12 feb 2025

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)


Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dado dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra el profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que su suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tienen nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

Cod: #1790

9 feb 2025

Missus Beastly - Missus Beastly (1970)

Esta agrupación alemana supo experimentar por aquellos años un constante cambio en su formación, lo que le trajo aparejado una notable y vertiginosa evolución en su sonido. Entre su primer y segundo disco hay un salto cuanto de sonidos desde unas ‘’primitivas’’ sesiones de rock delirante hippie hasta llegar a su segundo disco ya con una producción muy pulida de jazz rock progresivo. Estas evoluciones eran comunes en la época y signaban a las bandas con un destino común que hacía que fueran todos hacia un mismo horizonte de músicas que cada vez se volvían más complejas, más conceptuales y más profundas espiritualmente.

Algunos tuvieron una experiencia evolutiva con la que fluyeron de la mano, yendo de un blues-rock psicodélico hacia progresiones complejas y fusiones con jazz y música clásica. También otros quisieron alcanzar esa senda de evolución pero no lograron mucho dentro de esa pretensión más que algún disco fallido volviendo rápidamente hacia esa senda de comodidad en la que habían comenzado.

También hubo otros grupos, como el mismo Missus Beastly, para los que esa evolución fue prominente, alcanzando una migración rápida y sin atajos evolutivos intermedios, y logrando pasar de un sonido rustico hacia otros sonidos muy pulidos en progresiones virtuosas.

El homónimo ‘’Missus Beastly’’, de 1970, fue el comienzo discográfico de la banda, un puntapié discográfico inicial con el que presentarían varias sesiones de música aparentemente improvisada dentro de los típicos delirios hippies y géneros dentro del estilo, con momentos de delirio folk, momentos de jazzy blues, rock psicodélico y otros inventos aledaños de música rock under.

Toda la producción del disco cuenta con un espíritu delirante, poco pulido y de sesiones de no mayores composiciones sino ampliamente improvisado, es un experimento mayormente instrumental con el cual experimentar esos terrenos intermedios entre la psicodelia de canción y la musica progresiva compleja. Entre ello, estos eslabones prototípicos son artefactos interesantes para sumergirse y bucear entre las fulguraciones under de la época.

Todo el disco consiste en momentos de sesión, donde predomina la instrumentación y especialmente los atascos llenos de solos de guitarra eléctrica y órgano, o por ejemplo en ‘’Mean Woman’’ se vuelcan en un blues lento muy acertado dentro del género, y que no termina siendo más que otra excusa para volverse a volcar hacia una extensa sesión en los ocho minutos de duración que dura el track.

El sonido del disco es muy agradable, muchas veces cuando entran a la senda del jazzy blues hay una buena puesta en escena de sonidos, pero en general eso ocurre con todo, siendo una pieza impregnada por los elementos de la psicodelia universal, entre delirios, mucha improvisación, atascos instrumentales, y experimentos agradables.

Como era común en el momento, transitan por una buena variedad de sonidos, entre elementos folk, blues, jazzy, rock, unificado todo por el espíritu psicodélico del momento y por el ambiente hippie de su Alemania natal. Nada de krautrock hay aquí ni de cerca, no se acercan a lo electrónico, esto es más bien una andanza en tierras de rock y delirios hippies más de estilo todavía contracultural y no tanto con fusiones electrónicas. 

Esa era primitiva de la banda llegó a su fin debido a que el grupo no contaba con grandes pretensiones comerciales, los constantes cambios en formación daban cuenta de ellos. El grupo incluso logró que les robaran sus nombres y un grupo usurpador logró lanzar algunos álbumes con este nombre. No se volvió a saber más del gripo hasta que algunos ex miembros, hacia mediados de la decada del 70, se reagruparon y volvieron a las andanzas bajo el mismo nombre pero ya con ese sonido más pulido y fusionado dentro del jazz fusión progresivo.

El legado de Missus Beastly forma parte de una generación de bandas alemanas que producirían una enorme cantidad de discos fusión, muchas veces tendidos hacia la influencia del rock y la experimentación, pero sin dejar de lado el jazz y los experimentos aledaños, desde grupos como Kraan, Frob, Thirsty Moon, Passport, Out Of Focus, Missing Link, Embryo, Wallenstein, Dennis, Brainstorm, entre otros, forman parte de la rica historia del rock alemán de época.

Cod: #1789

2 feb 2025

Modulo 1000 - Nao Fale Com Paredes (1972)

Brasil cuenta con una escuela de rock y psicodelia destacable, trabajos profundos, sonidos de repercusión en la psicodelia universal, y desarrollos hacia un sonido tropicalista propio. La banda brasilera Módulo 1000 pasa a engrosar esa lista de glorias, aunque lo que propuso esta banda, aun estando en la psicodelia del momento, logró salirse del sonido de sus coterráneos, o por lo menos eso demuestran en su primer y único disco, ‘’Não Fale Com Paredes’’ de 1972, planteando una psicodelia oscura ya al primer momento de escucha.

Un sonido que, entre prisas y velocidades, cuenta con una dosis de oscura fatalidad corriendo entre sus estigmas más bajos, la combinación de guitarra eléctrica y órgano funcionando al unísono le dan un toque perverso a la propuesta de la banda, la cual a la vez sabe revitalizarse al recorrer por entre composiciones que con facilidad se rumbean hacia momentos progresivos bastante complejos incluso aun dentro de la canción. Todo el ambiente oscuro del sonido también deja su aire psicodélico, por lo que hay otro elemento para la delicia de la propuesta y para la búsqueda sonora.

Es un disco del rock de época brasilero, temerario, muy acertado, con enorme calidad y mucha personalidad, y por supuesto con un espíritu psicodélico álgido, aún más contando lo oscuro de la propuesta. Esa oscuridad se puede percibir en gran medida en lo acertado de los riffs ejecutados por la banda y especialmente por la guitarra eléctrica, que con una distorsión rustica y una ejecución exacta refuerza al sonido de su carácter de perversión.

Piezas como ‘’Lem Ed Ecalg’’ dan muestra de que no solo transcurrían por la canción sino que se manejaban por progresiones y momentos instrumentales, en una pieza frenética y pesada que en poco tiempo tiene mucho para decir dentro del disco. Estas presentaciones instrumentales siempre vienen a traer un aire fresco a la propuesta de cualquier disco de la época psicodelia/progresiva. Cualquier emprendimiento de rock con dosis progresiva en aquella época cuenta con ese don, el de la apertura hacia la experimentación en la composición, lo que hace que las bandas se salieran de la pura canción para ofrecer trabajo con variedad en sus miras musicales.

Esto entra directamente en el mundo del progresivo, pero no se trata de un progresivo fino o de virtuosismos. Aunque seguramente las ejecuciones de la banda son de enorme calidad y tecnica, su quehacer compositivo y su sonido los rumbea más hacia tierras de inventos propios y hacia momentos de rusticidad, psicodelia, oscuridad, momentos acústicos, rock aun hippie pero sucio, plagado de riffs, pasajes instrumentales, progresiones duras y oscuras, y un sonido general con un carácter propio que combina muchas sensaciones en una sola cosa.

El trabajo es una aventura por tierras a descubrir, perfecto para amantes del progresivo, pero también para buceadores de la psicodelia, de los sonidos tropicalistas e incluso de sonidos pesados o incluso heavys, y tal vez la complejidad del asunto lo aleje de lo heavy propiamente dicho, pero lo oscuro del mismo todo del disco hacen que queden dudan sobre sus influencias.

El grupo surgió en Río de Janeiro y estaba formado por los músicos Luiz Paulo (órgano, piano y voz), Eduardo (bajo), Daniel (guitarra) y Candinho (batería). Su disco, al momento del lanzamiento, obtuvo resistencia por prensa y medios, era evidente que esta propuesta rebasó a muchos desprevenidos, un debut discográfico que cumplió lo que prometía pero no satisfizo las expectativas de otros tenían.

La banda tuvo una corta vida durante poco tiempo a comienzos de la década de los 70s, aunque supieron volver a reunirse para dar espectáculos tras la repercusión que supo adquirir su disco, un trabajo hoy de culto y una pieza difícil y costosa de conseguir hoy en día. El LP de triple portada, ilustrado por Wander Borges, dio la vuelta al mundo, apareciendo en la revista Rolling Stones en 1972. El disco cuenta con cierta repercusión del culto y cierta fama en el mundillo de lo progresivo, pero también siendo un disco oscuro para la mayoría y difícil de encarar para quien no esté habituado a una psicodelia tan directa.

Cod: #1788

28 ene 2025

Girasol Blues - En Vivo en Vintage Bar (2023)

He aquí la presentación en el blog de una banda muy talentosa de musical pesada, Girasol Blues, un grupo de rock proveniente de la provincia de Neuquen, Argentina. Presentamos su disco llamado ''En vivo en Vintage Bar'', al cual publicaron en hacia finales del años 2023, no se lo pierdan:

Las escenas locales contemporáneas del underground tienen mucho que aportar, aun en su relación con los sonidos de época, aun con sonidos innovadores o por lo menos sorprendentes, y siempre fueron, son y serán un páramo artístico de esperanza que carcoma por dentro la basura cultural popular reinante y aun sin intentarlo siquiera, porque lo que fue creado con esmero y buena energía no dejará de trasmitir eso mismo con lo que se creó.

En el under rockero argentino ocurren cosas, más precisamente en la provincia de Neuquén, donde la banda local Girasol Blues hace de las suyas en un género con bases hacia finales de los 60s y principio de los 70s. Este power trio local cuenta con una vena rockera pesada inspirada en bandas pesadas de heavy blues y derivados de una época de oro para estos sonidos, y parecen haber bebido de esa fuente y haber tomado de la misma muchas esencias, para traerlas inmaculadas hasta hoy en día, palpitando en un sonido pesado, distorsionado, con buenos solos de guitarras como premisa, y buenos atascos, pasajes y arreglos entre las canciones. Todos esos elementos denotan no solo la calidad de ejecución de los músicos sino el interés y la puesta a cabo de lo que gustan y piensan.

El grupo incursionó en la grabación de un disco en vivo en el 2023, el llamado ‘’En vivo en Vintage Bar’’, audio grabado en vivo con Tascam, cortesía de Maximiliano Tomazin, en la noche del 13 de Octubre de 2023, el disco se lanzó el 21 de octubre de 2023. Con una serie de temas de rock crudos y pesados, se completa como un elemento interesante del rock local. El trabajo es un concierto que la banda dio en vivo que quedó registrado con una calidad de audio, que como uno de los músicos cuenta, de tipo ‘’bootleg’’. El registro no termina de tener el mejor audio pero esto no es ningún tipo de impedimento, de hecho esto fue grabado adrede en esta calidad para emular los antiguos bootles, las antiguas y raras grabaciones que han quedado de algunas bandas y sus presentaciones en vivo. Esta calidad no hace más que acrecentar el sonido sucio del grupo y se combina muy bien con las ejecuciones que a fuerza y poder se presentan en el sonido, cual antiguo bootleg de Pappo rockeando en plena zapada, o cual Pescado Rabioso tocando sus históricos temas.

Siete temas componen del disco en vivo, entre los que aparecen dos versiones de temas como lo son ‘’Caras en el parque’’ de Pappo's Blues, y ‘’Salgan al sol’’ de Billy Bond y La pesada, el disco se completa con la presentación de cinco temas propios del grupo. Un sonido pesado, distorcionado, una presentación aplastante por una banda bien afilada en lo que quería ejecutar. Temas pesados, con arreglos internos y buena dinámica en los pasaje proto progresivos internos, muy al estilo Pappos Blues de principio de los 70s, quien manejaba muchas veces, por esa epoca de inquieta juventud, en sus temas algunos cambios de tonalidad, elementos complejos en velocidad, los extendidos y demás. Girasol Blues ha tomado esa escencia y la ha replicado a la perfección en la actualidad.

Algún momento interesante ocurre también en temas como ‘’Girasol’’, piezas complejas y de extensa ejecusion, traspasando por varios lugares internos entre atascos, solos extendidos, momento de sesión y progresiones con cambios de ritmo. Tal vez no tengan sus letras una intención de trasmitir un mensaje en particular, pero músicas así hablan por sí mismas y son un lugar al que acceder y que siempre podrán transmitir la esencia del buen rock y las esencia de un arte no destructivo para espectador, sino todo lo contrario.

A continuación dejo algunas preguntas que le hice a uno de los músicos del grupo, más precisamente a Agustin Lautaro Garcia, guitarrista y cantante del grupo, y que muy amablemente accedió a responderme y que ayudan a enriquecer más la mirada  que se pueda tener sobre el bagaje e idiosincrasia artística y espiritual del grupo. El grupo se completa, en su formación actual, con Rodrigo Oyazun en Bajo y Voz, y Juan Gramaglia en Bateria.

¿Cuáles son las influencias artísticas que convergen en su música? 

‘’La verdad que los tres tenemos influencias distintas, pero tenemos puntos en común, por ejemplo el bajista y yo (Agustin, Guitarrista) nos gusta mucho el rock de los 70s coincidimos en Vox Dei, Pescado Rabioso, Pappos Blues, etc., y además Lulo (Bajista) se inclina un poco más  hacia el Rock Progresivo, el escucha mucho King Crimson, Rush, Yes, etc., pero el baterista (Juan) viene del palo del hardcore y metal, si bien le gusta Pappos Blues, Invisible y demás, yo creo que nos unifica una banda entre las tres partes que es Black Sabbath, intentamos tener un hilo conductor, estar alrededor de ese espectro musical.’’

¿De dónde nació la inspiración para el sonido pesado que hacen?

‘’Yo creo que por dos razones, la 1ra es que, como dije anteriormente, el baterista viene del Metal entonces ya de por sí su toque es pesado, y la otra es porque yo (Agustín) quería reivindicar ese sonido crudo y polenta del rock de los 70s, cosa que yo siento que no mucha gente se anima a subir del volumen 4/5, entonces quería mostrar eso, no buscamos un sonido prolijo, arreglado y bonito, así no tocaban bandas que te había nombrado anteriormente.’’

¿Como es la escena rock local de Neuquén?

‘’La verdad que hay de todo un poco acá, pero para la música y estilo que hacemos, por suerte podemos compartir fechas con amigos que se inclinan para el mismo lado que nosotros, seguimos siendo nicho, eso sí, creo que como en todas las ciudades, pero de a poco somos más.’’

Conocen algo de la psicodelia actual o se inspiran más que nada en las grandes glorias de los 60s/70s? 

‘’Creo que lo más actual que podríamos llegar a coincidir, aunque no es psicodelia, seria Sleep o Kyuss, yo (Agustin) conozco un poco de psicodelia actual, pero no escucho mucho, preferimos el riff pesado y sucio en 4/4 de los años 70s.’’

Tienen alguna relación con la psicodelia? Como los ha influido musicalmente/artísticamente?

‘’Bueno yo (Agustin) en mi adolescencia tenía mucha aspiración por el rock psicodélico, bandas como la Strawberry Alarm Clock, Lemon Pipers, Grateful Dead, Jefferson Airplane y demás, así que algo de aquellas bandas está un poco en nuestras canciones desde mi lado, de hecho el nombre Girasol viene por un tema de los Grateful Dead que se llama ‘’China Cat Sunflower’’ ’’

Acerca de sus letras de canciones, parece que son cosas fuertes, a veces oscuras. Quieren transmitir algo? Decir algo? De que hablan sus letras?

‘’No tenemos un enfoque hacia donde queremos trasmitir lo que decimos, a veces por ejemplo cuando hay un tema o riff, la melodía y la letra sale, a veces quizás el significado viene después, aunque claro, hay temas que son bastante directos, otros solo frases, yo por ejemplo no soy muy de las metáforas, y viví parte de mi adolescencia transitando soledad, por eso pueden llegar a estar presentes en mis composiciones, luego Lulo (bajista) es más poético, tiene buen recurso para trasmitir en metáforas, yo por el contrario no soy así.’’

Hablando sobre ‘’En vivo en Vintage Bar’’ de 2023, en ese disco tienen temas pesados pero también algunos extensos y complejos, pareciera haber elementos progresivos ahí. ¿Eso cómo nació? ¿De donde salió la inspiración o ganas de hacer cosas complejas?

‘’Bueno, no sé si llamarlo disco, es más como un bootleg, o algo así, fue grabado con dos micrófonos nada más, lo quisimos hacer para decir que teníamos algo en las redes y en circulación, yo (Agustin) soy muy fanatico del sonido baja calidad, por suerte Juan y Lulo estuvieron de acuerdo.

Si! Hay algunos pasajes progresivos y otros no tanto, es porque el bajista viene de ahí, le gusta salirse del 4/4, tenemos otros temas próximos a estrenar que salen un poco de eso, aunque claro, yo (Agustin) soy más clásico de seguir derecho, entonces buscamos meter un poco de esas dos cosas, más que nada para que los 3 estemos contentos jajaja’’

Mas comentarios sobre el disco:

‘’El disco ‘’En vivo en Vintage Bar’’ (escuela/taller de música de la ciudad de Neuquen, que a la noche abre sus puertas para que las bandas puedan tocar) básicamente salió la idea de los bootlegs de los 70s, respectivamente en los audios de calidad ''nacional'', yo siempre decía ''me encantaría poder haber escuchado algo de ‘’Bola de Destrucción’’ (conjunto que Pappo que formó en 1972/3), pero que pasa, no hay registro de estudio, solamente un audio en vivo de baja calidad, entonces ahí se disparó un poco la idea. También yo (Agustin) venia de muchos cambios de formación, entonces cuando encontré a la gente adecuada (que es la que esta hasta el día de hoy) decidí hacerlo porque no sabíamos si íbamos a grabar un disco de estudio, entonces, ante las anteriores situaciones de ir y venir de antiguos miembros, no quería desaprovechar la oportunidad de haber pegado en la tecla con los músicos, así que aproveche la tascam de dos microfnos de mi amigo Maxi Tomazin, Peti y Lulo estuvieron de acuerdo, asi que le dimos para adelante. No le hicimos una gran difusión, pero sí lo editamos en físico de forma propia y casera, lo compartimos lo justo y necesario para que la gente supiera que estamos en circulación, luego pudimos grabar nuestro 1er EP con una mejor calidad de audio, con más detalles, las voces se entienden mejor.

Yo siempre hago esta reflexión, hubieron muchos grupos de música en nuestro país, bandas muy exquisitas que nunca llegaron a grabar nada en un estudio por quizás peleas, o no querían simplemente, bueno, a veces solamente se encuentran singles de dos canciones o registros de audio en vivo de baja calidad, yo no quiero que eso pase con Girasol, porque cuando seamos más grandes vamos a poder decir que algo hicimos, que esta banda existió y pudimos dejar un registro, entonces ante la preocupación de no saber si íbamos a grabar algo de estudio, propuse de grabar este disco con en vivo, algo así como una rareza quizás, un audio de 1 canal sin mezclar ni nada, exportar los archivos y subirlo.’’

Cod: #1787

27 ene 2025

Fear Itself - Fear Itself (1968)

Poca referencia historica ha quedado sobre esta banda estadounidense con origen en Atlanta, Georgia. Tuvieron una corta vida como grupo, y en su corto paso artístico supieron dejar este fantástico material que muchas veces ha pasado desapercibido por muchos, un trabajo de blues rock con toques psicodélico típico de la época. Es una obra entretenida, con temas de rock variados en su concepción, y buenos atascos rockeros cancioneros.

El grupo nació en 1967 como un cuarteto con 2 guitarras y grabó en Record Plant en Nueva York. A lo largo de su mayor tiempo de vida artística, el grupo residió en la ciudad de Nueva York y formó parte de la escena musical de Greenwich Village. Si bien no es una obra maestra, y no parece estar extremadamente pulida en producción y arreglos, aun así es un disco que es altamente talentoso, de mucha calidad, entretenido para quien disfrute de estos sonidos psicodélicos de rock con influencia del blues de la epoca y de las bandas de rock del momento como Jefferson Airplane o Big Brother and the Holding Company.

Las 10 pistas que contiene el álbum reflejan un sentir eléctrico crudo de rock pesado a la blusera, blues eléctrico algo pesado y bastante crudo, pesado a la Hendrix, con duelos de guitarras eléctricas que no pueden faltar, además del toque distintivo de la voz femenina dominando todas las pistas, una voz también pesada y cruda, con momentos vocales épicos entre arreglos, agregados, además del canto primigenio en las estrofas de los temas.

Todo el disco es psicodélico per se, por pertenecer a una época y estar influenciado por la misma, desde la guitarras fuzz, el sonido blues rock, los buenos solos, la vriedad de composiciones de rock, aunque tal vez algunos de los momentos más psicodélicos del disco ocurra en ‘’In My Time Of Dying’’, una pieza de casi nueve minutos, una canción estirada con atascos internos, zapadas rockeras con ambientes delirantes y búsquedas exploratorias, una canción que bien pasa por momentos de sesión y viaje instrumental rockero.

Otro momento interesante aparece en la pista ‘’Lazarus’’, otro atascos, ya de casi seis minutos, pero sin perder aun esa dosis volátil de atasco con gritos alucinantes de la cantante y buenos solos de guitarra en medio de improvisaciones feroces en la velocidad del blues eléctrico contemporáneo que ejecutaba en su época.

El álbum fue lanzado originalmente en 1969 en Dot-Records pero no recibió demasiada atención pese a que supieron manejarse por buenos escenarios. El trabajo es una pieza que sabe de experimentación, de un manejo y ejecución interesante que los llevó a situarse en buena forma en su época, además de contener una serie de canciones no solo entretenidas sino variadas en su concepción.

El grupo actuó en los lugares más populares de Nueva York, como Filmore East. El grupo actuó en el minifestival Woodstock Sound-Outs en 1968 (un año antes del famoso Woodstock de 1969). El único álbum de la banda, el homónimo ‘’Fear Itself’’, fue lanzado en 1968 en formato LP, producido por Tom Wilson.

Después de la publicación de su único disco, un miembro de la banda murió en un accidente automovilístico causado por un conductor ebrio. Después de esto, el grupo se separó. McIlwaine luego se mudó a Canadá y comenzó una carrera en solitario. 

Ellen McIlwaine, la fundadora del grupo, hizo una carrera solista internacional como cantante de blues y guitarrista slide, compartiendo cartel con Jimi Hendrix (su principal influencia), Laura Nyro, Howlin' Wolf, Weather Report, Taj Mahal, George Thorogood, Tom Waits, Chicago, Bruce Springsteen y tocó una serie de conciertos con Johnny Winter.

Cod: #1786

24 ene 2025

Kaleidoscope - Side Trips (1967)

Era común que las bandas de la época, en un envión creativo típico de su era, presentaran trabajos discográficos con miras compositivas enriquecidas por los distintos géneros que podrían llegar a explorar. Por otro lado también era común que las discografías de las bandas que comenzaban desde los orígenes de la psicodelia entre 1966 / 1967, y cuyos discos sobrepasaban hacia la década siguiente, reflejaran toda una autentica evolución artística impulsada hacia la experimentación, la búsqueda de nuevos estilos, y la búsqueda de siempre mantenerse creando nuevos y excitantes sonidos que rompieran lo viejo y no que quedaran en un estante cómodo. Para la banda estadounidense Kaleidoscope toda esta juerga musical no le fue algo ajeno, comenzando con un disco sencillo pero innovador, ‘’Side Trips’’ de 1967. 

Aquí hay algunos sonidos de oriente, sonidos de antiguos géneros estadounidenses, creaciones cancioneras varias, y por supuesto el rock y la psicodelia reverdeciendo todo el sonido del disco como si de una colección de ‘’viajes’’ se tratase, premisa que el título del disco parcialmente anuncia, como si de una colección de pequeños viajes estuviera ubicada en su interior.

No es algo alejado esta premisa, manteniéndose todo el disco en una senda de pequeñas canciones de no mucho más de tres minutos cada una, y aquí se refleja la inventiva del grupo que, con astucia, psicodelia y conocimientos de músicas de otros rincones del mundo, crea pequeños sonidos, pequeños viajes, que por su sonoridad suelen salirse de típicos estándares del rock puro. 

Algunas fusiones e inventos se llevan a cabo aquí, y esos pequeños trips tienen su vida en pequeños espacios de tiempo y no espacio de extensión. También la canción es la premisa del disco, la canción a secas y en piezas cortas, que de todas formas mantienen todo un mundillo de elementos en su interior. Aquí hay rock, folk, psicodelia, como también elementos étnicos orientales con los que la banda refleja sus conocimientos de culturas lejanas. Ya nomás el disco comienza con ‘’Egyptian Gardens’’, abriendo con arreglos de cuerdas típicas orientales que se fusionan con la canción psicodleica.

Tal vez este tipo de fusión no tuvo tanta propaganda como la fusión de la psicodelia con el misticismo de la religión y música de la india, influencia que arribó a los Estados Unidos hacia finales de los 50s y tuvo su apogeo diez años más tarde en la era hippie de finales de los 60s, pero de todas formas hay muchísimos ejemplo del rock de época y la psicodelia en función de su fusión con la música de medio oriente. Discos como ‘’Fantasias For Guitar And Banjo’’ de 1963 por Sandy Bull, ‘’The Orient Express’’ de 1969 por The Orient Express, o ‘’Middle Eastern Rock’’ de 1969 por John Berberian And The Rock East Ensemble, entre otros, son algunos ejemplos de que la contracultura exploró mucho de oriente y no solo se centró en la India.

Estos acercamientos culturales y fascinaciones sobre culturas milenarias no hicieron más que acelerar el mística que llegó desde la India con Ravi Shankar y otros. Todos estos fenómenos fueron fuente inagotable para la psicodelia y sus cultores que bebieron de los misticismos religiosos más seductores de la tierra para ‘’enriquecer’’ así sus miras espirituales y artísticas.

La música hippie no pudo evitarse su misterio, influenciado por la llegada de estos fenómenos de oriente e impulsado por la experimentación acida, estas combinaciones no hicieron más que dejar trabajos que brillaban por su encuentro con lo áureo de la música y el arte

Todo el disco en general es dinámico pese a las fusiones, transitando por muchos sonidos distintos en un solo trabajo, con arreglos de cuerda especializados y una incursión instrumental muy amplia debido a que todos los miembros del grupo era capaz de ejecutar un sinfín de instrumentos, característica que se vería reflejada no solo en este disco sino que en lo siguientes discos de la banda también. Kaleidoscope seguiría profundizando aún más en la psicodelia y en la fusión con lo oriental en los siguientes discos, pero este comienzo no queda para nada chico, un comienzo discográfico muy rico e interesante que puede a caer muy bien a cualquier amante de la psicodelia fusión y sus amplias miras artísticas.

Cod: #1785

25 dic 2024

Jim Pepper - Pepper's Pow Wow (1971)

Este disco es una bella fusión de diversas culturas, desde las herencias culturales Crook y Kaw por el  lado nativo americano de Jim Pepper, como también de pop y rock, además de por supuesto el jazz, es más, Jim Pepper, además de su impacto sobre la cultura pop, tuvo una carrera incluso más inclinada al jazz sobre todo. Ese costado jazzero aparece en el disco desde el lugar de saxofonista profesional y la excelsa técnica y estilo con la que contaba Jim Pepper, su aporte en saxo es vital en el disco y le da un toque suave que remarca más la combinación de elementos diversos en la mezcla de todo lo que hace.

El tema que abre el disco es ‘’Witchitai-To’’, surgido de la tradición nativa americana que recibió Jim Pepper desde la infancia, una canción de peyote de la Iglesia Nativa Americana que había aprendido de su abuelo. Este tema es muy famoso y fue reversionado por muchos artistas a lo largo de la historia incluidos Harper's Bizarre, Ralph Towner (con y sin Oregon), Jan Garbarek, Pete Wyoming Bender, Brewer & Shipley, Larry Smith bajo el seudónimo de Topo D. Bill,[4] y una versión grabada por The Supremes en 1969 que no se publicó hasta 2022. También fue versionada en 1973 por el cantautor quebequense Robert Charlebois.

Aunque ese costado proveniente de la cultura nativa americana no se presenta solo en la canción ‘’Witchitai-To’’, sino en muchos elementos que aparecen adrede en el disco, desde las entonaciones, agregados fonéticos, isntrumentaciones, hasta las partes con cantos autóctonos y ritmos originarios que suelen aparecer tanto en tracks individualizados como también como parte de las introducciones de algunas canciones, sea cual fuere el caso está presentes en todo el disco como queriendo reflejar una orgullosa muestra de su cultura natal. El canto de Jim Pepper, incluso en los momentos más pop, también refleja esa cultura natal que mamó de chico, prácticamente es parte de su espíritu y la combina a la perfeccion con la cultura pop.

El rock está presente en general, no como un elemento duro sino que, salvo algún que otro tema, se suaviza ante tanto elemento. La instrumentación en general es particular, muy personal el estilo y las composiciones, hay momentos con aires de country, aires de blues, elementos de rock, mesmerizado todo por los elementos nativos en lo que se termina derivando en una profunda fusión hibrida de rock.

‘’Fast War Dance-Now War Dance’’ presenta un momento experimental en el disco, comenzando con antiguos cantos originarios y prosiguiendo por un momento de caos rockero a la ‘’free rock’’, y por lo que el nombre del track pronuncia se podría entender a esa parte de rock como a una modernización de las antiguas tradiciones hacia los estilos contemplaremos de rock de la época.

Es un disco calmo, suave, y hasta romántico, bueno para escuchar tranquilamente y desmenuzar sus varios elementos, sus interesantes fusiones y sus tantas bellas melodías, su fusión con el rock, y el encuentro de la cultura nativa americana con el jazz. He aquí un bello disco, uno de los elementos más llamativo de la fusión hibrida que combina la cultura ancestral americana con la cultura rock y pop más contemporánea en el tiempo.

Tras su llegada a Nueva York hacia mediados de los 60s, Pepper se hizo famoso hacia unos años mas tarde como miembro de The Free Spirits, un grupo de jazz-rock fusión en el que también participaban Larry Coryell y Bob Moses, el grupo grabó un disco con elementos de psicodelia pero también con la noticia de ser parte de esa corriente temprana que combinaba elementos de jazz y rock en una misma cosa.

Pepper continuó su carrera en el jazz, grabando casi una docena de álbumes como líder de banda y muchos más como solista o acompañante. Don Cherry (de ascendencia Choctaw y afroamericana) y Ornette Coleman alentaron a Pepper a reflejar sus raíces y herencia e incorporarlas a su interpretación y composición de jazz.

En sus propios proyectos, Pepper grabó con Don Cherry, Naná Vasconcelos, Collin Walcott, Kenny Werner, John Scofield, Ed Schuller, Hamid Drake y muchos otros. También trabajó con la Liberation Music Orchestra, el quinteto de Paul Motian, Bob Moses, Marty Cook, Mal Waldron, David Friesen, Tony Hymas y Amina Claudine Myers, y realizó giras por Europa extensamente a lo largo de su carrera. Además de grabar sus discos solista como líder, dentro del jazz, y sus composiciones personales y búsquedas con fusiones nativas.

Cod: #1784

22 dic 2024

Sexedelic - Sexedelic (1969)

Funcionando entre un lanzamiento de explotación comercial y una publicación bastante groovy que refleja el acontecer de la era hippie, este artefacto tiene su gracia y, pese a su condición de expresamente comercial, contiene algunos sonidos que aun así son disfrutables desde el lado psicodélico y hasta experimental. No encontraremos aquí un trabajo cósmico del krautrock, pero sí un sonido con bases de funk y groovy y algunas guitarras de distorsión, que a su vez construyen piezas muchas veces instrumentales que recorren suavemente algunos momentos entre las sonoridades, agregado de efectos, solos de guitarra y otros elementos de una psicodelia ‘’suave’’.

Claramente aquí la temática que se intenta retratar es la parte más erótica de la época y de la psicodelia, y especialmente esta música fue utilizada para musicalizar tres películas clásicas de clase B de 1970 dirigidas por el cineasta español Jess Franco: ‘’Vampyros Lesbos’’, ‘’The Devil Came From Akasava’’ y ‘’She Killed In Ecstasy’’. Al provenir de una industria de explotación comercial, con música que le hace honores a dicha condición, y al tratarse de composiciones utilizadas preferentemente para musicalizar films eróticos, no podremos esperar de esto grandes experimentaciones que no funcionen más allá del formato easy listening entre composiciones de ritmos pegadizos y simples, piezas cortas, agradables y escuchables a primera escucha, y momentos más que nada para seducir y agradar al público, mas que para ponerlo en un aprieto.

Aun así la psicodelia está presente y hay muchos momentos aquí que nos puede regalar un gran goce psicodélico y si se quiere algo ‘’experimental’’. Todas piezas mayormente instrumentales en las que se pueden llegar a escuchar solos de guitarra, solos de órgano, agregados sonoros, búsquedas instrumentales variadas, e incluso la aparición de varias piezas denominadas como ‘’People's playground versión’’, que funcionan como una suerte de conectores entre algunas piezas y suelen presentarse como momentos intermedios entre la musica, y por ende gozan de un pequeño don de ‘’libertad expres’’ lo que nos puede dejar algún momento interesante, también instrumentalmente variado.

Este artefacto de la psicodelia de explotación tuvo un hermano discográfico llamado ‘’Psychedelic Dance Party’’ y que fue publicado bajo el nombre de The Vampires' Sound Incorporation. En realidad ambos lanzamientos fueron concebidos por los mismos creadores, los compositores alemanes Manfred Hübler y Siegfried Schwab. Ambos colaboraron juntos tanto en ‘’Psychedelic Dance Party’’ como en ‘’Sexedelic’’, y ambos discos fueron utilizados para musicalizar las películas eróticas nombras anteriormente.

Aunque ambos músicos tuvieron destinos distintos y por separados luego de estas producciones. El trabajo de Manfred Hübler, puede encontrarse al haber hecho bandas sonoras para varias otras películas y series de televisión desde 1966 hasta 1969, entre ellas ‘’Intercontinental Express’’ (serie de televisión, 12 episodios en 1966), Code Name Is Kill (1967), Polizeifunk ruft (serie de televisión, 6 episodios en 1968), Der Partyphotograph (1968) y The Butterfly (1970). Siegfried 'Siggi' Schwab, por otro lado, tiene una extensa carrera con cientos de grabaciones, incluyendo bandas sonoras y discos, y especialmente tuvo un lugar participando en bandas importantes del krautrock alemán como lo fueron Et Cetera (de Wolfgand Dauner) o Embryo.

Ahí se podría encontrar una conexión de esta psicodelia de explotación alemana con el krautrock local, habiendo sido producida Sexedelic por un futuro miembro de bandas de krautrock, y tal vez varios momentos puedan atesorarse ya que atestiguan dicha conexión, pocos y concisos, y sublimados en piezas cortas y de fácil escucha, pero presentes al fin.

La psicodelia de explotación suele tener su gracia y suele dejar momentos interesantes, incluso discos considerados muchas veces de culto, o por lo menos considerados así por algunas personas, además de que se trata de ‘’psicodelia cool’’, ‘’música moderna’’ de la época, o la ‘’música joven’’ del momento, y al contenerse en un envase comercial y de fácil escucha muchas veces puede haber llegado a más personas e impactado en ellas como algo interesante por lo menos. No es psicodelia que vaya de la mano con grandes obras de experimentación profunda, pero si puede tener su culto por ser concebida, como en este caso, como música de bandas sonoras, lo que hizo que haya sido creado con la seriedad que lo amerita.

La psicodelia tuvo un encuentro con el mainstream durante algunos años, y su llegada a la palestra pública hizo que la vibra multicolor apareciera no solo como un fenómeno juvenil musical, sino también que repercutiera en la moda, la vestimenta, la televisión, etc., y en este caso también el cine. Cientos de películas de explotación también fueron rodadas, y más allá del fenómeno comercial que supo tener alrededor, este fenómeno acercó la fibra experimental a las grandes masas, generalmente opuestas por valores a esto de ‘’experimentar’’,  el efecto que esto causó en la cultura universal está a las claras y ayudó de alguna u otra manera a terminar de romper algunos valores cuadriculados de las sociedades del gran sueño americano y de las sociedades que negaban o subestimaban la juventud.

Cod: #1783

8 dic 2024

Fred Van Zegveld - Hammond Organ Dynamite (1969)

En su país natal el organista holandés Fred Van Zegveld supo hacer de las suyas con varios emprendimientos, por ejemplo siendo parte de la banda ‘’Roek's Family’’ con la que publarian el disco ‘’Get Yourself A Ticket’’ de 1969, pero tal vez uno de los puntos discográficos más notorios de su carrera fue este álbum en solitario, ‘’Hammond Organ Dynamite’’, publicado en 1969.

Poca información hay dando vueltas por ahí en la red sobre el autor, hay un comentario común que dice que es en realidad el estudio estaba preparado para grabar a otro artista, el cual no se presentó a la grabación, el buen Fred Van Zegveld andaba por ahí y aprovechando el momento entró al estudio con su banda y así salió el disco a la luz.

‘’Hammond Organ Dynamite’’ es un álbum típico de época con su sonido Hammond, sus reinterpretaciones de temas de The Beatles y sus búsquedas con miras amplias. Con el jazz de trasfondo y el órgano Hammond como líder de la producción, el disco presenta una serie de pistas en su totalidad instrumental y con mucha injerencia de las composiciones del artista, aunque también con algunas reinterpretaciones de temas conocidos, tres más específicamente, dos del repertorio de The Beatles y el "Whiskey" original de  Errol Garner.

Es un sonido que sabe ser suave cuando quiere, con momentos muy agradables de jazzy blues y piezas cortas de jazz fusión, y cuando quiere se acerca al rock y explota con alguna composición mucho más poderosa. 

El sonido del Hammond se adecua a cada situación de manera maestra, con sutilezas, suavidades y arreglos delicados en temas de pop, con vertiginosidades un poco mayores en algún jazzy blues cuando la ocasión lo amerita y con explosiones cuando se meter en algo de rock, o jazz rock, con un sonido mucho más frontal.

El disco es totalmente instrumental, hay un par de bluses altamente deliciosos, en los que suele aparecer una guitarra de fondo tirando algunas bases y no mucho más que eso más allá de sus segundos de gloria en el tema ‘’Round About 12’’, de todas formas no es necesario ya que el órgano interpreta lo justo y necesario para que la experiencia de su sonido solo haga brillar al sonido.

Hay mucho por escuchar aquí en el sentido de intensidades y búsquedas, la lista de tracks no es homogénea, todo el álbum es, aunque instrumental y aunque ejecutada por el mimo combo de músicos, una búsqueda de muchas cosas sucediéndose.

Es un álbum con su rock, su psicodelia, sus momentos de improvisación, sus búsquedas sonoras, piezas en su mayoría no tan extensas, y con su vena jazzera atravesando cada pasaje de las interpretaciones. No es un sonido excepcional ni mucho menos progresivo salvo por alguna suerte de fugaz momento improvisado donde sueltan las líneas un poco, pero no mucho más que eso, en general es un álbum que cuida los momentos y se maneja por un lugar estándar en la ejecución.

Publicado bajo el sello Park, el disco es una pieza extraña más allá de los conocedores de la psicodelia underground de epoca y de los amantes del sonido Hammond de época que puedan llegar a encontrar interés en esto.

Hacia finales de los 60s, con la explosión del órgano Hammond como recurso mucho más portátil y practico que un piano, este instrumento/sonido se convirtió en una pieza fundamental para el estilo de varios géneros, en especial el rock psicodélico, el rock progresivo, y por supuesto también el jazz y jazz fusión. Este lanzamiento refleja la fiebre que hubo con los lanzamientos jazzy blues y aledaños con sonidos caracterizados por el órgano Hammond.

Cod: #1782

1 dic 2024

Jeremy Steig - Legwork (1970)

Las miras de esta producción brillan por un quehacer que se refleja en una búsqueda creativa que llama la atención inmediatamente. Aunque con pocas pistas, arreglos solo instrumentales y nada de voces, se las arreglan para crear todo un mundo muy creativo instrumentalmente hablando, de fusiones, inventos y vanguardias. Un sonido que está a la altura de su época, discos que llaman la atención por lo profundo de su visión creativa y que eran el reflejo del caldo de cultivo creativo que se estaba gestado en el momento y que darían como resultado una enorme cantidad de producciones discográficas extremadamente virtuosas y creativas.

El flautista Jeremy Steig había tenido hasta entonces una muy prolífica producción discográfica, especialmente ligada al jazz, y para su disco ‘’Legwork’’, de 1970, esto no sería la excepción, siendo un trabajo muy ligado al jazz y a su ejecución líder de la flauta traversa, aunque en este caso el artista se encamina más hacia la experimentación abstracta instrumental, tal vez de estilo free jazz, además de encontrarse hacia el camino de las fusiones típicas de por aquellos años, como elementos de blues o funk.

El trabajo tiene mucho en su interior, mucho estilo, grooves pegadizos, muchas improvisaciones, mucha visión de búsqueda y experimentación, incluso The Beasty Boys llegaron a samplear algo de este disco, más especialmente de la pieza ‘’Howling For Judy’’. Dicho track se encarga de abrir el disco y está compuesto por un riff pegadizo interpretado en flauta sumado a la ejecución unísona de otras dos o tal vez tres flautas más que funcionan en una creación única en su gama, para cualquiera que tenga oído y algo de gusto por la música de la época sería imposible no quedar fascinado con esta pieza maestra, es un groove que ya desde 1970 anuncia mucho de lo que vendría a futuro.

Este trabajo es muy amplio aunque no haya voces y sea aparentemente improvisado, que de improvisaciones tiene mucho, mucha buena zapada, aunque también mucha idea y planeación hay aquí para que todo este proyecto funciona y sus innovaciones salgan a la luz. No es tan común, incluso para la época, que una flauta lidere el sonido total de un disco, y que no solo lo lidere, sino que lo protagoniza, lo improvisa, lo dirige y moviliza con una fuerza creativa inagotable. Jeremy Steig demuestra ser un incansable creativo y un hábil ejecutante de su instrumento, con un el cual crea nuevos mundos.

Hay mucho en el disco por explorar, desde la agradable ‘’ Hot-Head’’ con aire de blues, y forma de blues, toda una sesión blusera en la que participa una guitarra eléctrica pero sigue siendo la flauta la protagonista, una buena jam sesión de blues es todo lo que necesita un disco de la epoca para completarse hacia su perfección posible, y aquí liderado por una flauta, mucho mejor aún.

‘’Alias’’ comienza con unas baterías funk y se mantiene por esa línea durante toda la pista, otra pista que si no fue sampleada debería serlo porque tienen mucho en su interior y tiene mucho momento que tranquilamente podría ser parte de una creación aparte. Esta pieza de cuatro minutos es, al igual que la ya nombrada ‘’Howling For Judy’’, momentos de un groove de adelantos y sonidos que reverdecen en su presencia, revitalizan al disco y tienen miras hacia el futuro con sonidos funk groove pegadizos. Más de los momentos que reflejan el fino trabajo que hizo el compositor para entrelazar varios arreglos de flauta a la vez.

Hasta allí ya hay mucho explorado sobre el disco pero todo ese mundillo del funk no es lo único que caracteriza al disco. Tal vez ‘’Howling For Judy’’ es lo que llame la atención del disco por su vinculación con los The Beasty Boys, peor lo cierto es que hay mucho más que explorar aquí en cuanto a sonidos y experimentos. Algo que caracteriza a varios de los discos de Jeremy Steig es lo amplio de sus miradas y su alcance con las composiciones, y por supuesto esta no sería la excepción, ya que en este trabajo hay lugar también para la vanguardia y la experimentación no solo ‘’pop’’ sino también hacia momentos oscuros.

Ya en ‘’Nardis’’ tenemos un sonido de un estirpe totalmente diferente a lo que se espera del disco, con Steig haciendo gala de más de sus habilidades, recursos, técnicas, imaginería, y búsquedas sonoras, en una pieza de once minutos de duración que explora hacia terrenos de jazz de vanguardia, en una pieza de estructura estándar y sonido en el que aparecen únicamente contrabajo y flauta. Aquí cada instrumento tiene su momento para lucirse y sacar de la galera su improvisación, para terminar con los motivos de composición que sonaban al comienzo de la pieza.

Otros momentos de experimentación en el disco, con ‘’Permutations’’ con el trio completo haciendo de las suyas pero en modo más libre y no tanto dependiendo de un patrón percusivo particular, allí parece que las líneas de batería se abrieron comenzando con un sonido casi indeterminado para recaer sobre momentos de jazz. O también aparece la pieza ‘’Piece Of Freedom’’ con la que cierra el disco, otro momento de amplitudes y búsquedas, esta vez si ya de mayor vanguardia y búsqueda sonora indeterminada. Toda este producción está ligada profundamente, entre otras cosas, al jazz, estilo que determina a fuego toda su producción sonora general.

Tal como en este disco se refleja, hay mucha tela que cortar en las producciones proto fusión psicodélicas de Jeremy Steig, epoca predilecta para el artista creador que dejaría varios trabajos en esa línea, aportando muchísimo al arte de por aquellos años. Desde sus comienzos con ‘’Piece Of Freedom’’ de 1964, el ya nombrado en este blog ‘’Jeremy & the Satyrs’’ de 1968, o siendo parte del trio de Bill Evans en ‘’What’s New’’ de 1969, entre tantísimos lanzamientos posteriores.

Cod: #1781