågar mig varför...’’ se puede apreciar un auténtico rock psicodélico, con flautas y atascos volátiles.

Ese es el don principal de la banda, lo orgánico de su interpretación proviene de sus habilidades y de su búsqueda de algo transcendente y no superficial. Tal vez esta expresión tan amplia los ubique en un lugar particular con respecto al público, pero la banda parece gozar de su propio estilo ya que sus interpretaciones tienen ese sello tan marcado de algo elaborado con buenas intenciones creativas. Teniendo en cuenta su gusto por lo psicodélico, Dungen es un proyecto destacado de este género en la actualidad.

El disco fue publicado originalmente en vinilo en 2001, bajo el nombre de ‘’Dungen’’, en una cantidad limitada, pero en 2005, luego de que la banda alcanzara la fama, el trabajo fue republicado en cd, como ‘’Dungen 1999-2001’’, ya con modificaciones en la música, pasando de tener originalmente ocho pista, a tener tan solo tres.

En esa nueva versión del disco, del año 2005, la banda reformula la música del trabajo, respetando algunos fragmentos de la versión anterior, pero grabando nuevas partes, ya instrumentales, también dentro de lo psicodélico pero ahora con nuevos pasajes extensos de una música mucho más oscura, ambiental, muy psicodélica, sonidos de ensueño y ambientas mucho más profundos.

La versión del 2005 de este disco tiene otra dinámica que la primera versión, ya que la música se reduce a tres pistas, por lo que la propuesta se ramifica a lo largo de tres tracks de larga duración, mostrando la banda una cara totalmente distinta. Aquí la sesión experimental del disco se acrecienta, y finalmente nos queda el feliz hecho de que hay dos versiones distintas de un mismo disco, y ambas son muy interesantes.

Cod: #1834

My Brother The Wind - Twilight In The Crystal Cabinet (2010)

My Brother the Wind es de esas bandas contemporáneas que se han volcado hacia una psicodelia que se recrea en la actualidad con esa predilección hacia lo espacial y las sesiones instrumentales de rock, siendo esta tal vez la manera favorita que tienen los músicos de psicodelia contemporáneos de entender a la psicodelia universal. Hay incontables bandas y sus correspondientes discos, muchos de ellos muy buenos, que gozan de esta característica, demostrando que la rama espacial está más viva que nunca y que tiene un lugar preponderante en el mundo psicodélico, o por lo menos un lugar preponderante en la manera en que las bandas de rock contemporáneas perciben a este estilo.

Esta forma de psicodelia también se percibe actualmente como exploraciones de rock instrumentales cuasi virtuosas (o virtuosas al fin), con poderíos en guitarra eléctrica, sintetizadores, y bases rítmicas hipnóticas. Con estos elementos se han recreado un sinfín de viajes espaciales por el cosmos, por bandas de muchos lados del mundo, pero con esa preponderancia de bandas europeas que lideran en cantidad los proyectos de este estilo. 

Una vez situados en ese terreno, el sonido resultante consistirá en lo que cada banda pueda/quiera imaginar, dentro del espectro creativo que ofrece la música espacial que es enorme, presentando un espacio por explorar y jugar hacia un sinfín de direcciones. A veces las percusiones se vuelven más rectas o en otros ejemplos tienen hacia la búsqueda de la amplitud de ritmos.

La gran mayoría de las veces la música de rock espacial suele ser pedal, o sea que se para solo sobre una tonalidad para realizar toda la interpretación. Esto puede llegar a recibir el prejuicio de músicos que trabajan más con la armonía que con las espacialidades, tachando a lo espacial como algo inconsistente.

Pero los ejemplos más destacados en el mundo en interpretar este tipo de estilo en el rock consisten en bandas de excelente calidad técnica, pero que a su vez han explorado otro terreno en la música, que es la ejecución de un sonido que se expresa a lo largo de sesiones, desarrollándose en un sentido progresivo en el espectro sonoro, buscando así la progresión en el espacio, junto a otros atributos importante de esta música como lo son la capacidad de manejarse en improvisaciones muy extensas, y la capacidad de manejarse en una concepción música que se recrea en lo progresivo y que no está tan prefijada en lo estructural, los límites de las estructuras se corren más allá.

La música espacial, valga la redundancia, se expresa en un entorno espacial, desarrollándose como un germen que va creciendo y va avanzando, conquistando nuevos espacios para expandirse cada vez más en un fenómeno en el que a su vez se va autodesarrollando y autodescubriendo. No hay manera de prefijar este fenómeno, lo que ocurre allí en su mayoría es el establecimiento de las mínimas características que se van a utilizar, pero lo que ocurra a desde ese momento en adelante lo demarcará lo que la energía propia provea al momento de volcarse en el espacio de la sesión.

‘’Twilight In The Crystal Cabinet’’ fue grabado en vivo por esta banda sueca que recién se estaba conociendo, en una interpretación en vivo, puramente instrumental y basándose especialmente en la improvisación. El resultado es un trabajo rockero liderado por guitarra eléctricas, pero con el atenuante de que no tiene canciones sino solo arremetidas instrumentales, algunas muy extensas, en las que se propone el viaje lo largo del espacio sideral, característica que se refuerza por las características que recobra cada instrumento.

Afortunadamente el disco cuenta con una amplitud enorme en tanto a la variedad de estilos dentro del mismo género, siempre plantado en un sonido feroz, con un enorme poderío, pero transitando por distintos momentos, entre rock espacial más ligero, o momentos de bases más lentas, otras interpretaciones que ocurren dentro de una sucesión de acordes con aire de balada rockera, y otros inventos del grupo.

Salvo un par de pequeñas pistas que aparecen en el trabajo, el resto del sonido parece volverse un pretexto para que el grupo viaje hacia lo sideral, comenzando con algunas partes prefijadas, pero volcándose rápidamente hacia ese lugar tan excitante que es el viaje hacia lo desconocido, con poder y con el carácter cósmico tan presente. Allí habrá un sinfín que momentos internos, intensidades que cambiaran, abundantes solos de guitarra eléctrica, y desarrollos rítmicos en los que la batería vivirá su lugar predilecto.

Cod: #1832

Space Invaders - Invasion On Planet Z (2013)

Esto es como actualmente se podría entender al krautrock, kosmmic music y/o rock espacial. Esta es una escuela de rock cósmico de Europa y el mundo, Space Invaders es el resultado de la unión informal de músicos provenientes de otros proyectos, que eventualmente se unieron a hacer más y más música en este conjunto especializado por demás en músicas espaciales improvisadas. Esta jam band comenzó allá por 2009, en el Festival Burg Herzberg, donde varios músicos se unieron en una jam en el escenario, suceso del que luego saldría este proyecto de improvisaciones: el guitarrista de sesión Mike Häfliger (Spacenote), el bajista Paul Pott (Zone Six), y Dirk Bittner y Dirk Jan Müller (de Electric OrangeE) se reunieron también para algunos eventos. Diversos conciertos en vivo siguieron con invitados como Mani Neumeier y Damo Suzuki. La formación actual se completa con el baterista Dennis Gockel (Weltraum).

El estilo principal del proyecto es la música improvisada en vivo, sesiones de rock espacial improvisadas en, generalmente, larguísimos atascos libres de rock, donde la búsqueda sonora no puede faltar y muchos condimentos como solos de guitarras eléctricas distorsionadas y ritmos hipnóticos siempre están presentes. El primer álbum de esta experiencia cósmica es el llamado ‘’Invasion On Planet Z’’, el cual es el resultado de un alucinante concierto en vivo llevado a cabo en febrero de 2013 que tuvo lugar en Zofingen, Suiza. El trabajo contiene cuatro extensas sesiones que oscilan entre los diecisiete y veinticinco minutos cada una. El disco fue pubicado en 2013 por el sello discográfico Nasoni Records.

Esta música es una experiencia inmersiva en mundos en movimiento, donde el sonido de la banda nunca se detiene, siendo un viaje cósmico estético muy agradable en principio, también muy delirante y mágico a la vez, por último, el movimiento, las guitarras y agregados en sintetizador vuelven a los viajes en auténticos trips hipnóticos.  La psicodelia no puede faltar porque todo esto es un viaje per se, entonces la música se vuelve un elemento perfecto para el trip lisérgico.

Los cuatro tracks parecer tramas espaciales, momentos ejecutados con la libertad de la propuesta de rock sin composición sino ejecutado de manera improvisada, lo que deja el lugar para que cualquier cosa pueda ocurrir, siempre dentro de los lugares por los que se maneja el grupo. Las guitarras aportar y dirigen, entre ritmos y solos fuzz especializados en el espacio. Las tramas se suceden y todo va ocurriendo en un horizonte de sucesos en el que los acontecimientos presentes se van mutando a sí mismos en diferentes estados dentro del viaje lisérgico siempre con motivos cósmicos espaciales. El viaje no se detiene y el disco se compone de cuatro extensos viajes instrumentales de puro goce espacial.

Dentro la exploración, la música suele tener una linealidad repetitiva, monotonal, un lugar de donde la banda se toma para despegar hacia la nada. Esa aparente simpleza armónica es utilizada como un don en todos los momentos, ejecutada por evidentemente maestros del rock improvisado y es enriquecida por una colección de efectos que dotan a los instrumentos de una volatilidad de hipnotismos e instrumentos que se fusionan a sí mismos en distintos estados.

También tienen lugar elementos como los cambios de intensidades, la aparición de otros instrumentos como percusiones, los momentos para los solos individuales o la conjunción de todos los instrumentos, los agregados etéricos en sintetizador, o las redirecciones que cambian el lugar de la sesión y la conducen hacia otros estados y más momentos exploratorios. 

No hay desperdicio en estos sonidos ya que nada se pierde, todo es aprovechado en este mundillo de la improvisación y especialmente en este tipo de viajes cósmicos en los que cada músico puede lucirse no solo con alguna improvisación sino con absolutamente cualquier cosa que pueda aportar sonoramente y que inmediatamente quedara sumergida en el caldo de sonidos creado por el colectivo en movimiento de músicos en acción directa. 

Hay distintos motivos en cada una de las cuatro pistas del disco, siendo cada pista una colección de diversos momentos desparramados en lo interno de cada viaje. No hay nada de más y todo lo que ocurre está plasmado con el rigor de la experiencia de los ejecutantes y con el riesgo de ser grabado en un evento en vivo, evidentemente no ha fallado, sino todo lo contrario, una experiencia psicodélica de mucho goce. La producción incluye cuatro jams extensos, mezclado en el estudio ‘’Fleisch’’, y masterizados por Eroc Grobschnitt en su propio estudio.

La escena krautrock alemana de época no pasó desapercibida desde su origen hasta hoy. Tanta escuela, tanto genio, tanto sonido y búsqueda electrónica hicieron que Alemania se convirtiera un exportador de música espacial por excelencia, tanto por los viejos hitos, como por sucesores intermedios, hasta por bandas puramente contemporáneas que siguen funcionando hasta hoy. En el medio han ocurrido estos experimentos que muchas veces suelen reunir a diversos ejecutantes de estas escuelas, y de distintas generaciones, en una sola misma experiencia.

Cod: #1809

Hansson & Karlsson - Man At The Moon (1969)

Hansson & Karlsson se ubicó en una época prototípica e hizo una música prototípica, difícil de definir, ya que psicodelia estricta no era, tenían jazz pero tampoco era jazz fusión, rock progresivo no pero en su segundo disco se acercan a estructuras progresivas, lo de ellos es solo de ellos, con sonidos tan alucinantes que hasta al mismo Jimi Hendrix le llamó la atención, llegando a tocar con ellos y llegando a adoptar un tema de esta banda sueca para sumarlo a su repertorio de interpretaciones en vivo. Y más aún particular era el sonido del dúo ya que eran exactamente eso, solo un dúo, con todos los riegos y exigencias que eso implica, hammond y batería, por lo que ambos ejecutantes tenían que estar a la altura y ser exactos en lo que hacían para poder completar el sonido desde las únicas dos vertientes posibles.

Los músicos se conocen entre sí allá por 1966, al ser presentados por amigos en común, rápidamente congenian musicalmente y forman este dúo tan particular que consta de un teclado hammond y una batería, uno sonido que se volvería característico, y que es bastante atípico y arriesgado, pese a que ya hubo gente que hizo parecido en el jazz, como Jimi Smith o tantos otros. Rápidamente llamarían la atención por su sonido fusión, bien jazzero y psicodelica, por lo que conseguirían, ya para 1967, un contrato para Polydor, para el lanzamiento de su primer álbum de estudio. Entre 1967 y 1969 lanzarían en total tres álbums de estudio, volviéndose rápidamente populares en su país y en toda Europa.

‘’Man at the Moon’’ fue el tercer y último álbum del grupo. En las venas de este sonido de dúo corren el jazz, el soul, la psicodelia, el rock, pero ningún de estos elementos resalta más que el resto, solo algunos aventureros se animan a llamar a esto como ‘’jazz’’, pero lejos está de serlo, por lo menos en su forma tradicional. Esto es una música experimental embrionaria propia de su época, una época de extasis donde las bandas de rock del momento experimentaban, y muchas de ellas lo hicieron más de la cuenta, alcanzando sonidos inclasificables. 

‘’Man at the Moon’’ es un disco instrumental plagado de piezas con preponderancia absoluta del órgano Hammond, atascos a pura armonía y solos ejecutados en vertiginosa velocidad. El trabajo está también conceptualizado en la supuesta llegada del hombre a la luna, pero lo que se pueden escuchar momentos de sonidos, momentos experimentales alusivos, grabaciones de narraciones de lo que parecen ser astronautas o voces diciendo sus discursos ‘’existencialistas’’ de dios y la creación y la supuesta alucinación del hombre por haber llegado al espacio y más allá.

De alguna manera exploran una formula ya conocida para ellos, el sonido del dúo ya es bien conocido en sus discos anteriores y de esa forma se vuelve limitado al continuar por esa senda de dúo incluso en un tercer disco, las armonías son similares igual que los arreglos y el sonido mismo que obtienen del Hammond, pero a esto lo compensan con una propuesta algo diferente a la de los primeros dos trabajos. En el primer lanzamiento exploran el jazz y la psicodelia en composiciones embrionarias algo estándar. En su segundo trabajo explotan presentando dos enormes piezas de alrededor de veinte minutos cada una. Y ya para esta tercera presentación exploran las posibilidades de las piezas cortas y pasan por algunos momentos sonoros bastante experimentales.

No se trata del mejor disco de la banda pero es igual de disfrutable que sus anteriores trabajos, especialmente para quien disfrute de los sonidos embrionarios, ‘’proto’’, fusión temprano, psicodelia instrumental, fusiones que parten desde el jazz pero que para esa altura de la banda ya se habían convertido en otra cosa, un experimento bastardo de la propia banda que jugaba y experimentaba explotando al máximo las posibilidades de la formación de dúo. Hansson & Karlsson no puede faltar para los que quieras descubrir los sonidos del ‘’progg’’ sueco, y para los amantes de la música experimental y/o psicodélica de la época.

Cod: #1674

Trettioariga Kriget - Trettioariga Kriget (1974)

Trettioariga Kriget proviene de la escena sueca y se ubica entre el rock progresivo de su país, iniciáticos aun cuando estaban en la secundaria, alrededor de 1970. En ese momento tenían alrededor de diecisiete años y todavía estaban en la escuela secundaria. El salón principal de la escuela se utilizó en un principio como sala de ensayo. ¡Esta primera formación de la banda era un sexteto con dos bateristas! Incluía a Stefan Fredin, bajo, voz, Pocke Öhrström, guitarra, voz, Dag Lundquist, batería, Olle Thörnvall, armónica, guitarra, Dag Kronlund, piano y Johan Gullberg, batería. En 1971, Pocke, Johan y Dag K. se fueron y Robert se unió a la voz y la guitarra. 

En 1972, Olle dejó de tocar la armónica para concentrarse en las letras, dejando la banda formada únicamente por Stefan, Dag y Robert. Decidieron que necesitaban un buen guitarrista y comenzaron a audicionar a algunos guitarristas. A través de estas audiciones encontraron a Christer, quien se unió a la banda en el verano de 1972. 

La banda ensayó intensamente durante un año y medio y desarrolló un estilo propio bastante diferente a la tendencia principal del rock sueco durante los años setenta. Los jóvenes músicos maduraros su idea musical hasta que en 1974 consiguen un contrato con una disquera formal y logran lanzar su primer álbum de larga duración, el homónimo ‘’Trettioariga Kriget’’, nombre que significa en sueco ‘’guerra de los treinta años’’. Su primer disco fue lanzado el 1 de agosto de 1974, grabado y mezclado en un equipo Q8 Regular Matrix 4 Channel Stereo en ‘’Europa Film Studios’’, en Estocolmo, Suecia, entre mayo y julio de 1974.

También en ese momento consiguieron una nueva sala de ensayo en Saltsjöbaden. Una antigua discoteca underground a la que llamaban “Grunden”. Allí permanecerían durante mucho tiempo. El talento musical y la originalidad del grupo fueron debidamente reconocidos en las críticas. El álbum fue un clásico instantáneo y, a menudo, se lo considera el primer álbum de rock pesado de Suecia. Comenzaron a realizar giras extensas en Suecia y también realizaron varias presentaciones en vivo en la radio nacional sueca.

La música de este trabajo consiste en atascos pesados de rock que tienden a la complejidad, atascos duros liderados especialmente por una guitarra eléctrica que conduce a la banda a lo largo de pasajes típicos del prog, cambiantes e intrincados donde la banda se pierde y encuentra a sí misma en ebulliciones cuasi virtuosas. El sonido no es para nada sinfónico sino más bien progresivo puro y duro, rock duro plasmado en bases duras y contundentes a más no poder.

Se dice por ahí que la aparición de mellotrones en el disco le da un toque sinfónico e incluso similar a bandas como King Crimson, pero lo cierto es que los mellotrones poca incidencia tienen en el disco más allá de algún pasaje particular donde dominen, más bien cumplen un papel secundario de acompañamiento, casi siempre sonando en el fondo; el rol de esta banda es progresivo donde tanto el bajo como la guitarra cumplen un rol preponderante y marcan el paso de las cuerdas en el dominio del sonido.

El juego y el dialogo entre bajo y guitarras es constante, construyendo estructuras netamente progresivas con diálogos constantes entre riffs, arreglos, fraseos, arpegios, rasgueos y demás recursos que hacen del sonido una experiencia muy agradable debido a la versatilidad que alcanza el grupo, ubicándose entre el dinamismo y el poderío rockero.

El grupo parece no tener límites en su imaginación compositiva, las ideas fluyen y los cambios de tempo y estructuras se vuelven prácticamente constantes, manteniendo al grupo en un limbo de excelencia musical muy alto debido a las ideas alcanzadas en un prog rock duro y de punta. Para los amantes del género prog esto resultará una experiencia esclarecedora que se degustará desde la primera escucha, con cambios en dinamismo y velocidad, alta versatilidad del grupo en piezas muchas veces no tan extensas, conteniendo un mundo prog en cortos periodos de tiempo, ‘’cortos’’ para lo que  es el prog en general que muchas veces es plasmado en piezas muy extensas.

Cod: #1656

Solar Plexus - Solar Plexus (1972)

Este no es el ‘’Solar Plexus’’ de Nucleus, este es el ‘’Solar Plexus’’ de la banda sueca homónima Solar Plexus, un grupo formado por la pareja Carl-Axel y Monica Dominique, que unieron fuerzas en 1969 con Georg Wadenius y Tommy Borgudd de Made In Sweden. Al principio se hacían llamar Bäska Droppar pero en 1971, justo antes de que saliera su primer LP, cambiaron su nombre a Solar Plexus. La razón fue que aumentó la demanda en el extranjero y planearon hacer una versión en inglés del LP para ser lanzado en Inglaterra.

En 1970-72, el grupo estaba formado por Monica Dominique en órgano y voz, Carl-Axel Dominique en piano y viento, Georg "Jojje" Wadenius en guitarra, bajo y voz y Tommy "Slim" Borgudd en batería. Cuando a Wadenius le ofrecieron tocar con el grupo estadounidense Blood Sweat & Tears, fue reemplazado por Tommy Körberg en la voz, guitarra y percusión y Bosse Häggström en el bajo.

El debut del grupo, el homónimo ‘’Solar Plexus’’,  es una interesante travesía por un mundo de la música de jazz fusión con una propuesta muy variada y varios elementos y condimentos que hacen también que no se trate de fusión estricto, con algunas composiciones sofisticadas dentro del género pero también con algunas canciones de corte más convencional, lo que hace al repertorio del disco amplificarse en distintos momentos de distinta manufactura. 

Para los amantes del fusión hay momentos dedicados con sonidos personalizados de acuerdo al estilo de la banda, piezas melancólicas con buenas aplicaciones improvisadas y las bases percusivas provenientes de la tendencia funky de la banda, un encuentro de elementos que enriqueces las piezas y les dotan de un estilo muy propio.

Por otro lado las composiciones, aunque ronda siempre por el estilo fusión, son en general variadas y no se repiten las unas entre las otras, con muchos momentos instrumentales dotados de dinamismo por la aparición del estilo funky, y creadas con buena inventiva por lo que la manufactura de las estructuras es variadas y notablemente compleja. Esa sensación de diverso en el repertorio se incremente ante el hecho de que el trabajo original consistía en un vinilo doble, por lo que hay mucho material por escuchar en el disco. 

Se trata de un fusión fino, estilizado, de gran nivel, compuesto cuidadosamente y por ejecutantes que sabían muy bien lo que hacían. Con acercamiento también al mundo de lo progresivo debido a la puesta muchas veces compleja de las composiciones, que se salen de lo convencional, incluso de lo convencional que puede llegar a ser el jazz fusión más estándar, para volcarse en invenciones propias del grupo.

Aunque tal vez el momento más destacado del disco sea la mismísima pieza ‘’Concerto Grosso for Pop Group and Symphony Orchestra’’, consistiendo exactamente en eso mismo, un jodido concierto, este disco tiene en su interior un concierto para banda de pop y orquesta sinfónica, una experiencia única en su tipo y que, aunque ya otras bandas habían experimentado con sonidos similares, pocas bandas cuentan con una sinfónica en el interior de alguno de sus disco. es una pieza muy sofisticada, con una composición realmente sinfónica, con participación de una orquesta y de la banda que no es necesariamente de ‘’pop’’ como marca el nombre de la pieza sino de jazz rock, fusionándose ambos mundos en una experiencia única en su tipo donde se encuentran el mundo clásico con el mundo del jazz y el funk. Un track que eleva a niveles de exquisitez a un disco que ya de antemano, sin dicha pieza, era de gran nivel. Ese acercamiento a la música clásica es debido a que Monica y Carl-Axel, fundadores del grupo, tenían una formación como compositores y organizadores de música clásica.

Solar Plexus se encuentra entre los mejores grupos de su época en su Suecia natal, elaboran su música con alegría creativa y frescura, fusionando estilo sin resquemor y en un nivel muy alto. Todos sus discos son trabajos de gran nivel, aunque se dice que su primer lanzamiento es el mejor, y es lamentable que no haya reediciones de los mismos. Los éxitos crecieron y el grupo continuó hasta 1976 y para entonces había lanzado 4 LP completos.

Solar Plexus se movió entre los festivales de melodía y prog de los 70, no como en casa en ningún campo, pero musicalmente como en casa en todas partes, llegando a lanzar varios discos. Solar Plexus trabajó en plena vida musical de los años 70, al más alto nivel musical y se movió libremente entre la poesía y la política, los hits y la sinfonía, la música folclórica y el jazz fusión.

Cod: #1638

Hansson & Karlsson - Rex (1968)

Hansson & Karlsson son escuela de psicodelia y música fusión en su Suecia natal, con una primera publicación discográfica que apareció ya en 1967 y donde presentaban un particular sonido que funcionaban como una amalgama entre la psicodelia, el jazz y la música progresiva temprana, toda una revelación y en especial por tratarse de solo dos músicos la banda, Hammond y batería. Estos sonidos llegaría a oídos del gran Jimi Hendrix, el cual los conoció en plena gira europea, la cual lo llevaría a tocar en Suecia, estancia que le daría la oportunidad de conocer al dúo, tocando con ellos en vivo e incluso llegando a adoptar uno de los temas del dúo para su repertorio personal, el mismísimo ‘’Tax Free’’ que era original de Hansson & Karlsson y que muchas veces Hendrix tocó en vivo y que incluso también dejó grabado en estudio y que fue publicado en ediciones póstumas.

Pero para su segundo disco, este dúo sueco subiría la propuesta e iría mucho más lejos. Ellos habían comenzado con un sonido alucinante presentado en una música fusión sin nombre de amalgama entre la psicodelia y el jazz, funcionando dentro de piezas de duración estándar, pero particular por la fusión presentada y por la innovación de ser solo dos músicos. Pero para su segundo trabajo romperían con esto y experimentarían con sonidos mucho más rupturistas aun, lo cual les significaría la indiferencia del público conocedor de la música de esta época, situación que no limitó ni limita creativamente esta segunda producción aparecida en su discografía. En esta oportunidad, su segundo disco llamado ‘’Rex’’, de 1968,  siguen explorando las posibilidades instrumentales posibles obtenidas del dúo de hammond y batería pero esta vez desenvolviendo el sonido en dos muy extensos atascos instrumentales, los cuales en cuanto a duración no eran una novedad pero que en cuanto a la experimentación estructural significaban todo un adelanto para tratarse de un joven 1968, ya que sin duda son sonidos proto progresivos o progresivos tempranos con gran forma para tratase de ese año.

‘’Rex’’ consiste en un disco que originalmente en su edición de época presentaba a cada lado un pequeño track introductorio sumado a una extensa sesión, o sea dos piezas a cada lado. Lo más rico ocurre en esas dos extensas sesiones instrumentales, una de catorce minutos y otra de veintidós, en las que la banda despliega todo su poderío instrumental, su versatilidad creativa, su fuerza y frescura a la hora de improvisar, y toda la dinámica que el dúo había adquirido ya para ese año de tanto tocar juntos, con un nuevo repertorio plasmado en extensas sesiones realmente progresivas que consisten en estructuras que varían continuamente en intensidad, forma y dinámica. Este estilo es propio y único del dúo, recordando a sonidos progresivos similares y también dominados por teclas como lo sería de bandas como Elluffant o SBB, pero con una forma no tan madura en lo progresivo en el caso de Hansson & Karlsson, aunque con gran nivel para tratarse de 1968, realmente unos precursores infravalorados.

‘’I Love, You Love’’ es una de esas extensas sesiones que aparecen en el disco, la más organiza se podría decir ya que está grabada de una sola toma, una pieza muy extensa que recorre con poderío y versatilidad por gran cantidad de partes y estados internos en una avanzada instrumental sorprendente. La segunda de esas extensas piezas sería ‘’Chateau Plaisance’’, esta vez aunque sí consiste también en una extensa sesión, es más que nada un pastiche de varíos fragmentos y sesiones pegadas en una sola, por lo que varias veces en su interior se puede escuchar el traspaso de un fragmento a otro, un experimento interesante.

Un de las grandes hazañas musicales de este dúo era la capacidad que tenía de, siendo solo dos músicos, completar el espacio y funcionar incluso también de manera explosiva, con unos órganos Hammonds que reverberaban y recobraban un brillo propio muy particular y que se volvió un distintivo del grupo, con muchos momentos sonoros que asombran por la explosión e intensidad con la que lograban sonar. Para alcanzar este tope y lograr un sonido tan propio se necesita una versatilidad técnica muy especial para poder completar los espacios y, entre dos, poder dominar el sonido, lo cual por cierto no es algo tan impensado de lograr con un órgano (o teclado), con el cual se pueden ejecutar hasta dos líneas melódicas/armónicas a la vez. Por otro lado también contaban con ese don de haber extraído del hammond un sonido también único y distintivo del grupo, lo cual tampoco es tan fácil de alcanzar pero cuando se logra se pueden alcanzar sonidos de vanguardia para la música progresiva.

La música de Hansson & Karlsson fue siempre muy difícil de definir a ciencia cierta, era una amalgama en la que circulaban nociones de jazz, soul, psicodélica, blues, y ya para su segundo trabajo presentaron sonidos muy complejos en los que tiene lugar un estilo proto progresivo. Toda una mezcla de colores y sabores que convergen en una sola ejecución punzante y convencida de su propio brillo, un convenio experimental que planteó sonidos únicos en la escena de su país y llevó a cabo hazañas sin nombre que fueron la vanguardia en el movimiento psicodelico y ‘’progg’’ sueco. Es música que puede resultar no fácil para muchos, puramente instrumental y con un fuerte contenido de armonías de jazz, nociones de soul, ambientes psicodélicos y peor si a eso se le suma una complejidad embriagante, un combo que no es para cualquiera y que no es muy apreciado en general, pero quien se tome el tiempo de acercarse a estos sonidos no quedará defraudado en absoluto, es que se trata de una banda con un espíritu propio al que manifiesta desde el primer segundo.

Cod: #1585

Bo Hansson - Magician's Hat (1973)

‘’Magician's Hat’’ publicado en 1972, es una excelente continuación discográfica de lo que había sido su primer trabajo conceptual, ‘’Lord Of The Rings’’, de 1970. En esta nueva ocasión Bo Hansson continua explorando las temáticas de una música compleja enriquecida: por sus miradas personales, por acompañantes de lujo, por fusiones y experimentos, y por acercamientos a un sonido art cuasi conceptual que refleja desde sus fibras más íntimas un dejo mágico, una fábula sonora que cuenta una historia de hadas y criaturas fantásticas, y pinta pasajes legendarios de ensueño; es un sonido dotado de una personalidad puramente propia que nace de las invenciones auténticas del autor.

Su estilo es el de una música compleja que pareciera no responder deliberadamente a influencias del mainstream progresivo sino que se adentra a las partes y progresiones desde un ámbito puramente personal, pareciera una música pastoral enriquecida con visiones de complejidad y exploración, con un sabor muy marcado por la música tradicional sueca y/o elementos de música folklórica tradicional que se reflejan en las melodías y las armonías y dotan al sonido de ese sabor tan particular con el que cuenta.

El sonido responde a los estilos de su época pero también responde a texturas de su contexto en el rock sueco, un rock disuelto en sabores exóticos típicos varios, carácter que se incrementa por las inclusiones y arreglos acústicos, la sobriedad de los arreglos en sintetizador, y las estructuras particularmente propias que propone el autor.  

Sus habilidades multi-instrumentales y su amplia gama de ideas de composición son bien evidentes en este álbum, presentando una serie de variadas escenas instrumentales, progresivas, y que parecieran conceptuales debido a ese carácter que funciona como una suerte de estilo inspirado en mitologías y texturas regionales. Ese carácter personal de la música vuelve difícil de determinar al sonido dentro de algún particular sub estilo progresivo, más bien la música responde a sus propias leyes compositivas.

La música expresa distintos sabores y estimular imágenes mágicas: los aromas del bosque, las cabañas, los pastizales, el espíritu pastoral pero expresado en composiciones de un alto grado de complejidad, incluso en las piezas de menor duración, por lo que el sonido se vuelve una aventura de ensueño por algunos rincones y sabores del mundo.

Bo Hansson, fue un mítico músico, multiinstrumentista y compositor sueco de rock que dejó huella en la música psicodélica temprana de su país, para luego dejar algunos trabajos de música progresiva muy interesantes. Sus primeros ruedos en la música tienen lugar a finales de los cincuentas, siendo parte de la banda The Merrymen como guitarrista. Pronto dejaría este grupo cuando, en 1966, vio actuar al organista de jazz estadounidense Jack McDuff en el club Gyllene Cirkeln de Estocolmo, lo que representó una revelación para él, que no solo abandonó la banda sino que decidió comprar su propio órgano Hammond con dinero prestado.

Por intermedio de Bill Öhrström, un colega de su antigua banda, Hansson fue presentado a otros músicos, entre los cuales estaba el baterista Janne Karlsson. Hansson & Karlsson cuajaron inmediatamente, tanto así que formaron una banda en dúo, la mítica Hansson & Karlsson, con la que innovaron en un sonido de ‘’’power duo’’ jazzero, con acercamiento a la psicodelia, grabando varios discos desde finales de los 60s en adelante.

Por su trabajo pionero y el misterio que rodeó el auge y caída de Hansson & Karlsson, Hansson recibió la consideración de leyenda viva entre la comunidad musical independiente de Suecia. En sus últimos años, actuó ocasionalmente con elorganista Eric Malmberg, que ha citado frecuentemente el trabajo de Hansson como una de sus inspiraciones. Finalmente Bo Hansson fue encontrado muerto en la habitación de hotel en la que se alojaba en Estocolmo el 23 de abril de 2010, cuando contaba 67 años de edad.

Cod: #1503

Mecki Mark Men - Mecki Mark Men (1967)

Mecki Mark Men fue una banda pionera en la psicodelia de su Suecia natal, siendo uno de los primeros en incursionar en ese estilo, siendo una de las bandas principales de su país en su época y además siendo la primer banda sueca en hacer gira por los Estados Unidos. Ellos surgieron a mediados de los 60s, siendo la alineación original de 1967 un septeto. Como septeto publicaron un par de singles, y luego de que dos miembros dejaran la banda, ya como quinteto grabarían su primer álbum, ese mismo año de 1967.

Su primer álbum es un artefacto temprano para la psicodelia sueca y funcionando también dentro del ambiente de lo que era el ambiguo subgénero sueco ‘’progg’’. Este disco homónimo está plagado de temas, en su mayoría relativamente cortos, pero muy agradables, un sonido de rock con una considerable volatilidad, enarbolados con seductoras bases rítmicas y elementos de ensueño que sutilmente brotan y salpican con sus deliciosos y cautivantes ambientes.

La inclusión de instrumentos de viento en el sonido trae reminiscencias hacia el sonido de otra de las grandes bandas sueca de la época, Pärson Sound, con líneas de viento oscuras y que rozan con el vanguardismo, aunque Mecki Mark Men no era tan experimental, funcionando dentro del espectro de la influencia extranjera más pop y cancionera, aun también vale aclarar que sus canciones no son meros estándares sino que en general consisten en atascos ligeros liderados por un órgano y plagados de improvisaciones; hay una guitarra presente en la formación pero no tiene tanta injerencia en el sonido general, casi pasa inadvertida, no así el órgano hammond, que se vuelve el principal interlocutor instrumental participando de todas las canciones del disco y teniendo un papel fundamental.

Ellos estaban influenciados por la psicodelia de la época, Hendrix, Vanilla Fudge, Iron Buterfly, etc., y funcionan musicalmente, por lo menos en este comienzo, dentro de ese espectro contracultural, experimental y lisérgico, sus piezas son interesantes canciones, cuyo interés se incrementa por la participación de un par de instrumentos de viento que dejan algunos arreglos de fondo y le dotan al sonido de un carácter particular, además de aparecer algún sitar e instrumentos algo étnicos en algún momento, lo que enriquece la búsqueda sonora.

Esta es una colección de piezas psicodélicas que hacen la delicia con sonidos de la época, con texturas revestidas por un swing decadente y muy seductor, armonías frenéticas y algo delirantes, y tempos variados y también frenéticos. Son contemporáneos a las mejores bandas psicodélicas de su época y hacen culto a ese estilo, rozando con yeites o copias de otros discos, como algunos quejidos y agregados vocales que el cantantes copia del primer disco de Hendrix, lo que le resta algunos puntos al sonido general que es bastante seductor y agradable en sí mismo. 

No pareciera haber un hit en las lista de tracks, y viendo en los créditos que figura la participación de instrumentos como vibráfonos, flautas o sitar, se podría haber esperado un sonido mucho más experimental y desarrollado, pero de todas formas todas las piezas están sumidas en una atmosfera lisérgica, lo que hace de este disco una experiencia muy agradable.

A finales de 1967, la banda se había reducido a un cuarteto. En enero de 1968, Mecki Mark Men junto otra banda sueca, los Baby Grandmothers, fueron teloneros de la Jimi Hendrix Experience. Esta formación de Mecki Mark Men pronto se separó, y algunos miembros fundaron otras bandas suecas. Sería el mismo Claes Bodemark, tecladista y fundador de la banda, el que les pediría a los Baby Grandmothers que se convirtieran en la nueva formación de Mecki Mark Men, consolidándose así una segunda etapa de la banda.

En 1969, lanzaron un segundo álbum llamado "Running in the Summer Night", hicieron apariciones en televisión y fueron parte del elenco sueco del popular musical "Hair". Al año siguiente, hicieron una gira por Estados Unidos y tocaron en festivales de rock encabezados por The Byrds, Sly & The Family Stone y Jethro Tull, entre otros. Sin embargo, la gira terminó en un caos. Habían permanecido allí durante 3 meses, pero sus visas solo eran válidas por 6 semanas; también estaban atrapados en una habitación de hotel que no podían pagar. Así que hicieron un trato con su manager, regresaron a casa y pagaron sus deudas grabando un tercer álbum, "Marathon".

Cod: #1488

George Russell - Vertical Form VI (1981)

Las ideaciones e innovaciones de Russell lo ubican entre lo más excelso del jazz practico, pedagógico y teórico del siglo XX. Sus innovaciones ya desde sus primeros trabajos, su creación teórica del jazz modal, sus posteriores trabajos de jazz vanguardista, además de ser docente en varias partes del mundo y de instruir a músicos de varias generaciones, lo convierten en una figura muy rica para analizar.

Fue una observación hecha por Miles Davis cuando George le preguntó cuál era su meta musical en su vida, él le responde ‘’aprender sobre todos los cambios posibles’’. Russell supuso que lo que quería decir era que quería aprender una nueva forma de relacionarse con los acordes. Con esto comenzó una búsqueda teórica de Russell, la cual desarrolla desde el hospital, aprovechando el tiempo tras volver a ser hospitalizado, esta vez por un periodo de 16 meses. 

Allí es cuando desarrolla el ‘Concepto Lidio Cromático’, en el cual postula que toda la música se basa en la gravedad tonal del modo lidio. A esta teoría la publica en su libro ‘Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization’, de 1953, aquí explica que la función dominante era la fuerza impulsora detrás de todo movimiento armónico, y expone prototipos iniciales de escalas cromáticas basadas en el modo lidio, saltándose el intervalo entre los tonos séptimo y octavo, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales", entre otros conceptos que desarrolla.

Russell desarrolló toda su formación en los Estados Unidos, pero a medidados de la década de los 60s viajó a Escandinavia a realizar una serie de conciertos y por esas cosas de la vida se quedó a vivir allí algunos años, fue en esa época en la que realizó varios de sus trabajos más experimentales y vanguardistas. Esta época marcó el comienzo de su etapa ‘‘moderna’’ y ultima en su carrera, plaga de trabajo muy experimentales.

En 1977 graba su ‘’Vertical Form VI’’, grabado en Estrad, Sodertalje, Suecia, el 10 de Marzo de 1977. Solo un visionario creativo como George Russell podría dar vida a semejante obra, es que este sonido no se parece a nada que se conozca, como la mayoría de las invenciones de Russell. Estas visiones surgen de concepciones teóricas propias, las cuales derivan en enormes y ambiciosas obras como las que supo crear y publicar el autor. ‘’Vertical Form VI’’ no sería la excepción, tratándose de un trabajo vanguardista de jazz orquestal, impulsado por la Swedish Radio Orchestra, que demuestra, una vez más, que Russel era un compositor de temer.

En este sonido nada está librado al azar, todo, hasta el último detalle, está perfectamente planeado y ejecutado según las notas del autor, en una serie de composiciones para big band complejas pero completamente accesibles para, por ejemplo, la audiencia de jazz fusión, es que este sonido remite a ese género, tratándose de un jazz complejo, ligero y sofisticado, con secciones intrépidas y rápidas y grandes armonías y arreglos.

Sobre bases rítmicas agiles, estilo funky, Russell retrata una serie de texturas orquestales desarrollando sus nociones de contrapunto, conceptos  de escalas lidias cromáticas de organización tonal y forma vertical (sus propias teorías musicales), es decir, se trata de capas y capas apareciendo y sobreponiéndose unas sobre otras, creando de esta manera una forma compleja y orquestal. Todo el trabajo gira en torno a estas nociones, una muestra perfecta de esto es la pieza ‘’Event III’’, con un sonido totalmente atípico esta pequeña pieza experimental juega con los tempos y los arreglos de manera nunca escuchada.

La riqueza de la textura es casi palpable, Russell diseño cada pieza para ser un recinto vivo de diversos y florecientes arreglos que brotan en capas y se acomodan los unos con los otros en peizas con trazas, de fusión, rock y funk. El ‘’Event IV’’ es u ejemplo de la aparición del funk, con una base típica del estilo, potente y pegadiza, aunque se diferencia del estilo convencional por la enorme cantidad y calidad de arreglos orquestales que desfilan sobre dicha base, un sonido letal que se encuentra entre la vanguardia pura. 

Cod: #1423

George Russell - Listen To The Silence (1973)

George Allen Russell fue un pianista, compositor, arreglista y teórico estadounidense del jazz. Es considerado uno de los primeros músicos de jazz en contribuir a la teoría musical general con una teoría de la armonía basada en el jazz en lugar de la música europea, en su libro Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (1953).

Russell desarrolló toda su formación en los Estados Unidos, pero a medidados de la década de los 60s viajó a Escandinavia a realizar una serie de conciertos y por esas cosas de la vida se quedó a vivir allí algunos años, fue en esa época en la que realizó varios de sus trabajos más experimentales y vanguardistas.

Varias publicaciones de vanguardia quedarían de esta etapa, la primera de ellas sería ’’Othello Ballet Suite & Electronic Organ Sonata No. 1’’, la primera obra sinfónica de carácter experimental publicada por Russell, compuesta originalmente para musicalizar un ballet basado en ‘Othello’, la tragedia escrita por William Shakespeare. Su segunda publicación en esta etapa sería ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’, una obra que tal vez se trate de una de las mayores y más arriesgadas y ambiciosas incursiones en tierras de jazz modal, uno de los mayores elementos y experimentos que el jazz modal haya podido dejar jamás; realizado por el creador teórico mismo del jazz modal (Russell).

Otro de sus trabajo de ese periodo fue ‘’Listen to the Silence’’, un álbum en vivo originalmente grabado en 1971 y lanzado en el sello Concept en 1973, con una actuación de Russell junto a una gran serie de músicos entre los que resaltan Stanton Davis, Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen y Jon Christensen con coro vocal.

Esta obra es otro de los grandes trabajos vanguardistas de Russell en los que el compositor expone sus ideas experimentales e innovadoras, en el caso de ‘’Listen to the Silence’’ no encontramos con una masa para orquesta y coro, una composición en la que resaltan especialmente los arreglos corales ya que estos son los que ocupan especialmente la mayor parte del sonido, solo voces, sin instrumentación. Los instrumentos tienen lugar en algunos pasajes pero no tienen un lugar tan preponderante como lo tiene la voz en la obra.

Se trata de una obra compuesta especialmente para coro, se trajo un coro clásico del conservatorio de música de Oslo, aunque eso no era suficiente para toda la controversia, por lo que Russell agregó casi 10 cantantes más. Estas voces proclaman extractos de ‘’Bury My Heart at Wounded Knee’’ de Dee Brown, así como extractos de textos de Rainer Maria Rilke, también tratan temas políticos desafortunados para la época como la guerra de Vietnam y el genocidio cometidos contra los nativos estadounidenses. 

Es un sonido intenso, extraño, controversial, con una extraña espacialidad por el entrecruce que se genera entre los arreglos corales y los rápidos arreglos instrumentales que por momentos surgen y devienen rápidamente. Están puestos en juego los conceptos que Russell habi desarrollado de ‘’forma vertical’’, que se muestran como arreglos progresivos rápidos sobre bases percusivas dinámicas. La obra es extensa, muy fina y delicada, diversos arreglos corales de los tantos cantantes que había en escena que parecen repetir un leitmotiv melódico que repiten en todas las piezas.

Esta etapa tan experimental en su carrera, en los países nórdicos, marcaría además el comienzo de un último periodo en su carrera, el periodo moderno, caracterizado por la vanguardia y la experimentación, publicando trabajos como ‘Listen To The Silence’ de 1973, regrabando ‘Electronic Sonata For Souls Loved By Nature ‘ en 1980. Además de ‘Trip To Prillarguri‘ de 1982, ‘Live In An American Time Spiral’ de 1983, ‘The African Game’ de 1985, y el que tal vez sea el punto más álgido de su desarrollo teórico, el alucinante ‘Vertical Form VI’, publicado en 1981. Entre tantos otros discos publicados.

Cod: #1386

International Harvester - Sov Gott Rose-Marie (1968)

A finales de los 60s Suecia estaba viviendo una transformación musical notable, empezando a surgir cada vez más el jazz en los clubes locales, sumado a una oleada de experimentación que estaban implementando e innovando varios grupos en el momento. A esto también se le sumaria la influencia de la psicodelia norteamericana e inglesa, además de otros acontecimientos políticos que marcarían al país. 

En medio de esta situación tendrían lugar los orígenes de ‘’International Harvester’’, en medio de la convulsión política, la militancia, la experimentación libre, la búsqueda de una identidad propia, un propio sonido que deliberadamente partiría desde el rock, pero haciéndolo desde bases que nacían desde influencias varias, una exploración sobre terrenos musicalmente desconocidos.

Los orígenes del grupo tienen lugar en Estocolmo, a mediados de los 60s, con un grupo de jóvenes músicos y artistas, estudiantes en el ‘’Royal Academy of Music’’, que se instruían musicalmente mientras desarrollaban y escribían sus propios conceptos musicales experimentales, entre ellos se encontraba el compositor y músico Bo Anders Persson, el por entonces futuro fundador de ‘’Parsson Sound’’, el primer nombre que tuvo la banda.

Ellos comenzaron a desarrollar nociones y conceptos musicales que saldrían del estándar ofrecido en las academias, interesados por el free jazz, la libre experimentación, el rock, la floreciente influencia psicodélica, además de sumar otros elementos del folk sueco. Y en ese momento ocurrió algo que los marcaria, y esto sería la visita, a Estocolmo, del músico Terry Riley, un compositor innovador norteamericana, que arribaba a la escena sueca con visiones similares a las que estaban desarrollando en la escena del país. Riley acababa de lanzar un visionario trabajo minimalista llamado ‘’In C’’, y viajaba a Estocolmo a presentarlo en una presentación en vivo, por lo que pidió a la academia, que antes de su llegada  se creara un grupo, una banda de músicos, con los cuales poder interpretar sus nuevos sonidos.

Se forma un grupo de jóvenes entusiastas, entre los que se encontraba Bo Persson, además de sumarse Torbjörn Abelli en bajo, Arne Ericsson en piano y chello, y el poeta, periodista radial y saxofonista Thomas Tidholm. También se sumaría el baterista Thomas Mera Gartz, futuro miembro de otra floreciente banda sueca psicodélica, ‘’Mecki Mark Men’’.

Este ensamble acompañaría a Terry Riley en la presentación de sus nuevos trabajos, y esto tendría un impacto e influencia directa sobre estos jóvenes músicos suecos,  a tal punto que el grupo seguiría junto y seria la base fundamental desde donde nacería la banda, primeramente bajo el nombre de ‘’Parson Sound’’. A ellos se les sumarian, más tarde, Thomas Tidholm en saxo y voz, Jakob Sjöholm en guitarra y voz, y Urban Yman en violin, quedando así completa la primera formación de la banda. Y para 1967 ya comenzarían a presentarse en vivo, en cafés, clubes y festivales de la zona. En realidad, bajo el nombre de ‘’Parson Sound’’ no alcanzaron a lanzar ningún trabajo oficial, solo dejaron varias grabaciones primarias, realizadas entre 1966 y 1968, la cuales fueron, años más tarde, relanzadas en un cd compilatorio.

Pronto de esos sucesos cambiarían su nombre al de ‘’International Harvester’’, sin cambiar jamás el rumbo vanguardista de su música pero sí este cambio de nombre traería aparejado un cambio de estilo y de visiones musicales. Las grabaciones dejadas bajo el nombre de ‘’Parson Sound’’ son grabaciones pesadas, de extensos atascos, sonidos pesados, extensos, oscuros, como un rock oscuramente psicodélico presentado en largas improvisaciones.

Sin embargo con el cambio hacia ‘’International Harvester’’ cambiarían también el rumbo de sus composiciones, siempre experimentales y osadas pero esta vez el sonido se acortaría, el espíritu se volvería sutilmente minimalista y las composiciones tomarían otros rumbos, saliéndose del sonido pesado y bruto y encaminándose hacia un sonido que pareciera más primitivo y elemental, basado en ideas simples, concretas, expresiones pequeñas y cortas con tracks que no superan en su mayoría el par de minutos cada una.

Este cambio de visión se vio reflejado en su disco de 1968 ‘’Sov gott Rose-Marie’’, en el que pareciera sumarse al sonido reminiscencias folklórica suecas nacionalistas. El empuje hacia un sonido nacionalista llegó con la pseudo-distópica mentalidad que prevalecía en la Suecia de los años 1960, algo que se puso en grave contraste con la 'paz y amor' del idealismo hippie. A mediados de los años 60, grandes partes del centro de la ciudad de Estocolmo, el sitio de muchas casas y hogares, fueron demolidas para allanar el camino hacia la nueva ola arquitectónica del futuro: rascacielos imponentes, "vidrio y hormigón". El álbum, con su reveladora pista de apertura de Dies Irae interpretado con cuernos, tiene como objetivo reflejar la pérdida de la naturaleza en nombre del avance humano. 

Otra canción, "The Runcorn Report on Western Progress", fue escrita por el líder del grupo, Bo Persson, y refleja una visita a Runcorn (un suburbio de Liverpool), en el verano de 1951: no había llovido durante tres meses, y la contaminación había vuelto el cielo amarillo, borrando el sol. Para seguir este tema, el grupo cambió su nombre de Pärson Sound a "International Harvester", tomado de la compañía estadounidense que fabricaba máquinas agrícolas. Citando al periodista independiente sueco Magnus Haglund: "Significaba muerte. Muerte para la cultura occidental . Muerte para todo tipo de fronteras". 

La banda sufriría más cambios de nombre, y cada una de estas encarnaciones implicaría un cambio en su sonoridad. En 1969 acortaron el nombre a "Harvester", nombre bajo el cual lanzaron el album ‘’HEMAT’’. Más tarde, en el verano de 1969, la banda sufre un cambio de formación y vuelve a cambiar su nombre, en este caso al de ‘’Trad, Foie y Stenar’’, nombre que quedaría casi definitivamente, y bajo el cual lanzarían la mayor parte de sus trabajos. 

Con todos estos cambios, sin duda la banda también fue experimentando una mutación y evolución en su música y su búsqueda sonora, estilizando sus sonidos, siempre dentro de caminos experimentales. El grupo, con sus distintos cambios de formaciones, nombres y sonidos, sin duda ha dejado una huella en el rock sueco, siendo parte de las bandas pioneras que, en su época, dieron pie al nacimiento de la psicodelia y el progresivo sueco.

Cod: #1373

George Russell - Electronic Sonata For Souls Loved By Nature (1969)

Referirse acerca de George Russell implica siempre realizar una revisión minuciosa, ya que se trata de un personaje muy prolífico que ha dejado enorme influencia en el jazz del siglo XX. Sus innovaciones ya desde sus primeros trabajos, su creación teórica del jazz modal, sus posteriores trabajos de jazz vanguardista, además de ser docente en varias partes del mundo y de instruir a músicos de varias generaciones, lo convierten en una figura muy rica para analizar. 

Este músico, pianista, compositor, director y profesor de jazz, nació en Cincinnati, Estados Unidos, en 1923, inmiscuyéndose ya desde temprana edad con la música. El comienzo de su carrera es algo accidentado, mientras estudiaba con una beca para la Universidad Wilberforce es diagnosticado de tuberculosis, a los 18 años de edad, y hospitalizado por seis meses, luego sufriría de otra hospitalización de 16 meses. Este tiempo le provee una muy valiosa enseñanza, y desde allí, aprovechando el tiempo, desarrolla el ‘Concepto Lidio Cromático’, en el cual postula que toda la música se basa en la gravedad tonal del modo lidio. A esta teoría la publica en su libro ‘Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization’, de 1953, esto fundamenta nuevas bases para una nueva forma de jazz, el jazz modal.

A lo largo de la década de 1950 y 60, Russell continuó trabajando en el desarrollo del concepto, especialmente desde sus incansables lanzamientos como solista o también dirigiendo big bands. A mediados de los años cincuenta, junto a un magnífico sexteto bajo su dirección, incluyendo a Bill Evans y Art Farmer, publica ‘The Jazz Workshop’, su primera publicación oficial. Esta publicación daría fin a sus trabajos fuera de la music,, ya que hasta entonces se mantenía con trabajos ocasionales en jugueterías. A partir de 1960, Russell comenzó a dirigir sus propios sextetos, sobre todo en el área de Nueva York. Uno de los discos importantes de este tiempo fue "Ezz-tico", que contó con Eric Dolphy, Don Ellis y Steve Swallow.

Desilusionado por su falta de reconocimiento y por las escasas oportunidades de trabajo en Norteamérica, se dirige rumbo a Europa en 1964, haciendo una gira con su sexteto. Aprovecha esta oportunidad para quedarse a vivir cinco años en Escandinavia. En ese tiempo continuó con su desarrollo musical personal, dando conciertos, dando clases, trabajando con productoras de tv y radio, dando rodaje a jóvenes músicos nórdicos de posterior fama mundial (en parte, gracias a la influencia e impulso que les provee Russell), como el guitarrista Terje Rypdal , el saxofonista Jan Garbarek y el batería Jon Christensen. Este período escandinavo también le proporcionó el tiempo y la oportunidad de escribir y experimentar en composición. Estos años que permanece en Escandinavia, especialmente en Noruega y Suecia, marcan un periodo muy particular de su carrera, caracterizado por extraños trabajos, experimentación orquestal, desarrollo de nuevas ideas y teorías, experimentación electrónica, acercamiento al jazz rock, etc.

Varias publicaciones de vanguardia quedarían de esta etapa, la primera de ellas sería ’’Othello Ballet Suite & Electronic Organ Sonata No. 1’’, la primera obra sinfónica de carácter experimental publicada por Russell, compuesta originalmente para musicalizar un ballet basado en ‘Othello’, la tragedia escrita por William Shakespeare. Su segunda publicación en esta etapa sería ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’, una obra que tal vez se trate de una de las mayores y más arriesgadas y ambiciosas incursiones en tierras de jazz modal, uno de los mayores elementos y experimentos que el jazz modal haya podido dejar jamás; realizado por el creador teórico mismo del jazz modal (Russell). Esta obra, por cierto netamente vanguardista y experimental, se adentra en terrenos muy particulares y exóticos, se trata en sí de una extensa incursión de jazz modal, una pieza monstruosa que ocupaba, en aquel entonces, todo un disco de vinilo completo, dividida en dos partes, una a cada lado del LP, durando alrededor de media hora cada parte. 

Musicalmente la pieza recorre varios estados, a lo largo de todo el despliegue que pretende realizar desde un comienzo, y que logra a la perfección. La estructura no tiene un corte, a no ser por el inevitable hecho de que la parte primera termina para dar pie, luego, al comienzo de la segunda parte, pero aun así todo continúa desenvolviéndose de la misma manera, un constante avance por tierras vanguardista, que se van mutando, progresando, correspondiendo continuamente. Cada sección está perfectamente cuidada, muy bien producida, pensada minuciosamente para que cada parte se corresponda de manera fluida y continua.

La obra comienza con algo de jazz modal orquestal, lo que se va entreverando con elementos y efectos electrónicos, los cuales luego tendrán el protagonismo al tomar total lugar del sonido, para luego volver a surgir el jazz de entre los efectos. Este circuito se repite constantemente, el sonido va mutando interminablemente, intercalando distintos pasajes, transitando continuamente por distintos elementos, por los que se distinguen el jazz modal orquestal, agregados de efectos electrónicos, algo de free jazz, experimentación sonora, solos de saxo y agregados con guitarra eléctrica.

Hacia el final de la primera pieza aparecen algunos sonidos estilo étnicos africanos, los cuales se extienden incluso hasta la segunda cara del disco. La segunda parte de la obra comienza con cantos tribales africanos mesclados con algo de percusión y flautas, y aquí recomienza el circuito: estos se fusionan con algo de electrónica, la cual luego acapara todo el sonido, y de la que luego surge algo de jazz, esta vez tirando hacia un estilo de jazz fusión, siempre orquestal, con algunos solos de saxos y agregados en guitarra eléctrica. La electrónica cumple un rol fundamental en el sonido, los interminables efectos y agregados de grabaciones y tapes electrónicos surgen constantemente y se encargan de aunar bajo una misma aura vanguardista a cada composición orquestal que vaya surgiendo.

La obra fue grabada en vivo en concierto en el Sonja Henie/Niels Onstad Center For The Arts, el 28 de Abril de 1969, en Hovikoddem, cerca de Oslo, Noruega. Los encargados de ejecutar la música fueron un sexteto integrado por George Russell el piano, el trompetista Manfred Schoof, el saxofonista tenor Jan Garbarek , el guitarrista Terje Rypdal , el bajista Red Mitchell y el baterista John Christensen, sumados a una orquesta sinfónica, que no se aclara bien de cual sea pero muy probablemente se trate de la Swedish Radio Symphony Orchestra, ya que esta orquesta acompaño a Russell en otras grabaciones por aquellos años. Las grabaciones electrónicas fueron compuestas y grabadas en los Electronic Music Studios (EMS) de la Swedish Radio, en Stockholm. Las grabaciones de voces africanas fueron grabadas por Cal Floyd en 1967, en las cercanías del Nilo en el norte de Uganda.

En ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ nos encontramos con un trabajo vanguardista de jazz modal orquestal, con un gran mérito por parte de Russell por haber publicado semejante obra en 1969; y si retrocedemos un par de años, nos ubicamos en el surgimiento original de este trabajo, la primera versión de esta obra fue grabada entre 1966 y 1967, pero esta primera versión no sería publicada sino hasta 1971, en el mercado escandinavo, bajo el nombre de ‘’The Essence Of George Russell’’. Un gran mérito y la necesidad de un mayor reconocimiento histórico recaen sobre Russell, teniendo en cuenta por ejemplo que el tan recordado ‘’Bitches Brew’’ de Miles Davis no sería publicado recién hasta 1970.

En la contraportada del vinilo Russell dejó unas palabras que nos sirven para ilustrar aún mejor qué intensiones tuvo en el desarrollo del trabajo: ‘’Los conceptos esenciales que inspiraron la creación de la Electronic Sonata For Souls Loved By Nature se ubican en áreas filosóficas y socio/culturales. El objetivo socio/musical era el de crear una grabación electrónica ''pan-estilística''; un tape compuesto por fragmentos de diferentes estilos de música, jazz vanguardista, ragas, blues, rock, música serial, etc., tratados electrónicamente. Y contar con esta grabación como una paleta sobre la cual se podrían proyectar declaraciones musicales no electrónicas de carácter pan-estilístico. El encuentro de lo ‘’no-electrónico y pan-estilistico’’ con lo ‘’electrónico pan-estilístico’’ fue realizado para reflejar musicalmente la implosión cultural desarrollada a lo largo del poblamiento de la tierra. La obra también sugiere que el hombre, en su encuentro con la creciente tecnología, debe afrontarla e intentar humanizarla, usándola para enriquecerse colectiva e interiormente, no solo para explorar el espacio exterior.’’

Esta etapa tan experimental en su carrera, en los países nórdicos, marcaría además el comienzo de un último periodo en su carrera, el periodo moderno, caracterizado por la vanguardia y la experimentación, publicando trabajos como ‘Listen To The Silence’ de 1973, regrabando ‘Electronic Sonata For Souls Loved By Nature ‘ en 1980. Además de ‘Trip To Prillarguri‘ de 1982, ‘Live In An American Time Spiral’ de 1983, ‘The African Game’ de 1985, y el que tal vez sea el punto más álgido de su desarrollo teórico, el alucinante ‘Vertical Form VI’, publicado en 1981. Entre tantos otros discos publicados.

Cod: #1285

George Russell - Othello Ballet Suite / Electronic Organ Sonata No. 1 (1968)

Podríamos ubicar a George Russell entre las figuras de jazz más álgidas del siglo XX, sus composiciones y desarrollos han dejado gran influencia sobre el jazz moderno, inspirando a muchos de los más conocidos músicos del ámbito, y siendo uno de los pocos teoristas del género. Nace en Cincinnati, en 1923, y ya desde chico empieza a tocar la batería, actividad con la que se adentraría en el ambiente. Recibió una beca para la Universidad Wilberforce, pero su más valiosa educación musical se produjo en 1941, cuando, en el intento de ingresar a la marina, es diagnosticado con tuberculosis. Tras su internación pasa 6 meses en el hospital, donde un compañero paciente le enseñó los fundamentos de la armonía. Desde el hospital vendió su primera obra, "Nuevo Mundo", a Benny Carter. 

Se trasladó a Nueva York, donde formó parte de un grupo de músicos que se reunían en el apartamento en el sótano de Gil Evans. El círculo incluía a Miles Davis, Gerry Mulligan, Max Roach, Johnny Carisi y, en ocasiones, Charlie Parker. Él fue el encargado de escribir una pieza para orquesta de Dizzy Gillespie; el resultado fue el seminal "Cubano Be / Cubano Bop" la primera fusión de ritmos afrocubanos con el jazz, estrenada en el Carnegie Hall en 1947. Dos años más tarde su "Pájaro en el patio de Igor" fue grabado por Buddy DeFranco, una pieza destaca por su fusión de elementos de Charlie Parker y Stravinsky.

Fue una observación hecha por Miles Davis cuando George le preguntó cuál era su meta musical en su vida, él le responde ‘’aprender sobre todos los cambios posibles’’. Russell supuso que lo que quería decir era que quería aprender una nueva forma de relacionarse con los acordes. Con esto comenzó una búsqueda teórica de Russell, la cual desarrolla desde el hospital, aprovechando el tiempo tras volver a ser hospitalizado, esta vez por un periodo de 16 meses. Allí es cuando desarrolla el ‘Concepto Lidio Cromático’, en el cual postula que toda la música se basa en la gravedad tonal del modo lidio. A esta teoría la publica en su libro ‘Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization’, de 1953, aquí explica que la función dominante era la fuerza impulsora detrás de todo movimiento armónico, y expone prototipos iniciales de escalas cromáticas basadas en el modo lidio, saltándose el intervalo entre los tonos séptimo y octavo, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales", entre otros conceptos que desarrolla.

Esta teoría de Russell ha tenido un amplio alcance e influencia dentro del ámbito, dando el surgimiento teórico para el jazz modal. Miles Davis fue uno de los mayores influenciados por estas teorías, decidiendo implementar sus primeras composiciones modales en "Milestones", incluida en el álbum del mismo nombre editado en 1958. Las siguientes llegaron en las sesiones de su producción de Jazz Track/1958 Miles. Satisfecho con los resultados obtenidos, Davis preparó un álbum completo basado en esta modalidad, ‘Kind Of Blue’.

A lo largo de la década de 1950 y 60, Russell continuó trabajando en el desarrollo del concepto, especialmente desde sus incansables lanzamientos como solista o también dirigiendo big bands. A mediados de los años cincuenta, junto a un magnífico sexteto bajo su dirección, incluyendo a Bill Evans y Art Farmer, publica ‘The Jazz Workshop’, su primera publicación oficial. Esta publicación daría fin a sus trabajos fuera de la music,, ya que hasta entonces se mantenía con trabajos ocasionales en jugueterías. A partir de 1960, Russell comenzó a dirigir sus propios sextetos, sobre todo en el área de Nueva York. Uno de los discos importantes de este tiempo fue "Ezz-tico", que contó con Eric Dolphy, Don Ellis y Steve Swallow.

Desilusionado por su falta de reconocimiento y por las escasas oportunidades de trabajo en Norteamérica, se dirige rumbo a Europa en 1964, haciendo una gira con su sexteto. Aprovecha esta oportunidad para quedarse a vivir cinco años en Escandinavia. En ese tiempo continuó con su desarrollo musical personal, dando conciertos, dando clases, trabajando con productoras de tv y radio, dando rodaje a jóvenes músicos nórdicos de posterior fama mundial (en parte, gracias a la influencia e impulso que les provee Russell), como el guitarrista Terje Rypdal , el saxofonista Jan Garbarek y el batería Jon Christensen. Este período escandinavo también le proporcionó el tiempo y la oportunidad de escribir y experimentar en composición, pudiendo continuar el desarrollo de sus ideas compositivas de ‘’forma vertial’, a lo cual él definía como "capas o estratos de modos divergentes de comportamiento rítmico". Estos años que permanece en Escandinavia, especialmente en Noruega y Suecia, marcan un periodo muy particular de su carrera, caracterizado por extraños trabajos, experimentación orquestal, desarrollo de nuevas ideas y teorías, experimentación electrónica, acercamiento al jazz rock, etc.

Varias publicaciones de vanguardia quedarían de esta etapa, la primera de ellas sería ’’Othello Ballet Suite & Electronic Organ Sonata No. 1’’, la primera obra sinfónica de carácter experimental publicada por Russell, compuesta originalmente para musicalizar un ballet basado en ‘Othello’, la tragedia escrita por William Shakespeare. En ‘Othello Ballet Suite’ Russell rompe con cierta formalidad, incluso con las formalidades que el mismísimo Third Stream mantenía, que ya en sí era un estilo que buscaba romper e innovar. Se adentra en terrenos de vanguardia y de experimentación orquestal y teórica, haciendo un especie de third stream extraño, cortado, jazz sinfónico experimental. Algo muy arriesgado para su estilo, tomando riesgos compositivos y abriéndose a las influencias de la época (finales de los 60s), que poco tienen que ver con sus orígenes en el jazz, a los cuales venia cultivando de forma magistral ya desde el comienzo de su carrera profesional, por alrededor de los años 50s.

Antes ya había tenido antecedentes, siendo uno de los impulsores del ‘Third Stream’, con su ‘Modern Jazz Concert’, publicado junto a Gunther Schuller en 1957, o su más popular ‘New York, N.Y.’, una big band de jazz contemporáneo que publica en 1959. Sin embargo en esta ocasión corta con algunas de sus ideas más punzantes, presentando un sonido con un carácter de cierto ‘primitivismo’ si se lo puede decir así, ya que el concepto orquestal que manifiesta se basa en el hecho de combinar pequeños fragmentos que van constituyendo los pasajes, separados estos por silencios, e incluso estos fragmentos pueden llegar a ser cortos; como si aplicara una orquestación algo prototípica. Esta idea es llamativa, ya que en trabajos orquestales anteriores manifiesta ideas mucho más sofisticadas y elaboradas, con composiciones sinfónicas abiertas que mutan muy fácilmente dentro de ámbitos complejos donde el clásico está presente, sin embargo aquí esa idea se rompe.

El trabajo también tiene un carácter de ‘atemporal’, es su primer gran esfuerzo en el desarrollo de sus ideas de ‘forma vertical’, resumiendo todas sus experiencias previas (antiguas) dentro del jazz modal y el post bop, pero a la vez presentando un sonido de jazz futurista, con nuevas ideas orquestales, mucho más punzantes y agudas, caracterizadas por una orquestación vanguardista y un orden caótico e incomprensible. Por supuesto esto no representa problema para la complejidad, ya que estamos hablando de una pieza dividida en dos partes, que rondan entre los 11 y 17 minutos cada una, las cuales transitan por un sinfín de distintos pasajes.

En esta pieza participarían algunos de los mejores músicos escandinavos de jazz de la época, entre ellos el saxofonista Jan Garbarek, el grupo se completó con Bernt Rosengren en saxo tenor, Rolf Eriksson en trompeta, Arne Domnerus en saxo alto, y Jon Christensen en bateria. Sumados, por supuesto, a la 'Swedish Radio Symphony Orchestra'. Es a Jan Garbarek, y al guitarrista Terje Rypdal, otro músico escandinavo, a quienes produciría, un año más tarde, impulsándolos, en el disco ‘The Esoteric Circle’, en 1971.

Como gran cierre para un trabajo prodigioso aparece la ‘Electronic Organ Sonata No. 1’, una pieza electrónica experimental grabada con el gran órgano de la iglesia Grorud , en Oslo. Aquí Russell experimental con algo de electrónica, presentando una pieza oscura y tétrica de electrónica experimental, hasta podría decide ‘psicodelica’. Una pieza improvisada en el momento, que transita por amplios ambientes atmosféricos, muy oscuros, por una amplia gama de sonidos y aplicaciones sonoras incomprensibles. 

La pieza ‘Othello Ballet Suite’ fue grabada el 3 y 4 de noviembre de 1967, en los estudios de ‘Radio Suecia’, en Estocolmo, y el material. El material para la ‘Electronic Organ Sonata No. 1’ fue grabado el 1 de octubre de, 1968, con el gran órgano de la iglesia Grorud , en Oslo . El trabajo técnico y el montaje final para esta pieza se realizaron de vuelta en los estudios de música electrónica de Radio Suecia. 

De esta etapa en los países nórdicos surgirían algunos trabajos más, de igual calibre experimental, en los cuales seguiría desarrollando ideas: ‘Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’ de 1969, y ‘The Essence Of George Russell’ de 1971. Esto marcaría además el comienzo de un último periodo en su carrera, el periodo moderno, caracterizado por la vanguardia y la experimentación, publicando trabajos como ‘Listen To The Silence’ de 1973, regrabando ‘Electronic Sonata For Souls Loved By Nature ‘ en 1980. Además de ‘Trip To Prillarguri‘ de 1982, ‘Live In An American Time Spiral’ de 1983, ‘The African Game’ de 1985, y el que tal vez sea el punto más álgido de su desarrollo teórico, el alucinante ‘Vertical Form VI’, publicado en 1981. Entre tantos otros discos publicados.

Estos trabajos publicados por Russell, desde finales de los 60s en adelante, son generalmente los menos reconocidos de su carrera, por el carácter extraño y experimental que alcanzó. En realidad ya Russell era conocido por sus innovaciones desde sus comienzos, pero tal vez lo que más se le destaque de sus trabajos, incluso dentro del ámbito del jazz, sean sus publicaciones de la década de los 50s, el post bop y modal, quedando generalmente relegadas sus mayores vanguardias.

Obviamente esto sucede siempre en la música en general, debido a la mirada reduccionista del público, que suele centrarse en lo más clásico y fácil de escuchar, dejando de lado aquello que pueda generar algún peligro auditivo, o psicológico. Esta mirada se sustenta en la idea de que lo más importante en la música (o en cualquier ámbito del arte, o la vida) es el éxito, la popularidad y lo tradicional, quedando de lado así lo demás, las demás músicas, sin importar que esas músicas sean más creativas aun. A lo popular se lo festeja, se le hace culto al éxito, a los clásicos, y a lo extraño o arriesgado se lo castiga moralmente, se lo ve con malos ojos, por no ser 'popular', es ‘lo raro’. Las vanguardias, en este estrecho panorama, siempre han quedado a un costado, relegadas a un pequeño texto informativo en la reseña del autor, relegadas a algún rincón al que pocos suelen acudir.

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