18 abr 2021

Bob Downes - Deep Down Heavy (1970)

Bob Downes fue un importante músico de sesión para la floreciente escena progresiva y jazzera británica, con cierta repercusión al comienzo de su carrera, durante los 60s, al trabajar para muchas bandas reconocidas de la época como Manfred Man, Andwella’s Dreams, John Barry Seven, Mike Westbrook, o participante por ejemplo del segundo disco de Egg. Él era un referente activo y su rol en la ejecución de la flauta no solo lo desarrolló como músico de sesión sino que también lo volcó en algunos trabajo propios que entre los que se encuentran algunas joyas que vale la pena rescatar del olvido.

Fue uno de los más eclécticos provocadores de la escena británica, entre los años sesenta y setenta, años en los que más especialmente estuvo activo y en los que desarrolló su concepto de ‘’Open Music’’, presentado en algunos discos que llevaban el mismo nombre, especialmente en el homónimo ‘’Open Music’’ de 1970, un trabajo conceptual y experimental donde se sumerge en una búsqueda sonora propia que parte de fusiones y experiencias surgidas de entre sus visiones que sintetizan en jazz vanguardista y la música clásica, entre otras visiones, dando por resultado un estilo nunca escuchado en el momento, un concepto propio. A eso de ‘’Open Music’’ también lo desarrolló en su banda ‘’Bob Downes Open Music’’ con la que continuó presentando sus sonidos que iban de entre el jazz vanguardista y  el jazz rock.

Hacia finales de los sesenta y principio de los setenta se ubica su etapa de mayor quehacer discográfico, en 1970 publicaría ni más ni menos que cuatro discos, cuatro publicaciones distintas y completamente independientes y variadas entre sí, apareciendo ‘’Electric City’’ con un sonido de jazz más rockero, el ya mencionado ‘’Open Music’’ donde experimentaría con el jazz más vanguardista, su lanzamiento de biblioteca ‘’New Sounds For Flute, Percussion And Synthesizer'' donde experimenta con flauta y sintetizadores, y por ultimo su intrigante ‘’Deep Down Heavy’’ en el que presenta otra faceta distinta de su producción musical, con algunos tracks que no son necesariamente canciones sino que aparecen algunas composiciones extrañas sumadas a grabaciones de campo con sonidos.

En ‘’Deep Down Heavy’’ presenta una faseta distendida de sí mismo, con sonidos no convencionales, rasposos, rock under, un sonido lo fi setentero de dudosa procedencia que no terminan de encajar en una identidad tan definida como en los trabajos anteriormente nombrados pero con los que de alguna manera logra conformar un disco que no termina de virar hacia un rumbo particular sino que es un rejunte de invenciones varias, en las que aparece el rock y algo de jazz-rock pero también aparecen momento extraños que en conjunto con los tracks más convencionales crean una sensación de exploración por terrenos diversos.

En cuanto al rock que propone en este trabajo lo presenta de manera rustica, con buena potencia pero con una definición de grabación extraña, lo cual no parece ser un impedimento para la escucha ya que explora otra faceta de sí mismo y lo sigue haciendo con algunos sonidos potentes, algunas interesante invención rockeras con buenas guitarras eléctrica y muy buena aparición de él mismo en flautas o saxos. Aparece una reversión de su tema ‘’ Don't Let Tomorrow Get You Down’’, al cual había publicado en su disco ‘’Electric City’’ y que en este trabajo reversiona también de forma rustica en una interpretación que parece haber sido captada en vivo.

1970 seguiría siendo un año muy fructífero para él, llegando a publicar tres disco, además de este presentaría su ‘’Electric City’’. Pronto crearía su propio sello discográfico, ‘’Openian’’, donde continuaría desarrollando su música experimental, publicando más trabajos como ‘’Episodes At 4 AM’’, con su ‘Bob Downes Open Music Trio’. Durante esta década llegaría a ser miembro de la Barry Guy's London Jazz Composers Orchestra y también tocaría con la Mike Westbrook Band y Keith Tippett Band. Desde 1974 se ha concentrado en apariciones en solitario como flautista, pero también ha aparecido con poetas como William S. Burroughs y Allen Ginsberg. En la década de 1980 se instaló en Alemania. Fundó su Alternative Medicine Quintet en 1978 y una Flute Orchestra en 1984. Lamentablemente, durante las décadas siguientes,  su discografía no se vio tan nutrida como en aquellos años, desde entonces se ha ganado la vida como músico, y compositor para compañías de ballet y teatro europeos y norteamericanos.

Cod: #1554

16 abr 2021

Bakerloo - Bakerloo (1969)

Este disco de blues eléctrico tiene todo lo que debe tener un buen disco de la época para estar a la altura de las circunstancias de su momento y contexto y para no caer en la monotonía y la mediocridad, presentando algunas variantes dentro del blues: un blues clásico, un blues eléctrico lento, un boogie, blues-rock, y la perla del poste, un track de quince minutos de duración que corta con todo lo anterior, presentando una muy extensa sesión improvisada que, a su vez también, se divide en otros fragmentos internos con intensidades cambiantes; es un disco con mucho qué ofrecer. Piezas cortas y piezas extensas, es un buen carácter que maneja el disco demostrando la versatilidad de los músicos para interpretar muchas variantes dentro de un mismo estilo, dando cuenta que sus habilidades y su inventiva. 

En la banda había buenos artilleros de la guitarra eléctrica, por lo que tenemos varios momentos bastante ajetreados con solos rabiosos y potentes, como en el tema algo experimental ‘’Last Blues’’ en el que, luego de un comienzo más calmo, el sonido termina volcándose hacia una sesión improvisada de blues-rock con full guitarra eléctrica. El rol de la guitara eléctrica, en cuanto a sus improvisaciones respecta, también toma preponderancia en otros momentos, como en el boggie ‘’Big Bear Folly’’, en el blues lento de estilo clásico ‘’This Worried Feeling’’ con también plena y decisiva participación de la guitarra eléctrica con solos impresionantes, o en el último track, el ya mencionado track de quince minutos ‘’Son Of Moonshine’’, un track que consiste en una cancion extendida en el tiempo, por lo que se vuelve una extensa sesión que cuenta con algunas partes internas que cambian sutilmente en intensidad y brindan la sensación de una sesión, un trip rockero de gran poderío.

Este power blues trio en muchos momentos recuerda al estilo eléctrico de Pappos Blues, por la ejecución punzante y decisiva de la guitarra eléctrica, por el funcionamiento en gran nivel del trio y por muchos momentos de bases pesadas, estridentes, que se plasman en sonidos rabiosos, con aplicaciones contundentes de la guitarra en forma de riffs y solos pentatónicos y con distorsión. El trio funciona en perfecta sincronía, reflejando las inquietudes del blues de finales de los 60s, y conceptualizando y  reformando dicho estilo de acuerdo a las visiones propias que surgirían de los talentos propios.

Este disco es signado por algunos dentro de un estilo progresivo, no necesariamente se trata de música progresiva pero la llamativa variedad en la propuesta de las composiciones, además de algunas piezas que tienen cierta ‘’progresividad’’ estructural, hacen que se acerque este sonido a esa categoría, de hecho Bakerloo era otra de esas potentes bandas inglesas de blues-rock de su época, entre las que se encontraban Led Zeppelin, Jethro Tull o Colosseum, bandas que sí evolucionaron hacia estilos más complejos (especialmente Jethro Tull); Bakerloo no contó con ese destino de continuarse en una carrera artística extensa pero su comienzo y único lanzamiento discográfico daba cuenta de que sus intenciones los podrían haber llevado a otros sonidos más complejos, sus acercamientos al blues, jazz y la música clásica dan cuenta de ello.

Bakerloo fue un trío inglés de heavy blues-rock formado a finales de los 60s, teniendo una carrera particularmente corta que duraría dos años nomás, pese a esto, y tras solo haber lanzado un álbum, el homónimo Bakerloo de 1969, la banda cumplió un rol importante al haber sido parte de la experiencia y formación de musicos que luego formaría otras bandas de mayor renombre, especialmente en vista de la emigración posterior de sus miembros hacia bandas como Colosseum, Humble Pie, May Blitz, Graham Bond, Vinegar Joe, Judas Priest y Uriah Heep. Fue el bajista y cantante Terry Poole el que formó lo que inicialmente se conoció como The Bakerloo Blues Line, en 1967, cuando se unió con el guitarrista u cantante tambien Dave ''Celm'' Clempson. Ambos se conocieron alrededor de 1965 en la Nottingham College Of Art & Desing. 

Dave ‘’Clem’’ Clempson recuerda lo siguiente sobre los artistas que los influyeron e inspiraron: ‘’Nuestras influencias fueron bastante diversas, por supuesto principalmente las grandes leyendas del blues, como Mddy Waters, Sonny Boy Williamson, Howling Wolf, John Lee Hooker; pero tambien estabamos influenciados por lo que estaba ocuerriendo en la escena rock britanica, y Terry y yo ibamos a menudo a festivales de blues y jazz a escuchar a bandas como Cream, Jimi Hendrix, Family, Jeff Beck, John Mayall, Ten Years After y Fleetwood Mac. Tambien habia incluso influencias de jazz y musica clasica, yo estudié diez años de piano en la Royal School of Music desde la edad de cuatro años. Amábamos a Jimi Hendrix por supuesto, e incluso a Cream. Ellos fueron grandes inspiraciones para la banda cuando comenzamos.’’

Ellos tuvieron ciertos problemas para encontrar al baterista adecuado para su proyecto ya que era difícil encontrar uno y que además poseyera buenas cualidades técnicas. En un periodo corto de tiempo junto a ellos desfiló una gran lista de posibles aspirante a la bateria. Entre ellos aparecieron nombres como Bill Ward que alcnazó a tocar en vivo junto a ellos, John Hinch (más tarde miembro de Judas Priest), Pete York que los ayudó en varios conciertos en la bateria (más tarde en Spencer Davis Group, y John ''Poli'' Palmer (más tarde parte de Family). Finalmente se hicieron con Keith Baker para completar el trio de potentes músicos de forma relativamente permanente yq eu sería el baterista que grabó junto a ellos el único álbum que lanzaron.

En sus orígenes tuvieron contacto con grandes bandas de la época, incluyendo Lez Zeppelin, para quienes abrieron en un concierto el 10 de diciembre de 1968 en el Marquee Club en Londres. Otras bandas para las que abrieron fueron King Crimson, Yes y Pink Floyd. Bakerloo fue fichado por el sello EMI, y su primer lanzamiento fue un single compuesto por los temas ''Drivin' Backwards'' / ''Once Upon A Time''. ''Drivin' Backwards'' fue creada en base a la pieza clasica de Bach ''Bouree In E Minor''. Poco después del lanzamiento de dicho single, Jethro Tull lanzó su segundo álbum, ‘’Stand Up’’ de 1969, en el que incluirían un track llamado  ''Bouree’’  también inspirado en la misma pieza clásica de Bach.

Cod: #1553

11 abr 2021

Graffiti - Graffiti (1968)

Graffiti fue la tercera banda que se formó a partir de las cenizas de la banda de garaje de mediados de los 60 The Hangmen, originaria del área de Washington DC. La banda se había llamado anteriormente Button y contenía al ex cantante de The Hangmen Tony Taylor y al guitarrista George Strunz, quien había reemplazado a George Daly en The Hangmen a principios del 67 antes de que decidieran separarse. Taylor y Strunz se mudaron a se mudaron a Greenwich Village desde Washington DC y cambió su nombre a Graffiti, siendo acompañados por el multiinstrumentista Steve Benderoth, el baterista Richie Blakin y el guitarrista rítmico Jon St. John. Graffiti lanzó un oscuro LP homónimo bajo el sello ABC en 1968 que fue coproducido por Bob Thiele (más conocido por su trabajo con muchos de los principales músicos de jazz), Eddie Kramer (más conocido por su ingeniería en los discos de Jimi Hendrix) y Jay Senter.

La inmediata impresión que deja este disco es que no se trata de un disco más del pop de su época, y esto es justamente por su propuesta tan variada y esmeradamente elaborada y pulida en detalles, arreglos y distintas partes y propuestas presentadas en un mismo sonido, es toda una aventura adentrarse en este sonido que rebosa de inventivas y propuestas que dirigen al escucha a tierras psicodélicas en un viaje insólitamente complejo para la época.

Aquí el sonido pop se diversifica en una serie de ideas pulidas puntillosamente que funcionan como un vergel de inventos que sorprenden por la diversidad en la búsqueda y por el cambio rotundo que suelen tener algunas piezas que comienzan bajo un lema pero que logran transformarse hacia estructuras que la mayor parte del tiempo avanzan en un continuo compositivo que denota la visión ambiciosa de la banda.

Debido al despliegue de elementos y diversos arreglos que caracterizan a las composiciones y a la producción, es muy tentador tildar a este sonido como proto-progresivo o incluso algunos tildan al disco como mismísimo prog, esa es una empresa algo exagerada para denominar a este disco que de todas formas es realmente aventurero en muchos aspectos y que demuestra una faceta exploratoria en gran parte del mismo, esa misma característica puede llevar a pensar que se trata de un estilo progresivo 

Lo cierto es que se trata de un disco raro y que no tuvo demasiada repercusión, pero eso se compensa con el despliegue de elementos, no solo en la variedad de la composición sino en otros detalles como pequeños temas conceptuales o tracks de diversas manufactura y duración, lo que convierte a este disco en un trabajo que se acerca al calibre de otras obras de esa era, de corte conceptual u operístico.

Finalmente el trabajo deja esa sensación de que se transitó por un sinfín de partes y rincones. El disco bien podría haber merecido más atención pública, así como también no, porque en las partes pop supuestamente más ''fuertes’’ no termina de lograr melodías que alcancen el mote de ‘’hit’’, y cuando el trabajo es realmente amplio lo es en un sinfín de piezas que son un deleite por su particular inventiva pero que no tienen un particular valor o interés comercial, el trabajo perteneció al under propio de una banda fugaz que surgió tan pronto como terminó, dejando esta joya perdida en el tiempo que será un deleite para quienes gocen con los sonidos por su creatividad y no por su pasajera popularidad o relativa respetabilidad. Para algunos esta es una obra maestra y para otros es un disco más del montón, lo cierto es que este trabajo deja algunos buenos momentos que valen la pena tener en la colección.

Cod: #1552

4 abr 2021

Klan - Mrowisko (1971)

Klan fue una banda fundada en 1969 en Varsovia, Polonia, uno de los primeros grupos polacos en incursionar en el mundo progresivo, y pese a su producción discográfica relativamente pequeña y a las restricciones socio políticas que pesaban sobre la escena rock de la época censurando y persiguiendo a los artistas, aun así consiguieron colocarse como uno de los principales logros del rock progresivo del momento en el país. La primera formación del grupo es Marek Ałaszewski (nacido el 2 de diciembre de 1942 en Varsovia) (guitarra y voz), Roman Pawelski (bajo), Andrzej Poniatowski (ex. Pessimists) (instrumentos de percusión) y Maciej Głuszkiewicz (teclados) .

La banda hizo su debut en el club de Varsovia "Medyk" y pronto ganó atención gracias a la interesante música progresiva y letras surrealistas, aunque Ałaszewski a veces fue acusado de copiar el estilo vocal de Niemen. La banda grabó algunas canciones interesantes y lanzó su primer EP, sin embargo, el álbum más importante de la banda es su segundo lanzamiento, su primer LP titulado Mrowisko, música escrita para una actuación de ballet del mismo nombre. La letra de la obra habla de la vida en la ciudad anónima y sin rostro, en la que el individuo se siente como una hormiga.

En junio de 1970, en el 7º Festival de la Canción Polaca, el grupo presentó la actuación de ballet "Mrowisko", que sería publicado posteriormente en 1971 en un disco bajo el mismo nombre. Este es un disco interesante y con una producción de sonido que le resultó tener sonoridades de un estilo propio. No termina de ser totalmente progresivo, ronda dentro de esa aura y muchos momentos son de un avance compositivo pero también transita la canción y algunas estructuras clásicas, aunque lo hacen entre introducciones, pasajes, arreglos, algunos inventos instrumentales, por lo que la escucha del disco no se vuelve monótona o repetitiva como sí podría llegar a ser con algo de corte más clásico. 

El álbum presenta una serie de invenciones que rondan entre influencias progresivas, jazzeras y rock, hay algunos momentos instrumentales que parecen invenciones propias del ingenio de la banda y que significan la propuesta de todo el trabajo ya que este está completo por casi por su totalidad por esas piezas de diversa manufactura, diversa duración y diversa propuesta. Es toda una puesta conceptual creada para ballet, lo que significa la elaboración variada, una búsqueda sonora basada en su mayoría en piezas cortas y diversas. Los 13 temas lanzados en el álbum están fuertemente influenciados por la música occidental, por ejemplo, de Jethro Tull , Vanilla Fudge o Carlos Santana.

El disco comienza de manera inmejorable, con el canto de algunos pájaros que pintan una escena pastoral y relajada, a lo que se le suma una suave guitarra criolla dejando algunas melodias también suaves, momento que termina con la aparición de la banda en un sonido relajado con teclados y guitarra eléctrica; este comienzo es uno de los momentos más destacados del álbum. Ellos combinaron la canción popular pero la ornamentaron con arreglos progresivos, pasajes de jazz, elementos de blues y crearon un repertorio exótico dentro del rock local.

En la primavera de 1971, Głuszkiewicz Poniatowski abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Wojciech Morawski y Christopher Dłutowskiego. Después de una serie de conciertos dados la banda se disolvió en el otoño de 1971; Marek Ałaszewski ( Graduado de la Academia de Bellas Artes) se dedicó al arte. El clan reanudó su actividad en 1991 con la composición de Ałaszewski, Artur Łobanowski (guitarra, teclados), Wojciech Ruciński (bajo) y Radosław Nowakowski (batería, ex-Osjan) y un año después grabó un segundo álbum, que se tituló ‘’¿Por qué necesito este paraíso?’’.

Cod: #1551

3 abr 2021

Terje Rypdal - Terje Rypdal (1971)

El estilo artístico que Terje Rypdal mostró al principio de su carrera discográfica solista dejó entrever un decisivo acercamiento hacia las vanguardias y la experimentación temprana con el  jazz fusión, y aunque presentó, por ejemplo en su primer disco, una de las primeras formas escuchadas en su época de fusión entre el vanguardismo jazzero y el rock experimental, aun así esos serían momentos tempranos y prototípicos de su carrera porque ese representaría nomás el comienzo de un estilo personal que pronto iría mutando y evolucionando, sofisticándose, diversificándose, estilizándose, mutando en su técnica personal y en sus visiones del uso del espacio y el tiempo, que pronto comenzaría a dar nuevos frutos.

Para 1971 Rypdal ya había reunido la experiencia suficiente en el campo del vanguardismo, participando en el disco ‘’The Esoteric Circle’’ del mismo año, producido por George Russell, su mentor musical, además de haber formado parte de formaciones lideradas por uno de sus compatriotas y otro icono del jazz noruego, Jan Garbarek. Con todo esto, sumado a sus visiones particulares que habían comenzado a re direccionarse e intensificarse hacia terrenos de mayor riesgo conceptual, siempre impulsándose por la influencia de las vanguardias de la época,  publicaría en 1971 su segundo trabajo discográfico como solista y líder, conformando otro eslabón en la cadena evolutiva que estaba transitando y que lo tendría concerniente a expresiones y fulguraciones en el terreno del jazz rock y el jazz vanguardista.

Su estilo había mutado hacia deliberados momentos de pura significancia conceptual, brotando las fibras de la influencia de la música clásica en varios pasajes de este trabajo, como estando sintetizada bajo una mirada fusión de solemne expansión expresada en ambientes vanguardistas calmos, misteriosos, con instrumentaciones sutiles sobre las que brotan algunas líneas de viento entre flautas, saxos y clarinetes; esa es una noción sutilmente sinfónica aplicada al espacio y sincronizada con sus innovadoras visiones de vanguardia.  

El comienzo del disco se presenta dentro de un terreno de construcción extensa en el tiempo, con implicancias especialmente del jazz rock donde brilla la guitarra de Rypdal, hacia el final de la primera pieza, en un solo abrazador de una potencia fusión muy personalista y una visión que se estaba expandiendo, estilizándose su particular técnica en ejecución de solos e improvisaciones. No se podría entender al estilo del Rypdal de esa época sin tener en cuenta la influencia rock acida de Jimi Hendrix, del cual tomó la distorsión y la fiereza que queda notoriamente reflejada en la distribución de las notas sostenidas en un monologo que no decae en intensidad a lo largo de las estructuras temporales que transita.

Tampoco podría entenderse a Rypdal sin la influencia del vanguardismo de George Russell, es que dicho compositor había comenzado a plantear vanguardismos de calibres similares pero en formas orquestales mucho mayores, siendo un impulsor temprano del fusión. Esas maneras de incluir líneas orquestales sutiles e insinuantes sobre terrenos de jazz fusión modal que plantea Rypdal en este disco, como en la pieza ‘’Electric Fantasy’’, parecen haber sido inspiradas sutilmente por los trabajos del Russell de esa época, como ser trabajos como ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969 o ‘’Trip To Prillarguri’’ de 1970, trabajos en los que Rypdal participó en la grabación y presentación en público, experiencia que muy probablemente marcó a fuego las visiones por aquel entonces tempranas del guitarrista Rypdal.

Es en ‘’Rainbow’’ o ‘’Lontano II’’ donde Rypdal se oscurece volcándose hacia un sonido netamente vanguardista, con disonancias, aplicaciones de instrumentos diversos y ambientes decididamente oscuros, es un sonido que resalta en el disco por su particularidad y demuestra lo lejos que estaba dispuesto a llegar el autor en su experimentación.

Las estructuras se destilan hacia una concepción ‘’minimalista’’ en el sentido de que la instrumentación nunca es virtuosa o vertiginosamente cambiante, sino que funciona siempre dentro de ambientes calmos, de misterio, de hechuras artísticas sin nombre que provienen de algún oscuro lugar que las colocó allí por alguna extraña razón y circunstancia, y si es que alcanzan algún punto culmine o álgido en la instrumentación, momentos en los que aparecen generalmente los impresionante solos de Rypdal, es por que llegaron a ellos por medio de extensos pasajes de desarrollo que evolucionaron lentamente hasta alcanzar un limbo particular y eclosionar en los mismo, véase la pieza ‘’Electric Fantasy’’ para ejemplificar esta situación. Las estructuras representan grandes área de juego que propician la aparición de diversas texturas, armonías, instrumentaciones varias, diversos momentos y estados, siendo un estilo fusión en plena fusión, valga la redundancia, con influencias de estilo de la música clásica. 

Este es un disco capaz de satisfacer a gustos por el fusión, pero también se adentra en terrenos vanguardistas, por lo que el producto final cuenta con esa amplitud de visiones, estilos e influencias. La evolución del autor para este disco es notable con respecto a su primer lanzamiento, demostrando una búsqueda de vanguardia total y una fusión de diversos elementos y estilos aunados en una misma cosa de vanguardia que se manifestaba hacia la búsqueda de una identidad propia dentro de un estilo que se estaba desarrollado y que continuaría desarrollándose a lo largo de toda su discografía que se extiende hasta hoy en día.

Cod: #1550

2 abr 2021

Think - Variety (1973)

Esta es una puesta progresiva delicada que guarda un fuerte vínculo con la era psicodélica, especialmente por los órganos y guitarras hard características, bases duras de rock y algunos momentos de sutil experimentación instrumental, incluso en toda la puesta hay un aura deliberada que recuerda al hard rock underground europeo. La banda parte desde esas influencias pero se encamina hacia estructuras de sutil sofisticación que entre algunos pasajes más complejos y otros más sencillos aun así se asegura de presentar toda una puesta de variada composición dentro del terreno de la música progresiva, haciéndole gran honor al espectro compositivo de la época y diferenciándose un tanto de los sonidos psicodélicos más tradicionales.

Al ser un disco alemán, los vínculos que se le tienden a este sonido con el krautrock son inmediatos, lo cierto es que este disco tiene poco y nada de relación con el krautrock, algunos efectos sonoros eventuales y fugaces, eso es todo; esta propuesta tiene más que ver con el rock hippie evolucionado desde la misma instrumentación pero hacia estructuras de sofisticación, con una complejidad media que no está sobrepasada con progresiones virtuosas e interminables pero que presenta los cambios suficientes para que este ser un sonido excitante para escuchar y disfrutar, convergiendo entre ambientes psicodélicos y estructuras progresivas.

En la instrumentación aparecen algunos instrumentos particulares que enaltecen la propuesta, aplicaciones en flauta, saxo, violines y eventuales arreglos de cuerda se suman a la interesante propuesta del disco que se mantiene en una constante búsqueda progresiva, no virtuosa pero sí con una amplitud contundente que la saca del convencionalismo del rock más estándar. 

La portada psicodélica con esas dos damas sobre las que se proyectan algunos efectos luminosos es toda una declaración de intereses, tal vez el álbum no sea tan deliberadamente lisérgico pero sí representan el ambiente de donde provienen los músicos y con el cual se codeaban, el trasfondo musical del disco se esparce como un aura de un sutil exotismo ácido que se desparrama en el alma básica de la instrumentación del grupo y demuestra un porvenir hippie. 

Por la participación de flautas y violines es que se tiende relación hacia la influencia clásica, apareciendo también momentos de elementos de blues, influencia del jazz, y momentos de rock del cual toman esa tendencia hacia las estrofas cantadas que se desparraman entre las diversas progresiones. La puesta no es virtuosa pero entre tantos pasajes e invensiones se puede apreciar que la banda estaba bien en caminada hacia ambientes de elaboración y búsqueda sonora.

Think proviene de la ciudad de Marl, Alemania, fundada en 1971 por 3 alemanes, 2 húngaros y 1 checo.La banda estaba formada por el alemán Friedhelm Wördehoff (baterista en bandas de ritmos de Essen desde mediados de la década de 1960), los húngaros Ricky Ramor en bajo y Rodrigo Ramor en la voz principal (cuyos padres habían huido a Alemania a fines de la década de 1950), y los alemanes Frank Voigt en flauta y saxo y Gerd Pohl en guitarra. Los hermanos húngaros Ramor encontraron otro compatriota "oriental" para integrar el grupo, el checo multiinstrumentista Ludovich Sandrik que había estado tocando con la filarmónica húngara.

Algunos de los miembros de la banda eran miembros de una orquesta húngara que había ido a Alemania de gira, tras desertar, se quedaron en Alemania y fue allí donde congeniaron con los demás miembros de la banda, esto explica las diversas instrumentaciones aplicadas en varios pasajes del disco, además de la sofisticación general del trabajo que es considerablemente sofisticada, es de ahí de donde proviene ese toque clásico que tiene este disco y que es típico de la fusión del progresivo general de la época.

La banda solo duró lo suficiente para grabar este álbum, luego se separaron y poco se sabe de ellos luego de este eventual proyecto. El resultado es una esperada fusión de elementos progresivos con amalgamas clásicas que se suman a todo el repertorio típico del rock de las escenas de la época. Es un trabajo muy esmerado, un logro sonoro de la instrumentación muy bien logrado producto de la buena producción, un gran trabajo del under progresivo alemán.

Cod: #1549
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