St. Pius X Seminary Choir - Each One Heard in His Own Language About the Marvels of God (1968)

Dentro de la psicodelia hubo una ínfima pero muy interesante rama religiosa y artística de bandas que, sumadas al género de lo ya delirante y místico, incursionaron además incluyendo en ello sus visiones y sus predicas de lo religioso, o básicamente música religiosa. En realidad, en sí misma la psicodelia ya es mística, con sus inquietudes en la búsqueda de lo sagrado o religioso, incluso en la época había sacerdotes hippies o la psicodelia misma era considerada por los hippies más radicales como un religión que buscaba, a través del uso de alucinógenos, encontrar a dios. Pero fue un selecto grupo de experimentos irrepetibles y bandas fugaces durante la década de los 60 y 70 que crearon esa psicodelia religiosa que con los años se denominó ‘’Xian Psych’’, tratándose de generalmente grupos de artistas relacionados a alguna religión o directamente jóvenes predicadores de alguna religión que volcaron todas sus intenciones religiosas y morales en la psicodelia, el rock y la música en sí.

Hay muchos ejemplos, que funcionaban en los círculos under de la época, manifestándose desde el rock y la psicodelia, música con forma de canciones generalmente sencillas técnicamente, con letras devenidas en predicas religiosas, peor siendo muchas veces experimentos muy interesantes que exigen un acercamiento con una mente desprejuiciada que pueda apreciar este fulgor psicodélico sin caer en el rechazo antes la conexión del disco o la música con alguna religión.

En el caso de St. Pius X Seminary Choir, se trató de un grupo coral dirigido por el reverendo Nicholas Freund, ya ubicados en San Francisco hacia 1968. La partida de Nicholas Freund desde Wisconsin a fines de la década de 1960 rumbo a San Francisco, no solo fue un intento de sumarse a la floreciente escena religiosa de la costa oeste, sino que este hecho implicó un factor importante en su producción musical, ahora su influencia musical principal no era solo lo coral y religioso sino que también tuvo conexiones con la también floreciente escena psicodelia en uno de los puntos hippies por excelencia en los Estados Unidos. Por consiguiente la música del grupo se volvió hacia la psicodelia por añadidura, por obsecuencia, por interés comercial, o por, seguramente, tratar de atraer al público joven hippie al interpretar esos ‘’nuevos sonidos’’ que en aquella época ya habían florecido y era tendencia entre los jóvenes. 

En 1968 publican su album ''Each One Heard in His Own Language About the Marvels of God'', con un portada llamativa y un concepto determinante, y una tirada privada de 600 copias en la etiqueta personalizada de ''Century Records''. El álbum es entretenido, se trata de una interesante colección de canciones que pertenecen a las homilías religiosas típicas, con letras que hablan de las epopeyas de dios y sus enviados en la tierra, canciones muchas veces con formas de predicas que repiten una frase entre medio de alguna otra oración. 

Lo interesante es que ese encuentro con la psicodelia hicieron de esto un interesante experimento, que primero parte desde el folk, la música coral y el góspel, a lo que se le suman los elementos psicodélicos especialmente en la guitarra eléctrica del guitarrista y cantante del grupo Peter Apps, además de unos teclados y baterías que terminan de dar ese gusto psicodélico que tanto vuelve a este sonido como algo interesante y que saca al concepto del disco de ese mero hermetismo religioso.

Otro punto interesante del disco es su comienzo del mismo con dos tracks interesantes. El primero de ellos, con el que comienza el disco, es una pieza puramente coral, solo para voz, que parece sacada de una predica religiosa de alguna iglesia. El segundo track y más interesante aun, es la pieza ‘’Pentecost Sunday’’, en la que el grupo se introduce, solo para esa ocasión, en el vanguardismo, un vanguardismo bastante bien acabado y hasta radical, con un delirio general y la implementación de aplicación electrónicas de corte música concreta creadas por el compositor Dary John Mizelle, una pieza exquisita. Mizelle se instruyó en composición y participó en el New Music Ensemble de la Universidad de California, allí participó en un curso impartido por Karlheinz Stockhausen. Mizelle también es miembro fundador de la revista SOURCE Music of the Avant Garde.

En realidad Nicholas Freund ya había dirigido un disco llamado ‘’Sing To The Lord A New Song’’ hacia 1968, con probablemente algunos de los mismos integrantes del grupo coral, grabado en vivo en 1967 en la iglesia presbiteriana Westminster, en Sacramento, California. Luego grabarían el citado segundo disco ‘’Each One Heard in His Own Language About the Marvels of God’’ de 1968. También Freund dirigiría y produciría otro álbum más dentro de la música religiosa hippie, denominado ‘’Montgomery Chapel’’ por el entonces grupo The Search Party en 1969.

Cod: #1720

David Axelrod - Rock Interpretation Of Handel's Messiah (1971)

David Axelrod es un arquitecto de sonidos proto sinfónico, sonidos con lo que parece haber estado, afortunadamente para nosotros, obsesionado, ya hacia finales de los 60, habiendo publicado varios trabajos tempranos orquestales, aun estando inmerso dentro de la psicodelia de la época y el rock. Ya desde su primer trabajo solista demuestra esta tendencia en la que es maestro adelantado, fusionando sus visiones de lo sinfónico con las temáticas y yeites culturales de la época, en lo que era un momento entre el comienzo de apariciones proto sinfónicas dentro de la psicodelia y apariciones de trabajos religiosos dentro de dicho genero nombrado, una era convulsa para la creatividad que dejó obra impresionantes.

Su comienzo fue muy auspicioso con trabajos proto sinfónicos como ‘’Song Of Innocence’’ de 1968 o ‘’Song Of Experience’’ de 1969, con los que sorprendió por su innovación, siempre dentro de la psicodelia, y apareciendo el funk y los temáticas conceptuales. La denominación genérica de estos trabajos es difícil de detectar universalmente, ya que cada cual conocedor o aficionado del genero progresivo y proto progresivo tendrá sus propias elaboraciones, discos nombrados que están dentro de lo que es el proto prog, o el prog sinfónico, o incluso podría decirse que se trata de psicodelia sinfónica, lo cierto es que formaron parte de ese eslabón evolutivo que trocó lo psicodélico hacia lo sinfónico o progresivo.

Su versión de Handel's Messiah es una versión adaptada para el público hippie de la época, con interpretaciones con versos cantados, aparición de arreglos corales, aparición vital del rock aunque se trate de algo sinfónico, aparición justamente de una orquesta de treintaiocho piezas, con versiones de piezas adaptadas a versiones cantadas con estilo entre soul y baladas, siendo la aparición del coro que aporta esa cuota góspel, y también hay un aire de musical en toda la obra, por la dinámica que alcanzan las piezas.

Esta nombrada adaptación con aire de musical se da por lo versátil de la reversión, y la preponderancia de las partes cantadas dinámicas con coros y orquesta, que funcionan de forma fácil de escuchar, lejos de algo sinfónico mucho más intrincado u oscuro. La obra tiene un aire de obra rock conceptual religiosa del estilo de ‘’Jesus Christ Superstar’’ y ‘’Godspell’’, pero también recuerda mucho a musicales como ‘’Hair’’, de 1968, funcionando un poco entre el estilo de todo ello pero estando mucho más emparentado a lo musical.

Axelrod había comenzado con trabajos solistas proto sinfónicos, y también había sido participe de otros trabajos junto a la banda Electric Prunes, hacia unos años atrás, en ‘’Mass in F Minor’’ y ‘’Release of an Oath’’ en los que había tenido un papel preponderante aunque polémico. De alguna manera su versión de Handel's Messiah fue una continuación de esta obsesion sinfónica, con la cual continuaba en su senda sinfónica y además, según él,  quería "hacer que Handel sea más accesible".

‘’Rock Interpretation Of Handel's Messiah’’ inicialmente recibió malas críticas y pocas ventas, percibido por muchos críticos como algo exagerado. El álbum hace uso de las pompas y el libre albedrío de la exploracion sinfónica, con una obertura brillante y un trabajo interno repleto de variantes entre estilos de musical.

Sus discos tempranos parecen haber tenido ese carácter de accesibles, siempre sinfónicos pero con arreglos dentro de espectros pop, tal vez con trazas de los easy listening, con acercamiento al rock de la época, muchas veces sobre bases accesible de estilo funk, y arreglos de orquesta que funcionaban sobre bases lineales en lo percusivo, además de su acercamiento a la psicodelia en sus primeros, por lo menos, dos primeros trabajos solistas.

Axelrod nació el 17 de abril de 1931 en Los Ángeles, California, y es un compositor, productor y arreglista estadounidense de diversos géneros musicales. David se crió en Los Ángeles escuchando música R&B y jazz. Después de encontrar un trabajo en un estudio de la industria cinematográfica y de la televisión, y rápidamente fue solicitado como baterista, productor y arreglista. Produjo su primer álbum, The Fox, con el saxofonista Harold Land. En 1967 lanzó Live At the Club, con el que logró uno de los mayores éxitos del jazz en ese momento gracias al sencillo "Mercy, Mercy, Mercy”, escrito por el pianista Joe Zawinul.

Su trabajo como compositor y arreglista fue descubierto nuevamente en la década de 1990, cuando artistas como Diamond D y Buckwild de D.I.T.C, DJ Shadow y Lauryn Hill utilizaron samples de varios de sus álbumes. En 1993 grabó su primer álbum en más de diez años, ‘’Requiem: Holocaust’’.

Cod: #1719

Heikki Sarmanto - New Hope Jazz Mass (1978)

He aquí una alternativa interesante para lo que es la misa musical, en este caso una misa no católica pero misa al fin, con arreglos corales y banda de jazz en vivo que celebra una misa, una obra gigantesca, ambiciosa y muy bien lograda. Quinta entrega de la serie de discos conceptualizado en misa, en este caso aparece ‘’New Hope Jazz Mass’’ compuesta por Heikki Sarmanto:

Esta es una misa jazz, creada en Finlandia, sugerida por un pastor, compuesta por el músico de jazz finlandés Heikki Sarmanto, estimulada por los ''conciertos sagrados'' de Duke Ellington, influenciada por el sentimiento religioso de ‘’A Love Supreme’’ de John Coltrane, e inspirada por una melodía popular finlandesa del siglo XVI, por lo que se tiene en una sola obra aspectos de catolicismo, sentimiento religioso, misa, arreglos corales, jazz espiritual, y melodías tradicionales finlandesas, elementos que aunados ayudan a configurar una de las misas jazz definitivas de todos los tiempos.

La obra está dedicada también a Duke Ellington y John Coltrane, especialmente reflejado este aspecto en la primerísima pista del disco, llamada ‘’Duke And Trane’’, una pieza que reúne arreglos corales con algunos atascos de improvisaciones de viento que amulan a los ejecutantes homenajeados.

Las música es ejecutada en vivo en una iglesia, con el coro Long Island Symphonic Choral Association traido de los Estados Unidos sumado al cuarteto vocal Gregg Smith Vocal Quartet, con la banda de jazz Heikki Sarmanto Ensemble, y otros participantes en coro y dirección, entre los que aparecian Maija Japuoja, una cantante finlandesa. La obra en general es muy compleja, funcionando entre composiciones progresivas jazzeras, con textos inspirados de textos sagrados religiosos, siendo toda la misa ejecutada desde lo musical y sin predicas habladas.

Un periódico de la época anunciaba lo siguiente sobre el estreno de la obra:  “El pastor Ralph Edward Peterson de St. Peter tuvo la idea de la misa hace varios años, cuando se estaban haciendo los planes para la nueva iglesia”, dijo Sarmanto, de 29 años, en Nueva York el otro día. “Acababa de enviar un arquitecto a Finlandia para ver iglesias modernas allí. Estaba aquí estudiando piano con Margareth Chaloff en Boston y tocando con Charlie Mariano, el saxofonista, con quien había tocado en Europa, y Eero Koivistoinen, un saxofonista finlandés que había venido conmigo. Uno de nuestros conciertos fue el jazz vespers en St. Peter's.

La semilla de la dedicación de la misa se plantó cuando hablé con Duke Ellington después de escuchar uno de sus 'conciertos sagrados' en Boston”, dijo el Sr. Sarmanto. “Más tarde, cuando el pastor Peterson sugirió una misa, se encendió una lámpara en mi cabeza. Por supuesto, sería para Duke, que era un hombre muy religioso. Luego, cuando comencé a escribir la misa, basé el tema de apertura en una melodía popular finlandesa del siglo XVI. Tocándolo, de repente escuché como un eco de 'A Love Supreme' de John Coltrane. Podía imaginarme a Coltrane tocándola con un saxofón soprano. Entonces, como 'A Love Supreme' era una expresión de los sentimientos religiosos de Coltrane, lo agregué a la dedicatoria. ’’

Se trata de jazz modal que con el acercamiento a lo religioso y la influencia de Coltrane se podría decir que se trata de jazz espiritual, aunque se diferencia en ese aspecto del jazz espiritual tradiciones que suele ser de vanguardia y estar influenciado por culturas y religiones milenarias entre otras fusiones particulares. En el caso de esta misa la concepción espiritual no viene de la meditación o la fusión con tramas exóticas sino del concepto del ritual de la misa celebrado en vivo, y que sí ciertamente cuenta con un sentir religioso y espiritual muy fuerte, por lo menos desde lo que la ejecución respecta, siendo la grabación en vivo muy intensa, sentida, especialmente por el coro que es el que le agrega ese sentir de góspel, de devoción mística, la banda de jazz le agrega su influencia espiritual también.

Más de los periódicos de la época con iformacion referida al estreno de la obra: ‘’La misa fue encargada para celebrar la inauguración del nuevo recinto de la Iglesia de San Pedro, que desde hace más de una década ha dado al jazz un lugar destacado en sus actividades. Las vísperas de jazz se tocan todos los domingos por la tarde en la iglesia, y el reverendo John Gensel, pastor asociado, tiene un compromiso de tiempo completo con la comunidad de jazz. La misa se realizó por primera vez anoche en la iglesia, y se volverá a ofrecer en septiembre en el Festival de Helsinki en la Iglesia en la Roca, una nueva iglesia que ha sido tallada en piedra. Fue el liderazgo innovador de Finlandia en la arquitectura de iglesias lo que proporcionó un enlace para encargar una misa para San Pedro por parte de un finlandés.’’

El evento fue grabado de un concierto en vivo en la iglesia de Temppeliaukio, Helsinki, el 7 de septiembre de 1978, y mezclado directamente de la cinta por el ingeniero de grabación profesional Juoko Ahera, fue grabada en una sola toma en la primera ejecución publica de la obra en la Finlandia natal. Esta primera grabación fue luego publicada e impresa en grandes cantidades por Finlandia Records en 1979 como un vinilo doble. Aunque recientemente Heikki Sarmanto encontró las cintas originales del segundo día de presentación dela obra en vivo, grabadas el 8 de septiembre de 1979. Las grabaciones del segundo día fueron publicadas por el sello noruego Jazzaggression Records.

Cod: #1716

Bakery - Rock Mass For Love (1971)

He aquí la cuarta entrega de la colección de discos conceptualizados como o en torno a la Misa Católica, en este caso va otro disco conceptual, esta vez grabado en un evento en vivo. Se trata de ‘’Rock Mass For Love’’ de 1971 por la banda australiana Bakery. Un trabajo que consiste en una misa fusionada con momentos de rock, una misa rock que encaja perfecto en esta seguidilla de álbumes conceptuales de Misa Católica:

Este trabajo fue grabado en vivo en un evento religioso que se realizó que se celebró en la Catedral de St. George, Perth, Australia, y se grabó en vivo el 21 de marzo de 1971 ante la presencia de casi 6.000 personas. El evento cuenta con una banda en vivo ejecutando sus canciones en vivo en la catedral nombrada, a lo que se le suma un predicador, tal vez cura, que da una misa al unísono con el evento, con las típicas recitaciones y respuestas del publico de las misas, y las predicas que profesas ‘’amor’’ y demás ‘’valores’’.

El disco consiste en eso, lecturas y predicas en vivo, mixturadas con algunas canciones de la banda, canciones entre rock, rock pesado, apareciendo eventualmente algún sabor de jazz o funky. Las canciones son consistentes, a veces pesadas, apareciendo algún solo de vez en cuando o algún momento de atascos instrumentales, aunque en general no hay tanta música debido a la aparición de las predicas religiosas que toman parte del disco con diálogos y lecturas.

En cuanto a esas predicas, se trata de algunos diálogos, con todo religioso, que tratan de dar algún mensaje al público, funcionando entre mensajes, predicas y algunos diálogos irónicos y algo cómicos que hacen al público reír y finalmente ofrecer aplausos. En realidad no es un gran trabajo musical, las canciones suenan bien y son entretenidas, variadas en su concepción lo que ofrece la mirada de la versatilidad de la banda, pero en realidad como obra o trabajo o disco no funciona tan perfectamente. Esto es más bien una curiosidad conceptual, un evento que combinó religión con música ejecutada en una catedral. La calidad de la grabación no es buena, la calidad es baja, pero aun así es un documento interesante y tuvo su fenómeno que explica el porqué de esto:

‘’Rock Mass For Love’’ aprovechó el interés actual en lo que se conoció como "God Rock" o "Jesus Rock", en el que los compositores buscaban comunicar el mensaje cristiano a los jóvenes mediante el establecimiento de letras de orientación religiosa en arreglos de música rock o pop. En gran medida, este movimiento fue una reacción directa a la caída calamitosa en la asistencia a la iglesia que había comenzado en los años sesenta, y el aumento masivo simultáneo de la popularidad de la música rock y pop. Este proyecto, inusual para el grupo e incluso para el rock australiano de la época, fue una desviación temática significativa del estilo habitual de rock progresivo / duro de Bakery. Grabado en vivo, fue una de las primeras obras musicales australianas de este tipo, precediendo a la primera producción australiana de Jesus Christ Superstar en casi un año.

Las siguientes son unas palabras que aparecen en la cotraportada del vinilo original de epoca yque sirven para ilustrarse mejor sobre el evento, escritas por John Hazlewood. decano de Perth, W.A.:

‘’Las Misas de Rock en la Catedral de St. George tuvieron sus comienzos en una choza empapada por la lluvia al norte de Perth, como Bakery, y esperaba abrir un Festival Pop.

En el ambiente humeante de café y leña mojada hablamos de un Festival de Música Rock en la Catedral. A partir de ahí, Rock Masses evolucionó atrayendo a miles a la catedral gótica de ladrillo del siglo XIX que se encuentra en medio de la ciudad y es un símbolo de establecimiento conservador.

Beaumont, Appleford y otros han tratado de actualizar la música de la iglesia y liberarla de la crisálida de libros, de himnos y cánticos desgastados que ya no expresan la libertad y la alegría de la adoración para que la gente en general pueda entenderlo completamente.

Ahora en Perth, gracias a la brillantez de Bruce Devenish y sus músicos de jazz, así como al sonido pesado de Bakery, hemos podido componer y celebrar nuestra propia Misa de rock totalmente contemporánea. Esta grabación, realizada bajo enormes dificultades en la noche de 21 de marzo de 1971, en la Catedral, intenta compartir toda la experiencia increíblemente maravillosa.

Se escuchó mucha oposición en la prensa y de personas más conservadoras que no estaban presentes. Muchos se quejaron de que toda la serie eran trucos publicitarios. Parecería que un gran número de personas se sintieron profundamente conmovidas tanto por las ocasiones como por las transmisiones y presentaciones televisivas. La autoridad eclesiástica, el arzobispo de Perth, dio permiso y aliento, y la liturgia fue una adaptación de la serie inglesa Communion Service realizada por mí.

La música busca enfatizar y subrayar el tema de la Misa, en este caso el tema fue de amor. Ha sido interesante y alentador saber que este tipo de cosas también están sucediendo en Pasadena y en St. John the Divine, Nueva York.

Me parece muy importante que la Fe salga de sus adeptos introspectivos, ocultos y cada vez más reducidos para llegar a los jóvenes del mundo que tan a menudo nunca la han escuchado o recibido.''

Cod: #1714

Gorrion - El Rock de la Misa Criolla (1974)

La álgida creatividad que manejaban los músicos de la época hizo que esa fuera una era repleta de trabajos innovadores. Florecieron las experimentaciones, las vanguardias, además de aparecer un sinfín de obras y trabajos conceptuales. La forma conceptual del género musical de la Misa Católica funcionó y encajó perfectamente en ese marco, lo que significó que varias bandas tomaran esta forma para crear álbumes conceptuales con ella, desde el rock pero también desde otros géneros como el jazz, entre otros. Tercera entrega de la serie de albumes conceptuales elaborados en torno a la misa catolica, aquí va ''El Rock de la Misa Criolla'' de 1974 por la banda argentina Gorrion:

Este es un disco que tiene su rareza dentro del coleccionismo del rock argentino, un disco que en su estado original no se ve mucho pero algunos tienen sus reservas sobre su producción artística, no es muy conocido pero tampoco es muy querido, incluso en su época la revista argentina de rock ‘’Pelo’’ le dedicó una reseña con una crítica muy dura y para nada alentadora respecto a esta producción. En sí este disco es una reinterpretación de ‘’La Misa Criolla’’ de Ariel Ramírez (obra fundamental del folklore argentino, publicada en 1964) en versión rock, con algunas miras progresivas, reversión de estrofas y estribillos adaptados el rock y con agregados sonoros con cierta experimentación que vuelven al disco en ambientes muy interesantes.

Esta reinterpretación fue concebida por algunos músicos del rock argentino de la época, entre los que aparecían: Félix Pando en teclados y piano y Hiacho Lezica en batería (ambos ex-La Joven Guardia), Quique Alvarado en guitarra, charango y bajo (ex-Los Mentales, ex-Fe) y Daniel Cash en guitarra. Además de la grabación participó el músico folklorista Chango Farías Gómez, además de ser el mismo Ariel Ramírez quien supervisaría la grabación. Esta banda fue una formación eventual que se reunió únicamente para la creación de este disco, dejando solo este trabajo en la palestra pública. 

La estructura del disco está conceptualizada bajo la forma tradicional de la misa católica, que es un género musical sacro dividido principalmente en seis partes, consistiendo en los siguientes pasajes: I. Kyrie, II. Gloria, III. Credo, IV. Sanctus, V. Benedictus y por ultimo VI. Agnus Dei. El disco está a la vez conceptualizado musicalmente bajo la reinterpretación en rock de las música original de la obra ‘’La Misa Criolla’’, obra folklórica que no solo tomó la forma ya nombrada de la misa católica tradicional sino a la que también se le agregaron composiciones/canciones adicionales, composiciones adicionales que no fueron tomada en cuenta para esta reversión en rock.

La música de rock para esta reversión es intensa, variada en el sentido compositivo en lo que pareciera alcanzar algunas estructuras cambiantes cercano a lo progresivo, las letras son una alabanza a las imágenes sacras de lo católico, además de aparecer los yeites del rock clásico como solos, voces rockeras, arreglos corales y momentos experimentales. A esto sumarle que hay repartido por todo el disco momentos de experimentación sonora, son momentos de tensión en los que aparece un ruido perverso de fondo, sobre el que se escucha una respiración tensa y algunas palabras que en forma de predica católica.

Para lo interesante que es el disco el mismo resulta ser relativamente corto, apenas alcanzando los veintiséis minutos de duración. Con estos discos hay que tener sus reservas en lo que a su consideración respecta, cuando se trata de algo tan demarcadamente religioso pero que su música contiene buena dosis de creatividad, entonces vale la pena acercarse y, más allá de la creencia de uno, poder tolerar su ideología y disfrutas de la propuesta sonora. El disco, además de en Argentina, fue lanzado en Francia bajo el título "Misa Criolla in Rock" con una portada diferente, y en Japón en 1976.

Cod: #1713

The Electric Prunes - Mass In F Minor (1968)

Aquí va la segunda entrega de la seccion de discos conceptualizados en Misa Catolica, generalmente albumes conceptuales y/o experimentales que tomaron el formado musica de la misa para recrear sus miras y explayarse hacia trabajos de innovacion y tal vez fervor. Esta vez trata del album ''Mass In F Minor'' de 1968 por la banda The Electric Prunes:

El trasfondo del extraño giro de los eventos que llevaron al álbum ‘’Mass in F Minor’’ de 1968 de The Electric Prunes necesita una conceptualización y tiene una historia por detrás. El LP anterior de The Prunes, ‘’Underground’’, había sido la representación más precisa de su creciente visión psicodélica experimental, particularmente cuando escribieron la mayor parte del material. Sin embargo, no se vendió demasiado bien ni produjo un sencillo exitoso. El productor que había firmado al grupo con su productora independiente, Dave Hassinger, no estaba tan interesado en la experimentación como sí lo estaba en los discos comerciales. Con el manager de The Electric Prunes, Lenny Poncher y el arreglista David Axelrod, se tramó una nueva estrategia en la que Axelrod escribiría y arreglaría un álbum que combinara música clásica, el tipo de voz gregoriana que se escucha en alguna música religiosa y psicodelia de freack-out. Se cantaría íntegramente en latín, nada menos.

Es dudoso si The Electric Prunes eran la banda adecuada para el experimento. Según memorias de los músicos ellos mismos no se terminaban de encontrar ni encajar en la propuesta sinfónica de Axelrod, según dicen estaban lentos para una propuesta tan intrépida, además del hecho de que solo el bajista de la banda podía leer música, lo que dificultaba aún más la grabación del trabajo. Como consecuencia, los miembros de un grupo canadiense, The Collectors (más tarde pasaron a llamarse Chilliwack), fueron reclutados para ayudar a completar a grabar el álbum, aunque Lowe hizo todas las voces principales, y Tulin y el baterista Quint de The Prunes tocan en cada pista. (El ingeniero Richie Podolor también ayudó con la guitarra).

 "Me gusta y respeto a Dave Axelrod", comenta el bajista de la banda, Tulin. "Creo que es un músico brillante y ayudó enormemente a expandir mi conocimiento musical. Sin embargo, él no era nosotros. Éramos una ‘’entidad conocida’’ conectada a un concepto externo, un medio para el fin de otra persona. El problema era que éramos un banda, no un producto artificial inorgánico que pueda manipularse a voluntad". A pesar de las diferencias, el disco es una curiosidad psicodélica ingeniosa, poco habitual, saliéndose de muchos cánones de la época y presentando una obra cuasi sinfónica visionaria que presenta una inusual mezcla de guitarras acid rock abrasadoras y canto gregoriano tenue y armonizado. El efecto cuasi-coral se logró haciendo que el cantante Lowe hiciera doble pista a la mayoría de las voces.

Este trabajo está conceptualizado en la temática de una misa católica, con cantos gregorianos típicos, una atmosfera de misticismo ritual y un sonido general que no consiste en canciones estereotípicas sino que se desenvuelve entre pasajes, diversos arreglos instrumentales y orquestales, donde aparecen arreglos corales, elemento que le da mucho más acercamiento aun a una misa religiosa. No es una obra plana, a menudo aparecen los silencios, que se entremezclan a su vez con diversos pasajes con diversos elementos, algunos cambios de intensidad, donde brotan también los atascos psicodélicos típicos con esas guitarras eléctricas acidas y saturadas. Es una obra intrépida y que se distingue del resto de trabajos de la época. 

Para tratarse de una obra que desde el principio se la pensó como una misa-rock conceptual, y para tratarse además de una creación del mismísimo David Axelrod, la obra no presenta un concepto musical tan bien acabado, su masa musical primordial se basa en una combinación de partes corales con cantos gregorianos cantados en latín aunadas a partes con atascos de guitarra eléctrica acida y reverberante; es desde allí, desde ese visión compositiva, donde aparecen algunas salvedades, algunas alteraciones, sub-partes, elementos, intensidades. Otro aspecto llamativo del disco es que es relativamente corto, no alcanza la media hora de duración, es un obra corta y concisa, un corte justo que deja la sensación de querer escuchar más, pese a que sus contextura musical sea algo repetitiva. Aun así, la obra se sale de los estantes conocidos, erigiéndose como una obra conceptual psicodélica, además de ser una obra de corte religioso que combina este elemento con la psicodelia, una misa psicodélica.

La participación de David Axelrod no es un dato menor, este compositor y arreglista estaba surgiendo por esos años y se convertiría en un compositor aclamado, y sería gracias a la participación en la composición de este disco de The Electric Prunes que cobraría algo de notoriedad gracias a la cual obtendría un contrato discográfico como solista; ese mismo año de 1968 publicaría un impresionante debut discográfico, su ‘’Song Of Innocence’’, otro de sus trabajos destacados sería el ‘’ David Axelrod's Rock Interpretation Of Handel's Messiah’’, de 1971.

"Kyrie Eleison" tal vez pueda seleccionarse como el corte destacado del disco, por no contener los típicos arreglos orquestales que están desparramados a lo largo del resto de las pistas; además puede llegar a ser familiar para muchos de los oyentes, por supuesto, a raíz de su inclusión en la banda sonora de la clásica película de la contracultura de 1969 ‘’Easy Rider’’, protagonizada por Dennis Hopper y Peter Fonda. De alguna manera, "Kyrie Eleison" fue rescatada de la oscuridad y utilizada en las escenas justo después de que Fonda y Hopper llegaran a Nueva Orleans para el Mardi Gras, incluido el que visitan un burdel local.

The Electric Prunes se separó en 1968 durante las sesiones de grabación de "Mass in F Minor". El álbum fue completado por Axelrod y el productor Dave Hassinger junto a músicos de sesión y la banda canadiense The Collectors. Un cuarto álbum "Release of an Oath" fue lanzado en 1968, también compuesto y arreglado por David Axelrod, y producido por Dave Hassinger con músicos de sesión proporcionando la música. Esto fue seguido en 1969 por un "Just Good Old Rock and Roll" grabado por un grupo diferente de músicos bajo el nombre de The Improved New Electric Prunes, ya que el nombre era propiedad legal de su productor Dave Hassinger .

Cod: #1485

Spooky Tooth & Pierre Henry - Ceremony: An Electronic Mass (1969)

He decidido hacer en este blog una pequeña seguidilla de publicaciones de discos relacionados o conceptualizados en lo que es la Misa Católica, una buena oportunidad para seguir sumergiéndose en álbumes conceptuales de la época y su fusion, en este caso, con estilos religiosos católicos. El primer de estos va a ser este álbum, ‘’Ceremony: An Electronic Mass’’ de 1969 por la banda Spooky Tooth sumado a Pierre Henry. En realidad este disco ya había sido publicado en el blog pero para comenzar con este especial de misa católicas está bien republicarlo aquí. Habrá misas rock, alguna misa jazz y algun que otro experimento raro. Por ahora esto es lo que hay:

’’Ceremony An Electronic Mass’’ es un álbum nacido de la ‘’colaboración’’ entre la banda inglesa Spooky Tooth y el compositor francés de música concreta Pierre Henry. Se habla de este disco y muchas veces no se le tiene en gran consideración, por lo accidentado del sonido, por la falta de cohesión entre los mundos del rock y la electrónica, y porque fue la misma banda inglesa la que defenestró el álbum luego de ser lanzado.  

Grabadas en un día a un costo total de £600, las seis pistas que componen el trabajo, todas escritas por el organista Gary Wright, combinaban música generosamente infundida con órgano Hammond y letras prestadas libremente de la liturgia católica. La música fue interpretada por Wright y el resto del grupo, Luther Grosvenor en guitarra, Mike Harrison en voz y teclados, Mike Kellie  en batería y el recién reclutado Andy Leigh en bajo y guitarra. Una vez realizada la grabación de las pistas crudas de rock, fueron enviadas las cintas a Pierre Henry, quien se encargaría de agregarle los efectos de sonido electrónicos.

En este trabajo se cruzan el rock y la música concreta, y el resultado es algo oscuro, vanguardista y con el agregado de ser una música conceptualizada en temáticas católicas, lo que le da más aun un aire misterioso y épico a lo ya misterioso y épico. El resultado final es un rock vanguardista con miras experimentales, que explora diversas variantes de sonidos electrónicos mientras que las composiciones también presentan variantes en un sentido compositivo, finalmente nos encontramos con travesías sonoras oscuras que transitan por diversos estados.

Se nos ofrece buen rock, buenos pasajes con rock, hard rock y blues rock pesado y contundente, típico de la época, y también se nos ofrece pasajes muy experimentales donde la música transita por atmosferas oscuras, misteriosas, la música concreta no deja de proveer una sensación siniestra y perversa. El álbum se llama ‘’Ceremonia: una misa electrónica’’, y funciona como tal, como una misa rock, con pasajes y predicas orales; un pastiche musical que surgió por error, un álbum infravalorado y no bien recibido ni siquiera por los mismos músicos del grupo.


Es que no todo el álbum suena realmente cohesivo, pareciera como si Pierre Henry no entendiera la música de Spooky Tooth, y viceversa, a veces no se entiende lo que quisieron hacer, parecen dos grabaciones producidas en diversos ámbitos y juntadas arbitrariamente sin ningún concepto previo; pero aun así el álbum ofrece muchos pasajes que son de un nivel soprendente, con un rock proto progresivo que se sale de la norma convencional, y la música concreta que aparece para destruir cualquier mira comercial, para poner en peligro las aspiraciones comerciales de una buena banda de rock.

Cuando la compañía disquera les propuso hacer este disco, asociándose con Pierre Henry, la banda no sabía con lo que se iba a encontrar, la propuesta era hacer una música para ser publicada por el compositor francés Henry. Luego del trabajo grabado y ensamblado, Spooky Tooth se encontró con la sorpresa de que el álbum se publicaría a su nombre porque para la disquera era un resultado sorprendente. A pesar de que para el ambiento intelectual este álbum fue una grata sorpresa, para Gary Wright, tecladista del grupo, el álbum simplemente ‘’terminó la carrera de la banda’’.

Wright, "... hicimos un proyecto que no era nuestro álbum. Fue con este compositor francés de música electrónica llamado Pierre Henry. Simplemente le dijimos al sello: 'Sabes que este es su álbum, no nuestro álbum. Tocaremos como músicos ". Y luego, cuando terminó el álbum, dijeron: "Oh, no, no, es genial. Lanzaremos esto como tu próximo álbum". Dijimos: "No puedes hacer eso. No tiene nada que ver con la dirección de Spooky Two y arruinará nuestra carrera". Y eso es exactamente lo que pasó. Wright dejó la banda luego del lanzamiento del álbum.

Este álbum es un trabajo muy ambicioso y con aires perturbadores, que provocó influencia en la vida y el ánimo de la banda, esto ocurrió porque acaso la banda tenía ya propio ‘’concepto’’ y de alguna manera este trabajo vino ‘’desvirtuar’’ sus formas? O será que la meteórica y vertiginosa posición dentro de la fana te lleva a producir música bajo ciertas reglas, aceptables para el público masivo, y publicando este disco la banda puso en peligro su ‘’respetabilidad’’ y su carácter comercial publicando algo que salía de lo común y proponía una fusión pocas veces vista en la época?

Cod: #1394

Raul Porchetto - Cristo Rock (1972)

El comienzo del disco puede llegar a engañar, comenzando con los conceptos de la obertura y siguiendo con un tema de rock pesado bien al estilo de ‘’La Pesada’’, banda cuyos miembros participan en este disco, pero luego de estos temas comienza la maza acústica del disco propiamente dicha que se desarrolla en delicadas canciones folk acústicas ornamentadas eventualmente con arreglos de cuerda, apariciones de rock, apariciones de arreglos corales, y siempre siguiendo por esa línea lirica de una delicadeza melódica y una delicadeza en la interpretación del autor, carácter que se incremente con el canto tan característico del autor. Hay pasajes por donde el sonido suena como un pastiche, un collage de grabaciones alteradas, atmosferas extrañas e inventos varios, especialmente esto ocurre en el último track, el llamado ‘’Cancion VIII’’, que comienza curiosamente con un blues pero que poco a poco se deforma para terminar de ingresar hacia terrenos desconocidos, con las aplicaciones sonoras nombradas anteriormente, un mejunje tan extraño que alcanza el mote de vanguardista, con el rock/blues como excusa para presentarse pero para terminar también volcándose hacia terrenos desconocidos y que buscan la innovación sonora. 

Estos intentos experimentales son típicos del rock de aquel momento, y típicos además de quien estuvo a cargo de la producción del disco, el mismísimo Billy Bond, quien, acompañado por otros músicos estelares de la escena rock argentina de la época, como lo eran Claudio Gabis en guitarra, Kubero Díaz en guitarra, Alejandro Medina en bajo, Cacho Lafalce en bajo, Charly García en teclados, Jorge Pinchevsky en violín, Oscar Moro en batería, Jimmy Márquez en batería, se encarga de dotarle al disco, desde la producción, de algunas ideas y avances que se ven reflejados en algunos pasajes puntuales del disco, como en el primer track, llamado ‘’Cancion I’’, el ya mencionado ultimo track del disco, llamado ‘’Cancion VIII’’, y en general en algunos arreglos particulares que brotan junto a los arreglos acústicos del compositor de los temas. Estos detalles realzan esa noción que presenta la obra de ser un trabajo ‘’conceptual’’ u ‘’operístico’’, son las visiones del autor de la música hechas carne a través de la producción.

La participación de semejantes músicos de rock en este disco le dotó al mismo una significancia que se puede ver reflejada en la aparición del rock más duro, alejándose de lo acústico, como lo es en el segundo tracks, ‘’Cancion II’’, donde abandonan cualquier intento acústico para meterse de lleno en un rock, puro y duro, donde se continua con el mismo concepto lirico pero el sonido rock se impone. Sobre esto Porcheto hace referencia en un entrevista: ‘’El rock era underground, éramos contracultura, pero dentro de eso había ciertos parámetros que había que respetar. Si vos no los respetabas y ya te ibas, no sé, a lo electroacústico, directamente te querían matar... Tanto es así que no doy pie con bola nunca más con la grabadora, y aunque tenía contrato por dos años y dos long-plays, no me iban a dejar grabar a menos que yo cambiase mi enfoque y yo nunca lo hice a través de mi carrera. Así que hice un par de discos simples y luego tuve que esperar un par de años para retomar mi carrera de grabación en otro sello.’’

Se trata de un disco que parece conceptual, parece operístico, parece desarrollarse a través de un concepto que pretenden masticar y plasmar musicalmente, y de alguna forma los intentos creativos desde los nombres y estructuras de las piezas reafirman esta sensación de que se trata de una obra conceptual. El trabajo se centra en una fuerte noción religiosa pero no desde una manera de predica como lo podría ser en el rock cristiano, sino que Porcheto habla sobre religión o Jesucristo pero cuestionando aquellos estados moralmente contradictorios en los que se encuentran el establishment religioso o las instituciones relacionadas a este. Raul Porcheto: ‘’La idea del disco yo la había estructurado a partir de cómo vivenciaba la contradicción que veía entre la visión de Cristo tradicional e institucional y su figura real, su prédica y su obra.’’

Raul Porcheto declararía sobre la obra: "La obra está dividida en dos partes: en la primera gira alrededor de un gran recuerdo de una persona llamada Cristo al que la institución (la Iglesia) lo da como muerto. En la parte siguiente, Cristo está metido dentro de nuestro actual sistema social y político y da sus opiniones igual que lo hizo en su época. El personaje habla siempre en primera persona por que vive". De esta manera se aclara el porqué de la lírica y poética del disco hablando desde primera persona, inmerso desde la perspectiva actualizada en el contexto de la época en la que el trabajo fue publicado, visión que de alguna manera se podría extender hasta el presente porque las instituciones religiosas y eclesiásticas continúan manteniéndose firmes en una cúpula de poder y ambición que se desdicen del mensaje original de donde suponen partir.

Luego de la publicación de este disco Porcheto se asentó con un nombre propio entre lo más alto del rock nacional de época. Integró la banda "Reino de Munt", en la que tocaron Alejandro Lerner y Gustavo Bazterrica, entre otros.  En 1976 integró el grupo Porsuigieco, junto a León Gieco, María Rosa Yorio, Charly García y Nito Mestre. Para 1979, porchetto grabó varios álbumes en los que colaboraron artistas como Pedro Aznar, Gustavo Bazterrica, Alejandro Lerner y Lito Epumer. En 1980, Porchetto editó "Metegol" y al año siguiente, "Televisión", con la participación de los futuros G.I.T., ambos discos de rock moderno, de los primeros en su tipo en Argentina. En 1982, cuando todavía gobernaba la dictadura militar, Raúl Porchetto editaba 2 LPs: "Che pibe", que incluye el tema «Che pibe, vení votá» cantado a dúo con León Gieco y que fue Disco de Oro. En 1983, después de la Guerra de las Malvinas, editó «Reina madre», disco de platino que llegó a ser uno de los más vendidos del rock nacional.

Cod: #1558

Jacula - Tardo Pede In Magiam Versus (1972)

La música de Jacula tiene un trasfondo fuertemente esotérico y ocultista, eso se puede apreciar directamente desde los primeros instantes en la escucha de los discos que la banda ha dejado. La cualidad oscura de esta música, aunque estaba relacionada de alguna manera con el rock progresivo de la época, a las claras se diferencia de las demás agrupaciones del momento, lo que hizo que su estilo quede relegado a publicaciones privadas, tiradas de pocos discos, una llegada a un público reducido, lo que hizo además que crecieran algunos misterios y leyendas en torno a la historia del grupo y su música, llegando a decirse que vendieron su primer disco a sectas y clanes ocultistas y satánicos europeos. 

En Milán, en 1968, el compositor Antonio Bartoccetti funda el grupo, con fines claramente esotéricos y filosóficos y aproximaciones claras a concepciones teológicas, por lo que su sonido estaría plagado de guiños oscuros, elementos de perversión y decadencia en un mundo de exotismos innombrables, siendo la misma música el reflejo de una animosidad ritualista que se conecta con mundo diabólicos y esotéricos.

En 1969 graban su primer disco, ‘’In Cauda Semper Stat Venenum’’, en los estudios del sello inglés "Gnome Records", aunque hay una leyenda que dice que fue grabado en un castillo en Inglaterra. De este disco se lanzaron solo alrededor de 300 copias en una edición privada que no estaría a la venta al público en general, sino solo para distribución privada y personal, y no vería la luz en la primera edición publica que tuvo en 2001.

Su segunda publicación, "Tardo Pede in Magiam Versus", de 1972, lanzado por el sello ‘’The Rogers’’, sí vio la luz pública y chocó directamente con los disimiles estilos progresivos de su Italia natal, es que trata de una música que poco tiene que ver con los sonidos de la época, más pareciera una música hecha con motivos perversos o de ritual ya que en esta no se puede encontrar la música en su formato convencional cual la conocemos, es más bien una música conceptualizada en temáticas esotéricas, plagada de referencias místicas, y de un evidente carácter oscuro que hace de la escucha un acontecimiento muy particular.

Es una música creada en base a las ideaciones de Bartoccetti, con formas y motivos poco esperables, por lo que el estilo es muy difícil de determinar. Se trata de invenciones propias donde destaca predominantemente el sonido de un órgano típico con sonoridad de iglesia, lo que acrecienta el nivel de tensión y misterio del sonido, además de incrementar el interrogante de cómo fue grabado, bajo qué circunstancias y qué motivos. Es una música de misterios, exotismos ritualistas, experimentos eclesiásticos, en una búsqueda sonora atípica para su época y que se ha conformado como un estilo de culto en algunos pequeños grupos de coleccionistas entendidos.

El proyecto terminaría en 1972, luego evolucionaría a "Antonius Rex" y una buena cantidad de más álbumes serían publicados con ese nombre desde finales la década de los 70s hasta 2013, año en se publica su ultimo trabajo. Después de casi cuatro décadas, Jacula lanzó su tercer álbum de estudio, ‘’Pre Viam’’, en mayo de 2011. Se dice que de las ediciones privadas de epoca del primer disco de la banda, ''In Cauda Semper Stat Venenum'', no han aparecido copias originales entre los coleccionistas.

Cod: #1519

Vox Dei - La Biblia (Según Vox Dei) (1971)

''Siento que crezco

y que subo

y que me veo por dentro

y me toco y me reconozco

y a mi lado estoy yo

que me hablo y me entiendo

y que ahora soy sueño

y me acerco y no muero.''

Ricardo Soulé, Vox Dei

‘’La Biblia (Según Vox Dei)’’ es una obra icónica y muy importante dentro del rock argentino, marcó una época, fue una obra conceptual y operística emblemática, sentó un precedente importante como una de las primeras opera-rock en las historia del rock en castellano, con todo el peso que conllevó su aparición y la influencia que tuvo en el ambiente. Vox Dei surge en 1967 como un grupo de jóvenes que hacían un rock temprano cantado en inglés, combinando entre canciones propias y covers que hacían de temas de los Beatles, los Rolling Stones, y los Hollies. En 1970, tras varios años de una actividad maratónica, Vox Dei ya era uno de los grupos más populares del rock en Argentina, junto a bandas como a Almendra o Manal. Es que en ese mismo año que Vox Dei publica, bajo el sello Mandioca, su primer trabajo llamado ‘’Caliente’’, un álbum que los afianzó inmediatamente entre los más populares del momentos dentro del estilo del rock nacional que estaba dando sus primeros pasos.

Mientras todavía estaban tocando en vivo los temas de su primer álbum, su productor les dijo que al regresar a Buenos Aires debían comenzar a trabajar en su segundo trabajo. Su siguiente paso sería muy significativo para el grupo, sería la creación y lanzamiento de una obra conceptual gigantesca inspirada en la Biblia, que se convertiría en una obra muy ambiciosa y muy bien lograda para la época. La idea fue de Ricardo Soulé, el cual estaba trabajando ya en unas letras inspiradas en pasajes de la Biblia, propuesta que fue bien recibida por el grupo el cual inmediatamente la adopta como proyecto, comenzando inmediatamente a trabajar en ello.

En total, todo el trabajo previo a la grabación les demandó un año y medio, entre la composición, elaboración, las pruebas y los ensayo. La grabación se llevó a cabo en los estudios T.N.T., sumando más de 150 horas de trabajo, un número totalmente atípico para la época. Durante el trabajo de creación y grabación de la obra fue un integrante de la banda quien tuvo una crisis interna lo cual desembocó en su renuncia al grupo, Juan Carlos Godoy dejaba el grupo. Uno de los problemas había sido el pase de la banda del sello Mandioca al sello Disc Jockey, que había dejado en una situación comprometida a la discográfica que había confiado en ellos cuando los grandes sellos no lo habían hecho. Tras la salida de Godoy el grupo tuvo que salir a buscar un nuevo guitarrista para sumarse a las presentaciones en vivo, quien finalmente sería Nacho Smilari.

Su música, como todo disco conceptual, se encamina hacia composiciones complejas que surgen de la canción popular pero que en su transcurso van mutando y transformándose en exploraciones rockeras que transitan por buena cantidad de conceptos, partes, elementos, y agregados, por lo que la escucha ofrece una oportunidad de explorar los ambientes rockeros de la época, donde tantos el rock como la canción acústica tienen lugar y convergen en las mismas composiciones. 

Esta obra es muy compleja y ofrece un repertorio enormemente variado para escuchar, en general se trata de canciones sofisticadas, pero estas varían totalmente las unas entre las otras, siendo la obra un punto de referencia local en cuanto a las miras del grupo hacia una música compleja y original. En este repertorio aparecen canciones de rock, aparece el folk, aparecen algunos momentos de improvisación rockera a pura zapada instrumental realmente rabiosa, y como si fuera poco también nos encontramos con un momento sinfónico en la pieza ‘’Cristo, Nacimiento’’, donde se puede escuchar a toda una orquesta representando simbólicamente el nacimiento de Jesus, y el sonido no deja de ser totalmente conmovedor y significativo. En cuanto a este trabajo orquestal, que fue grabado en los estudios ‘’Phonal’’, estuvo a cargo de Roberto Lar, a quien le encargaron los arreglos para esta pieza orquestal, contando para la grabación con una orquesta de cincuenta músicos.

Se trata de una obra conceptual creada en torno a, obviamente como su nombre lo indica, la mismísima Biblia, ese texto de supuesto carácter sagrado que tanta polémica y pasiones desata, y que ellos, no ajenos a estos parámetros, reinterpretaron en una obra magistral, tomando los pasajes y momentos principales de la misma y volcándolos con devoción en una música conceptualizada y recreada, donde por supuesto no dejan de aparecer la letras típicas, el carácter místico de la música, además de algunos agregados sonoros de estudio y momentos varios donde el sonido rompe en explosiones y momentos sonoros inesperados.

La creación de este trabajo, desde los primeros bocetos, los ensayos y la grabación, estuvo rodeada de un sinfín de particulares sucesos y anécdotas, acontecidos con ese sentimiento de inexplicable incapacidad para poder explicar los hilos que mueven los sucesos de la vida, la devoción del encuentro de los religioso y/o místico y todo lo que envuelve e implica el buscar en uno mismo, la observación propia y el autoconocimiento, sucesos que se encuentran entre los orígenes de esta obra que se ven reflejados en la poesía que Ricardo Soulé escribió una noche (véase en el comienzo de este post), poesía que inspiraría a Willy Quiroga para dibujar la figura del hombre-arbol que aparece en el centro de la primera edición de la obra. 

Esa sensación de profundo sentimiento religioso se puede apreciar también, obviamente, en las letras que forman parte de las composiciones cantadas del disco, reflejando un encuentro con lo religioso donde se incluye esa perspectiva aurea de suceso inexplicable que tiñe los matices más significativos de la creación y la música final de la obra, dotando a la misma de una significación y una emotividad creativa que es emanada por el sonido mismo y que ha sido y es capaz de impactar en el oyente como un eco imperecedero proveniente de lugares desconocidos y llegando a lo material de nuestra vida cotidiana.

Cod: #1515

Andrew Lloyd Webber & Tim Rice - Jesus Christ Superstar (1970)

Jesus Christ Superstar es una muy ambiciosa e icónica producción, una obra clásica considerada como una ópera rock, que tuvo repercusión en su época hasta llegar a nuestros días, fue puesta en escena en teatros y hasta se hizo una película que lleva el mismo nombre. Esta obra ayudó a abrir el camino entre el rock & roll y el teatro musical, siendo una de las grandes producciones musicales de su época, codeándose con mega producciones como ‘’Tommy’’ de The Who o ‘’Hair’’,  estas producciones marcaron una época irrepetible en cuanto a calidad y compromiso político de los artistas.

En 1970, Andrew Lloyd Webber compone esta ópera rock y se asocia con un tal Tim Rice que escribe un libreto con toda la intención de montar un musical. Sin un centavo para producir toda la puesta en escena, Webber y Rice deciden invertir todos sus ahorros en grabar la música en un disco conceptual doble que combina música de cámara y rock setentero, elementos de pop, y rozando el rock progresivo y/o sinfónico. 

Adaptado libremente de los Evangelios, el argumento de la obra se centra en los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, comenzando con los preparativos de su llegada a Jerusalén y finalizando con la crucifixión. La resurrección no está incluida de manera intencionada para evitar cualquier referencia a la divinidad del protagonista.

Rice y Lloyd Webber, que se conocieron en 1965 cuando tenían 20 y 17 años respectivamente, disfrutaron de su primer éxito compartido con Joseph y el Amazing Technicolor Dreamcoat en 1968. Luego se embarcarían en la creación de esta enorme obra pero en su momento no pudieron encontrar a nadie que estuviera dispuesto a producir el proyecto como un espectáculo teatral. Lloyd Webber recordó que les dijeron que era "la peor idea de la historia".

El espectáculo se adentra en la psicología de Jesús desde el punto de vista de su discípulo Judas Iscariote, quien es retratado como una figura trágica descontenta con la dirección que ha tomado la doctrina de su maestro, y plantea un enfrentamiento político y personal entre los dos que no está reflejado en la Biblia. Durante el desarrollo de la trama se presentan numerosos anacronismos intencionados, como actitudes y sensibilidades contemporáneas.

Antes de su estreno en Broadway y el West End, Jesucristo Superstar fue grabado en forma de álbum conceptual con Ian Gillan (vocalista de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas e Yvonne Elliman como María Magdalena. En el disco también tomaron parte Mike d'Abo (líder de Manfred Mann) como Herodes y el cantante de glam rock Gary Glitter (acreditado como Paul Raven) en el papel de uno de los sacerdotes, además de una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos de rock.

La grabación salió a la venta en 1970 y consiguió llegar al primer puesto del Billboard en dos ocasiones. Las canciones "Superstar" (interpretada por Murray Head y The Trinidad Singers) y "I Don't Know How to Love Him" (interpretada por Yvonne Elliman) fueron publicadas como singles y se convirtieron en éxitos. 

Es que se trata de una obra con una contundencia y efectividad letal, nacida de arreglos punzantes, virtuosismo musical, orquestación, arreglos corales y de voces alucinantes (se destaca el papel de Ian Gillan), plasmada en una lista de composiciones enorme (disco doble) en la que aparecen cantidad de temas robustos y muy eficaces, era una obra destinada a grandes cosas.

La obra completa es muy ambiciosa y eleva la vara a un lugar muy alto en tanto a musicales o grandes producciones vinculadas al rock y a la música religiosa. La mayoría de las canciones son pegadizas y agradables, y la impecable musicalidad incrementa esta sensación y revitaliza el material que pese al paso de los años no parece haber perdido vigencia. 

El álbum conceptual de Jesucristo Superstar tiene un estilo rock muy distinto a los posteriores trabajos de Lloyd Webber. Esto se debe principalmente a las voces de Ian Gillan y Murray Head, al empleo de arreglos con varias capas de sonido que combinan elementos rock con otros más clásicos y a la participación de conocidos músicos del género como el bajista Alan Spenner, el batería Bruce Rowland o los guitarristas Neil Hubbard y Chris Spedding.

Cod: #1391