Mike Häfliger - The Rise Of The Stoned Ape (2024)

Para quien busque historias de la psicodelia del mundo, acá hay una buena para conocer, donde la vida natural y la lisérgia se encuentran y crean coloridas melodías, trances de los más místicos, sesiones de rock espacial y mucha música. Un particular agradecimiento a Mike por su buena onda en todo desde que lo contacté, esta entrada va dedicada a celebrar su vida y su música:

Cualquier cosa que encuentren en el universo creativo de este artista será algo creado desde un sentido profundo del vivir, hay aquí una música con mucho sentido de la profundidad, ello se refleja inmediatamente en la primera escucha y hace que se ponga en marcha una manifestación siempre muy particular en lo artístico, con mucho espíritu, mucha antigüedad, partiendo desde visiones que provienen de lugares alejados de lo común, pero que se dirigen hacia lo común para tratar de espabilarlo y generar en el escucha toda una experiencia enriquecedora de despertar.

Hay allí un lugar en el mundo del rock, en el que el krautrock, el rock espacial, la música progresiva y, por supuesto, la psicodelia, se codean en una misma cosa para recrearse en los estilos psicodélicos modernos. Mike ha dedicado mucho de su vivir a este arte, por ende, lo comprende y lo ejecuta ya en un estilo propio. Sus propuestas son profundas, siempre volcadas a lo musical y planteadas hacia encarnaciones de una psicodelia contemporánea que cuenta con un buen presente y futuro pero que a su vez conoce de la historia del género, además el mismo Mike se codea con referentes históricos del género en Europa, por lo que conoce de propia mano, a través de sus protagonistas, muchos de los secretos que este arte onírico tiene para ofrecer. 

Mike Häfliger es un artista suizo dedicado especialmente a la guitarra eléctrica, un espíritu que vino a experimentar la existencia terrena a su manera, y lo sigue haciendo en cada cosa que hace. La vida del artista siempre será marginal en este mundo de violencias y apariencias, Mike conoce su esencia y no reniega de ella, lo que le da una libertad mayor para moverse con humildad por el mundo. Mike ha sido parte de varias bandas, tal vez una de la más destacada de esas bandas sea Space Invaders, un grupo que explora el rock espacial de manera exacta y con una prestancia prístina a la música rock libre de sesión.

Pero también ha dedicado parte de su vida al desarrollo de algunos proyectos solistas y con otros proyectos varios grabados junto a amigos, parece que hay mucho material solista que ha dejado guardado. ‘’The Rise Of The Stoned Ape’’ es una de las tantas grabaciones que hay en su legado personal y que poco a poco va dejando salir a la luz en publicaciones virtuales en bandcamp. Es allí, en su perfil, donde hay varios de sus tantos registros, por lo que entrar en ese perfil virtual nos acerca más a su costado lisérgico.

‘’The Rise Of The Stoned Ape’’ es una colección de diferentes pistas que tratan de lo mismo pero que fueron grabadas en diferentes situaciones y lugares. No se trata de pistas de un mismo proyecto, pero funcionan a la perfección juntas porque son todas perfectamente psicodélicas. Algunas entradas en sesiones con banda entera, otras planteadas desde la guitarra, aunque todas consisten en la sesión, la extensa sesión psicodélica que invita a la meditación y a lento descenso hacia el mundo lo onírico, para comenzar un viaje hacia las lejanas tierras de las infinitudes interiores.

Es música muy psicodélica, algunos momentos tienen más que ver con sesiones de rock con baterías donde se funden en grooves interesantes con buenos solos de guitarra. También hay momentos más experimentales, todo nacido de juegos de grabaciones con distintas pistas. El nombre del disco proviene de la teoría llamada "Stoned Ape Theory", que dice que la evolución cognitiva de la humanidad comenzó con una experiencia de hongos psicodélicos.

Ahora, como en todas las publicaciones con entrevista, viene la sección de algunas preguntas y respuestas que hemos intercambiado con el artista, y que Mike ha respondido con amabilidad. Estas preguntas siempre son buenas para sumergirse aun más en el mundo artistico de cada entrevistado, así que los invito a leer este intercambio que se dio con Mike.

Viento tus perfiles en redes sociales, parece que llevas una vida con mucha conexión con la naturaleza. ¿Cómo ha sido tu vida? ¿Por qué tu decisión de tomar ese camino?

‘’La vida siempre me ha resultado muy interesante. Mi conexión con la naturaleza proviene de mi abuelo, quien fue pionero en el montañismo. Más tarde, en mi juventud, comencé a fumar marihuana, lo que me ayudó a conectar con la naturaleza, y luego el LSD me brindó la profunda experiencia de que todo es polvo de estrellas, todo está hecho de los más pequeños elementos de la vida. Y todos estamos conectados con todo, no separados. La naturaleza tiene un sistema mejor que el de los humanos modernos. Es apacible e inspirador vivir una vida sencilla en el bosque junto a un fuego mágico.’’

Parece que has estado en India, Egipto, Grecia, has acampando en cuevas en Suiza, etc. ¿Has viajado mucho por el mundo? ¿Qué has aprendido de tus viajes y de tantas culturas diversas?

‘’Soñé con viajar desde niño, y finalmente, a los 20, comencé a viajar. Mi primer viaje fue a México y Estados Unidos, donde estuve 18 meses. Después, viajé por Europa y Escandinavia (90). Después, visité Grecia, Israel y Egipto. Finalmente, me fui a la India, donde pasé la mayor parte del tiempo. Hasta los 38, viajé intermitentemente durante 13 años, lejos de Suiza, donde siempre trabajaba, para luego volver a partir. Era una forma de escapar de las redes de nuestro sistema capitalista. Pude vivir mi sueño de libertad, con el pulgar en el aire y el viento en el pelo, por la carretera hacia cualquier lugar. En el camino, también conocí a muchas personas con ideas afines. Todos éramos marginados, aquellos que vivían la aburrida vida del sistema, siempre celosos, lo que nos convertía en marginados, algo de lo que me siento orgulloso.

Y también aprendí que puede ser agradable vivir en un país extranjero, siendo un extraño, y ser recibido como en casa. También fue una visión diferente de mirar el mundo y el país en el que nací.’’

¿Cuáles fueron tus orígenes en la música? ¿Por qué elegiste la guitarra? ¿Qué instrumentos tocas además de la guitarra?

‘’Comencé a escuchar a los Beatles a los 8 años y me convertí en un gran fan de ellos y me encantaba el Rock'n'Roll de los 50 como Chuck Berry, aunque a mis padres no les gustaba este tipo de música. Tuve suerte de conocer esta música tan temprano. Con 12 años comencé a tocar la guitarra, quería tocar esas canciones de Rock'n'Roll y especialmente las canciones de los Beatles, la guitarra era perfecta para esto. En esa época vi la película de Woodstock y descubrí a Hendrix y la posibilidad de convertirme en un ciudadano normal y corriente se volvió casi nula. También me convertí en coleccionista de discos, en esta escena descubrí mucho Psych, Space Rock y música progresiva como Zappa, Funkadelic, Can, Gong, Sweet Smoke, Guru Guru, Arthur Brown, J.Lee Hooker, Betty Davis, Birth Control, Brainticket, Magma y Pink Floyd, y mucho más que descubrí. En mi adolescencia coleccioné casi 2000 discos. Mientras viajaba, descubrí el jazz. Me encanta el buen Trane (J. Coltrane). En la India me aficioné a los ragas indios y empecé a tocar la flauta de bambú traversa.’’

¿Cómo ha sido tu carrera? ¿De qué bandas has sido parte? ¿Qué proyectos has integrado?

‘’Mi primera banda se llamó "Never" en el 85, con un nombre de banda como este, por supuesto, no lo logramos. Teníamos 3 canciones que tocamos durante un año y luego colapsó. Luego toqué en una banda de versiones en el 86 llamada "Mottzzarella". En el 87 toqué un proyecto que ni siquiera llegó a un nombre. En mis viajes he hecho mucho busking en las calles, improvisando en bares y pequeños eventos con un montón de compañías de músicos desconocidos. Mientras viajaba no era fácil estar en una banda, pero improvisaba con muchos músicos. En el 96 fundé Mike's Project Formation para llevar mis canciones que produje en mis viajes por la India al escenario local suizo. 2004 hice un proyecto que se llamó Mike's Pyrodelics. 2008 Amigos y yo estábamos formando Spacenote. En 2010, mis compañeros de Jam y yo formamos Space Invaders en un festival alemán (el Festival de Burgherzberg). Entretanto, siempre hubo pequeños proyectos, proyectos en solitario y actuaciones a lo largo de esos años. Toqué con Damo Suzuki (con Space Invaders @YouTube) y Mani Neumeier (también con Space Invaders @YouTube) de Guru Guru. Como ya no quería ser una gran estrella del rock desde mi adolescencia, solo quería divertirme tocando música y unir a gente (extraña). Así que mi carrera ha sido tranquila, pero con un desarrollo lento, porque no me importaba mucho. Quería mejorar en lo que hacía, además de vivir una buena vida.’’

Sos parte de la formación de Space Invaders, banda formada hace muchos años, ¿Cómo es esa experiencia? ¿Cómo son sus shows? ¿Se dedican a hacer música improvisada en vivo?

‘’Sí, fundamos "Space Invaders" en 2010 en el Festival Höllenschuppen/Burgherzberg mientras estábamos improvisando. No nos conocíamos. Tenía música de Electric Orange y me gustaba mucho, pero no sabía que dos de los chicos de EO estaban en esa improvisación, simplemente funcionó bien. Nuestros shows siempre fueron muy psicodélicos y espaciales, a veces más suaves y fáciles, y a veces más duros y salvajes. Pero siempre fue un viaje. Es difícil mantener una banda viva durante tantos años. Las diferencias personales causaron cambios de formación, así que no es solo amor y armonía cuando los egos y los fenómenos chocan, pero supongo que eso es parte de la vida del Rock'n'Roll. Uno de mis grandes objetivos era poder tocar en una banda de pura improvisación, aprendí mucho tocando de esa manera para crear música en el momento. Como vivimos muy lejos, no tenemos oportunidad de ensayar juntos, así que simplemente nos limitamos a la nota fundamental. Desde la época de "Space Invaders", improviso principalmente, incluso cuando toco solos.’’

Toda tu producción musical es muy psicodélica, profunda, con mucha espiritualidad. ¿Cómo vivís la música? ¿Qué cosas pasan por ahí? ¿Qué queres transmitir? ¿Qué hay detrás de todo eso?

‘’Empecé a aprender sobre psicodelia antes de los 10 años. Con los últimos trabajos de los Beatles, los escuchaba en ese entonces. No sabía de qué se trataba todo esto, pero llegué a escuchar más y más música que estaba fuertemente influenciada por psicodélicos. Años después, cuando tenía 18 años, experimenté mi primer viaje de LSD con dos de mis amigos músicos. Estábamos escuchando el álbum Kingdom Come de Arthur Brown "Galactic Zoo Dosier" también escuchamos "Gong Trilogy" y "Live Herald" de Steve Hillage. Esa fue mi revelación. Me gustaban mucho esos viajes y sobre todo estaba viajando con música o hacía música yo mismo. A muchos músicos les gusta intentar tocar música psicodélica, pero por lo general será un intento mientras no tengas experiencia. Reconocí mi Ser. Siempre he adorado la espiritualidad de las tribus nativas de Norteamérica, que combina a la perfección con el amor por la naturaleza y el cosmos, y también con el fuego, la música y el LSD. Ya no creo en Dios, pero he intentado seguir los caminos religiosos. Leí la Biblia por un tiempo y luego seguí el culto a Shiva (hinduismo). También intenté comprender la Torá y el Corán, pero descubrí que, para mí, son solo una forma de abordar la responsabilidad, alejándola del yo, hacia un tipo imaginario de fantasía. ¡Era, soy y estoy por venir!’’

Cod: #1826

Ellis/Munk Ensemble - San Diego Sessions (2020)

Cuando los mejores de una escena de rock se unen, suelen pasar cosas sorprendentes, y esta no es la excepción, rock puro y duro, psicodélica acida improvisada a más no poder, sesiones en carne viva que rebosan vida y rock, todo elaborado en un paquete de sesiones instrumentales de un poderío aplastante, muy en la onda de la psicodelia improvisada de finales de los 60s pero de esa psicodelia que ya se había codeado por el estilo proto prog y fusión, acercándose hacia lugares pesados más complejos.

La experiencia en el jazz, el estilo rockero y la inquietud por lo psicodélico, son los motivos que marcan esta propuesta con músicos con mucha amplitud. Se nota un bagaje por detrás, un oficio bien pulido por la sesión instrumental que alimenta cada segundo de esta música, además del poderío instrumental, el virtuosismo en el rock y la improvisación. 

Hay mucho por aquí para escuchar, siempre con una música que flota en vez de caminar, siempre en un limbo de poder y lisergia, siendo todo lo que hacen un viaje, aunque los pasajes entren en atascos pesados y duros o entren en momentos más ligeros y de mayor volatilidad. Momentos de delirio no faltan, el rock está servido a la mesa para el disfrute psicodélico, con ambientes donde no faltan aplicaciones de sintetizador que se disfrutan en mayor medida en los momentos más tranquilos. De pronto, en lo atascos más pesado, ahí ya es tiempo de los ritmos fuertes de la batería, y de todo el arsenal que desde el virtuosismo aplican a la música.

El álbum es difícil de encasillar en un solo lugar, solo se puede visualizar teniendo en mente los años de finales de los 60s y principio de los 70s, donde este tipo de sonidos ocurrían más comúnmente, y llegaban a crearse este tipo de obras que no tienen una forma en particular y delimitaciones bien marcadas, sino que todo llega a ser un experimento per se. Todo esto se originó en esos años donde las vanguardias chocaron con la contracultura joven, y el rock se fue a las nubes, a lugares inesperados. Ya no había canciones pegadizas o momentos repetitivos, todo era un experimento porque experimentar era la meta principal.

Entre ellos gentes como Miles Davis de la época de Bitches Brew, o del Jimi Hendrix de Woodstock, donde todo se juntó sin resquemor, no limites se corrieron y los tradicionalistas se horrorizaron, porque lo que estaba naciendo era la semilla de la cual brotaría la música fusión, con algunas ramas más rockeras, otra más progresivas, otras más jazzeras, pero fusión al fin.

Esta experiencia tuvo lugar en San Diego, California, epicentro de un fenómeno de ebullición psicodélica llevada adelante por varias bandas de gran nivel, entre ellas Earthless y Astra. Y en el caso de la Ellis Munk Ensemble también tenemos otro ejemplo de esa proyección de la escena local de San Diego. Brian Ellis es uno de lo impulsores de este ensamble psicodélico, miembro de Astra, impulsor del rock de San Diego y participante de la escena jazz y funk de California. A Ellis se le suman las fuerzas del danés Jonas Munk, miembro de Causa Sui, que participó de varias bandas y tiene su propio estudio de grabación. A ellos dos se le suma un elenco de músicos de gran nivel en la zona proveniente de bandas como Astra, Psicomagia, Monarch, Radio Moscow y Sacri Monti.

‘’San Diego Sessions’’ es el único trabajo publicado por esta experiencia de renombre local, reflejando con ese nombre el lugar de concepción, y presentando toda una experiencia psicodélica. Toda la música es de sesión, por lo que escuchar esto es sumergirse en un viaje por las tierras de la psicodelia más rockera posible. Aunque dentro de esta, y otras propuestas de estos músicos en otros proyectos, suele alcanzar una amplitud enorme, por lo que lo presentado no es algo sencillo o hecho a la ligera.

El álbum fue publicado por el sello danes El Paraiso Records, un sello propiedad de la banda Causa Sui creado como soporte para las publicaciones de la banda pero también albergando varios otros proyectos, siempre de enorme nivel y dentro de ese estilo psicodélico y de sesión. Recomendado explorar los lanzamientos del sello porque hay varias sorpresas por ahí, entre ellas lanzamientos de bandas como Psicomagia, Kanaan, Papir y otros proyectos de enorme nivel, marcando un buen lugar para la psicodelia más moderna y que se mantiene viva con gran nivel.

Es un álbum sorprendente más de este sello, y de este grupo de compañeros artísticos en los que se encuentran grandes publicaciones. Brian Ellis tiene una carrera muy fructífera con muchas publicaciones solistas, y con varios proyectos solistas, además de ser parte de la sorprendente banda Astra. Por otro lado, Jonas Munk también es un fructífero compositor, teniendo varios discos en su haber, siendo miembro de Causa Sui, y habiendo participado de buena cantidad de otros proyectos.

Cod: #1825

Makar Sankranti - Sintocracia de los Ojos Mudos (2013)

Makar Sankranti es una banda proveniente de la ciudad de Mexico, Mexico, y nacidos allá por el año 2012. De 2013 ha sido su primer álbum, luego de eso tuvieron un parate durante muchos años, retomando su actividad este último tiempo, cuando se mantienen en vuelta al ruedo, trabajando en un nuevo material que se publicará a mediados de 2026. 

‘’Sintocracia de los Ojos Mudos’’, de 2013, es el primer disco publicado por la banda, un trip de principio a fin. Esta banda despega en los primeros segundos y no baja más de ese lugar de música que pareciera nacer de sesiones cuasi improvisadas, de hecho, el disco se compone de seis pistas que rondan entre los ocho y doce minutos de duración, la mesa está servida para el banquete psicodélico. La formación de la banda en sus inicios y también la formación que participó en la grabación de su primer disco es: Donald Alfredo Jiménez en guitarra, Mauricio Garreta en batería, Ken Marino en bajo, Alan Almaraz en teclado, Mario Cortes en sintetizadores.

Todo el trabajo cuenta con el mismo estilo de música, sesiones amplias, con mucha sensación de improvisación y jam, a partir de las cuales las composiciones se van desarrollando, llegando a alcanzar las pistas una alta complejidad. Todo el disco es una cosa en sí mismo, el sonido del mismo está fundido en una sola cosa, y las pistas también llegan a dar esa sensación de que todo es la misma cosa, sucediéndose y mutando en las encarnaciones musicales del disco que son cada pista del mismo.

También está esa sensación de que algo trascendental está ocurriendo, una narración hay no en letras, pero si en la instrumentación, todo el disco es una cosa homogeneizada en un aura de viaje. Ese carácter trascendental se manifiesta desde los nombres de las canciones hasta la portada del álbum, y por supuesto que la música también lo manifiesta, en un rock psicodélico que se presta al viaje acido instrumental extenso, con un carácter hipnótico que nace de esas guitarras eléctricas moduladas y la sesión rítmica potente y rockera.

La sección rítmica, sumado a órganos, guitarras y bajos, dan un sonido propio del estilo, abriendo puertas para que la alucinación tome su cauce hacia las tierras de los irreconocible. Todo el fenómeno musical del disco parece ser una sola cosa que comienza con los primeros segundos del disco y que no se detiene hacia el final, en el medio habrá paradas, pero lo homogéneo de la interpretación y los sonidos de los instrumentos hacen dar esa sensación de que la obra se completa en sí misma como un todo desatado a lo largo de todo el trabajo.

El sonido es oscuro muchas veces, transitando por varios estados internos, entre pasajes y variaciones, es un buen disco para perderse dentro, dejar las nociones del comienzo y final de los momentos, y dejarse llevar por la propuesta.

Para seguir esta reseña, continuará una serie de preguntas que muy amablemente Donald Alfredo Jimenez pudo responderme sobre la banda y sus historias, respuestas con las que siempre es bueno contar para ampliar la visión que se pueda hacer de la banda y sus sonidos:

¿Qué cosmovisión tiene de lo que hacen? Viendo el nombre de la banda, del disco y de los temas del mismo, hay una temática, ¿Qué significa todo eso? ¿Qué ideas hay detrás de todo?

‘’El nombre surge de una celebración que se hace en la India y las ideas de la música van de la mano con eso, con hacer un sonido e ideas espirituales, los tracks hablan de una historia que va desde la cultura indu hasta constelaciones y el universo.’’

¿Bajo que estilos se podría englobar su disco? ¿Están emparentados con la psicodelia?

‘’No creemos en tener un estilo definido pero podemos englobarlo con los siguientes estilos. Progresivo/Experimental/Mathrock/Fusion/Jazz y claro la Psicodelia.’’

Escuchando su trabajo, parece que tienen mucha vocación para las sesiones y la improvisación en extensos pasajes. ¿Cómo surgió esa característica?

‘’Pues surge desde el momento en que creamos el proyecto, ya que al crear la música lo que hacemos es improvisar en la sala y crear ideas en el momento y no limitarnos a seguir una línea implantado en la música si no la que nos vibra en ese momento, de igual forma en vivo nunca tocamos las canciones igual que en el álbum, varía la duración así como diferentes arreglos, solo se mantienen las bases sólidas.’’

Teniendo en cuenta todo el trabajo, se nota un sonido bastante sofisticado. ¿Cómo fue el proceso de composición del mismo? ¿Cuánto tiempo trabajaron en el mismo?

‘’Para crear al álbum completo nos llevó aproximadamente medio año en tener los 6 tracks ya bien ensayados y el proceso fue yo Donald (guitarra) tener 4 tracks ya armados en guitarra y solo ensamblar Batería, Bajo, Teclados y Synths, en los ensayos 2 tracks fueron armamos entre todos en la sala y el proceso que lleve yo solo para hacer la música fue de ideas que me llegaban y todo fue influenciado por escuchar todo tipo de música, sobre todo psicodelia y progresivo.’’

¿Qué artistas los han influenciado musicalmente? Tanto artistas de la vieja escuela (60s/70s) como más contemporáneos.

‘’Pues es muy curioso porque soy guitarrista gracias a Nirvana Kurt Cobain pero no hago nada parecido al crear música creo yo, pero en el momento que se hizo el proyecto y hasta el día de hoy de las más grandes influencias han sido The Mars Volta, Omar Rodriguez Lopez, y cosas de la vieja escuela como Mahavisnu Orchestra y más bandas muy under, también cosas más conocidas como Pink Floyd David gilmour, Santana.’’

¿Cómo, cuándo, dónde se originó la banda? ¿Sigue la banda funcionando actualmente? ¿Quiénes componen el grupo?

‘’La banda se originó en Ciudad de Mexico, Mexico en el año 2012 y seguimos actualmente activos, a mediados del 2025 se volvió a reactivar el proyectos después de varios años en pausa y con nuevos miembros e instrumentos, actualmente los integrantes son: Donald Alfredo Jimenez ( Guitarra ), Mauricio Garreta ( Bateria ), Julieta Brizuela ( Synths), Jose Garbuno ( Bajo ),  Yunue Itsi ( Violin ), y  Leonardo ( Saxofón).’’

Publicaron su disco en 2013. ¿Tienen planes de publicar algún otro material?

‘’Si, justo estamos trabajando en nueva música que esperamos salga a mediados del 2026.’’

¿Están en contacto con otras bandas del estilo en su país? ¿Cómo es la escena local por la que circulan?

‘’Si, siempre tuvimos en las etapas que estuvimos activos bandas locales con estilos parecidos con las que tuvimos oportunidad de compartir escenario en México hay bandas en el under con buenas propuestas

Es muy interesante y curioso que tenemos mucho fan en otros países como Chile, Argentina, que al parecer les encanta el proyecto, así como haberles impactado de alguna forma personal la música, eso es hermoso ya que la idea del proyecto es ese y llegar a muchos países, estamos muy agradecidos con la poca o mucha respetas que hemos tenido en estos años y pronto les daremos más música.’’

Cod: #1824

Electric Orange - Krautrock From Hell (2010)

El krautrock fue una fulguración rockera de la Alemania de post guerra, con cambios en el espíritu social y revoluciones creativas en lo artístico. Este estilo, que tanto se acercó a lo electrónico, marcó a fuego al rock europeo y ni hablar al rock alemán, sembró semillas para la creación de nuevos géneros, marcó tendencia en la época del comienzo de la música electrónica hacia principio de los 70s, y además impregnó con un aura cósmica a toda la psicodelia nacida en Europa desde allí en adelante. 

Tal vez sean estas últimas dos décadas una de las épocas más destacadas en cuanto a lo proliferación de bandas rockeras psicodélicas en Europa, cuando se ha visto el resurgir del estilo cósmico, con bandas modernas que han tomado el camino hacia la experimentación de sesión y la psicodelia, pero también han bebido del krautrock de antaño para enriquecer sus producciones artísticas.

El resultado de este reencuentro con la música de la vieja escuela se ve reflejado en toda la cosmovisión artística que cada banda del genero ha mantenido, apareciendo guiños, en forma de homenaje, en todo ámbito posible de sus producciones musicales, desde los nombres de sus bandas, sellos o discos, hasta por supuesto el reflejo ‘’kosmic’’ con el que cuentan sus producciones discográficas.

La psicodelia europea contemporánea, en buena medida su mayoría, parece haberse vuelto hacia la influencia del krautrock, tomando caminos de rock muchas veces caracterizados por los viajes espaciales instrumentales, tan característicos por sus extensas composiciones de sesión en la que pueden llegar a transitar por interminable cantidad de progresiones, nunca dejando lo electrónico como sello inequívoco que tiñe sus fronteras celestes.

Electric Orange ha sido participe de ese reverdecer de la cultura cósmica en Europa. El acercamiento de esta banda hacia el krautrock tiene lugar en terrenos más bien rockeros, tomando elementos de las facciones más duras del género, y no tanto de las facciones más étnicas o espaciales. Si algo de ritual se le puede llegar a encontrar a esta banda, esto surgiría de entre las extensas sesiones y lo hipnótico que de ello pueda resultar, y no tanto de, por ejemplo, la inclusión de instrumentos autóctonos. 

Esta banda alemana se caracteriza por un sonido propuesto en todos sus discos, un rock duro de sesión, con extensos atascos instrumentales y una vasta experiencia en la música instrumental que lo llevó a explorar estas zonas de manera dedicada. Su encuentro con lo electrónico tiene que ver con el rock, la mayoría de veces las sesiones de rock son las que se combinan con los agregados ambientales electrónicos.

El estilo recuerda mucho al krautrock, pero la banda parece haberse renovador hacia ritmos duros, y sesiones de un rock bastante duro también. Algunas de sus piezas tienen ese carácter de repetitivo en lo rítmico, que hace que los tracks de sus discos tengan esa preponderancia de rock. No es un sonido tan cancionero, sino más bien de sesión, por lo que sus discos son exploraciones instrumentales, muchos con pistas de larga duración, el viaje está asegurado bajo esta premisa.

La mayor parte del disco cuenta con ese carácter tan marcado en la percusión, haciendo una salvedad en ‘’Wurmloch’’, la última pieza del disco, ya sin patrones repetitivos, más bien en un ambiente que emula a las facciones más psicodélicas/ritualistas del krautrock. Esta pieza dura quince minutos de duración, un viaje puro y duro con tesoros escondidos, ambientes de misterio y experimentaciones de todo tipo. La pieza es un bálsamo con el cual concluye el disco, un sonido propicio para el viaje acido. 

‘’Krautrock From Hell’’ conmemora la influencia directa de donde la banda bebió su estilo, y es otro de los tantos lanzamientos de la banda, con un sinnúmero de discos dentro del rock psicodélico con pura influencia krautrock, que reflejan con insistencia el gusto por la experimentación, siendo artífices de innumerables zapadas instrumentales de rock.

Además de algunos coqueteos temporales con elementos house/techno, la banda ha mantenido firme la bandera del krautrock y el variado espectro de elementos que han sabido tomar de las distintas bandas históricas de antaño. La sesione instrumental, la electrónica, y la escuela rockera es lo que distingue en el estilo de la banda y la convierte en una facción destacada en la escena alemana de este género.

Cod: #1823

Kikagaku Moyo - Kikagaku Moyo (2013)

Este es otro elemento contemporáneo que supo beber de la fuente psicodélica de antaño para recrearla en estos últimos años, mientras el grupo permanecía en funcionamiento, tomando lo experimental y la acides de la psicodelia, lo místico de la música hindú, lo espacial del krautrock, las durezas del blues rock, las tonadas del folk, y demás elementos de la contracorriente del rock, entre vanguardias y experimentaciones varias.

Esta banda comenzó en las calles de Tokyo, hacia 2012, un grupo muy unido de cinco amigos, Go Kurosawa (batería, voz), Tomo Katsurada (guitarra, voz), Kotsuguy (bajo), Daoud Popal (guitarra), Ryu Kurosawa (sitar), en un ascenso progresivo que los llevaría a tocar en varios países y festivales del mundo.

El grupo es claro y no vacila en su estilo, ha tomado directamente de la fuente de la psicodelia y la han recreado al día de hoy con mucha exactitud, creando un estilo propio dentro del género, cosa que se ve reflejada en las primeras escuchas de su música, sus conciertos y ya desde su primer disco.

La presencia de un sitar en la formación y el don místico del grupo, dan cuenta de esa intención profunda que tienen acerca de la mirada espiritual volcada en la música, carácter que suele dotar a las producciones musicales de ese aire tan volátil. Esto se ve reforzado por la fascinación de la banda con la psicodelia, el rock ácido y el krautrock. Todo este encuentro de elementos no deja más que generar una música de rock puramente psicodelia.

Sus producciones musicales tienen buen gusto, son sofisticadas, nunca dejando la psicodelia de lado, pero utilizándola con mucho criterio, haciendo uso de las sesiones extensas con mucha ‘’prolijidad’’. Su esmerada producción volcada en la composición hace que muchas veces las composiciones se vuelvan complejas, con un aire progresivo aun dentro de lo psicodélico.

El disco ‘’Kikagaku Moyo’’ de 2013 es su primer lanzamiento, que ya anuncia desde sus primeros segundos la intención de todo lo que va a ocurrir, en un primer track con una introducción altamente psicodélica, con una guitarra acústica y ambientes de ensueño psicodélico que parecen salidos de grabaciones de más de cincuenta años atrás. 

El primer tema del álbum, “¿Can You Imagine Nothing?", fue escrito por la banda durante una noche, improvisando en un puente colgante en montañas remotas. A medida que la canción avanzaba, el puente comenzó a balancearse, haciendo que los miembros de la banda se sintieran, según cuenta en su sitio web, ''como si flotaran ingrávidos en el aire''.

Luego el disco permanece por la línea del rock con la banda completa, en composiciones ya de rock. La visión que maneja el grupo hace que la sofisticación, que muchas veces suelen manejar, se vuelva no solo hacia momentos complejos o cambios inesperados, sino que también hace de las texturas de cada parte un momento particular, pasando por partes espaciales tipo kosmic music, para entrar en otras donde se activan las distorsiones de la guitarra eléctrica, a otros momentos donde se vuelcan a la sesión, etc. Piezas como ‘’Tree Smoke’’ dan cuenta de ese estilo tan progresivo del grupo.

También hay piezas como ‘’Lady Stoned Monk’’ en las que directamente se vuelcan a momentos psicodélicos ambientales, ya sin rock sino volcados a la sesión psicodelia, en un lugar muy amplio con aire de ritual místico, entre las sutiles aplicaciones que cada músico vierte al momento.

El grupo fundó su propio sello, ‘’Guruguru Brain’’, para mostrar no solo su trabajo, sino también la escena musical, poco representada, del este asiático. Hasta la fecha, el sello ha publicado música de más de diez artistas diferentes junto con sus propios álbumes.

Su gusto por lo psicodélico se ve reflejado en toda su producción artística, desde su forma de vestir, hasta la portada de sus discos, la elección de los instrumentos, y por supuesto en su producción musical. Desde su sello discográfico también han impulsado la psicodelia, especialmente a proyectos provenientes del este asiáticos, apoyando a bandas de rock psicodélicas y otros emprendimientos experimentales.

En 2022 anunciaron su separación como banda, tras varios álbumes de estudio, sencillos y Ep, además de sus conciertos y presentaciones. Kikagaku Moyo, desde su comienzo, supo abrirse paso desde las calles de Tokyo hacia todo todo el mundo, llevando el sonido psicodélico a oídos de muchos, con un estilo que ha despertado la admiración y reconocimiento en muchas partes del mundo.

Cod: #1822

The Crazy World Of Arthur Brown - Strangelands (1988)

The Crazy World of Arthur Brown fue un elemento más de la música psicodélica que convulsionó la escena con sus delirios y locuras. El nombre sirvió como concepto, una plataforma bajo la cual su creador, Arthur Brown, reinaba como el dios del fuego y proclamaba sus creaciones musicales como discos que marcaron al rock de la época.

El primer y homónimo álbum de la banda, ‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’, apareció hacia 1968 y representó un hito del grupo y su creador, por su canción ‘’Fire’’ que fue un éxito comercial en muchas partes del mundo. Por otra parte, también el álbum representa uno de esos eslabones que parecieron hacia finales de los 60s, para impulsar la evolución de la música psicodélica hacia la música progresiva. Con este primer trabajo discográfico, la banda presentaba algunos cortes de canciones bien nutridas en la composición y muchos momentos memorables que ya anunciaban el potencial del artista y sus miras creativas.

Luego del éxito de su primer trabajo, Arthur Brown y la banda se encaminan hacia su siguiente lanzamiento, sostenidos por el espíritu de muchas bandas de rock de la época, que era el de evolucionar, experimentar y correr más allá los límites establecidos. El próximo emprendimiento discográfico del grupo sería el conocido como ‘’Strangelands’’, grabado alrededor de 1969 pero que no sería publicado recién hasta casi 20 años más tarde.

‘’Strangelands’’ representa un delirio de parangones mayores, un experimento en sí mismo ya que todo el disco se caracteriza por presentar una amplia gama de experimentaciones, siempre en terrenos del rock psicodélico y las vanguardias. Todo el trabajo es la puesta en marcha de una búsqueda sonora que avanzaba desde la canción para dirigirse hacia ese lugar tan común en la época, que era el de romper la canción, y explorar hacia el caos y la psicodelia.

Especial recomendación para los amantes de la experimentación de la época, ya que el disco expone muchos elementos comunes del momento. Todo el disco está interpretado por una banda que se niega a caer en ritmos cuadriculados, por lo tanto, toda la propuesta se expande, saliéndose de la canción predecible y virando hacia una libre ejecución de música rock, siendo todo el disco construido desde la sesión libre y sin estructuras.

En base a estos momentos de ‘’free rock’’ es donde todo brota, desde experimentaciones sonoras de estudio, delirios instrumentales de la banda, ambientes puramente psicodélicos, y otras experimentaciones como la de poner en reverso algunos instrumentos. Además de esto, aparece el mismísimo Arthur Brown cantando y muchas veces volando con sus recitaciones metafísicas durante todo el disco, en proclama de caos y en cuestionamiento de muchas instituciones comunes, son palabras siempre muy cargadas de simbolismo, potenciándose con el caos instrumental de la música.

Es un reflejo típico de la época, pero no hay tantos elementos tan rupturistas como este experimento por aquellos años, simplemente ellos tomaron todo lo que habían vendido en su primer disco, y lo destruyeron, yendo hacia la experimentación sin medir las consecuencias. 

El resultado fue un álbum tan experimental, que la discográfica simplemente se negó a publicarlo por aquel año de 1969. El trabajo quedó guardado durante muchos años, evitado por la falta de visión artística de cualquier sello. Finalmente fue rescatado y publicado en 1988.

Este tipo de rock psicodélico tan experimental, con posterior correspondencia hacia lo proto progresivo, es la corriente del rock que ayudó a la formación de la música fusión que tuvo su origen desde finales de los años 60s. El origen del jazz fusión, y todo ese rollo de una música que cada vez se complejizaba más, tuvo su origen en la fusión del jazz con el rock de la época, y el rock que había en esa época era puramente psicodélico, proto progresivo, experimental, vanguardista, con predominancia de atascos y extensas improvisaciones. 

Con el correr de los años, la música fusión fue volviéndose cada vez más sofisticada y virtuosa, pero no es de extrañar que los álbumes que dieron origen a este género fuesen tan vanguardistas y marcados por todos estos elementos. ‘’Emergency!’’ de 1969 por The Tony Williams Lifetime, o ‘’Bitches Brew’’ de 1970 por Miles Davis, son algunos de los ejemplos tempranos de esas fusiones elementales de donde se originó el jazz fusión, y son una señal de la influencia psicodélica que marcaba la música por esos años, en ámbitos de rock y jazz.

El legado de ‘’Strangelands’’ es ese reflejo, rechazado por algunos en años atrás, pero que logró sobrevivir como reflejo de una época marcada por una generación de músicos que, motivados por su espíritu inquieto, hicieron y deshicieron a su gusto y, sin saberlo, sentaron las bases para el florecimiento de las vanguardias en su encuentro con la ‘’música popular’’. 50 años después, luego de tanta música ocurrida en las escenas culturales, el mundo sigue no estando listo para este tipo de experimentaciones, pero el valor de esa época desafiante abrió caminos que muchos luego recorrerían.

Cod: #1821

Badge Époque Ensemble - Badge Époque Ensemble (2019)

Esta es una entretenida experiencia musical creada en base a la influencia de muchos elementos, tal vez los más representativos de la época de finales de los 60s y principio de los 70s, como lo son el rock psicodélico, jazz fusión y prog rock. Hay aquí una búsqueda que cuenta con una dosis orgánica muy fuerte, es ese aire de sesión que tiene todo y que da la sensación que el grupo se maneja en la música rock improvisada, con especialización en la sesión instrumental.

Otro elemento que deja el disco, es esta forma muy acertada desde los ritmos contundentes y el groove pesado, sensación que se enaltece con los agregados de percusión tipo Santana, los riffs de heavy blues que aparecen, y ese aire soul en la concepción de todo. El funk es otro elemento que desde la percusión aporta un groove contundente y suma a esa sensación tan cool que se construye en la sesión instrumental. Todo parece suceder desde una preponderancia rítmica, horizonte donde ocurren todos los eventos creativos del grupo, tanto es así que la presencia de congas y percusiones de tipo latinas se hace lugar en la mayor parte del sonido del disco.

Mucho de lo que ocurre aquí es instrumental y orgánico, hay muchos momentos con ese estigma, lo que termina de eclosionar en la pieza ‘’Undressed in Solitude’’, un track de casi once minutos de duración, donde la banda explota su gusto por la sesión rockera y la explota en una zapada con mucho groove y soul.

Es un disco de rock, rock pesado, pero no duro, rock construido primordialmente desde la instrumentación y el desarrollo desenvuelto en ideas progresivas. Blues, soul, funk, rock latino, y música fusión, todo ello está de alguna manera siempre presente aquí, en mayor o menor medida, aportando al estilo enriquecido de la banda.

Y por suerte, también esta ese elemento psicodélico apareciendo muchas veces, en el clima denso de sesión que tiene el sonido, con los que muchas veces entras en pasajes pesados que recuerdan a la música proto progresiva y aun psicodelia de antaño. Los sonidos densos de las guitarras y órganos, y los ambientes de sesión tan densos en lo que entran, no hacen más que acrecentar esa sensación de que lo psicodélico está muy presente.

Badge Époque Ensemble es un proyecto musical canadiense liderado por Max Turnbull. Son conocidos en parte gracias a su primer lanzamiento discográfico, el homónimo ‘’Badge Époque Ensemble’’, un trabajo nominado a premios, y que ha llamado la atención desde su lanzamiento en 2019.

La banda participante del mismo es una muy extensa, participando Jay Anderson en batería y percusión, Chris Bezant en guitarra eléctrica, Alia O’Brien en flauta, Ed Squires en congas y percusión, Giosue Rosati en bajo, Maximillian 'Twig' Turnbull en órganos, además de invitados especiales como Evan Cartwright en batería para el tema ‘’Undressed In Solitude’’, y James Baley en voces para el mismo tema. 

El sonido del disco nunca decae de su groove, la propuesta es siempre enaltecida por el condimento continuo que le aporta la banda, ese sabor tan enriquecido que manejan y que se manifiesta continuamente. ‘’Badge Époque Ensemble’’ fue grabado en vivo en Palace Sound Toronto, los días 18 y 19 de diciembre de 2017, y 2 de octubre de 2018.

Esta no es una banda cualquiera, su estilo es llamativo a primera escucha, reflejando la cantidad de influencias que enriquecen la experiencia total del sonido que proponen. Es esa fusión lo que le da el condimento tan vital a todas sus propuestas y le dota de esa distinción tan particular.

Desde 2019 hasta el 2023, la banda ha publicado varios trabajos discográficos, los cuales denotan que el grupo desde su surgimiento hasta ahora se ha mantenido fiel a su estilo musical tan característico y propio.

El sonido del grupo parece salido de otra época, con un clima sonoro que se diferencia de cualquier otra producción, y crea reminiscencias de escenas de rock de décadas atrás. Los ritmos deliciosos y ese valor orgánico tan suelto de la banda, dejan como resultado una experiencia con mucho sabor y mucha diversión. 

Cod: #1820

Vasconcelos Sentimento - Furto (2021)

La música no es solo para los críticos o para quienes la estudian formalmente. La música no es solo para los artistas premiados internacionalmente, ni para los tradicionalistas que resguardan con recelo una tradición musical. Hay en la historia de la música, desde siempre, ejemplos de personajes que se abrieron paso en este arte de manera autodidacta, siguiendo sus propias inquietudes, y aprendiendo de acuerdo a sus propias motivaciones, lo que generalmente deja como resultado a personajes que llegan a desarrollar una cosmovisión muy propia, y por ende también el resultado musical de su propio desarrollo llega a ser muy suyo y de nadie más.

La instrucción formal musical es muy necesaria, pero a veces aparecen personajes sin estudios cuya energía creativa es tan fuerte que terminan imponiéndose por sobre la realidad, terminando finalmente de dominar la música, bajo sus reglas, pero dominándola al fin. Ante la mirada ajena que muchas veces recalca que no es posible hacer música sin un estudio académico, estos personajes autodidactas no pueden permitirse una realidad sin la creación y la composición. Impulsados por su creatividad y armados con una cosmovisión interna muy profunda, terminan plasmando sus ardientes visiones artística en creaciones discográficas, o en su defecto, en proyectos musicales de variada índole.

El caso de Vasconcelos Sentimento es llamativo en ese terreno y es un ejemplo más de un músico que con sus propias visiones termina de crear su propio estilo. Vasconcelos Sentimento es el nombre artístico de Guilherme Esteves, un compositor, productor y multiinstrumentista autodidacta, residente en Río de Janeiro. Este artista había creado ya su música de manera propia en su home estudio, experimentado con texturas, armonía, jazz, funk, música mayormente instrumental, entre sampleos, breaks lo fi, y otros condimentos de su experimentación.

Guilherme se considera a sí mismo como un "investigador sonoro eufórico amateur", carece de formación formal en teoría musical o producción, y fue simplemente guiado por su oído y su intuición para crear su propio trabajo musical. Guilherme logra entrar en contacto con el sello discográfico Far Out Recordings, quienes quedaron facinados por su producción sonora y no dudaron el publicar su trabajo en su catálogo discográfico. El disco ‘’Furto’’ se publicaría en vinilo, CD y formato digital el 30 de julio de 2021 a través de Far Out Recordings.

‘’Furto’’ es un disco que resalta por su peculiaridad, se trata de un trabajo de jazz pero que a la vez está elaborado de manera muy casera, de hecho, fue creado en un estudio casero, permitiéndose el autor en experimentar con el sampleo y las sonoridades como forma de expresar sus propias inquietudes. La concepción de un jazz bastante experimental es también una característica aquí, con ambientes, sonoridades y algo de electrónica ambiental que hacen de esta experiencia una exploración por una variante peculiar del jazz más moderno.

Otra característica de este trabajo es que todos sus tracks no superan por mucho los dos minutos de extensión, se trata en su mayoría de piezas cortas, pequeños experimentos, pequeñas experimentaciones, elementos siempre presentados en experiencias de corta duración que hace del disco hacia una dinámica de extraña manufactura, estableciendo así un trabajo fragmentado en veintidós tracks, donde una enorme cantidad de pequeñas cosas ocurren para así construir una totalidad.

Ante tanta presencia de tracks, el trabajo se vuelve hacia una dinámica rápida y de un avanzar ligero. Las ideas se desarrollan en pequeños espacios de tiempo, enorme cantidad de pistas que, por su cantidad y su calibre experimental, llegan a presentar una enorme cantidad de momentos de variada índole, por lo que en este disco hay muchísimo por escuchar. La cantidad de piezas también nos presenta el hecho de que tal vez no haya algo más destacado que lo otro, sino que hay veintidós piezas de índole similar, en la que la riqueza se desparrama.

El disco en su totalidad es un experimento y vale la pena recalar en cada uno de los momentos del mismo. El autor también resalta como un muy buen músico de jazz, que, aunque experimente bastante con lo sonoro y el sampleo, también se hace presente con sus aplicaciones en lo que parecieran ser vientos, teclas, cantos y tal vez percusiones. Algunas baterías parecen hacer sido grabada, según los créditos, por un tal João Vitor "Passarinho" Fontoura. Toda la imaginería instrumental pasó por la mente y finalmente por la interpretación del autor en sus propias concepciones creativas. Mucha de la sustancia sonora del trabajo se sustenta con estas creaciones instrumentales, terminándose de construirse mediante instrumentaciones, sampleos, y experimentaciones sonoras.

La palabra ‘’furto’’ significa ‘’robo’’ en portugués, esto se relaciona con el hecho de que el autor utilizó mucho sampleo de músicas de otros artistas para crear su disco, e incluso también el autor no tiene reparos en admitir que él mismo considera plagio a esta técnica de utilizar fragmentos de otras músicas para crear la suya. Esto de los sampleo es una característica presente en el álbum y que en varios pasajes del mismo se puede escuchar desde voces hasta melodías ajenas, que fueron ‘’tomadas prestadas’’ para enriquecer la experiencia de este trabajo que en su conjunto forma un experimento, y como todo experimento, siempre es más complejo de abordar que un trabajo más convencional.

Cod: #1819

Psicomagia - Psicomagia (2013)

Este disco parece salido de otra época, parece provenir del estilo fusión inglés de principio de los setentas, o tranquilamente también podría provenir del krautrock alemán también de los setentas, las reminiscencias y analogías son muchas en este sonido, sin duda han bebido de esa fuente inagotable que es la música rock de aquella época dorada y la han reinventado con las visiones y tecnologías de esta época.

La semejanza con el krautrock tiene lugar cuando se aprecia que Psicomagia presenta atascos semi compuestos y con mucha improvisación, a lo que se le suma la electrónica, el jazz y la libre ejecución en la improvisación, es ese estilo de amplitud en las sesiones, con las líneas de viento que recuerdan a Xhol Caravan, o las bases rápidas y electrificadas que recuerdan a Embryo.

Mucho se dice que este disco trata de música progresiva, eso es real hasta cierto punto, ya que este disco presenta una música fusión que se sale de los cánones convencionales y muestra estructuras amplias y robustas, pero no se podría decir que esto es progresivo en el sentido de la complejidad que se suele presentar en la música progresiva de composiciones sofisticadas, con muchas partes distintas y cambios de ritmo constantes, más bien el estilo progresivo de Psicomagia es uno que se erige en base a la improvisación rockera sobre bases improvisadas que corresponden más a atascos de entre los que brotan algunos pasajes, agregados cambios y ritmos que aplican en velocidad, claramente inspirados por Soft Machine.

Psicomagia avanza con poderío y vertiginosidad, y es en esa andanada donde se construyen las piezas como atascos repletos de agregados electrónicos repartidos en forma de rápidas improvisaciones, las líneas de viento también hacen lo suyo y dejan su sello característico en el sonido. Toda la conjunción de la banda funciona convergiendo en una actuación rápida, ágil, vertiginosa, con poderío, volcándose los cuatro músicos en atascos semi prefijado sobre los que aplican un sinfín de improvisaciones de un goce jazz-rock destacable.

Hay una dosis de demarcada psicodelia que surge en el espíritu sonoro del disco, con algunos momentos de auras y aplicaciones volátiles, como por ejemplo en el comienzo del disco, al principio del primer track, ‘’El Memorioso’’, con unas flautas delirantes y ambientes de ensueño, que luego termino volcándose en la formula básica aplicada por la banda en este disco, atascos jazz rock con agregados de viento. Esa sensación psicodelia también puede sentirse en pleno vuelo de la banda, cuando están sumergidos en atascos interminables, con algunos efectos de sonidos reverberantes y ambientes de delirio general.

Pareciera que ellos han tomado muchas referencias de la era psicodélica y especialmente de los sonidos fusión temprano, como ser Soft Machine u otras bandas de sonido Canterbury. Han bebido además de bandas progresivas como ELP. El resultante de estas visiones, sumadas a sus bastas experiencias el músicas rock alternativas contemporáneas, da como resultado un sonido que converge entre el ayer y el hoy, con fragmentos tomados directamente de otras épocas para traerlos al hoy y convertirlo en un estilo actual y totalmente único. Inicialmente, Psicomagia comenzó con solo Paul Marrone y Tyler Daughn tocando juntos. Ambos compartieron el amor por The Soft Machine, ELP y similares, y rápidamente se llevaron bien.

El multiinstrumentista Brian Ellis provenía de la banda Astra, el bajista Trevor Mast del grupo de psyck rock Joy, y el baterista Paul Marrone de Radio Moscú, así es como Psicomagia es un vergel de experiencias diversas que combinaron en tiempo y espacio y coagularon en una misma expresión, impulsados por los mismo ideales artísticos y creando con ellos su propio sonido. Sumarle a esto la participación poética de Bernardo Nunez quien aporta su voz desparramando por aquí y allá algunas palabras que enaltecen el aura mística del sonido.

La banda se forma en San Diego, California. Para esta presentación forma con Tyler Daughn en órgano y sintetizador, Brian Ellis saxo tenor, Paul Marrone en batería y Trevor Mast en bajo.  Lanzaron su debut auto-titulado en el sello El Paraiso en el otoño de 2013, masterizado por Dane y su colega conocedor de la psicodelia Jonas Munk de Causa Sui. El nombre de la banda en sí, PSICOMAGIA, proviene del director de culto chileno-francés Alejandro Jodorowsky, quien creó una psicoterapia totalmente sensible y con carga esotérica en torno a los sueños, el teatro, la poesía y el chamanismo.

Cod: #1818

Elephant9 - Walk The Nile (2010)

El fenómeno progresivo ha dejado una huella imborrable en el rock y sus distintas manifestaciones, y ya no solo quedan los sobrevivientes de las epopeyas progresivas de antaño, sino que siguen apareciendo elementos muy fructíferos dentro de esos canales de concepción de la música pesada, compleja y fusionada. Europa nunca dejará de ser un faro en cuanto a la generación de proyectos musicales de esta índole. Elephant9, proveniente de Noruega, es otro de estos tantos ejemplos contemporáneos europeos que vienen haciendo ruido hace años y han dejado en estas últimas décadas muchos lanzamientos muy interesantes.

Elephant9 es un trio poderoso, un power trio, pero con carácter progresivo, que se maneja en el espacio tanto como en la progresión, y goza de una rudeza fácilmente detectable. Todos sus emprendimientos discográficos, tanto como sus presentaciones, cuentan con esa cuota de música organiza, ejecutada desde la sesión rockera fusión, cual atasco, que se va desarrollando y desde el cual van surgiendo las distintas progresiones y partes.

Otro elemento común de la banda es el uso de climas, o momentos ambientales, momentos en los que bajan de ese poderío y se sumergen hacia espacios amplios que contrastan con la rudeza. Muchas veces estos ambientes son construidos de manera inmersiva y son utilizados como forma de introducción, intermedio, o cualquier otra sub-parte que pueda llegar a ser requerida en las composiciones.

El mérito de Elephant9 es doble en su lugar, primero logrando llamar la atención al crear un sonido que mantiene vivo el espíritu progresivo/fusión de hace cincuenta años atrás, pero a la vez han logrado crear con estos condimentos un sonido que no es una copia fiel de nada, siempre reorganizándose en experimentos de índole propia, música instrumental progresiva y experimental.

Se trata de experimentos que evidentemente están influenciados por el estilo progresivo, y que además cuentan con un carácter de fusión marcado. También hay, en la sonoridad y los lugares por los que pasan, algunas visiones a construcciones de ambientes con acercamiento a lo psicodélico. Eso psicodélico de su sonido es una constante en su estilo, y es otro de los elementos que danzan en ese desfile de inventos que proponen en cada uno de sus discos.

‘’Walk The Nile’’ de 2010, es otro de sus varios lanzamientos, el segundo de su lista, otra publicación para seguir reafirmando sus visiones propias, siempre dentro de ese espectro de búsqueda musical que tienden a la evolución y al transcurrir por sucesos y diversos experimentos instrumentales.

La predominancia de teclas, en el sonido de esta banda, teje directas reminiscencias a sonidos plasmados en experiencias anteriores, especialmente a bandas progresivas de principio de la década de los 70s. La sonoridad del tecladista, en su uso con el órgano Hammond, es muy evocativa a epopeyas progresivas anteriores. Ejemplos sobran, algunos proyectos vanguardistas progresivos como los alemanes de Brainstorm, los suecos de Hansson & Karlsson, tal vez similitudes de The Tony Williams Lifetime, y a otros proyectos similares que rondaban entre el progresivo y fusión temprano, sin dejar de lado la oscuridad, experimentación y aun los resabios de la psicodelia.

También pareciera que Elepahnt9 perteneciera a la escuela de jazz vanguardista Noruega, sus contactos con esta se reflejaron en el último disco que la banda publicó, ‘’Catching Fire’’ de 2024, junto al guitarrista Noruego Terje Rypdal. Rypdal, junto a otros pioneros como Jan Garbarek o Jon Christensen, serian algunos de los primeros nombres que surgirían de la escena jazzera más vanguardista de Noruega, siempre con estilos oscuro, yendo hacia lo experimental y la vanguardia casi radicalizada. El encuentro entre Elephant9 y Terje Rypdal es un suceso notable. 

Por otra parte, Elepahnt9 no se reclama en el fusión de manera purista. Estos van más allá, sus propuestas combinan fusión, progresivo, y psicodelia, pero muy a la manera en que ellos se les ocurre, sin representar un género en particular predilección. Claramente entran en el mundo progresivo general, pero lo hacen creando sus propias leyes musicales y siempre fieles a su propio estilo, el mismo que vienen manteniendo desde su primer lanzamiento discográfico. He aquí el lugar difícil que puede significar el acercarse al público más convencional a este tipo de bandas ya sublimadas en estilos bastante oscuros, y que muchas veces no tienen una letra o melodía clara que ofrecer.

La discografía de Elephant9 está compuesta por varios discos, y cada uno de ellos es un reflejo de la búsqueda del grupo, siempre instrumental, experimental, cerca de lo psicodélico, jugando en preponderancia con los climas, progresiones, y con sus propias visiones y ritmos. Todo lo que proponen son experimentos, de alto goce progresivo para quienes amen este tipo de inventos. A veces como trio, a veces también asociados a algún guitarrista, pero siempre con un estilo propio, oscuro y psicodélico.

Cod: #1817