28 jul 2021

Steve Maxwell Von Braund - Monster Planet (1975)

El dúo australiano de Cybotron hizo su camino a partir de 1976 con cuatro discos que funcionaban dentro de una electrónica de punta, con aproximaciones al rock y a la música espacial, pues fue previa a esta experiencia cuando uno de los integrantes del dúo, Steven Maxwell von Braund, publicó, en 1975, un artefacto previo al sonido de la banda y con el que ya comenzaría a explorar esos sinuosos terrenos por las tierras fértiles de la experimentación espacial.

El trabajo está compuesto por cuatro extensas piezas de alrededor de diez minutos de duración cada una y que son la excusa perfecta para desplegar el sonido en extensos viajes electrónicos de demarcada experimentación y consistente desarrollo, siempre dentro de ambientes perversos que incitan a una placida incomodidad mientras el internauta creador conduce las sesiones hacia tierras de mayor perversión aun, con agregados también oscuros con los que se conjugan las voces electrónicas que surgen en las pistas, formando así una combinación que está entre las delicias de la música under de Australia natal.

De las cuatro piezas presentadas solo una presenta algo de instrumentación con acercamiento al rock, lo es en el caso de ‘’Moster Planet’’, la pieza introductoria del disco que le hace honor a su lugar de iniciadora con un desenlace de notable desarrollo progresivo, apareciendo una voz que canta algunas estrofas (que no se trata del mismo Von Braund sino de Jim Keays, cantante principal de Master Apprentice), la cual se fusiona con una batería y una saxo, para terminar apagándose en una andanada de inventos electrónicos siempre oscuros. 

También ocurre en la pieza ‘’Crystal Forest’’, donde aparece el sonido de un violín somado a la mezcla oscura y dotándole a sonido general una característica muy particular, con dicho instrumento aplicando algunas líneas melódicas pero funcionando de manera cómo entendiendo muy bien el estilo de los sintetizadores y acoplándose a ellos en ese cometido tan distintivo de ofrecer una entidad sonora perversa. 

Von Braund grabó este álbum predecesor al sonido de Cybotron cuando regresó a Australia en 1973, después de empaparse de los sonidos psicodélicos que encontró en su estancia en el Londres de los sesenta, donde se cruzó con Hawkwind, The Soft Machine y Graham Bond. También desarrolló una fuerte admiración por la música krautrock alemana, como de bandas como Amon Duul, Popol Vuh o Ash Ra Temple. Esta combinación de visiones y admiraciones resultó en este Monster Planet que es un experimento mutante y bastardo del under vanguardista australiano.

Su fuerte acercamiento al estilo kosmic krautrock alemán, con una intensa búsqueda sonora electrónica experimental, le confirió el favor de que los fanáticos del género tildaran a su música como mismísimo krautrock, y no es para menos ya que todo lo que ocurre en este trabajo está puramente pulido bajo una visión que surge estrictamente de inventos, ambientes y aplicaciones electrónicas varias.

Puede que las texturas sean algo monótonas o poco variadas, debido al uso del único sintetizador utilizado en el álbum, un Korg-700, lo que puede explicar esta tendencia a recaer en atmosferas similares en todas las piezas, las nombradas apariciones instrumentales de otros instrumentos es lo que le da un poco de aire creativo al trabajo y lo salva un poco de la monotonía total. No hay secuencias y aplicaciones típicas de otros sintetizadores utilizados en la época, la masa sonora electrónica propiamente dicha que compone el cuerpo de los ambientes electrónicos de este trabajo consisten casi exclusivamente en la estática y los ambientes espaciales que el creador del sonido le arranca a su sintetizador, y demás inventos sonoros que le puedan llegar a ocurrir.

El siniestro de su propuesta musical seguramente tenga que ver con ese planeta monstruoso del que hace referencia, esa visión de ciencia ficción que parece terminar con la tierra (o el sol), lo que a su vez es presenciado por una flotilla de naves galácticas que sobrevuelan el ambiente y observan (o propician) el atentado galáctico que da vida al nacimiento del planeta monstruoso post apocalíptico.

Cod: #1573

23 jul 2021

Billy Bond & La Pesada Del Rock & Roll - Tontos (Operita) (1972)

‘’La pesada del rock and roll’’ es una de las bandas argentinas más importantes que el rock nacional supo dar en su camada de bandas salidas en la década del 70’. Por este supergrupo desfilaron músico de primer nivel para la escena rock argentina de la época, como Pappo, Luis Alberto Spinetta, Javier Martínez, Claudio Gabis, Alejandro Medina o David Lebón, y sus discos fueron reflejo de esto, enorme calidad y una enorme influencia dejada en la escena del país, siendo la banda un semillero de músicos que se impulsarían hacia sus creaciones propias. El comienzo del grupo lo tuvo como una cuasi comunidad amplia donde los músicos más destacados de la época iban a parar y caían en un bucle de experimentación y libre expresión, característica que quedó marcada en muchos de sus discos plagados de zapadas e improvisaciones. Y es que el grupo cumplió además un rol importante en el apoyo y producción para otras bandas y proyectos del momento, creando la reversión de ‘’La Biblia’’ (original de Vox Dei, 1971) que se publicó en 1972, apoyando a Raul Porcheto en su primer álbum solista, participando de ‘’Vida’’, el primer disco de Sui Generis, publicado en 1972, consiguiendo horas de grabación para que La Cofradía de la Flor Solar pudiera grabar su primer disco, etc.

La banda, y especialmente por la producción de Billy Bond, ha demostrado el gusto por la experimentación sonora de estudio, lo que se vio reflejado en el disco ‘’Buenos Aires Blus’’ de 1972, y también se vería en otro disco como lo es ‘’Jorge Pinchenvsky, su violín mágico y La Pesada’’ de 1973, ambas producciones con muchos momentos muy experimentales, acercándose a arreglos orquestales o clásicos, donde la banda funcionaba también de manera muy particular lo cual se combinaba con una serie de experimentaciones y agregados sonoros de todo tipo. Pero este sentido de experimentación y búsqueda sonora quedaría marcada a fuego y alcanzaría su punto culmine en el disco ‘’Tontos (Operita)’’, siendo toda la producción sonora del disco un experimento en sí mismo, ya que aquí no hay canciones propiamente dichas, sino cuatro pistas en la que el sonido se ahonda vertiginosamente en ambientes de desconcierto, desfachatez, experimentación, sarcasmos y burlas sonoras y otros delirios varios, es todo un disco dedicado exclusivamente a eso, el delirio de estudio y la música experimental. 

La herencia post contracultural se extendió por el mundo a lo largo de muchas regiones, extendiéndose en el tiempo y en el espacio y haciéndose carne en movimientos de jóvenes con tendencias hippies y bohemias que se congregaban en estas culturas de: rock, filosofías de libertad, alucinógenos, y formas de vida comunal; es por eso que a menudo se pueden encontrar discos muy influenciados por la psicodélia aparecidos todavía en los primeros años de la década de los 70s en países del tercer mundo. Fue en Argentina donde esta noción se extendió en los jóvenes durante la década de los 70s e incluso los 80s, siendo las bandas de rock surgidas en este país en la década de los 70s las que llevaron la bandera de estas nociones bohemias que plasmaban en su concepción de la vida y el arte. El disco ‘’Tontos (Operita)’’, refleja muy bien esta noción experimental heredada de los movimientos contraculturales estadounidenses, esto de entrar al estudio y experimentar de tal forma que terminaban produciendo una música inaudible para el oído convencional y que era creada con tal fin, con la meta de chocar, romper la barreras de la música fácil, armados con todo un arsenal moral de sarcasmos, ironías, políticas, y burlas, además de la experimentación mismas que era el método con el cual lograban que todos esos aspectos no musicales tengan lugar en una música experimental.

Ese sentido de música creada a través una pulida producción de estudio fue propuesta por muchos en aquellos años, tal vez el más destacado caso sea el estilo de Frank Zappa y su Mothers of Inventions, en discos como por ejemplo ‘’Lumpy Gravy’’ de 1968, que consisten en una travesía de delirios, pastiches de voces y charlas, sumado a diversos fragmentos musicales vanguardistas, lo cual, todo pegado entre sí, formaba una música sin nombre y totalmente experimental. También hay ejemplos similares como ‘’An Evening with Wild Man Fischer’’ de Wild Man Fischer y publicado en 1968 (disco producido por Frank Zappa), u otros ejemplos como ‘’Raise Of Eyebrows’’ de Ron Geesin de 1967, o el ‘’Rock and Other Four Letter Words’’ de los artistas Marks And Lebzelter, publicado en 1968.

‘’Tontos (Operita)’’ es un experimento de estudio dividido en dos partes, el lado A que es la parte ‘’acustica’’ y el lado B que sería la parte ‘’electrica’’, y la división del sonido consistía en exactamente eso, el lado A con pastiches de charlas, voces, efectos de sonidos y agregados instrumentales especialmente acústicos, o sea hechos con guitarra acústica, mientras que el lado B consistía en el mismo delirio pero esta vez con implementación de guitarras eléctricas, lo cual termina explotando con el grupo tocando el tema ‘’Tontos’’ en formato banda eléctrica. En estas arremetidas bizarras se pueden apreciar las idiosincrasias de la banda, ironizando sobre el poder, haciendo referencia a la guerra de Vietnam, con algunas visiones sobre la moral del mundo, o mostrando incluso un costado más íntimo del ambiente en que funcionaba la banda ya que se pueden escuchar charlas y diálogos varios entre ellos, consistiendo básicamente en burlas y chistes internos.

En la etapa del rock argentino de la generación de la década de los 70s fue común el encuentro de estos movimientos culturales con las fuerzas de autoridad militares, las cuales no dudaban en reprimir y censurar los conciertos, las producciones discográficas y hasta la vida misma de las bandas y sus músicos. Así como al disco ‘’Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones’’, de la banda argentina Sui Generis, se le retiraron un par de canciones  originales y parte de algunas letras las tuvieron que modificar por considerarse ‘’subversivas’’, o como a la comuna argentina de jóvenes artistas llamada La Cofradía de la Flor Solar a la cual le inventaron una causa por drogas para tener la excusa perfecta para allanarla y desarmarla. Pues fue a La Pesada del Rock & Roll que también molestaron, especialmente en el concierto que dicha banda estaba por dar en el mítico estadio de Luna Park ubicado en la ciudad de Buenos Aires. El viernes 20 de octubre de 1972 se organizó en el Luna Park un multitudinario festival de rock, con La Pesada y artistas amigos: Pescado Rabioso, Litto Nebbia y su grupo Huinca, Aquelarre, Color Humano y Pappo's Blues, en el marco de las Jornadas para la juventud. Lo cierto es que el evento, que había comenzado con cierta paz, terminó en una represión total por parte de la policía y con un descontrol de los jóvenes que se habían congregado en el lugar y que reaccionaron ante la agresión. Billy Bond se refería a estos eventos años más tarde durante una entrevista: ‘’Lo del Luna Park es una historia bien concreta. Eran momentos de represión, eran momentos en que el sistema estaba apretando mucho, era una cosa muy pesada, el rocanrol era una cosa absolutamente marginal, era una cosa que era de otro mundo y te trataban como si fueras guerrillero''. El disco ‘’Tontos (Operita)’’ fue creado como una respuesta musical que reflejaba esa situacion vivda en el Luna Park.

Cod: #1572

21 jul 2021

Marks And Lebzelter - Rock and Other Four Letter Words (1968)

Este disco es un trip total, un viaje de principio a fin en el que prácticamente no hay mucho de canción como la conocemos, salvo por algo de góspel o soul, o algo de rock psicodélico, mientras que el resto consiste en pura experimentación de estudio caracterizada por las típicas inquietudes de la época: la incorrección sonora, el delirio, la psicodelia, el desconcierto, la desfachatez, la irreverencia, la búsqueda de chocar contra muchos estándares siendo la experimentación un vehículo para buscarlo y lograrlo a las claras.

Es un trabajo con una concepción muy amplia y deliberadamente experimental, apareciendo una pieza de góspel, otra con un estilo soul, algo de rock psicodélico, aunque el núcleo sonoro de este álbum proviene de voces habladas, especialmente de entrevistas realizadas por Johnny Marks para su libro que también fue llamado ‘’Rock And Other Four Letter Words’’ y que también fue lanzado en 1968, publicado antes de que se publicara este disco con el mismo nombre. De alguna manera los autores del disco quisieron hacer una continuación sonora reflejando la idiosincrasia del libro pero plasmándola en sonido, el resultado sería este, todo un aquelarre hippie contracultural. En este disco se incluyen numerosos extractos recortados y procesados de dichas entrevistas en las que aparecen muchas estrellas de rock jóvenes del momento, incluidos Pete Townshend, Jimmy Page, Brian Wilson, Grace Slick, etc., enorme lista de colaboradores invitados, incluidos los músicos de jazz Alan Silva, Andrew Cyrille, Roswell Rudd y Burton Greene.

Y por supuesto no podía faltar el misticismo tan típico de la época, manifestado especialmente en un track en particular, otra pieza que representa un viaje, en este caso un viaje por alguna galaxia lejana, la pieza llamada ‘’Essence of It’s Own’’, segundo track del disco, que plantea una nueva forma de hacer psicodélia acercándose a una experimentación vanguardista en un ambiente de ensueño que parece adentrarse en un mundo de delirio y exotismo ritual cósmico que seguramente habrá sido la delicia para algún psiconauta de la época.

Hay por aquí también algo de electrónica dando vuelta, con un acercamiento a la música concreta, se puede apreciar a las claras las sutiles implementaciones sonoras electrónicas que aparecen en varios pasajes del disco. E incluso estas palabras aparecen en la contraportada del disco original: "Este álbum está dedicado a Karlheinz Stockhausen, que nos destrozó los oídos para que pudiéramos oír". Es difícil creer que este disco es el resultado de la primera vez en un estudio de estos dos artistas, Johnny Marks y Shipen Lebzelter, un dúo con sede en Nueva York, y también es el primer y único trabajo discográfico que publicarían.

Esto es todo un pastiche de diversa manufactura, creado por jóvenes entusiastas que seguramente contaban con el dinero suficiente para costear y producir este experimento. La producción fue llevaba a cabo gracias a la ayuda de los ingenieros internos, y de John McClure, quien ha trabajado por ejemplo con Harry Partch, y sin duda que el resultado de este disco tuvo una producción muy trabajosa y esmerada, todo un experimento de estudio donde se congregan voces, entrevistas, irreverencias corales e instrumentales, algo de música, electrónica, psicodélia y quehaceres hippies varios.

El sonido es una real capsula de tiempo que captura mucho de lo de su época y lo atrae a los oídos de los futuros/actuales psiconautas que puedan interesarse en la psicodelia, para los cuales este trabajo será una delicia para su escucha. Realmente no hay tantos momentos musicales especialmente memorables en el trabajo, la canción casi no se hace presente como la conocemos, convirtiéndose todo el trabajo en una exploración por terrenos desconocidos, utilizando muchos elementos no necesariamente musicales para crear así una música experimental, música concreta, experimental, un real extracto de ambientes, guiños y yeites de la época. En los oídos de un oyente más convencional esto tal vez pueda parecer extraño e incómodo, pero quienes gusten de la psicodelia y el freak out típico de la época, esto entonces será perfecto para amenizar sus trips lisergicos y existenciales.

Cod: #1571

14 jul 2021

The Orkustra - Adventures In Experimental Electric Orchestra From The San Francisco Psychedelic Underground (1967)

Este emprendimiento refleja perfectamente el espíritu creativo del movimiento under de rock psicodélico que estaba surgiendo en la zona de San Francisco a mediados de los 60s, con la psicodelia punzante marcando el espíritu y la experimentación como bandera, pero esta banda supo salirse de los cauces establecidos y propuso una música que se diferenciaba de cualquier otra entre sus coterráneos y contemporáneos, ya que lo propuesto aquí es un estilo sin nombre y de una extraña identidad que refleja un profundo interés por las músicas del mundo  y por la fusión de las mismas, saliéndose del mero rock parar traer a este elementos de jazz, blues, folk, música clásica y música tradicional hindú.

Este estilo es muy particular y diferente a todos en su época, parece una música prototípica que bebe de muchas fuentes, demostrando en sus armonías y melodías sabores muy diversos, es como una pequeña orquesta hippie de música proto sinfónica de rock. En realidad, y pese a tener un marcado sabor a distintos elementos, es difícil de definir este sonido tan experimental y particular. Parecen valerse de esa tendencia de la época hippie de hacer improvisaciones y extensas sesiones, por lo que, dentro de un espectro cuasi académico, también demuestran estar plenamente embebidos por los movimientos contemporáneos: rock, psicodelia, experimentación, improvisacion, extensas sesiones, y extrañas presentaciones en vivo con músicas experimentales y delirantes.

La extravagancia de esta música se debe un poco a que la calidad de la grabación es baja, sumado a esto las composiciones que eran totalmente extrañas y atípicas, el resultado de esta conjunción deja un estilo de música prototípica sinfónica con un aire experimental, místico y delirante, exploraciones instrumentales de aire sinfónico con trazas de varios elementos dando vueltas por las armonías. Es música prototípica y más para su época, parece proto fusion, proto third stream, proto progresivo, es un estilo indefinido que guarda en su interior una creatividad muy particular propia de lo que es, un experimento único en su tipo en su época.

Esta pequeña orquesta psicodélica hippie fusionó rock autodidacta con música académica, inspirados por el ambiente creativo del momento en la bahía de San Francisco, un momento de contracultura y agitación artística, bandas surgiendo por todos lados, oportunidades por doquier y jóvenes viviendo el día a día con lo justo y necesario. Ese fue el ambientes en el que se creó la banda, siendo una loca ideación del creador del grupo, el guitarrista Bobby Beausoleil, quien había llegado a la zona de la bahía en búsqueda de nuevas aventuras musicales y pronto se vio a si mismo  divagando con crear toda una pequeña orquesta eléctrica psicodélica. Pronto los músicos adecuados irían apareciendo, pero en el proceso pasaron muchos aspirantes que huyeron despavoridos o no quisieron saber nada con la idea original que inspiraba el grupo: hacer música compleja, psicodélica e improvisada.

Aunque The Orkustra alcanzó a tocar mucho en el área de la bahía y en muchos festivales junto a grandes de la epoca, el grupo no tuvo mayor suerte y pronto se separaría, sin haber grabado nada oficialmente en estudio. La banda estuvo unida solo por poco más de un año antes de separarse en 1967. El grupo estaba integrado por el violinista David LaFlamm, el bajista Jaime Leopold, el baterista Terry Wilson y Henry Rasof en oboe. El quinteto se completaba con el por aquel entonces joven músico Bobby Beausoleil, líder, ideólogo y creador del grupo. Beausoleil fue contratado, en 1967, por el cineasta experimental Kenneth Anger para componer la banda sonora de su película ‘’Lucifer Rising’’. Se dice que Beausoleil cometió un crimen en 1969 por el cual fue condenado a cadena perpetua, por lo que tuvo que recibir un permiso especial para poder componer y grabar en prisión la banda sonora para dicha película.

The Orkustra  no alcanzó a publicar nada en su momento y tampoco alcanzó a realizar grabaciones oficiales de estudio. Afortunadamente, el violinista del grupo, David LaFlamme, guardó cintas de espectáculos en vivo y sesiones de práctica, las cuales quedaron guardadas durante décadas y no fue sino hasta el 2006 que fueron rescatadas y publicadas en un disco llamado ‘’Light Shows For The Blind’’, y en el 2009 también en otro disco llamado ‘’Adventures In Experimental Electric Orchestra From The San Francisco Psychedelic Underground’’ el cual presentaba las mismas grabaciones de la publicación del 2006 pero sumadas a otra buena cantidad de grabaciones hasta entonces inéditas. Este material es una capsula de tiempo que resguardó mucho de lo de su época, el quehacer vivo de los movimientos under de la época, sobreviviendo hasta el día de hoy y pudiendo ser escuchado luego de varias décadas.

Una de las particularidades de estas grabaciones es lo que ocurre con la pieza ‘’Bombay Calling’’, un tema con una melodía muy conocida, compuesta por la banda y que al parecer el mismo David Laflamme la llevó consigo a su próximo proyecto, la banda It's A Beautiful Day, banda con la reformarían ‘’Bombay Calling’’, publicándola en el disco homónimo de la banda, ‘’It's A Beautiful Day’’, de 1969. Luego, la banda Deep Purple tomaría prestada la melodía de ese tema para replicarla en su composición ‘’Child In Time’’. 

El propio vocalista de Deep Purple, Ian Gillan, reconoció finalmente el parecido de ambas canciones en una entrevista: “Hay dos partes en esa canción, la parte musical y la parte lírica. En la parte musical, había una canción titulada “Bombay Calling” de un grupo llamado It’s a Beautiful Day. Jon la tocó un día al teclado y parecía algo fresco y original. Sonaba bien y pensamos que podríamos jugar un rato con la melodía, cambiarla un poco y hacer algo nuevo que mantuviera la base. En aquel momento, yo no había oído aún el original “Bombay Calling”. Así que creamos esa canción con la Guerra Fría como el tema de la letra, y escribí las líneas “Sweet child in time, you’ll see the line”. Así es como surgió la letra. Entonces, Jon acabó de escribir la parte de teclado y Ritchie la de la guitarra. La canción refleja básicamente el estado de ánimo del momento y por eso se hizo tan popular”.

Cod: #1570

10 jul 2021

Chicago Transit Authority - Chicago Transit Authority (1969)

Chicago Transit Authority es toda una autoridad en su época en cuanto a sonidos tempranos de jazz-rock y también marcando el rumbo a lo que a la fusión de formato banda con el estilo de big band de instrumentos de viento respecta. Nacida hacia finales de los años 60s, la banda oriunda de Chicago comenzó bajo el nombre de Chicago Transit Authority, nombre homónimo bajo el que también funcionaría su primer disco. Luego de este lanzamiento, para evitar problemas legales, debieron cambiar al nombre de Chicago, nombre bajo el que funcionan hasta hoy en día.

El homónimo primer trabajo publicado por la banda fue el doble disco ‘’Chicago Transit Authority’’ lanzado en 1969, una obra cumbre de la música popular rock estadounidense, un disco representativo del sonido de Chicago y muy probablemente el disco más representativo de la banda. En el mismo presenta una esmerada fusión de pop/soft rock con arreglos de viento que se desparraman por todo el disco dotándole al mismo de una identidad auténticamente propia y distintiva del resto de las bandas de la época

Este es un clásico de época que tiene todo lo que un buen trabajo de su época debe tener para estar a la altura: variedad en la composición con la introducción y los diversos desenlaces, temas pop/rock, buenos solos de guitarra, un poco experimentación sonora, algo de jazz que se filtra en los arreglos de viento en muchas canciones, y la frutilla del postre, lo que no puede faltar en las producciones del momento, un track extenso de sesión plagada de improvisaciones y solos, que aparece al final de la lista y termina de romper con la canción para presentarse en un desenlace en tiempo extendido. Todo este repertorio muy amplio ofrece una variada gama de composiciones diversas para escuchar a lo largo de los dos discos que originalmente componían la publicación en vinilo de época.

A su vez cada canción comprende en sí misma un desarrollo particular y único, con sus respectivas introducciones, desenlaces, partes instrumentales, solos, agregados instrumentales y finales, todo un repertorio compositivo que refleja el compromiso de la banda para con la obra publicada, sensación que se exacerba en la escucha de las que canciones mismas, las cuales en su mayoría son grandes acierto melódicos ya que son bastante pegadizas y agradables en general.

Uno de los momentos más particulares del disco ocurre en el track ‘’Free Form Guitar’’ que básicamente consiste nada más en la grabación en directo de una guitarra eléctrica distorsionada acoplando contra un amplificador, al fiel estilo Jimi Hendrix. Toda una declaración de intereses y un track de antología único en su tipo hasta el momento que refleja el quehacer eléctrico de las bandas de rock del momento. En los créditos del disco original figura la siguiente inscripción acerca de ese track: ‘’Free Form Guitar fue ejecutado por una guitarra eléctrica Fender Stratocaster sonando a través de un amplificador Showman equipado con un amplificador Bogan P.A. siendo utilizado como preamplificador. Ningún truco o efecto electrónico se le fue agregado al sonido, siendo grabado directamente tal cual salió.’’

Otro de los momentos más particulares del disco ocurre en el llamado ‘’Prologue, August 29, 1968’’, tratando de una grabación de ambiente de lo que fue una marcha por luchas raciales típicas de la época, que también es una muestra clara de lo que era el ambiente social del momento en los Estados Unidos. Para terminar, otro momento destacado del disco, ‘’Liberation’’, una pista de sesión con full solo de guitarra e improvisaciones extensas, un sonido grabado en vivo y en directo, completa y sin cortes ni agregados de estudio.

Cod: #1569

9 jul 2021

Beacon Street Union - The Clown Died In Marvin Gardens (1968)

The Beacon Street Union fue una banda de la Costa Este, de Boston, Estados Unidos, muy aclamada en la zona que grabó dos álbumes para MGM. Formaban parte de lo que vagamente se denominó ‘’Bosstown Sound’’ junto con bandas como Ultimate Spinach y Orpheus. Esa etiqueta no significó un sonido en particular pero servía para denominar al conjunto de bandas locales que había surgido y también para signar al movimiento psicodélico local, con clubes y bares a donde iban a tocar bandas como Spirit, Led Zepplin, Jeff Beck, The Greatful Dead, entre otros.

El Bosstown Sound (o Boston Sound) fue el eslogan de una campaña de marketing para promocionar el sonido de rock y pop psicodélico de bandas oriundas Boston, Massachusetts, a finales de 1960. El concepto fue concebido por el productor discográfico Alan Lorber como una estrategia de marketing destinada a establecer a varios artistas musicales underground nativos de la ciudad en las listas nacionales y competir con el popular San Francisco Sound . Lorber eligió Boston para su plan debido a las diversas bandas que se estaban desarrollando en la ciudad, la abundancia de lugares de música (como el Boston Tea Party), y la proximidad de MGM Records, que había firmado los grupos centrales.

‘’The Clown Died in Marvin Gardens’’ es el segundo álbum del grupo, lanzado en 1968 con una portada lúgubre con la muerte de un clown al que la banda está velando. La portada del disco fue creada por el fotógrafo Joel Brodsky, también encargado de crear la portada de ‘’Strange Days’’ de The Doors, entre tantos otros discos. El álbum fue promovido por su lanzamiento único de su versión del clásico del Rock 'n' Roll ‘’Blue Suede Shoes’’. El sonido diverso y dinámico de la banda fue influenciado por bandas como Yardbirds y The Remains. 

Este trabajo tiene tintes de obra conceptual, desde el nombre del disco mismo y la portada que hablan de la muerte de un clown, hasta el inicio del disco, comenzando con una pieza de pop rock psicodélico con arreglos orquestales y un muy buen solo de guitarra hacia el final, un sonido alucinante que se continúa con el segundo track que trata ni más ni menos de una pieza sinfónica de gran orquesta, un sonido arrollador y un comienzo inesperado y alucinante para el disco. Luego el trabajo pierde ese sentido de amplitud que tienen las obras conceptuales, con algunas canciones que aunque suenan interesantes no están a la altura de las primeras piezas que presenta el trabajo.

Ese es uno de los grandes misterios y gracias de las producciones discográficas de la era psicodélica, fue una era de obras maestras, no solo por las grandes bandas del género que evidentemente publicaron sus grandes trabajos que se volvieron icónicos de inmediato dentro del estilo, sino que esto se extendía incluso a las bandas menores, poco conocidas y de menores recursos económicos, las cuales, a pesar de ello, de la nada se aparecían con un disco conceptual, contando con arreglos sinfónicos y creaciones innovadoras. Es por ello que vale la pela bucear en los discos de la época, aún quedan muchas joyas por descubrir.

Es un interesante disco de rock y psicodelia con todos los condimentos necesarios de la época: delirio, visiones conceptuales, blues-rock, experimentación psicodélica, una extensa sesión improvisada, un bueno solo de guitarra, arreglos orquestales, además de una muy buena producción que lo ubica como un muy buen ejemplo de obra psicodélica de su época.

En la psicodelia de la época era común que los músicos hippies, en las tocadas en vivo, hicieran extensas improvisaciones, costumbre tan característica de la contracultura que se reflejó también en las producciones discográficas, apareciendo muchas veces en los discos un track consistiendo en exactamente eso, una extensa improvisación instrumental repleta de solos y agregados sonoros que tendían hacia la experimentación psicodélica. En diferentes discos aparecen distintas versiones de esa extensa sesión: el ‘’Interestelar Overdrive’’ que aparece en el primer disco de Pink Floyd y que consiste en una extensa sesión de experimentación instrumental, o el ‘’1983... (A Merman I Should Turn To Be)’’ que aparece en el Electric Ladyland de Jimi Hendrix y que también consiste en una extensa sesión pero esta vez ya con una composición más sofisticada y agregados de efectos de estudio. 

Y para el caso de este disco, ‘’The Clown Died In Marvin Gardens’’, también nos encontramos con una extensa sesión. Esta vez Beacon Street Union se encarga de tomar un blues clásico muy tocado en la época como lo es ‘’Baby please don’t go’’ para recrearlo a lo largo de una extensa versión de diecisiete minutos de duración, transitando por muchas partes improvisadas que varían en diversos momentos internos.

Cod: #1568

26 jun 2021

Julie Driscoll, Brian Auger & The Trinity - Streetnoise (1969)

Brian Auger estuvo allí como gestor de fusiones tempranas y fue parte de la corriente que experimentó y llevó a la psicodelia hacia terrenos de mayor sofisticación, armando con su versatilidad técnica en teclados con la que fusionó el rock y el jazz.  Por su parte, Julie Driscoll fue una exitosa cantante que también funcionó durante esos años de contracultura y prototipos progresivos, teniendo gran acercamiento a la psicodélica, y al jazz rock mismo. A banda para esta ocasión se completaba con David Ambrose en bajo y Clive Thacker en batería.

Los músicos de aquella época a menudo manejaban varios estilos a la vez, siempre dentro de lo que sonaba en el momento, fusionando jazz, rock, funk, blues, soul, entre otros, por lo que muchas veces los discos que publicaban presentaban varias facetas, explorando fusiones o estilos diversos. ‘’Streetnoise’’, de 1969, es uno de esos trabajos con buenas miras hacia una propuesta de variado índole, también acercándose hasta el mote de trabajo conceptual u operístico, o por lo menos en su estructura es lo que insinúa, siendo un disco doble, con un sinfín de composiciones que van desde lo que parece ser algo de progresivo temprano, jazz-rock, elementos acústicos, pop rock, y muy buenos atascos con improvisaciones obviamente de la mano del órgano de Auger.

Al tratarse de un disco doble ofrece la posibilidad de encontrar un repertorio muy extenso, liderado siempre por hammonds y pianos, contando además con un par de canciones más pegadizas como ‘’Indian Rope Man’’ o ‘’Let the sunshine in’’, donde las melodías movidas no se dejan de esperar; también hay una reinterpretación del ‘’Light my Fire’’, de The Doors, aunque reinventada de forma particular, casi progresiva, con un desenlace que la quita lejos de su versión original. El disco en realidad cuenta con gran cantidad de reinterpretaciones de temas de otros artistas, incluyendo versiones de: "Take Me To The Water" de Nina Simone, "Save the Country" de Laura Nyro, "All Blues" de Miles Davis, "Indian Rope Man " de Richie Havens, y "Let The Sunshine In" y "I Got Life" del musical Hair

La obra ya desde sus cimientos y su portada insinúa ser algo fuera de lo común, lo cual se confirma en el sonido, con lo que parecieran ser implicancias socio-politicas en su concepto, y con una interpretación y elaboración muy esmeradas y centradas, presentando formas que se salen de lo común, momentos muy significativos desde lo instrumental y lo creativo, para cimentar un sonido que llama la atención de inmediato y que debió tener más suerte en cuanto a su repercusión, no es un disco más de la época, es una obra que se destaca del resto.

La grabación es nítida, equilibrada en una idiosincrasia artística propia que los llevó a salirse de los surcos del mote de disco de rock estándar para ubicarse en un sonido puramente creativo, reinterpretado todo bajo la particular visión del sonido de Hmmond B3 de Auger, reafirmado bajo una fulguración creativa muy particular que se presentan y asombra con un sonido excitante y muy significativo a todo momento, el disco es extenso pero nada de lo que ofrece está de más. El sonido cuenta con la virtud de Julie Driscoll, un cantante que puede llegar a unas notas muy altas con una facilidad notable y una gran potencia, con un estilo de voz dulce pero también con buena dosis de blues y rock.

La extensa desenvoltura de la obra puede llevar a la desazón, es una obra muy extensa y significativa, por lo que exige una escucha atenta, exige y demanda tiempo para dedicarle especialmente a su escucha y a la apreciación de cada detalle y momento porque la elaboración los ha llevado a la creación de una música que transita por diversos pasajes que varían en intensidad y sofisticación, porque todo lo ofrecido pareciera conectarse artísticamente bajo un halo de lo unifica en una misma cosa, funcionando como un álbum conceptual.

Los oscuros surcos que este sonido alcanza provienen de un lugar donde yacen posando los frutos tempranos de una generación ávida en andanzas y movimientos y ávida en innovación, que ya desde el comienzo de sus carreras comenzarían transitar y los cuales no tardarían en madurar en formas mucho más elaboradas de fusión, comenzando a trazas el camino desde formas tempranas de R&B y soul, pasando por la psicodelia hasta llegar a formas prototípicas de un progresivo que ya estaba dando qué hablar entre sus contemporáneos.

La carrera tanto de Driscoll como de Auger tuvo fuertes conexiones con la música progresiva y el jazz-fusion y de vanguardia. Driscoll se casó con el músico compositor Keith Tippet, por lo que desarrolló un fuerte vínculo con la música de vanguardia, además de ser requerida como vocalista de sesión. Por su parte Auger también tuvo mucha relación con el jazz-fusion con su Oblivion Express, y también sería un música de sesión muy requerido en su época, llegando a tocar con músicos como Rod Stewart, Tony Williams, Jimi Hendrix, John McLaughlin, Sonny Boy Williamson, Led Zeppelin, Eric Burdon, entre otros.

Cod: #1567

19 jun 2021

Group 1850 - Agemo's Trip To Mother Earth (1968)

Publicado originalmente en 1968, este es el primer lanzamiento de la banda holandesa Group 1850, un artefacto perdido del rock holandés que no tiene tanto que ver con el progresivo como se dice por ahí sino más bien está relacionado con la psicodélia y la experimentación rumbo a esos lares de delirio y cierto misticismo. La banda, aunque no alcanzó fama fuera de su Holanda natal y no tuvo un gran despliegue histórico en su país, aun así con su primer disco se ubicó como uno de los primeros proyectos psicodélicos de Holanda, con una propuesta que realmente ahonda en muchos momentos de gran goce lisérgico experimental. Con el tiempo la banda ha ido obteniendo algo de reconocimiento hasta tal vez ubicarse, con su primer lanzamiento, como una de las propuestas más delirantes de la psicodelia europea de la época.

Su álbum debut apareció en 1968, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, haciendo un evidente guiño hacia la psicodelia de la época, de la cual se nutren y proveen, apareciendo esta desde el comienzo hasta el final del trabajo, empapando a la producción rockera propuesta. Fueron agiles al momento de crear propuestas delirantes, en su mayoría las pistas son trips que conducen al delirio, con una producción delicada donde aparecen sutiles propuestas de delirio sonoro, experimentación, ambientes, etc. En los Países Bajos, el disco poseía una portada que tenía una imagen en 3-D y venía con un par de lentes en 3D para poder verla correctamente.

Un rol que cumplió la psicodelia fue el de, no solo romper con viejas tradiciones morales post segunda guerra mundial, sino también, destruir la estructura básica de la canción, proponiendo nuevas formas que se salían de los cánones artístico y se ubicaban en un lugar de fulguraciones creativas. Si bien el maistream comercial del rock psicodélico sí utilizó la canción, lo cierto es que cuando muchas bandas de la época experimentaban, en esa búsqueda bajo efectos alucinógenos, muchas veces aparecían sonidos que difícilmente podían ser ubicados bajo una forma reconocible, apareciendo fusiones con diversos estilos, experimentando en estudio con sonidos alterados lo que daba como resultado un vanguardismo sonoro, apareciendo también las extensas improvisaciones donde se caía en delirios instrumentales, etc.

En este disco aparecen algunas de esas salvedades creativas típicas de la época, por ejemplo la pieza ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’, un track de trece minutos de duración extendido en un trip psicodélico de gran experimentación que logra alcanzar una complejidad llamativa al transitar por buena cantidad de partes y momentos diversos, tal vez por eso eventualmente se tilde al disco de ‘’progresivo’’, pero esa pieza tiene relación directa con la psicodélica, con experimentaciones varias y hasta para una sesión donde suena solo una voz y en el fondo una batería. Luego, las utlimas tres piezas del disco también cuentan con su peculiaridad, viajes delicados que se suceden entre pasajes calmos pastorales, recitaciones y más ambientes delirantes.

Todo el disco en sí mismo en una gran puesta en escena creativa presentando una serie de piezas de variado índole psicodélico y de diferente manufactura, una travesía que parece conceptual, con un concepto ininteligible que hace referencias a la ‘’mother earth’’ y a la ‘’universal people’’. Esta es una gran adición a la colección psicodélica, con un disco que está realmente a la altura de la época en producción y creatividad y provee de un buen trip al oyente. Se destacan piezas como la mencionada ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’ y otra pieza de gran goce es la llamada ‘’Little Fly’’.

La banda se fundó en 1964 en La Haya, Holanda. Comenzaron bajo el nombre Klits, en una clara referencia al clítoris, pero rápidamente cambiaron su nombre por el de ‘’Group 1850’’. En 1966 su single debut, "Misty Night" / "Look Around", apareció en el pequeño sello Yep. En 1968 publican su disco debut, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, bajo el sello ‘’Philips’’. Un lanzamiento en el Reino Unido (también en Philips) no ayudó a la banda a afianzarse fuera de los Países Bajos, y Philips los abandonó poco después. Su siguiente álbum, ‘’Paradise Now’’, apareció en el sello discográfico holandés Discofoon en 1969 y fue solo un poco menos influenciado por el ácido que su predecesor. La banda se disolvió poco después, pero estuvo esporádicamente activa durante la década de 70s.

Cod: #1566

17 jun 2021

Gal Costa - Gal (1969)

La tropicalia brasilera se inspiró directamente de la contracultura norteamericana y de su evidente arte psicodélico, manifestándose en un movimiento paralelo reversionado a la brasilera, y fugaz pero muy intenso que me hizo carne en un disco que funcionó como todo un manifiesto, el ‘’Tropicália: Ou Panis Et Circencis’’ de 1968, que integró a los artistas de rock emergentes de la época que se había alineado bajo esa vision, los cuales a su vez también publicaron sus respectivos discos solistas. Entre ellos figuraban Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Os Mutantes, y además aparecía la figura de Gal Costa, una cantante que había comenzado a hacer sus primero trabajos junto a Veloso y que no tardaría en comenzar a publicar sus trabajos solistas, con los cuales, por lo menos en los primeros de ellos, continuaría dicha temática de tropicalismo exótico.

‘’Gal’’, de 1969, es el segundo lanzamiento solista de Gal Costa, un clásico y explosivo detonante del movimiento tropicalista de la música Brasilera, un disco mucho más oscuro que su debut discográfico publicado unos meses antes ese mismo año. Para su segundo lanzamiento remarca las líneas melódicas y les agrega formas de rock, agrega un poco de funk a la mezcla y continua por la senda deliciosa de los sonidos y experimentación psicodélica. Con la participación de los por aquel entonces jóvenes Gilberto Gil y Caetano Veloso. Incluye temas de Jorge Ben, Jards Macalé y Roberto & Erasmo Carlos.

Tropicalia, rock afro, robusto en exotismo tropical, ensimismado en fusiones de un fuerte sabor groove afro, donde surgen momentos de aparición del funk en bases agiles y armonías típicas en las guitarras. O el segundo tema del disco, llamado ‘’Tuareg’’, donde se hace una fusión con un estilo de melodías típicas africanas. Y también por supuesto la aparición de la bossa nova en armonías y rasgueos, melodías exóticas, y obviamente también reflejadas en esa alegría jocosa que trasmite con sus canciones el tropicalismo y al música popular brasilera en general. E incluso la producción del disco se adentra mucho más en fusiones con funk que con bossa nova, reflejado tan característicamente en las armonías de las guitarras, los riffs del bajo y las percusiones agiles tan típico de funky, demostrando la versatilidad de los músicos para manejar diversos estilos y diversas fusiones, y reflejando la clara influencia del funk y soul estadounidense que pesaba sobre ellos y que no temieron usarlo a su favor en la construcción de la mayoría de los temas.

La materia prima con la que se construye el disco son los atascos groove con guitarras funky y algo de distorsión, donde se agregan algunas voces delirantes al mando de Gal y algunos otros eventuales agregados percusivos. Hay momentos de mucha experimentación, un par de tracks donde aparecen agregados orquestales, especialmente para el tema ‘’Objeto sim, objeto não’’, que comienza con unos sonidos y samples de voces alteradas en estudio, que continua en una canción también funky sobre la que aparecen más arreglos orquestales, una fusión deliciosamente extraña, un delirio muy agradable y justo al que recae el disco luego de una serie de pegadizas canciones que no tienen desperdicio alguno.

En comparación con su lanzamiento debut, este segundo trabajo se inmiscuye mucho más en el funky y en el rock, con una sensación general de psicodélia que se desparrama por todo el disco, especialmente en esa fusión con funk y en las guitarras acidas que desparramas sus solos por muchos pasajes de este artefacto. ‘’Gal’’ no tiene tanto sabor melódico de música popular brasilera, tiene más de rock y contracultura, poder político y experimentación cultural, que tanto caracterizó los mejores años de la tropicalia. Es considerado por el público y la crítica como su disco más psicodélico y experimental.

En el mundo de la psicodélia de la época hubo un punto importante de inflexión que marcó un precedente y sentó las bases de una música pop-rock moderna y actualizada, sirviendo también como un símbolo de obra conceptual psicodélica que elevó al género hasta niveles insospechados y que inspiró a muchos trabajos conceptuales que surgirían posteriormente aquellos año, con también roces con la orquestación y la experimentación conceptual, y eso fue precisamente por la aparición del ‘’Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’’ de los Beatles. La aparición de dicho álbum inspiró a muchos contemporáneos y creó el mote de ‘’obra maestra conceptual psicodelica’’, estándar creativo que muchos en su época intentaron emular. Esto de alguna manera parece verse reflejado en el tropicalismo brasilero y en sus álbumes más representativos, siempre abiertos a fusiones, a composiciones de variado estilo, a experimentación sonora, y aparición de arreglos orquestales en algunas canciones.

Cod: #1565

13 jun 2021

La Cofradia De La Flor Solar - La Cofradia De La Flor Solar (1971)

La Cofradía De La Flor Solar surgió originalmente como un grupo de hippies y bohemios que vivían en comuna, inspirados principalmente por los valores de la contracultura estadounidense, como la vida natural, el amor libre, el pacifismo, etc., aunque ellos, como lo sería con la gran mayoría de las bandas argentinas de la época, no se limitarían, en cuanto a su producción artística respecta, a volverse una mera copia de estándares extranjeros. Este carácter personalista de animarse a transgredir las influencias para desarrollar un arte propio es carácter de las bandas argentinas de aquellas época, desarrollando sus propias visiones, su propia poética, sus propias concepciones del arte y del rock, carácter que marca a fuego todas las producciones discográficas de la época como una identidad nacional que se erige en la zona y logra distinguirse, de alguna manera u otra, de los demás.

El grupo comenzó como un emprendimiento artístico surgido en el seno de una comunidad hippie platense, hacia 1968. En la comunidad había artesanos, intelectuales, artistas plásticos, músicos, todos muy influidos por la cultura flower power, el pacifismo y los movimientos contraculturales que desembocaron en el Mayo francés, tópicos ineludibles en la cultura joven de la época. 

Entre algunos de los miembros que conformaban dicha comunidad figuraban entre otros el más tarde periodista de rock y ecologista Miguel Grinberg, los guitarristas Quique Gornatti y Kubero Díaz (posteriormente miembros de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll), el artista gráfico Rocambole Cohen y el guitarrista Skay Beilinson, estos dos últimos, futuros integrantes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

La Cofradía tuvo también ese rol característico de las bandas argentina de esa época de chocar contra los estándares morales impuestos, el del joven formal y educado que vestía como un adulto y se perfilaba para llevar una vida de estudio y familia, pero este grupo desafío esa visión tan establecida en el inconsciente colectivo reuniéndose como un colectivo o comunidad de jóvenes artistas que, luego de abandonar la universidad y animados por un espíritu que estaba surgiendo en la juventud, se reunieron y fueron a vivir todos junto en una casa que alquilaban en la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires, Argentina).

Ricardo ‘’Mono’’ Cohen recuerda lo siguiente sobre aquella época: ‘’Por ese momento con Luis Creus (un recién llegado con abundante experiencia en comunidades) habíamos tomado un poco las tiendas ideológicas de la cosa y decidimos actuar como managers de la banda. Conseguimos el Instituto Di Tella para hacer estrenar una ópera de La Cofradía. Se llamaba ‘’La Mezcladora de Cemento’’ y era como un especie de cuento de Ray Bradbury, audiovisual, porque tocaba La Cofradía de la Flor Solar y se proyectaban cosas en la pantalla. Era como una invasión de marcianos que llegan a la Tierra y son captados por el consumo y se hacen consumidores, o sea que ellos a su vez, son invadidos. Se hacen adictos a la Coca Cola, a los helados…’’

Por medio de un productor llamado Manuel Román, consiguieron grabar para el sello RCA, donde graban el simple ‘’La Mufa’’ y ‘’Sombra Fugaz Por La Ciudad’’. Al poco tiempo se edita el simple sin promoción ni apoyo de ninguna clase, salvo por la promoción que la misma banda le hacía. Más tarde, con el auspicio de Billy Bond, graban un demo para mandioca, del cual se termina editando un solo tema, ‘’Juana’’, que salió en el compilado ‘’Pidamos Peras A Mandioca’’, uno de los últimos discos que sacó el sello antes de desaparecer. Después, cuando Billy Bond empieza a hacerse famoso con La Pesada, les ofrece unas horas de grabación en los estudios Phonal, lo cual es aprovechado por la banda. En tan solo veinte hora La Cofradía graba todo el material para su disco debut e incluso graba algunos tema de más. Finalmente su disco debut homónimo fue lanzado en 1971 bajo el sello ‘’Microfon’’.

‘’El clima de las sesiones era como todas las cosas que hacíamos en la Cofradía. Iba toda la familia. Parecía que llevábamos el gato, los colchones. Cuando había giras viajaba gran parte de la comunidad, era como una manifestación. Y en los estudios también. Se sentaban, prendía inciensos, otros comían pasteles, las chicas traían grandes tortas. En fin,  el clima era bien de época. Por eso hay muchos agradecidos en la tapa del disco.’’, cuenta Ricardo ‘’Mono’’ Cohen en un entrevista con Alfredo Rosso, junio de 1996.

Este trabajo consta en su mayoría de rock, puro rock setentero donde aparece el folk y el blues, con ese toque fundamental argentino de la época, o sea rock duro, pesado y con buenos riffs y solos eléctricos, y a la vez este trabajo también representa uno de los puntos más álgidos que se hayan alcanzado dentro de la psicodelia en la Argentina, con una idiosincrasia nacida de la influencia de la contracultura norteamericana que se ve reflejada en muchos pasajes bastante volátiles ubicados en los sonidos de las guitarras, efectos de sonidos agregados y en las letras mismas que cuentan epopeyas de flores y luz.

El estilo de las composiciones recuerda al estilo de Luis Alberto Spinetta en cuanto a los arreglos vocales y a las letras metafísicas que hablan de eventos áureos sin nombre. Por otro lado los arreglos en guitarra eléctrica, con riffs punzantes y duros, recuerdan mucho al estilo tipico de La Pesada de Rock And Roll, cosa que no es de extrañar ya que el en cargado de la voz y la guitarra en este disco, Kubero Díaz, tenía mucho contacto con la mismísima Pesada, con la que grabó buena cantidad de veces.

‘’El disco fue presentado en Buenos Aires, incluso y la cosa estaba como para seguir para hubo un acontecimiento desafortunado. Estábamos en Mar Del Plata, compartiendo unos shows con Pedro y Pablo y el primer Sui Generis, cuando la policía allana la casa donde estábamos parando y el comisario de entonces nos inventa un asunto de drogas para liberarse de nosotros. Los diarios de esos días publican unas noticias como si hubieran capturado a Charles Manson. Enseguida la policía allana nuestra casa de La Plata. Los dueños rescinden en contrato y nos obligan a sacar nuestras partencias inmediatamente. Cuando volvemos se produce el desbande, de hecho, porque no teníamos a donde ir. La gente de Pedro y Pablo invita a algunos a vivir a su casa de la calle Conesa. Yo decido quedarme y trabajar en la feria de Mar del Plata con Enrique García. Otras se van a Brasil y algunos más a Europa. En ese momento quedamos en volvernos a reunir, alquilar algo y volver a epezar, pero la historia siguió su curso.’’, recuerda Ricardo ‘’Mono’’ Cohen sobre el fin de la banda.

Cod: #1564
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