Elephant9 - Walk The Nile (2010)

El fenómeno progresivo ha dejado una huella imborrable en el rock y sus distintas manifestaciones, y ya no solo quedan los sobrevivientes de las epopeyas progresivas de antaño, sino que siguen apareciendo elementos muy fructíferos dentro de esos canales de concepción de la música pesada, compleja y fusionada. Europa nunca dejará de ser un faro en cuanto a la generación de proyectos musicales de esta índole. Elephant9, proveniente de Noruega, es otro de estos tantos ejemplos contemporáneos europeos que vienen haciendo ruido hace años y han dejado en estas últimas décadas muchos lanzamientos muy interesantes.

Elephant9 es un trio poderoso, un power trio, pero con carácter progresivo, que se maneja en el espacio tanto como en la progresión, y goza de una rudeza fácilmente detectable. Todos sus emprendimientos discográficos, tanto como sus presentaciones, cuentan con esa cuota de música organiza, ejecutada desde la sesión rockera fusión, cual atasco, que se va desarrollando y desde el cual van surgiendo las distintas progresiones y partes.

Otro elemento común de la banda es el uso de climas, o momentos ambientales, momentos en los que bajan de ese poderío y se sumergen hacia espacios amplios que contrastan con la rudeza. Muchas veces estos ambientes son construidos de manera inmersiva y son utilizados como forma de introducción, intermedio, o cualquier otra sub-parte que pueda llegar a ser requerida en las composiciones.

El mérito de Elephant9 es doble en su lugar, primero logrando llamar la atención al crear un sonido que mantiene vivo el espíritu progresivo/fusión de hace cincuenta años atrás, pero a la vez han logrado crear con estos condimentos un sonido que no es una copia fiel de nada, siempre reorganizándose en experimentos de índole propia, música instrumental progresiva y experimental.

Se trata de experimentos que evidentemente están influenciados por el estilo progresivo, y que además cuentan con un carácter de fusión marcado. También hay, en la sonoridad y los lugares por los que pasan, algunas visiones a construcciones de ambientes con acercamiento a lo psicodélico. Eso psicodélico de su sonido es una constante en su estilo, y es otro de los elementos que danzan en ese desfile de inventos que proponen en cada uno de sus discos.

‘’Walk The Nile’’ de 2010, es otro de sus varios lanzamientos, el segundo de su lista, otra publicación para seguir reafirmando sus visiones propias, siempre dentro de ese espectro de búsqueda musical que tienden a la evolución y al transcurrir por sucesos y diversos experimentos instrumentales.

La predominancia de teclas, en el sonido de esta banda, teje directas reminiscencias a sonidos plasmados en experiencias anteriores, especialmente a bandas progresivas de principio de la década de los 70s. La sonoridad del tecladista, en su uso con el órgano Hammond, es muy evocativa a epopeyas progresivas anteriores. Ejemplos sobran, algunos proyectos vanguardistas progresivos como los alemanes de Brainstorm, los suecos de Hansson & Karlsson, tal vez similitudes de The Tony Williams Lifetime, y a otros proyectos similares que rondaban entre el progresivo y fusión temprano, sin dejar de lado la oscuridad, experimentación y aun los resabios de la psicodelia.

También pareciera que Elepahnt9 perteneciera a la escuela de jazz vanguardista Noruega, sus contactos con esta se reflejaron en el último disco que la banda publicó, ‘’Catching Fire’’ de 2024, junto al guitarrista Noruego Terje Rypdal. Rypdal, junto a otros pioneros como Jan Garbarek o Jon Christensen, serian algunos de los primeros nombres que surgirían de la escena jazzera más vanguardista de Noruega, siempre con estilos oscuro, yendo hacia lo experimental y la vanguardia casi radicalizada. El encuentro entre Elephant9 y Terje Rypdal es un suceso notable. 

Por otra parte, Elepahnt9 no se reclama en el fusión de manera purista. Estos van más allá, sus propuestas combinan fusión, progresivo, y psicodelia, pero muy a la manera en que ellos se les ocurre, sin representar un género en particular predilección. Claramente entran en el mundo progresivo general, pero lo hacen creando sus propias leyes musicales y siempre fieles a su propio estilo, el mismo que vienen manteniendo desde su primer lanzamiento discográfico. He aquí el lugar difícil que puede significar el acercarse al público más convencional a este tipo de bandas ya sublimadas en estilos bastante oscuros, y que muchas veces no tienen una letra o melodía clara que ofrecer.

La discografía de Elephant9 está compuesta por varios discos, y cada uno de ellos es un reflejo de la búsqueda del grupo, siempre instrumental, experimental, cerca de lo psicodélico, jugando en preponderancia con los climas, progresiones, y con sus propias visiones y ritmos. Todo lo que proponen son experimentos, de alto goce progresivo para quienes amen este tipo de inventos. A veces como trio, a veces también asociados a algún guitarrista, pero siempre con un estilo propio, oscuro y psicodélico.

Cod: #1817

Area - Caution Radiation Area (1974)

Area, para este segundo trabajo, da un giro hacia el vanguardismo electrónico, el cual se combina con todo su poderío rockero y jazzero, de esto queda un cruce muy interesante de no solo ‘’avant prog’’, sino de atrevimientos en la vanguardia mayores. En el jazz rock ya es conocido el grupo, su poderío, sus fusiones étnicas, sus momentos aplastantes, el virtuosísimo de sus ejecutantes, los experimentos con progresiones y la asertividad de sus composiciones que hacen de esta una banda de temer. 

Pero ahora, para su segundo lanzamiento, aparece en la escena de su arte sonoro el mundo de la experimentación electrónica, en forma mayormente ambiental y con un acabo de vanguardista bastante elevado y experimental. Estos elementos aparecen en forma de introducciones, pasajes, ambientes, que se van entremezclando con el poderoso muy fusión de la banda, y como resultado queda una cosa deliciosa que une mundos con una facilidad asombrosa y con una asertividad que hacen la delicia para la escucha.

Esta fusión se hace carne durante algunos de los primeros tracks del disco, pero no es hasta cuando se llega al track ‘’Mirage’’, una pieza de diez minutos donde el jazz, al comienzo, se difumina, se sueltan las líneas, los solos enloquecen, las vanguardias florecen, y el grupo se vuelca a la experimentación pura. Habían madurado del jazz rock más raso a una experimentación donde convergían todo tipo de elementos en una sola cosa misteriosa,  y donde por supuesto, al ambiente alcanzado, vuelve a recaer al jazz rock bien potente, típico del grupo. Finalmente la pieza vulve a estados alterados, para transcurrir por varias otras partes internas.

La fusión entre bases de estirpe rock con elementos de experimentación electrónica (u otras vanguardias sonoras nihilistas) dan vida a una música que se vuelve tan compleja que deja de estar al alcance de los facilistas, deja de estar al alcance de los detractores del rock que dicen que este es fácil de tocar, y deja de estar al alcance de los parámetros de lo que supuestamente, para los académicos, debe ser la música compleja. La experimentación y las vanguardias da a la música un nivel profundo de complejidad que dota a la misma de un estado difícil de definir por las convenciones, es un estado excitante de creatividad donde se trocan los polos de lo inverso, caen muchas de las barreras impuestas por el inconsciente y su carga cultural, para nacer así sonidos únicos e irrepetibles.

Aquí, en el concepto, hay un juego entre el caos del vanguardismo, la peligrosa radiación, y el ‘’orden’’ que son los momentos más concretos de rock y jazz, que de todas formas no son ‘’ordenados’’ pero que representan el costado más ‘’entendible’’ del disco. lo creado aquí es una fuerza de convulsiones que se eclosiona en sí misma y desafía al oyente a entre en mundos inexplorados aun donde el universo Area tiene lugar como una cosa única y que no suena a nada en su época salvo a ellos mismos. Todo el álbum es experimental, apenas algunos momentos dentro de un jazz rock estándar, unos dejos del jazz, pero el resto del trabajo es un experimento en sí mismo.

Al nombrar a ‘Area’ no referimos a un famoso grupo italiano de jazz rock progresivo, formado en 1972 por el cantante Demetrio Stratos y el baterista Giulio Capiozzo. Tras su nacimiento, el grupo fue creciendo y escalando en calidad hasta convertirse en una de las más respetadas bandas de la escena de su país.

El grupo estuvo riginalmente integrado por Demetrio Stratos, un cantante egipcio, el cual estaba acompañado en un principio por Giulio Capiozzo en batería y percusión, Eduardo "Eddie" Busnello en saxo y flautas, Leandro Gaetano en piano, Johnny Lambizzi en guitarra, Patrick Djivas en bajo y Patrizio Fariselli en teclados.

Desde un principio se destacaron por su enorme calidad musical y virtuosismo compositivo, elaborando un jazz fusión muy bien nutrido y poderoso, un sonido extraño que nacía de la mezcla de jazz, influencias árabes, y progresiones pesadas y contundentes.

En 1973, Johnny Lambizzi dejó la banda y fue reemplazado por Paolo Tofani, en guitarra y sintetizador. En ese mismo año, 1973, grabaron su primer álbum de estudio, ‘'Arbeit Macht Frei (Il Lavoro Rende Liberi)’', que los colocó en un gran lugar en su pais, por el gran nivel musical que despliegan, generalmente considerado como un clásico del progresivo de su país. En 1974 aparece su segundo trabajo, ‘’Caution Radiation Area’’, demostrando que la evolución es posible y que la experimentación va de la mano con el mundo del rock progresivo.

Cod: #1667

Ben - Ben (1971)

Como todas las bandas que rondan el estilo Canterbury, está tampoco sería la excepción en la búsqueda tan característica de progresiones que parten desde armonías y aplicaciones venidas del jazz, ese sonido tan característico de progresiones, muchas veces muy complejas, se suaviza ante la andanada armónica jazzera que se desata por la influencia del jazz de la época, las vanguardias del género, levemente el free jazz, y más contundentemente la aparición del fusión que también en la época estaba en ebullición con bandas como Mahavishnu Orquestra, Nucleus, etc.

El homónimo ‘’Ben’’ de 1971 es un eximio ejemplo de sofisticación explayado en un trabajo que se divide en cuatro extensas piezas, dos a cada lado del vinilo original, ocupando alrededor de los siete y once minutos cada una, es en ese campo donde se explayan las sofisticadas piezas presentadas, con un sonido armónico esmerado, la búsqueda de una sofisticación que los lleva a plasmar estructuras muy complejas y la dosis distintiva del jazz que brota entre aplicaciones de viento de saxo y el tan característico rol principal que cumple el órgano.

Las cuatro suites son realmente complejas en su extensión, sumado a eso cuentan con una buena dinámica y funcionan con frescura y rapidez, por lo que es fácil perderse en las mismas, un desafío que presenta la música tan compleja y que puede hacer a muchos alejarse de la misma, pero es esa complejidad un resultado de un trabajo artístico y la oportunidad de sumergirse en el mundo onírico instrumental de la banda que en su ingenio presentó su propia versión del Canterbury y lo que lo representó en gran forma.

El sonido toma del estilo progresivo su búsqueda de presentar estructuras cambiantes y de avanzada en un continuo de acción, aunque no todo es progresivo puramente, la aparición del jazz hace de esto también una forma de hacer jazz dentro de progresiones, por lo que muchos momentos tratan de sesiones improvisadas extendidas a lo largo del tiempo.

Pese a que las bandas de la escena partieron muchas veces también influidas por la psicodélia, es Ben la que se aleja de lo puramente psicodélico como sería Soft Machine en sus dos primeros albums, aunque sí toma mucho de Soft Machine, pero en un sentido más melódico y dinámico, y con la inclusión de la guitarra eléctrica que muchas veces cumple el rol de enriquecer con sus aplicaciones en la composiciones y con sus armonías y solos también.

El disco es un material raro pero no menos entretenido, su dinámica hace de la escucha una experiencia fluida, entretenida, hace la delicia con sus aplicaciones de fusión, y sus ritmos muchas veces rápidos. En complejidad la banda es un hibrido entre Soft Machine y Henry Cow, con suites dinámicas y altamente sofisticadas.

El disco es una rareza del sello Vertigo inconseguible hoy en día, el único lanzamiento del grupo británico Ben que en su corta carrera alcanzaron a demostrar que contaban con un nivel tenico y creativo de temer. La banda estaba compuesta por el tecladista y pianista Alex Macleery, el guitarrista Gerry Reid, el bajista Len Surtees, saxofonista y flautista Peter Davey, y el baterista David Sheen.

Cod: #1639

Janko Nilovic - Rythmes Contemporains (1974)

Janko Nilovic es un pianista, arreglista y compositor de ascendencia montenegrina y griega que nació en Turquía y ha vivido en Francia desde 1960. Ha publicado muchas obras, la mayoría de ellas en etiquetas de biblioteca que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde música clásica, jazz y funk hasta pop, psicodelia e easy listening.

Nilovic publicó la gran mayoría de sus trabajos para el sello discográfico ‘’Montparnasse 2000’’, un sello ‘’de biblioteca’’ que tenía una tirada de máximo 1000 discos por publicación. Este sello discográfico fue establecido en París como un sello musical iniciado por André Farry con la ayuda de Louis Delacour. El sello finalmente se fundó en 1968. André Farry lo dirigía más como una aventura financiera que como un verdadero fanático de la música. Después de los primeros lanzamientos, firmaron al joven Janko Nilovic por diez registros con un contrato que le aseguraba la posibilidad de hacer lo que quisiera. Fue que con esa posibilidad trabajó y experimentó con un sinfín de estilos, publicando gran cantidad de música instrumental, de corte easy listening, bajo discos conceptuales de variada índole.

Farry trató de mantener el estándar de trabajo lo más alto posible. Como dijo Nilovic: ''nunca fue un problema traer 40 músicos al estudio''. Simplemente tenía el contrato firmado y financiaban sus propuestas. Esta fue una de las razones por las que junto a Nilovic, otros grandes músicos como Camille Sauvage, Jean-Jacques Perrey, Yan Tregger o Piero Umilianile, gustaba lanzar en la etiqueta legendaria. La etiqueta estuvo activa hasta principios de los ochenta.

En su página web Nilovic explica: ''Casi siempre trabajando con los mismos músicos, como André Ceccarelli, Jean Shultheis, Tony Rubio, Michel Barrot, por nombrar algunos. Un día me pidieron que comenzara un trabajo de Big Band Jazz. Inmediatamente salté sobre él y escribí en muy poco tiempo las piezas que aparecen en este disco. Después de algunos ensayos, algunos conciertos, decidimos grabar estas canciones. Elegí destacar entre el tradicional Jazz Big Band componiendo en un estilo Jazz-Rock. También le pedí al elenco de ''Hair'' que cantara en tres piezas.''

Nilovic se aisló del resto del mundo para crear su propio universo en un suburbio parisino, compuesto por sus instrumentos, músicos y compositores locales. Al menos 10 horas al día experimentando y buscando la composición correcta, una aventura que lo llevaría a romper con muchos de los estándares de easy listening en los que venía trabajando para presentar esta vez un sonido sinfónico, inspirado en la música clásica y jazz rock de la época, expresado en piezas de extensa duración; así se creó ‘’Rythmes Contemporains’’.

Este disco no se anda con medias tintas, inmediatamente surge y plantea una aventura progresivo-sinfónica que comienza abrazadora y feroz, con arreglos orquestales y un nivel de desarrollo en la composición que hace del resultado final una aventura por tierras muy complejas, sofisticadas, finas, un sonido de temer con una animidad épica, totalmente resuelta, clara hacia dónde quiere llegar.

La combinación de jazz rock, progresiones y partes sinfónicas conforman el cuerpo final del sonido, estos elementos se entremezclan y combinan en velocidad, en partes sucesivas que arrasan con un dinamismo imparable de tipo funk. Es un trabajo de dimensiones épicas, por la cantidad de participantes y la dimensión del despliegue propuesto; y esta epicidad se ve elevada aun más por la aparición de elementos y fragmentos de música orquestal de big band, con una clara influencia de la música clasica. 

El trabajo contiene las visiones progresivas y jazz-rock típicas de la época pero pocos registros de su generación son tan audaces en la composición y pocos contienen prácticamente toda una orquesta en su sonido. Nilovic seleccionó a 45 de los mejores músicos de Francia para trabajar en estas sesiones, lo que explica los espectaculares sonidos y el enorme rango dinámico de esta grabación que cuenta con una enriquecida y variada instrumentación a lo largo de toda la propuesta.

Nilovic recuerda sobre el disco: ‘’El director del sello Montparnasse 2000, señalando que solo se habían vendido 100 copias, decidió lanzar una versión de biblioteca llamada ''Contemporary Rhythms''. Nunca sabría por qué esta elección del título, con una portada muy especial: una bonita africana, que ¡No tiene nada que ver con el tipo de composiciones de Jazz del disco!’’

El productor de hip-hop Dr. Dre sampleó gran parte de la pieza "Underground Session", de este disco, para su canción "Loose Cannons" del álbum Compton. El productor No ID sampleó la canción de Nilović "In the Space", para "DOA (Death of Auto-Tune)" de Jay-Z, en el álbum The Blueprint 3. En 2010, Nilovic ganó un premio Grammy por la canción de rap "DOA (Death of Auto-Tune) ", junto con Shawn Carter, Ernest Wilson, Gary DeCarlo, Dale Frashuer, Paul Leka y Dave Sucky, también con The beatnuts y Joey Badass.

Cod: #1453

Firyuza - Firyuza (1979)

El grupo ‘’Firyuza’’, de Turkmenistán, se reunió en 1978 en Ashgabat en torno al baterista multi-instrumentista de origen ruso Dmitry Sablin. Sablin trabajó para ‘’Gunesh’’, otra banda también de Turkmenistán, a principios de la década, y después de su servicio militar formó su propio trío llamado ‘’Sablins’’ con sus dos hermanos. Estos, acompañado de varios cambios de alineación, se expandieron a ‘’Firyuza’’ a fines de la década, nombre bajo el que estuvieron activos por primera vez en junio de 1978.

La formación participó en una competencia de bandas soviéticas a finales de año, que finalmente ganaron. El premio consistía en la grabación y publicación de su propio disco. Así es como ese mismo año,  Firyuza  fue invitada a Moscú para grabar su primer y, desafortunadamente, último álbum. Los músicos comenzaron a grabar con sus propios fondos, las autoridades locales ni siquiera los apoyarían para cubrir sus gastos de viaje y alojamiento. La grabación tuvo lugar en el ‘’All-Unión Estudio’’. Su primer álbum, el homónimo ‘’Firyuza’’ fue lanzado en 1979 por el sello estatal ‘’Melodiya’’.

Este álbum consiste en una música fina, delicada, que roza con lo virtuoso, y esto se aprecia inmediatamente desde los primeros instantes, se puede percibir que se trata de algo que se va presentando sutilmente, todo de manera instrumental, para adentrarse en piezas muy complejas, de calidad progresiva,  enriquecidas a puro e inconfundible jazz fusión, y enarboladas con un sabor que evoca a melodías folklóricas típicas de la región; es todo un encuentro y una presentación que se pueden hallar en este manifiesto fusión.

El estilo tan complejo y propio que proponen recuerda mucho a las bandas del movimiento de Rock In Opposition, por la sofisticación desenvuelta en piezas extensas que van transitando, casi sin mirar atrás, por nuevas y continuas progresiones nacidas de fusiones y experimentos compositivos. El resultado final no responde ni corresponde a nada, solo es una música propia, creada bajo sus propias reglas, una aventura progresiva que funciona bajo sus propias leyes.

En la portada del trabajo se puede apreciar a los músicos posando vistiendo sus telpeks tradicionales (sombreros altos de piel), esto marca que llevaban orgullosamente su pasado y sus raíces y los presentaban sin temor, y esto claramente se releja en el concepto del álbum que está embebido en melodías, motivos y estilos tomados directamente de la música típico turcomana y que desfilan en el disco de forma directa, a veces en forma de melodía y a veces en forma en que lo músicos emulan, con sus instrumentos de rock, a instrumentos típicos de su país, obteniendo un sonido muy particular.

La banda se terminaría separando poco después del lanzamiento de su primer álbum, agobiados por el poco apoyo y las restricciones que pesaban sobre las bandas locales bajo el dictatorial gobierno de la URSS de turno. Su paso no duró mucho pero fue un ejemplo de la subversión de la juventud que, pese a las negativas imperantes, se las arregló para destacar con un sonido de alta calidad, accediendo a un sonido que había sido de turno para el mundo occidental pero que para ellos había sido delegado y restringido casi sistematicamente. A principios de los años 80, las banda se separara, duraron un año y luego se disolvieron.

Cod: #1437

Syrius - Devil's Masquerade (1972)

‘Syrius’ nace en Budapest, Hungría, a principio de los 60s, fundada por el saxofonista Zsolt Baronits, quien se volvería el pilar del grupo, permaneciendo en todas las etapas y distintas formaciones por las que transcurrirían. Comienzan haciendo beat y pop rock, música bailable, manteniéndose la formación original hasta 1968, año en que se separarían. Es ahí cuando el grupo se rearma, tomando un camino musical diferente, hacia el jazz-rock y progresivo. 

A finales de 1970 arriban a Australia, allí consiguen contrato de grabación y comienzan con el trabajo y producción de su primer lanzamiento. Tras un año de giras en el país, logran lanzar su primer disco, dejando sólo un pequeño número de copias vendidas, utilizadas principalmente para fines promocionales. Por problemas económicos debieron volver a su Hungría natal, allí también publicarían el disco, en 1972, también con un número muy limitado de copias. 

En este primer álbum presentan un esmerado sonido de jazz fusión, al cual enfatizan con complejas estructuras jazzísticas abrumadas de progresiones y cambios, suavizadas estas por las partes melódicas cantadas que se entremezclan y por el hecho de que no hay distorsiones ni guitarra eléctricas, sino que tanto saxos, flautas y pianos son los ingredientes instrumentales más presentes. 

El sonido es dinámico y se mantiene en constante construcción, y conforme avanza no deja de reflejar la gran cantidad de influencias y elementos aunados al resultado final, que es un sonido muy agradable y portentoso. La aparición de algunos teclados traen reminiscencias del rhythm/jazz de Jimmy Smith, también desfilan algunas influencias ‘Krimsonianas’, o momentos tipo Atomic Rooster. Instrumentación estilo Zappa, de hecho ellos abrieron varias veces en vivo para The Mothers of Invention y no sería raro que hayan sido influenciados por dicha banda de forma directa.

El sabor a funky, soul y/o blues/jazz nunca se pierde y hace de las progresiones algo muy agradable para escuchar, combinadas estas con partes melódicas, son la prueba de la habilidad compositiva que tenían. Se suele catalogarlos entre el grupo de bandas progresivas húngaras, pero son definitivamente más conocidos en Australia que en su país de origen. 

En 1976 publicarían un segundo disco. Luego volverían a Australia, pero algunos miembros del grupo se alejarían y en 1978 se disolvería la formación. Recién en el 2000 una reunión volvería a unir al grupo, para dar un concierto en vivo que sería grabado y publicado en el disco ‘The Last Concert ’, del 2008.

Cod: #1279

The Muffins - Manna/Mirage (1977)

‘The Muffins’ se forma en 1973, en Washington DC, se trata de un grupo norteamericano de jazz rock y avat-prog, nacido bajo influencias del Rock In Opposition y el Canterbury scene, por lo que mostrarían desde un comienzo marcadas intenciones de hacer música poco ortodoxa y anti-comercial, en oposición a la música más convencional. El grupo surge compuesto por el tecladista y saxofonista Dave Newhouse, el  guitarrista Michael Zentner, y el bajista Billy Swann. Un año después de su formación, se les unió el saxofonista Thomas Scott.

Tras la partida de su guitarrista Zentner, y tras algunos cambios en la formación, el grupo se mantiene como trio, sin percusiones, experimentando con la libre improvisación. Permanecen así un par te años hasta que en 1976 se toparon con el baterista Paul Sears, que se quedó definitivamente en la banda. Fundaron su propio sello discográfico independiente, ‘Random Radar’, en virtud del cual lanzaron su álbum debut. Previamente habían dejado varias grabaciones, precisamente de dos álbumes completos, pero estos no vieron la luz sino hasta el lanzamiento en cd de 1993, llamado ‘Chronometers’, el cual contenía ese material primario, y fue lanzado una vez la banda se había separado.

‘Manna/Mirage’ sería el primer disco oficia que publicarían, de 1978, el trabajo más conocido del grupo y considerado generalmente el mejor de su carrera. Fue grabado en la casa-estudio de la banda en Rockville, Maryland, y editado por su sello independiente ‘Random Radar’. A simple vista podría decirse que se trata de jazz fusión o de progresivo, pero haciendo un desmenuzamiento profundo desde el principio podemos apreciar que se trata de un sonido muy complejo y personal, por lo que los motes que podríamos llegar a proponer tal vez no alcancen para valorar el sentido que intentan dar, estos músicos, a lo que hacen.

Este es un sofisticado y vanguardista trabajo, elaborado en base al jazz y el jazz fusión, elementos desde los cuales crean un lenguaje propio, hacia tierras de elaboración, complejidades, armonías jazzeras y progresiones. El trabajo está dividido en cuatro piezas, siendo las dos primeras las más cortas, y las últimas dos las más extensas, girando entre los 15 y 22 min cada una.

En los primeros dos elementos nos encontramos con lo más ‘sencillo’ (por así decirlo) que se presenta, dos piezas introductorias que a simple vista parecieran no tener demasiada injerencia o demasiado trabajo que hacer frente a las últimas dos monstruosas composiciones que integran la obra casi en su totalidad. Pero estas dos piezas primarias muestran una cara más relajada y vanguardista, algo de jazz experimental, cuasi acústico. Esto se extiende durante toda la primera pieza y parte de la segunda. Hasta que aparecen formas un poco más concretas, con bases rítmicas y estructuras más específicas, para terminar dicho segundo tema, estilo que marca la vanguardia y da paso para las siguientes composiciones.

Lo que sigue desde allí son las dos últimas partes del disco, lo más destacado del trabajo, dos piezas de enorme nivel y despliegue que se conducen por tierras de jazz fusión, el cual por la complejidad que maneja se vuelve progresivo, intrínseco, de un sinfín de arreglos superpuestos. No dejan de mantener un espíritu vanguardista, alcanzando el ‘avant prog’, con arreglos minimalistas, elementos con voces, aplicaciones instrumentales extrañas.

Las improvisaciones están presentes pero no hacen uso de extensas sesiones o solos, sino que se abocan más a la tarea de presentar un sonido realmente complejo. Manejan un virtuosismo compositivo que surge de la combinación entre el jazz fusión y una animosidad progresiva, en esto se fundamentan las complejas estructuras, basadas en un jazz cambiante que a la vez no ha dejado sus raíces de lado, ya que no hay tanto sonido eléctrico sino que aparecen más que nada flautas y saxos en el lugar de las voces melódicas y solos. 

Sin duda estaban influenciados por las distintas vertientes del jazz (jazz experimental, free jazz, jazz fusión, libre-improvisaciones, vanguardia) y podían manejarse muy bien dentro de ellas, pero afortunadamente tomaron estos elementos y propusieron algo nuevo. También reflejan influencias varias de la escena Canterbury, el rock in opposition, del avant prog de The Mothers Of Invention, Hatfield and the North, National Health; de hecho la música de The Muffins es considerada a menudo como "una mezcla entre Soft Machine y Henry Cow".

Las innovaciones del grupo llaman la atención de Fred Frith, fundador de ‘Henry Cow’ y miembro activo de movimiento de Rock in Opposition. Este los impulsa y produce en el lanzamiento del tercer disco que lanzarían, llamado ‘183’. Luego de este lanzamiento y de un espectáculo en la ‘University College’ de Penn State, se disuelven, en 1981. Por la mayor parte de los 80 y 90 sus miembros estuvieron retirados de la actividad musical hasta su reunión oficial en 1998.

Cod: #1265

Dzyan - Dzyan (1972)

Provenientes de la Alemania de la primer mitad de década de los 70s, contemporáneos a la primer camada de bandas del kraut alemán, Dzyan, un nombre con papiros dentro del género pero con una impronta propia, con caminos trazados hacia un estilo fusionado en el que aparecería también el jazz fusión y el progresivo. El grupo es fundado por el compositor y multi-intrumentista Reinhard Karwatky hacia finales de 1971,  surge como un proyecto de estudio con intenciones inciertas al princio pero que inesperadamente comenzaría a tomar forma y terminaría siendo un grupo de grandes trabajos futuros.

Karwatky era un músico académico con estudios académicos clásicos, y podía ejecutar gran cantidad de instrumentos, también tenía fascinación en el esoterismo y la metafísica, estos elementos tendrían gran impacto en el grupo, cuyo nombre hace referencia, justamente, a ‘El libro de Dzyan’, es un supuesto antiguo texto de origen tibetano, sirvió de base para La doctrina secreta (1888), una de las obras fundacionales del movimiento teosófico, de Helena Petrovna Blavatsky.

Los músicos de la banda en su mayoría ya se conocían, por haber integrado juntos otras banas o distintos proyectos relacionados al jazz. Originalmente el grupo estaba integrado por el guitarrista Harry Chandler, el cantante Jochen Leuschner, el batería Ludwig Braum, Reinhard Karwatky en bajo y Gerd Ehrmann en el saxofón. Como quinteto, a tan solo un par de meses de haber nacido, la banda grabó un álbum homónimo, Dzyan, un trabajo embrionario y algo accidental en cuanto a lo sonoro respecta, distinto de los siguientes trabajos que lanzarían, publicado en Abril de 1972. Su tirada pasó casi desapercibida, fue publicado en un pequeño sello llamado ‘Aronda’.

Un disco con un sonido extraño y áspero, tan oscuro como la portada que lleva, difícil de acercársele, pese a tener grandes momentos de jazz rock; se trata de un jazz rock psicodélico oscuro, algo progresivo, con muchos condimentos de jazz, y al ser proveniente de una banda que en el futuro se adentraría hacia caminos más experimentales aun contiene además algo extraño que es denominado por algunos como krautrock, talvez por la oscuridad, por algunos elementos sonoros agregados, por algunos efectos electrónicos, y por la extraña fusión de elementos de presenta.

El trabajo parece una exploración experimental, una avanzada entusiasta dentro de tierras nuevas, trayendo distintos elementos de varios puntos sonoros, unido bajo un lema oscuro y extraño, para este comienzo discográfico que presentarían. Una exploración plagada de ambientes extraños y oscuros, improvisación propia del jazz fusión, rock oscuro, y un determinismo virtuoso que mantiene cada momento en un nivel superlativo.

A veces pareciera no mucho más que la unión de distintos fragmentos para dar así el sonido final, y otros pasajes algo inciertos para escuchar, como una idea que recién está surgiendo, pero esto no le quita mérito al trabajo, las  estructuras son complejas y fuertes, con esplendidos momentos de jazz fusión, un sello distintivo del grupo. No sería la mejor cosecha musical de la banda pero aun así es destacable como para adentrarse en sus trabajos, y más aun siendo lo primero lanzado por ellos.

Esta banda sería una de las pocas en las que en su discografía se puede encontrar tanto rock progresivo, como jazz rock/fusion, y algo que por algunos es denominado como krautrock, y esto se puede percibir en el ambiente de su álbum debut, que no es todavía tan krautrock pero que contiene insinuaciones y oscuridades que abren puertas, por las cuales más tarde terminarían de pasar, hacia tierras fantasmales y étnicas.

La versión en quinteto del grupo no duró mucho tiempo, ni siquiera alcanzaron a tocar en vivo, y al poco tiempo del lanzamiento del primer trabajo el grupo se reduciría a trio, tras la partida de Braun y Kramer. Ya como trio, y tras algunas modificaciones, el grupo lanza dos discos más, 'Time Machine' de 1973, y 'Electric Silence' de 1974, en estos trabajos el grupo demostraría una nueva faceta, mucho mas experimental y con fusiones mucho mas arriesgadas. Ese mismo año, 1974, el grupo se separa definitivamente, tras la partida de Reinhard Karwatky, el último miembro fundador original que había en la formación.

Cod: #1256

PSI - Horizonte (1977)

PSI, pese a su corta vida, se encuentra entre la elite del jazz fusión alemán. Nacidos a mediados de 1975, en Mainz, capital del estado Rhineland-Palatinate, Alemania, solo vivieron dos años y medio, un corto periodo en el cual se las ingeniarían para dejar muy buenos sonidos, publicados en un solo trabajo.

Muy poca información hay sobre ellos y sus orígenes, salvo que el grupo estaba integrado por Bodo Feldmann en bajo y voz, Volkmar Zimmermann en guitarra y voz, Robert Jahn en batería percusión y voz, Wilfried Kunkler en saxo y percusión, ademas de Matthias Frey en teclado, que parece ser el líder, tanto por sus composiciones como por su estelar participación.

‘Horizonte’, un interesante trabajo de jazz fusión, con características heredadas un poco de la escuela jazz rock de su país, con la potencia y el espíritu de incursionar en las fusiones, como Passport, Missus Beastly, Kraan, entre otros; aunque a la vez plantean un escenario no tanto hacia el krautrock sino un poco más hacia un lado progresivo, cambiante.

Las composiciones y arreglos originales, todos de Matthias Frey, dan un resultado que sólo puede ser descripto y ejecutado por PSI, un ambicioso despliegue de distintos pasajes e intensidades ejecutadas con sutileza, que convierten a los temas no solo en bases sobre las cuales improvisan, sino que la improvisación es parte de esa combinación estructural que se va mutando constantemente.

Talvez parezca engañoso el primer tema, que parece más sencillo, pero es tan solo prologo para lo que vendrá después, que son una serie de elegantes piezas, en donde surge lo funky y progresivo, manejados de una manera estructural virtuosa; con una destacable base rítmica que realza el ánimo de las piezas.

Poco se sabe del grupo en sí, salvo que Matthias Frey, luego de este lanzamiento, se convertiría en un prolífico compositor, junto a algunas bandas y varios proyectos en solitario. El guitarrista Volkmar Zimmermann se unió a la banda danesa "Kvartet Corona" en 1995.

Cod: #1239

Twenty Sixty Six And Then - Reflections On The Future (1972)

Esta muy buena banda, ‘Twenty Sixty Six And Then’, es un combinado alemán de rock progresivo pesado, surgido a principio de los 70s. En realidad su formación era una mescla de alemanes e ingleses, entre los que se encontraban Geff Harrison en la voz principal, Gagey Mrozeck en las guitarras, Dieter Bauer en el bajo, Konstantin Bommarius en la batería y Steve Robinson con Veit Marvos ambas funciones de compartición de órgano, piano eléctrico, sintetizador, mellotrón y voz.

El grupo es un clásico dentro de cierto público, lamentablemente tuvieron una corta vida que rondó entre la primavera de 1971 hasta el verano de 1972, y hay poca información detallada circulando sobre ellos, pero han dejado un trabajo muy destacable y es por eso que se los conoce.

Su único álbum es nada menos que un clásico, una obra pesada y alucinante, ‘’Reflections On The Future’’, grabado durante el otoño de 1971, en el estudio Dierks, cerca de Stommeln, un pequeño poblado ubicado al noroeste de Alemania, de no más de 8000 habitantes.

Este álbum contenía cinco largas pistas progresivas pesadas con un estado de ánimo dramático y un estilo que, pese a recordar sonidos de Deep Purple o Vanilla Fudge, logra erigirse a sí mismo de una forma magistral y maestra. Un rock progresivo de alto despliegue, que se vuelve art rock por la cantidad de ingredientes agregados que contiene, cambios de ánimo, cambios en las intensidades, agregados de sonidos, y lo que pareciera un carácter como de cuento de haga que se percibe en el sonido y le da una textura especial al sonido.

Un despliegue aplastante y poderoso, con un buen trato y manejo del sonido por parte de la técnica, que transita por caminos muy amplios, siempre dentro del progresivo pesado, pasando por partes más bluseras, otras jazzeras, algunos sonidos experimentales en algunos temas, etc., es una obra tan nutrida como interesante, tan compleja como llamativa, y difícil de describir.

El trabajo consta, afortunadamente, de varias piezas, entre las que se destacan tres de ellas, que rondan entre los 11 y 15 min. cada una, y en las cuales se puede percibir cual es la verdadera profundidad y complejidad atroz de esta banda. Uno se puede encontrar con una serie de piezas para todo tipo de oídos, siempre dentro del ámbito progresivo, algunas piezas más intrincadas y pesadas, y otras más cortas, más fáciles de escuchar.

Debido a las bajas ventas y una economía en ruinas, una de las mejores grupos de Alemania conoce su prematura desaparición sólo unos meses después del lanzamiento del álbum. 

Luego de la desmembración de la formación, los músicos fueron a parar a otras bandas, GEFF HARRISON y Gagey MROZECK unieron a Kin Ping Meh, Steve Robinson tocó en Nueve Días Wonder y Aera, VEIT MARVOS grabó con Emergency, Tiger B. Smith y Midnight Circus,  Konstantin Bommarius tocó la batería de Abacus y Karthago, DIETER BAUER se fue a Aera, aunque ninguno de ello logró por separado en sus respectivas bandas lo que alcanzaron junto en Twenty Sixty Six And Then.

Cod: #1158

Sahara - Sunrise (1974)

Los orígenes de esta banda tienen lugar allá por Munich, alrededor del año 1966. Originalmente surgen como "The Subjects", pero 1968 cambian su nombre a ‘’Subject Esq’’, además de ganar un concurso de música beat, lo que les dio la oportunidad de tocar en circuitos en vivo y en la televisión.

Bajo el nombre de ‘’Subject Esq’’ funcionaron hasta 1972, alcanzando a lanzar un disco. Luego del lanzamiento de dicho trabajo, sufrieron algunos cambios de formación y, al conseguir un nuevo contrato musical, cambiaron su nombre a ‘’Sahara’’, cambiando así también su estilo y sus perspectivas musicales. En realidad, en un sentido general, siguen haciendo rock progresivo, pero esta vez se enlistan hacia caminos más peligrosos y arriesgados, y más aun sinfónicos por cierto.

En 1974 logran lanzar un nuevo trabajo, el primero bajo el nombre de ‘Sahara’, el primero de los dos trabajos que lanzarían bajo ese nuevo nombre. Nos referimos más precisamente a ‘’Sunrise’’, un trabajo bastante ciclotímico, tanto en la concepción del lema artístico general como en la concepción de los temas considerados particularmente, ya que transita por varios estilos y deja varias particularidades llamativas, en las que podemos hacer algún reparo.

En primer lugar el trabajo en sí consta de 4 piezas, entre las que se hace presente en rock progresivo, pero que son de diversas manufacturas y complejidades. La primera de ellas se llama ‘Marie Celeste’ y se trata de una autentica bomba progresiva, en la que aparecen grandes riffs y elementos de jazz-rock, y que tiene, ademas, un estilo extraño, es bastante ciclotimica en su concepción. Comienza con unas grabaciones de alguna sinfonia, la que se corta abruptamente con una explosión de un sonido oscuro muy intenso, a lo que le sucede alguna parte extraña con teclados, luego aparece una parte cantada con cierto estilo jazz rock, para terminar con otro explosivo riff, pesado y muy rudo. Es una composición con un desenlace extraño, poco esperable, pero aun así altamente disfrutable.

En dicha primera pieza nos encontramos una de las primeras particularidades del disco, se trata solo de un pequeño pasaje dentro del tema, que se encuentra casi al principio del mismo, de entre 15 o 20 segundos de duración. La pista comienza con un extracto de grabación de una sinfonía clásica, que se desarrolla durante unos pocos segundos, hasta que se corta con una eclosión pesada, una especie de rock-metal sofocante de surge de la nada como una explosión y que da comienzo al tema. 

Ese pequeño detalle le da a la pieza una significación muy particular, porque se trata de un sonido que, pese a que dura pocos segundos, suena bastante particular y desencajado, suena como un especie de sonido metalero pesado y oscuro extraño para la época.

Al hablar de los siguientes dos temas nos encontramos con otra de las particularidades del disco. Los temas 2 y 3, llamados ‘’Circles’’ y ‘’Rainbow Rider’’ respectivamente, parecieran desentonar un poco con el estilo tan determinante del primer tema. En ‘’Circles’’ se puede encontrar una canción folk con un estilo algo country, un salto hacia un sonido mucho menos arriesgado, lo cual creo que le quita un poco de mérito al disco, no porque por el hecho de ser menos complejo tenga menos valor, sino porque parece un tema salido de otro lugar, de otro disco.

El tercer tema del álbum sería ‘’Rainbow Rider’’, en el cual sucede algo parecido al segundo tema, aplican elementos de canción, en este caso lo que pareciera ser algo pop, como rebajando sus recursos compositivos a lo que parece algo mucho mas elemental. De todas formas el tema no deja de ser complejo, ya que desde la mitad en adelante comienzan a aparecer algunos arreglos y estructuras que devuelven a su cause progresivo al sonido del disco.

Y ya encaminándonos hacia el cuarto y ultimo tema del disco, nos encontramos con otra de las grandes particularidades del trabajo, aparece el tema ‘’Sunrise’’, que más que ''tema'' se trata de una autentica pieza sinfónica con una duración de media hora, una pieza monstruosa con la que parecen recompensarnos luego de los deslices cometidos en los dos temas anteriores. 

Esta vez se vuelven a encaminar en otra aventura progresiva extraña, poco esperable, no se dejan esperar los riffs pesados, los arreglos agresivos, pero estos, a la vez, se combinan y entremezclan con algunos sonidos y elementos experimentales. La pieza comienza con unos sonidos extraños, para volcarse hacia unos riffs pesados, desde los que se desprende una parte algo experimental y/o ambiental con lo que parecieran ser sintetizadores electrónicos, volviendo a surgir, de allí, otros riffs y partes pesadas. Desde ahí comienza una compleja estructura de pasajes y arreglos que se mantienen así hasta la conclusión de la pieza. Una composición en extremo compleja, sofisticada, sinfónica, etc.

Luego de este lanzamiento, seguiría el segundo disco, ‘’For All The Clowns’’, de 1975, en el cual la banda seguiría explorando el rock progresivo sinfónico. No pasarían dos años más en que la banda terminaría separándose, en 1977.

Después de un largo descanso, el grupo se reúne en 2005, con su formación original. El 02 de agosto 2006 tuvo lugar 40 años de su formación, celebrado con un concierto de reunión, en el Theatron- Festival, en Munich. También dieron otros conciertos al aire libre en el Burg Herzberg Festival en julio de 2007, en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, y en otros eventos reconocidos en su país.

Cod: #1049

Puppenhaus - Jazz Macht Spazz (1973)

El disco ‘’Jazz Macht Spazz’’ pertenece a la banda Puppenhaus, un grupo alemán de jazz rock, formado alrededor de 1969, en Göppingen, un pequeño poblado, en Baden-Würtemberg, Alemania. El grupo nació bajo el nombre de ‘’Puppenhaus Kaiser Blumenstrauss’’, formado por tres jóvenes amigos, compañeros de la secundaria: el baterista Bea Maier, Helmut Krebs y Frank Fischer. Al trió se le sumaria el flautista y saxofonista Büdi Siebert, y ya como cuarteto comenzarían a trabajar cada vez más en serio en su propio concepto musical progresivo, inspirados por Zappa, Crimson, John McLaughlin, Traffic, Yes, entre otros tantos.

Deciden mudarse a la ciudad de Tubingen, donde Helmut Krebs dejaría la banda, y sería reemplazado por Herbert Binder, un talentoso guitarrista influenciado por Hendrix. El grupo sigue trabajando duro, entre otros trabajos que realizaban y estudios, ensayando cada noche y volviendo cada vez más complejas sus composiciones. Al poco tiempo se uniría también un talentoso pianista, Thomas Rabenschlag, atraído a la banda por haber descubriendo que necesitaban un teclado, al ir encaminándose hacia lugar cada vez más jazzeros y progresivos. 

Progresivamente fueron acercándose cada vez más hacia la música fusión, Miles Davis, Wheather Report, Soft Machine, entre otros, que comenzaron a tomar un lugar preponderante entre sus inspiradores y mentores musicales, lo cual se ve reflejado en el trabajo final que lograron. En su tiempo, lamentablemente, nunca grabaron un álbum en concreto, pero dejaron muchas grabaciones, por lo que en el 2009 fue lanzado un cd que recopila buena parte del material que dejaron. En su mayoría se trata de grabaciones que hicieron en vivo en radios, estudios o escenarios, realizadas entre 1973 y 1974.

Se trata de un sonido en el que convergen el mundo del jazz fusión y el mundo de lo progresivo, de manera muy nítida, las piezas no dejan de estar repletas de enormes solos sobre bases rápidas, pero a la vez las estructuras se vuelven muy cambiantes y sofisticadas; una impecable combinación que, con soltura y rudeza, se presenta sin preámbulos o reparos: desde un principio son feroces.

La calidad del sonido no es perfecta, son algo rústicos, pero satisface suficientemente las circunstancias del estilo que transitan, un especie de subgénero indefinido que ronda, como ya se dijo aquí, entre progresiones y fusiones. La música es considerablemente intensa, animada y con un ambiente salvaje, que incluye saxofones y flautas, guitarras salvajes y melodiosas, y por supuesto están respaldados por una furiosa sección rítmica que mantiene el espectáculo en marcha.

Si hemos de encontrarle una identidad al sonido, un origen, esta ha de aparecer en el jazz y especialmente el jazz fusión. Las piezas a menudo se convierten en auténticas aventuras, que en general no bajan de los 10 minutos cada una, son enormes atascos en los que han de liberar deliberadamente su ideario musical, sin atadura, temor o queja alguna. La combinación de pasajes complejos con el jazz fusión recuerdo bastante a los sonidos de otra banda, coterránea a ellos, Brainstorm, que por aquella época también elaboraron sonidos de similares características.

Como se dijo antes, no alcanzaron a lanzar un disco en concreto, no se especifica las razones, talvez tuvieron mala suerte o talvez su meta era solo la de progresar como músicos, talvez solo se interesaban por las presentaciones en vivo. Lo cierto es que terminarían separándose, talvez a mediados de los 70s, luego de realizar varias presentaciones en vivo. Los músicos se separarían, tomando diversos caminos, algunos emigrando hacia otras bandas locales, otro hacia academias donde seguirían estudiando música, otro seguirían como ingenieros y productores.

Aquí tenemos otra pieza progresiva alemana que vale altamente la pena escuchar, y que se suma al pequeño compendio de trabajos progresivos alemanes que hay en blog. Progresivo germano que bien nutrido puede llegar a ser si se lo investiga detenidamente. ‘’Puppenhaus’’ no ha dejado discos pero nos deja estas grabaciones alucinantes, más materia prima para exigentes oídos progresivos.

Cod: #1216

Subject Esq. - Subject Esq. (1972)

Esta fue una banda de rock progresivo alemana, fundada en Munich, en 1966, originalmente como "The Subjects". En 1968 cambiaron su nombre a ‘’Subject Esq’’, además de ganar un concurso de música beat, lo que les dio la oportunidad de tocar en circuitos en vivo y en la televisión.

Originalmente nacen y se crían entre sonidos de finales de los 60s, pero rápidamente se acomodan al desarrollo y evolución surgidos en los 70s, con un rock que tímidamente va dirigiéndose a progresiones bastante interesantes, sin dejar de lado la influencia algo pop, psicodélica, y proto progresiva.

En 1972 lanzan, tras haber firmado con Epic, su primer trabajo, el homónimo ‘’Subjects Esq.’’, donde transitan un rock progresivo algo áspero, no solo por los riffs pesados que utilizan, sino también por cierta intención apresurada en la que están envueltos. Así los temas se van desplegando de manera algo arrolladora, apresurada; de alguna forma esto contrarresta a la buena calidad compositiva de los temas, aunque por otro lado es un buen valor del sonido, compacto, rápido, poderoso, dramático, concreto, y de gran despliegue, similar al sonido de Mogul Trash.

Algo de su influencia temprana todavía se encuentra presente en el disco, algo de pop o folk se deja entrever en las melodías y los pasajes más convencionales. Conforme avanza el disco van avanzando en la complejidad de las piezas, hasta llegar a la mitad del álbum, donde encontramos un monstruo progresivo de 12 minutos, que contiene tanto pasajes pesados como otros más melódicos, buenos solos, cambios constantes y una impecable ejecución y contundencia.

Transitan progresiones vertiginosas, cambios constantes, mientras fusionan rock con algo de jazz fusión. Tanto saxos como guitarras acústicas están bastante presentes en los arreglos, y de buena manera, lo que le da un plus de buenos pasajes, agradables al oído, mientras se entremezclan con los pasajes eléctricos, de las guitarras y teclados. 

Luego de lanzamiento de su primer disco, y tras sufrir algunos cambios en la formación, el grupo cambia su nombre por el de ''Sahara'', nombre bajo el cual lanzan dos discos más, ‘’Sunrise’’ y ‘’For All the Clowns’’. En esta etapa su sonido evoluciona drásticamente, hacia caminos sinfónicos, complejos, y más herméticos en cuanto a la captación del público y la calidad de su música. Aunque al poco tiempo, en 1977, ya desarmarían la formación.

Después de un largo descanso, el grupo se reúne en 2005, con su formación original. El 02 de agosto 2006 tuvo lugar 40 años de su formación, celebrado con un concierto de reunión, en el Theatron- Festival, en Munich. También dieron otros conciertos al aire libre en el Burg Herzberg Festival en julio de 2007, en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad, y en otros eventos reconocidos en su país.

Cod: #1215

Ikarus - Ikarus (1971)

Alemania no solo fue cuna de grandes bandas de krautrock, como Can, Ash Ra Tempel, Tangerine Dream, Amon Düül II, etc, sino que también dio enormes frutos progresivos más clásicos dentro del género, podemos nombrar algunos conocidos como Nektar, Eloy, Novalis, etc., aunque otros han quedado ocultos, es el caso de los ya nombrados en este blog Odin o Nine Days Wonder.

En esta ocasión nos adentraremos un poco en un trabajo de otra de esas bandas progresivas alemanas que quedó en las sombras de la historia, pero que ha dejado algunos sonidos progresivos asombrosos. 

‘Ikarus’ fue un sexteto de jazz-rock progresivo, nacido en 1970, en Hamburgo, Alemania, y liderado por el productor y multiinstrumentista Joachen Peterson, quien luego de terminado el proyecto Ikarus se dedicaría de lleno a su trabajo como productor. La banda estaba integrada por el ya nombrado Jochen Petersen, ademas del pianista Wulf Dieter struntz, el guitarrista Manfred Schulz, el bajista Wolfgang Kracht , el cantante Lorenz Köhler, y el baterista Bernd Schröder.

En 1971 lanzan su primer y único trabajo, el homónimo ‘’Ikarus’’, que en líneas generales es bastante arduo, consta de cuatro piezas progresivas extensas, de las cuales dos rondan entre los 12 y 15 minutos de duración, y en ellas se encuentran mundos progresivos propiamente dichos. 

Se trata de un rock progresivo algo rustico y sinfónico, no tan estilizado pese a contar con arreglos orquestales, pero con una elaboración profunda, de gran despliegue, y una complejidad llamativa, en la cual aparecen elementos de folk rock, pasajes pesados e instrumentales, etc. Se nota la presencia de la influencia de King Crimson y Van Der Graaf Generator, también se nota un poco algún toque de krautrock en algunos arreglos, pero en líneas generales crean un sonido arduo y propio, pergeñado bajo sus propias reglas progresivas. 

Con esa avanzada sonora tan propia que elaboran, reflejan la visión profunda que tienen sobre el uso y la dinámica de los riffs y sobre la combinación de melodías y pasajes. El sonido se construye en base a guitarras acústicas y mellotrones, impecables bases rítmicas, y distintas aplicaciones de cuerdas sinfónicas, flautas, saxos y guitarras eléctricas.

En el primer tema, por ejemplo, dejan algunos arreglos sinfónicos que rozan con lo clásico, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas. En los siguientes temas se siguen viendo los arreglos sinfónicos, entremezclados entre tanto cambio y fluidez de pasajes. La última pieza del disco, llamada ‘’Early Bell’s Voice’’, que aunque dura solo 7 minutos de duración, la mitad que otras dos, es aun así es más compleja que las anteriores.

También hay lugar para cierto acercamiento a la extravagancia compositiva o ‘avant prog’, extravagancia que los lleva a desarrollan un sonido que, aunque es muy complejo, a la vez es algo minimalista, las progresiones y pasajes se van formando con melodías muchas veces repetitivas y simples. Y a la vez son algo oscuros y rústicos, una rusticidad un tanto post psicodélica. 

De esta mescla tan particular de sonidos, sale un rock progresivo muy poético, tipo art rock, con melodías épicas, letras que hablan sobre la devastación del mundo (por lo mínimo que entendí de las letras en inglés), y una complejidad que, por momentos, demanda ser escuchada varias veces para alcanzar a apreciar el tremendo valor compositivo que desarrollan, un deleite para el oído progresivo setentero.

Muy poca información he encontrado sobre la historia de la banda, por lo cual recaigo en la deducción unilateral de que seguramente se desintegraron sin dejar rastros, luego de haber lanzado su único trabajo, historia repetida ya por muchas otras bandas fugaces de similar condición. Así que nos queda este trabajo de jazz rock progresivo, que se disfrute y pronto volveremos con más.

Cod: #1051

Nine Days Wonder - Nine Days Wonder (1971)

La historia de la banda Nine Days' Wonder, grupo alemán de rock underground, comienza allá por finales de 1966, cuando su fundador, Walter Seyffer, empieza a desarrollar un proyecto de banda a partir de composiciones propias. Originalmente el grupo se llamaba ‘The Graves’, pero no sería hasta tres años más tarde cuando la agrupación comenzaría tomar forma, color y estilo.

Seyffer era un cantante y baterista alemán que había transitado por varias bandas a lo largo de los 60s, y seria en 1970 cuando lograría establecer la formación definitiva de la banda a la cual fundaría y lideraría. Es más precisamente en febrero de 1970 cuando la formación del grupo que integrada, compuesta por músico de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el ingles Martin Roscoe que ocuparía su lugar en la batería.

Juntos comienzan a crear un especie de rock experimental, que por las diversas influencias terminaría siendo progresivo, nacido en base de una fusión de elementos y distintas influencias, convergentes esencialmente en el rock fusión, kraurock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época.

Ellos grabaron su primer álbum en los  Dierks estudios, en Enero de 1971, y es un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán, claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráficc, Family, Deep Purple, entre otras.

El homónimo álbum debut presenta largas y complejas suites de rock progresivo, plagadas de riffs pesados, jazz fusión, krautrock / heavy prog, zapadas frenéticas y cambios inusuales y rotundos, que van dirigiendo los pasajes por distintas intensidades, elaborado todo en base a una locura generalizada, una despreocupación que los hace explorar ámbitos sonoros únicos, dentro de un rock que intenta ser (y lo es) progresivo pero con una instrumentación no excesiva, es decir, relativamente simple y fácilmente apreciable.

Dicha libertad en la creación los lleva también hacia caminos experimentales, con voces alteradas, algunos toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y locura en las voces, un estilo que establece deliberadamente al trabajo en el mote de, si me lo permiten decir, ‘avant prog’. El álbum se compone por cuatro piezas, dos de ellas giran alrededor de entre los 12 y 15 minutos y son grandes las grandes atracciones del disco, pero en líneas generales todo el álbum es muy bueno y rico.

En el verano de 1972 la banda se separa y se rearma al poco tiempo, la alineación sufre cambios, tras algunas deserciones que fueron reemplazadas por otros músicos, casi toda la formación queda desarmada a excepción de Seyff que sería el único miembro original que sobreviviría. Con esta nueva alineación, a principios de 1973 comienzan a grabar su segundo disco ‘’We Never Lost Control’’. Para 1974 la formación del grupo vuelve a sufrir cambios, a esta altura la banda se mantenía de forma inestable, con cambios constantes, se convierten en un cuarteto y, en Septiembre de dicho año, graban su tercer disco ‘’Only The Dancers’’, con invitados como el saxofonista de Van den Graaf Generator, Dave Jackson, y el tecladista Steve Robinso, ex miembro de la banda ‘2066 & Then’.

La última encarnación de esta inestable banda tuvo lugar por el verano de 1975, con Seyffer y Gautama como únicos miembros sobrevivientes del la formación del año anterior, vuelven a la estructura de quinteto y graban ‘’Sonnet To Billy Frost’’, un especie de ópera rock.

Nine Days Wonder debutó con un álbum muy interesante, a veces un poco denso pero siempre llenos de energía, pasión y una composición increíble, un sonido que los coloca por lo menos como pioneros del prog alemán.

Cod: #1122

Alas - Alas (1976)

Unas de las movidas fundamentales en el rock anglosajón de los primeros años '70 fue la corriente progresivo-sinfónica, simbolizada por grupos como Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer que le habían dado al género una nueva proyección, al incorporar elementos de música clásica y de jazz. Eran, también, días de notables avances desde el punto de vista tecnológico: nuevos y sofisticados teclados, como el mellotron y el sintetizador, permitían emular los sonidos de una orquesta y también crear nuevas texturas sonoras, que desafiaban el antiguo monopolio de las guitarras eléctricas como instrumento dominante del rock.

El períoso que va de 1973 a 1977 marcó paralelamente un salto evolutivo para el rock nacional, con la formación de varios grupos adhirieron a la movida progresivo-sinfónica. Surgieron bandas como Ave Rock, Madre Atómica, Om, y Aschábel, entre otras, que dejaron su marca en el circuito progresivo local, aunque su repercusión no haya trascendido el ámbito de los entendidos. Pero sin duda hubo tres grupos que tomaron la delantera en términos de logros musicales y de aceptación popular: Espíritu, Crucis, y Alas.

El trío Alas nace en la parte final de 1974, tras el alejamiento del trompetista y cantante Gustavo Moretto de Alma y Vida, banda que había sido pionera de la fusión jazz-rock en Argentina. Es entonces cuando Moretto concibe un nuevo grupo, para el que convoca al bajista y guitarrista Alex Zucker, que venía de tocar con Montes y de acompañar a Pedro y Pablo en el álbum Conesa y a Carlos Riganti, ex baterista de Materia Gris, banda que venía de registrar la obra conceptual Ohperra Vida De Beto en EMI.

Desde el vamos, Alas concibe una música de gran riqueza técnica, Un sonido elaborado que tenía como base los múltiples teclados de Moretto y que, en su temática, exploraba las posibilidades de la cruza del rock progresivo-sinfónico con elementos de tango y folklore. Entrevistado por la revista Expreso Imaginario, en julio de 1977, Moretto decía: ''al principio, lo único que nos propusimos fue formar un conjunto que sonara bien y que tuviera algunos aspectos nuevos, especialmente los arreglos. Luego llegamos a una conclusión de que, si bien no podíamos negar para nada lo que habíamos hecho hasta entonces, ni podíamos pasar por alto la música que en este momento mueve al mundo, teníamos que reflejar de alguna manera lo argentino''.

Alas tuvo un consagratorio debut en el teatro IFT de Buenos Aires y poco tiempo se embarcó a una breve gira por las principales ciudades del país, antes de su debut discográfico en EMI, producido en 1975, con un simple que contenía los temas ''Aire (Surgente)'' y ''Rincón, Mi Viejo Rincón''. 

A mediados de los 1976 aparecería el álbum debut de Alas, que llevaba el nombre del grupo cómo título del álbum. El larga duración estaba integrado por dos extensas composiciones, ''Buenos Aires Sólo Es Piedra'' y ''La Muerte Contó El Dinero'', divididas en varios sub-temas. n la primero predominaba una sensibilidad tanguera, mientras que la segunda estaba basada en un ritmo vidala. Moretto, por su parte, reconocía que el elemento folklórico estaba tamizado por el entorno urbano: ''Como ninguno de nosotros vive en el campo, lo más lógico era buscar un folklore de la ciudad que vivimos. Quisimos producir una música que fuera reconocible como perteneciente a Buenos Aires''.

Esa exploración musical que fuera una constante a lo largo de toda la carrera de Alas, sería llevada a nuevas dimensiones con la incorporación, como músico invitado, el bandoneonista Daniel Binelli. Además, en octubre de 1976, Alas se presentó con gran repercusión en el teatro Coliseo de Buenos Aires, acompañados por tres bandoneonistas: el propio Binelli, Juan José Mossalini y Rodolfo Mederos, quienes habían sido compañeros del primero en la orquesta del maestro Osvaldo Pugliese, adems de integrar el grupo de Mederos, Generación Cero.

Con el éxodo de Alex Zucker a Estados Unidos y su reempazo por un muy jóven Pedro Aznar (que venía de Madre Atómica) Alas habría de emprender un nuevo rumbo en su carrera. De su etapa musical, sin embargo, quedaba como testimonio este álbum debut, una de los hitos icuestionables del rock progresivo-sinfónico rioplatense. 

Reseña por Alfredo Rosso

Cod: #1228