28 mar 2022

SBB - SBB (1974)


Este emprendimiento ofrece una dosis bastante alocada de un estilo progresivo, un disco grabado en vivo, con el rigor del vivo, el público enloquecido tras cada ejecución, y las ejecuciones mismas que van de entre atascos duros de rock que a su vez se convierten en progresivos en la medida que los mismos avanzan y transitan por distintas sutiles partes entre solos y algunos arreglos.

El acercamiento al estilo progresivo es todavía orgánico y prototípico para lo que serían los futuros lanzamiento de la banda mucho más sofisticados, pero de un comienzo ya saben marcar el rumbo y la identidad que los definiría como banda: la música instrumental, arreglos sofisticados, piezas extensas y creaciones ambiciosas, propia de una banda de excelsos ejecutantes. El disco funciona como un pastiche donde se unen muchas partes en un solo caldo de cultivo ecléctico y versátil, puede que la cohesión no sea del todo llamativa pero la realidad es que cada intervención de la banda es muy interesante y esto hace que el todo se suceda de forma entretenida.

En reediciones posteriores este disco fue dividido en varias partes de acuerdo a las piezas ejecutadas en el vivo, pero lo cierto es que el vinilo original venía con una pieza entera de alrededor de veinte minutos a cada lado del vinilo, sino cortes, con la grabación continua del momento.

El lado A comienza con un blues, un sonido ingenioso y sorpresivo que marca una sorpresa por la calidad del sonido blusero y el feeling que se logra, y también refleja la influencia de la que la banda supo beber, porque el blues también fue otro ingrediente en el caldo de cultivo progresivo de la década del 70. Ese mismo lado sigue con un atasco que se sucede entre arreglos distintos arreglos e intensidades dominadas específicamente por una guitarra eléctrica, comenzando por un momento más calmo y pasando por distintas partes, llegando a alcanzar momentos bastante ajetreados con mucha distorsión y ruido.

Ya por su parte, el lado B del vinilo comienza siguiendo por la línea trazada por la guitarra y las distintas ocurrencias que la misma puede ofrecer, obscureciéndose aún más y alcanzando momentos algo experimentales y hasta psicodélicos con distorsiones y acoples arrancadas del ampli y los pedales. A esto se le sucede una intervención de piano a la que inmediatamente se le suma la banda completa, para comenzar a construir una balada que se extiende hasta la mitad del track. El resto de la pieza se completa con una intervención progresiva con intervención de sintetizadores y buenos atascos instrumentes. El disco fue un gran éxito en Polonia y pronto se agotó.

Esta es una banda clásica e importante en su Polonia natal, importante en el progresivo de la época en Europa, además de ser una banda con cierta consideración en círculos progresivos universales, aunque bien podría tener una mejor reputación, sus discos lo ameritan. Sus influencias para este primer disco parecer ir por entre el jazz fusión, el blues, y el rock progresivos de bandas como Pink Floyd o Emerson, Lake & Palmer.

La banda fue formada por el compositor, tecladista, bajista y extrovertido vocalista Józef Skrzek, al que se le sumaron el joven pero hábil guitarrista Antymos Apostolis, y el extraordinario baterista Jerzy Piotrowski. El origen del grupo tuvo lugar como una banda soporte para acompañar al mitico músico

A finales del 1971, después de un año lleno de conciertos, la banda inició una fructífera cooperación con uno de los músicos y compositores polacos más importantes: Czeslaw Niemen. Durante un año y medio, la banda ‘’Niemen’’ estuvo de gira en Polonia, así como en Europa. Durante este período, SBB & NIEMEN grabaron tres discos progresivos aclamados por la crítica: "Marionetki" de 1972, "Strange is This World" de 1972, y "Ode to Venus" de 1973.

Cod: #1649

27 mar 2022

Alas - Pinta Tu Aldea (1983)

La lucha mantenida por Piazzola contra los tradicionalistas en el tango, de alguna manera fue reeditada por Alas en el rock. Moretto decía al respecto: "Ya no basta cantar en castellano, tenemos que asumir lo que nos rodea, Buenos Aires". Fue así que el trio Alas, pioneros de la música progresiva argentina, asumió un rol de vanguardia, innovación, buscando influencias tanto en las fuentes progresiva/sinfónicas que sonaban en el panorama mundial tanto como en las raíces de la música folklórica y el tango argentinos. Algunos de sus referentes eran personajes efervescentes de la música prog y fusión mundial de aquella época, desde Yes, Genesis, o los mismísimos ELP que parecen haberlos influenciado directamente, pasando por vanguardistas como Frank Zappa o Robert Fripp, hasta llegar al jazz de nombres de Miroslav Vitous, Ron Carter, Freddy Hubbard o John Coltrane, o músicos locales como Domingo Cura o Ariel Ramírez, hasta pasar por nombres clásicos como Berlioz, Debussy o Bach.

Otra de sus grandes influencias locales fue el mismísimo Astor Piazzolla, quien los había apadrinado artísticamente entusiasmado por la innovación que la banda mostraba y al sentir que sus esfuerzos y visiones se estaban ramificando en la música joven de la época, el rock. Piazzolla diría al respecto: ‘’Los nuevos conjuntos rock, que es mi sueño ver gente joven que sigue mí camino musical, y ver que los jóvenes como Alas, Crucis, Spinetta, Charly García, toda esa gente que yo amo, yo amo más a esa gente que a la gente de tango, no sé si es una barbaridad lo que voy a decir pero los amo porque son jóvenes con inquietudes. Yo no conozco ningún joven de dieciocho, diecinueve años, que se ponga a estudiar el piano, o el violín o la flauta, o el bandoneón, para tocar tangos. Ahora está ocurriendo un fenómeno muy especial, estamos a catorce de diciembre de 1976, va a ocurrir el mismo fenómeno que ocurrió con los Beatles de los 60, están haciendo una nueva música de Buenos Aires, y a estos chicos hay que apoyarlos porque ellos son los únicos que pueden salvar nuestra música de que desaparezca.’’

Los orígenes del grupo tienen lugar en su compositor líder, Gustavo Moretto, quien había estudiado música, armonía, composición, etc., con instrumentos como trompeta y además del piano que lo tocaba desde los ocho años. Tras su paso por los Estados Unidos, regresa y forma primeramente parte del grupo Alma y Vida (formado entre otros por Bernardo Baraj y Juan Barrueco). Sería trompetista de esa banda hasta fines de 1974. En el último concierto en el que tomó parte con el grupo, tocó por primera vez los teclados en público. Después de ese recital, en donde se presentó una obra basada en una idea suya, Moretto abandonó el grupo. Casi inmediatamente se puso en contacto con un amigo suyo, recién llegado de Estados Unidos, el bajista Alex Zuker. Luego de congeniar y encontrar la afinidad mutua que los musicos estaban buscando en los ensayos, el grupo comienza a tomar vida, el cual se completaría como un trio con la incorporación del baterista Carlos Riganti que hacía un año había dejado a Materia Gris. Inmediatamente comenzaron a ensayar, y a reequiparse. Los ensayos duraron seis meses y a fines de marzo hicieron su debut.

‘’Pinta Tu Aldea’’ es el segundo disco de la banda, formada en aquel entonces por Gustavo Moretto en teclados, Carlos Riganti en batería, y Pedro Aznar en bajo y guitarra en reemplazo del ex miembro Alex Zucker. Grabado en 1977, el álbum recién salió a la venta en 1983, cuando la banda llevaba ya cinco años separada. El grupo para este segundo lanzamiento marca una diferencia de lo que era el primer disco que habían publicado, habiendo consistido en dos extensas suites que marcaban una cada lado del vinilo original. Para su segundo disco, y con la incorporación ya de Pedro Aznar, el grupo recobra un mayor dinamismo y las fusiones tomar un cariz más profundo, acercando mucho más a la fusión del tango, con el rock y el estilo progresivo, en piezas que encuentran su ser en la búsqueda sonora, la sofisticación como influencia de la mirada de la música progresiva de la época.

Aunque, pese a sus tantas influencias, al parecer hay dos de ellas que predominan fundamentalmente: la de Emerson, Lake And Palmer que se ve reflejada en los estridentes arreglos de teclado, las búsquedas progresivo sinfónicas y la suma de complejidades en el continuo del tiempo y el espacio, y por otro lado la influencia de Astor Piazzolla, que se ve reflejada no solo en la incorporación de bandoneones sino en el estilo de influencia y fusión con un tango ‘’progresivo’’ que se suma a las composiciones totales del grupo y acrecienta aún más el aire progresivo y sofisticado, la búsqueda de la complejidad, influencia en la que pareciera que la banda hubiera encontrado esa identidad que marca y refuerza el rumbo artístico y espiritual, estableciéndose además como una influencia local que marca el rumbo hacia sonidos locales y a la vez funciona como un catalizador para diferenciarse de la marcada influencia de Emerson, Lake And Palmer, generando así, con este cumulo de influencia, un sonido auténticamente propio.

Un sonido único en esa fusión entre atascos progresivos que funcionan como vertiente donde todo el dinamismo e invento de la banda se manifiesta, demostrando un poder creativo sin igual entre sus coterráneos, donde aparecen también las trazas del bandoneón, el ‘’new tango’’, la nueva música de Buenos Aires marcando la influencia y creando el clima perfecto al sumarse al repertorio del sonido del grupo. Las piezas son realmente sofisticadas, avanzadas de rock de punta que se enrollan en partes frenéticas donde todo es posible, pero también el grupo maneja las intensidades y a menudo las piezas bajan su poderío y se vuelcan a momentos más calmos cuando menos se los espera, se trata de una música con una identidad que se ha salido del tradicionalismo, se ha salido de los estándares, para ser lo que ella misma pretende ser. E incluso, en la cara segunda del disco, las dos piezas que aparecen parecieran sumergirse aún más en la esencia del grupo, saliéndose de la influencia clásica progresiva para confeccionar un sonido que no responde a ninguna otra cosa en su época. En ‘’La Casa del Mosquito’’ la banda suena a ella misma, una pieza notablemente virtuosa que incluso se sale de la influencia típica del progresivo, para construir un paisaje entre armonías y ejecuciones rápidas. Lo mismo ocurre en ‘’Silencio de Aguas Profundas’’, un sonido sin percusiones donde el grupo ejecuta sus propias invenciones. Es música virtuosa, música de Buenos Aires, música de un caudal propio. 

Cod: #1648

25 mar 2022

Continuum - Continuum (1970)

Este es un disco único en su tipo, se trata de una fusión de música académica con estilos occidentales como el jazz, en lo que parecieran ser estudios de música clásica en piezas para guitarra clásica lo cual termina, insólitamente, fusionándose, de manera hibrida, con momentos de jazz o blues, una combinación para nada fácil de componer y fusionar, acercando dos mundos que aunque sí se encontraron en el progresivo de la época, no lo hicieron desde formas tan puras sino desde fusiones experimentales, y aunque este disco sí sea también experimental desde el costado de la fusión, es sorprendente el encuentro entre momentos clásicos en guitarra criolla con momentos de jazz donde las bases de baterías se vuelven más sutiles y aparecen un contrabajo y algunos solos flotando por encima del sonido.

Una amalgama fina, delicada, parecen estudios contemporáneos de música moderna y académica, sonidos que desde ya generalmente no son ni serían avalados en conservatorios, especialmente desde los sectores académicos más conservadores y puristas, por lo que proyectos de este carácter se vuelven a tendencias privadas y músicos con visiones que trascienden los motes instalados por las distintas instituciones musicales y sus correspondientes estatutos morales.

Cualquier guitarrista podría apreciar mejor el valor de esta música, especialmente en los momentos en los que el sonido transcurre por las partes clásica en guitarra, las ejecuciones no son para nada sencillas ni básicas, lo cual tampoco deja de ser una limitación para los ejecutantes, ya que aquí hay fusiones hasta con blues. Véase la pieza ‘’Allemande & Blues’’, que comienza con una intrincada ejecución en guitarra clásica para terminar volcándose en una sencilla pero no de menor valor base blusera, un tipo de fusión pocas veces escuchada en el mundo progresivo de la época.

Es el encuentro del mundo clásico con el mundo del rock de la época y todas sus vertientes desde jazz, blues y soul, siendo todas las piezas ejecutadas por una guitarra clásica y que muchas veces comienzan estas mismas con fragmentos de allegros y otros estándares clásicos tocados de piezas original de los compositores Bach y Handel, aunque esto pareciera ser una excusa, una alegre anécdota, una ingeniosa fusión, para recaer en los sonidos del rock, un rock abordado desde el mundo clásico.

La cara uno del álbum consta de cuatro improvisaciones sobre música de Bach y Handel orientadas al blues y jazz. Mientras que, por su parte, el lado dos es una suite lateral extensa dividida en cuatro partes compuesta por Richard Hartley, que no era miembro de la banda, y basada en la obra poética de Lord Byron. En la segunda parte la cosa se pone, por momentos, un poco más abstracta, alcanzando en un par de track momentos de desconcierto en los que la banda pareciera sumergirse aún más en la fusión y la experimentación, saliéndose de los sonidos más ‘’clásicos’’.

El álbum fue lanzado gracias a un contrato con RCA que firmó Yoel Schwarcz (no Continuum) y Continuum lanzó su primer álbum homónimo en 1970. Continuum lanzó un segundo disco en 1971 pero nada de lo que ocurriría en el primer disco dejaría una pista de las experimentaciones que alcanzarían para su segunda presentación. Tal vez algunas pistas experimentales del primer disco, como ‘’Revelate’’ o ‘’Apodosis’’, dan algunas pistas del rumbo al que se dirigiría la banda, el rumbo de la experimentación y la música sinfónica con acercamiento al vanguardismo, los sonidos extensos y de sesión, las suites y el acercamiento al rock sinfónico. Para su segundo lanzamiento, "Autumn Grass", de 1971, la banda rompe con las piezas cortas del primer disco y presenta piezas preferentemente extensas donde experimenta con fusiones sinfónicas y música clásica.

Continuum fue concebido en Holanda por el multiinstrumentista húngaro Yoel Schwarcz en 1967. Después de mudarse al Reino Unido, se unió con el pianista Tim Rice, el bajista Peter Billam y el baterista Harvey Troupe, grupo que desarrolló un tipo único de música fusión que unía culturas de orígenes diversos y las incluía en una sola cosa fusión. Aunque el proyecto se formalizó en el marco de una banda, Schwarcz era el líder nato y la música era la criatura bastarda de sus visiones y ocurrencias.

La banda continuó de gira después del lanzamiento de "Autumn Grass", pero surgieron las omnipresentes diferencias musicales y el fundador Schwarcz decidió que era hora de seguir adelante. Los miembros restantes mantuvieron a la banda en funcionamiento durante unos meses más, pero cuando quedó claro que sus esfuerzos eran inútiles, se disolvieron. Yoel Schwarcz se convirtió en músico de sesión e ingeniero de sonido, y estuvo de gira con Henry Cow, entre otros. Ha vivido y trabajado en Francia y el Reino Unido estando involucrado en una amplia gama de proyectos relacionados con el sonido. Se retiró de ese trabajo a principios de 2006 y compró una pequeña granja en el valle del Loira, donde sigue activo en los campos de la música y el arte.

Cod: #1647

20 mar 2022

Emerson, Lake & Palmer - Emerson, Lake & Palmer (1970)

Este sonido es toda una rama y una insignia distintiva dentro del prog inglés y dentro del prog universal, estando sus discos en las bateas de todas las disquerías que se jacten de saber de prog y multiplicándose sus publicaciones a lo largo de muchas ediciones de sus tantos discos publicados, muchos de ellos elementales para el desarrollo de la música rock progresiva. Aunque Emerson, Lake & Palmer no es fácil de escuchar, especialmente para quienes sean ajenos del prog. Sus composiciones, que son todas construcciones sonoras erguidas en base a progresiones académicas en Hammond y Moog, no son para cualquiera y por ende estos sonidos no se han logrado ubicar en el imaginario popular común tanto como otras bandas ‘’prog’’ de mejor acceso para las masas como Pink Floyd.

Emerson, Lake & Palmer toma su ser de la fusión de la música clásica con el rock, trayendo desde su compositor líder, el pianista Keith Emerson, todo un repertorio técnico de formación académica, nociones marcadas de jazz, vanguardismos, experimentaciones y armonías, para construir así una identidad propia y única, un sello distintivo que durante los año se ha mantenido en pie y sigue dando influencia y referencia en el género, un estilo y un sonido ineludible y universal.

Keith Emerson, como miembro fundador del grupo, impuso no todo su repertorio técnico y sus ocurrencia como adaptaciones de músicas clásicas y tradiciones al rock, sino que trajo, de su anterior experiencia con The Nice, todo un repertorio casi teatral con los que desarrollaba todo un acting de locuras y delirios en los conciertos en vivo, como clavar cuchillos en su órgano Hammond, tirarse al piso o saltar sobre su Hammond y tirárselo encima, para seguir así tocando sin dificultad alguna. Emerson venía desarrollando estas locuras con The Nice, su anterior banda, formada en 1967 y de influencia marcada también por la música clásica y las fusiones con rock, aunque también marcados por la influencia de la psicodelia del momento. 

Según el mismo Keith Emerson, esos frenetismos en los vivos fueron inspirados por su confeso ídolo Jimi Hendrix, quien evidentemente hacia usos de despliegues muy particulares en sus presentaciones, y por influencia de otro personaje, ya no tan conocido, apodado ‘’Don Shinn’’, quien propuso en la misma época algunos sonidos similares a los de The Nice, fusionando melodías clásicas a sonidos de rock impulsados teclados hammond, Emerson tomaría mucho de allí para inspirarse en sus sonido. 

Emerson declararía lo siguiente sobre estos asuntos: ‘’Don Shinn era un hombre de aspecto extraño, muy extraño. Tenía una gorra de colegial, gafas redondas ... Acababa de pasar por el Marquee cuando lo vi tocar ... El público era pura histérica .... Y me dije: '¿Quién es este tipo?' Había estado bebiendo whisky de una cucharilla y todo tipo de cosas ridículas. Tocó un arreglo del Concierto de Grieg, el Brandenburg y todo. Y realmente me inspiro... toco realmente bien y consiguió un sonido fantástico de la L-100. Luego se sacó un destornillador y comenzó a hacer ajustes mientras tocaba. Todo el mundo se moría de la risa. Lo vi y me dije: ''Espera un minuto! Ese tipo tiene algo ". Supongo que ver a Don Shinn hizo darme cuenta de lo que me gustaría hacer en escena. Él y Hendrix fueron las principales influencias sobre la forma en que desarrollé la puesta en escena en mi conciertos…".

En 1969, el Fillmore West fue la meca hippie de San Francisco, por donde pasaba la crema de la escena de la costa oeste, pero también la meca para visitantes británicos. El 12 de diciembre de ese año la banda inglesa The Nice, liderada por el tacladista estrella Keith Emerson, se presentó en el Fillmore West para el final de su gira por los Estados Unidos. Dos días después, el bajista y cantante Greg Lake estaba en el Fillmore junto a King Crimson, ambas bandas pioneras en la fusión del rock, jazz y música clásica. Para ese entonces ambos musicos ya eran reconocidos y destacaban por sus hazañas cada uno es sus respectivas bandas, pero tras bambalinas ambos ya estaban proyectando sus visiones en un proyecto venidero.

Tras su encuentro, ambos músicos congeniaron a la perfección y seis meses de la partida de sus respectivas bandas estaban ya en un proyecto propio, en busca además de un baterista que completara el trio de brillantes. El primero en ser sondeado por Mitch Mitchell de la Jimi Hendrix Experience, pero pronto empezó a sonar más fuertemente el nombre del Carl Palmer. Palmer venia de pasar por bandas como la Crazy World of Arthur Brown, y en ese momento estaba por terminar su paso por Atomic Rooster, grupo con el que tuvo un comienzo problemático pero del que no se quería ir tan rápidamente. Palmer Inicialmente se mostró reacio a renunciar. “No me uní a ELP de inmediato”, dijo. Finalmente, y gracias a la ayuda de su manager, logra salir de Atomic Rooster para unirse al trio de leyendas que pasaría a llamarse Emerson, Lake And Palmer.

La banda se fusionó durante los ensayos en el salón de una iglesia del oeste de Londres, antes de hacer su debut en el Guildhall de Plymouth el 23 de agosto de 1970, un calentamiento para una actuación grandiosa en la Isla Of Wight Festival seis días después. Mientras tanto, el trío había comenzado a trabajar en London's Advision Studios en su álbum debut, con Lake produciendo y la ingeniería de Eddie Offord, lanzado finalmente en Noviembre de 1970, bajo el nombre homónimo de ‘’Emerson, Lake And Palmer’’.

Los tres músicos del trio estaban a la misma altura y su primer disco fue una muestra de ello, repartiéndose las autorías del material publicado en el mismo. Este primer trabajo sería una de las mecas iniciáticas del progresivo, un trabajo temprano que marcó tendencia e influencia, aunque a menudo no se lo recuerda entre sus fans como su trabajo más destacado. El trio todavía ligado de alguna manera a los sonidos de la psicodélica, aplica por momentos distorsiones a los teclados y al bajo, alcanzando un sonido a veces sucio y ruidoso, estilo que congenia a la perfección con el virtuosismo de los ejecutantes, que se plasman en atascos y composiciones más que sofisticadas y de diversa manufactura progresiva.

Es un trabajo progresivo fino, con composiciones muy sofisticadas y ejecuciones que funcionan a la perfección las unas con las otras, generando un climax muy particular. La influencia del rock marca obviamente también a estas piezas, apareciendo algunos riffs, partes cantadas y estribillos, aunque estos se ven enriquecidos por las sofisticaciones aplicadas desde el tecladista Emerson que es también un pianista de concierto por momentos, Lake no solo un gran bajista sino también gran guitarrista aunque incluso en su rol de cantante sea como se destaque más en el disco, con su voz pristina y perfecta, y Palmer no queda atrás, siendo un percusionista completo y tan versátil para encontrar a las partes intrincadas y sinfónicas el golpe justo y perfecto a cada momento.

Una pieza destacada del disco es la extensa ‘’Take a Pebble’’, que cuenta con una forma heredada del hipismo y el rock psicodélico, el cual acostumbraba, por ejemplo Hendrix en sus presentaciones en vivo, a tocar canciones en su formato normal pero estirando el solo de guitarra para que funcionara en una extensa sesión de improvisaciones, una autentica zapada. ELP hace algo parecido en este tema, tocando una canción relativamente convencional, aunque al momento del solo estiran la cosa con una serie de tres secciones entre partes con piano, partes acústicas y más partes con teclas y atascos de la banda. La fusión es fina, compleja, la banda congenia a la perfección tocando cosas muy complejas con una soltura envidiable.

Estos eran los nuevos sonidos propuestos por las bandas de la época que comenzaban a despegarse del rock clásico y cada una presentaba su propia versión de esta nueva música creada a fundamente de fusiones y experimentos y que no puede ser ejecutada fácilmente por cualquier músico, ya que los creadores de estos discos generalmente eran virtuosos o talentosos creadores que ofrecían sonidos nunca antes oídos y ejecuciones propias de prodigios. El rock se había vuelto sofisticado, había recobrado un significado artístico muy profundo y de ellos surgieron prodigios artísticos como este.

Cod: #1646

17 mar 2022

Jukka Hauru - Information (1972)

Este es un guitarrista que en su momento supo experimentar con la vanguardia al estilo Frank Zappa, combinando rock, jazz, elementos académicos, elementos bizarros y humorísticos, y experimentos varios, además de su particular ejecución solista de la guitarra manifestada en solos, improvisaciones y diversos arreglos e inventos eléctricos, un buscador de los sonidos setenteros que dejó una huella en su país como un gran músico, aunque poco se lo conoce en realidad.

Aquí hay elementos progresivos, elementos de fusión, vanguardismos y aplicaciones académicas desde composiciones de extraña manufactura, con esa influencia de Zappa de combinar momentos de vanguardia progresiva con momentos de épicos solos de guitarra, aunque también pareciera haber influencia de Jimi Hendrix en la ejecución solista del líder, pero también hay vanguardismos e influencia desde el jazz y tal vez free jazz. Una buena amalgama de sabores se confabulan en una misma cosa.

También hay mucho de jazz fusión clásico, algo descocido, pero dentro del estilo reconocible, sumando algunos instrumentos como instrumentos de viento o violín, volcándose todos al unísono en zapadas jazz rockeras puras de delirio, distorsiones y fusión. 

Hay momentos infernales en este disco, como algunos experimentos varios, de índole desconocida, con fusión con elementos académicos, o algunas piestas que constan básicamente en atascos rabioso en jazz rock como en pistas como ‘’No More Blues’’ o ‘’Splitting’’.

El guitarrista no deja de demostrar la influencia que Frank Zappa ha dejado en su estilo, básicamente todo el disco está consignado por esa estela decadente de humor bizarro y composiciones académicamente extrañas, típico del buen Zappa y que en esta ocasión Hauru replicó, revivió y utilizó como fuente y dador de energía para recrearlas a su estilo en su propia música y discos.


Jukka Hauru es una figura olvidada proveniente del rock finlandés de la era progresiva de los 70, nacido como Jukka Hauru Tapani el 13 de abril de 1950 en Oulu, Finlandia. Hauru estudió en el Conservatorio de Música de Helsinki en la primera mitad de la década de los 70 y trabajó como guitarrista y compositor independiente entre 1968-1980. Como guitarrista y músico fue miembro de las bandas ‘’Jussi and The Boys’’ entre 1969-1971, ‘’Tasavallan Presidentti’’ entre 1972-1974 y entre 1975-1977 en ‘’Kom-teatteri’’, entre otras.

Hauru además de guitarristas, es productor y periodista musical, crítico para algunas revistas locales de su país, para el periódico Helsingin Sanomat, y para revistas comerciales de la industria de la música. También escribe columnas bajo el pseudónimo de Leka.

Hauru, con el paso de los años, se dedicó a otras cosas más allá de la creación musical, pero dejó álbumes en solitario bajo su nombre que marcan un legado para el rock finlandés, ‘’Information’’ de 1972 y ‘’Episode’’ de 1975. Hauru fue uno de los mejores guitarristas desconocidos de Europa.

En realidad todo ‘’Information’’ es bastante ecléctico, muy variado, un collage de composiciones que se suceden en un happening musical progresivo propio de una era muy creativa que difícilmente se pueda volver a repetir, por el contexto histórico, político, social y cultural en el que se desarrolló, sumado a la aparición de figuras irrepetible que también marcaron la era con sus creaciones sin nombre.

Su estilo era muy variado, incluyendo influencias de blues, jazz, vanguardismos, rock progresivo, experimentos, elementos académicos, buenos atascos con buenos solos, progresiones, inventos, tal vez psicodelia en el sonido instrumental, para crear así un legado que generalmente pasa desapercibido entre otras bandas o artistas finlandesas como Wigwam, Piirpauke y Pekka Pohjola con más renombre con trayectoria, pero eso no le quita mérito al valor creativo de Hauru.

Cod: #1645

7 mar 2022

Catapilla - Changes (1972)


Catapilla nunca decepciona, con su sonido embrionario, sus fusiones con el jazz, su sonido pesado y algo sucio todavía ligado a la psicodelia, sus excursiones complejas y extensas, y una búsqueda en general que fusiona todos esos elementos en momentos épicos entre partes solos y atascos de diversa manufactura siempre dentro de un sonido hibrido.

La historia de ‘’Catapilla ‘’ comienza por finales de los 60s, allá por el oeste de Londres, Inglaterra, fueron una banda de corta duración de rock duro y progresivo, originalmente la banda estaba compuesta por Jo Meek en voz, Malcolm Frith en batería, Hugh Eaglestone en saxo, Dave Taylor en bajo, Graham Wilson en guitarras, Robert Calvert en saxo y Thiery Rheinhart en instrumentos de viento, saxos especialmente. Ya desde un comienzo supieron captar la atención de los sellos de la época, por su impactante y particular sonido, su jazz rock experimental llamo la atención de Orange Music, una empresa de gestión de bandas que consiguió que el grupo de una audición para productores y gente de la industria. Patrick Meehan, manager de Black Sabbath, tomo la banda y los hizo grabar, aunque antes de que entraran en estudio, Jo Meek dejo la formación y en su lugar entro su hermana, Anna Meek. El auto titulado homónimo primer álbum de la banda, producido por Meehan, fue lanzado a finales de 1971 para Vertigo Records.

Tras el lanzamiento de dicho primer álbum, la banda se embarcaría en una gira de promoción, por Inglaterra, junto a otros músicos de la misma etiqueta Vertigo, como Graham Bond y Roy Harper, pero por problemas en la relación de los musicos, ‘Catapilla’ abandono la gira, y se adentró de vuelta en estudio para trabajar en su segundo disco. Para finales de 1972, el segundo disco de Catapilla seria lanzado, llamado ‘’Changes‘’, para dicha ocasión la banda sufriría algunos cambios, con la sustitución de Eaglestone, Frith y Rheinardt por Bryan Hanson en batería, Ralph Rolinson en teclados y Carl Wassard bajo. Poco después del lanzamiento de dicho álbum, la banda se separaría definitivamente.

‘’Changes‘’, de 1972, es una continuación del primer disco en cuanto a que continúan por la misma senda y con la misma búsqueda de un sonido complejo, fusionado, embrionario, con líneas de viento y atascos pesados; en ese sentido los álbumes se complementan entre sí y son una conjunto que, entre dos trabajos, se erigen como dos muestras de lo más rustico y heavy del progresivo ingles de la época.

‘’Changes‘’ cuenta con cuatro pistas, dos largas y dos cortas, y en lo que tal vez podría hacerse una diferencia con su primer trabajo es que sutilmente se volvieron un poco más estilistas para esta segunda entrega, no tan rústicos como su anterior presentación, y con fusiones y experimentos progresivos mucho más sofisticados, saliéndose del mero ‘’atascos’’ improvisado, para jugar con las partes, las lines de vientos y las progresiones en general.

Los dos álbumes de la banda son de similares características, en cuanto a que cuentan con extensas sesiones de exploración pesada, buenos atascos que funcionaban entre sesiones improvisadas y partes compuestas de considerable dosis progresiva. La banda era experta en las sesiones, sus atascos no eran monótonos sino todo lo contrario, usaban el espacio y se expandían en el tiempo como un engendro embrionario que expulsaba su rigor y su potencia en momentos que se iban construyendo y recreando constantemente, lejos de las bases planas o cuadradas, con situaciones cambiantes y florecientes. 

El sonido es típico de la época y difícilmente se vuelva repetir algo por el estilo, porque es reflejo de lo que pasaba en la escena, el eco de la psicodelia todavia vivo, las fusiones con jazz rock, la sesión de vientos, y las progresiones no virtuosas o limpias sino rusticas e hibridas, un sonido que grita el estigma de su época, lo resalta, lo mantiene vivo, es un fragmento de historia que se mantiene a travez de los años y nos deja ver cuales era las intenciones de aquel momento, por lo menos de muchas de las bandas que circulaban por aquellas escenas, la de hacer música e innovar por el placer y obligación artística de hacerlo, por la honestidad artística de pertenecer a una generación que rompió todos los parámetros y se expandió hacia lugares de sofisticación y complejidad nunca antes visto en la música popular joven.

Las líneas de viento y el sonido embrionario y complejo le dan al sonido del grupo un acercamiento al estilo Canterbury de grupos como Soft Machine, aunque la falta de teclados en Catapilla, y la búsqueda del sonido a pura cuerda de guitarra eléctrica, marcan la diferencia, aunque de todas formas los sabores están allí dando vueltas. Catapilla, un grupo conocido por los asiduos del genero prog de la época, pero que de todas formas vale tener presente siempre, sus sonidos son promesa de excursiones embrionarias y complejidades pesada con fusión con el jazz rock, imposibles dejarlos de lado.

Cod: #1644

6 mar 2022

McDonald And Giles - McDonald And Giles (1970)

Un sonido que describe una era, la refleja y la representa fielmente, momento en que las bandas estaban interesadas en las fusiones y experimentos, inspirados por la música clásica, folk y el jazz, estableciendo nuevos estándares por donde la música popular funcionaría: el rock progresivo, y presentando (a grandes rasgos, pero no exclusivamente porque ya había habido algunos ejemplos anteriores) en sociedad sonidos que estaban emparentados de alguna manera al progresivo primario pero ya formado que King Crimson plasmo un año antes en su disco debut de 1969, banda y disco de la cual tanto McDonald como Giles habían sido parte e incluso siendo participes de su formación y orígenes.

McDonald y Giles no solo fueron miembros fundadores del primer Crimson, sino que también fueron parte de la formación cuando esta grabó su primer y mítico disco, ‘’In the Court of the Crimson King’’. Pero pronto, a vertiginosa fama, el creciente número de seguidores y la cantidad de shows que dieron en un corto plazo, hicieron que algunos miembros de la banda se replantearan continuar en la formación. McDonald y Giles dejaron el grupo en 1969, luego de la terminación de la gira por los Estados Unidos, y tocaron rumbo a Londres, donde comenzaron a dar vida a sus propias ideas musicales. El dúo pudo persuadir a Island Records para que financiara su lanzamiento, así fue que, con ayuda de Peter Giles en bajo, comenzaron a grabar este trabajo en Mayo de 1970 en los Basing Street Studios de Islands Records.

El homonimo ''McDonald And Giles'' abre con toda una señora suite, la llamada ‘’Suite In C’’, que es una especie de medley que reúne varias canciones en una composicion única, estirada con partes de sesión improvisada y con partes de diversas composiciones sonando pegadas entre sí, el resultado es una suite muy agradable y efectiva que refleja el virtuosismo y academismo de los ejecutantes. En esencia es una ‘’canción estirada’’, que básicamente comienza como una canción pero que se estira, al sumársele varias partes, hasta llegar a una composición de once minutos de duración. 

Ideas frescas, momentos entretenidos e ingeniosos, para un rock progresivo que para ser ‘’progresivo’’ recae muchas en la canción popular y lo hace de manera formidable y académicamente muy correcta y efectiva. Varias piezas del disco son canciones o composiciones cortas, muchas con incidencia de ese costado acústico y pastoral del dúo, por lo que la guitarra acústica se hace presenta en varios momentos.

Es un trabajo que se refleja también en las típicas inquietudes compositivas del momento, comenzando con una suite, muy a lo King Crimson, apareciendo aplicaciones orquestales y fusiones, y siendo todo el lado B del disco otra suite en sí misma, llamada en este caso ‘’Birdman’’, la cual a su vez se divide en seis partes. ‘’Birdman’’ es una travesía, un invento, con seis partes diferentes entre sí pero a la vez funcionando dentro de ese nexo conector que era la experimentación con progresiones e inventos instrumentales. 

McDonald and Giles cuenta con una ligazón directa a King Crimson, y su sonido lo rectifica a las claras, pero de ninguna manera es una imitación, es un embrión bastardo que cobró vida por sus propios medios y que, impulsados por el ansia de grabar y experimentar y no de buscar fama o proyectos duraderos, se erige hasta hoy como un disco imprescindible.

Para los interesados en el mundo de King Crimson esta es una gran oportunidad de continuar sumergiéndose en ese mundo de progresiones tempranas, invenciones ocurrentes en el terreno de la música rock académica y las fulguraciones en terreno de fusiones y experimentos varios, desde ya que es un disco bastante conocido, en su época no tuvo gran éxito comercial pero desde entonces se ha mantenido como un perla inevitable para los amantes del prog rock y especialmente para los amantes de Crimson.

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