25 may 2022

Far East Family Band - The Cave Down to the Earth (1975)

Considerado por muchos como el primer grupo de rock progresivo japonés, Far East Family Band fue una banda importante en la escena de su país, creando una estética que a menudo se lo relaciona con el krautrock y el space rock por la implementaciones de sintetizadores, aunque más que nada se ubica en la escena progresiva, con la directa influencia de bandas del género como Pink Floyd, influencia que se refleja por lo menos en este primer disco que la banda lanzaría, demostrando ecos del ‘’Dark Side Of The Moon’’ o incluso de sonidos de los primeros Pink Floyd.

El grupo comenzó su carrera a comienzos de la década del 70, bajo el nombre de Far Out, alcanzando a lanzar bajo ese nombre el homónimo ‘’Far Out’’ de 1973. Pero fue alrededor de 1975 cuando el grupo se reforma transformándose en Far East Family Band, ya como entidad más estable en la escena japonesa con la que lanzarían varios discos. El primero de ellos es el épico "The Cave" Down To The Earth en 1975. 

El trabajo es un variopinto de momentos, entre pasajes electrónicos espaciales bastante hipnotico y agradables, para pasar a momentos de rock con buenas guitarra rockeras, hasta llegar a épicos solos de guitarra en canciones melódicas, todo un paquete que recuerda calcado al estilo de Pink Floyd, incluso el parecido es mucho, casi copiado del sonido de la banda inglesa, tal vez sea una referencia o una forma de homenajear a la influencia extranjera.

De todas formas Far East Family Band logra intervenir vocalmente en japonés, lo cual es un gran logro para la esencia propia de la banda, la cual tampoco se que atrás con las diversas experimentaciones que aparecen en el disco. el acercamiento a lo psicodélico es sutil, ya alejados de esa era pero con guitarra que recuerdan al estilo, momentos conceptuales y experimentaciones sonoras.

El sonido de este disco es un invento entre experimentaciones electrónicas, momentos espaciales, solos épicos de guitarra, rock, momentos melódicos, momentos conceptuales, algo de psicodelia, y letras cantadas en japonés, el resultado es un álbum mítico de la escena de su país. Si bien el sonido puede ser algo monótono conforme avanza el trabajo, es la variedad de elementos e implementaciones las que realzan al sonido y le dan una nueva vida en el mundo de lo progresivo o ‘’art’’.

El tecladista Kitaro, que se había unido el grupo a principio de los 70, con sus intervenciones, influyó en la creación del sonido psicodélico distintivo de la banda, quien luego se estableció como un importante artista de la nueva era en los años 80. Aunque la banda a menudo también se categorizaba como new age, su sonido era claramente progresivo y a menudo generaba comparaciones con Tangerine Dream y los primeros Pink Floyd.

En el mismo año siguieron con el album ‘’Nipponjin (Join Our Mental Phase Sound)’’, que reversióna piezas del álbum Far Out y que fue mezclado por Klaus Schulze. Schulze también mezcló y produjo el tercer álbum del grupo, ‘’Parallel World’’, en el que se puede escuchar la influencia de su música electrónica.  Fue la influencia y el acercamiento de Schulze a la banda la cual ayudo a dar al grupo un renombre internacional

Sin duda inspirado por los propios trabajos en solitario de Schulze, Kitaro (Masanori Takahashi) eventualmente dejaría la banda antes de su cuarto y último álbum ‘’Tenkujin’’, y después de viajar solo por Asia, pronto comenzaría su propia carrera en solitario como artista, compositor, productor de discos y arreglista, haciéndose conocido por su música electrónica e instrumental, y a menudo considerado como uno de los artistas más destacados del new age.

Cod: #1664

24 may 2022

Nektar - A Tab In The Ocean (1972)

La banda anglo-alemana Nektar es una banda de épicas progresivas, y su segundo disco, ‘’A Tab In The Ocean’’, es una de sus mayores susodichas. Este trabajo de elemento acuático comienza ya con los primeros instantes con algunos efectos electrónicos que simulan las olas del mar, para dar pie al origen de una suite progresiva de diecisiete minutos que abre el disco y se ubica como el primer track del trabajo. Una pieza tan compleja como agradable a la escucha que transita por incontables pasajes instrumentales internos, mientras se desase y reconstruye a sí misma en una avanzada progresiva de vanguardia con épicas que difícilmente se hayan vuelto a repetir en el mundo de este género.

La banda había hecho su debut discográfico un año antes con su disco, otro favorito, ‘’Journey To The Centre Of The Eye’’ de 1971, ya demostrando ser una banda progresiva de temer, pero en su segundo lanzamiento el grupo avanza, evoluciona, demostrando que habían transitando mucho más camino por la senda progresiva, manifestándose en composiciones más extensas e intrincadas, siendo ya una agrupación madura con miras a esas épicas que quedan para todos los tiempos, o por lo menos dentro del mundo de lo que al prog responde.

El lado A del vinilo original estaba ocupado originalmente por una pieza homónima de diecisiete minutos, mientras que el lado B estaba ocupado por tres piezas más cortas. Es en el lado B donde el aventurero puede seguir obteniendo el elixir del grupo, ya en piezas más cortas pero no menores. Como la épica ‘’Desolation Valley / Waves’’, otra composición arrolladora y con un carácter personal muy marcado, aunque esta vez con más forma de canción entre estrofas y estribillos instrumentales. Todo el lado B del disco funciona también de manera continua, no habiendo cortes entre canción y canción sino que se unen para formar una trilogía de pistas prog poderosas.

El grupo tiene una maestría en el manejo y composición de estructuras e instrumentales progresivos, todo el disco está plagado de momentos instrumentales épicos muy entretenidos y que no decaen nunca, ‘’A Tab In The Ocean’’ es una obra maestra del género. También manejan muy buen la construcción de la canción desde la mirada también del rock mismo, con acercamiento al hard rock entre momentos duros, riffs y arreglos de guitarra.

Nektar fue originalmente un grupo de músicos británicos que vivían y trabajaban juntos cerca de Heidelberg, en el sur de Alemania, entre principios y mediados de los años setenta. Tuvieron un gran éxito tanto con sus álbumes como con sus shows en vivo, que fueron famosos por una mezcla aventurera de buen sonido y visión en vivo, debido al espectáculo de luces que cubría a la banda durante sus presentaciones en vivo con motivos psicodélicos. La conexión entre su música y el arte de Helmut Wenske, quien también diseñó tres de las portadas de sus discos más exitosos, los hizo únicos y todavía recordados hasta el día de hoy entre quienes vieron sus primeros shows o conocen sus discos.

Nektar se formó en 1969 con Allan Freeman en teclados y voz, Roye Albrighton en guitarra y voz, Derek Moore en bajo, melotrón y voz, y Ron Howde en batería. Los años 70 les dieron la ocasión de publicar algunas obras maestras, como por ejemplo "Recordar el futuro" (1973) y "Reciclados" (1975). Cada uno es un álbum conceptual que es una buena combinación de guitarra melódica y teclados con una historia vocal. "Journey To The Center Of The Eye" es una epopeya alucinante con mucha guitarra echoplex y melotrones duales que está bastante en sintonía con el space rock, la psicodelia y un acercamiento al krautrock que los rodeaba, pero definitivamente eran de estilo británico.

Cod: #1663

22 may 2022

Continuum - Autumn Grass (1971)

Aquí hay otro disco único en su tipo, que fusiona rock y jazz con música clásica lo cual no era algo atípico en su época pero que sí lo hace de manera muy particular y única. La banda ya había experimentado con algo similar en su primer disco, el homónimo ‘’Continuum’’ de 1970, donde presentaba algo así como estudios para guitarra clásica acústica donde aparecían sabores de jazz, pero para su segundo trabajo, ‘’Autumn Grass’’ de 1971, el grupo avanza hacia un adelante mucho más arriesgado y presenta fusiones y experimentos mayores y mucho más profundos.

Tanto el jazz como el estilo clásico tienen su lugar en el sonido, transmutándose de acuerdo a la ocasión del disco y las circunstancias del mismo al combinarse fraseos clásicos con bases de bajo jazzeras, o arreglos clásicos de piano con baterías también jazzeras, la fusión es exquisita. Por momentos parece escucharse jazz fusión y el grupo se adentra en atascos con buenas improvisaciones y buena sincronía entre los músicos envueltos en una sola cosa oscura y extraña que nace del jazz y el experimento.

La obra se divide en cuatro piezas, tres de las cuales ocupaban el primer lado del vinilo original y la última, siendo un monstruo de veintiséis minutos de duración, ocupando todo el segundo lado del vinilo original de época. Por momentos parece está escuchándose un concierto para piano, esa es la rigurosidad del sonido y la búsqueda académica aplicada desde los orígenes, aunque obviamente no es solo música académica y ya, aquí hay exploraciones por terrenos de fusión que trascienden lo académico y rondan también hacia lo experimental, sinfónico, fusión, con momentos hasta psicodélico y sutiles apariciones de rock. No podría decirse que se trata de rock progresivo propiamente dicho, aunque tiene sus lazos con el estilo y podría ubicarse dentro de una colección del género.

El mencionado segundo lado del disco está ocupado por una gigantesca pieza de casi media hora de duración en la que el grupo parece haberse desquiciado, una pieza excesivamente larga compuesta por Patric Standford específicamente para la banda, la portada describía la pista como "una invocación ritual". Varios músicos invitados contribuyen a la suite, en particular la sección de violonchelos Olympus Strings.

El disco fue grabado por dos formaciones diferentes. Las tres piezas del primer lado fueron grabados por la nueva formación con la que el grupo contaba y que se había formado para representar el segundo lanzamiento, siempre con multiinstrumentista Yoel Schwarcz a la cabeza. El segundo lado del disco fue grabado por los cuatro miembros originales que formaron parte de la grabación del primer disco del grupo.

El trabajo es totalmente infravalorado pero lo es también de alguna manera por el desconocimiento tal vez del publico prog hacia el mismo, seguramente el tiempo lo pondrá en su lugar pero tampoco es necesario, esta clase de joyas tienen y tendrán por siempre un lugar en el under, esperando a ser descubiertas o no, con su luz propia, sus experimentos, sus atrevimientos y fusiones prototípicas, sus inventos y su sonido detectable pero totalmente inclasificable bajo una sola premisa musical.

Continuum fue concebido en Holanda por el multiinstrumentista húngaro Yoel Schwarcz en 1967. Después de mudarse al Reino Unido, se unió con el pianista Tim Rice, el bajista Peter Billam y el baterista Harvey Troupe, grupo que desarrolló un tipo único de música fusión que unía culturas de orígenes diversos y las incluía en una sola cosa fusión. Aunque el proyecto se formalizó en el marco de una banda, Schwarcz era el líder nato y la música era la criatura bastarda de sus visiones y ocurrencias.

La banda continuó de gira después del lanzamiento de "Autumn Grass", pero surgieron las omnipresentes diferencias musicales y el fundador Schwarcz decidió que era hora de seguir adelante. Los miembros restantes mantuvieron a la banda en funcionamiento durante unos meses más, pero cuando quedó claro que sus esfuerzos eran inútiles, se disolvieron. Yoel Schwarcz se convirtió en músico de sesión e ingeniero de sonido, y estuvo de gira con Henry Cow, entre otros. Ha vivido y trabajado en Francia y el Reino Unido estando involucrado en una amplia gama de proyectos relacionados con el sonido. Se retiró de ese trabajo a principios de 2006 y compró una pequeña granja en el valle del Loira, donde sigue activo en los campos de la música y el arte.

Cod: #1662

17 may 2022

Nazca - Nazca (1984)


Esta es una música excelsa que contiene en su interior las fibras antropomórficas de una cultura y sus raíces, a las que plasma retorciéndola desde el vanguardismo y la música de cámara, el resultado es una obra de rock tan vanguardista que prácticamente el rock como se lo conoce no se puede escuchar, para aparecer un sonido de música de cámara profundamente experimental y sinfónico. 

Las composiciones son tan complejas que se las compara con estilos como el R.I.O. y con la música de cámara, es que no se trata de canciones ni de estricto rock progresivo, este sonido va mucho más allá en la extravagancia y atrevimiento, a tal punto que desde que comienza el mismo disco hasta su final se puede escuchar una travesía por tierras de un oscurantismo sinfónico vanguardista totalmente propio y comparable a las mejores bandas de la vanguardia progresiva mundial, no tiene nada que envidiarle a nadie.

Aunque esto trasciende lo tradicional y local de su México natal, no tanto del sonido hace relacionar al sonido con su cultura local, este es más bien un emprendimiento de tipo vanguardista que pareciera ser creación de músicos académicos de alto nivel entre los que aparecían instrumentos como el piano, viola y violín, batería e instrumentos de viento como el oboe y fagot.

Quien quiera sumergirse de lleno en el mundo del vanguardismo académico, rock contracorriente, y vanguardias en el mundo de lo prog, sin dudas este es un muy buen disco a descubrir. La complejidad manejada sobrepasa el mote de canción, e incluso sobre pasa el mote de la composición misma, oyéndose un sonido oscuro, lúgubre, de vanguardia pura que parece haberse inspirado tanto en las vanguardias progresivas como en la música clásica propiamente dicha, el resultado es ineludible.

Aquí hay mucho dando vuelta, desde fusión, RIO, clásica de cámara, vanguardismo, elementos autóctonos entre melodías y sonidos, rock sinfónico, etc. Pero a la vez no es nada de esto, siendo un experimento difícil de encasillar en algo en particular, todos estos elementos se encuentran en el sonido del disco, del cual se desprende la noción principal de que la banda estaba plasmando sus propias visiones y creaciones.

La profundidad que alcanza el grupo es sorprendente y se asemeja al de la música clásica propiamente dicha, debido a la cantidad de cambios y estados de ánimo por el que el sonido logra transitar, siendo oscuro por demás y demostrando una dramaturgia también profunda que destruye al rock y lo convierte en un ente viviente que transita por distintos momentos y sub estados internos mientras transitar por el vanguardismo más puro.

Generalmente estos géneros florecieron en la Europa vanguardista desde principios de la década del 70 y más especialmente hacia finales de dicha década, desde entonces poco a poco se ha ido esparciendo el género en el mundo y fue justamente la banda Mexicana Nazca la que propuso este nuevo emprendimiento y estos nuevos sonidos que fueron pioneros en el mundo progresivo y vanguardista latinoamericano.

La banda nace en Mexico y lanzó solamente un puñado de discos, dos de estudio y uno en vivo. Con clara influencias de bandas de estilo RIO como Henry Cow, Art Zoyd y Univers Zero. El grupo estaba integrado por Alejandro Sanchez en violin, Carlos Ruiz en oboe y fagot, Guauahtemoc Novelo en batería y percusión, Jorge Gaitan en bajo y viola, y Carlo Nicolau en piano y chelo.

Cod: #1661

14 may 2022

Atlantis Philharmonic - Atlantis Philharmonic (1974)

Tal vez el estilo engañe pero esta banda no es inglesa sino estadounidense, proveniente de Ohio más precisamente, pero que supieron beber de la fuente progresiva anglosajona del momento  para crear su identidad dentro del género. Esto se puede ver ya en la primera composición que aparece en el disco, una pieza netamente progresiva que evoluciona casi sin repetir partes, en la que aparecen atascos vertiginosos de teclas, a los ELP, para terminar con momentos sinfónicos.

La aparición de mellotrones ayuda a incrementar ese don sinfónico con el que cuenta el sonido, ya anunciado desde el nombre de la banda y proclamado en un sinfín de pasajes en el homónimo ‘’Atlantis Philharmonic’’ de 1974, el primer lanzamiento del grupo. 

Hay sabores tomados de muchos lugares, desde momentos sinfónicos a lo Crimson, momentos más hard rockeros, momentos más clásicos a lo ELP, todo empaquetado en un sonido progresivo poderoso y bien rockero, con alta efectividad en los arreglos, muchas guitarras duras y gran despliegue en el desarrollo de las piezas, las cuales se sueles desenvolver en desarrollos evolutivos.

El sonido parece beber de muchas fuentes y lograr desarrollar su sonido propio pese a que por varios momentos evocan epopeyas ajenas. Esto no parece ser un problema porque han lograr construir un disco con un carácter progresivo neto, que toma de la mano al rock y lo eleva hacia composiciones muy esmeradas.  Las construcciones melódicas de las partes progresivas, o de las canciones propiamente dichas, también parecen particulares, habiendo bebido tal vez de bandas locales debido a ese sabor melódico popero con el que cuentas en muchos de sus pasajes.

Este grupo originalmente se formó como un dúo en los EE. UU., en Cleveland a principios y mediados de los 70, integrado por Royce Gibson en la batería y el multiinstrumentista Joe DiFazio en todo lo demás, o por lo menos así figuran en los créditos de su primer disco, de 1974. Aunque en realidad hubo un tercer músico que supo participar en la banda y lo era Roger Lewis en guitarra, un ex miembro de Freeport que se unió a la banda a fines de 1974, luego de la producción del álbum debut homónimo del grupo.

Su estilo enriquecido por muchos elementos daba vida una música progresiva con momentos intrincado, buenos pasajes melódicos más la adicion de momentos rockeros, una mezcla original de estilos que han colocado a esta banda entre los mejores de la escena de rock progresivo estadounidense de su época.

La banda comenzó solo como Atlantis cerca del comienzo de la década y permanecieron con vida hasta alrededor de mitad de la década del 70. Se convirtieron en ‘’Atlantis Philharmonic’’ (presumiblemente porque había muchas bandas llamadas Atlantis) y tocaron como una banda de dos miembros, con DiFazio alternando en la guitarra y los teclados. 

Interesado en encontrar una manera de fusionar el rock con su antiguo afecto por la música clásica, en 1974 DiFazio decidió emprender su propio camino. Reclutando al percusionista Royce Gibson, la pareja comenzó a escribir y grabar material. Incapaces de interesar a un sello importante en sus esfuerzos, la pareja finalmente lanzó DiFazio y Perry Johnson produjo "The Atlantis Philharmonic" en su propio sello Dharma. Es un debut bastante impresionante. Más aún si se considera que fue grabado de manera independiente y con mínimos recursos económicos.

Cod: #1660

13 may 2022

Collegium Musicum - Collegium Musicum (1971)

De la escuela clásica progresiva de la influencia de The Nice/ELP, proveniente de la escena progresiva eslovaca, y representando a las tradiciones europeas clásicas de los Collegium Musicum, que era sociedades musicales que surgieron en ciudades y pueblos alemanes y germano-suizos y prosperaron hasta mediados del siglo xviii, interpretando generalmente música vocal e instrumental. 

La banda eslovaca de rock Collegium Musicum llevó ese tradicionalismo clásico a la escena del rock de su país, manifestándolo desde inmediato ya desde los primeros instantes de su primer disco, donde aparece su ‘’Homenage de J. S: Bach’’, para dejar en claro cuales era sus prioridades y para continuar con esa fusión de experimentar en rock con estructuras clásicas, con todo el repertorio técnico y académico que hace falta para ejecutar y construir semejantes representaciones clásica en el terreno de lo popular, y sumándose a la oleada progresiva del momento que generalmente tomó mucho de la música clásica para ‘’inspirarse’’.

Bach fue justamente uno de los directores ilustres que tuvo el Collegium Musicum de Leipzig (1729-1737), por lo que no es extraño que la banda le ofrezca un homenaje, además de que en el imaginario progresivo rockero de la época este autor clasico fue muy reversionado, desde el ‘’Bourée’’ de Jethro Tull, hasta pasando por los Beatles y su ‘’Blackbird’’ inspirada también en en Bach, etc.

La banda publica su primer disco, el homónimo ‘’Collegium Musicum’’ de 1970, con un nombre que es todo un estamento y una declaración de intereses de lo que habrían de presentar en su sonido, pero también hay más condimentos dando vueltas aquí, los ejecutantes son de elite, por lo que en la guitarra eléctrica no faltan armonías de todo tipo cercanas al jazz, también suele transitar por pasajes instrumentales bastante experimentales, similares a una jam session pero de nivel de elite.

El disco está plagado de enormes composiciones en su mayoría instrumentales pero algunos también con partes cantadas, con algu acercamiento al jazz/jazz fusión en ‘’If You Want To Fall’’, en la que además se toman la licencia de ejecutar entre medio de la pieza una enorme improvisación colectiva en la que cada instrumento improvisa además de alcanzar, entre todos los músicos, momentos realmente experimentales en cuanto a la sonoridad y la búsqueda de efectos.

Tal vez las construcciones compositivas extensas hagan de esto algo no practico a la escucha para el oído común, pero en un sentido progresivo esto es magia creada por el grupo, entre momentos extensos, oscuros, experimentaciones, solos, fusiones, homenajes, apariciones de jazz, un sabor clásico impregnado en todo momento al sonido, buenos solos, ejecutantes de elite, y las apariciones de rock que le dan a esta música tan clásica su lugar entre el rock de su país y especialmente en la escena progresiva.

La banda era famosa por sus extensas improvisaciones y composiciones, inspiradas de los grandes conciertos, también eran conocidos por reinterpretar obras de compositores clásicos como Rimsky-Korsakov, Stravinsky, Bartók y otros. Si bien el grupo no alcanzó alcanzó la popularidad general en Europa, se encontraba entre las formaciones más influyentes en la escena musical checa / eslovaca en la década de 1970, y se los suele comparar con Emerson, Lake & Palmer por sus épicas instrumentales, y contó con algunos de los instrumentistas de rock eslovacos más destacados, incluidos Fedor Frešo (bajo), František Griglák (guitarra) y otros.

Aquí hay sabores de ELP, hay sabores de fusión, sabores prototípicos similares a los suecos Hansson & Karlsson, o similares también a otras bandas europeas también lideradas por teclas, como SBB, Elufant, Sixty Nine, etc. Las épicas discográficas de Collegium Musicum fueron varias, entre las que aparece un disco en vivo homónimo llamado ‘’Marián Varga & Collegium Musicum’’, música necesaria para cualquier colección progresiva digna.

Cod: #1659

12 may 2022

The Nice - Nice (1969)

The Nice es el ejemplo perfecto de como la psicodelia mutó hacia el rock progresivo, es esta misma banda uno de los pilares fundamentales en el fomentar esta transformación, siendo sus discos un ejemplo calcado de cómo cada paso discográfico que daban era una muestra de su avance, un eslabón más en la cadena, un escalón más en la escalera que conducía, irremediable e inevitablemente, hacia la creación de músicas mucho más sofisticadas, sinfónicas y progresivas, o experimentales, pero definitivamente mucho más complejas. The Nice fue el germen bastardo que experimentó más de la cuenta, creó escuela, creó un sonido, inventó un género, fusionó la experimentación de la psicodelia con la música de cámara de lo sinfónico, y allí nació una rama importante de la música progresiva de la década de los 70s…

En 1967, tras pasar por barias bandas, el pianista con formación clásica Keith Emerson forma ‘’The Nice’’, que se convertiría en uno de los grupos pioneros en la fusión del rock y la música clásica, fue un embrión que marcó la época y plasmó el camino hacia el tránsito de nuevos sonidos que en un futuro surgirían. Con el deseo de desafiar los límites de la música popular, Emerson forma y lidera una banda acompañado Lee Jackson en el bajo y en las voces, Brian Davison en la percusión y la batería, y David O'List (más conocido como "Davy") en la guitarra.

Esta banda comenzó su carrera en 1967; impulsados por el ansia de innovar, los cuatro músicos se diversificaron, utilizando y combinando música clásica, jazz, blues y rock para forjar un sonido nuevo y dinámico, su propio sonido; y pronto alcanzarían la fama en la escena europea. Las presentaciones en vivo de The Nice eran auténticas puestas en escena, especialmente por los actings de Keith Emerson, quien se encargaba de revolar su hammond, saltando sobre el mismo, tirándoselo encina, clavandole cuchillos entre las teclas, un despliegue más que controversial pero típico de una época en la que las actuaciones frenéticas brillaban por su presencia. Jimi Hendrix los invitaría a ser parte de una gira tras verlos actuar en vivo.

‘’Nice’’ es su tercer disco, de 1969 el trabajo fue el primero en entrar en listas en el Reino Unido, donde alcanzó el número tres. Ya levemente alejándose de la psicodelia más pura de sus primeros trabajos, y continuando con representaciones tempranas de música progresiva, este es otro de sus artefactos que marca la evolución del grupo, ya hacia estructuras algo estilizadas y progresivas, donde, en ese sentido, destaca la fina ‘’Hang On To A Dream’’, una fina reinterpretación del tema de Tim Hardin, con interludios de piano y momentos finos.

El álbum fue grabado parte en estudio y parte en vivo, la primer cara del disco en estudio, mientras que la segunda cara del LP fue grabada en vivo en el Fillmore East, con el tipico ‘’Rondo’’ de Keith que ya venía tocando con The Nice y continuaría tocándolo algunos años más con ELP, típico atasco frenético, alocado, donde se mete en terrenos sinuosos de experimentación, escenificación y por supuesto fusión e reinterpretación del estilo clásico, aunque en realidad también la pieza es originalmente una composición de jazz vanguardista. La parte grabada en vivo se completa con una revisión del tema de Bob Dylan, "She Belongs to Me".

El trabajo solo consta de seis canciones pero representa, como siempre, una fusión con varios estilos donde aparece el estilo clásico en típicos atascos clásicos en teclas de Keith, apareciendo también el jazz, la psicodelia, y las primeras formas del grupo, ya más evolucionadas, de un rock progresivo que comenzaba a asomar y ya daba frutos de complejidad, aunque desde el comienzo el grupo dio esas señales. La marca típica de salvajismo escénico y compositivo del virtioso líder, sumado al paso firme del resto de la banda, dan como resultado otro peldaño más de esta banda que poco a poco estaba acercándose a la cima de la colina. 

Cod: #1658

11 may 2022

Aquelarre - Brumas (1974)

Este es el Aquelarre ya evolucionado desde sus primeros discos con un rock más cancionero y algo clásico, y aunque aquí siguen por la línea de la canción, ya demuestran otra soltura instrumental, un avance, una aventura con aplicaciones progresivas que vuelven a la música una incursión por terrenos de sofisticaciones mayores.

Desde la intro del disco que cuenta con unos arpegios acústicos que sirven como introducción al primer tema, ‘’Parte Del Día’’, el cual cuenta también, además de una fantástica sección rítmica y progresiva desde lo estructural, con una intervención instrumental interna que funciona en forma de ‘’solo’’ y que demuestra que la banda volaba. O la pieza ‘’Aniñada’’, que cuenta con una pequeña intro rockera, para una canción tranquila casi pastoral, que además hacia el final de la misma cuenta con la aparición de más intervenciones rockeras en intervenciones progresivas que sacan a la canción de la mera ‘’canción’’.

Otra mención particular en el disco hay que hacer para la sinfónica ‘’Brumas en la Bruma’’, que además de ser una formidable canción cuenta con arreglos sinfónicos de orquesta, arreglados y dirigidos con ayuda del talentoso compositor argentino Rodolfo Alchourrón, lo que hace que la canción se eleve a lugares insospechados y con toques clásicos.

Y otro párrafo aparte hay que hacer para la fresa que cierra el disco y lo termina de coronar como una gran joya del rock argentino, y es la pieza ‘’Mirando Adentro’’, con formas fieles al sonido de la banda en este disco, con intro, interludio interno de canción, e intervenciones acústicas finales. Un tema letal que ya desde sus primeros instantes demuestra que es cosa seria con esa intro jazzera poderosa a más no poder que es un infierno instrumental a la altura de los mejores, conectándose con el tema en cuestión con grandes riffs y armonías también típicas del disco y momentos progresivos, una canción con estructura normal pero volviéndose particular por las intersecciones internas que llega a transitar, para terminar luego con ese final acústico que termina de cerrar la magia sonada en el tema y da cierra al disco de la misma forma que este empieza, acústico.

La banda estaba en llamas, tocada lo que quería y sumaban elementos de jazz a su rock, a los cuales manejaban de manera formidable y con la prestancia de hacerlo desde la fusión, la unión en velocidad, prestándose a progresiones sin nombre que solo la banda podía manejar desde el talento de sus ejecutantes.

Todo el sonido cuenta con la prestancia de la banda hacia el rock, jazz, la velocidad de las armonías, las inventivas y ejecuciones instrumentales, los atascos que parecía que a la banda le eran muy familiares, además de las poéticas letras que cuentan todas las canciones entre visiones sobre la época, influencia de la estética de Spinetta, referencias políticas de las ideologías del grupo.

El grupo supo hacer su ruido en el rock argentino ya desde su nacimiento, integrado ya por dos ex Almendra como lo eran el baterista Rodolfo García y el bajista y cantante Emilio Del Guercio, un plantel de lujo a los que se sumaban más nombres pesados, Héctor Starc en guitarra y voz y Hugo Gonzáles Neira en teclados y voz. Dos de sus miembro venían de la experiencia previa de haber formado la banda Almendra, experiencia de la cual parecen haber traído mucho, aunque en la continuación con Aquelarre recobran todas esas influencia en una manera más de impacto y enérgica, con la fusión y el aporte rocker blusero aportado a su vez por Héctor Starc y Hugo Gonzáles, la fusion de estlos se hizo presente y los frutos no tardaron en llegar.

Si bien su debut discográfico no apareció hasta marzo de 1972, ya se habían presentado en el B.A.Rock II de noviembre de 1971. El lanzamiento de sus dos primeros discos los terminan de ubicar entre la crema del rock de la época en Argentina. En 1972 presenta el primer álbum, “Aquelarre”, y seis meses después sale el segundo disco, “Candiles”.

En 1973 editan su tema más conocido, “Violencia en el parque”, lo que representó el punto más alto de reconocimiento y fama del grupo, con un tema que hasta hoy muchos lo siguen cantando. Luego, en 1974, publicarían otro de sus discos destacados, ‘’Brumas’’.

Cod: #1657

10 may 2022

A partir de ahora no habrá más descargas en el blog...

Tal cual como lo están leyendo, a partir de este momento no habrá más descargas en este blog, este solo será un blog de reseñas y textos, nada de descargas.

Por qué? no se, creo que un poco es porque recibo muy pero muy pocos comentarios a cambio de todo el trabajo que hago,  tampoco me quejo mucho porque ha sido un trabajo muy placentero, durante casi diez años compartiendo material en este espacio ha sido un esfuerzo divertido y gratificante, al saber que he llevado informacion y música a mucha gente en muchas partes del mundo, pero nada es para siempre. 

Tambien me pintó un poco la paranoia (soy esquizofrenico), y tambien me pintó porque me pintó, y punto, no hay más descargas.

Alternativas? hay alternativas para quien quiera seguir descargando material, pueden leer las recomendaciones en este blog y buscar el material en paginas como rutracker o sistemas de torrent como Soulseek, y allí encontraran casi todo lo que se publica en esta pagina.

Esto no es una despedida porque (creo qué) seguiré estando acá hablando de los discos que más me gustan y la música que más me gusta, tal vez con menos frecuencia o tal vez no, tal vez no siga o tal vez sí, a eso lo veré conforme pasen los días. Pero lo cierto es que, pase lo que pase, no habrá más descargas en este blog.

Por ahora esas son todas las buenas nuevas, siempre les deseo felicidad, libertad (no la libertad cool de sacarse fotos en bolas en las redes sociales y decir ''ay me estoy replanteando los estereotipos'', sino la libertad real, la libertad que nace de ver las limitaciones y manipulaciones y salirse de ellas), que tengan mucho arte y mucha buena música, mantengase lucidos y cuestionantes porque las trampas de los controladores están cada día más algidas.

Tambien hay un proyecto pendiente de hacer un blog privado solo para miembros seguidores con material exclusivo y descargas privadas, a eso tambien lo veré en estos días si emprendo el proyecto o no.


Cordialmente los saluda, Juan/Jimi del Jardín de las delicias...

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