2 may 2021

Shuttah - The Image Maker Vol. 1 & 2 (1971)

Este trabajo representa una incógnita de su época y especialmente dentro de la escena inglesa, que es de donde proviene la obra. Un trabajo cuyos músicos creadores son desconocidos, misterio que se acrecienta al escuchar lo pulido y esmerado de la composición y producción del disco, lo que deja el interrogante de cómo es que produjeron semejante trabajo y quien estuvo a cargo del desarrollo creativo y producción del mismo. Esta es una obra que le hace honores a su época, una obra que pareciera ser conceptual u operística debido al despliegue de las composiciones, que avanzan en un continuo de partes y sub partes, como si desarrollaran un concepto, lo que deja como resultado un trabajo muy complejo, variado, transitando por un sinfín de momentos diversos y partes que unidas entre sí pero diferentes a la vez.

Hay un abanico de estilos que convergen en este sonido, tanto blues, rock, pop, elementos de jazz, estilos que se unen para dar vida a un sonido sin nombre nacido de una inventiva creativa llamativa que hace del sonido una variada experiencia para ser explorada a lo largo de los dos discos que componen el original vinilo doble de época. Además de esto, hay muchas partes en las que aparecen grabaciones de campo como ambientando o escenificando la producción y ubicándola en algunos contextos históricos antiguos.

Es un verdadero artefacto perdido del rock inglés y uno de los primeros ejemplos de un disco conceptual teatral completamente realizado. es un trabajo difícil de signar bajo un estilo particular, es rock pero no necesariamente progresivo o psicodélico, aunque estos dos estilos puedan significar influencias creativas para el estilo del disco, este es más bien de una música de estilo propio que toma mucho de los estilos que rondaban en las bandas de la época para reordenarlos de manera propia y crear así una obra conceptual referente al conflicto de la Segunda Guerra Mundial

Shadoks Music se contactó con Geoff Oliver, el antiguo propietario de los estudios de grabación de IBC, pero este no recordaba ninguna de las grabaciones realizadas por Shuttah en su estudio: había demasiados ingenieros ocupados al mismo tiempo durante esos días dorados de Londres. IBC era famoso por hacer grabaciones para bandas como The Kinks, The Who y The Beatles, además de muchas, muchas otras, lo que lleva a uno a la conclusión de que esta grabación de Shuttah era muy cara de hacer, por lo que debe haber habido un músico referente o alguien importante apoyando al proyecto. 

La grabación, los arreglos y los conceptos están a un nivel profesional muy alto. Incluso una búsqueda en el control de derechos de autor del Reino Unido no mostró ningún resultado que revelara la identidad de quién era exactamente Shuttah. Dado que los acetatos originales aparecieron hace muchos años, este sigue siendo un misterio sin resolver muy provocativo del underground británico. La palabra ‘’Shuttah’’ es una referencia religiosa. El título del álbum ‘’The Image Maker’’ también se adapta al significado religioso.

Se cree que el disco fue grabado alrededor de septiembre de 1971, sin portada, en forma de doble acetato, con etiqueta amarilla IBC Studios (visible en la reedición en cd), en Londres, pero nunca fue lanzado en su momento, un trabajo completamente desconocido para su época. Fue recién en 2005 que Shadoks Music lo reedita en un cd doble, rescatándolo del olvido y poniendo en la palestra púbica el misterio de este trabajo y del desaparecido grupo que pudo haber creado este excitante trabajo que se ubica entre los primeros trabajos conceptuales de rock, una obra muy bien producida y pulida y con un despliegue musical destacable.

Cod: #1555

18 abr 2021

Bob Downes - Deep Down Heavy (1970)

Bob Downes fue un importante músico de sesión para la floreciente escena progresiva y jazzera británica, con cierta repercusión al comienzo de su carrera, durante los 60s, al trabajar para muchas bandas reconocidas de la época como Manfred Man, Andwella’s Dreams, John Barry Seven, Mike Westbrook, o participante por ejemplo del segundo disco de Egg. Él era un referente activo y su rol en la ejecución de la flauta no solo lo desarrolló como músico de sesión sino que también lo volcó en algunos trabajo propios que entre los que se encuentran algunas joyas que vale la pena rescatar del olvido.

Fue uno de los más eclécticos provocadores de la escena británica, entre los años sesenta y setenta, años en los que más especialmente estuvo activo y en los que desarrolló su concepto de ‘’Open Music’’, presentado en algunos discos que llevaban el mismo nombre, especialmente en el homónimo ‘’Open Music’’ de 1970, un trabajo conceptual y experimental donde se sumerge en una búsqueda sonora propia que parte de fusiones y experiencias surgidas de entre sus visiones que sintetizan en jazz vanguardista y la música clásica, entre otras visiones, dando por resultado un estilo nunca escuchado en el momento, un concepto propio. A eso de ‘’Open Music’’ también lo desarrolló en su banda ‘’Bob Downes Open Music’’ con la que continuó presentando sus sonidos que iban de entre el jazz vanguardista y  el jazz rock.

Hacia finales de los sesenta y principio de los setenta se ubica su etapa de mayor quehacer discográfico, en 1970 publicaría ni más ni menos que cuatro discos, cuatro publicaciones distintas y completamente independientes y variadas entre sí, apareciendo ‘’Electric City’’ con un sonido de jazz más rockero, el ya mencionado ‘’Open Music’’ donde experimentaría con el jazz más vanguardista, su lanzamiento de biblioteca ‘’New Sounds For Flute, Percussion And Synthesizer'' donde experimenta con flauta y sintetizadores, y por ultimo su intrigante ‘’Deep Down Heavy’’ en el que presenta otra faceta distinta de su producción musical, con algunos tracks que no son necesariamente canciones sino que aparecen algunas composiciones extrañas sumadas a grabaciones de campo con sonidos.

En ‘’Deep Down Heavy’’ presenta una faseta distendida de sí mismo, con sonidos no convencionales, rasposos, rock under, un sonido lo fi setentero de dudosa procedencia que no terminan de encajar en una identidad tan definida como en los trabajos anteriormente nombrados pero con los que de alguna manera logra conformar un disco que no termina de virar hacia un rumbo particular sino que es un rejunte de invenciones varias, en las que aparece el rock y algo de jazz-rock pero también aparecen momento extraños que en conjunto con los tracks más convencionales crean una sensación de exploración por terrenos diversos.

En cuanto al rock que propone en este trabajo lo presenta de manera rustica, con buena potencia pero con una definición de grabación extraña, lo cual no parece ser un impedimento para la escucha ya que explora otra faceta de sí mismo y lo sigue haciendo con algunos sonidos potentes, algunas interesante invención rockeras con buenas guitarras eléctrica y muy buena aparición de él mismo en flautas o saxos. Aparece una reversión de su tema ‘’ Don't Let Tomorrow Get You Down’’, al cual había publicado en su disco ‘’Electric City’’ y que en este trabajo reversiona también de forma rustica en una interpretación que parece haber sido captada en vivo.

1970 seguiría siendo un año muy fructífero para él, llegando a publicar tres disco, además de este presentaría su ‘’Electric City’’. Pronto crearía su propio sello discográfico, ‘’Openian’’, donde continuaría desarrollando su música experimental, publicando más trabajos como ‘’Episodes At 4 AM’’, con su ‘Bob Downes Open Music Trio’. Durante esta década llegaría a ser miembro de la Barry Guy's London Jazz Composers Orchestra y también tocaría con la Mike Westbrook Band y Keith Tippett Band. Desde 1974 se ha concentrado en apariciones en solitario como flautista, pero también ha aparecido con poetas como William S. Burroughs y Allen Ginsberg. En la década de 1980 se instaló en Alemania. Fundó su Alternative Medicine Quintet en 1978 y una Flute Orchestra en 1984. Lamentablemente, durante las décadas siguientes,  su discografía no se vio tan nutrida como en aquellos años, desde entonces se ha ganado la vida como músico, y compositor para compañías de ballet y teatro europeos y norteamericanos.

Cod: #1554

16 abr 2021

Bakerloo - Bakerloo (1969)

Este disco de blues eléctrico tiene todo lo que debe tener un buen disco de la época para estar a la altura de las circunstancias de su momento y contexto y para no caer en la monotonía y la mediocridad, presentando algunas variantes dentro del blues: un blues clásico, un blues eléctrico lento, un boogie, blues-rock, y la perla del poste, un track de quince minutos de duración que corta con todo lo anterior, presentando una muy extensa sesión improvisada que, a su vez también, se divide en otros fragmentos internos con intensidades cambiantes; es un disco con mucho qué ofrecer. Piezas cortas y piezas extensas, es un buen carácter que maneja el disco demostrando la versatilidad de los músicos para interpretar muchas variantes dentro de un mismo estilo, dando cuenta que sus habilidades y su inventiva. 

En la banda había buenos artilleros de la guitarra eléctrica, por lo que tenemos varios momentos bastante ajetreados con solos rabiosos y potentes, como en el tema algo experimental ‘’Last Blues’’ en el que, luego de un comienzo más calmo, el sonido termina volcándose hacia una sesión improvisada de blues-rock con full guitarra eléctrica. El rol de la guitara eléctrica, en cuanto a sus improvisaciones respecta, también toma preponderancia en otros momentos, como en el boggie ‘’Big Bear Folly’’, en el blues lento de estilo clásico ‘’This Worried Feeling’’ con también plena y decisiva participación de la guitarra eléctrica con solos impresionantes, o en el último track, el ya mencionado track de quince minutos ‘’Son Of Moonshine’’, un track que consiste en una cancion extendida en el tiempo, por lo que se vuelve una extensa sesión que cuenta con algunas partes internas que cambian sutilmente en intensidad y brindan la sensación de una sesión, un trip rockero de gran poderío.

Este power blues trio en muchos momentos recuerda al estilo eléctrico de Pappos Blues, por la ejecución punzante y decisiva de la guitarra eléctrica, por el funcionamiento en gran nivel del trio y por muchos momentos de bases pesadas, estridentes, que se plasman en sonidos rabiosos, con aplicaciones contundentes de la guitarra en forma de riffs y solos pentatónicos y con distorsión. El trio funciona en perfecta sincronía, reflejando las inquietudes del blues de finales de los 60s, y conceptualizando y  reformando dicho estilo de acuerdo a las visiones propias que surgirían de los talentos propios.

Este disco es signado por algunos dentro de un estilo progresivo, no necesariamente se trata de música progresiva pero la llamativa variedad en la propuesta de las composiciones, además de algunas piezas que tienen cierta ‘’progresividad’’ estructural, hacen que se acerque este sonido a a esa categoría, de hecho Bakerloo era otra de esas potentes bandas inglesas de blues-rock de su época, entre las que se encontraban Led Zeppelin, Jethro Tull o Colosseum, bandas que sí evolucionaron hacia estilos más complejos (especialmente Jethro Tull); Bakerloo no contó con ese destino de continuarse en una carrera artística extensa pero su comienzo y único lanzamiento discográfico daba cuenta de que sus intenciones los podrían haber llevado a otros sonidos más complejos, sus acercamientos al blues, jazz y la música clásica dan cuenta de ello.

Bakerloo fue un trío inglés de heavy blues-rock formado a finales de los 60s, teniendo una carrera particularmente corta que duraría dos años nomás, pese a esto, y tras solo haber lanzado un álbum, el homónimo Bakerloo de 1969, la banda cumplió un rol importante al haber sido parte de la experiencia y formación de musicos que luego formaría otras bandas de mayor renombre, especialmente en vista de la participación posterior de sus miembros con Colosseum, Humble Pie, May Blitz, Graham Bond, Vinegar Joe, Judas Priest y Uriah Heep. Fue el bajista y cantante Terry Poole el que formó lo que inicialmente se conoció como The Bakerloo Blues Line, en 1967, cuando se unió con el guitarrista u cantante tambien Dave ''Celm'' Clempson. Ambos se conocieron alrededor de 1965 en la Nottingham College Of Art & Desing. 

Dave ‘’Clem’’ Clempson recuerda lo siguiente sobre los artistas que los influyeron e inspiraron: ‘’Nuestras influencias fueron bastante diversas, por supuesto principalmente las grandes leyendas del blues, como Mddy Waters, Sonny Boy Williamson, Howling Wolf, John Lee Hooker; pero tambien estabamos influenciados por lo que estaba ocuerriendo en la escena rock britanica, y Terry y yo ibamos a menudo a festivales de blues y jazz a escuchar a bandas como Cream, Jimi Hendrix, Family, Jeff Beck, John Mayall, Ten Years After y Fleetwood Mac. Tambien habia incluso influencias de jazz y musica clasica, yo estudié diez años de piano en la Royal School of Music desde la edad de cuatro años. Amábamos a Jimi Hendrix por supuesto, e incluso a Cream. Ellos fueron grandes inspiraciones para la banda cuando comenzamos.’’

Ellos tuvieron ciertos problemas para encontrar al baterista adecuado para su proyecto ya que era difícil encontrar uno y que además poseyera buenas cualidades técnicas. En un periodo corto de tiempo junto a ellos desfiló una gran lista de posibles aspirante a la bateria. Entre ellos aparecieron nombres como Bill Ward que alcnazó a tocar en vivo junto a ellos, John Hinch (más tarde miembro de Judas Priest), Pete York que los ayudó en varios conciertos en la bateria (más tarde en Spencer Davis Group, y John ''Poli'' Palmer (más tarde parte de Family). Finalmente se hicieron con Keith Baker para completar el trio de potentes músicos de forma relativamente permanente yq eu sería el baterista que grabó junto a ellos el único álbum que lanzaron.

En sus orígenes tuvieron contacto con grandes bandas de la época, incluyendo Lez Zeppelin, para quienes abrieron en un concierto el 10 de diciembre de 1968 en el Marquee Club en Londres. Otras bandas para las que abrieron fueron King Crimson, Yes y Pink Floyd. Bakerloo fue fichado por el sello EMI, y su primer lanzamiento fue un single compuesto por los temas ''Drivin' Backwards'' / ''Once Upon A Time''. ''Drivin' Backwards'' fue creada en base a la pieza clasica de Bach ''Bouree In E Minor''. Poco después del lanzamiento de dicho single, Jethro Tull lanzó su segundo álbum, ‘’Stand Up’’ de 1969, en el que incluirían un track llamado  ''Bouree’’  también inspirado en la misma pieza clásica de Bach.

Cod: #1553

11 abr 2021

Graffiti - Graffiti (1968)

Graffiti fue la tercera banda que se formó a partir de las cenizas de la banda de garaje de mediados de los 60 The Hangmen, originaria del área de Washington DC. La banda se había llamado anteriormente Button y contenía al ex cantante de The Hangmen Tony Taylor y al guitarrista George Strunz, quien había reemplazado a George Daly en The Hangmen a principios del 67 antes de que decidieran separarse. Taylor y Strunz se mudaron a se mudaron a Greenwich Village desde Washington DC y cambió su nombre a Graffiti, siendo acompañados por el multiinstrumentista Steve Benderoth, el baterista Richie Blakin y el guitarrista rítmico Jon St. John. Graffiti lanzó un oscuro LP homónimo bajo el sello ABC en 1968 que fue coproducido por Bob Thiele (más conocido por su trabajo con muchos de los principales músicos de jazz), Eddie Kramer (más conocido por su ingeniería en los discos de Jimi Hendrix) y Jay Senter.

La inmediata impresión que deja este disco es que no se trata de un disco más del pop de su época, y esto es justamente por su propuesta tan variada y esmeradamente elaborada y pulida en detalles, arreglos y distintas partes y propuestas presentadas en un mismo sonido, es toda una aventura adentrarse en este sonido que rebosa de inventivas y propuestas que dirigen al escucha a tierras psicodélicas en un viaje insólitamente complejo para la época.

Aquí el sonido pop se diversifica en una serie de ideas pulidas puntillosamente que funcionan como un vergel de inventos que sorprenden por la diversidad en la búsqueda y por el cambio rotundo que suelen tener algunas piezas que comienzan bajo un lema pero que logran transformarse hacia estructuras que la mayor parte del tiempo avanzan en un continuo compositivo que denota la visión ambiciosa de la banda.

Debido al despliegue de elementos y diversos arreglos que caracterizan a las composiciones y a la producción, es muy tentador tildar a este sonido como proto-progresivo o incluso algunos tildan al disco como mismísimo prog, esa es una empresa algo exagerada para denominar a este disco que de todas formas es realmente aventurero en muchos aspectos y que demuestra una faceta exploratoria en gran parte del mismo, esa misma característica puede llevar a pensar que se trata de un estilo progresivo 

Lo cierto es que se trata de un disco raro y que no tuvo demasiada repercusión, pero eso se compensa con el despliegue de elementos, no solo en la variedad de la composición sino en otros detalles como pequeños temas conceptuales o tracks de diversas manufactura y duración, lo que convierte a este disco en un trabajo que se acerca al calibre de otras obras de esa era, de corte conceptual u operístico.

Finalmente el trabajo deja esa sensación de que se transitó por un sinfín de partes y rincones. El disco bien podría haber merecido más atención pública, así como también no, porque en las partes pop supuestamente más ''fuertes’’ no termina de lograr melodías que alcancen el mote de ‘’hit’’, y cuando el trabajo es realmente amplio lo es en un sinfín de piezas que son un deleite por su particular inventiva pero que no tienen un particular valor o interés comercial, el trabajo perteneció al under propio de una banda fugaz que surgió tan pronto como terminó, dejando esta joya perdida en el tiempo que será un deleite para quienes gocen con los sonidos por su creatividad y no por su pasajera popularidad o relativa respetabilidad. Para algunos esta es una obra maestra y para otros es un disco más del montón, lo cierto es que este trabajo deja algunos buenos momentos que valen la pena tener en la colección.

Cod: #1552

4 abr 2021

Klan - Mrowisko (1971)

Klan fue una banda fundada en 1969 en Varsovia, Polonia, uno de los primeros grupos polacos en incursionar en el mundo progresivo, y pese a su producción discográfica relativamente pequeña y a las restricciones socio políticas que pesaban sobre la escena rock de la época censurando y persiguiendo a los artistas, aun así consiguieron colocarse como uno de los principales logros del rock progresivo del momento en el país. La primera formación del grupo es Marek Ałaszewski (nacido el 2 de diciembre de 1942 en Varsovia) (guitarra y voz), Roman Pawelski (bajo), Andrzej Poniatowski (ex. Pessimists) (instrumentos de percusión) y Maciej Głuszkiewicz (teclados) .

La banda hizo su debut en el club de Varsovia "Medyk" y pronto ganó atención gracias a la interesante música progresiva y letras surrealistas, aunque Ałaszewski a veces fue acusado de copiar el estilo vocal de Niemen. La banda grabó algunas canciones interesantes y lanzó su primer EP, sin embargo, el álbum más importante de la banda es su segundo lanzamiento, su primer LP titulado Mrowisko, música escrita para una actuación de ballet del mismo nombre. La letra de la obra habla de la vida en la ciudad anónima y sin rostro, en la que el individuo se siente como una hormiga.

En junio de 1970, en el 7º Festival de la Canción Polaca, el grupo presentó la actuación de ballet "Mrowisko", que sería publicado posteriormente en 1971 en un disco bajo el mismo nombre. Este es un disco interesante y con una producción de sonido que le resultó tener sonoridades de un estilo propio. No termina de ser totalmente progresivo, ronda dentro de esa aura y muchos momentos son de un avance compositivo pero también transita la canción y algunas estructuras clásicas, aunque lo hacen entre introducciones, pasajes, arreglos, algunos inventos instrumentales, por lo que la escucha del disco no se vuelve monótona o repetitiva como sí podría llegar a ser con algo de corte más clásico. 

El álbum presenta una serie de invenciones que rondan entre influencias progresivas, jazzeras y rock, hay algunos momentos instrumentales que parecen invenciones propias del ingenio de la banda y que significan la propuesta de todo el trabajo ya que este está completo por casi por su totalidad por esas piezas de diversa manufactura, diversa duración y diversa propuesta. Es toda una puesta conceptual creada para ballet, lo que significa la elaboración variada, una búsqueda sonora basada en su mayoría en piezas cortas y diversas. Los 13 temas lanzados en el álbum están fuertemente influenciados por la música occidental, por ejemplo, de Jethro Tull , Vanilla Fudge o Carlos Santana.

El disco comienza de manera inmejorable, con el canto de algunos pájaros que pintan una escena pastoral y relajada, a lo que se le suma una suave guitarra criolla dejando algunas melodias también suaves, momento que termina con la aparición de la banda en un sonido relajado con teclados y guitarra eléctrica; este comienzo es uno de los momentos más destacados del álbum. Ellos combinaron la canción popular pero la ornamentaron con arreglos progresivos, pasajes de jazz, elementos de blues y crearon un repertorio exótico dentro del rock local.

En la primavera de 1971, Głuszkiewicz Poniatowski abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Wojciech Morawski y Christopher Dłutowskiego. Después de una serie de conciertos dados la banda se disolvió en el otoño de 1971; Marek Ałaszewski ( Graduado de la Academia de Bellas Artes) se dedicó al arte. El clan reanudó su actividad en 1991 con la composición de Ałaszewski, Artur Łobanowski (guitarra, teclados), Wojciech Ruciński (bajo) y Radosław Nowakowski (batería, ex-Osjan) y un año después grabó un segundo álbum, que se tituló ‘’¿Por qué necesito este paraíso?’’.

Cod: #1551

3 abr 2021

Terje Rypdal - Terje Rypdal (1971)

El estilo artístico que Terje Rypdal mostró al principio de su carrera discográfica solista dejó entrever un decisivo acercamiento hacia las vanguardias y la experimentación temprana con el  jazz fusión, y aunque presentó, por ejemplo en su primer disco, una de las primeras formas escuchadas en su época de fusión entre el vanguardismo jazzero y el rock experimental, aun así esos serían momentos tempranos y prototípicos de su carrera porque ese representaría nomás el comienzo de un estilo personal que pronto iría mutando y evolucionando, sofisticándose, diversificándose, estilizándose, mutando en su técnica personal y en sus visiones del uso del espacio y el tiempo, que pronto comenzaría a dar nuevos frutos.

Para 1971 Rypdal ya había reunido la experiencia suficiente en el campo del vanguardismo, participando en el disco ‘’The Esoteric Circle’’ del mismo año, producido por George Russell, su mentor musical, además de haber formado parte de formaciones lideradas por uno de sus compatriotas y otro icono del jazz noruego, Jan Garbarek. Con todo esto, sumado a sus visiones particulares que habían comenzado a re direccionarse e intensificarse hacia terrenos de mayor riesgo conceptual, siempre impulsándose por la influencia de las vanguardias de la época,  publicaría en 1971 su segundo trabajo discográfico como solista y líder, conformando otro eslabón en la cadena evolutiva que estaba transitando y que lo tendría concerniente a expresiones y fulguraciones en el terreno del jazz rock y el jazz vanguardista.

Su estilo había mutado hacia deliberados momentos de pura significancia conceptual, brotando las fibras de la influencia de la música clásica en varios pasajes de este trabajo, como estando sintetizada bajo una mirada fusión de solemne expansión expresada en ambientes vanguardistas calmos, misteriosos, con instrumentaciones sutiles sobre las que brotan algunas líneas de viento entre flautas, saxos y clarinetes; esa es una noción sutilmente sinfónica aplicada al espacio y sincronizada con sus innovadoras visiones de vanguardia.  

El comienzo del disco se presenta dentro de un terreno de construcción extensa en el tiempo, con implicancias especialmente del jazz rock donde brilla la guitarra de Rypdal, hacia el final de la primera pieza, en un solo abrazador de una potencia fusión muy personalista y una visión que se estaba expandiendo, estilizándose su particular técnica en ejecución de solos e improvisaciones. No se podría entender al estilo del Rypdal de esa época sin tener en cuenta la influencia rock acida de Jimi Hendrix, del cual tomó la distorsión y la fiereza que queda notoriamente reflejada en la distribución de las notas sostenidas en un monologo que no decae en intensidad a lo largo de las estructuras temporales que transita.

Tampoco podría entenderse a Rypdal sin la influencia del vanguardismo de George Russell, es que dicho compositor había comenzado a plantear vanguardismos de calibres similares pero en formas orquestales mucho mayores, siendo un impulsor temprano del fusión. Esas maneras de incluir líneas orquestales sutiles e insinuantes sobre terrenos de jazz fusión modal que plantea Rypdal en este disco, como en la pieza ‘’Electric Fantasy’’, parecen haber sido inspiradas sutilmente por los trabajos del Russell de esa época, como ser trabajos como ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969 o ‘’Trip To Prillarguri’’ de 1970, trabajos en los que Rypdal participó en la grabación y presentación en público, experiencia que muy probablemente marcó a fuego las visiones por aquel entonces tempranas del guitarrista Rypdal.

Es en ‘’Rainbow’’ o ‘’Lontano II’’ donde Rypdal se oscurece volcándose hacia un sonido netamente vanguardista, con disonancias, aplicaciones de instrumentos diversos y ambientes decididamente oscuros, es un sonido que resalta en el disco por su particularidad y demuestra lo lejos que estaba dispuesto a llegar el autor en su experimentación.

Las estructuras se destilan hacia una concepción ‘’minimalista’’ en el sentido de que la instrumentación nunca es virtuosa o vertiginosamente cambiante, sino que funciona siempre dentro de ambientes calmos, de misterio, de hechuras artísticas sin nombre que provienen de algún oscuro lugar que las colocó allí por alguna extraña razón y circunstancia, y si es que alcanzan algún punto culmine o álgido en la instrumentación, momentos en los que aparecen generalmente los impresionante solos de Rypdal, es por que llegaron a ellos por medio de extensos pasajes de desarrollo que evolucionaron lentamente hasta alcanzar un limbo particular y eclosionar en los mismo, véase la pieza ‘’Electric Fantasy’’ para ejemplificar esta situación. Las estructuras representan grandes área de juego que propician la aparición de diversas texturas, armonías, instrumentaciones varias, diversos momentos y estados, siendo un estilo fusión en plena fusión, valga la redundancia, con influencias de estilo de la música clásica. 

Este es un disco capaz de satisfacer a gustos por el fusión, pero también se adentra en terrenos vanguardistas, por lo que el producto final cuenta con esa amplitud de visiones, estilos e influencias. La evolución del autor para este disco es notable con respecto a su primer lanzamiento, demostrando una búsqueda de vanguardia total y una fusión de diversos elementos y estilos aunados en una misma cosa de vanguardia que se manifestaba hacia la búsqueda de una identidad propia dentro de un estilo que se estaba desarrollado y que continuaría desarrollándose a lo largo de toda su discografía que se extiende hasta hoy en día.

Cod: #1550

2 abr 2021

Think - Variety (1973)

Esta es una puesta progresiva delicada que guarda un fuerte vínculo con la era psicodélica, especialmente por los órganos y guitarras hard características, bases duras de rock y algunos momentos de sutil experimentación instrumental, incluso en toda la puesta hay un aura deliberada que recuerda al hard rock underground europeo. La banda parte desde esas influencias pero se encamina hacia estructuras de sutil sofisticación que entre algunos pasajes más complejos y otros más sencillos aun así se asegura de presentar toda una puesta de variada composición dentro del terreno de la música progresiva, haciéndole gran honor al espectro compositivo de la época y diferenciándose un tanto de los sonidos psicodélicos más tradicionales.

Al ser un disco alemán, los vínculos que se le tienden a este sonido con el krautrock son inmediatos, lo cierto es que este disco tiene poco y nada de relación con el krautrock, algunos efectos sonoros eventuales y fugaces, eso es todo; esta propuesta tiene más que ver con el rock hippie evolucionado desde la misma instrumentación pero hacia estructuras de sofisticación, con una complejidad media que no está sobrepasada con progresiones virtuosas e interminables pero que presenta los cambios suficientes para que este ser un sonido excitante para escuchar y disfrutar, convergiendo entre ambientes psicodélicos y estructuras progresivas.

En la instrumentación aparecen algunos instrumentos particulares que enaltecen la propuesta, aplicaciones en flauta, saxo, violines y eventuales arreglos de cuerda se suman a la interesante propuesta del disco que se mantiene en una constante búsqueda progresiva, no virtuosa pero sí con una amplitud contundente que la saca del convencionalismo del rock más estándar. 

La portada psicodélica con esas dos damas sobre las que se proyectan algunos efectos luminosos es toda una declaración de intereses, tal vez el álbum no sea tan deliberadamente lisérgico pero sí representan el ambiente de donde provienen los músicos y con el cual se codeaban, el trasfondo musical del disco se esparce como un aura de un sutil exotismo ácido que se desparrama en el alma básica de la instrumentación del grupo y demuestra un porvenir hippie. 

Por la participación de flautas y violines es que se tiende relación hacia la influencia clásica, apareciendo también momentos de elementos de blues, influencia del jazz, y momentos de rock del cual toman esa tendencia hacia las estrofas cantadas que se desparraman entre las diversas progresiones. La puesta no es virtuosa pero entre tantos pasajes e invensiones se puede apreciar que la banda estaba bien en caminada hacia ambientes de elaboración y búsqueda sonora.

Think proviene de la ciudad de Marl, Alemania, fundada en 1971 por 3 alemanes, 2 húngaros y 1 checo.La banda estaba formada por el alemán Friedhelm Wördehoff (baterista en bandas de ritmos de Essen desde mediados de la década de 1960), los húngaros Ricky Ramor en bajo y Rodrigo Ramor en la voz principal (cuyos padres habían huido a Alemania a fines de la década de 1950), y los alemanes Frank Voigt en flauta y saxo y Gerd Pohl en guitarra. Los hermanos húngaros Ramor encontraron otro compatriota "oriental" para integrar el grupo, el checo multiinstrumentista Ludovich Sandrik que había estado tocando con la filarmónica húngara.

Algunos de los miembros de la banda eran miembros de una orquesta húngara que había ido a Alemania de gira, tras desertar, se quedaron en Alemania y fue allí donde congeniaron con los demás miembros de la banda, esto explica las diversas instrumentaciones aplicadas en varios pasajes del disco, además de la sofisticación general del trabajo que es considerablemente sofisticada, es de ahí de donde proviene ese toque clásico que tiene este disco y que es típico de la fusión del progresivo general de la época.

La banda solo duró lo suficiente para grabar este álbum, luego se separaron y poco se sabe de ellos luego de este eventual proyecto. El resultado es una esperada fusión de elementos progresivos con amalgamas clásicas que se suman a todo el repertorio típico del rock de las escenas de la época. Es un trabajo muy esmerado, un logro sonoro de la instrumentación muy bien logrado producto de la buena producción, un gran trabajo del under progresivo alemán.

Cod: #1549

28 mar 2021

The Entourage Music & Theatre Ensemble - Entourage (1973)

The Entourage Music and Theatre Ensemble fue un grupo de vanguardistas que estuvo activo desde 1970 hasta 1983 y actuó en teatros en combinación con conjuntos de danza. El grupo formó en Baltimore, Marylan, se trasladó a Millbrook, Nueva York, y finalmente se estableció en New London, Connecticut. La banda contó con Joe Clark en saxofones y teclados; Rusti Clark en viola y guitarra; Michael S. Smith en batería y percusión; y Wall Matthews en guitarras, teclados y percusión. 

La primera encarnación de Entourage fue en Baltimore, Marylan, en 1970. El fundador y director musical Joe Clark inició el grupo como una fusión experimental de jazz, rock, folk, clásica, improvisación libre y palabra hablada. Las primeras actuaciones del grupo fueron en el Bluesette Nightclub en la cuadra 2400 de Charles Street, que presentaba grupos de rock de forma regular. Su propietario, Art Peyton, un amigo de la infancia de Clark, entregó el club a Entourage los sábados por la noche, cuando se convirtió en un club nocturno, a partir de la 1 am. Clark tenía su base en ese momento en Millbrook, Nueva York, donde era el músico residente del Departamento de Danza del Bennett College.. Viajaba semanalmente a Baltimore para actuar el fin de semana.

Durante su carrera, grabaron dos álbumes brillantes para el sello ‘’Folkways’’, “Entourage” de 1973 y “The Neptune Collection” de 1975, así como una película de media hora, “ Ceremony of Dreams”, de 1978. Inmediatamente de la escucha se puede apreciar el corte experimental y vanguardista de la puesta y las intenciones que traspasan la música y se ubican en concepciones teatrales y escénicas de sus propuestas, al fin y al cabo actuaban en vivo en conjunto con compañías de teatro, tomando elementos del teatro japonés Noh y teatro balinés. 

Este es el resultado de un grupo de clara formación académica pero volcada hacia una producción y un quehacer de vanguardia, por lo que muchos de los tracks son exploraciones sonoras envueltas en ambientes disonantes, exploraciones por terrenos poco predecibles ya que el desenvolvimiento de la instrumentación tiende hacia piezas de cierto aire minimalista, compuestas con una sofisticación teórica pero con cierta simpleza instrumental en la ejecución, haciendo del sonido una experiencia de vanguardia totalmente particular y personal.

El tiempo y el espacio está previsto para funcionar de forma escénica por lo que el desarrollo de las pistas recobra un decurso atípico, con texturas que alcanzan y repiten en el tiempo en cada una de las pistas que compone el disco, explorando elementos ambientales, con cierta espiritualidad ritual, y toda la peculiaridad típica de un colectivo de músicos y artistas vanguardistas. Algunas texturas son experimentales, rozando el minimalismo, la libre improvisación y la alteración de sonidos en pos de una búsqueda experimental sonora.

El sello ‘’Folkways’’ que publicó el disco describió al sonido del grupo como:’’ Un primer álbum brillante de un grupo totalmente original que interpreta sus propias composiciones en un jazz experimental / ambiental-oriental-nueva tradición clásica, música rítmica y reluciente. Un sinergismo de sonido instrumental, que incluye instrumentos caseros, saxofón, teclados, percusión, kalimba, viola, flauta dulce, guitarra, batería y otros.’’

Junto con los antecedentes musicales eclécticos de los miembros, también hubo una amplia gama de influencias extra musicales que se combinaron para hacer que el sonido de Entourage fuera tan único. La astrología y los escritos de Dane Rudhyar jugaron un papel importante, en particular su libro ‘’Un Mandala Astrolgico’’. La composición " Nature Spirits ", por ejemplo, se inspiró directamente en dicha obra. Al crear una "música fluida" que era tanto humanista como imaginativa, el grupo se esforzó por unir el mundo natural externo con el mundo interno del individuo.

La base creativa del grupo se construyó sobre la firme creencia de Joe Clark en la "composición colectiva". Su concepto era que las contribuciones hechas por los miembros participantes en la creación de una pieza musical, ya sea en reacción a un "tema" escrito por uno de los compositores, o a través del proceso de improvisaciones del grupo que resultan en una composición original, eran todas parte de las composiciones resultantes. Por lo tanto, la acreditación de composiciones como “Composición colectiva” por el grupo se convirtió en la notación de acreditación estándar. Esto también se aplica al trabajo coreográfico de los bailarines.

Cod: #1548

26 mar 2021

Invisible - Durazno Sangrando (1975)

Muchos recuerdan a Invisible como una de las mejores bandas que ha dado el rock argentino, un trio de notables con experiencia de sobra en el rock argentino: el baterista Hector ‘’Pomo’’ Lorenzo había sido parte de la primera etapa de Los Abuelos de la Nada y había formado además Pappo's Blues, siendo parte del trio que grabó ‘’Pappo’s Blues vol. 3’’. Por su parte el bajista Carlos Alberto ‘’Machi’’ Rufino también había sido parte del trio (junto a Pomo Lorenzo) de Pappo’s Blues y también había participado de la grabación de ‘’Pappo’s Blues vol. 3’’. El trió Invisible se completaba con el mismísimo Luis Alberto ‘’flaco’’ Spinetta, un pilar fundamental para el rock argentino, quien había creado hasta entonces bandas como Almendra y Pescado Rabioso y habiendo publicado álbumes fundamentales como ‘’Artaud’’ en 1972, entre otros.

En 1975 el trio Invisible graba y publica su segundo disco, ‘’Durazno Sangrando’’, grabado en los estudios CBS y siendo presentado posteriormente en el Teatro Coliseo, el 21 y 22 de noviembre de 1975. Se trata de un álbum conceptual inspirado en el libro "El secreto de la flor de oro", una obra taoísta china que habla sobre meditación, obra difundida en occidente por el psiquiatra y psicólogo Carl Jung y el teólogo Richard Wilhem, y no es difícil detectar que algo tramaban con las letras y las composiciones del disco, comenzando el mismo con una compleja suite llamada ‘’Encadenado al anima’’. Algunas de las tesis más famosas de Jung son la teoría del ‘’animus’’ y el ‘’ánima’’, donde el primero representa la "Vida" y el segundo la "Muerte", conceptos representados en las letras del disco.

Musicalmente representa un momento delicado en la carrera de Spinetta, principal compositor de la banda, con líricas profundas, expresiones delicadas venidas de lo profundo del animus, armonías áureas con instrumentaciones suaves pero potentes a la vez, toda una maquinaría compositiva y creativa que había evolucionado desde los primeros días en su carrera llegando hasta entonces donde se encontraba en un camino que comenzaba a recobrar un vuelo poético muy alto, de experimentos con fusiones, encuentro con el jazz, experimentaciones de tipo progresivas, y armonías inciertas provenidas de lo desconocido. El álbum está integrado por solo cinco tracks, incluyendo una de las canciones más difundidas del cancionero de Spinetta, la homónima "Durazno sangrando", de donde toma su título el disco. Esta canción da lugar al concepto del disco y representa el corazón del trabajo, una canción sencilla en medio de una enorme maquinaria progresiva. Una canción dulce, suave, icónica para el repertorio de Spinetta, con armonías sencillas pero utilizadas de forma tal para convertirse en un momento áureo y delicado que aun con sencillez logra estar a la altura de las demás composiciones del disco.

El disco ‘’Durazno Sangrando’’ no es plenamente aceptado por todos los fanáticos o seguidores de la música de Spinetta, eso es justamente porque este trabajo se sale de los cauces normales para cualquier banda de rock más estándar e incluso para el repertorio de lo que había sido hasta entonces la música del mismo Spinetta. Aunque Invisible sí había comenzado con un lanzamiento discográfico con demarcado rumbo hacia estructuras atípicas y progresivas, como lo había sido el homónimo ‘’Invisible’’ de 1974, es en ‘’Durazno Sangrando’’ donde aparecen complejidades mucho más profundas, no asequibles para cualquiera, especialmente apareciendo dos suites progresivas totalmente complejas como lo son ‘’Encadenado al Anima’’ y ‘’En una lejana playa del Animus’’, piezas de un sonido ambicioso y una complejidad única en la carrera creativa de Spinetta, una sofisticación que es un limbo entre invenciones y arreglos diversos que transcurren en un devenir prístino que se abre paso entre complejas secciones, cambios de ritmo, momentos internos, fusiones con jazz, sumado a la poética surrealista de las letras; un combo que no es fácil de digerir para cualquiera pero que es uno de los momentos cumbres en la carrera de Spinetta en lo que a la complejidad respecta.

La música de Spinetta es siempre muy particular, de una sutileza profunda, un encuentro con lo desconocido y que a su vez ‘’eso’’ llega desde otro espectro y se ubica entre lo material, como utilizando la obra de este autor como un instrumento para trocar las diferencias entre otros mundos y chocar en nuestra existencia en momentos de éxtasis y desconcierto. Esta obra no está exenta de eso, de ese efecto significante que se sincroniza con los misterios más insondables de la existencia, una maquinaria metafísica que se activa en los momentos más significativos de uno en el encuentro con el arte o con estados en lo interno.

Para los amantes de la música progresiva este es un disco ideal, por la gran complejidad y sutil sofisticación que por momentos experimenta, e incluso hay además un par de temas ‘’menores’’ en lo complejo como lo son ‘’Pleamar de águilas’’ y ‘’Dios de la Adolescencia’’, que completan el concepto del trabajo y se ubican como dos piezas de rock con elementos de jazz y arreglos ingeniosos combinándose a la perfección con el concepto total del disco. La tapa del disco diseñada, diseñada por Eduardo Martí, y el original afiche promocional con un dibujo del mismo Spinetta fueron censurados por las autoridades comunales de la ciudad de Rosario a fines de 1976, por considerar que la imagen (que según sus autores representaba un carozo de durazno) simulaba una vagina.

Cod: #1547

25 mar 2021

Larry Coryell - Spaces (1970)

Poco hace falta alardear sobre este disco porque ya es la misma formación que lo grabó la que tiene unas credenciales enormes en el campo del jazz y más especialmente en el fusión temprano. El origen de este proyecto se remonda al momento en que Larry Coryell vio en vivo una actuación del por aquel entonces grupo de Tony Williams Lifetime, grupo liderado por el baterista Tony Williams y del que formaba parte John McLaughlin; la leyenda dice que Coryell quedó tan impresionado con lo que escuchó esa noche que invitó al mismísimo McLaughlin a unirse a él en un nuevo proyecto fusión, que sin saberlo sería un pináculo del género y uno de los primeros del estilo. 

El conjunto se completa con un auténtico all-star de genios del genero pero los encargados principales del empuje creativo del álbum son especialmente las dos guitarras, los dos guitarristas del grupo, Larry Coryell y John McLaughlin, quienes se enredan en extensos e interminables monólogos bipartitos desparramados por todo el disco en lo que es una auténtica orgía de cuerdas, con armonías, improvisaciones, arreglos y otros agregados melódicos. Ambos guitarristas se encuentran en un nivel infernal y demuestran porqué son dos de los más grandes del género, con ejecuciones técnicamente impecables y prácticamente sin error alguno.

Sin duda que todo el conjunto se encuentra en un nivel superlativo en comparación que la mayoría de los músicos de la época, con Chick Corea en piano eléctrico, Miroslav Vitouš en bajo, Billy Cobham en batería, y los ya mencionados, Larry Coryell y John McLaughlin, ambos en guitarra eléctrica; ellos eran la vanguardia, la elite mundial del jazz, y el engranaje de este conjunto, y pese a que no tomó mucho tiempo la grabación, aun así suena como si hiciera tiempo que tocaran junto, eso solo lo pueden hacer músicos de tal calibre técnico y creativo.

Dijo Coryell sobre las sesiones del disco: ‘’El primer día fue extraño , porque Chick, Billy y John acababan de llegar de sesiones con Miles. Definitivamente habían estado adoptando diferentes enfoques de la música en esa sesión, porque cuando lancé la primera pieza, "Tyrone" de Larry Young, no la interpretaron correctamente. Todos se iban al espacio exterior.  Casi nada de lo que tocamos ese primer día formó parte del disco, parece que obtuvimos la mayor parte de la música que se incluyó en el disco el segundo día. Solo tomó un tiempo sentirse cómodos entre ellos y con el material. Spaces no lo hizo tan bien en el lanzamiento inicial, pero cuando Vanguard lo reeditó unos años más tarde, vendió 250,000 copias. Nada mal para un disco que sonaba muy poco a jazz tradicional y nada a rock‘’

El estirpe de las composiciones es profundamente complejo, con todo el grupo envuelto en muy amplias estructuras que varían sutilmente en tiempo y espacio y convergen en fases y sub fases continuas, haciendo uso cada músico de su perfecta versatilidad para la construcción semi improvisada del sonido, los ejecutantes tenían el nivel como para hacerlo y es justamente por eso que la construcción del disco tiene tantos detalles y secciones internas, con una riqueza plena en armonías jazzeras que brotan continuamente en un limbo instrumental.

El álbum contiene elementos y sonidos provenientes de tradiciones del jazz de los 50s, y cuenta además con la visiones de Coryell para tomar las formas tradicionales e, inspirado por las nuevas vanguardias de la época, imprimirles a las mismas una visión superlativa que son las estructuras progresivas expresadas en extensas sesiones con puras improvisaciones donde se destacan las descomunales técnicas de los dos guitarristas. Las guitarras eléctricas toman el lugar preponderante y primordial y son la fuerza impulsora principal del disco, pero por algunos momentos es el piano eléctrico de Chick Corea el que recobra cierto lugar, como en la pieza ‘’Crisis’’.

Es verdad que el álbum se encuentra entre los anales del fusión, pero no le hace honor tan perfectamente a este como si lo hizo Tony Williams Lifetime un año atrás. Por otra parte el sonido toma mucho del jazz pero, otra vez, no es un disco puramente de jazz clásico. En resultado en una amalgama que convergen entre estos estilos, sin duda ubicándose entre los orígenes del fusión, pero también convergiendo como un entusiasta experimento de Coryell que estaba comenzando a hacer su nombre en la escena y que con este lanzamiento lograba credenciales de las más altas.

‘’Spaces’’ quizás signifique eso mismo, los extensos espacios que exploran a lo largo de las varias extensas sesiones propuestas, con el estilo de ejecución de Coryell impregnado del gypsy jazz y dixieland de décadas anteriores y la técnica innovadora de McLaughlin proveniente del vanguardismo y la psicodélica/blues, en conjunto forman una fuerza formidable que, al unisono y convergiendo en una sola expresión, recrean un estirpe de variado índole y que se refuerza mutuamente en un remolino de interminable virtuosismo técnico puesto en marcha en un auténtico experimento del fusión más exquisito de la época.

Cod: #1546
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