30 may 2021

Tribo Massáhi - Estrelando Embaixador (1972)

Este es llamado a menudo como el santo grial perdido de la música psicodélica brasilera, una rareza de la música under afro psicodélica de su época en su natal Brasil, que actualmente es prácticamente difícil de conseguir en su tirada original de época por la que se llegan a pagar grandes sumas; sumado a esto tenemos el hecho de que hay escasa información sobre los orígenes del grupo y su historia, lo que acrecienta aún más el misterio y exotismo de todo el asunto.

‘’Tribo Massáhi’’ fue la banda creada por Embaixador a finales de los 60s. Embaixador era un personaje muy conocido en Beco da Fome, en Copacabana. El lugar era frecuentado a menudo por muchos artistas que buscaban trabajo en la televisión o el cine y Embaixador era el tipo que podía conseguirles oportunidades como extras. Embaixador logró llegar un día a un estudio para hacer el disco, probablemente gratis. Llamó a los músicos y fueron al estudio de la Rua do Senado y grabaron esta joya perdida, que fue finalmente publicada en 1972 en una tirada menor de 3000 discos en un sello discográfico pequeño, ‘’River's’’.

A menudo y/o con suerte, cuando un disco tuvo en su época pocas tiradas, con el paso de los años puede llegar a convertirse en un artículo de culto anhelado por los coleccionistas, en este caso este artefacto ha alcanzado ese lugar y su música ayuda en gran medida a que eso ocurra, tratando de un especie de crossover artístico que circula entre ambientes psicodélicos inspirados en la tropicalita y música groove afro inspirada en el funk, de ello queda un sonido groove hibrido desplegado en atascos hipnóticos embebidos en una reverberación general que dota de un carácter de ensueño a todo el despliegue musical, no faltando las guitarras funk y percusiones típicas afro, sumado a los agregados vocales del coro de voces femeninas presentes en el grupo.

En la contraportada de la reedición oficial en vinilo de 2015 por Goma Gringa Discos se puede leer la siguiente inscripción: " Este es un sonido formado en Brasil. Con todos los miembros brasileños. Pero el propósito es mostrar la música africana joven, con todos sus matices que caracterizan los orígenes de la música del continente negro. En este disco sacamos muchas cosas curiosas. Partiendo del diseño rítmico, que se basó en el paso del ‘’camello’’, que encaja en la división 4/4, en la misma línea que YÁ YÁ YÁ y SOUL MUSIC, que recibió el nombre de OGA, esto se debe a que en Lagos, Nigeria, es un trato íntimo entre amigos. Allí, el hombre es bien considerado cuando es tratado como un OGA’’.

Todo  el repertorio de tracks está plasmado de manera que no haya un corte entre las diversas pistas sino que funcionan todas conectadas, siendo cada lado del disco original una continua sucesión de tracks sin el corte de silencios, y parece como si los músicos se hubiesen divertido en la grabación, es toda una fiesta entre los gritos, cantos, cantos corales y diálogos, en brasilero, que se desparraman a lo largo de todos los tracks entre bellas canciones de un tropicalismo típicamente alegre y efusivo. 

Todo el trabajo es un collage de tracks pegados entre sí, donde aparecen los arreglos instrumentales y corales de la banda, y donde, eventualmente, aparecen algunos agregados sonoros como sonidos de vuelos de aviones. Los tracks se construyen con agiles armonías funky en guitarra, por lo que cuentan con una notable agilidad y un constante ritmo que prácticamente no se detiene en todo su viaje desde el comienzo del mismo trabajo. Las distintas piezas se caracterizan además por su carácter melódico cancionero, son canciones en su mayoría pegadizas que invitan a bailar, de una influencia pop y del tropicalismo. También la cultura afro está muy presente, en percusiones típicas, en cantos típicos que se acercan al soul, voces negras, melodías robustas y exóticas, y una reinterpretación del funk negro a la brasilera, ornamentándolo con un carácter festivo, alegre, y con la evidente dosis psicodélica.

El álbum tuvo varias tiradas piratas entre 2013 y 2014, pero no fue sino hasta 2015 que Goma Gringa Discos logra hacerse con una copia original en perfecto estado del disco original de época, gracias a la cual se pudo reeditar oficialmente el trabajo, publicándolo en una reedición en vinilo en el año 2015. Finalmente la reedición fue también insuficiente porque se agotó rápidamente para la venta.

Los ritmos agiles, las esencia festiva y las buenas presencias melódicas dan como resultado un sonido alegre que retrata el quehacer social de su época en su Brasil natal, típico de las discotecas y fiestas de la época, típico de la idiosincrasia brasilera. Con un ritmo contagioso y ambientes movidos logran establecer un estándar social y un sonido único en su tipo que se replicó en la mira de los coleccionistas de todo el mundo como un trabajo perdido y anhelado por coleccionistas y conocedores. Es una obra que bien vale la pena rescatar del olvido.

Cod: #1562

26 may 2021

The Braen's Machine - Underground (1971)

Este fue un grupo fantasma que cuenta con el favor de la influencia de la música psicodélica, por lo que las piezas son bastante trippy, aunque a la vez también cuenta con esa dosis de influencia de la música progresiva italiana, por lo que no es una psicodelia rasa o un rock sustentado en un estilo estándar sino que se encuentra estilizado por bases percusivas similares al funk y aplicaciones en teclado que recuerdan al jazz fusión, por lo que en general es todo un encuentro de estilos que generan una amalgama interesante de escuchar.

Es además una publicación de biblioteca, o sea una tirada privada que funciona bajo estándares del estilo, piezas cortas, y fusiones y experimentaciones a las que se les dio el visto bueno para ser desarrolladas libremente, con una esmerada visión en la fusión, un estilo de música instrumental y psicodélica y que a menudo también se la etiqueta dentro del progresivo italiano, que podría usarse como banda sonora de una película. 

Lo cierto es que de progresiva esta música tiene poco en cuanto a lo que el rock progresivo italiano respecta, tiene una influencia directa más que nada con la psicodélia, caracterizada por una guitarras a tope distorsionadas y acidas, con ese sonido característico de la época, sumado a esto algunos pasajes varios de las pistas donde aparecen algunos efectos donde el sonido se diluye y entra sutilmente en un trip musical, además de las pistas que en general son viajes instrumentales bastante experimentales. Es todo el grupo que cumple un rol satisfactorio dentro de la performance ágil que presentan, donde la conjunción de cada instrumento sumado a la acidez de la guitarra y la versatilidad de los teclados que dan como resultado a un sonido altamente psicodélico.

Otro rol preponderante en la música lo cumplen los teclados, que alterna en protagonismo con la guitarra eléctrica, alcanzando muchos momentos en los que son las mismas teclas, muchas veces con algún efecto reverberante, las que copan el sonido en las sesiones, dotándole a las piezas de un aire de amplitud y versatilidad mayor al que tiene, y sumándole además de ese aire trippy jazz/prog con el que cuenta el sonido.

Es verdad que el misterio bajo qué concepto se creó el grupo o para qué se produjo esta banda aumenta el aura en torno al disco. Además, las tiradas originales del disco actualmente son increíblemente codiciados y alcanzan precios elevados. Todo esto suma como un aura alrededor de la producción musical, como es el caso de otros tantos discos de similares condiciones como el disco homónimo de culto ‘’Sintesis’’, de la banda argentina Sintesis, o el misterioso disco de culto ‘’Estrelando Embaixador’’ del grupo brasilero Tribo Massáhi, entre tantos otros, colocando en este caso a ‘’Underground’’ en un lugar particular, pero del cual se puede hacer la salvedad de que la música, en este caso también, presenta una condición que está a la altura del circunstancias con una esmerada fusión y producción.

El cuarteto que compuso el grupo consistía en Alessandro Alessandroni en guitarra eléctrica, Antonello Vannucchi en teclados, Maurizio Majorana en bajo y Gegè Munari en batería. La producción de esta música es también asociada a la figura de Piero Umiliani, un famoso compositor italiano fundador del sello discográfico Liuto, sello bajo el que se publicó este disco. Es bastante seguro que el nombre Bren’s Machine ocultara las identidades de los compositores de las piezas, las cuales están acreditadas a ''Braen'' y ''Gisteri'', pseudónimos bajo los que figuraban Alessandroni y Umiliani.

Cod: #1561

22 may 2021

Reign Ghost - Reign Ghost (1969)

 
Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.

A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970.
El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical Hair y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.

La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.


El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película 2001: Odisea en el Espacio en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.

Long Day Journey es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.

Standing Room Only, Mr. Mars se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.

Eyes Know, So Does Ears and Carolina es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.

Curio Shop es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de Country Joe & The Fish o incluso de Baroque #1 de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.

Black Ode ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.

Gum Wrapper Song es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.

Southern Hemisphere Blues Legacy es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.

Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.

Cod: #1560

20 may 2021

Julian Jay Savarin - Waiters On The Dance (1971)

Este disco forma parte de una trilogía fallida planeada originalmente por el compositor Julian Jay Savarin, un músico y escritor de ciencia ficción proveniente de Dominica y radicado en Gran Bretaña en 1962, el cual comienza a idear un concepto musical propio inspirado por al activa escena de rock local. Julian Jay Savarin, nacido en 1950, un artista polifacético, músico, compositor, poeta y autor de ciencia ficción.

Se trata de una música con considerables miras progresivas, por lo que muchas  pistas cuentan con pasajes de exploración compositiva, habiendo encontrado los músicos un sonido propio dentro del cual funcionar, continuando de alguna manera con la línea que habían trabajo desde el primer lanzamiento discográfico que presentaron, ‘’A Time Before This’’, publicado en 1970 bajo el nombre de Julian's Treatment. Debido a problemas de gestión, promoción y dinero, el ’Julian's Treatment desapareció rápidamente.

Julian volvió a escribir, concentrándose en la segunda parte de su trilogía que tenía en mente. Dos años más tarde, Birth records se acercó a Julian para hacer un nuevo álbum. Solo el bajista John Dover se mantenía de la formación anterior, otros músicos de la nueva banda de Julian eran Nigel Jenkins (guitarra), Roger Odell (batería) y Jo Meek (voz). En el 1973 salió el segundo álbum "Waiters On The Dance".

En esta oportunidad continuarían por esa senda conceptual, progresiva, con aires psicodélicos, con el segundo trabajo de una trilogía que no fue pero que dejó dos discos de antología dentro del sonido de la época. ‘’Waiters On The Dance’’ otro gran trabajo plagado de interesantes ideas que funcionan dentro de una música rock bien elaborada, bien ornamentada, y que pretendían extender un relato que reflejaba la poética, lírica y literatura desarrollada por compositor Julian Jay Savarin en sus publicaciones bibliográficas personales.

Consiste en una obra conceptual basada en una trilogía de libros de ciencia ficción escrita precisamente por el mismo autor, el concepto de la trilogía de libros y la posterior idea de la creación conceptual de una música basada en cada uno de los libros, que daría como resultado, en principio, la aparición de un par de trabajos discográficos, demuestran que el autor se había comprometido en una búsqueda artística (literaria y musical) y que se había tomado el tiempo necesario para procesar y madurar en él mismo el concepto buscado, siendo esta música el fruto de un arduo y esmerado trabajo que refleja los conceptos literarios, poéticos y filosóficos propios del autor.

Las composiciones varían en su complejidad progresiva, desde las composiciones más simples como ‘’Stranger’’ o ‘’Soldiers Of Time’’, hasta la primer pieza del disco, ‘’Child of the Night’’ que se revela con pasajes épicos con una construcción considerablemente extensa, plagada de buenas improvisaciones y algunas partes de esmerada composición que se extienden en el tiempo y el espacio especialmente en forma de sesión, o también aparece la pieza ‘’Dances of the Golden Flamingoes’’ que consiste en una pieza progresiva sofisticada propiamente dicha.

De alguna manera ‘’Waiters on the Dance’’ es una continuación conceptual y artística del primer disco publicado por el autor, ‘’A Time Before This’’, donde se aprecia una clara evolución musical, pasando primeramente por sonidos más psicodélicos y con visiones progresivas prototípicas, hasta llegar al segundo disco donde se presentan visiones progresivas más acabadas y complejas.

En este sonido repercuten los ecos artísticos de su época, con visiones conceptuales típicas, búsquedas ambiciosas de crear obras gigantescas, la ambición para buscar y fusionar estilos y tratar de crear algo nuevo, y la forma de relacionar conceptualmente la literatura con la música tratando de tender puentes hacia estructuras plagadas de simbolismos.

Cod: #1559

17 may 2021

Raul Porchetto - Cristo Rock (1972)

El comienzo del disco puede llegar a engañar, comenzando con los conceptos de la obertura y siguiendo con un tema de rock pesado bien al estilo de ‘’La Pesada’’, banda cuyos miembros participan en este disco, pero luego de estos temas comienza la maza acústica del disco propiamente dicha que se desarrolla en delicadas canciones folk acústicas ornamentadas eventualmente con arreglos de cuerda, apariciones de rock, apariciones de arreglos corales, y siempre siguiendo por esa línea lirica de una delicadeza melódica y una delicadeza en la interpretación del autor, carácter que se incremente con el canto tan característico del autor. Hay pasajes por donde el sonido suena como un pastiche, un collage de grabaciones alteradas, atmosferas extrañas e inventos varios, especialmente esto ocurre en el último track, el llamado ‘’Cancion VIII’’, que comienza curiosamente con un blues pero que poco a poco se deforma para terminar de ingresar hacia terrenos desconocidos, con las aplicaciones sonoras nombradas anteriormente, un mejunje tan extraño que alcanza el mote de vanguardista, con el rock/blues como excusa para presentarse pero para terminar también volcándose hacia terrenos desconocidos y que buscan la innovación sonora. 

Estos intentos experimentales son típicos del rock de aquel momento, y típicos además de quien estuvo a cargo de la producción del disco, el mismísimo Billy Bond, quien, acompañado por otros músicos estelares de la escena rock argentina de la época, como lo eran Claudio Gabis en guitarra, Kubero Díaz en guitarra, Alejandro Medina en bajo, Cacho Lafalce en bajo, Charly García en teclados, Jorge Pinchevsky en violín, Oscar Moro en batería, Jimmy Márquez en batería, se encarga de dotarle al disco, desde la producción, de algunas ideas y avances que se ven reflejados en algunos pasajes puntuales del disco, como en el primer track, llamado ‘’Cancion I’’, el ya mencionado ultimo track del disco, llamado ‘’Cancion VIII’’, y en general en algunos arreglos particulares que brotan junto a los arreglos acústicos del compositor de los temas. Estos detalles realzan esa noción que presenta la obra de ser un trabajo ‘’conceptual’’ u ‘’operístico’’, son las visiones del autor de la música hechas carne a través de la producción.

La participación de semejantes músicos de rock en este disco le dotó al mismo una significancia que se puede ver reflejada en la aparición del rock más duro, alejándose de lo acústico, como lo es en el segundo tracks, ‘’Cancion II’’, donde abandonan cualquier intento acústico para meterse de lleno en un rock, puro y duro, donde se continua con el mismo concepto lirico pero el sonido rock se impone. Sobre esto Porcheto hace referencia en un entrevista: ‘’El rock era underground, éramos contracultura, pero dentro de eso había ciertos parámetros que había que respetar. Si vos no los respetabas y ya te ibas, no sé, a lo electroacústico, directamente te querían matar... Tanto es así que no doy pie con bola nunca más con la grabadora, y aunque tenía contrato por dos años y dos long-plays, no me iban a dejar grabar a menos que yo cambiase mi enfoque y yo nunca lo hice a través de mi carrera. Así que hice un par de discos simples y luego tuve que esperar un par de años para retomar mi carrera de grabación en otro sello.’’


Se trata de un disco que parece conceptual, parece operístico, parece desarrollarse a través de un concepto que pretenden masticar y plasmar musicalmente, y de alguna forma los intentos creativos desde los nombres y estructuras de las piezas reafirman esta sensación de que se trata de una obra conceptual. El trabajo se centra en una fuerte noción religiosa pero no desde una manera de predica como lo podría ser en el rock cristiano, sino que Porcheto habla sobre religión o Jesucristo pero cuestionando aquellos estados moralmente contradictorios en los que se encuentran el establishment religioso o las instituciones relacionadas a este. Raul Porcheto: ‘’La idea del disco yo la había estructurado a partir de cómo vivenciaba la contradicción que veía entre la visión de Cristo tradicional e institucional y su figura real, su prédica y su obra.’’

Raul Porcheto declararía sobre la obra: "La obra está dividida en dos partes: en la primera gira alrededor de un gran recuerdo de una persona llamada Cristo al que la institución (la Iglesia) lo da como muerto. En la parte siguiente, Cristo está metido dentro de nuestro actual sistema social y político y da sus opiniones igual que lo hizo en su época. El personaje habla siempre en primera persona por que vive". De esta manera se aclara el porqué de la lírica y poética del disco hablando desde primera persona, inmerso desde la perspectiva actualizada en el contexto de la época en la que el trabajo fue publicado, visión que de alguna manera se podría extender hasta el presente porque las instituciones religiosas y eclesiásticas continúan manteniéndose firmes en una cúpula de poder y ambición que se desdicen del mensaje original de donde suponen partir.

Luego de la publicación de este disco Porcheto se asentó con un nombre propio entre lo más alto del rock nacional de época. Integró la banda "Reino de Munt", en la que tocaron Alejandro Lerner y Gustavo Bazterrica, entre otros.  En 1976 integró el grupo Porsuigieco, junto a León Gieco, María Rosa Yorio, Charly García y Nito Mestre. Para 1979, porchetto grabó varios álbumes en los que colaboraron artistas como Pedro Aznar, Gustavo Bazterrica, Alejandro Lerner y Lito Epumer. En 1980, Porchetto editó "Metegol" y al año siguiente, "Televisión", con la participación de los futuros G.I.T., ambos discos de rock moderno, de los primeros en su tipo en Argentina. En 1982, cuando todavía gobernaba la dictadura militar, Raúl Porchetto editaba 2 LPs: "Che pibe", que incluye el tema «Che pibe, vení votá» cantado a dúo con León Gieco y que fue Disco de Oro. En 1983, después de la Guerra de las Malvinas, editó «Reina madre», disco de platino que llegó a ser uno de los más vendidos del rock nacional.

Cod: #1558

16 may 2021

The Feed-Back - The Feed-Back (1970)

Este fue un colectivo de vanguardistas bastante emblemáticos para la escena italiana, son sinónimos de vanguardia en su época, funcionando más que nada bajo el nombre de Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza. El colectivo fue formado por el compositor italiano Franco Evangelisti en Roma en 1964. Basándose en el jazz, el serialismo, la música concreta y otras técnicas de vanguardia desarrolladas por compositores de música clásica contemporánea como Luigi Nono y Giacinto Scelsi, el grupo se dedicó al desarrollo de nuevas técnicas musicales por improvisación, técnicas de ruido y sistemas antimusicales. Los miembros del grupo y los invitados frecuentes hicieron uso de técnicas extendidas en instrumentos clásicos tradicionales, así como piano preparado, música de cinta y música electrónica. 

Durante la década de 1970, su música continuó evolucionando para adoptar técnicas y géneros como la retroalimentación de guitarra y el funk, como en el caso del disco homónimo ‘’The Feed-Back’’, al que publican en 1970, saliéndose un poco del hermetismo netamente vanguardista y presentando con sonidos que, aunque siguen presentando técnicas de vanguardia, se fusiona con algunos elementos que lo sacan del quehacer originario de la banda, sumando percusiones tomadas de un estilo funk y acercándose inéditamente a ambientes psicodélicos que se presentan en forma de distorsiones o delirios varios. 

Todo el quehacer típico de la banda (léase: experimentación con ruidos, libre ejecución, fusión de estilos, implementación de diversos instrumentos, etc.) se suma a una concepción de la música con un elemento estándar como lo es una batería que no se deja librada al azar como el resto de los elementos sino que se mantiene permanente en una ejecución constante y rígida, acercándose al funk por su agilidad, y que, aunque en algunos pasajes cambia de ritmo, en general se mantiene lineal y poco predecible, lo que rompe con el sonido estrictamente libre del típico repertorio del grupo, para así erigirse como una percusión que forma bases y tiende un puente hacia formas más escuchables para el oído convencional. Es la batería la que se encarga de diversificarse por todo el disco con su dinámica ejecución, adquiriendo un protagonismo considerable en el resultado general de este disco, y es bajo/sobre esta donde el resto del grupo despliega sus habilidades típicas como los rasgueos sonoros y quejidos varios provenientes de sus visiones y sus búsquedas vanguardistas. Probablemente si desapareciera la batería del sonido quedaría como resultado algo similar a lo que vendría haciendo el grupo en los discos anteriores, pero el resto de ejecuciones en este caso no solo solo libres aplicaciones sino que se acomodan al rol de la batería y la usan como base para ramificarse de principio a fin del disco.

Este tipo de colectivos vanguardistas se metieron tanto en la experimentación que muchos de ellos crearon sus propios conceptos y sus propias ideas que plasmaron en sus trabajos y conciertos que a menudo eran auténticos manifiestos, declaraciones de intereses que nacían desde lo académico pero que chocaban con los tradicionalismos del estilo clásico, utilizando las técnicas y conocimientos formales para crear algo generalmente rechazado por los tradicionalistas y puristas.

El ‘’Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza’’ es una asociación cultural musical sin ánimo de lucro, que tiene como objetivo difundir el conocimiento de la música contemporánea italiana y extranjera, con especial referencia a la puesta en valor de la nueva música. El grupo tiene como objetivo producir y difundir música contemporánea para asegurar una presencia relevante de esta en el mundo de la música y la cultura, ofreciendo espacios de encuentro entre generaciones de compositores. Tiene como objetivo aumentar la visibilidad del repertorio musical y performativo del presente a través de eventos musicales y multimedia, debates, conferencias, publicaciones y grabaciones, seminarios didácticos, talleres para escuelas, conferencias.

El grupo tuvo una fuerte participación en el quehacer vivo de la música vanguardista y experimental, no solo por su música en sí mismo sino por todos los emprendimientos, debates y vinculo que tendió como redes hacia todos los compositores de cada época en la que transito hasta llegar al día de hoy. Ello declaran abiertamente que: ‘’En sintonía con las principales corrientes artísticas y culturales de la posguerra, la actividad de Nuova Consonanza parte del debate de las vanguardias de los 50/60 (recordamos la colaboración con las "Semanas Internacionales de la Nueva Música" en Palermo), con especial preferencia el fenómeno aleatorio, los aspectos teatrales, la integración entre las diferentes experiencias artísticas (musicales, visuales, poéticas) y una especial atención a las nuevas tecnologías electrónicas. De hecho, de esos años recordamos la realización de conciertos de música por parte de todas las figuras más importantes de las nuevas generaciones de compositores (entre otros Nono, Berio, Maderna, Stockhausen, Kagel, Schnebel, Ligeti, Castiglioni, Donatoni, Bussotti, y miembros fundadores), los primeros conciertos públicos de música electrónica, actuaciones de intérpretes como D. Tudor y F. Rzewski y el nacimiento del Grupo de Improvisación Nuova Consonanza.’’

Cod: #1557

13 may 2021

Guru Guru - Hinten (1971)

Incorrección política, búsqueda sonora, experimentación con electrónica, etc., eran esos puntos por los que circulaban las bandas alemanas de la época, como Guru Guru, un grupo con pergaminos dentro del ‘’género’’, pionera al crear un estilo propio dentro de un sonido alemán que en general buscaba romper con los convencionalismos del rock & roll y la música pop estándar, para llevarlo a nuevas esferas de concepción creativa y siempre con la fusión de rock con electrónica como bandera.

Luego de sus primeros discos Guru Guru comenzó a transitar por un sonido de rock más estándar, pero fue en esos primeros dos o tres lanzamientos cuando su llama inconformista estaba encendida en su máximo esplendor, por lo que a menudo en estos primeros lanzamientos nos encontramos con momentos que viran insistentemente hacia el desconcierto, un desconcierto eléctrico plagado de ingeniosos inventos en guitarra distorsionada. ‘’Hinten’’ representa uno de sus momentos más inconformistas, cuando ya la portada del mismo disco nos declara que se habían salido de las vías comerciales, y su contenido sonoro reafirma esta declaración de intereses.

Ellos parecen beber de muchas fuentes, desde el rock, R&R, psicodelia, elementos espaciales, elementos electrónicos, desarrollos progresivos, todo al servicio de la construcción de una música rock descocida de su lógica que evoca epopeyas eléctricas inciertas mientras se adentra cada vez más en complejos atascos medio improvisados medio elaborados, con algunos riffs, ingeniosas invenciones rockeras en guitarra y full solo de guitarra eléctrica, instrumento que comanda las sesiones. Véase el detalle de que uno de los tracks se llama ‘’Bo Diddley’’ (Bo Diddley fue un negro blusero norteamericano), como haciendo un guiño irónico como referencia a las influencias de la música negra estadounidense que transitaron en sus orígenes como artistas.

El krautrock tuvo un vínculo directo con la psicodélia, movimiento del cual se nutrió e influenció tanto en lo artístico, como en lo político, moral e ideológico. La psicodelia significó una noción musical que marcó considerablemente el quehacer artístico de muchas bandas alemanas de la época y se plasmó como prueba de ello en la identidad sonora de las mismas, ya sea en las extensas jams espaciales de Ash Ra Tempel, en el sonido lisérgico del ‘’Electrip’’ de Xhol Caravan, o en los primeros discos del mismísimo Guru Guru, que se caracterizaban por las extensas sesiones improvisadas con dominio de los solos de guitarra eléctrica con sonidos distorsionados.

‘’Hinten’’ está compuesto por cuatro extensas piezas, la mayoría rockeras, de alrededor de diez minutos cada una, extensas sesiones donde se puede apreciar que la banda se abocaba a piezas de construcción, no necesariamente virtuosas o académicas pero que sí evidencian una búsqueda sonora con considerable plasmación en un desarrollo expresado en sesiones con diversas partes internas o diversas variaciones en intensidad y elementos, apareciendo generalmente el rock eléctrico en los momentos más agitados y apareciendo momentos espaciales o psicodélicos en las partes más tranquilas.

Por si fuera poco el desconcierto, en el último track del disco, llamado ‘’Space Ship’’, la banda aminora considerablemente el lado rockero y se adentra en una sesión dominada por ruidos, acoples, diferentes efectos electrónicos, acompañados por sonidos y algunas notas de la guitarra eléctrica además de la banda que sigue funcionando por momentos en el trasfondo de la pieza. Este parece ser un sello característico de los álbumes del krautrock de la época, que muchos a menudo se adentraban en la experimentación y mostraban por lo menos un track de puro ruido eléctrico, cosa que Guru Guru ya había hecho en su primer disco ‘’Ufo’’ de 1970, en la pieza homónima ‘’Ufo’’, y que repite en esta cuarta y última pieza del disco, ‘’Space Ship’’, otro guiño a lo espacial.

Cod: #1556

2 may 2021

Shuttah - The Image Maker Vol. 1 & 2 (1971)

Este trabajo representa una incógnita de su época y especialmente dentro de la escena inglesa, que es de donde proviene la obra. Un trabajo cuyos músicos creadores son desconocidos, misterio que se acrecienta al escuchar lo pulido y esmerado de la composición y producción del disco, lo que deja el interrogante de cómo es que produjeron semejante trabajo y quien estuvo a cargo del desarrollo creativo y producción del mismo. Esta es una obra que le hace honores a su época, una obra que pareciera ser conceptual u operística debido al despliegue de las composiciones, que avanzan en un continuo de partes y sub partes, como si desarrollaran un concepto, lo que deja como resultado un trabajo muy complejo, variado, transitando por un sinfín de momentos diversos y partes que unidas entre sí pero diferentes a la vez.

Hay un abanico de estilos que convergen en este sonido, tanto blues, rock, pop, elementos de jazz, estilos que se unen para dar vida a un sonido sin nombre nacido de una inventiva creativa llamativa que hace del sonido una variada experiencia para ser explorada a lo largo de los dos discos que componen el original vinilo doble de época. Además de esto, hay muchas partes en las que aparecen grabaciones de campo como ambientando o escenificando la producción y ubicándola en algunos contextos históricos antiguos.

Es un verdadero artefacto perdido del rock inglés y uno de los primeros ejemplos de un disco conceptual teatral completamente realizado. es un trabajo difícil de signar bajo un estilo particular, es rock pero no necesariamente progresivo o psicodélico, aunque estos dos estilos puedan significar influencias creativas para el estilo del disco, este es más bien de una música de estilo propio que toma mucho de los estilos que rondaban en las bandas de la época para reordenarlos de manera propia y crear así una obra conceptual referente al conflicto de la Segunda Guerra Mundial

Shadoks Music se contactó con Geoff Oliver, el antiguo propietario de los estudios de grabación de IBC, pero este no recordaba ninguna de las grabaciones realizadas por Shuttah en su estudio: había demasiados ingenieros ocupados al mismo tiempo durante esos días dorados de Londres. IBC era famoso por hacer grabaciones para bandas como The Kinks, The Who y The Beatles, además de muchas, muchas otras, lo que lleva a uno a la conclusión de que esta grabación de Shuttah era muy cara de hacer, por lo que debe haber habido un músico referente o alguien importante apoyando al proyecto. 

La grabación, los arreglos y los conceptos están a un nivel profesional muy alto. Incluso una búsqueda en el control de derechos de autor del Reino Unido no mostró ningún resultado que revelara la identidad de quién era exactamente Shuttah. Dado que los acetatos originales aparecieron hace muchos años, este sigue siendo un misterio sin resolver muy provocativo del underground británico. La palabra ‘’Shuttah’’ es una referencia religiosa. El título del álbum ‘’The Image Maker’’ también se adapta al significado religioso.

Se cree que el disco fue grabado alrededor de septiembre de 1971, sin portada, en forma de doble acetato, con etiqueta amarilla IBC Studios (visible en la reedición en cd), en Londres, pero nunca fue lanzado en su momento, un trabajo completamente desconocido para su época. Fue recién en 2005 que Shadoks Music lo reedita en un cd doble, rescatándolo del olvido y poniendo en la palestra púbica el misterio de este trabajo y del desaparecido grupo que pudo haber creado este excitante trabajo que se ubica entre los primeros trabajos conceptuales de rock, una obra muy bien producida y pulida y con un despliegue musical destacable.

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