Psicodelai Calal - Psicodelai Calal (2025)

El rock argentino muchas veces se ha caracterizado, entre otras cosas, por su personalidad, y en el rubro de lo psicodélico han aparecido interesantes artefactos a tener en cuenta por estas tierras. Los chicos de Psicodelai Calal han hecho de las suyas en el género de lo psicodélico y aledaños con este muy interesante disco que por fin salió a la luz en 2025, después de varios años de estar guardado, para liberarse como un artefacto que se maneja entre el rock psicodélico, y con influencias de krautrock y el rock progresivo, pero que principalmente es algo muy propio de la banda. 

Se nota el funk, lo buenos grooves, las construcciones bien elocuentes de temas con esa personalidad que tuvieron para crear cosas con forma propia. Las pistas representan una propuesta interesante desde la composición, con formas de canción que en general son poco predecibles, son inventos que llevan a explorar lugares diferentes, y eso siempre es algo interesante.

Además, con buen bagaje creativo se las arreglar para nutrir a sus composiciones con buenos elementos, desde teclas, guitarras, bajos y grooves. Se notan las influencias que arrastran de la música progresiva de antaño, se nota ese factor nutricio de la creatividad que jóvenes músicos, cargados con su entusiasmo, pudieron darle a su música. El estilo progresivo tiene esa cualidad de conducir a la música a esa amplitud en la composición, y esa cualidad aparece en este disco, con pasajes elaborados en la canción, entre introducciones, desenlaces y finales, pero sin salirse finalmente de la canción.

Hay algunas pistas instrumentales interesantes en el trabajo, es allí donde la influencia progresiva más de puede apreciar. Hay muchos pasajes que recuerdan al krautrock, por el uso que le dan a los teclados, esa influencia está a las claras. Lo psicodélico está presente, el pop y el funk también está aquí, pero ninguno de estos géneros termina de definir exclusivamente a este disco, es más un invento de ellos y su creatividad.

No se defraudarán con este disco que mucho tiene de experimento, hay varios inventos dentro del rock, con mucho estilo para manejar el groove rockero, mucha prestancia para liberarse en esos pasajes que de pronto todo rompe en algún riff con bastante power.

La propuesta parece interesante vista desde el exterior, y en el encuentro con las letras también hay material rico. Desde la lírica hay un contenido fuerte, hay mucha introspección que parte de esa energía que se requiere para mirar hacia adentro, con críticas hacia el mundo vano, que van desmenuzando en visiones distócicas que parten de la desazón que puede generar el encuentro de alguien profundo con el mundo frívolo que lo rodea, pero a esta visión la efectúan primordialmente con mucho espíritu y mucha riqueza, por lo que la construcción musical ayuda a que la lirica pueda ser digerida sin caer en el pesimismo, y caso contrario, los grooves poderosos que manejan se encargaran de levantar cualquier desanimo existencial, haciendo bailar a cualquiera que se anime a escuchar.

Psicodelai Calal llega a la colección del Jardín Psicodélico, y para cerrar esta historia, aquí están algunas preguntas, con sus correspondientes respuesta, que amablemente los chicos me respondieron y que siempre ayudan a vislumbrar aun más a las bandas, sus discos y las historias que hay por detrás.

¿Cuál es la historia de la banda? ¿Cuándo se formó? ¿Cuánto tiempo funcionó la banda? 

''Bueno, arrancamos como un grupo de 4 amigos de Pilar, Buenos Aires. Nos juntábamos en la casa de Pablo a escuchar, hacer música y filosofar mirando el cielo nocturno. épocas donde el tiempo nos sobraba.

Tanto como Francisco Maris (tecladista), Pablo Masuco (Guitarra y voz) y Martino Stefano (Bajo y voz) íbamos al colegio juntos y veníamos haciendo música de forma recreativa desde el 2009 aprox. y Nico Mena (Batería) apareció, ya que Pilar es chico…

La banda se formó en el 2015, y duro 2 años, hasta octubre del 2017.''

Vi que el disco que publicaron había sido grabado en parte en 2017 y hace poco lo retomaron para terminarlo, ¿es así? ¿Cuál es la historia del disco?

''Si, es así. Grabamos baterías, bajos y teclados en 2 jornadas de septiembre del 2017 en el estudio 505 con Francisco Marquez y nos separamos un mes después por diferencias. 

Pablo comenzó a montar su estudio en 2020 y como solo faltaban las guitarras y las voces, decidió retomar el proyecto en el 2021. Grabó sus guitarras en su estudio, los más fieles posibles a lo que eran originalmente y después nos juntamos a grabar las voces y algún que otro arreglo de teclado también.  Lo llevamos a mezclar y masterizar en Cosmonauta récords con Mariano Keller, y en el 2025 lo pudimos sacar.

A nuestro amigo Gaston Richardson (@gastonrichardsonart), gran aliado de la psicodelia, le pasamos el disco y escuchándolo, nos pintó un tremendo cuadro representando lo que para él era Psicodelai Calal.

Se demoró el lanzamiento del disco por las obligaciones del día a día y el escaso tiempo libre que le pudimos dedicar (el tiempo de calidad que se merecía).''

¿Qué géneros e influencias hay dando vuelta en el disco?

''Psicodelia pura, krautrock, rock progresivo, jazz, rock alternativo, noise, tecno, blues.''

¿De qué habla el disco? ¿De qué están hablando con esas letras y composiciones?

''Del existencialismo, de la búsqueda personal más que nada y que todo.''

Ustedes dicen: ‘‘El camino de la felicidad es el constante descubrimiento de uno mismo’’, muy buena frase, lo que se estanca se marchita. A veces las bandas que hacen psicodelia o aledaños andan con esas visiones profundas. ¿Qué pensaban ustedes sobres estos temas cuando estaban en la banda?

''Si trasladamos esa frase a nuestras composiciones, el descubrimiento de algo nuevo genera muchísima dopamina, y nosotros improvisábamos mucho. Al improvisar aparecían las melodías y grooves completamente nuevos, originales, del momento más presente posible, descubriendo esos sentimientos con nuestra música, que sin duda generaban felicidad. Hasta los momentos más oscuros y turbios de psicodelia eran sensación de felicidad absoluta.''

¿Por qué ‘’en el futuro ya no existen las almas’’?

''Recurriendo a la matemática, y la vida que habitamos hoy, siendo una línea recta exponencial, la llegada de la tecnología, las redes (sobre todo las redes), están haciendo que el alma deje de tener mérito, presencia, protagonismo… realmente, en el futuro ya no existen las almas y cada vez se comprueba más. 

Ahora... tenemos fe todavía, y en algún momento podrá pegar la vuelta, y vamos a necesitar más del alma, que de volvernos virales para subsistir.''

¿Por qué ese nombre de la banda? ¿Hace referencia la psicodelia?

''Primero le pusimos ese nombre a la canción homónima y nos gustó tanto que terminó siendo el nombre de la banda. Salió de un chiste entre amigos, risas y música. ¿Sabés como se dice Psicodelia en Chino?... No tiene sentido y tampoco importa. De eso se trata la psicodelia!''

¿Qué conexión tienen con la psicodelia? ¿Cuáles son sus referentes del género?

''Mucha; hemos experimentado como lo hacían nuestros ancestros de Grateful Dead en sus fiestas de acid testers. Hacíamos improvisaciones hasta el amanecer y un poco más y nada importaba.

Nuestros máximos referentes fueron Pink Floyd (Sus primeros discos, sobre todo A Saucerful of Secrets), Tame Impala (Innerspeaker-Lonerism), Can, Neu, Miles Davis, Mars Volta, y muchas más.''

¿Tocaban mucho en vivo? ¿Cómo eran sus presentaciones?

''Teníamos buena rotación y eran intensas. Lo que más nos representaba eran nuestras fechas que organizábamos en un viejo bar local llamado Steparius. Se llamaban Ranove. Ahí invitábamos artistas de todo tipo que quisieran expresarse y nos dimos el gusto de llamar a bandas cercanas a la psicodelia/experimental. Se armaban fechas de pura felicidad, ya que se trataba de disfrutar ese momento.

Nuestras presentaciones arrancaron variadas, y terminamos tocando muy similar a lo que quedo en el disco. En las primeras fechas solíamos empezar improvisando una especie de noise/ambient y un amigo nuestro, Ignacio Pedernera solía recitar poemas arriba de ellos.''

¿Qué ha sido de los músicos? ¿Se siguen reuniendo alguna vez? ¿En qué proyectos andan ahora?

''Todos seguimos de alguna manera conectados y haciendo música. 

Martino es un productor/dj de urban house solista y se dedica a eso (siempre estuvo con este proyecto en paralelo). 

Francisco ha estado en varias bandas como Superchino, Bubulina, La Mother Funky, y forma parte de jams de todo tipo, un músico prodigio la verdad. 

Pablo formó parte de Voltier, Los Fritos, y ahora, un proyecto de banda nuevo que saldrá a la brevedad. También es productor musical y se hizo un estudio en su casa donde trabaja con otros artistas locales. 

Nico estuvo en Superchino, Voltier, Elefantes en Marte, Ladran Pájaros, todo para chequear en Spotify y demases.

Nos solemos reunir, hemos tenido muchos proyectos en común, pero la amistad es lo que más nos reúne.

Fue algo único que vivimos los 4, hermoso y real. Dimos todo de nosotros y lo manejamos con mucha intensidad, como a veces hay que hacer las cosas para llevarlas a cabo. Gracias de verdad por escucharnos y ojala mas gente pueda, seria algo muy grato, hemos dejado una parte de nuestro corazón en esto.''

Cod: #1836

Los Pirañas - Toma Tu Jabon Kapax (2011)

Esta es una música con mucho sabor, un sonido que merece ser rescatado por la valía con la que cuenta, que es la de rescatar de la difamación a esos estilos latinoamericanos tropicales que muchas veces no gozan del favor del ideario popular inconsciente, pero es que este sonido a su vez reformula la manera en interpretar esos estilos y los replantea en una forma renovada, no perdiendo estas músicas la capacidad de hacer bailar a los oyentes.

Hay algo descocido en estos sonidos, una manera irreverente de interpretar el sonido tropical, como reformulándolo hacia la psicodelia, pero sin perder jamás el respeto, que resguardan, hacia estos estilos. Vallenato, chicha peruana, raspa, champeta, algunos sonidos africanos y la cumbia en sus diferentes vertientes (sabanera, rebajada, sonidera), son los estilos que hacen gala en este experimento, notándose estos principalmente en los ritmos pegadizos (y bailables) que posee el disco, ritmos con mucho sabor tropical que invitan a la celebración, como no cualquier otro género pueda poseer.

El invento aquí es el ideario patafísico que se le suma a la producción de estas músicas, ya no clásicas, sino con un toque de delirio, con esa dosis experimental que le puede agregar la mente de músicos que buscan el choque. Contra todo pronóstico esto sigue siendo bailable, pero ya con agregados que van hacia otro lugar, más hacia el terreno del rock y la electrónica, y varias opciones que pueden brindar estos géneros a la hora de experimentar con la sonoridad. 

Hay elementos de música electrónica moderna que, desde los ritmos, parece que se llevan muy bien con lo tropical. Por otro lado, hay una guitarra eléctrica sumada al sonido, y desde su lugar de disparate suma toda clase de ruidillos y agregados sonoros, muy bien aunados a los ritmos, que hacen que el sabor tropical se vuela hacia la una alocada computación electrónica. Esta guitarra se anuncia oficialmente por los músicos con un estilo que nace desde el surf y la chicha peruana, la versatilidad con la que cuenta y la buena manera de acompañar a los ritmos hacen dar cuenta de su origen artístico, pero muchas veces también la guitarra hace ruidos disonantes que rompen con la dinámica de los ritmos tradicionales, proporcionándoles ese costado tan descocido que escucharán aquí.

Esta grabación ocupa un casillero en la lista de esos sonidos tan impensados como lo son aquellos que gozan de la experimentación pero dentro de géneros tropicales que son más bien tradicionalistas y que además no contaron con un fenómeno sociocultural que los ubicara en facetas experimentales, como sí lo supo experimentar en gran manera el rock. Cumbia psicodélica sería talvez un término alejado y pretencioso pero curioso a la hora de mirar a esta música, cumbia psicodélica o música tropical psicodélica.

Si bien todo el disco es bastante alocado, hay en el aire de la interpretación algo para lo hipnótico, debido a la presencia de lo psicodélico que siempre tiene en sus entrañas ese aire de introspección tan característico y que se puede sentir dentro de los experimentos aquí ejecutados, como una cosa que se insinúa en las sonoridades, en los ambientes y las distinciones, y los efectos. Los ritmos frenéticos no invitan a la meditación, pero hacen de algo que es repetitivo e induce a lo hipnótico, la cumbia tiene en sus entrañas mucho de lo psicodélico.

Hay en esta propuesta, en ese costado alocado, tan ruidoso, una faceta de un sonido con mucho humor, irreverencia, lo que lleva a la música a ser estridente, con aplicaciones alocadas que tensan la música, llevándola hacia el lado de la experimentación. Se trata de un encuentro inusual de elementos que provienen de distintas partes y que es inesperado encontrarlos en esta misma cosa, pero que, de alguna manera, funcionan bien juntos. No siempre se puede bailar al ritmo de algo experimental, pero en este caso esa regla se puede obviar esa regla, ya que el sabor es lo que nunca pierden.

Los Pirañas están compuestos por miembros de Frente Cumbiero, Meridian Brothers, Palanca y Ensamble Polifónico Vallenato. Los artistas participantes son Eblis Álvarez en guitarra y pc, Mario Galeano en bajo y Pedro Ojeda en batería y timbal. "Toma tu jabón Kapax" fue grabado en vivo en diciembre de 2010, en Matik Matik, un espacio cultural en Bogotá que promueve la experimentación musical. Originalmente lanzado en Colombia por Festina Lente Discos, poco después Vampisoul lo lanzó para el público internacional.

Cod: #1836

The Quantic Soul Orchestra - Stampede (2003)

The Quantic Soul Orchestra es sinónimo de buen groove, buen funk, mucho sabor, y una gran dosis de exotismo soul, manejando muy bien estos estilos y creando muy buenas amalgamas y fusiones como bien la banda lo ha hecho en muchos de sus trabajos. El origen del grupo lo ubica a Will Holland como creador e ideolgo. 

Él había lanzado dos exitosos álbumes en ‘’Tru Thoughts’’ bajo el pseudónimo de Quantic, ‘’The 5th Exotic’’ de 2001 y ‘’Apricot Morning’’ de 2002. El siguiente paso de Holland fue crear la Quantic Soul Orchestra como un aplataforma para seguir experimentado con sonidos groove fusion, publicando un primer disco con el proyecto, ''Stampede'' de 2003.

El grupo, en este debut, liderado por Holland, maneja a la perfección del idioma groove, creando una serie de variadas amalgamas funk de todo tipo, tomando sonidos de viejas tradiciones del género y trayendo el aura vintage hasta su época, recreándolo hasta la nuevas producciones, lo cual es fácil de lograr para la banda que parece estar angelada en el groove y los sabores soul negros entre todas sus variantes y sub géneros. Este sonido es diversión asegurada, con fusiones que invitan a bailar, bailar una música que no es movida porque sí, es un mérito este groove y esta fusión, las guitarras especializadas en armonías, riffs funk y toda la banda funcionando a la perfección. Es una música bailable de calidad en el soul.

En las notas del disco se dice que "Stampede" se inspiró en los viejos y polvorientos 45 de funk y soul, influencia que es fehacientemente apreciable en el hecho de que se trata en su mayoría de piezas cortas de funk instrumental, con percusiones dinámicas y algunas líneas de viento dando vueltas por ahí. En ese sentido el disco parece haber captado muy bien la esencia de las viejas tradiciones del funk y esto es llevado hasta tal punto que el álbum es deliberadamente tosco adrede, la banda fue grabada y masterizada de tal manera para producir un sonido crudo y algo ‘’defectuoso’’, una producción no del todo clara pero que fue elaborada de esa forma apropósito para hacer de cuenta de que se trata de funk setentero, lo cual es fácil de detectar viendo que se trata de un disco lanzado en 2003, realmente captaron la esencia.

Todo el álbum tiene un ritmo muy dinámico y rápido, un groove que incita, invita a moverse, con una serie de variadas piezas cortas de funk que no se guardan nada y aportan su cuota groove al instante. El estilo de estos grooves es clásico, los instrumentos funcionan a la perfección en la recreación del estilo, transportándolo desde décadas anteriores hasta su época, y el resultado en un muy nítido y divertido sonido de funk, con elementos de jazz, inventos compositivos entre algunas texturas particulares y muy creativas composiciones en general.

La Quantic Soul Orchestra también agrega influencias de Afro Beat y Soul al sonido Funk con músicos evidentemente experimentados y talentosos para la ocasión y el desafio de crear una música funk con amalgamas de otros estilos del soul y fusiones afines. Toda una gran banda conformaba el grupo para la ocasión, con: Dave Woodhouse (Clavinet, Rhodes y Trompeta), Damian Bell (Trombón), Antonia Pheulatos (Arreglos de cuerda y violín), Lucy Holland (Saxaphone), Richard Gibbs (Batería), John Hughes (Flauta, Guitarra, Voz), una cantante de ensueño, Alice Russell, y por supuesto el propio Will Holland (Guitarras, Bajo y Percusión).

No es un disco innovador pero tampoco pretende serlo, toma muy bien las influencias de los viejos funks de los 70s y las recrea a la perfección, demostrando un nivel técnico muy alto de los músicos y el evidente talento de Holland para comandar el barco y crear texturas groove siempre frescas. 

En una época en la que el hip hop tomaba de viejos beats del jazz y el funk, Holland demostró que también podía hacerlo. Un sonido que demuestra que el funk está realmente vivo en el nuevo milenio.  The Quantic Soul Orchestra continuó su carrera con tres discos más, a destacar su fabuloso ‘’Tropidelico’’ del 2007, donde experimentan con un sinfín de texturas y géneros groove variados, como salsa, cumbia, jazz, y boogaloo.

Cod: #1835

Dungen - Dungen (2001)

Seguir el rastro de este disco es complejo porque se trata de un sonido muy amplio, pero al fin y al cabo es el elemento psicodélico el que está detrás de todo para unificar cada insinuación musical en una misma cosa. A Dungen parece que le sienta bien lo psicodélico, en muchas presentaciones en vivo, sin contar sus discos, se sumergen en lugares experimentales, utilizando la instrumentación para encaminar su sonido hacia lo exótico. En 2001 publicaron el homónimo ‘’Dungen’’, un trabajo que se transformaría hacia el culto de algunos, y con un sonido que refiere el porqué de ese culto, un sonido difícil de clasificar debido a la gran cantidad de elementos que hay dando vueltas en su sonido, desde rock psicodélico y psicodelia, música progresiva, fusión, folk, música de sesión, y muchos otros elementos.

Además de la gran cantidad de insinuaciones que aparecen en este trabajo, lo sorprendente es que todo se fusiona con una inventiva que unifica cada cosa en función de la música de sesión cuasi improvisada, es allí donde todo ocurre y lo que comienza como algo psicodélico termina pasando por partes de un estilo fusión para terminar con algo pastoral, etc. Hay una despreocupación general en estos músicos a la hora de componer e interpretar, lejos de formalidades y con un espíritu muy amable para hacer arreglos creativos.

Todo el disco tiene ese aire de música graba en vivo en sesiones, esa libertad se encuentra en las interpretaciones cambiantes que mutan si resquemor ni vacilo, yendo hacia donde el grupo quiera, y con la soltura de ser interpretadas por una banda de buena calidad. Evidentemente conocen la música psicodélica/progresiva de antaño ya que esa influencia está marcada a fuego en su estilo, con predilección de música libre de sesión y ejecuciones psicodélicas instrumentales. 

El disco es bastante experimental, especialmente por la primera pista del mismo, la llamada ‘’Stadsvandringar’’, pero en realidad toda la propuesta se maneja por esas tierras amplias propia de músicos que aún no contaban con una gran fama y tal vez estaban sueltos para ir a esos lugares tan particulares como los que transita el disco. Esta propuesta toma mucho de los sonidos antiguos y los revive en un espíritu fresco, cantado con letras en sueco que reafirman aun la honestidad del lanzamiento. 

Seguramente sea el factor psicodélico el que más afecte a las producciones de Dungen, tomando muchos estilos del genero para recrearlos en su música. En la pista ‘’Stadsvandringar’’ tenemos zapadas estilo fusión, o en ‘’Andra sidan sjön’’ nos encontramos con una pista folk psicodélico con sitar, o en ‘’ Och du frågar mig varför...’’ se puede apreciar un auténtico rock psicodélico, con flautas y atascos volátiles.

Ese es el don principal de la banda, lo orgánico de su interpretación proviene de sus habilidades y de su búsqueda de algo transcendente y no superficial. Tal vez esta expresión tan amplia los ubique en un lugar particular con respecto al público, pero la banda parece gozar de su propio estilo ya que sus interpretaciones tienen ese sello tan marcado de algo elaborado con buenas intenciones creativas. Teniendo en cuenta su gusto por lo psicodélico, Dungen es un proyecto destacado de este género en la actualidad.

El disco fue publicado originalmente en vinilo en 2001, bajo el nombre de ‘’Dungen’’, en una cantidad limitada, pero en 2005, luego de que la banda alcanzara la fama, el trabajo fue republicado en cd, como ‘’Dungen 1999-2001’’, ya con modificaciones en la música, pasando de tener originalmente ocho pista, a tener tan solo tres.

En esa nueva versión del disco, del año 2005, la banda reformula la música del trabajo, respetando algunos fragmentos de la versión anterior, pero grabando nuevas partes, ya instrumentales, también dentro de lo psicodélico pero ahora con nuevos pasajes extensos de una música mucho más oscura, ambiental, muy psicodélica, sonidos de ensueño y ambientas mucho más profundos.

La versión del 2005 de este disco tiene otra dinámica que la primera versión, ya que la música se reduce a tres pistas, por lo que la propuesta se ramifica a lo largo de tres tracks de larga duración, mostrando la banda una cara totalmente distinta. Aquí la sesión experimental del disco se acrecienta, y finalmente nos queda el feliz hecho de que hay dos versiones distintas de un mismo disco, y ambas son muy interesantes.

Cod: #1834

Dimorphodons - Waui (2025)

Al escuchar este disco se puede pensar que la psicodelia de la primera hora ha revivido, incluso siendo un disco que no siempre está en el rock, con algunos momentos con acercamientos a la música electrónica moderna, o aires que reflejan el pop de la neo psicodelia, pero es que se trata de un rock psicodélico actualizado, y aun así se encarga a la paradoja, inconsciente o no, de tomar de aquel viejo espíritu de la música de rock acida de antaño. 

Hay muchos momentos que traen reminiscencias a los antiguos hitos del género, como guitarras fuzz recontra podridas que recuerdan al primer disco de la banda SRC, o momentos de delirio que traen a la mente a los primeros Pink Floyd, aunque también otros momentos más duros que traen a la mente a la heavy psicodelia de Blue Cheer, o también el clavecín utilizado en algunos temas trae aires de antiguos discos de la psicodelia barroca como ‘’Walk Away Renée / Pretty Ballerina’’ de The Left Banke.

No es una propuesta pasajera, no hay algo pasatista aquí, ya que en la escucha se revela algo que fue trabajado minuciosamente, es un sonido enriquecido con muchos elementos, con una producción que lleva al escucha hacia diversos lugares, pero sin moverte del mismo disco, y aun así todo suena con una cohesión que unifica a las propuestas en una misma cosa.

Algunos estribillos de estas canciones son algo pegadizos, está presente la neo psicodelia, con similitudes a Tame Impala o sonidos actuales. El disco pareciera por momentos tener esa influencia, es una colección de melodías actualizadas, pero esa lista de temas pop pareciera haber sido pasada por ácido lisérgico, por lo que la lógica de las canciones varía, y los ritmos se vuelven hacia lugares poco comunes, típico de las producciones psicodélicas de antaño. Este trabajo en la percusión hace de esto un esfuerzo que saca a la canción de rock de su lugar común y la ubica muchas veces en el frenetismo de una lisergia que roza con la heavy psicodelia, enriqueciendo la sensación psicodélica del disco.

Todo el disco es, no solo entretenido, sino también fresco, a todo momento. Hay una frescura en la propuesta que hace que todo el trabajo sea interesante, con una variedad de cosas que suceden y siempre mantienen el interés. Es un disco que va a su ritmo, con su propia dinámica; propuestas que ubican a toda la obra en un lugar fuera de lo común, en un lugar propenso a lo hipnótico, a lo lisérgico, un ritmo con un dejo propio. No es rock y ya, es una propuesta con mucha profundidad que obliga al escucha a viajar a otros lugares. Esto también puede significar ubicarse en el espectro de un público muy específico, es un riesgo agradable que toma el disco, dotándole de credibilidad y honestidad artística.

El trabajo ha llamado la atención de muchos, especialmente de amantes de la psicodelia, y no por nada eso ha ocurrido, es un disco muy esmerado, con mucho por ofrecer y que es capaz de sorprender gratamente a los seguidores de esos sonidos de antaño tan comunes en el rock de la vieja escuela.

Del pop se toma la melodía, el estribillo y las voces agradables, por lo que, aunque se escuche algo heavy, tambien se puede apreciar lo que se canta como algo familiar. Sumado a eso, hay un trabajo esmerado con las guitarras eléctricas, muchas veces muy sucias.

Y por supuesto también hacer pie en el aire actualizado que posee el disco, uniendo clavecín y heavy psicodelia con sintetizadores y pop más moderno, pero haciéndolo de manera en que ambos lugares puedan coexistir a la perfección. Hay también algos temas que van más hacia lo electrónico y podría pensarse incluso en otro tipo de estilo en esos casos, pero esa actualización va muy bien con todo lo demás que propone el disco, toda la propuesta está muy bien unificada, los ingredientes cohesionan muy bien entre sí.

Parece que el disco fue gestado a lo largo de un extenso tiempo, con mucho esmero grabado en distintas locaciones, con inventos y experimentos, algunos fallidos y otros producto de una inspiración acertada, todo para intentar dar vida a una obra que fue pulida y producida con mucho trabajo, y que en su resultado final se puede apreciar aquello tan particular. ‘’Waui’’ reabre el estigma de la vieja psicodelia, y la actualiza sin recelo para ubicarse como un artefacto destacado del género en los últimos años. El resultado es una cosa que todos ya conocemos, pero que de todas maneras todavía nos sorprenderá.

En bandcamp es el propio artista es quien describe al disco de esta manera: ‘’Dimorphodons, también conocido como el productor, multiinstrumentista y melómano empedernido Will Twynham, presenta su álbum debut, largamente gestado: Waui. Desde la grandilocuencia stoner de «Land Over Sea» hasta la grandilocuencia barroca cinematográfica de «Gondwanaland», Waui representa una obra que no fue fácil de reunir, terminar ni siquiera empezar. Un ambicioso viaje por la mente de un amante de la música, el proceso de grabación incluyó estancias en Glastonbury y Los Ángeles, un clavecín transportado en la parte trasera de una furgoneta hasta una capilla abandonada, cuatro bateristas, un coproductor, innumerables intentos fallidos, experimentos y momentos de inspiración que se han cristalizado en una obra de sorprendente originalidad.’’

Cod: #1833

My Brother The Wind - Twilight In The Crystal Cabinet (2010)

My Brother the Wind es de esas bandas contemporáneas que se han volcado hacia una psicodelia que se recrea en la actualidad con esa predilección hacia lo espacial y las sesiones instrumentales de rock, siendo esta tal vez la manera favorita que tienen los músicos de psicodelia contemporáneos de entender a la psicodelia universal. Hay incontables bandas y sus correspondientes discos, muchos de ellos muy buenos, que gozan de esta característica, demostrando que la rama espacial está más viva que nunca y que tiene un lugar preponderante en el mundo psicodélico, o por lo menos un lugar preponderante en la manera en que las bandas de rock contemporáneas perciben a este estilo.

Esta forma de psicodelia también se percibe actualmente como exploraciones de rock instrumentales cuasi virtuosas (o virtuosas al fin), con poderíos en guitarra eléctrica, sintetizadores, y bases rítmicas hipnóticas. Con estos elementos se han recreado un sinfín de viajes espaciales por el cosmos, por bandas de muchos lados del mundo, pero con esa preponderancia de bandas europeas que lideran en cantidad los proyectos de este estilo. 

Una vez situados en ese terreno, el sonido resultante consistirá en lo que cada banda pueda/quiera imaginar, dentro del espectro creativo que ofrece la música espacial que es enorme, presentando un espacio por explorar y jugar hacia un sinfín de direcciones. A veces las percusiones se vuelven más rectas o en otros ejemplos tienen hacia la búsqueda de la amplitud de ritmos.

La gran mayoría de las veces la música de rock espacial suele ser pedal, o sea que se para solo sobre una tonalidad para realizar toda la interpretación. Esto puede llegar a recibir el prejuicio de músicos que trabajan más con la armonía que con las espacialidades, tachando a lo espacial como algo inconsistente.

Pero los ejemplos más destacados en el mundo en interpretar este tipo de estilo en el rock consisten en bandas de excelente calidad técnica, pero que a su vez han explorado otro terreno en la música, que es la ejecución de un sonido que se expresa a lo largo de sesiones, desarrollándose en un sentido progresivo en el espectro sonoro, buscando así la progresión en el espacio, junto a otros atributos importante de esta música como lo son la capacidad de manejarse en improvisaciones muy extensas, y la capacidad de manejarse en una concepción música que se recrea en lo progresivo y que no está tan prefijada en lo estructural, los límites de las estructuras se corren más allá.

La música espacial, valga la redundancia, se expresa en un entorno espacial, desarrollándose como un germen que va creciendo y va avanzando, conquistando nuevos espacios para expandirse cada vez más en un fenómeno en el que a su vez se va autodesarrollando y autodescubriendo. No hay manera de prefijar este fenómeno, lo que ocurre allí en su mayoría es el establecimiento de las mínimas características que se van a utilizar, pero lo que ocurra a desde ese momento en adelante lo demarcará lo que la energía propia provea al momento de volcarse en el espacio de la sesión.

‘’Twilight In The Crystal Cabinet’’ fue grabado en vivo por esta banda sueca que recién se estaba conociendo, en una interpretación en vivo, puramente instrumental y basándose especialmente en la improvisación. El resultado es un trabajo rockero liderado por guitarra eléctricas, pero con el atenuante de que no tiene canciones sino solo arremetidas instrumentales, algunas muy extensas, en las que se propone el viaje lo largo del espacio sideral, característica que se refuerza por las características que recobra cada instrumento.

Afortunadamente el disco cuenta con una amplitud enorme en tanto a la variedad de estilos dentro del mismo género, siempre plantado en un sonido feroz, con un enorme poderío, pero transitando por distintos momentos, entre rock espacial más ligero, o momentos de bases más lentas, otras interpretaciones que ocurren dentro de una sucesión de acordes con aire de balada rockera, y otros inventos del grupo.

Salvo un par de pequeñas pistas que aparecen en el trabajo, el resto del sonido parece volverse un pretexto para que el grupo viaje hacia lo sideral, comenzando con algunas partes prefijadas, pero volcándose rápidamente hacia ese lugar tan excitante que es el viaje hacia lo desconocido, con poder y con el carácter cósmico tan presente. Allí habrá un sinfín que momentos internos, intensidades que cambiaran, abundantes solos de guitarra eléctrica, y desarrollos rítmicos en los que la batería vivirá su lugar predilecto.

Cod: #1832

Pow Pow & The Plasticine Porters - Demo Tapes From a Psychedelic Box (2019)

Los que amamos la psicodelia estamos ubicados en un lugar muy específico, muchas veces con poca conexión a circuitos u otros artistas del género, sabemos que es un ambiente poco recurrido, pero transitar estos caminos artísticos no es solo algo divertido, sino también enriquecedor, un camino lleno de tesoros, por lo que la travesía por estas tierras se vuelve un desafío agradable de transitar. La psicodelia puede llegar a tener muchos estilos, pero algo que la caracteriza son la miras hacia lo interno, esta característica marca a los artistas que toman esos caminos, donde las fronteras entre lo interno y lo externo muchas veces se diluyen para dar lugar a expresiones materiales que tienen una profundidad inmaterial.

Construida con muchos elementos, la psicodelia refleja una época de mucho movimiento, manifestaciones, y por supuesto experimentación, tomando elementos de muchos lugares para dar pie a cosas que, en su momento, fueron nuevas.

Hay varios exponentes interesantes de la psicodelia en Argentina, como en Neuquen capital, donde Sebastian Porro desarrolla sus proyectos musicales, principalmente como parte de la banda Nube y otras bandas locales, pero también como artista solista que ha dejado artefactos salidos más de su mundo personal.

‘’Demo Tapes Froma Psychedelic Box’’ es un disco solista que el músico publicó en 2019, un trabajo marcado a fuego por la psicodelia, y sus estilos rockeros e introspectivos. El trabajo es un viaje hacia esas exóticas riquezas de la música influenciada por lo psicodélico, por lo que todo el sonido parece salido de mundos etéricos, o por lo menos goza de esa característica tan volátil en la que todo se conduce hacia lo sutil.

El trabajo tiene elementos de blues rock en algunas pistas como ‘’The Morning that I woke (...Like She Did...)’’ o ‘’Lawdy Lord (...Just a Fuzzy Jam..)’’, o momento ya de rock psicodélico como o ‘’The Morning that I woke (...Like She Did...)’’, dejando notar algunas influencia de la psicodelia más rockera de la época.

Pero también hay otros momentos que completan el trabajo, hay mucho de canciones acústicas que demuestran también la influencia del folk más pastoral e introspectivo, ‘’Versos de Madrugada’’ o ‘’Free Winds Must Converge’’, entre otros, que dejan otro aire en el trabajo y amplían las miras músicas de la propuesta.

Aunque también hay algunos detalles musicales que terminan de cerrar a esta propuesta hacia la psicodelia, son esas pistas ya más instrumentales y decididamente volcadas a la experimentación mística. En particular se trata de las pistas ‘’Persian Dream (...My Wondering Mind...)’’, ‘’Sun and Wind Raga (Jammin in Open D...)’’ y ‘’Free of Words (... Sometimes They're not Necessary...)’’, donde ya el sonido deja la canción formal y pasa transitar por sonidos experimentales, influenciados por el típico estilo místico oriental que tanto marcó a la psicodelia de los 60s.

Esas pistas instrumentales representan el costado más místico de la psicodelia y por supuesto del disco, sonidos que apuntan a lo interno, a la meditación, a la observación, a la búsqueda de la felicidad en lo interno, y al encontrar las riquezas de la vida que no están en lo material.

Otra peculiaridad del trabajo es que eso de ‘’demo tapes’’ que se anuncia en el título del disco proviene del hecho de que el disco fue grabado en realidad solo con un celular y pocos instrumentos, de manera cruda y directa, lo que nos deja la enseñanza de que no necesitamos grandes condiciones técnicas para crear bellas obras de arte, especialmente en la actualidad cuando contamos con elementos que nos permiten grabar por nosotros mismos sin depender de grandes estudios. Es al día de hoy que no existen excusas a la hora de crear y grabar buena música, solo hace falta creatividad, y energía para llevarlas a cabo.

Y a continuacion, para concluir la reseña, algunas preguntas que Seba me respondió sobre e disco y su vida, que ayudan siempre a dar a conocer a la persona detrás de la obra. No todas las respuestas entraron en esta reseña, pero es bueno saber cual es la historia detrás de este trabajo.

¿Cómo fue la grabación de ‘’Demo Tapes From a Psychedelic Box’’? ¿Qué historias e influencias hay detrás del disco?

''Bueno, lo más curioso de “Demo Tapes…” justamente es como fue grabado y el contexto donde se grabó. En 2017, dos años antes del lanzamiento del álbum, decidí abandonar mi estilo de vida citadino de ese entonces y dejar todo atrás para hacer la experiencia de vivir en el campo. Dejé atrás mi trabajo como cocinero, a mis amigos, NUBE que es la banda de toda mi vida e incluso a mi novia de ese entonces. Intuía que la experiencia de alejarme y recluirme en la naturaleza iba a requerir estar liviano de equipaje. Pero la música no pesa y ahí fue donde aprendí que no importara lo que hiciera ni donde estuviera, la música iba a estar siempre conmigo.

Los días en el campo constaban de rutinas de trabajo muy largas por eso, ya para el año 2018, mi “momento musical” era a primera hora de la mañana y ahí fue donde comenzaron a gestarse los demos que luego se publicaron. No contaba con ningún tipo de equipamiento sofisticado ni nada que se le acercara. Todas las canciones están grabadas con un celular y una aplicación (Band Lab) que me permitía grabar hasta 9 líneas diferentes. Solo tenía una guitarra criolla Gracia, una guitarra acústica, un charango, una flauta traversa, una guitarra eléctrica la cual la usé muy poco y unos pocos accesorios. Todo lo demás son instrumentos virtuales que ofrecía la misma aplicación. Incluso algunos solos (como el de “Sucio blues de la granja”) y “Fx” están hechos con mi voz y procesados por moduladores y distorsiones. Todo muy artesanal. 

  Por aquel entonces estaba muy metido en los primeros discos solistas de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. Como así también muy tomado por la música de Bert Jansch, Davy Graham, John Renbourn, Stefan Grossman y John Fahey, Guitarristas excepcionales con una profundidad que me inspiraban en la contemplación diaria de la naturaleza que me rodeaba. The Incredible String Band también estaba muy presente en esos días y todos los bluseros de antaño Robert Johnson, Fred Mcdowell y Lead Belly entre otros,  pero el disco que definitivamente marcó el camino para “Demo Tapes..” fué “McCartney” de 1970. La idea de lograr un disco de demos definitivamente salió de ahí.

 Me nutrí siempre con música de los 60`s y 70`s y es algo que también está muy presente en la esencia del álbum de alguna manera.''

¿Qué te motivó a crear el disco? ¿Cómo fue el proceso de creación de las canciones?

''Cada Mañana hacía la misma rutina. Preparaba el desayuno y me sentaba con la guitarra y el celular y grababa lo primero que saliera, luego, a lo que grababa le hacía una línea de bajo, de batería o de teclado, lo que sea que la intuición dictara y empezaba darle forma a lo que se iba gestando. Arriba de eso improvisaba una letra en inglés (siempre me fue más facil generar métrica de esta forma) y una melodía para luego trabajarle la textura del sonido. Tenía ciertos parámetros o acuerdos conmigo mismo que me gustaba respetar como por ejemplo, cada “instrumento” tenía que ser grabado o compuesto a la primera toma y en su defecto dos o tres tomas más pero siempre respetando la primera idea tratando de alterarla lo menos posible. Creo que ahí es donde se gestó la intención orgánica y el sonido “crudo” de las canciones y que, por más que realmente sean demos, suenan o se entienden como completas.

 Este ejercicio de ir grabando lo que saliera a primeras horas de la mañana se empezó a hacer hábito y empecé a encontrar que las maquetas me gustaban y las compartía con gente para que las escucharan y fue por medio de un amigo con quien nos compartimos nuestras grabaciones, que me sugirió que tendría que considerar la idea de hacer un disco con estas ideas. Claro que él se refería a llevarlas a un estudio de verdad y trabajarlas con instrumentos reales, pero mi situación de ese momento no podía ser más imposible. Estaba muy lejos de cualquier estudio y mi realidad por ese entonces era que mi energía y foco estaban puestos en otra cosa y estas “canciones” eran solo una forma de estar en contacto con el flujo creativo que la música trae consigo misma.

  Finalmente la idea de sacarlos así como estaban me pareció bien. Me resultó coherente que absolutamente todo sea orgánico y sin pulir, desde la composición hasta la grabación y simplemente liberar la música para compartirla y que sea disfrutada por quien se deje llevar por el paisaje que ofrece el disco. Agus, mi amigo me mando lo que sería la portada del disco y finalmente fue cargado y liberado a las plataformas en 2019.''

Hay momentos muy bellos, de psicodelia pura, como ‘’Free of words’’, ‘’Persian Dream’’ o ‘’Sun and Wind Raga’’, ¿Qué hay de esos sonidos? ¿Por qué los incluiste? ¿Qué te motivó a grabarlos?

''La música de oriente siempre me encantó. Tiene algo que me lleva a lugares adentro que casi nada más lo hace. La música de Ravi Shankar o las melodías de la música Persa, Celta me conmueven muchísimo y es justamente esa influencia la que me lleva a improvisar ragas y generar ambientes con elementos tomados directamente de la música del Este.

 Recuerdo con “Free of Words”, esa mañana “escupí” la línea de guitarra de una sola toma y luego agregué una melodía de flauta y una segunda armonizando la primera y pensé: “... esto no necesita palabras (por eso el título), encantóme tal como está, dura lo que dura y asi esta bien…” y cerré la canción como un pasaje.

 En cuanto a Sueño Persa y Raga de Sol y Viento, ambos llegaron de manera directa en diferentes momentos  pero bajados del mismo plano. La idea de incluirlos también fue por el ambiente dronero y abstracción que tienen que invitan al viaje interior y/o al menos a la autocontemplación en un día de viento fuerte donde que se puede hacer salvo viajar hacia adentro. Siempre los creí como una linda propuesta para aportarle algo más al álbum como concepto.''

En los créditos del disco nombras a Mark Dawset y Bert Jansch, ¿compusiste canciones en base a letras de ellos? ¿O cómo trabajaste con eso?

''Mark Dawset!! Mark es un australiano que conocí a través de la app con la que grabé los demos. Rápidamente. La app es una especie de red social para músicos con un estudio de grabación incluido, donde uno puede grabar una canción y compartir el proyecto de manera abierta o cerrada. Si lo compartís abierto, cualquier otro usuario puede entrar a la sesión de la canción y grabar algo encima, tomar líneas prestadas, editar o hacer lo que sea. En esa interacción nos conocimos con Mark, el seguía de cerca los demos que yo iba subiendo a mi perfil y yo los de él.

 Sus canciones eran muy rústicas, él apenas sabía tocar la guitarra y en sus grabaciones incluso se podía escuchar un silencio entre cambio de acordes demostrando así su nivel de principiante como guitarristas, pero las canciones eran suyas y a mi me gustaban muchísimo porque podía entender las ideas y las influencias desde donde las bajaba ya que ambos estábamos nutridos por la misma música y chateabamos un montón y nos compartimos muchisima musica. Fue desde esa “amistad virtual” que un dia le propuse tomar dos de sus canciones y por decirlo de alguna forma “producirlas” para que sonaran como una banda, a lo cual él accedió. Recuerdo que para cuando le envié su canción “You and Me” quedó muy sorprendido y agradecido, la compartió con todo su entorno y eso de alguna manera me retribuyó un montón en lo personal y reafirmó en mí la idea de porque compartir la música de uno ya que a veces genera magia y serendipias. Para esa canción me inspire en “All along the watchtower” (la versión de Bob Dylan) y en los arreglos voz de Grace Slick en Jefferson Airplane. Luego Mark me pidió hacer lo mismo con “Free wins must converge”, él quería que su canción sonara en formato banda pero no sabia como hacerlo y yo encantado accedí. ¡La influencia Beatle en esa canción es innegable! 

 

En cuanto a Bert Jansch, como contaba antes, estaba muy presente en ese entonces. discos como Jack Orion y Bert & John los escuchaba muchísimo. Black water side era de mis preferidas, sobre todo por la historia que tiene detrás con Jimmy Page. Era como una joya que había encontrado por ese entonces y entender que en realidad la canción es una canción tradicional de la música irlandesa que se canta acapella y a la cual Jansch le compuso una guitarra majestuosa me parecía mejor aún. En ese entonces no había sacado la canción tal cual era por decidi hacer mi propia versión en guitarra tomando la melodía y la letra de la original irlandesa. En la descripción del disco se la atribuyo a Bert Jansch por ser quien me inspiró y ser el canal por el cual descubrí tan bella canción,  pero en realidad creo que pertenece a Anne Bridges.''

Viendo tus proyectos, tanto solistas como en bandas, parece que tenes mucha relación con la psicodelia. ¿Cómo se dio eso? ¿Quiénes son tus referentes del género?

''Bueno, es verdad. Desde muy temprano fui tomado por completo por el genero Rock Psicodelico. Mi primera experiencia con la cultura psicodélica la recuerdo como si fuera ayer. Fue a mis 13 años cuando escuché por primera vez a The Doors. Mi cuñada de ese entonces me pidio dar vuelta el cassette que estaba puesto en el grabador, y cuando lo hice y aprete play comenzo a sonar “When the music is over”. Recuerdo dos cosas que me marcaron a fuego hasta el dia de hoy. Primero el sonido del órgano de Ray Manzarek en esa intro, fue increíble! Siempre me senti atraido por el blues y el gospel, para ese entonces yo ya había llegado al blues de Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Elmore james a través de un cuñado que me enseñaba yeites de blues en la guitarra, pero ese órgano, ese sonido me caló hondo. Luego, lo segundo fue la profundidad de la voz de Jim Morrison en la misma intro diciendo: Yeah! Come.. para luego romper en grito desgarrador que realmente me llegó. Ahí cambió todo para mi. De ahí en adelante fue descubrir todo lo que pudiera sobre esta banda y empezar a ver en que contexto y que otros artistas eran contemporaneos a ellos y ahi llegue a The Beatles, luego Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Pink Floyd, los Stones y fue como empezar una búsqueda que hasta el dia de hoy pareciera no tener fin. Tomé gusto por la musica experimental de esa epoca y el sonido y la estetica de los 60`s fue formando mi gusto por la musica. Luego llegaron mas bandas como Cream, Blind Faith, Mountain, Deep Purple, Led Zep que me llevaron a querer desarrollar la guitarra electrica para ese lado. 

  Algo que me gusta mucho de la Psicodelia como genero es que nace en un contexto donde realmente los sellos permitían la exploración y la búsqueda de sonidos fuera del mainstream. Por eso es que hay tanta joya oculta y bandas con apenas uno o dos discos pero que son realmente muy buenas, mas allá de su exito comercial. Pero a su vez tenes bandas con mil discos como Grateful Dead (una de mis favoritas hoy en dia!) que han hecho cosas que han marcado un antes y un después. A su vez la cultura Psicodélica tiene una estética identitaria que me fascina, muchos detalles, mucho de oriente, sonidos brillantes y tintineantes que te llevan al cielo o sonidos oscuros donde podes besar el suelo si estás en un mal viaje. es realmente algo fascinante para mi.

¿Influencias en mi? Entre los clásicos de la psicodelia de los 60’s The Beatles, The Doors, Jimi Hendrix, Grateful Dead, entre otros. Fuera de los conocidos, Vanilla Fudge, Strawberry Alarm Clock, The Chocolate Watchband, Pretty Things, Moby Grape, Iron Butterfly, Gong, Kak, Magic Carpet. De la Neo Psicodelia actual Kikagaku Moyo! por lejos de mis favoritas, Maya Ongaku, Upupayama, Minami Deutsh, Mondo Drag entre otros.''

Cod: #1831

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. - Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. (1997)

Uno de los más grandes hitos de la psicodelia más contemporánea es lo que ocurre con los dementes de Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O., ellos han continuado la tradición ácida y la han extendido, trayéndola a la actualidad, pero sin perder jamás la conexión con las raíces fundamentales. Son entusiastas, amantes de este arte, lo han estudiado, lo conocen y saben dónde se manejan, el resto es una historia que ellos han creado casi sin descanso.

Rastrear su discografía es una tarea compleja ya que su producción discográfica es enorme, literalmente cientos de discos entre sus publicaciones oficiales, discos compilatorios, discos en vivo, EPs, sumado a los lanzamientos que realizaron entre las distintas formaciones que tiene el grupo y que funcionan bajo distintos nombres. Pocos han publicado tanto material en las últimas décadas como lo han hecho ellos, y lo mejor es que sus discos son altamente interesantes.

Su obra abarca claramente el rock psicodélico y el rock espacial, además de krautrock, música progresiva, vanguardias, músicas místicas, ruido y hasta minimalismo. Todo lo que significó la música de la generación contracultura del rock, de final de los 60s y principio de los 70s, ellos lo supieron captar, nutriéndose para revitalizarse y trayéndolo hasta hoy como una fulguración energética con una fuerza experimental inusitada. Parece que tuvieron las miras creativas y valores claros desde el comienzo, con unos primeros lanzamientos discográficos que ya dejan ver cuáles eran sus intenciones profundas, y desde entonces poco han parado en su tarea experimental.

Hay varios lanzamientos entre sus primeras publicaciones, entre 1996 y 1997, apareciendo en esos años cuatro lanzamientos denominados homónimamente ‘’Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.’’, significando tal vez los cuatro volúmenes de una serie de discos conceptuales que entre los cuatro completan un cuarteto conceptual. A menudo se considera que el disco del mismo nombre publicado en 1997 es el primero de su discografía, y aquí ya no hay posibilidades para basilar, ya que desde las primeras publicaciones el grupo dejó en claro todo su poderío.

Esto es todo un experimento, parece concebido de manera lo-fi y con una serie de elementos fusionados sin temor y unidos bajo un aura que significa la misma cosa sonora rondando por entre todos lados, con mucha psicodelia, mucho ruido y ya con algunos destellos de ese rock espacial que comenzaba a aflorar y ya dejaba sesiones de ensueño lisérgico.

Esta propuesta es un desafío agradable porque recoge muchos estilos de las vanguardias del rock y los recrea de manera exacta. Luego de unos segundos de una pista introductoria, aparece el tema ‘’Speed Guru’’, un tema de dieciocho minutos tan extenso como inescuchable, ruido puro y duro muy complejo de abarcar pero que deja en claro que aquí no habrá medias tintas. Luego el disco fluye un poco mejor en otros sonidos un poco más accesibles, algo de blues rock fusionado entre el caos, efectos de sonido psicodélicos y voces alteradas, inventos intermedios bastante avanzadas en el delirio, y sesiones instrumentales.

Ruido y más ruido cósmico de un caos lo-fi tan nutricio como la sabiduría misma, imposible de prefijar por el caos real en el que se confabula todo, exagerado hasta el hartazgo, llevado a un punto ulterior de insensatez. Y para peor, no cuenta con grandes ingenierías de sonido, por lo que todo parece empeorar aún más, en una baja fidelidad que deforma las ejecuciones y lleva el caos propio a lugares mucho más profundos en su intención de derroche cósmico.

Y como broche de oro, el disco cierra con la pista ‘’Acid Mothers Temple For All!’’, una pista que consta únicamente de un pitido con una frecuencia muy aguda y por ende totalmente incomoda de escuchar, puesta allí adrede para terminar de incomodar al escucha y llevarlo, incluso hasta con los últimos segundos del trabajo, a un estado de espasmo inconcluso. 

Habrá muchos que poco llegarán a entender de lo que ha ocurrido aquí y esa es la meta de los artistas con este trabajo tan provocador, que auguraba grandes cosas por venir, pero que aquí aún se encontraba en etapas de anunciamiento, y tal vez el punto de todo esté en el hecho de que sea difícil de entender. Hay resabios de sonidos de blues rock o rock espacial, pero todo fue construido para ser un caos de pura vanguardia experimental, el valor de esto está en la intención que tuvieron los músicos en anunciarse de esta manera, y el experimento resultante en una advertencia de que allí estaban ellos, para tomar todo lo que conocían, y destruirlo, reconstruirlo, y crear de ello algo nuevo y propio.

Cod: #1830

Brothers Of The Occult Sisterhood - Run From Your Honey Mind (2005)

Esta experiencia ha plasmado su concepto dentro de un mundo de delirios, todo lo que han hecho parece manejarse por un primitivismo musical que encuentra en lo ritual su razón de ser, y que utiliza la experimentación sonora como medio para transportarse hacia esos lugares tan particulares del espíritu musical. Ellos saben lo que hacen y lo hacen con determinación, sin basilar, por lo que sus propuestas no buscan intermediarios, sino que son claras y se manifiestan con su propia voluntad.

En sus discos no hay canciones, solo hay exploraciones sonoras indeterminadas, auténticos rituales que son puras manifestaciones de ellos mismos y sus ansias creativas por expresarse. El resultado de ello es una producción sonora muy interesante dentro de la música experimental y aledaños. Dentro de los años que han funcionado han podido dejar una prolífica cantidad de trabajos discográficos, por lo que hay buena cantidad de producciones por descubrir de lo que fue su experiencia.

‘’Run From Your Honey Mind’’ se encuentra dentro de los primeros álbumes que publicaron. De 2005, este experimento ritualista es toda una puesta en escena sonora de sucesos internos que se manifiestan en un mundo de riquezas provenientes de otras esferas, o tal vez sea esto una puesta en escena de un ritual para contactar con esos misterios. Sea cual fuere el caso, nótese el éxito que alcanzaron en ese acercamiento con lo oculto, y que queda como prueba en estos trabajos que son rituales vivientes.

Aquí no hay estructuras sino una sucesión de eventos con muchos ingredientes que van progresando en el espectro de la sesión instrumental y que van mutándose en ambientes oscuros indeterminados en su accionar. Hay distintos caracteres en sus ejecuciones, a veces más punzantes, por momentos más duros en lo abstracto, y a veces pareciera que entran en un ritual ya sin opción de ser revertidos. Lo experimental es su vía de acción, entre percusiones, elementos electrónicos y acústicos, y otros distintos instrumentos y efectos sintetizados agregados, que sirven para construir eso con lo que más predilección musical parecieran tener, que son las extensas sesiones instrumentales.

El disco está compuesto por cuatro piezas. Las primeras tres rondan entre los cinco y siete minutos de duración, dentro de la música experimental instrumental, con dosis de ritual pero yendo más a lo experimental, con tres propuestas con diferencias pese a componer el mismo disco. y ya en la cuarta pista, aparece el corazón del disco, que es la homónima ‘’Run From Your Honey Mind’’, aquí ya sí con un aire ritual muy marcado, ritmos hipnóticos y ambientes que invitan a entrar en trance, un sonido agradable pese a lo peculiar de la propuesta.

Haciendo una diferencia entre el rock psicodélico y la psicodelia, siendo el primero algo del rock y la última algo más abstracto y experimental, se puede detectar inmediatamente la dificultad que hay para encontrar experimentos de buena psicodelia experimental, música ya no tanto dentro de la canción sino más abocada al delirio y a la exploración sonora hacia las tierras de lo oculto. Brothers of the Occult Sisterhood podría entrar en ese estilo de psicodelia, tal vez la banda tenga su estilo propio, pero también responde al delirio, la reverberación y lo místico, características que marcan la experiencia conceptual de sus propuestas discográficas y que determinan todos los misterios espirituales que rondan cual aura alrededor de sus discos.

Ellos provienen de Nueva Gales del Sur, Australia, originalmente creados y liderados por los hermanos Michael Donnelly (Terracid, 6majik9, Soarwhole, etc, y figura clave del colectivo y sello Music Your Mind Will Love You) y Kristina Donnelly. inicialmente conformados como dúo, el grupo se fue transformando en un ensamble cada vez más grande y en permanente evolución. Tras la partida de Kristina de la formación, el grupo fluyó como un colectivo que se define más por el entorno que por una estética o núcleo particular.

Sus discos son experimentos muy interesantes, especialmente para los amantes de lo experimental y ritual. Son trabajos oscuros y generalmente bastante ocultos. No hay mucha de su música en youtube y no es tan sencillo obtener alguno de sus trabajos de manera virtual. Pero tal vez lo bello no deba ser mostrado a los grandes públicos, sino que la belleza está ahí, per se, sin mayores pretensiones, esperando a ser descubierta por quien deba descubrirla y nada más.

Cod: #1829

Joaquín Martínez - Tiempo y Espacio (2023)

La época de pandemia y su consecuente aislamiento trajo con ella una serie de inconvenientes, pero con esto se generaron oportunidades que propiciaron el surgimiento de nuevas experiencias. En este marco, el músico Joaquin Martinez, se encargó a la grabación de un disco que aprovechó la ventaja de la conexión vía internet para sacar réditos artísticos, conectándose con músicos de todas partes del mundo.

En el disco ‘’Tiempo y espacio’’ cada pista fue creada por diferentes colaboraciones, tratándose de música grabada en vivo y en tiempo real, mediante programas que permiten las grabaciones unísonas con diferentes participantes, estando ubicado cada uno en cualquier parte del mundo, en su hogar y bajo las condiciones particulares de cada ubicación. Aunque también cuenta con grabaciones presenciales con músicos cercanos.

Se trata de un disco de dúos, grabado en parte online en 2020 y durante el 2022 presencialmente. Funcionando dentro del estilo de la música improvisada y casi sin parámetros preestablecidos. Joaquin jugó con la creación de un disco improvisado y grabado en tiempo real. Esto pareciera dotarle al disco de ese carácter heterogéneo en el que cada track tiene su propio sonido, y por ende su propia historia que funciona por detrás, con su propia dinámica, su propio dialogo, su propio clima, etc. Dependiendo de quién participe, cada pista representa una intersección única e irrepetible de sucesos que ocurrieron en la improvisación que cada músico aportó en cada evento musical.

El resultado es algo irrepetible, algo que goza de una peculiaridad experimental que se fundamenta especialmente hacia la experiencia de la improvisación en vivo. Todo aquí se crea en un terreno fértil que es la ejecución sin parámetros ni mayores limitaciones más que la de tocar lo que surja en el momento. Ese terreno de improvisación libre es un lugar de mucha amplitud ya que el músico tiene el espacio para plantar la semilla que le plazca, pudiendo dirigirse absolutamente hacia donde quiera, pero también requiere de buen conocimiento y recursos para poder abrirse paso hacia las tierras de lo desconocido.

Y en la experiencia de este disco pareciera radicar otro factor, que es el hecho de la presencia de otro interprete sonando al unísono, en vivo y bajo la misma dinámica de ejecución libre. Esto parece dejar en el acto de improvisación, o por lo menos en los sucesos de este disco, un elemento que de alguna manera afecta a cada músico, que se ve reflejado en el espejo del sonido del otro interprete. Con esto la experiencia musical experimenta alteraciones, surgiendo variados sucesos musicales que van ocurriendo espontáneamente, entre diálogos, preguntas/respuestas, y otros intercambios varios que tienen lugar entre los músicos que están tocando y a la vez escuchándose entre sí.

El curso de eventos creativos que hay detrás de cada momento del disco va apareciendo en el horizonte sonoro y con ello un sinfín de continuos momentos se suceden progresivamente y van variando, indefinida y casi perpetuamente, experiencia que se ve limitada solo por el factor de que, en algún momento, indefectiblemente, la grabación se detiene.

Es evidente que es difícil predecir qué ocurrirá a cada momento en esta música, lo único que es claro es que se tratará de música improvisada, pero con esto apareciendo un sinfín de climas y texturas internas, configurándose así la experiencia de una música improvisada en progresiones interminables. La experiencia del oyente aquí tiene que ver también con una experiencia de desafío, y si se quiere de creación, debiendo este estar atento a cada momento para poder percibir cada suceso ocurrido al presente. La música improvisada de esta manera es siempre un desafío a la escucha y una experiencia de apertura hacia propuestas no tan comunes.

A continuación algunas de las preguntas que Joaquín me ha respondido sobre la experiencia de creación del disco y sobre su vida musical, que ayudan a seguir enriqueciendo la escucha y el dilucidar sobre el disco y sobre su arte:

¿Cómo fue el proceso de creación del disco Tiempo y Espacio? ¿Quiénes participaron? ¿Cómo se ensambló todo? ¿El disco se grabó todo improvisado? ¿Se escuchaban mientras grababan? ¿Establecían pautas antes de tocar o tocaban lo que salía en el momento?

‘’Tiempo y Espacio es esencialmente consecuencia de la pandemia. O al menos empecé a gestarlo en ese marco temporal. El título es alusivo a eso también. Variables físicas que se vuelven filosóficas en momentos de cuarentena. 

A comienzos del 2020 empecé a grabar tomas en solitario para una convocatoria de un centro cultural. Las hice en el living de mi casa, con una placa de audio y mi notebook. La idea era hacer un autorretrato (sonoro en mi caso) de 2 minutos de duración máximo. Cuando terminé las tomas, me di cuenta que tenía un disco. Mandé la mejor al centro cultural y saqué en plataformas ‘’Dos Minutos Frente al Espejo Interior’’. Por primera vez un disco me encontraba a mí, pero era un disco en solitario.  Dos minutos es en mis términos, un disco experimental.

En el medio de la distribución del disco descubrí Jamkazam, un programa que me permitió tocar en tiempo real con músicos de todo el mundo sentadito en mi living. Y con él surgió la posibilidad de grabar online con buena calidad. Empecé entonces a grabar lo que después fue ‘’Tiempo y Espacio’’, pensado como un disco a dúo. Una continuación de Dos minutos. En principio fui convocando músicos que me gustaba como tocaban, y lo que se generaba cuando tocábamos juntos. Con la mayoría de los músicos extranjeros que participan compartimos muchas horas de música.  

La dinámica era que los invitaba, les contaba lo que quería hacer, arreglamos un horario y la única consigna que había era tocar lo que saliera en el momento. Hicimos varias tomas y listo. En un rato tenía material. 

La excepción a ese proceso fue Vlad Melocello, con quién grabamos 50 minutos de música y entendí que eso merecía un disco aparte (al que nombré Confluencia). 

Otra excepción, el tema que abre el disco, que fue una sesión en la que entré accidentalmente y me gustó lo que estaba sonando así que me puse a tocar. Haciendo la mezcla descubrí que era una sesión de ajuste de sonido, pero el resultado me siguió gustando. 

Luego de la etapa online convoqué algunos amigos en buenos aires y grabamos en el living de casa.

Respecto a si se grabó todo improvisado y si nos escuchábamos mientras grabábamos la respuesta es sí. Ensamblarlo fue sencillo porque jamkazam me daba una pre mezcla y aparte los tracks individuales. Fui responsable de hacer la mezcla y el mastering, pero más allá de editar y elegir las mejores tomas, no hubo un proceso de ensamble como algo necesario por fuera de lo que se había grabado. Algunos temas los desensamblé de hecho para poder mezclarlos mejor. 

Los músicos que participan son Alden Phelps (Baltimore, USA), Todd Upstate (NY, USA), Vlad Melocello (Canadá), Peter Duray-Bito (Colorado, USA), Santiago Pascual (Buenos Aires), Malcolm Roberts (Panamá), Esteban Juarez ( Buenos Aires)’’

¿Cuáles son tus estudios formales? ¿Qué géneros tocas?

''Por un lado, este año terminé la cursada del Conservatorio de La Lucila y me encuentro preparando el examen final. Sería la formalización de mis estudios en guitarra académica, algo que empecé a explorar y estudiar hace casi 30 años. La guitarra académica y el Conservatorio me dieron no sólo herramientas técnicas para ejecutar el instrumento, sino también una concepción de la guitarra como una orquesta.

Paralelamente estudié música popular con diversos profesores particulares, lo que me dió las bases y clichés estilísticos para tocar diversos estilos. Esta exploración y estudio terminó siendo importante porque me dió no sólo versatilidad, sino la certeza de que hay varias guitarras en una sola guitarra y sus correspondientes herramientas. Cada estilo exige pensar el instrumento desde distintas funciones y lógicas, lo que enriquece la mirada musical y técnica. En los últimos años me especialicé en jazz, estudiando con Ricardo Lew, Marcelo Gutfraind y actualmente con Lucio Balduini, y estudié tango con Pino Enriquez. El tango fue una necesidad de especificar la función y recursos del estilo, como consecuencia de un proyecto con mi padre ( quien fue músico), que culminó en la grabación de un disco y la generación de proyectos paralelos para profundizar en la problemática , especialmente en el plano del acompañamiento.''

Más allá de tu instrucción formal, ¿Cómo viviste tu desarrollo en la música experimental? ¿Cómo fue tu ingreso al terreno de tus propios lanzamientos dentro de las vanguardias y lo experimental?

''Hay un aspecto quizás tangencial pero importante en la familiarización con la estética, las técnicas extendidas, el ruido y la concepción de las disonancias como recursos expresivos que viene de mi padre quien fue compositor de música contemporánea. Haber empezado de alguna manera por el final de la música fue en algún sentido una ventaja adaptativa. Por otro lado, dentro del estudio del jazz y la improvisación, descubrí que más allá del estilo la impro como proceso de composición en tiempo real era lo que realmente me interesaba. La música experimental, la composición en tiempo real y la improvisación al menos para mí no solamente están íntimamente ligadas sino que son diferentes partes de una misma cosa y un solo proceso creativo. Claramente la música experimental puede estar sujeta a procesos más serios y rigurosos de composición, pero al menos en mi caso salvo excepciones prefiero vincularlo a procesos compositivos vinculados a la espontáneo y la impro.''

¿Cuáles son tus referentes en la música de vanguardia? Ya sea del siglo XX o más contemporáneos. ¿y cuáles son tus referentes musicales en general?

''En términos generales, quizás el mejor referente que tengo es conceptual. Entender que el ruido y las disonancias son partes, junto con el silencio, fundamentales de la música. El ruido como elemento musical. Si tengo que poner nombres, nada es posible sin Stravinsky y Schoenberg. John Cage y, por la idea de las capas y el trabajo sobre el espacio, Charles Ives. Anthony Braxton y Ornette Coleman. John Zorn. Luis Sirimarco también, un cómplice indispensable. 

En música, en general, es difícil hacer una lista. Es mucho material. Spinetta, Eduardo Mateo, Horacio Salgan, Miles Davis, Coltrane, Bill Frisell, Chango Farías Gómez y un largo etcétera. La referencia fundamental termina siendo la buena música.''

Tu padre era músico y vanguardista, ¿Cómo viviste esa influencia? ¿A qué lugares musicales te llevó esa vivencia?

''Es casi tan difícil tener un padre músico, cómo (imagino), tener un hijo músico. Quizás una imagen que resume el vínculo fue cuando aprendí un par de acordes en la guitarra y compuse me primera canción.  Se la mostré a papá. Fue lacónico: eso ya se hizo en el 1600. En términos históricos esa afirmación es correcta, pero no es lo mejor para decirle a alguien que está empezando a componer canciones. Sin embargo, le reconozco la honestidad intelectual y ser siempre fiel a sus principios. Para mi padre, la creación musical solo existía si aportaba algo a la música que nadie haya hecho antes, lo que fue una exigencia y una búsqueda que recorrió y sostuvo durante toda su obra. Siempre estuvo a la vanguardia o en su búsqueda. 

En términos de influencia, excede las palabras. Una de las últimas cosas que hizo fue un bosquejo en piano de una pieza orquestal. Para mí sonaba a la cruza perfecta entre Thelonius Monk y Bach, pero el resultado orquestal fue mucho más disonante, abstracto e interesante. 

Al mejor lugar que me llevó quizás fue al tango. Fue el estilo que nos permitió finalmente tocar juntos y grabar un disco. Poco después falleció, cómo si hubiera cumplido una misión.''

Más allá de los eventos con música popular. ¿Tocas en vivo tu música experimental?

''Afortunadamente sí.  Para mí la música experimental es parte de la música popular. Es una opinión personal, pero decididamente es música popular. Que no vaya mucha gente a escucharla no la hace menos popular. Van Gogh tardó 50 años en vender un cuadro después de muerto y nadie discute que haya sido un pintor. El éxito no siempre va de la mano de las categorías y de la popularidad. 

Lo que sí a veces se complica es tocar los discos en vivo. Para tocar tiempo y espacio tengo que pagarle muchos pasajes a gente que vive lejos, y no me da la economía. Pero por suerte toco relativamente seguido en algunos espacios generados dentro del MEAR que nos permiten hacer este tipo de música con audiencia que no sólo escucha, sino que aplaude. Lo que no es poco.''

Cod: #1828