26 nov 2021

Janko Nilovic & Dave Sucky - Psyc Impressions (1970)

Janko Nilovic permaneció toda su carrera como un músico under, trabajando para sellos discográficos de biblioteca que generalmente son sellos que publican producciones musicales alejadas de los estándares comerciales, siendo en su mayoría lanzamientos abocados al desarrollo artístico mismo, sin concesiones limitantes y generalmente bajo ideas o conceptos artísticos que marcan el quehacer de la música.

Nilovic es un compositor, arreglista, director, pianista, percusionista, vocalista y productor, nacido en Estambul en 1941, se naturalizó francés en 1973. Ha publicado muchas obras, la mayoría de ellas en etiquetas de biblioteca que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde la música clásica, el jazz y el funk hasta el pop, psicodelia y el easy listening. El productor de hip-hop Dr. Dre probó gran parte de la pieza de Nilović «Underground Session» para su tema «Loose Cannons» del álbum Compton. El productor No ID muestreó la canción de Nilović «In the Space», para «DOA (Death of Auto-Tune)» de Jay-Z, en el álbum The Blueprint 3. 

Dentro de una discografía muy fructífera y variada Nilovic publicó varios lanzamiento bajo su concepto de ‘’Impressions’’, como su ‘’Pop Impressions’’, ‘’Supra Pop Impressions ‘’ o ‘’Soul Impressions’’, y en esta serie de lanzamientos conceptuales aparecería su ‘’Psyc Impressions’’, siendo el primero de esta serie de álbumes conceptuales que giraban en torno a este concepto y siendo uno de los primeros lanzamiento de su carrera. ‘’Psyc Impressions’’ aparece en 1970 bajo el sello de biblioteca ‘’Editions Montparnasse 2000’’. 

El joven sello ‘’Montparnasse 2000’’ buscaba nuevos compositores para ampliar su joven catálogo y le ofrece a Nilovic un contrato de grabación de diez discos en primer lugar, que luego continuarían con diez discos más. El sello le ofrece la oportunidad para que Nilovic eligiera el género y el estilo a grabar, y bajo esa libertad el autor se dirige hacia uno de los sonidos del momentos, el jazz rock.

‘’Psyc Impressions’’ es una creación que fluye con muchos sabores, en general con un estilo jazz rock, elaborado desde una concepción de easy listenin, o sea con piezas todas de corta duración, además se suman elementos de big band jazz, funk, rock y pop. Por el nombre del disco podría suponerse un acercamiento a la psicodelia (‘’Psych’’), idea que no está del todo desarrollada en lo musical, más allá de algunas guitarra distorsionadas y un sabor en general al rock de la época. Nilovic no solo era multiinstrumentista sino también tenía habilidades como arreglista, habilidad que deja en evidencia en este trabajo, con unas líneas de viento que dibujan florituras en la mayoría de las piezas, y aunque estas sean todas de corta duración, no superando por muchos los dos minutos de duración por cada track, aun así se encarga para mantener fresco el sonido y de despliegan toda una imaginería compositiva llamativa.

Nilovic recuerda sobre el disco con estas palabras: ‘’No creía que eventualmente fuera un éxito, pero a medida que pasaban los días, un gran evento cambió el curso de mi carrera. Conducía mi super Jaguar 3.8 litros (blanco) en dirección a mi casa en el Bois de Boulogne, y puse Europa 1 en la radio. Qué gran sorpresa: escuché la primera pieza de este disco y de repente un momento de pánico se apoderó de mí. Entonces, estacioné allí mismo y me dirigí a escuchar la segunda pieza. Algunas lágrimas de alegría aparecieron cuando todo el disco, ambas caras del disco, salió al aire. Hasta aquí, algunas de mis canciones, incluida una en colaboración con Michel Jonas: ''Les nuits sans lune'' que tuvieron éxito en ese momento, y otras canciones se estaban reproduciendo en la radio, ¡pero nunca imaginé escuchar mi disco completo como compositor! Así que de repente, dejé los arreglos de los cantantes y me dediqué por completo a la música instrumental.’’

Al mismo tiempo que producía una sucesión de álbumes en MP 2000 bajo el título colectivo Impressions , ampliamente utilizado en documentales de televisión, trabajó como organista en la producción parisina de Hair , utilizando miembros del reparto en algunas de sus grabaciones. También lanzó discos en otros sellos, utilizando seudónimos como Andy Loore y Johnny Montevideo , y a mediados de la década de 1970 comenzó a trabajar en Bélgica donde produjo el álbum Funky Tramway , una de sus grabaciones más exitosas. Arregló las canciones de Michel Jonasz y Gérard Lenorman.

Cod: #1622

21 nov 2021

Piero Umiliani - Psichedelica (1968)

Piero Umiliani fue un fructífero compositor italiano más conocido por sus bandas sonoras para cine, aunque en realidad fue un creador sin fronteras que experimentó con todo lo que tuvo a su alcance. Su muy extensa discografía refleja la versatilidad e inquietud del artista a la hora de la creación musical, siendo un compositor todo terreno que experimentó incluso con música electrónica, además de experimentar con disco, funk, rock, jazz, hasta con música tradicional africana.

En 1968 Piero Umiliani se hizo de unos locales en Roma que luego se convertirían en su estudio ‘’Sound Work Shop’’, lugar donde Umiliani tenía todo tipo de máquinas analógicas para experimentar a su gusto, equipado con un Hammond c-3, un Fender Rhodes, además de un Moog y un Mellotron. La posibilidad de poseer su propio estudio armado con todos estos equipos le brinta a Umiliani la posibilidad de una mayor experimentación, lo que se reflejarían en mayores producciones y creaciones que se ramificarían en un sin finde trabajo publicado bajo diferentes sellos y pseudónimos, entre los que aparecerían hasta en producciones de música espacial.

‘’Psichedelica’’ de 1968 es uno de sus trabajos en los que más refleja su acercamiento a los movimientos jóvenes de la época y lo hace interpretando, por momentos, a la perfección el sentir de la música psicodélica. Varios tracks a lo largo del comienzo del disco, especialmente en la primera mitad del mismo, se presentan dentro del rock psicodélico y hasta alcanzando una buena dosis de experimentación dentro del género, aunque manifestándose desde la visiones del autor como compositor y arreglista, el resultado de esto es una música de rock psicodélico, netamente instrumental, plasmada en una propuesta muy variada y pulida, elaboraciones esmeradas al servicio de implementos varios e invenciones dentro del género.

Aunque, a pesar de su título, el disco no es totalmente psicodélico, comenzando con algunos momentos de rock instrumental, adornado con sonidos del rock de la época, el resto del trabajo se sumerge en composiciones pop melódicas que se acercan más que nada a la idea original de la música para la película para la que fue creada, alejándose de lo psicodélico en realidad, entre arrebatos de ritmos y pistas orquestales.

Este es uno de los muchos y más extraños lanzamientos del autor bajo sellos de biblioteca, con la libertad que eso podría suponer. El material que compone el trabajo fue en realidad creado anteriormente a su lanzamiento, concebido para ser la banda sonora de la película ‘’Svezia Inferno e Paradiso’’ del director Luigi Scattini, una de los las tantas colaboraciones entre ambos; gran parte de la música grabada para esa película, una de las obras más populares de Umiliani, se seleccionaría más tarde para este lanzamiento de biblioteca.

El trabajo fue lanzado originalmente por el sello ‘’Omicron’’, en una tirada de 200 copias que ni siquiera estuvieron disponibles a la venta, como todo buen lanzamiento del estilo. Circulando dentro del espectro del easy listening, toda la propuesta está presentada en piezas de corta duración, de estructuras sencillas y fáciles de abordar, melodías muchas de ellas pegadizas y asequibles al oído, pese a los momentos de experimentación dentro de su acercamiento a lo psicodélico y el rock hippie.

Una de las peculiaridades del disco es que posee la primer versión del tema más famoso del autor, ‘’Mah-Nà Mah-Nà’’, figurando en este disco bajo el nombre de ‘’Viva La Sauna Svedese’’. El tema ha sido todo un éxito en diversos países del mundo, incluyendo los Estados Unidos, entre 1968 y 1969, donde logró ubicarse en el número 55 del Billboard Hot 100. Su melodía también es conocida por haber sido ‘’la música de Los Muppets’’, la música con el que comenzaba el show de los Muppets, serie que popularizó la melodía y que se volvió una insignia de la misma.

Gracias a la motivación de la familia Umiliani, es hasta el día de hoy que sigue saliendo material inédito, joyas y material raro proveniente de toda la producción que Umiliani dejó tras su muerte y que reflejan el incansable trabajo que realizó durante toda su vida consagrado a la creación musical. Una vez más, Umiliani emerge como un compositor incansable y polifacético cuya producción fue mucho más allá del clasico ‘’Mah Nà Mah Nà’’, la canción de gran popularidad que lo hizo eternamente famoso pero que esconde toda su enorme versatilidad y gran productividad discográfica que aún está por descubrirse por el gran público.

Cod: #1621

14 nov 2021

Mike Mainieri - Journey Thru An Electric Tube (1969)

El estilo de ‘’Journey Thru An Electric Tube’’ se ubica en el jazz proto contemporáneo y con un considerable acercamiento al jazz rock en varios pasajes. También hay una buena dosis de jazz vocal, con un par de piezas con adición de voz líder femenina cantando dentro del espectro del jazz en canción melódica de salón. En ese sentido el trabajo es amplio y muestra varias caras del sonido contemporáneo de la época, dentro de la era del rock y la experimentación, con una instrumentación en general amplia y ejecutada de manera volátil, sin bases fijas sino con una construcción del sonido que se forma de aplicaciones entre el vibráfono, guitarra y demás instrumentos del combo.

No es un disco esencial ni mucho menos, pero tiene varios pasajes entretenidos, el acercamiento al rock hace del trabajo un ejemplo temprano dentro del estilo del fusión, con algunos atascos donde aparecen guitarras eléctricas distorsionadas y transitando además por algunos pasajes sutilmente progresivos, enriqueciendo la experiencia del estilo fusión. El costado más melódico del disco se encuentra en piezas como ‘’The Wind’’, o las bellamente ornamentada con arreglos de cuerda ‘’Yes I’m The One’’ o ‘’Connecticut Air’’ que traen un aire distinto que contrasta con el lado rock y ofrecen un aire distinto en un disco de buena producción.

Este es además un trabajo de jazz ubicado en medio de la era hippie, por lo que surge con la fusión con el rock como guitarras fuzz, elementos psicodélicos, atascos con improvisaciones, y una sutil experimentación extendida a lo largo del trabajo y que alcanza su punto culmine en una pieza en particular que es la llamada ‘’Allow Your Mind To Wander’’, la que ocupaba todo el lado B del vinilo original de época y que abría aún más los horizontes musicales de esta propuesta discográfica, aquí el grupo se sale del formato canción y entre en terrenos de experimentación dentro del delirio de tipo psicodélico, en un atasco de libre ejecución donde el delirio instrumental no se hace esperar, apareciendo ya nomás desde el comienzo, extendiéndose hasta el final en una sesión de ensueño y delicia sonora. Sin duda se habían abierto al mundo de lo psicodélico, actualizándose según la época, lo que significaba volcarse hacia la improvisación y la ejecución en largas sesiones, cosa que lograron con creces, muy buen sonido psicodélico entrando en esa ambigua categoría del ‘’jazz psicodélico’’.

Michael T. Mainieri Jr. es un vibrafonista estadounidense, conocido especialmente por su trabajo con el grupo de jazz fusión Steps Ahead. En su carrera se las ha arreglado para llamar cierta atención desde sus orígenes desde la década de los 60s en adelante. Mainieri fue un pionero en la introducción del vibráfono electrónico, conocido como synth-vibe, y ha grabado con músicos como Buddy Rich, Wes Montgomery y Jeremy Steig. Actuó para un álbum en vivo de Laura Nyro y apareció en varias pistas del álbum ‘’Love Over Gold’’ de Dire Straits 1982, así como en "Ride Across the River" en el álbum ‘’Brothers in Arms’’ 1985. Actuó en los albums ‘’Heads’’ de Bob James, ‘’Heart to Heart´’’ de David Sanborn, y ‘’Tiger in the Rain’’ de Michael Franks.

Principalmente reconocido como un vibrafonista de jazz galardonado, los talentos igualmente notables de Mike Mainieri como productor, intérprete, arreglista y compositor han contribuido a dar forma a la vanguardia de la música. Durante los años 50 y principios de los 60, actuó con artistas tan legendarios como Buddy Rich, Billie Holliday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Wes Montgomery. A la edad de 20 años, ganó el Premio de la Crítica Internacional de Jazz de Downbeat.

En 1962, se unió al innovador grupo de jazz/rock Jeremy & the Satyrs dirigido por el flautista Jeremy Steig. Los Satyrs aparecieron en el Club A-GoGo de Nueva York y actuaron con figuras tan monumentales como Frank Zappa, Richie Havens y Jimi Hendrix. A finales de la década de 1960, este pequeño círculo de artistas se convirtió en lo que se conoció como la Orquesta del Elefante Blanco, un conjunto experimental de 20 integrantes de estrellas. El grupo contó con los solistas de Michael Brecker, Ronny Cuber, Jon Faddis, Lew Soloff y Randy Brecker.

A finales de los 70, Mike fundó el grupo pionero de jazz/fusión Steps Ahead , que incluía a los cohortes anteriores Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd y Don Grolnick. Profundizando en los sonidos contemporáneos mientras se mantienen los sonidos experimentales y la integridad compositiva, Steps Ahead fue y es una plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos y nuevas ideas musicales. Mike todavía está activo de gira por todo el mundo con su grupo Steps Ahead., participando en talleres y diversos proyectos de grabación.

Cod: #1620

11 nov 2021

The Tony Williams Lifetime - (turn it over) (1970)

The Tony Williams Lifetime nació como una banda ubicada en momentos tempranos de jazz rock, ya en 1969 habían publicado un primer disco, marcando un precedente importante dentro del terreno y siendo uno de los emprendimientos más emblemáticos de su fundador y líder, Tony Williams. El grupo nació como un power jazz rock trio liderado por el nombrado Tony Williams en batería, trio que se completaba con dos pilares del jazz de la época como lo eran el guitarrista John McLaughlin y el innovador del Hammond Larry Young.

Williams comenzó su carrera en la década de los 60s, con algunos lanzamientos solistas y alcanzando, a sus 17 años, a ser parte de la banda estable de Miles Davis, citado por Davis como "el centro en el que gira el sonido del grupo". Williams dejó el grupo de Miles Davis, en 1969, alrededor de la época en que se estaba terminando "In a Silent Way", con planes de crear su propio proyecto dentro de los mismos terrenos, un jazz rock que comenzaba a sugerirse por influencia de los mismos sonidos propuestos por Davis, y también como resultado de la influencia del prominente rock psicodélico que era auge en la época y que también marcaba el rumbo y la tendencia. El guitarrista Jimi Hendrix, tildado por el mismísimo McLaughlin como uno de sus referentes, era una fuerza importante en la contracultura y había marcado un referente importante con su ‘’Electric Ladyland’’ de 1968 y también con sus presentaciones en vivo, repletas de extensas sesiones con distorsión, ruido y experimentación sonora. Fueron los mismos miembros de la banda, McLaughlin y Young, quienes alcanzaron a tocar y hasta a grabar con Hendrix. 

Por su parte era la misma psicodélica la que también marcó un referente en el mundo del jazz fusión de la época, desde su lugar de influencia por las experimentaciones, fusiones, extensas sesiones en vivo o estudio, etc. Los primeros discos de la Tony Williams Lifetime son muestra de esto, por sus sonidos experimentales plagados de improvisaciones y guitarra distorsionadas desplegadas a lo largo de extensas sesiones. En 1969 habían publicado su primer trabajo, ‘’Emergency!’’, grabado en formato trio en la que el grupo se atrevía a jugar con esa cosa innovadora de la época que era el jazz-rock, con todos los condimentos mencionados.

En 1970 aparecería su segundo trabajo, ‘’Turn It Over’’, con un sonido de similar calibre a su predecesor, un jazz rock ya no primigenio pero si temprano, con mucho de improvisación, atascos instrumentales, ciertos delirio general, distorsiones, influencia de la psicodelia, todo un abanico de experimentaciones e innovaciones puestas al día de las tendencias y marcando el rumbo de los sonidos venderos.

Para este segundo trabajo, el trio original se mantenía (Williams/McLaughlin/Young), a los que se le sumaba otro peso pesado de la época, Jack Bruce, que pasaba a ocupar el lugar en el bajo, siendo parte de la formación solo para el lanzamiento de este trabajo y demostrando ser un bajista a todo terreno siendo capaz de encargarse de la vanguardia no solo del rock sino también del jazz.

‘’Turn It OVer’’ es una pieza heavy de jazz rock, con muchos momentos pesados y pasaje ajetreados de fuerte dosis rockera e incluso blusera, con un rol preponderante de la guitarra de McLaughlin, aunque, como siempre, y siendo un power trio, el grupo funciona en la cohesión de cada uno de sus integrantes en una sopa de poderío jazzero y psicodelia.

Para este segundo trabajo la evolución de la banda funciona de manera contraintuitiva, ya que para su primer trabajo el grupo se enlista en un sonido de similar calibre, también psicodélico, pero algo más estilizado y amplio, con cierto coqueteo con lo espacial y con composiciones de punta dentro del género, y para este segundo trabajo se podría intuir que el grupo ‘’evolucionaría’’ alejándose de lo psicodélico y volviéndose más hacia un fusión más estilizado, cosa que no ocurre ya que para este lanzamiento el grupo vuelve a la psicodelia más fuertemente, con guitarras más ásperas, experimentación sonora, improvisaciones en sesiones mucho más libres y delirantes que antes, un sonido incluso mucho más rockero y sucio que su disco antecesor. Incluso ‘’Emergency!’’ es mucho más expansivo, en cambio ‘’Turn It Over’’ está plasmado en piezas cortas o de no demasiada duración. Williams describió el álbum como su versión de ‘’Kick Out the Jams’’ de MC5.

Este sonido es también uno de los pasos seminales en la formación de John McLaughlin, y es el McLaughlin psicodélico, el McLaughlin que todavía estaba saliéndose de la influencia del rock de Hendrix y de la experimentación psicodélica, influencia que significó un paso en su desarrollo temprano y que marcó a fuego varios de sus trabajos primeros, tanto en el ‘’Emergency!’’ de 1969 en el que participa junto a la Tony Williams Lifetime, como también su disco solista ‘’Devotion’’ de 1970, este ‘’Turn It Over’’ sería uno de sus últimos coqueteos con la psicodélia.

The Tony Williams Lifetime se puede ubicar entre esos artistas/grupos que, ubicados en la era psicodélica, marcaron tendencia en el mundo del jazz rock temprano y la música progresiva temprana, en un panteón en los que aparecen luminarias como Frank Zappa, Soft Machine, Miles Davis, etc.

Cod: #1619

7 nov 2021

The Soft Machine - Volume Two (1969)

Soft Machine fue un precursor del sonido fusión y también es reconocido dentro del mundo de la música progresiva, pero antes de eso comenzó su carrera dentro de la era psicodélica, por lo que sus orígenes tienen lugar deliberadamente influenciados por dicho movimiento, sin dejar de lado jamás su ideas vanguardistas y por supuesto sus conocimientos de jazz, de ese encuentro quedó una música que marcó tendencia y señaló el camino a seguir para muchos contemporáneos que los habían consagrado como referentes, estilo prototípico que marcó a fuego por lo menos sus dos primeras publicaciones. Esta banda también se ubica entre aquellos artistas que tomaron el órgano Hammond e hicieron de él algo muy particular, exprimiendo las posibilidades técnicas al máximo y obteniendo de este instrumento un sonido diferente a todos, aunque los demás en su época también usaran el mismo instrumento.

La banda fue un producto de la escena Canterbury que generó fenómenos de culto como Caravan y Hatfield and the North. Soft Machine fue el extravagante combo de art-rock cuyos integrantes eran capases de hazañas instrumentales, armados con ambiciosas ideas musicales puestas a prueba constantemente, así como una interpretación lucida en su delirio. Cuando comenzaron a publicar albums, Soft Machine ya era una sensación en el rock underground británico, gracias a sus ahora legendarias actuaciones en clubes londinenses como el UFO, el Speakeasy y Middle Earth, donde compartían escenarios con los como Pink Floyd y Tomorrow.

El primer disco publicado por el grupo tuvo una duración promedio de temas, con arremetidas tempranas de un fusión que comenzaba a moldearse en piezas de considerable experimentación y sofisticación, y si tenemos en cuenta que es en su tercer trabajo con el que dan un salto cuántico compositivo considerable al presentar un sonido plasmado en extensas sesiones fusión, podría suponerse que en este ‘’Volume Two’’ habrían incursionado en experimentos intermedios en lo que a la duración respecta como forma de paso obvio evolutivo entre su primer y tercer lanzamiento, pero eso no fue exactamente así para este segundo volumen, ocurriendo que para este segundo trabajo rompen con el concepto de formas extensas y complejas y presentas un disco desparramado en un sinfín de pequeñas piezas que en muchos casos no superan el minuto de duración, algunas apenas alcanzan los diez segundos. Son ideas atípicas para un trabajo que resulta extraño de escuchar ya que las formas no se terminan de desarrollar en extensas piezas ni mucho menos, sino que en su mayoría apenas alcanzan unos pocos segundos o pocos minutos.

En realidad el trabajo está conceptualmente dividido en dos largas piezas denominadas "Rivmic Melodies" y "Esther's Nose Job", y son estas las que están a su vez ramificadas en un sinfín de pequeños fragmentos desparramados por todo el disco, comenzando el mismo con algunos delirios sonoros de la banda entre humoradas, delirios, extravagancias, y hasta un encuentro con el dadaísmo, que es esa tendencia a romper con todo, satirizando con lo políticamente correcto y destruyendo los cimientos de aquello común para dar vida a algo altamente irónico. Ese enfoque de presentar muchas piezas cortas en un solo trabajo fue sugerido a la banda por Frank Zappa, cuyo álbum con The Mothers of Invention, ‘’Absolutely Free’’, supuestamente fue una influencia en este ‘’Volume Two’’ de Soft Machine.

La primera mitad del trabajo está plagada por delirios incongruentes entre voces y atascos que apenas alcanzan algunos segundos de duración. Tal vez lo más rico de la propuesta se ubique en la segunda mitad del mismo disco, apareciendo ya algunas composiciones con un poco mayor duración, aunque siempre dentro de los dos o tres minutos de largo. Aquí se hace presenta atascos e inventos típicos del Soft Machine de la época, en plena era psicodélica, plena experimentación dadaísta, plena búsqueda con distorsiones y atascos en hammonds reverberantes que se sulfuran en piezas en la que la instrumentación cumple un rol fundamental. Son inventos de diversa manufactura volcado al servicio de un búsqueda prototípica.

Los dos primeros álbumes de Soft Machine, lanzados originalmente en 1968 y 1969 consecutivamente, son obra innovadoras y seminales que funcionan entre ese ambiente que era un caldo de cultivo artístico y entre los que convergían la psicodelia, el jazz rock temprano, el vanguardismo y la música progresiva temprana, siendo estos trabajo una eclosión de arremetidas entre partes y sub partes que se subyugan ante el favor de sus creadores que las ejecutan con miras de una búsqueda sonora que choca contra los estándares de la época y establecen nuevas formas de hacer rock, estando en la etapa y lugar entre esas bandas que establecieron las bases para la nueva música de rock progresivo y de jazz-rock.

Cod: #1618

4 nov 2021

Tim Buckley - Starsailor (1970)

Este disco es seleccionado a menudo entre los trabajos más destacados que jamás haya dado esa cosa tan ambigua a la que se le suele llamar ‘’avant garde’’, término que significa muchas cosas pero que en general engloba a esa música que se salió del cauce de lo común y que por ende no es fácil de escuchar, que no es para cualquiera debido a la extravagancia que generalmente caracteriza a las propuestas de ese estilo. Hasta entonces, Buckley había lanzado cinco discos pero estos funcionaban dentro de un espectro mucho más convencional, adornados para el público masivo dentro de un sonido de folk más tradicional, área en la que el autor se sentía muy cómodo. Hasta ese momento había dado pocas señales de lo que vendría en ‘’Starsailor’’, y con este trabajo daría un paso mucho más arriesgado que la electrificación de Dylan, ya que aquí no solo se electrificaba, sino que fusionaba estilos, presentaba experimentos, tomaba riesgos mayores, se volcaba hacia la vanguardia convirtiendo su repertorio cancionero en toda una andanada de atrevidos sonidos anticomerciales y contraintuitivos, con canciones que, pese a continuar siendo canciones en sí mismas, se habían retorcido para volverse inidentificables.

No hay nada como "Starsailor" en toda la discografía de Buckley, pasando por algunos momentos con canciones folk extendidas en largas sesiones acústicas previas a "Starsailor", o pasando también por su anterior trabajo, predecesor de esta andanada de vanguardia, el también inaccesible ‘’Lorca’’. Nada se acerca lo suficiente ni nos prepara para esta experiencia que buscaba ser la prueba de que es posible hallar (o por lo menos buscar) la esencia del arte, aunque por más que lo intentara Buckley tenía contratos y responsabilidades y por ende no podía hacer lo que quería, aunque aquí sí lo hizo.

Desafortunadamente, en un efecto obvio por su calibre experimental, las ventas de "Starsailor" fueron malas, por lo que le propusieron amablemente al autor que debía volver a la senda comercial si quería seguir publicando discos. Entre sus discos ‘’Blue Afternoon’’ de 1969, ‘’Lorca’’ de 1970, y "Starsailor" también de 1970, el autor se había salido de la senda comercial y por ende las ventas habían caído notablemente. El siguiente paso en esta cruzada fue volver a la senda de sonidos enlatados. El resultado fue el deficiente ‘’Greetings From L.A.’’, que por supuesto se vendió mejor que los tres discos anteriores en total.

En "Starsailor" el autor continua por la senda de la canción pero estas siendo traducidas a un idioma que solo el autor puede comprender, por lo menos a simple vista, retorciendo la líneas, ampliando los ritmos y presentando las mismas en embaces por habituales, pero la canción aún se hace presente. E incluso, para ser un disco tan conocido por ser ‘’difícil de escuchar’’ contiene en su repertorio la canción más conocida y cantada del autor, la famosa ‘’Song To The Siren’’, canción que no pertenecía originalmente al repertorio del disco y que fue compuesta previo al proyecto de este disco y que por eventuales motivos no había sido publicada en discos anteriores, finalmente fue incluida en el disco, contrastando irónicamente muy bien con toda la extravagancia del disco.

El disco presenta varias facetas internas entre las propuestas musicales, desde la ya mencionada ‘’Song To The Siren’’ como la canción más convencional del disco, hasta la chanson francesa ‘’Moulin Rouge’’, o la pieza homónima ‘’Starsailor’’ donde parece inmiscuirse en sonidos psicodélicos siendo uno de los momentos más experimentales del trabajo con efectos de sonidos que construyen toda la pieza.

El resto del sonido se construye entre andanadas instrumentales, muchas veces indefinidas, donde aparecen trazas de rock, jazz, funk, todo unido bajo visiones vanguardistas en un invento sonoro de caracterizas propias que poco responde a estándares ajenos hasta entonces. Es una conjunción entre visiones que convergen en la mirada del autor que por entonces estaba transitando su lado artístico más honesto y lo estaba logrando con creces, ya que no todos pueden volverse tan experimentales y lograr con ello algo escuchable y de culto. Es una revelación artística del autor debelando su costado más crudo donde se muestra como un compositor de punta capaz de fusionar estilo disimiles hasta entonces, y también demostrando todo un repertorio de recursos vocales en lo que es otra de sus tantas puestas en voz, aplicando además de sus cantos sus quejidos, aullidos, chillidos y toda una puesta que lo encuentra en un despliegue de recursos que lo ubican como un cantante de excepción que utiliza su voz como un instrumento más.

La música de ‘’Starsailor’’ es un hibrido entre muchas cosas funcionando a la vez, insólitamente compleja por momentos ya que transita en una misma pista por diversos estados internos que se suceden entre sí para dar vida a algo nuevo. Parece una propuesta creada para reflejar lo más fielmente posible las emociones del autor, por lo que la música también es muy cruda y retrata en su instrumentación esa sensación de estar escuchando algo con mucha significancia, el autor se encarga de tomar este recurso y ejecutarlo con la misma facilidad y prestancia como si se tratase de una canción convencional con un estribillo pegadizo, ha naturalizado la propuesta como una parte más de sí mismo.

Las estridencia percusivas en las que recae el disco en muchos pasajes, cual atascos con tiempos acompasados, recuerdan al estilo de Captain Beefheart & His Magic Band, especialmente a su disco ‘’Trout Mask Replica’’ de1969, disco con el cual "Starsailor" podría emparentarse debido a la peculiaridad de su estilo. "Starsailor" también es semejante a los sonidos del por aquel entonces Frank Zappa y sus tantos lanzamientos de aquella época temprana, en la que el autor también estaba transitando por esa faceta de búsqueda artística sin importarle las consecuencias. De hecho, Litera Gardner, un ex miembro de The Mothers of Invention, se unió a la banda formal de Buckley para grabar el álbum. Además, Buckley volvió a trabajar con el letrista Larry Beckett, después de una ausencia de tres álbumes.

Cod: #1617

31 oct 2021

Walter Wegmüller - Tarot (1973)

En 1972, Rolf Ulrich Kaiser del sello ‘’Ohr’’ comenzó a idear una nueva música de rock alemana, la música kosmica, como una respuesta a los sonidos predominantes de rock de por aquellos años y además como manera de enriquecer el rock alemán y buscar una esencia propia. Tal fue el legado de este proyecto que alcanzaron a crear toda una escuela es su país y lograron crear ese mote de ‘’música kosmica’’ para referirse a ese sonido tan característico de rock libre fusionado con sintetizadores y ejecutado en sesiones por músicos preferentemente bajo influencia de alucinógenos. Para poner en práctica su proyecto, Rolf Kaiser fundó su propio sello y lo llamó "Cosmic Couriers". El nombre de "Cosmic Couriers" es una actitud mental que surgió durante los años 60.

Rolf Kaiser contó con el apoyo de músicos de la escena local que no dudaron el sumarse a la esencia de la propuesta, entre los que aparecían luminarias como Klaus Schulze o Manuel Gottsching junto con todo Ash Ra Tempel. El proyecto realizó varios lanzamientos, el primero de ellos fue "Seven Up" publicado por Ash Ra Tempel en 1973 y que contaba además con la participación del gurú de la psicodelia norteamericana Timothy Leary. También contaron con la participación del artista Sergio Golowin para el lanzamiento del disco ‘’Lord Krishna Von Goloka’’ den 1973.

Otro lanzamiento del sello fue ’’Tarot’’ de 1973, un disco creado y dirigido en torno a la figura del artista gitano suizo Walter Wegmuller quien había diseñado un conjunto de 22 cartas del tarot. Su amigo Timothy Leary le presentó a Rolf-Ulrich Kaiser de Ohr Records en Alemania, y se acordó que Wegmüller grabara un álbum sobre el tema del tarot. El álbum fue grabado en 1972 y lanzado en 1973, y originalmente el lanzamiento de vinilo de época consistió en una edición limitada en formato caja que traía el juego de Tarot diseñado por Walter Wegmüller. Wegmüller recita historias sobre cada una de las cartas del tarot del álbum.

El disco ’’Tarot’’ contó con la participación de músicos de la escena asociados a Kaiser, entre los que aparecían nombres como: algunos miembros de Ash Ra Tempel como el guitarrista Manuel Gottsching y el bajista Hartmut Enke, algunos miembros de Wallenstein como Harald Grosskopf en batería, Jerry Berkers en bajo, Jurgen Dollase en teclados y Walter Westrupp en partes acústicas, además de aparecer el mítico Klaus Schulze en sintetizadores y percusiones.

El trabajo es un ejemplo directo del sonido electrónico cósmico del Berlín de la época, con los clásicos atascos trippys plenos en guitarras eléctricas y sintetizadores pintando escenas cósmicas, experimentación con alucinógenos y búsquedas espirituales inmiscuidas en las sesiones que en muchos casos eran improvisadas, donde también el rock tomaba una preponderancia importante desde su rol en guitarra eléctrica. Algunos atascos del disco son esencialmente eso, atascos que evidencian la influencia de la psicodelia por lo improvisado y cósmico del asunto, a puro solo de guitarra y delirios con sintetizadores. Aunque no todo en el disco cae en esa fórmula infalible, hay algunas variantes más calmas, momentos pastorales, momentos de piano y otras variantes en formas más meditativas y no tan convulsas.

El trabajo originalmente fue una lanzamiento de vinilo doble, compuesto en su totalidad por veintidós piezas creadas para representar las veintidós cartas del juego original de tarot creado por Wegmuller. El trabajo está compuesto por una gran cantidad de piezas, en su mayoría de corta duración, con muchos momentos ajetreados en los que la banda se enlista en los atascos típicos del género, todo el trabajo es un reflejo de esta búsqueda cuasi improvisada, apareciendo el uso de secuenciadores y recitaciones en alemán.

Aunque de alguna manera este sonido era una respuesta a la invasión de los típicos sonidos de rock norteamericanos e ingleses de la época, aun así el blues supo hacerse presente de alguna manera en la producción, apareciendo desde la guitarra eléctrica en forma de solos, riffs y acompañamientos, otra influencia heredada de la psicodelia que se caracterizó por eso mismo, los atascos de rock libre con predominio de la guitarra eléctrica.

Otros de los ‘’proyectos’’ del sello "Cosmic Couriers" fue el lanzamiento realizado bajo el nombre de Cosmic Jokers, un supergrupo fantasma compuesto por los artistas eventuales del proyecto, Klaus Schulze, Manuel Gottsching, etc, que eventualmente se reunían a realizar zapadas e improvisaciones colectivas en fiestas y reuniones. Kaiser tuvo la idea de tomar algunas grabaciones de esos eventos para publicarlas bajo el nombre de Cosmic Jokers y sin el consentimiento de los participantes. Los músicos afectados, y en particular Klaus Schulze, estaban lejos de estar impresionados con el lanzamiento de este material por parte de Kaiser y tomaron acciones legales. Como resultado de esto, los contratos de Kaiser con sus bandas fueron anulados por los tribunales alemanes, lo que significó el final del sello "Cosmic Couriers".

Cod: #1616

28 oct 2021

Pekka Airaksinen - One Point Music (1972)

El finlandés Pekka Airaksinen, además de ser conocido por ser uno de los miembros fundadores del controversial grupo The Sperm en 1967, la cual fue su primera banda. Los conciertos del grupo presentaban artes escénicas de confrontación, lo que resultó en el arresto de dos miembros por simular relaciones sexuales y proyectar películas pornográficas. Tras la ruptura de The Sperm a principios de la década de 1970, Airaksinen se volvió hacia el budismo y dejó de hacer música. Comenzó a coleccionar arte tibetano y fundó Tibet Art Center en Loimaa.

Pero antes de dejar eventualmente la música publica, en 1972, su primer disco solista, ‘’One Point Music’’, ya mostrando alguna reminiscencia temprana a la espiritualidad y a búsqueda aurea pero aun estando totalmente ligado al mundo de la experimentación, la electrónica, el vanguardismo y con su aun espíritu rupturista contestatario que lo llevó a manifestarse al comienzo de su carrera y que hasta entonces todavía se mantenía.

‘’One Point Music’’ es una colección arremetidas experimentales que funcionan en el ámbito de la electrónica experimental ligada al vanguardismo y las búsquedas electroacústicas, siendo todo el trabajo un conjunto de grabaciones realizadas durante diferentes momentos y años, lo que da como evidente resultado el carácter de amplitud que hay en las diferentes propuestas, aunque también el sonido está armonizado en una misma propuesta, por lo que todo parece funcionar bajo una misma aura de perversión.

El trabajo parece tener un valor de fetiche dentro del ambiente, por el carácter tan peculiar de la propuesta al no pertenecer necesariamente a un movimiento. Es un experimento muy personalista en el que el creador manifiesta sin resquemor sus ocurrencias y todo se desarrolla en esa aura, hay momentos de todo tipo con quejidos, ruidos y arremetidas diversas, acoples, quehaceres sonoros filtrados bajo extraños momentos aurales, inventos sonoros, etc.

También hay algunas ejecuciones de instrumentos como slides de guitarra o percusiones indefinidas, que suman al caldo de cultivo que es toda la propuesta y a la variedad de la misma en las diferentes piezas. Pareciera estar emparentado a la música concreta, al arte libre, a concepciones de creación que no tienen que ver con la música tradicional o popular sino más bien con maneras de concepción propias del autor y que tienen lugar en pequeños eventos de significancia creativa sumado a las ocurrencias que puedan ir surgiendo en el intento. 

Las siguientes son palabras de un pianista llamado Ilpo Saunio que aparecen en la cotraportada del vinilo original:

''Visto externamente, las composiciones de Pekka Airaksinen no son inusuales ni nada excepcionalmente brillante que lo eleve por encima de sus contemporáneos: personas como Pierre Schaeffer, Luc Ferrari, Luciano Berio, Gottfried Michael Kénig, Karheinz Stockhausen, Yannis Xenakis, John Cage, solo por mencionar algunos. Visto musicológicamente, sus composiciones se basan en una escuela de música concreta parisina de los años 40, también influenciada por la profundidad estética de las cintas antitradicionales que nacieron en un estudio de KoIn en los años 50. Su música también está desarrollando un mecanismo paralelo de repetición, iniciado por Terry Riley en los años 60, el mismo estilo también común en las pinturas de Andy Warhols. Las composiciones también desodorizan (sic) el realismo cotidiano de John Cage.

La autosuficiencia en las producciones de P. Airaksinen se expresa de manera concreta. Es una de las primeras personas en demostrar que no se necesitan necesariamente miles de marcos en equipo musical para producir música electrónica. Airaksinen trabaja con equipos que están disponibles para casi todos, como televisores o lavadoras. Mirando hacia atrás en el concepto de apertura artística que Lindsten mencionó anteriormente, lo nuevo que se esconde detrás de la música de P. Airaksinen cobra vida como una paradoja del micromundo. Hoy la física, además del macro mundo, está familiarizada con los micro y mega mundos, que no obedecen las leyes básicas de la física o la mecánica. Además, el mundo biológico también se puede dividir en el mismo tipo de sistemas: la sociedad es una especie de segundo mundo de multiplicidad / orden que obedece a las leyes de la cibertecnología y, en consecuencia, el sistema nervioso humano es capaz de formar un microsistema propio, cuyo comportamiento no obedece a la lógica humana como macro-ser.

Escuchar música de Sisyfos abre las puertas al micro mundo del ser humano al igual que los sueños, algunas sustancias químicas o la intuición del artista. El famoso Gesang der Junglinge de Stockhausens del año 1955 consta de 11 elementos musicales diferentes y 6 texturas creativas. Estos ingredientes se manipularon de acuerdo con ciertas sistemáticas, y el resultado fue finalmente una composición. En la obra de P. Airaksinen, el término "componer" se vuelve irrelevante, pero de todos modos, permanece como música. La música de Sisyfos no obedece a las mismas leyes que “Tapiola” compuesta por Sibelius, de hecho no obedece ninguna ley conocida en el micromundo humano. Se podría afirmar que la materia crea una forma por sí misma y el espacio entre estos dos estados se está deslizando, de la misma manera que con el dualismo en las partículas fundamentales del micromundo.

El carácter distintivo de la música de P. Airaksinen se expresa en la composición "Sadetta" en la que se colocó el micrófono bajo la lluvia. Lo más característico de este disco es que está más relacionado con la noche que con el día. La pista "Mooning" se creó, por ejemplo, durante la noche; Por tanto, el compositor afirma que su relación con la música y la creación cambia durante la noche.''

Cod:  #1615

27 oct 2021

Francesco Messina & Raul Lovisoni - Prati Bagnati Del Monte Analogo (1979)

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ se encuentra a medio camino entre el minimalismo, el vanguardismo y el new age ambiental, tomando de todos estos aspectos elementos inconfundibles para explayarlos de manera personal en forma de experimento dentro de la vanguardia italiana.

Originalmente el álbum fue un intento de trabajo solista de Francesco Messina. Franco Battiato, el productor del disco, quiso publicarlo junto a una serie de lanzamientos bajo el sello Cramps. Messina propuso involucrar en el proyecto a Raul Lovisoni y Battiato aceptó, así se le fue otorgado a cada artista un lado del vinilo original.

El disco fue publicado originalmente en 1979 por el legendario sello Cramps, en el marco de una serie encargada y dirigida por el mismísimo Franco Battiato, quien es quien estuvo detrás de la producción de este disco, así como también de otros discos como ‘’Motore Immobile’’ de Giusto Pio.

Esta obra, de significancias intrínsecas y ocultas en lo onírico del ser, se inspiró abiertamente en la novela metafísica inacabada “Le Mont Analogue” del escritor francés René Daumal, autor que por muchos años fue estudiante y discípulo del enigmático maestro espiritual armenio Georges Ivanovich Gurdjieff, maestro quien a su vez, en ese momento, había cautivado a Battiato, quien, encargado de la producción, no dudó en dotar al sonido del disco de dichas influencias espirituales.

El disco es uno de esos trabajos que ofrecen una música que implica y exige una escucha atenta para poder apreciar la belleza que posee inmiscuida entre tanta imaginería compositiva. Es una música onírica, de ensueño, capas de trasportar al oyente a estados aun por explorar.

El estilo ofrece una creación que utiliza el minimalismo y las formas de drone para crear auras místicas, con ciertas reminiscencias a estilos también espirituales como la música hindú, utilizando la vanguardia y reutilizándola para dar forma a una creación de origen nuevo.

El sonido ofrece su encuentro con el vanguardismo pero este mismo no se vuelca de forma bruta o en forma de libre improvisación, sino que es también reinterpretado bajo miras espirituales, por lo que los elementos y aplicaciones son concebidos de forma calma, estando al servicio de una música de introspección.

El lado A del vinilo original está ocupado por ‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’, una pieza de veintitrés minutos de duración que abre el disco y plantea de antemano una suerte de viaje onírico entre sintetizadores y un piano que se fusionan en una danza enraizada de misterios y exotismo. El lado B del vinilo original estaba ocupado por las piezas ‘’Hula Om’’ consistiendo en el sonido de un arpa y ‘’Amon Ra’’ que funciona entre cantos y copas de cristal.

Se revela el minimalismo con una cara distinta a como se lo conoce, con una amplitud y una interacción armónica de como se lo conoce tradicionalmente, con melodías delicadas que varían sutilmente en el desarrollo, dando paso lentamente a un espacio abierto en constante expansión.

En cuanto a su rol dentro de la vanguardia el sonido marca una diferencia con los vanguardismos más rústicos de principios de la década, presentando un sonido seminal fino con roces con el new age que marcó un punto de inflexión para los sonidos venideros del vanguardismo italiano.

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ filosófica y espiritualmente es un producto del interés de Battiato y Messina por Gurdjieff, aunque es llamativo el hecho de que a Lovisoni no le interesaba la filosofía de dicho autor. Este factor fue determinante en la falta de un mayor vínculo creativo entre Lovisoni y Messina, de hecho este álbum fue lo único que los mantuvo unidos en algo.

Franco Battiato descubrió a Gurdjieff gracias a Roberto Calasso, director de Adelphi, quien en 1977 le dio a Battiato una copia del libro ‘’Meetings with Remarkable Man’’. En 1985, junto con Messina, Battiato fundó la editorial L’Ottava, la cual publicó trabajos de Gurdjieff y otros autores devotos del tópico de la búsqueda espiritual.

Cod: #1614

25 oct 2021

Joel Vandroogenbroeck & Carole Muriel - Images Of Flute In Nature (1978)

El belga Joel Vandroogenbroeck es un personaje que, al comienzo de su carrera, supo manejarse por lugares tempranos de lo que luego se conocería como new age, comenzando con sus primeros discos con su banda Brainticket, en los que, pese a estar ligado todavía en ese momento al krautrock, la psicodelia y los vanguardismo, ya demostraba esa tendencia hacia los espectros de la naturaleza y los ambientes espirituales en general, cercano a la espiritualidad, los textos sagrados como el ‘’Libro egipcio de los muertos’’, la meditación, la música ritual y demás incursiones propias de una vida de introspección y bohemia. 

Vandroogenbroeck se trasladaría a la isla lejana de Bali para aprender los instrumentos exóticos locales, y comenzar la planificación de su carrera musical personal, habiendo aprendido a tocar el sitar, arpa, piano de pulgar, todo tipo de instrumentos de viento y percusión, y atrapado por la música de Indonesia. Después de regresar de Bali, a mediados de la década de 1970, Vandroogenbroeck continuó colaborando con Brainticket.

Vandroogenbroeck estaba fascinado por la vida en la naturaleza y a eso lo reflejaba en su música, especialmente solista, explorando terrenos electrónicos con fusiones con imágenes de la naturaleza. ‘’Images Of Flute In Nature’’ de 1978, publicado en colaboración con Carole Muriel, es un ejemplo de esto, un trabajo erigido en base al interjuego del rol de su flauta con los espectros obtenidos de ambientes naturales, a lo que se le suman las aplicaciones electrónicas, dando como resultado una exploración bastante enriquecida por muchos elementos.

Lejos había quedado su primer lanzamiento solista de 1972, ‘’L'Immagine Del Suono’’, una publicación con tirada limitada y creada bajo las visiones de la música de biblioteca de la época, o sea creación sin limitaciones, especialmente para piezas de corta duración. Pero para su segundo trabajo solista el autor ya había transitado por la experiencia de Brainticket y por sus viajes por el mundo estudiando culturas de todo tipo, por lo que en su segunda publicación ofrece un cambio rotundo en cuanto sus sonidos primigenios respecta.

El sonido recuerda a muchos momentos de la discografía de Brainticket, ese costado más pastoral y místico, pero ahora estando totalmente alejado del rock como en dichos sonidos antecesores, ya en ambientes pastorales puros donde el quehacer multiinstrumentista del autor se hace lugar para ofrecer una amplia gama de texturas y aplicaciones que enriquecen este paseo por el bosque y la naturaleza. La escucha de ‘’Images Of Flute In Nature’’ es muy placentera y fácil de emprender, con auras y ambientes cálidos que inspiran a fabulas sobre hadas y duendes,  imágenes musicales que retratan la vida en plena naturaleza y continúan por la senda new age temprana emprendida por el autor. Los sintetizadores recobran un rol importante en la construcción de las melodías y las aplicaciones en los diversos pasajes de cada pieza, mientras que por supuesto es la flauta la que le termina de dar un toque cálido y áureo al sonido. Hay también arreglos de cuerda y agregados sonoros que simulan cantos de pájaros, siendo todo utilizado para construir momentos de magia con imágenes que conducen a la naturaleza.  

Este autor, junto a otros artistas europeos de calibres similares como los alemanes Deuter o Peter Michael Hamel, fueron artistas y músicos del mismo estirpe, creadores que representaron la faceta más espiritual de las corrientes vanguardistas europeas en cuanto al encuentro o influencia tomada del krautrock y la fusión de la misma con sus estilos pastorales y espirituales, dando como resultado músicas por demás experimentales, y espirituales a tal punto que consistían en sonidos que reflejaban esa cualidad de transmutación y sublimación fluyendo en sus fibras más íntimas. Aunque, de todas formas, ese carácter ritual de los primeros trabajos de Vandroogenbroeck se ve levemente desplazado en esta ocasión, para aparecer también la mitología nórdica, véase la pieza llamada ‘’Hobbits’’.

Este es el único álbum que publicaría con Cenacolo Records. Era el renacer de su carrera como solista, que había tenido un ‘’exabrupto’’ como comienzo, pero que ahora resurgía d con mayor fortaleza, publicando no solo este sino un sinfín de trabajos más, ya sumergido en un estilo espiritual new age, aplicando todo su conocimiento como multiinstrumentista y refrescando en la memoria de su música una sensación espiritual que marcaría fuertemente su estilo musical. Después de eso, Vandroogenbroeck firmó con la compañía discográfica Coloursound Library y comenzó una serie de trabajos de estilo musical ambiental.

Cod: #1613
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