30 ene 2021

Xhol - Motherfuckers GmbH & Co KG (1972)

Seguir la historia de Xhol es vislumbrar las influencias extrajeras que se hicieron carne en los sonidos prototípicos de los orígenes de esta agrupación alemana, comenzando por influencias del soul negro como una banda que en sus comienzos reinterpretaba  canciones del género. Conforme avanzaría su maduración artística tomarían mucho de la psicodelia y del jazz, estilos que empaparían sus últimas producciones y los inspirarían a producir un tipo de música cada vez más especializada en su propia aura de desazón sonora, de sublimación en la que el transito musical experimentado no eran más que exposiciones de pasajes donde se abrazaban el jazz eléctrico y la experimentación en una danza fusión que funcionaba como un auténtico manifiesto significante de las visiones contraculturales y los quehaceres filosóficos del grupo.

‘’Motherfuckers GmbH & Co KG’’ es una declaración de intereses, es la materialización de una etapa muy creativa del grupo, que a la vez era un momento de profunda resistencia contra las instituciones y a la vez era también el fin de la carrera de ellos. Cada pieza en este disco es completamente significativa, desde el comienzo con ‘’Radio’’, donde se puede escuchar exactamente eso, una radio que va sintonizando en el dial diferentes ‘’estaciones’’, y cada una de esas estaciones no son más que diferentes etapas artísticas del grupo, comenzando por escucharse fragmentos de canciones de soul/blues negro todas interpretadas por la banda al comienzo de su carrera, y terminando con algunos pasajes del disco ‘’Electrip’’, que para ese 1972 ya era algo lejano, pero que para el año de grabación de este disco estaba reciente en el tiempo. ‘’Motherfuckers GmbH & Co KG’’ fue grabado en 1970 pero fue publicado recién en 1972, de ahí esa insignia que se muestra en la portada del trabajo y que dice ‘’2 years old’’.

‘’Orgelsolo’’ es otro de los momentos destacados del disco y ya comienza a dejar entrever que no es un álbum común y corriente, presentando piezas que son frutos de una fuerte manifestación de experimentación sonora; esta pieza consta solamente del sonido de órganos repicando y reverberando en un juego entre diversas capas que se subyugan entre sí y se convergen en un orgasmo cósmico, es sublime, una declaración de principios artísticos, es el corazón del disco. En el caso de ‘’Side 1 First Day’’ hay un pequeño giro en las miras creativas del grupo hasta entonces en el disco, continuando con unos órganos cósmicos pero apareciendo en esta oportunidad el jazz, una suerte de jazz-rock ralentizado bajo un aura oscura y lisérgica de decadencia que se conduce, bajo sus propias intenciones, hacia un derrotero orgásmico de un goce fusión muy alto.

La particularidad del trabajo no termina allí, ya que el próximo track es ‘’Grille’’ y en el mismo se puede escuchar particularmente eso, un chirrido de un grillo que coloca al oyente en un punto totalmente inesperado pero de grata sorpresa sonora. Este canto de grillo continua durante algunos minutos hasta que algunos agregados instrumentales comienzan a brota sutilmente desde el fondo, como el sonido de una flauta o una percusión, aunque manteniéndose constante el canto del grillo como un elemento simbólico que rompe con muchas estructuras y es utilizado como un condimento desde lo abstracto hacia lo artístico, y el resultado es alucinante. Por ultimo aparece en el disco un track de un sonido inesperado, ya que con ‘’Love Potion 25’’ rompen con tanta abstracción y se encaminan inéditamente hacia una canción de rock con cierto aire estándar pero enriquecida por una extensa sesión de improvisación donde brillan el órgano y el saxo, con algunas partes de pasajes internos que insinúan cierto carácter ‘’progresivo’’ en la música.

Los orígenes de Xhol tienen lugar en Wiesbaden en 1967, cuando sus fundadores, los saxofonistas Tim Belbe y Hansi Fischer, que habían nacido en Wiesbaden y Bad Schwalbach respectivamente, fundaron Soul Caravan, el primer nombre que recobró la banda, orientada en un comienzo hacia la musica soul, especialmente hacían covers de soul influenciados por los lanzamientos del sello Motown y los sonidos que estaba poniendo en boga con muchos nuevos proponentes de la música negra de soul. Tocando clásicos del soul, algunos temas propios y algunas versiones standard de jazz, realizan muchos conciertos en clubs frecuentados por soldados norteamericanos. En una de estas actuaciones, el guitarrista Werner Funk se les une espontáneamente, en vivo, mientras interpretaban el “Take Five” de Dave Brubeck, finalmente se quedaría con ellos como miembro estable de la banda. Con esta formación firman con CBS, publicando en 1967 su álbum debut, Get In High, un disco de R&B bastante estándar.

Hacia los siguientes dos años el grupo comienza a tomar otra dirección, para entonces ya había cambiado su nombre por el de Xhol Caravan. Después de algunos cambio de la formación, editaron el single ‘’Planet Earth’’ / ‘’So Down’’, en 1969, mostrando una mutación en su sonido, aun con características soul pero más ensimismados a las influencias psicodélicas norteamericanas. Ese mismo año publican Electrip, un viaje electrónico cuasi psicodélico y con influencia del jazz. El siguiente paso del grupo sería la mutación hacia sonidos mucho más abstractos, recortando su nombre al de Xhol y encaminándose hacia una abstracción mucho mayor en su música.

Cod: #1528

26 ene 2021

Salvatore Martirano - L's GA (1968)

Salvatore Martirano  fue uno de los primeros músicos en experimentar con la composición asistida por computadora, teniendo un impacto significativo en la vida musical estadounidense como compositor, maestro, constructor de instrumentos e intérprete. Nacido como Salvatore Giovanni Martirano, comenzó a tocar el piano a los cinco años. Al final de su adolescencia sirvió en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos como clarinetista de banda, y pasó los años 1946 y 1947 de gira con bandas de jazz. Posteriormente estudió: con Herbert Elwell en el Oberlin College (1947-1951), con Bernard Rogers en la Eastman School of Music (1952) y con Luigi Dallapiccola en el Conservatorio Cherubini de Florencia, Italia (1952-1954). Estos años vieron el surgimiento de las primeras composiciones importantes de Martirano, como  la ‘’twelve-tone Mass for double choir’’ (1952 - 1955).

Martirano pasó unos años más en Italia como miembro de la Academia Americana en Roma (1956-59). Composiciones de la época, como ‘’O, O, O, O, That Shakespeherian Rag’’ (1958), interpretada con frecuencia, lo encuentran incorporando estilos más populares (en este caso, combinando un conjunto instrumental similar al jazz con coro) en sus obras. El empleo de poesía y textos familiares en un entorno poco convencional también se convirtió en uno de sus sellos compositivos. En 1963 Martirano asumió el cargo de profesor de composición en la Universidad de Illinois, cargo que ocupó hasta su jubilación en 1995. Fue allí donde Martirano comenzó a explorar la cinta y la música por computadora, produciendo su primer trabajo en computadora, ‘’123-456’’, en 1964. 

Su trabajo más notorio y controvertido fue ‘’L's GA’’ de 1968, una sátira multimedia (que incorpora películas y sonidos grabados) en la que un narrador, con una máscara de gas, recita el Discurso de Gettysburg de Abraham Lincoln mientras inhala helio. En esta obra convergen la sátira política, la experimentación absurda y grotesca, la electrónica concreta, el vanguardismo académico, algunas innovaciones con técnicas de cinta y de música por computadora, sumado a las influencias que el autor tenía con el jazz, el resultado es un controvertido sonido altamente experimental que se erige como un elemento altamente extraño, de una naturaleza muy particular y de un tipo único en su clase.

El trabajo se divide en dos partes las cuales se encuentras fragmentadas en los dos lados del vinilo original. El Lado A estaba ocupado por ‘’L's GA For Gassed-Masked Politico, Helium Bomb, And Two-Channel Tape’’, un delirio de alrededor de veinticuatro minutos con diversas partes que se continúan en un desenlace inesperado, comenzando con sonidos y quejidos de horror y continuando con el delirio mayor, la recitación del Discurso de Gettysburg de Abraham Lincoln con una máscara de gas inyectada con helio, una imagen retórica y simbólica típica del vanguardismo más contestatario y bizarro.


La segunda parte del trabajo está compuesta por dos piezas de entre diez y seis minutos cada una, en las que el autor vira el decurso de su estilo, siempre experimental pero abandonando completamente, para este lado del vinilo, la experimentación electrónica y el estilo concreto, para inmiscuirse en este caso en una experimentación con composiciones vanguardistas instrumentales de tipo de música clásica moderna, con el tipo de composiciones vanguardistas que rompe con los tradicionalismos del género, buscando una sonoridad discontinua con un uso marcado del silencio y del expresionismo de los ejecutantes, con un estilo similar al de la libre improvisación pero siendo perfectamente reglado y demarcado previamente.

‘’Ballad’’ es una de esas piezas del trabajo con ese estilo clásico vanguardista, pero esta contiene especialmente el condimento de una voz, pareciera negra, cantando algunas líneas, denotando el acercamiento hacia un estilo vanguardista de jazz, e incluso un acercamiento hacia el soul; esta pieza es todo un encuentro de estilos aunados por el vanguardismo y la búsqueda sin límites. El contraste en los estilos de las dos caras del trabajo es notable y demuestra la enorme versatilidad de un compositor experimentador vanguardista, con una notable formación clásica pero a la vez con la visión de innovación que lo llevaría a chocar con el tradicionalismo clásico. 

En 1969, Martirano estaba trabajando con músicos e ingenieros en la Universidad de Illinois para crear un nuevo instrumento musical electrónico. La construcción resultante fue el Sal-Mar, terminada en 1972, ha sido descrita como "la primera máquina de composición del mundo". Cuenta con 291 interruptores sensibles al tacto que son manipulados por un intérprete (generalmente el mismo Martirano), creando un complejo de sonidos musicales que se distribuyen a 24 parlantes separados. El sucesor más elaborado de la Construcción, el yahaSALmaMAC (construido en 1987 y 1988), combinó una computadora Macintosh, 25 sintetizadores, teclado MIDI y violín, y un software especial desarrollado por Martirano, Sound and Logic (o SAL). Este nuevo sistema fue creado para la improvisación musical en tiempo real, con artistas en vivo interactuando con la computadora a través del programa SAL.

Junto con su interés por la música por computadora, Martirano viajaba con frecuencia y trabajaba con bandas y grupos de improvisación. Tampoco dejó de componer para medios más convencionales: compuso música para los Juegos Olímpicos de 1984 en Los Ángeles, y su última obra completa, Isabela (1993), fue compuesta para orquesta de cámara. Martirano murió en 1995 por complicaciones asociadas con ELA (enfermedad de Lou Gehrig).

Cod: #1527

24 ene 2021

Joel Vandroogenbroeck - L'Immagine Del Suono (1972)

Joel Stephan Marcel Vandroogenbroeck fue un compositor, arreglista, multiinstrumentista, productor, ingeniero y director belga de una fructífera carrera repleta de viajes por el mundo, lo cual haría que su música se enriqueciera por un sinfín de sabores del mundo varios. Es conocido especialmente por haber sido el fundador de la banda suiza Brainticket, un grupo que, aunque no nació en Alemania, se lo consideró como parte del sonido krautrock, por su fusión de estilo, sus ambientes celestiales, la electrónica y su estilo psicodélico.  

Vandroogenbroeck estudió piano clásico cuando era niño y luego siguió con el jazz . A los 15 años, ganó el premio The Art Tatum y fue conocido como el pianista de jazz más joven. Después de eso, viajó por Europa y actuó Music Exchange. A la edad de 16 años, fue al Congo para aprender música local e instrumentos musicales, principalmente percusión, arpa y piano de pulgar, y luego fue a Egipto para aprender sobre música antigua. En 1962 se mudó a Suiza, conoció a algunos músicos y fundó una banda a la que llamó Third Eclipse, la cual en 1968 cambió su nombre al de Brainticket. Fue el quien mantuvo vivo el grupo, reorganizándolo cuando este se disolvía y siendo el promotor principal de la fuente creativa que enriquecía el arte de la banda.

En 1972, en paralelo con la publicación de ‘’Psychonaut’’ con Brainticket, también publica un disco solista, el primero en su carrera, un trabajo que pasó desapercibido en su momento y que ni siquiera fue reeditado jamás, pareciera ser más que nada un trabajo editado por un sello privado o una edición de ‘’biblioteca’’ para algún proyecto cultural particular pero sin tirada comercial. Estos sellos pequeños y no comerciales generalmente suelen estar interesados especialmente en el desarrollo artístico particular, concediéndole al artista el visto bueno para que desarrolle su creatividad y plasme sin limitaciones sus visiones, Vandroogenbroeck aprovecharía esta situación.

 ‘’L'Immagine Del Suono’’ es una continuación de su idiosincrasia musical y de sus inquietudes artísticas, ya que el sonido que presenta suena a un experimento donde hay electrónica, psicodelia, trazas de jazz sintetizado y elementos del mundo, que combinados crean un sonido hibrido, altamente lisérgico, misterioso y experimental. El sonido se encuentra tan trabajado y retorcido que prácticamente no se puede apreciar directamente la presencia del rock, parece haber sido dejado de lado en esa búsqueda de una sonoridad que no era más que otra síntesis alterada de sus visiones en las que había especias musicales de muchos lugares diferentes, además de representar sus viajes internos y sus experiencias con el mundo espiritual.

El disco es una colección de alocadas piezas sonoras de una extraña manufactura que ya desde el principio dan a entender que no se trata de una música como cualquier otra, es una experiencia sonora de delirio y experimentación por terrenos cósmicos y psicodélicos, una suerte de vanguardismo con miras propias y con sus propias ocurrencias. A menudo reaparecen algunas reverberancias, algunas incursiones electrónicas, la aparición de su particular sonido  de flauta, y otro sin fin de elementos de aunados suman un estilo por demás misterioso.

Es una continuación sonora perfecta para completar el acercamiento al mundo de Brainticket, es la creación directa del creador de la banda, desarrollándose con una concepción no comercial, volcándose en sonidos que son auténticas exploraciones sonoras cósmicas, en piezas en su mayoría cortas y que cuentan cada una con una textura y trama particular dentro de un sonido de delirio.

Más tarde Vandroogenbroeck se trasladaría a la isla lejana de Bali para aprender los instrumentos exóticos locales, y comenzar la planificación de su carrera musical personal, habiendo aprendido a tocar el sitar, arpa, piano de pulgar, todo tipo de instrumentos de viento y percusión, y atrapado por la música de Indonesia. Después de regresar de Bali, a mediados de la década de 1970, Vandroogenbroeck continuó colaborando con Brainticket. Siguieron dos álbumes, Adventure en 1980 y Voyage en 1982, antes de que Vandroogenbroeck disolviera el grupo. 

En 1978 Vandroogenbroeck regresa a Italia y, en colaboración con Carole Muriel, vocalista de Brainticket, lanza su segundo trabajo solista, ‘’Images Of Flute In Nature’’. Este es el único álbum que publicaría con Cenacolo Records.  Era el renacer de su carrera como solista, que había tenido un ‘’exabrupto’’ como comienzo, pero que ahora resurgía d con mayor fortaleza, publicando no solo este sino un sinfín de trabajos más, ya sumergido en un estilo espiritual new age, aplicando todo su conocimiento como multiinstrumentista y refrescando en la memoria de su música una sensación espiritual que marcaría fuertemente su estilo musical. Después de eso, Vandroogenbroeck firmó con la compañía discográfica Coloursound Library y comenzó una serie de trabajos de estilo musical ambiental. 

Cod: #1526

23 ene 2021

Magical Power Mako - Super Record (1975)

Magical Power Mako surge desde un contexto de psicodelia y de rock pero que por tener la mente retorcida trastornó esos elementos convirtiéndolos, a su merced, en una música vanguardista muy particular y que fue un símbolo en el vanguardismo japonés. 

Mako nació en Shuzeni Izu en Japón en 1956, y comenzó su educación musical a una edad temprana, haciendo su primera actuación pública en 1973 a los 16 años con su banda Genge en el famoso Shibuya Club. Sobre la base de estas impresionantes actuaciones públicas, el precoz Mako fue invitado a tocar con uno de los compositores contemporáneos más importantes de Japón, Toru Takemitsu, tocando junto al compositor en tres bandas sonoras de películas.

Su debut discográfico tuvo lugar en 1973, con un disco homónimo llamado ‘’Magical Power’’, el cual no puede evaluarse bajo casi ninguna etiqueta, su estilo es la vanguardia y desde ahí es donde parten sus ocurrencias y diversas ideas musicales que se despliegan hacia un sinfín de direcciones. El trabajo se compone de música compuesta durante la infancia de Mako hasta los veinte años, junto con grabaciones de campo y experimentos de cintas de estudio.

El segundo trabajo que publicaría sería ‘’Super Record’’, de 1975, en el que abandonaría el vanguardismo de campo tan radicalizado, para adentrarse en un sonido más fino y elaborado, con presencia de psicodelia y de ambientes que parecen ser espaciales.

Hay una tendencia en este trabajo a abordar elementos de culturas diversas del mundo, algunos elementos folklóricos de otras culturas convergen en el  gen excéntrico típico de Mako, con esa actitud típica de traer al oído algo que no se esperaba de antemano, ese es siempre su logro, sean del todo aceptado o no.

Su estilo es siempre personal, vanguardista, es un artista con su propia mirada y con un arte de difícil acceso para las concepciones convencionales. Para este segundo trabajo su música fruye desde fuetes orgánicos creadas desde la visión de una composición acústica/sintetizada que sobre pasa alguno motes, es vanguardismo de buen nivel, pero no es esencial. 

Una virtud del trabajo es la de lograr sintetizar sonidos, desarmar espectros sonoros, y traer algunos sonidos del mundo, con instrumentos típicos como la mandolina, a la psicodelia espacial, además de su estilo por el que nos podemos encontrar formas, texturas y composiciones totalmente atípicas para lo común.

El disco fue editado por Polydor y en la notas de presentación del disco destacaban que la música de Mako “posee un tipo extraño de textura, elementos que no podemos describir de manera clara y que van más allá de los diversos géneros de la música. Con todos ellos consigue emitir un brillo feroz”. 

Cod: #1525

22 ene 2021

David Axelrod - Earth Rot (1970)

David Axelrod comenzó su carrera con una serie de publicaciones meteóricas totalmente conceptualizadas y orquestales, siendo en su comienzo un innovador dentro de sonidos sinfónicos con acercamiento al rock y al pop. Sus primeros trabajos fueron totalmente conceptuales, experimentado con orquestación casi de forma exclusiva. En el comienzo de su carrera se encontraba en un momento de búsqueda creativa muy particular, propuesto en sus primero cuatro trabajos que contiene estilos similares, además de ser el encargado de la composición en el disco Mass In F Minor publicado en 1968 por The Electric Prunes.

Axelrod nació el 17 de abril de 1931 en Los Ángeles, California, y es un compositor, productor y arreglista estadounidense de diversos géneros musicales. David se crió en Los Ángeles escuchando música R&B y jazz. Después de encontrar un trabajo en un estudio de la industria cinematográfica y de la televisión, y rápidamente fue solicitado como baterista, productor y arreglista. Produjo su primer álbum, The Fox, con el saxofonista Harold Land. En 1967 lanzó Live At the Club, con el que logró uno de los mayores éxitos del jazz en ese momento gracias al sencillo "Mercy, Mercy, Mercy”, escrito por el pianista Joe Zawinul.

El éxito de David Axelrod hizo que Capitol se animara a publicar sus tres primeros álbumes en solitario, es así como en 1968 lanza su primer disco solista, como líder, compositor y productor, llamado ‘’Song of Innocence’’.  Ya para 1969 aparece su segundo álbum, ‘’Songs Of Experience’’, nombre por el que pareciera continuar una línea temática y conceptual que por supuesto también se ve reflejada en la producción musical, siendo un álgido experimentador con grandes orquestas y presentando sonidos inéditos para la época.

Sus trabajos se conceptualizan en lo que pareciera ser una búsqueda personal de la apreciación artista y de la vida misma, con cierta mirada filosófica y creativa que une todas sus primeras producciones, y su tercer álbum, ‘’Earth Rot’’ de 1970, no está lejos de estas consignas, siendo un trabajo con el que denunciaba la contaminación y la degradación del medio ambiente, esto se aprecia especialmente las letras cantadas por el coro que es el encargado de llevar adelante el canto en esta producción.

Estéticamente este lanzamiento sigue la línea de sus dos primeros trabajos, música conceptual con bases percusivas de rock y formas que parecieran tomadas del pop, pero sobre las que desfinales una serie de delicados y dedicados arreglos orquestales que elevan la composicion a un nivel de producción muy particular. ‘’Earth Rot’’ se diferencia de sus antecesores por contener, además de una orquesta, todo un coro.

En 1970 dejó Capitol para fundar su propio sello, lanzó varios álbumes en solitario y una versión rock de ‘’El Mesías’’, así como diversos trabajos con Cannonball Adderley en varios álbumes hasta la muerte de éste último en 1975. Su trabajo como compositor y arreglista fue descubierto nuevamente en la década de 1990, cuando artistas como Diamond D y Buckwild de D.I.T.C, DJ Shadow y Lauryn Hill utilizaron samples de varios de sus álbumes. En 1993 grabó su primer álbum en más de diez años Requiem: Holocaust.

Cod: #1524

21 ene 2021

Van Dyke Parks - Song Cycle (1968)

Van Dyke Parks es un peculiar personaje estadounidense con una calidad excepcional con músico, compositor, arreglista y letrista. En 1964 MGM Records lo contrato, y lanzó "Come to the Sunshine", pero sin éxito. Siendo músico de sesión, tocó para Sonny & Cher, como también para Paul Revere & the Raiders, del productor Terry Melcher. Él es conocido en gran parte por su participación en el mítico disco inédito ‘’Smile’’ de Brian Wilson (miembro fundador del grupo The Beach Boys), disco en el que participó como letrista. Si bien el disco no fue publicado en su momento, siendo reemplazado por ‘’Smiley Smile’’ publicado 1967 por The Beach Boys, se dice que ‘’Smile’’ quedó en la historia como un disco inacabado pero de culto. En la autobiografía de Wilson, dice que sus primeras impresiones de Parks era que: "es un niño flaco con una singular perspectiva" y que "tiene una afición por las anfetaminas".

Después de que Brian Wilson abandonase el proyecto SMiLE, Parks fue atraído por el sello Warner Bros. Produciendo su primer sencillo llamado "Donovan's Colours" bajo el seudónimo George Washington Brown. En Warner Brothers produjo los primeros discos de Randy Newman y Ry Cooder, entre otros. Ese mismo año firmaría también para Warner Bros acordando el lanzamiento de su primer trabajo solista, el tan particular ’Song Cycle’’, de 1967.

‘’Song Cycle’’ es una esclarecedora experiencia musical que bebe del pop de la época, e incluso se inspira del mismo, pero que se desembaraza del cualquier atisbo compositivo formal y, rechazando las formalidades de los hitos de la música popular, se encamina hacia una construcción compositiva exclusiva de una orquesta, finamente ornamentada e influenciada por la música clásica y el estilo barroco, recreando con ello una serie canciones de estilos típicos de la musca popular estadounidenses, como el bluegrass, ragtime, melodías de espectáculos y música sureña, creando así un gran trabajo en una época de grandes trabajos, pero manteniendo un estilo puramente peculiar que lo separaba claramente del resto de sus contemporáneos.

Es música fina, de cámara, canciones pero recreadas por finos arreglos de cuerda que se extienden a lo largo de todo el disco. Hay elementos psicodélicos y algunos momentos de experimentación con algunos efectos agregados y grabaciones de sonidos, pero sin duda lo que más destaca del trabajo es la composición tan variada en diversos géneros típicos norteamericanos, a los cuales Van Dyke Parks recrea con una precisión histórica asombrosa, aunque a la vez los adapta a su visión personal y a su aura de creación en forma de pequeños estándares adaptados de alguna manera, en algún sentido u otro, al pop y la psicodélia de la época.

Este quijotesco esfuerzo colocó a Parks, por lo menos en un principio, en la cresta de la ola de la crítica que halagaba al trabajo y lo presentaba como uno de los álbumes de ‘’pop’’ más destacados de su generación después del Sgt Pepper’s de los Beatles. La inversión en la grabación lo ubicaba como uno de los álbumes más costosos de su era, pero lamentablemente el trabajo tuvo poca repercusión comercial, lo que lo convirtió en uno de los fracasos comerciales más grandes del momento. Pero con los años el disco se ha convertido en una obra de culto, y no es para menos por la enorme producción música que implica, y la enorme ambición volcada en la creación, con una cantidad muy grandes de músicos que musicalizan todas las piezas con finos arreglos.

Este álbum debe haber sonado bastante extraño en el momento de su lanzamiento, llevando al extremo la noción de ‘’orquestación’’ y volviéndola un elemento de amalgama y diversidad con la que se crean un sinfín de encantadoras escenas compositivas, sobre las que se presenta la voz de Parks que agrega un encanto muy particular a todo. Es una mezcla animada de pop de salón, folk calipso, y cualquier otra cosa que haya llamado la atención de Parks; Richard Henderson admite que su naturaleza maníaca hace que la colección de composiciones sea difícil de vender para los no iniciados, es que se trata de un sonido bastardo para la época, poco esperado y difícil de encajar en el gusto pop del momento. 

Cod: #1523

19 ene 2021

Boudewijn De Groot - Picknick (1968)

Por aquellos años el Sgt. Pepper's de los Beatles marcaba tendencia como una obra icónica que había irrumpido en la escena rock psicodélica y ya se comenzaba a erigir como un pilar del género instaurando un nuevo estándar: el ‘’disco conceptual psicodélico’’, con arreglos orquestales y cierta experimentación. En realidad Sgt. Pepper's no fue tan sinfónico (a no ser por algunos breves arreglos en ‘’A Day In The Life’’) y tampoco fue una obra de composiciones tan conceptualizada, a no ser por algunos pasajes, pero en la época repercutió notablemente, insinuándose como un obra conceptual experimental e inspirando a muchos contemporáneos a crear obras conceptuales de similar o mayor calibre experimental. Los griegos de Aphrodite's Child tomaron mucho del Sgt. Pepper's para crear su icónico  disco 666. Y sería el holandés Boudewijn De Groot otro artista quien se inspiraría en dicho disco de los Beatles para crear uno de sus discos más psicodélicos, Picknick, de 1968.

Frank Boudewijn de Groot es un artista, autor y productor de discos holandés, que vive en Haarlem, Holanda . Es mejor conocido por las canciones "Welterusten, Meneer President", "Verdronken vlinder", "Testament", "Jimmy", "Avond" y "Het land van Maas en Waal". A mediados de los 60s comienza su carrera profesional y comienza a vivir exclusivamente de su profesión como músico. Sus primeros singles de 1964 y algunas apariciones en televisión hiciero de Boudewijn un joven celebridad. Luego de sus dos primeros discos publicados como solistas, se encamina hacia la creación de Picknick, en 1968, inspirado por el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles.

‘’Picknick ‘’ es un muy ambicioso trabajo que toma mucho de su época y lo reproduce a la holandesa, en su mayoría se trata de pop con acercamiento a la psicodelia, algo de rock, además de arreglos de vientos, y también arreglos orquestales. Boudewijn De Groot: ‘’Le pedimos a Han de Vries que viniera a tocar con algunos instrumentos de viento y trajo la mitad del Dutch Wind Ensemble con él. Citamos música clásica (''Zauberflöte'' de Mozart se puede escuchar en ''People around me'') y pop (usé el lick de guitarra de ''Foxy lady'' de Jimi Hendrix para ''Tegenland''). Musicalmente pasamos de la India, que era una necesidad absoluta para cualquier verdadero hippie, a los años ' 30 y luego el jazz de los 60, como en 'Canzone 4711'. Queríamos todo y Bert Paige podía hacer todo.’’

La producción es delicada y dedicada, sutiles arreglos se desparramas por todo el disco, y este cuenta con esa visión de trascender y proponer algo sorprendente, por lo que hay detalles, arreglos y elementos desparramados por todo el disco. Hay mucha canción pop, siempre finamente ornamentada por finos arreglos de cuerda, también hay rock, jazz, baladas, una cancion acústica, es decir todo un repertorio y un despliegue único. La canción ‘’Canzone 4711’’ es una canción de amor en la que la marca de agua de colonia 4711 está entretejida en el título. En la letra hay una referencia a ‘’All You Need Is Love’’ de The Beatles. Las canciones ‘’Eva’’, ‘’El jardín de las delicias’’ y ‘’Megatón’’ juntas forman un tríptico (Cielo, Tierra e Infierno) que está tomado e inspirado del tríptico ‘’Jardín de las Delicias’’ del pintor Jeroen Bosch.

Boudewijn De Groot  declara en su sitio web acerca de este disco: ‘’Un album cada año, ese era nuestro lema. El flower power había sido introducido, soplado desde San Francisco y puesto a música de una vez por todas por The Beatles con '' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band''. Más o menos desafiado por la revista pop Hitweek, le grité a Lennaert que teníamos que hacer un disco así, porque también podíamos hacerlo. El primer disco psicodélico en holandés; pedazo de empresa. Teníamos que demostrarlo, porque según la revista pop nuestra música no era pop y la de Armand sí. Así que no podíamos dejar que eso siguiera nuestro camino. O en realidad debería hablar por mí mismo, porque Lennaert rara vez o nunca participa en las tendencias y no tiene absolutamente nada que ver con los hippies y el flower power. ’’

Este disco fue uno de las primerísimas producciones psicodélicas de Holanda, además de un éxito, consiguió oro y platino y un premio Edison. Después de este éxito, Boudewijn creyó que podía seguir experimentando. Junto con un amigo de la academia de cine, Lucien Duzee, escribió la epopeya casi mística ''Heksensabbath'', el componente principal del LP "Nacht en ontij" de 1968. La carrera de Boudewijn continuó de manera fructífera, alternado su tarea entre la producción de otros artistas y la producción de sus propios discos, continuando su carrera hasta el día de hoy, en 2020 dio su último concierto antes de su retiro oficial de los escenarios.

Cod: #1522

18 ene 2021

A Cid Symphony - A Cid Symphony (1967)

Esta fue otra de las tantas historias habidas por los años 60s en los Estados Unidos, una época donde los jóvenes hacían uso de la música de forma muy particular, uniéndose en comunas, experimentado con alucinógenos, creando fusiones y nuevas formas artísticas, además de manifestar cierto altruismo entre los congéneres de su tiempo, lo que hacía que florecieran diversos emprendimientos musicales de todo tipo y todo calibre. Entre las entrañas de la música de la contracultura se encuentran un sin fin de trabajos que, saliéndose de mainstream comercial, se erigían como piezas únicas de expresión artística autentica, con la finalidad única de congeniar con su entorno, viviendo contra la sociedad de consumo y tomando a la experimentación como u medio creativo propio.

A Cid Symphony fue un colectivo de jóvenes músicos centrados en las figuras de Ernie Fischbach y Charles Ewing. Todo se originó en 1966 cuando otro joven entusiasta, Dustin Mark Miller, reclutó a su viejo amigo y vecino Charles Ewing, a quien conocía desde el jardín de infancia, y a Ernie Fischbach, para iniciar un grupo musical alineado con las visiones y formas de vida de los jóvenes de la época e inspirados por la filosofía de la comunidad The Diggers (una comunidad de corte contracultural estadounidense de San Francisco, California, activa entre 1966 y 1968).

Ewing era un ávido aficionado a la guitarra flamenca, y había conocido a Fischbach mientras los dos estudiaban juntos en la escuela de posgrado en Cal State Long Beach. Los dos compartían la pasión por la música, y Ewing pronto descubrió que Fischbach podía tocar cualquier instrumento con cuerdas, así como la batería y la armónica. El trío convergió en Los Ángeles y nació A Cid (originalmente Acid) Symphony. Al principio de la génesis de la banda, Fischbach se casó con la modelo adolescente Deborah Cleall, quien rápidamente se convirtió en parte del grupo, que, más como un colectivo, pronto se convirtió en un grupo suelto de amigos nómadas, una familia, una tribu. John Goeckermann y Tom Harris a menudo agregaron sus habilidades de percusión, y David Goines también contribuyó. 

De acuerdo con los principios de Digger, la banda organizaba conciertos gratuitos en los que daban de comer a todos los que se presentaban. El columnista de música de San Francisco Ralph J. Gleason presentó a Miller a Max Weiss de Fantasy Records. Weiss permitió que la banda usara los estudios de Fantasy, y grabaron y lanzaron su primer y único disco, un triple LP homónimo, en 1967, publicado por el sello Thermal Flash Music de Denise Kaufman, un Merry Prankster original.

Sin dudas este disco se sale de los surcos convencionales y ataca directamente a muchas instituciones de los musical, como las formas populares y la forma de canción, incluso, el disco abre con poco más de un minuto de canto y de una armónica country, lo que es continuado con un segundo track de treintaicinco segundos de silencio, lo que es seguido por un tercer track de catorce minutos de duración con un improvisación acústica tipo folk con mucha reminiscencias místicas tipo raga; todo un comienzo inesperado que se sale de molde y propone esas tan valiosas nuevas formas en las que uno puede experimentar la escucha de nuevos sonidos y nuevas estructuras para desembarazarse un poco de esa forma de las formas de la música popular que tanto nos han marcado en nuestras apreciaciones sobre la música. Ese inspesperado comienzo es un reflejo de lo que es todo el disco, una aventura por diversas trazas de diversos estilos convergiendo en un mismo vergel hippie.

En este disco es posible encontrarse con una paleta creativa muy variada, partiendo desde la música acústica, en su mayoría instrumental, que es la que caracteriza todo el cuerpo sonoro del trabajo, a partir de allí, desde las guitarra acústicas, surgen las diversas propuestas y estilos por los que transitan, hay muchos momentos para las sesiones instrumentales tipo folk con un acercamiento muy considerable a los raga y la música hindú, con las clásicas formas estructurales tomadas del raga, o sea expresadas en extensas sesiones improvisadas con aire místico; aunque desde mitad del trabajo en adelante comienzan a transitar por otras variantes, aparece el blues, aparece el flamenco, o por lo menos un intento de ello, aparece el folk acústico cantado, aparece el country, e incluso, hacia el final del trabajo, aparece algo de experimentación vanguardista.

Sin duda la idiosincrasia con la que fue creado este trabajo estaba embebida en la dialéctica política/filosófica contracultural de la época, eso se puede apreciar desde el hecho de que a música es notablemente inesperada, rompe con muchos estándares siendo tan experimental y atípica, y también se puede apreciar ese ambiente político en algunas grabaciones de charlas y diálogos que aparecen en algunos tracks finales del trabajo, con las típicas discusiones de la época sobre derechos, política, humanismo, e incluso hay un dialogo sobre el aborto.

Este es todo un trabajo inusual que comprende un sinfín de diversos estilos y diversos experimentos, publicados en un LP triple con discos de colores (amarillo, violenta y verde) y con "canciones" sin nombre de corte totalmente atípico. A finales de los 60s, después de tres años juntos, A Cid Symphony se disolvió en su mayor parte como una entidad musical colectiva. Las familias de Miller y Ewing, sin embargo, continuaron viviendo en comunidad durante las siguientes dos décadas.

Cod: #1521

12 ene 2021

J. A. Seazer - Jashumon (1972)

JA Seazer es un compositor de música de cine y teatro japonés. Su música es una mezcla radical de rock progresivo, música tradicional de teatro japonés y música Zeuhl inspirada en Magma, siendo una figura importante del vanguardismo japonés con directa relación al teatro, además de haber sido un ídolo carismático de los activistas estudiantiles a fines de la década de los 60s. A principios de los años 70s, Seazer se unió al legendario director de teatro experimental Shuji Terayama y a su grupo de teatro Tenjo Sajiki, convirtiéndose además en el artista de la banda sonora de la mayoría de las películas de Terayama en los primeros años.

Seazer compuso varias óperas de rock y bandas sonoras de películas. La primera aparición de Seazer registrada fue con los Tokyo Kid Brothers, otra compañía de teatro experimental formada por Yutaka Higashi; Seazer compuso algunas pistas para el álbum/banda sonora de 1971 ‘’Throw Away the Books, Let's Go into the Streets’’. Al año siguiente, en 1972, el sello Victor lanzó ‘’Jashumon’’, una grabación en vivo de una de las producciones teatrales de Terayama, publicado bajo el nombre de JA Seazer.

Este disco rescata el quehacer vivo de todo un elenco teatral en acción, donde no solo hay música sino también un despliegue escénico, con interacción entre los participantes, distintas escenas o sketches, y un expresionismo de los ejecutantes que se da a las claras ni bien comienza el trabajo y que impregna a la producción musical con un carácter muy fuerte. A todo esto, la música creada bajo estas características se vuelve muy particular, con elementos psicodélicos, mucho vanguardismo y experimentación, creando así un estilo dramatúrgico inclasificable.

Los diferentes tracks que componen esta obra se presentan de manera muy particular porque es música creada desde visiones teatrales, entonces las composiciones se convierten en diversas escenas de un claro corte experimental y de una búsqueda sonora muy particular, desplegadas en una serie de piezas sonoras de diferente duración y de una cualidad exploratoria y vanguardista determinante.

No puede faltar en el sonido la evidente influencia de la música clásica japonesa, que cumple un rol importante en la fusión de las diversas expresiones sonoras que surgen de los elementos teatrales aplicados, estos se ven especialmente en las voces, gritos, gemidos, charlas y diversos agregados vocales desparramados por todo el disco. El sonido se vuelve una enorme expresión artística pura, de un goce vanguardista muy alto con piezas de composición delicadamente caóticas y sofisticadas, expresionismo vanguardista, la música de un elenco teatral volcado a la exploración sonora casi sin límites, y de entre ello surge algo poco común y único en su especie.

El espíritu se revuelca en la manifestación de una exploración artística que, entre un rock distorsionado por dramaturgias y expresiones salidas de su cauce lógico, logra hacerse carne en la escena viva del under contracultural japonés. Es música con visiones de ópera rock, de grandes despliegues pero de una consistencia extraña, es una música conceptualizada por excelencia que encuentra en el quehacer teatral la razón para existir, con todo el elenco Tenjo Sajiki volcado al servicio de una expresión colectiva que toma causes inesperados.

Cod: #1520

10 ene 2021

Jacula - Tardo Pede In Magiam Versus (1972)

La música de Jacula tiene un trasfondo fuertemente esotérico y ocultista, eso se puede apreciar directamente desde los primeros instantes en la escucha de los discos que la banda ha dejado. La cualidad oscura de esta música, aunque estaba relacionada de alguna manera con el rock progresivo de la época, a las claras se diferencia de las demás agrupaciones del momento, lo que hizo que su estilo quede relegado a publicaciones privadas, tiradas de pocos discos, una llegada a un público reducido, lo que hizo además que crecieran algunos misterios y leyendas en torno a la historia del grupo y su música, llegando a decirse que vendieron su primer disco a sectas y clanes ocultistas y satánicos europeos. 

En Milán, en 1968, el compositor Antonio Bartoccetti funda el grupo, con fines claramente esotéricos y filosóficos y aproximaciones claras a concepciones teológicas, por lo que su sonido estaría plagado de guiños oscuros, elementos de perversión y decadencia en un mundo de exotismos innombrables, siendo la misma música el reflejo de una animosidad ritualista que se conecta con mundo diabólicos y esotéricos.

En 1969 graban su primer disco, ‘’In Cauda Semper Stat Venenum’’, en los estudios del sello inglés "Gnome Records", aunque hay una leyenda que dice que fue grabado en un castillo en Inglaterra. De este disco se lanzaron solo alrededor de 300 copias en una edición privada que no estaría a la venta al público en general, sino solo para distribución privada y personal, y no vería la luz en la primera edición publica que tuvo en 2001.

Su segunda publicación, "Tardo Pede in Magiam Versus", de 1972, lanzado por el sello ‘’The Rogers’’, sí vio la luz pública y chocó directamente con los disimiles estilos progresivos de su Italia natal, es que trata de una música que poco tiene que ver con los sonidos de la época, más pareciera una música hecha con motivos perversos o de ritual ya que en esta no se puede encontrar la música en su formato convencional cual la conocemos, es más bien una música conceptualizada en temáticas esotéricas, plagada de referencias místicas, y de un evidente carácter oscuro que hace de la escucha un acontecimiento muy particular.

Es una música creada en base a las ideaciones de Bartoccetti, con formas y motivos poco esperables, por lo que el estilo es muy difícil de determinar. Se trata de invenciones propias donde destaca predominantemente el sonido de un órgano típico con sonoridad de iglesia, lo que acrecienta el nivel de tensión y misterio del sonido, además de incrementar el interrogante de cómo fue grabado, bajo qué circunstancias y qué motivos. Es una música de misterios, exotismos ritualistas, experimentos eclesiásticos, en una búsqueda sonora atípica para su época y que se ha conformado como un estilo de culto en algunos pequeños grupos de coleccionistas entendidos.

El proyecto terminaría en 1972, luego evolucionaría a "Antonius Rex" y una buena cantidad de más álbumes serían publicados con ese nombre desde finales la década de los 70s hasta 2013, año en se publica su ultimo trabajo. Después de casi cuatro décadas, Jacula lanzó su tercer álbum de estudio, ‘’Pre Viam’’, en mayo de 2011. Se dice que de las ediciones privadas de epoca del primer disco de la banda, ''In Cauda Semper Stat Venenum'', no han aparecido copias originales entre los coleccionistas.

Cod: #1519

9 ene 2021

Magma - Magma (1970)

Hay bandas importantes, hay bandas determinantes, hay bandas influyentes, pero el caso de Magma sobrepasa estos motes ya que es una banda que torció el curso del rock francés de acuerdo a su gusto y su visión propia, influenció a todos en su país, creó su propio estilo musical, el zeuhl, y cantó su música en un lenguaje que también fue creación propia, el kobaïano. Entonces no encontramos con una banda que hizo su propia historia creada bajo sus propias visiones, sus propios experimentos, sus propias fusiones, una banda que creó su propia rama del progresivo en un momento en el que el mismo progresivo recién estaba en pleno nacimiento.

En 1967 Christian Vander viajó a Italia y tocó en diversos clubes con grupos de jazz y R&B. Vander fundó el grupo dos años después de la muerte de John Coltrane, reconocido músico estadounidense por el que sentía una profunda admiración. Considerando que era imposible tocar jazz tras su muerte, Vander inventó un propio estilo musical: el Zeuhl. Para el momento, Magma estaba conformada por Klaus Blasquiz en la voz; François Cahen al piano; Alain “Paco” Charlery en trompeta y percusión; Claude Engel en guitarras, flauta y voz; Teddy Lasry en el saxo soprano y flauta; Francis Moze en los bajos acústico y eléctrico; Richard Raux en los saxos alto y tenor y flauta; Christian Vander en batería y voz.

Su primer lanzamiento es todo un manifiesto artístico que contiene en su interior las fibras más íntimas de un creacionismo musical que se propuso trascender todos los estilos aun siendo parte de ellos mismos. Desde las influencias de la música progresiva, las influencias tempranas del estilo fusión, el jazz propiamente dicho, la influencia de la música clásica, y el vanguardismo coterráneo típico, todos estos elementos corren por las venas de este sonido pero no lo definen estrictamente sino que se combinan en pos de una representación lograda de un ideario de rock que se hace carne en un sonido que funciona como un manifiesto que a las claras se erige como un suntuoso y ambicioso pilar que propone nuevos estándares de cómo hacer música con progresiones y de cómo hacer música de rock.

Este estilo es un hibrido, un experimento maldito con épicas de una historia cantada en un idioma extraño que narra las incursiones de unos ‘’despiertos’’ que se escapan del planeta tierra con rumbo al planeta Kobaïa. Todo este primer disco cuenta las diversas travesías que esos humanos decididos a salirse de la tierra tienen que experimentar hasta llegar a su ‘’planeta elegido’’. Con tintes de ‘’ópera espacial’’, influencias de la ciencia ficción, trazos de jazz tomados de su fuente misma, fusiones con un rock que surge entre una enorme andanada de poderío y vertiginosidad compositiva, porque es justo allí donde la historia converge con la música, y viceversa, ya que el lenguaje y la música fueron creados al unísono en una oda de creación espontanea, surgiendo así una música más que conceptual, un estilo que narra una dramaturgia épica, mitológica y futurística viva, que es el encuentro de fulguraciones creativas y espasmos entre visiones y narraciones de una épica de ciencia ficción.

La música es una manifestación viva de un expresionismo artístico que buscaba plasmar en lo musical lo mismo que en lo dialectico, por lo que el sonido es un abrupto que se despliega sin piedad por sobre un vasto espacio de innovaciones, progresiones, fusiones, extractos, influencias tomadas de diversas fuentes, con un espíritu de solemnidad y un dejo de desconocimiento hacia una realidad que puede parecer sombría y que, por eso mismo, disfrazan en una metáfora de épicas galácticas.

La música es muy difícil de definir porque es un estilo estrictamente propio, trazos de jazz se suman a una andanada funk, que por momentos cae en un halo de experimentación, surgiendo líneas de viento de jazz, con un rock que brota entre las progresiones, donde líneas y armonías clásicas se sumergen en otras partes donde se continúan con arreglos folk y arreglos corales, el sonido es una enorme avanzada donde se continúan partes y sub partes que prometen una experiencia progresiva reveladora. Todo el trabajo es una enorme travesía hacia Kobaïa, por lo que se narra el viaje por un camino que no es sencillo de sobrellevar, en una aventura espacial plagada de detalles, metáforas, maravillas sonoras momentáneas y sobresaltos armónicos de una inventiva muy particular.

Al sonido de la banda se lo emparenta a menudo con el Rock in Opposition, debido a su carácter tan personal y propio y a su estirpe de música compleja e innovadora tan fuerte y contundente. El despliegue de la banda en su primer disco, tanto como en el resto de sus producciones publicadas durante los 50 años de vida del grupo, es enorme, demostrando una disconformidad hacia las músicas institucionalizadas, hacia los dejos sombríos de los estilos populares, hacia la modernidad de lo moralmente aceptado que se conduce directamente al vacío y a la destrucción de sí misma como credo por el que funciona.

En 1969 apareció el primer single de la banda, y finalmente en 1970 el disco fue publicado en su totalidad como un doble LP llamado originalmente con el nombre homónimo de ‘’Magma’’, más tarde renombrado como ‘’ Kobaïa’’. El disco fue incomprendido en aquella época; su lenguaje extraño (el kobaïano) y propuesta musical rozando lo teatral fuera de lo común (el zeuhl) ubicaban al grupo en una situación difícil. Sin embargo, su debut realizado en París obtuvo una buena respuesta y llamó la atención de mucha gente. Los ocho músicos fundadores, provenientes de orígenes musicales tan diversos como el jazz, música clásica, blues, rock y pop, tenían la particular puesta en común de llevar al grupo por fuera de todos los cánones tradicionales. Es la opera prima del grupo, la irrupción en una escena que ya estaba bien conformada, con cimientos fuertes, pero que de todas formas logró impresionar y hasta dejar su enorme influencia, ubicando a la banda entre los emprendimientos progresivos más destacados de su época. 

Cod: #1518

3 ene 2021

Igor Wakhévitch - Docteur Faust (1971)

El término ‘’vanguardismo’’ puede entenderse desde varias nociones, especialmente en Francia, cuna de muchos artistas y bandas que se mofaron del espíritu público y lo retorcieron hasta convertirlo en una cosa inentendible e inaceptable para el público común que generalmente espera de la música algo masticable, bailable y desechable. Fue en ese país donde esa corriente de vanguardia se esparció por muchas vertientes diferentes. Estaban los jóvenes rockeros que crecieron bajo el mandato moral post segunda guerra mundial pero que, influenciados por la contracorriente estadounidense (blues-rock, psicodelia) y el floreciente jazz fusión (Zappa, Soft Machine), hicieron de las suyas deformando al rock y volviéndolo decididamente experimental y de vanguardia. También estaban los experimentadores del vanguardismo de la rama más académica, entre los que se destacan figuras como Pierre Schaeffer, que se encargaron de hacer de las suyas en el terreno vanguardista de la música concreta, tomando nociones académicas y deformándolas también para el desprecio de las masas. Y en esta vaga y amplia concepción de lo que es el ‘’vanguardismo’’ también aparece la figura de Igor Wakhévitch, otro creador que se suma a las filas del fructífero vanguardismo francés, de esos artistas que son inclasificables, de esos creadores que trajeron sonidos nunca antes escuchados y experimentaron mucho más allá de lo esperado, corriendo los límites de lo posible muy por fuera del espectro de lo popular e imaginado.

Su música, como siempre, es prácticamente inclasificable, por consistir y haber sido creada por la combinación de diversos factores que convergen en una expresión de sonoridad experimental/vanguardista, surgidas de una cosmovisión muy profunda y totalmente personal, lo que hace que se acreciente la peculiaridad de su estilo. Es música autentica en el sentido profundo de la palabra, ya que se trata de la plasmación de procesos y visiones internas que surgieron como momentos significativos y llevaron a su creador hacia un viaje creativo sin límites, utilizando muchos elementos compositivos de punta con los que transgrediría incluso a la música transgresora, pervertiría a los pervertidos, porque con su estilo nos ha enseñado y aun nos sigue enseñando que no hay parangones a la hora de componer, y en todo caso, si los hay, es porque los propios creadores se los imponen sabiendo muy bien que experimentar más de la cuenta sería un horror para sus intereses comerciales.

Igor Boris Wakhévitch, nacido el 12 de mayo de 1948, en Gassin-Saint Tropez, Francia, es un músico y compositor francés de música de vanguardia, electroacústica y experimental, que ha trabajado en muchas direcciones musicales, siempre sensible a las nuevas formas de expresar las construcciones del sonido. Fue uno de los primeros compositores de su generación en introducir en sus composiciones varios tipos de teclados electrónicos, sintetizador Moog, sintetizador ARP, órgano electrónico, etc. Sus álbumes se encuentran entre los trabajos más impresionantes de música experimental lanzados en Francia en los años 70. Su estilo musical está fuertemente influenciado por la vanguardia contemporánea, el dodecafonismo y las experimentaciones sonoras. A finales de los años 60, trabajó para el "Grupo de investigación musical" francés, bajo la dirección de Pierre Schaeffer. Sus primeras piezas electroacústicas tienen relaciones cercanas con otros precursores franceses como Luc Ferrari o Bernard Parmegiani. Sus primeros trabajos revelan formas y modulaciones espectrales bastante eficaces que concentran al oyente en paisajes mentales inmersivos y muy oscuros. (Durante este período temprano, Igor Wakhevitch también fue un gran amigo de Robert Wyatt y Mick Ratledge).

En 1970 publica su primer disco solista llamado ‘’Logos’’, con el que deja notar que su concepto musical trasciende mucho de lo que conocemos y aceptamos como válido, es que las visiones que comienza a plasmar contienen incursiones hacia terrenos de lo que tal vez sea una concepción metafísica de la música, o tal vez de la vida o el universo mismo. Acerca de este disco él autor declararía: ‘’En la contraportada de mi primer álbum "Logos", escribí que solo soy un "canal", no el "autor" de una música que yo llamaría "mía", trato solo de manifestar lo mejor posible algo que viene desde dentro de mí, a través de las herramientas que están a mi disposición: conciencia, alma, mente, cerebro... y los diversos sentidos que dotan al cuerpo humano. ’’. 

Ya desde su primer publicación denotaría con sus propias palabras esa relación particular que tendría desde el comienzo con la cosmología y el universo, proceso que también, por supuesto, llevaría a cabo en su segunda publicación como solista, ‘’Docteur Faust’’, de 1971. Él declararía que cada una de sus publicaciones ‘’refleja un segmento personal y particular del camino interior que desciende en nuestro encuentro, los seres humanos’’, dando a entender a sí mismo, y al mismo humano, como una especie de canal transmisor de una avanzada inexplicable pero totalmente tangible que brota en lo interno de cada uno. Pero esa suerte de avanzada interna, de bruma que surge como un camino que continúa imperecedero y continuará eternamente, es ese camino el que debe ser descubierto, estando en lo posible en un estado receptivo para poder percibir lo real de lo imperecedero. En ese sentido, y siendo el mismo Wakhévitch quien lo declararía, cada una de sus publicaciones refleja una experiencia de encuentro con lo desconocido y representa un peldaño evolutivo que se sucede progresivamente y que refleja a ‘’aquello’’ manifestándose en uno y cómo ello van expandiéndose en la realidad, como en una suerte de ‘’avance’’ entre los conceptos, que no siguen una línea racional que podamos llamar ‘’evolutiva’’, sino que es una manifestación que se comporta de acuerdo con sus propias reglas etéricas.

En ese panorama, ‘’Docteur Faust’’ continua un concepto comenzado en su primer disco, reflejando inmediatamente desde sus primeros instantes sonoros que se trata de una música de una significación personal muy fuerte, dotada de sonidos representativos, simbólicos, creados en base a elementos de vanguardia que el mismo compositor reordenó de manera particular para recrear sus sensaciones internas que surgen de experiencias y momentos innombrables. Sería injusto tildar a este estilo simplemente de ‘’música progresiva’’, porque, aunque si bien es un estilo que avanza progresivamente en un continuo de sucesos y eventos sonoros conformándose en la avanzada del tiempo, también vale recalcar que no es estricto rock progresivo. Muchos de los mismos elementos están puestos en juego en esta música pero están reordenados bajo visiones diferentes, sumados otras plasmaciones de vanguardia que se suman para enriquecer una música que es un encuentro continuo de un sinfín de elementos.

Instrumentalmente hablando se trata de experimentos sin nombre pero con un fulguroso espíritu plasmado por un creador entusiasta e innovador para la época. En esta música convergen las experiencias previas del autor en tanto a música concreta y vanguardismo académico, también aparecen arreglos orquestales y clásicos de carácter tenso, surge también el rock de la época en algunos elementos como bases o guitarras distorsionadas, y también hay una experimentación que une a todos estos elementos y que surge, a la vez, como otro condimento que se deja ver entre sonidos, efectos, agregados de voces macabras, pasajes oscuros y elementos de un aparente desconcierto total. Todos estos condimentos de aúnan en una única visión creando una música de punta con intrínsecas significaciones cosmológicas y su evidente derrotero de creatividad que se vuelva en algo inexplicable, cósmico, metafísico, etc.

Publicado en 1973, el suntuoso "Hathor", su tercer disco solista, marca un giro en la carrera personal de Wakhévitch. Fue grabado después de que conoció a Terry Riley (el padre del minimalismo espiritualizado). "Hathor" está profundamente impregnado de elementos mágicos y teóricos. En 1974 el pintor surrealista Salvador Dali le pidió a Igor Wakhevitch que compusiera la música de su 'poema-ópera en seis partes' titulado "Être Dieu", obra en la que Wakhévitch representa atmosferas electrónicas sobre las que Dalí recita sus poemas surrealistas en francés. El álbum fue grabado en los estudios EMI en París (Boulogne), interpretado por Dalí en persona y varios actores (Delphine Seyrig, Alain Cuny, Ramond Gérôme, Catherine Allegret, Didier Haudepin, Léon Zitrone), oradores y cantantes, una orquesta de cuerdas, el coro, la soprano solista Eve Brenner, el percusionista Sylvio Gualda y una banda de rock. ("Sputnik & Statistik") Durante los años 80, Igor Wakhevitch decidió vivir en el sur de la India, escribió partituras musicales para el Instituto Goethe y el Centro Nacional de Artes Escénicas en Bombay (en 1991). Las últimas publicaciones de Wakhévitch están en gran parte reservadas para teatro, representaciones de ópera, piezas electrónicas épicas para orquestaciones y sintetizadores de meditación directa.

Cod: #1517

2 ene 2021

Father Yod And The Spirit Of '76 - Contraction (1974)

La era psicodélica se extendió durante algunos años más en algunos países ‘’extranjeros’’ al primer mundo debido a que a menudo esos países eran azotados por cruentas dictaduras que no permitían el ingreso de discos o música de rock, lo que terminaba generando un efecto contrario el deseado por las fuerza de poder, con la resistencia y de fortalecimiento de todas las movidas del rock de la época que era reivindicadas por los jóvenes que hacían que las mismas tomaran un rol mucho más significativo aun. Pero en el mismísimo Estados Unidos esa era se extendió gracias a algunos freaks que, negados a madurar, siguieron creyendo el cuento de que ‘’la era de acuario estaba por llegar’’ cuando en realidad ya había terminado, pero ese efecto de continuar en el verano del amor prosiguió en algunas comunas o ‘’hermandades’’ que funcionaban como un caldo de cultivo para el misticismo, la psicodelia, la vida en naturaleza, y otros valores de supuesta filantropía.

Uno de esos casos fue el de la Source Family, una comuna de jóvenes hippies que se reunieron como una comunidad esotérica cerca del área de Los Ángeles. El grupo había sido creado y era liderado por James Edward Baker, mejor conocido como ‘’Father Yod’’ (o también como ‘’Ya Ho Wa’’), un personaje excéntrico, un millonario que convirtió el ‘’sexo, drogas y rock and roll’’ de los hippies en una religión. Creador de sus propias ideas esotéricas, Yod creía ser alguna especie de gurú o semi-dios encarnado, y contaba con un amplio grupo de jóvenes seguidores que lo habían adoptado como su padre espiritual o maestro.

El grupo contenía un núcleo central de 150 personas aproximadamente, viviendo en las colinas de Hollywood, y se solventaba económicamente con los ingresos que generaba un restaurant propiedad de Father Yod. Algunas de las doctrinas que la ‘’Source Family’’ practicaba se mantuvieron en secreto, pero principalmente todo giraba en torno a Father Yod y al culto a su persona, se sabe que ‘’Father Yod’’ tenía 14 esposas y 3 hijos. También se sabe que promovían la salud natural, las dietas vegetarianas orgánicas, la vida en comuna, y otros ideales.

Al margen de lo polémico que pueden llegar a ser las ocurrencias místicas de estos jóvenes, fueron ellos mismos los que, entre sus tantas actividades, se dedicaban a hacer música de rock, la cual estaba completamente embebida por todo su mundo y visiones esotéricas, lo cual convierte a su sonido en una especie de transmisor viviente de mundo místicos paralelos y misterios insondable. En la escucha de la música de este grupo se hace inmediata esa percepción de que eran un grupo esotérico, reflejando sin temor esa carga mística en forma de músicas, generalmente improvisadas, que funcionaban como una suerte de rituales vivientes y musicales capases de transportar al oyente hacia mundos de exóticos.

Ellos comenzaron lanzado discos en 1973 y desde entonces, durante varios años, se mantuvieron constantemente produciendo cosas, que en general se trataba de música improvisada grabada de una sola toma, sin ensayos. Aunque sólo nueve discos fueron producidos y puestos en libertad, se rumorea que más de 65 discos fueron grabados por el grupo, pero se perdieron en los últimos años. La mayoría de los álbumes fueron publicados en pequeñas series de 500 a 1000 copias, por en el sello ‘'Higher Key Records'’, propiedad del grupo, y fueron vendidos al público en general en el restaurant propiedad de Father Yod. Construyeron un estudio de grabación en el predio donde estaban instalados y reunieron el equipo necesario donde realizaron un sinfín de diversas grabaciones presentadas en los muchos discos que publicaron, los cuales fueron registrados bajo diversos nombres, como '‘Ya Ho Wha 13'’, ‘'The Savage Sons of Ya Ho Wha'’, '‘Yodship'’, ‘'Fire Water Air’' o ''Father Yod And The Spirit Of '76''.

‘’Contraction’’ fue otra de sus tantas publicaciones independientes, publicado en 1974, años por los que se encontraban particularmente muy activos creativamente hablando. Con su típico carácter improvisado y exploratorio, esta música recorre, como lo solían hacer, por espacios desconocidos donde la ejecución primera era lo primero que se registraba, prácticamente sin tomas adicionales. Este disco fue grabado de una sola toma en una sola sesión improvisada, dividida en dos partes que se ubicaban una a cada lado del vinilo original de época.

Se puede apreciar la carga mística que posee esta música pero primero vale resaltar el especie de soul con el que comienzan, que da la noción de la amplitud musical del grupo, a veces más centrados, a veces menos, y con una calidad de grabación evidentemente casera que se nota en la calidad de audio de la grabación, pero que en el fondo no dejaban de ser jóvenes improvisando una música que contenía mucho, implicaba mucho y que todo lo volcaban en ese ambiente exótico que eran sus extensas improvisaciones.

La mayor parte de su producción musical se caracteriza por extensos atascos improvisados de rock, donde circulaba el soul, como en este caso, y la libre ejecución bajo parámetros preestablecidos como bases iniciales que se iban modificando y alterando en la medida que el grupo iba improvisando, por lo que su música generalmente, y como en este caso, era una plataforma desde donde despegaban y con la cual partían hacia esferas indeterminadas de libre ejecución y libre exploración. ‘’Contraction’’ en particular no es tan psicodélico como otras de sus tantas producciones pero por supuesto se caracteriza por esas libres y extensas improvisaciones, con su inequívoca carga mística, sus mensajes espirituales, sus exploraciones, sus representaciones musicales, su estilo ritual, etc. 

Cod: #1516

1 ene 2021

Vox Dei - La Biblia (Según Vox Dei) (1971)


''Siento que crezco
y que subo
y que me veo por dentro
y me toco y me reconozco
y a mi lado estoy yo
que me hablo y me entiendo
y que ahora soy sueño
y me acerco y no muero.''
Ricardo Soulé, Vox Dei

‘’La Biblia (Según Vox Dei)’’ es una obra icónica y muy importante dentro del rock argentino, marcó una época, fue una obra conceptual y operística emblemática, sentó un precedente importante como una de las primeras opera-rock en las historia del rock en castellano, con todo el peso que conllevó su aparición y la influencia que tuvo en el ambiente. Vox Dei surge en 1967 como un grupo de jóvenes que hacían un rock temprano cantado en inglés, combinando entre canciones propias y covers que hacían de temas de los Beatles, los Rolling Stones, y los Hollies. En 1970, tras varios años de una actividad maratónica, Vox Dei ya era uno de los grupos más populares del rock en Argentina, junto a bandas como a Almendra o Manal. Es que en ese mismo año que Vox Dei publica, bajo el sello Mandioca, su primer trabajo llamado ‘’Caliente’’, un álbum que los afianzó inmediatamente entre los más populares del momentos dentro del estilo del rock nacional que estaba dando sus primeros pasos.

Mientras todavía estaban tocando en vivo los temas de su primer álbum, su productor les dijo que al regresar a Buenos Aires debían comenzar a trabajar en su segundo trabajo. Su siguiente paso sería muy significativo para el grupo, sería la creación y lanzamiento de una obra conceptual gigantesca inspirada en la Biblia, que se convertiría en una obra muy ambiciosa y muy bien lograda para la época. La idea fue de Ricardo Soulé, el cual estaba trabajando ya en unas letras inspiradas en pasajes de la Biblia, propuesta que fue bien recibida por el grupo el cual inmediatamente la adopta como proyecto, comenzando inmediatamente a trabajar en ello.

En total, todo el trabajo previo a la grabación les demandó un año y medio, entre la composición, elaboración, las pruebas y los ensayo. La grabación se llevó a cabo en los estudios T.N.T., sumando más de 150 horas de trabajo, un número totalmente atípico para la época. Durante el trabajo de creación y grabación de la obra fue un integrante de la banda quien tuvo una crisis interna lo cual desembocó en su renuncia al grupo, Juan Carlos Godoy dejaba el grupo. Uno de los problemas había sido el pase de la banda del sello Mandioca al sello Disc Jockey, que había dejado en una situación comprometida a la discográfica que había confiado en ellos cuando los grandes sellos no lo habían hecho. Tras la salida de Godoy el grupo tuvo que salir a buscar un nuevo guitarrista para sumarse a las presentaciones en vivo, quien finalmente sería Nacho Smilari.

Su música, como todo disco conceptual, se encamina hacia composiciones complejas que surgen de la canción popular pero que en su transcurso van mutando y transformándose en exploraciones rockeras que transitan por buena cantidad de conceptos, partes, elementos, y agregados, por lo que la escucha ofrece una oportunidad de explorar los ambientes rockeros de la época, donde tantos el rock como la canción acústica tienen lugar y convergen en las mismas composiciones. 




Esta obra es muy compleja y ofrece un repertorio enormemente variado para escuchar, en general se trata de canciones sofisticadas, pero estas varían totalmente las unas entre las otras, siendo la obra un punto de referencia local en cuanto a las miras del grupo hacia una música compleja y original. En este repertorio aparecen canciones de rock, aparece el folk, aparecen algunos momentos de improvisación rockera a pura zapada instrumental realmente rabiosa, y como si fuera poco también nos encontramos con un momento sinfónico en la pieza ‘’Cristo, Nacimiento’’, donde se puede escuchar a toda una orquesta representando simbólicamente el nacimiento de Jesus, y el sonido no deja de ser totalmente conmovedor y significativo. En cuanto a este trabajo orquestal, que fue grabado en los estudios ‘’Phonal’’, estuvo a cargo de Roberto Lar, a quien le encargaron los arreglos para esta pieza orquestal, contando para la grabación con una orquesta de cincuenta músicos.

Se trata de una obra conceptual creada en torno a, obviamente como su nombre lo indica, la mismísima Biblia, ese texto de supuesto carácter sagrado que tanta polémica y pasiones desata, y que ellos, no ajenos a estos parámetros, reinterpretaron en una obra magistral, tomando los pasajes y momentos principales de la misma y volcándolos con devoción en una música conceptualizada y recreada, donde por supuesto no dejan de aparecer la letras típicas, el carácter místico de la música, además de algunos agregados sonoros de estudio y momentos varios donde el sonido rompe en explosiones y momentos sonoros inesperados.

La creación de este trabajo, desde los primeros bocetos, los ensayos y la grabación, estuvo rodeada de un sinfín de particulares sucesos y anécdotas, acontecidos con ese sentimiento de inexplicable incapacidad para poder explicar los hilos que mueven los sucesos de la vida, la devoción del encuentro de los religioso y/o místico y todo lo que envuelve e implica el buscar en uno mismo, la observación propia y el autoconocimiento, sucesos que se encuentran entre los orígenes de esta obra que se ven reflejados en la poesía que Ricardo Soulé escribió una noche (véase en el comienzo de este post), poesía que inspiraría a Willy Quiroga para dibujar la figura del hombre-arbol que aparece en el centro de la primera edición de la obra. 

Esa sensación de profundo sentimiento religioso se puede apreciar también, obviamente, en las letras que forman parte de las composiciones cantadas del disco, reflejando un encuentro con lo religioso donde se incluye esa perspectiva aurea de suceso inexplicable que tiñe los matices más significativos de la creación y la música final de la obra, dotando a la misma de una significación y una emotividad creativa que es emanada por el sonido mismo y que ha sido y es capaz de impactar en el oyente como un eco imperecedero proveniente de lugares desconocidos y llegando a lo material de nuestra vida cotidiana.

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