25 sept 2022

Stenio Mendes - Stenio Mendes (MPBC) (1980)

‘’Música Popular Brasileña Contemporánea’’ fue una serie de discos brasileros con los que, en su época, se buscó dar lugar y cuerpo a nuevos compositores, presentando estilos nuevos, de vanguardia o experimentales, pero que en fin se salían de la MPB clásica, para adentrarse en inventos, fusiones, experimentos, creaciones propias de cada autos, etc. Para ello se convocó a instrumentistas, compositores y arreglistas profesionales, deseosos de encontrar su espacio para poder manifestar sus creaciones, que generalmente no lo encuentran en lo popular ni en el público masivo, un espacio que a la vez no interfiriera  en sus desarrollos artísticos sino todo lo contrario, brindándoles el apoyo para que puedas manifestar todo su potencial.

Stenio Mendes es otro de esos artistas que participaron de esta serie de discos, y, como no podría ser de otra manera de acuerdo a lo propuesto, la música es más que experimental, creada bajo visiones cosmogónicas propias del compositor que parece emprender un viaje por las culturas del mundo, uniéndolas en una sola expresión, que desde ya tienen un sello instrumental brasilero pero que demuestra tener una amplitud notable en su concepción.

La música del disco es acústica y está ejecuta principalmente por Stenio Mendes en su Craviola, instrumento acústico de cuerda similar a una guitarra, en la que aplica una técnica bien lograda en ritmos y ejecuciones frenéticas, especializada además en armonías y disonancias que le dan amplitud al sonido y logran el campo perfecto para que los demás instrumentos de sumen al viaje por las culturas de la tierra. Todo el disco está protagonizado por la craviola, apareciendo en las diversas pistas distintos instrumentos y agregados, como voces, percusiones, cantos, guitarras, agregados instrumentales, etc. 

Es un viaje que encarna las culturas de la tierra y su interacción entre sí, entre las diversas etnias del mundo, a lo largo de los milenios de vida del humano en el planeta. Para retratar este concepto véase el destacado ‘’A Barca Dos Homens’’, una pieza también protagonizada por la craviola pero en la que aparecen percusiones afro combinadas con tablas hindúes, para luego surgir momentos con estilo flamencos entre guitarras y cantos, una amplitud única en su tipo por la fusión y el fulgor que ya de por sí posee la música. Un album unico en su tipo.

En la contraportada del vinilo original aparecen algunas palabras del mismísimo Stenio Mendes, para aclarar algunas cuestiones y dejar detalles interesantes sobre la grabación y concepción de cada una de las piezas del disco:

‘’El clima constante de respeto y amistad hizo posibles varios momentos inspiradores durante la grabando este disco. Tomando un giro inesperado, se vuelve más flagrante en el tema ‘’Taquará’’, donde aparece en el mismo tono la craviola, la mas pura expresion de la mente que se libera: los indios Xingu, sus hijos, sus ritos…

Al arte en sus propias intenciones jugando con tiempo y espacio, trae al tema ‘’Espada de Ángel’’, siete años después de su composición, una extraño perspectiva. Lo que más me fascina de este estilo de música instrumental es la posibilidad de que cada uno imagine a su manera, retratando tus emociones, introduciendo nuevas dimensiones; es el caso del tema ‘’Sonata perdida’’.

El abanderado de todo este trabajo ‘’Invasión de los Monjes’’, cuenta con la presencia amiga de Zé Eduardo a la tabla y Bira a la percusión, así como en ‘’Taquará’’ y ‘’Barco de hombres’’. Fue en la canción ‘’Linhas Tortas’’ que tuve la participación muy especial de Ruth Nogueira, mi madre, como soprano, aportando su toque.

‘’ Barca dos Homens’’ va en busca de un sentido capaz de unir a todos los pueblos, visión redonda y azul, navegando en este mar inmenso de estrellas. Presencia muy fuerte de mi padre, João Mendes Nogueira, mareado en la concepción artística con instrumentos de efectos, desde sus arcos hasta guitarra, con un sonido similar al del violonchelo, reza sobre la armónica, más evidente en el tema ‘’Rosario’’, que dedico a su gloriosa vida artística.’’, 

Cod: #1691

18 sept 2022

Jorge Lopez Ruiz 5 - De Prepo (1972)

‘’De Prepo’’ es el clásico de 1972 del bajista argentino Jorge Lopez Ruiz y su quinteto eléctrico. El grupo se completaba con la crema del jazz argentino de la época: Fernando Gelbard en Piano (Fender Rhodes), Hugo Pierre en saxo, Pocho Lapouble en percusión, y Miguel Chino Rossi en batería. Las pistas incluyen el tributo a Miroslav Vitous en ‘’Mirosbass’’.

Atrás había quedado dos de sus suites, entre las que se encontraba la épica ‘’Bronca Buenos Aires’’ de 1971, y ahora, siguiendo la línea de vanguardia, se mete de lleno en el jazz de la época en cuanto a fusiones, ejecuciones libres y encuentros sutiles con el rock.

Este es un jazz a la Jorge Lopez Ruiz, un estilo vanguardista y de sutil acercamiento al fusión, con implementos de jazz libre, buenos atascos, inventos entre amalgamas y sonoridades particulares, y una buena dosis de improvisaciones del estilo del jazz porteño de la época y del estilo del fusión del momento en el mundo.

El disco recuerda al fusión de Miles Davis en su época de ‘’Bitches Brew’’, con atascos semiimprovisados-semiprefijados que se van construyendo poco a poco en la improvisación de la sesión, aunque no tan aventurado en la extensa improvisaciones, más bien Lopez Ruiz propone todo el sonido del disco en seis piezas de mediana duración.

El sonido es una aventura de amalgamas suaves desplegadas en el continuo de la sesión libre, lo suficientemente libre para rozar el free jazz y lo suficientemente contemporáneo para rozar el jazz rock/fusión, una aventura típica de su época, un vanguardismo con un espíritu refulgente y un concepto artístico que rebasa los límites de la mera música, estilos típicos de una época que, por cuya profundidad y concepto, jamás se repetirá. 

Actualmente el disco se ha convertido en un inconseguible del jazz argentino, llegando a pedirse por las copias que circulan a la venta valores desorbitantes, un ítem raro de ver en edición de época e incluso en reediciones, incluso reedición en cd es muy costosa.

Jorge López Ruiz es uno de los pesos pesados del jazz argentino, con una historia de fulguraciones y creaciones dentro del campo del jazz vanguardista que tuvo lugar especialmente en la década de los 70s. Aportó discos fundamentales al jazz argentino desde su rol de músico, compositor y arreglista, como ‘’B.A. Jazz’’ de 1961, compuso la suite ‘’El Grito’’ a manera de respuesta a aquellos años de violencia militar que estaba viviendo Argentina y que fue publicado en 1967, o su ‘’De prepo’’ de 1972 publicado por un quinteto liderado por él mismo. También es conocido otro de sus emprendimientos también contestatarios con el poder de entonces, ‘’Bronca Buenos Aires’’ compuesta en 1969, grabada en 1970, publicada en 1971. Tanto ‘’El Grito’’ como ‘’Bronca Buenos Aires’’ fueron prohibidas por la dictadura militar.

Como compositor y director, Jorge López Ruiz ha realizado la música de más de 60 films, 40 obras de teatro y cerca de 400 recitales. Varias ediciones de sus discos fueron realizadas en EEUU, Europa y Japón. Participó en la creación del exitoso sello discográfico TROVA. Durante este período se realizaron la mayor parte de las grabaciones de artistas como Vinicius De Morales (Vinicius en La Fusa), Astor Piazzolla, (con quien también colaboró como productor en New York para el sello Clavé), Dorival Caymmi, etc. Tuvo un histórico record de ventas discográficas (nunca superado hasta hoy) como productor, arreglador y director de estrellas como Sandro, Piero, Leonardo Favio, Sergio Denis, etc. 

En 1975 ocupó el cargo de director de A&R, en Emi-Odeon de Argentina. En la primera mitad de la década del 70' fue Profesor del Instituto De Cinematografía de Argentina, en la materia correspondiente a Música de Cine. Con su cuarteto fue premiado por la Fundación Konex como uno de los 5 mejores conjuntos de jazz de la década en la Argentina.

Jorge López Ruiz  explica lo siguiente sobre aquellos años de su carrera: ‘’En aquellos años de furibunda rebeldía (1968-70) yo estaba haciendo “eso” que se llamaba Jazz de vanguardia (Free Jazz, la escuela creada por Ornette Coleman) con tres colegas, amigos de muchos años y admirados como artistas: Fernando Gelbard, el “Chivo Horacio Borraro (saxo tenor) y Carlos “Pocho” Lapouble (batería). Ellos, al igual que yo, estaban imbuidos de una rebeldía y creatividad rayana en la locura. ’’.

Cod: #1690

17 sept 2022

Bertram Turetzky - In A Recital Of New Music (1964)

Esta es una música nueva, por lo menos para la época, aunque las vanguardias nunca pierden la validez, son atemporales, y aunque se haya innovado en la experimentación y avanzado en el desarrollo tecnológico en las últimas décadas, la vanguardia de antaño siempre tendrá validez, por su carácter precursor y su visión de punta, manteniéndose por siempre, incluso hoy día, en las sombras para los oídos poco exigentes y en la delicias para los oyentes más exploradores.

Bertram Turetzky propuso realmente algo así como enfoques vanguardistas de una ‘’nueva música’’, debido a que presentó al contrabajo como un instrumento solista y protagonista, experimentó con la ejecución de su instrumento, planteó nuevas formas compositivas, propuso nuevas maneras de experimentación y fusión con electrónica, etc. 

Eso es lo que ha manifestado desde todos sus trabajos discográficos, empezando con su ‘’Recital of New Music’’ de 1964, una obra extraña que nos conduce hacia los confines de la vanguardia de punta al presentar nuevas composiciones preparadas por compositores especializados específicamente para este primer disco de Turetzky.

El trabajo está integrado por una selección de 14 piezas cortas, que en realidad son seis piezas divididas en distintas pequeñas partes, seis piezas compuestas por los compositores Charles Whittenberg, William Sydeman, Kenneth Gaburo, Ben Johnston, George Perle y Donald Martino. Los ejecutantes en la grabación son Bertram Turetzky en contrabajo, Josef Marx en oboe, Patrick Purswell en flauta, Shirley Sudock en voz soprano y Nancy Turetzky en flauta.

La música es más que experimental y de vanguardia pero no deja de ser académica, formal, son estudios muy serios de música contemporánea (para la época) que reflejan la búsqueda de los compositores de cada pieza y el espíritu inquieto de Turetzky que encargó esta música que se coagula a la perfección con sus visiones de innovar con una cosa irreconocible para la formalidad de lo académico y totalmente detectable entre las vanguardias de su época que marcaron tendencia desde las sombras. Cabe recordar que Turetzky no solo es reconocido como un contrabajista muy imaginativo sino que también publicó su libro "The Contemporary Conbass" que es un manual de nuevas formas de tocar el bajo.

Las propuestas de las composiciones surgen de visiones clásicas en las que cada compositor plasma sus teorías de forma desparramada en la partitura, con experimentos microtonales, vanguardias de ejecución, e informalidades que le conceden a la música experimental el don de salirse de las formalidades académicas y buscar la experimentación desde el desconcierto y las formas inesperadas, cargadas de imágenes poéticas, visiones del futuro, experimentos con electrónica y dramaturgia musical muy simbólica.

El estilo? Indescriptible, es vanguardismo clásico moderno, composiciones de punta, visiones de innovación plasmadas en una música que busca ser ‘’nueva’’ y que lo es, y que tal vez para la época sea algo adelantado, marcando un buen precedente.

Las espacialidad y los arrebatos incongruentes se desparraman por doquier y caracterizan el estlo de muchos momentos. Con un encuentro con lo clásico vanguardista para las composiciones que muchas veces, cuyos compositores, desde los ideológico y lo práctico, buscaban romper con las viejas tradiciones del estilo clásico, buscando en el choque instrumental una manera de ‘’protesta’’, manifestación, satirización e innovación hacia las nuevas formas estilísticas.

El material fue publicado por primera vez por Advance Recordings en 1964 y desde entonces no ha tenido ninguna reedición formal. La diversidad de ubicaciones utilizadas en el registro del material produce un sonido de calidad variable. Imaginary Chicago Records ha rescatado y reeditado este material después de cincuenta años, con una reedicion única publicada en 2010 que revive el material y lo presenta a las nuevas generaciones de la vanguardia con aire académico pero informal también. Agotado durante casi 50 años, este álbum redefinió el papel del bajo como instrumento solista.

‘’Al principio de su carrera, mientras enseñaba en la Escuela de Música Hartt en Connecticut, la vida de Turetzky cambió de rumbo. Un amigo, un compositor, se suicidó a los 26 años. Se pensó que el compositor se desesperó porque nadie interpretaría su música. Este dramático episodio le ilustró a Turetzky que los compositores modernos estaban desesperados porque se interpretaran sus obras, y si quería tocar música en su instrumento, necesitaba colaborar con ellos. Junto con Henry Larsen, un clarinetista, Turetzky formó Hartt Chamber Players y buscó la nueva música de compositores vivos. “Sea lo que sea que se haya escrito para nosotros, lo tocaríamos todo. No nos apegamos a lo que era ''seguro'' ”, dice.’’, Paul Hormick/Contrabajista, primavera de 2003.

Cod: #1689

15 sept 2022

Arve Henriksen ‎- Cosmic Creation (2014)

Desde el primer segundo del trabajo se puede apreciar que no se trata de una música cualquiera y de que le están haciendo honor al título de la obra que proclama la ‘’Creación Cósmica’’, es así que, a lo largo de una variada serie de piezas instrumentales experimentales y espaciales, recrean una especie de creacionismo celeste con un sonido nacido de la deliberación de las capas subterráneas de los ventrículos áureos que se subyugan en una divergencia de equinoccios cósmicos con auras fantasmagóricas y texturas de una maquinaria que refleja una fuerte conexión y/o sensación de un ‘’más allá’’ que sobrevuela la materia y la traspasa perteneciéndola desde las fibras más íntimas hasta los recovecos más alejados del ser.

El misterio cósmico y la sensación de misticismo están totalmente impregnados en el sonido de este trabajo, de esas atemporalidades sonoras que son difíciles de explicar en cuanto a lo que reflejan, que contienen un mundo metafísico en su interior y que son detonadoras de trips siderales en los que es muy factible perderse hacia alguna galaxia lejana. Henriksen explora sonidos y paisajes musicales donde su distintivo y susurrante canto de trompeta se acompaña de grabaciones de campo fuertemente procesadas, así como una variedad de instrumentos electrónicos, para invitar al oyente a la creación pictórica interior. 

Es música cósmica, relacionada a la experimentación electrónica y/o electroacústica, con ambientes siderales de misterio y creación sonora, ambientes espaciales, místicos, con mucha carga experimental y espiritual, pero también al sonido se lo relaciona con el jazz vanguardista debido a su creador, Arve Henriksen, que es trompetista de formacion profesional en el jazz, el cual aplica a todo el disco un sonido particular dirigido por su trompeta, generalmente con un sonido alterado con ecos y otros efectos, aplicándole estigmas del jazz, agregándole una visión con miras hacia el vanguardismo jazzero y sumergiendo el sonido a una nueva influencia, lo que da por resultado la unión de varios quehaceres experimentales en uno solo.

La influencia del jazz y la aparición del mismo en la materia sonora del trabajo se hacen evidente teniendo en cuenta que su creador fue un jazzero experimentado pero lo cierto es que el sonido lejos está de emular algún tipo de jazz incluso si este es de los más vanguardistas, más bien esta música tiene su propio ser y su propio estigma y funciona bajo sus propias leyes metafísicas musicales, donde sí aparece el jazz, en trazas melodias, pero este se fusiona profundamente con auras electroacústicas y otros agregados electrónicos y experimentales.

Nacido en 1968, Arve Henriksen estudió en el Conservatorio de Trondheim de 1987 a 1991 y ha trabajado como músico autónomo desde 1989. Ha tocado en muchos contextos, bandas y proyectos diferentes, desde trabajar con el músico de koto Satsuki Odamura hasta la banda de rock Motorpsycho, pasando por numerosos grupos de improvisación libre con Ernst Reisiger, Sten Sandell, Peter Friis-Nilsen, Lotte Anker, Hasse Poulsen, Terje Isungset. , Benoit Delbecq, Steve Arguelles, Lars Juul y Marc Ducret. 

Ha colaborado con los compositores Peter Tornquist, Helge Sunde, Terje Bjørklund y Tõnu Kõrvits en cooperación con orquestas y escenarios de cámara como Cikada String Quartet, Nidaros String Quartet, Zapp 4, The Norwegian Chamber Orchestra, Kristiansand y Trondheim Symphony Orchestra, London Sinfonietta, Britten Sinfonia, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, The Norwegian Wind Ensemble y Trondheim Soloists.

Ha trabajado con muchos músicos, incluidos Jon Balke Magnetic North Orchestra / Batagraf, Edward Vesala, Jon Christensen, Marilyn Mazur, Nils Petter Molvær, Misha Alperin, Arkady Shilkloper, Arild Andersen, Stian Carstensen, Dhafer Youssef, Sidsel Endresen, Pekka Kuusisto, Christian Wallumrød Ensemble, Nils Økland, Karl Seglem, Per Oddvar Johansen, Iain Ballamy, Thomas Strønen, Gjermund Larsen, Svante Henryson, Mats Eilertsen, David Sylvian, Jon Hassell, Hope Sanduval, Laurie Anderson, John Paul Jones, Erik Honoré, Toshimaru Nakamura , Trygve Seim Ensemble, Jan Gunnar Hoff, Tord Gustavsen, Giovanni Di Domenico, Tatsuhisa Yamamoto, Gavin Bryars, John Potter, Johanna McGregor, Imogen Heap, Guy Sigsworth, Ryuichi Sakamoto, Bill Frisell, Terje Rypdal, Maria Schneider, Kate Havnevik, Live Marie Roggen, Silje Nergaard, Odd Nordstoga, Kari Bremnes,Sondre Bratland, Jannis Anastasakis, Lars Danielsson, The Source, Vox Clamantis y muchos más.

Henriksen ha compuesto y encargado música para festivales, películas y programas de documentales. Tiene una larga discografía contando más de 140 discos en total. Recibido junto con Supersilent The Alarm Award 2004. Ha sido artista residente en Moers Jazzfestival 2006, OIOI-festival en Bergen 2008 y en Molde Jazz Festival 2009. Desde 2004-2006 formó parte del proyecto European Jazz Launch. Ha recibido Norsk Jazzforums Buddy Award 2005. Radka Toneffs Memorial Award 2007, Paul Acket Award en el North Sea Jazz Festival 2011 y DNB and Kongsberg Jazzfestival´s Musician Award 2011. Ha sido nominado al Nordisk Råds musikkpris 2009 y también al European Jazz músico del año 2009. En 2016 se convirtió en Doctor Honoris Causa en la Universidad de Gotemburgo.

Cod: #1688

13 sept 2022

Ara Tokatlian & Enrique Villegas (ft. Guillermo Bordarampe) - Inspiración (1975)

En 1975 se publicó este fantástico trabajo de jazz libre creado por un eventual y fugaz dúo integrado por dos emblemas de la música argentina de época, como lo eran Ara Tokatlián, integrante fundador de la banda Arco Iris, en saxo y flauta, y Enrique "Mono" Villegas, pianista icono del jazz argentino. Tokatlián recordaría con estas palabras la experiencia de trabajar con Villegas: ‘’Al Mono le gustaba nuestra música. Y nosotros moríamos por él. Por su lucidez, su locura creativa, su talento musical. Estábamos ligados por algo mágico". El grupo para la grabación se completa con aportaciones estelares, Guillermo Bordarampe en contrabajo y percusiones, y Dana en voz, estos últimos dos también fueron miembros de Arco Iris.

‘’Inspiración’’ resume las experiencias de Tokatlián y demás miembros de de Arco Iris a lo hora de aportar su misticismo y espiritualidad que tanto habían volcado juntos en las composiciones con la banda, en la que ejecutaban una música algo disimilar a lo hecho en ‘’Inspiración’’, Arco Iris era una banda de rock que fusionaban música folklórica y también jazz, por lo que este nuevo emprendimiento, solista de Tokatlián, era una propuesta diferente y un punto de quiebre en la experiencia del y los músicos.

Y por supuesto, no pueden dejar de aparecer los ambientes espirituales que embeben todo el sonido con momentos de música mística, tan típico de los compositores participantes, misticismo que al ser volcado en este jazz libre vuelve al trabajo en una propuesta única en su tipo, por lo menos en la argentina. Jazz libre, con ambientes cercano a la libre ejecución, con ambientes espirituales, solos libres, y vanguardias e invento dentro del jazz, pocos momentos dentro del jazz argentino de la época se acercan a lo logrado en este disco en cuanto a su estilo, estirpe, misticismo y espiritualidad volcada al jazz.

El rol de Villegas en piano es vital para el sonido del disco, con aportaciones libres entre armonías y acompañamientos de amplitud que se conjugan a la perfección con los solos y melodías de los vientos de Tokatlián y los demás aportaciones. Las armónicas afectan el desempeño del grupo y completan con sensibilidad y hasta dulzura muchos de los momentos del disco, aportando una base que ha captado muy bien el misticismo de la propuesta y la réplica con creces para que los solos de saxo tengan lugar en tiempo y forma y se expresen entre melodías y solos libres.

Aunque no en todas las pistas aparece el piano, algunos tracks consisten solo en un juego de vientos y creaciones afines, como en ‘’Sombra de los dorados budas’’, donde al comienzo de la pieza hay un juego con tres vientos sonando a la vez en un ambiente libre, y por supuesto profundamente empapados por el misticismo de la propuesta, algún agregado vocal e instrumental extra sutil se le suma al track, jazz espiritual. ‘’Logré mi ser’’ es otra pieza en la que solo se aprecian un juego de vientos como principal armonía, sin aparecer el piano y apareciendo otros agregados como percusiones.

Estas palabras provienen de la histórica Revista Pelo, revista argentina emblemática de rock y aledaños, en una tirada de 1975 aparecieron esta palabras reseñando el disco que había sido seleccionado como destacado del año por ellos: ‘’Este álbum se convierte en algo realmente atractivo en los pasajes en que Enrique Villegas, pianistas de sensibilidad poco común, sostiene las tendencias armónicas del integrante de Arco Iris Ara Tokatlian. Es curioso como dos típicos representantes de generaciones bien diferenciadas en el tiempo y preferencias puedan llegar a sentarse juntos en un estudio de grabación. Esa confluencia, y su formidable resultado, es lo destacable de este álbum, algo empeñado cuando Villegas no participa. Los vientos de Tokatlian consiguen una dimensión mucho más amplia de lo que hasta ahora habían dado, la inspiración también es Villegas para él, y probablemente el pianista se haya sentido también atraído por la experiencia.’’

Cod: #1687

11 sept 2022

Patty Waters - College Tour (1966)

Patty Waters supo hacerse en el jazz más convencional pero sin duda lo más icónico de su carrera son sus incursiones dentro del terreno del jazz vanguardista y el free jazz, hasta llegar a ser reconocida internacionalmente como una de las primeras grandes vocalistas de vanguardia. En la primavera de 1966, el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York otorgó a ESP una subvención para recorrer las cinco universidades del estado con departamentos de música. Los artistas de esta gira incluyeron a Sun Ra Arkestra, Burton Greene, Giuseppi Logan, Ran Blake, y, por recomendación de Albert Ayler, Patty Waters.

Acompañada por un grup de respaldo de considerables buenos talentos, Patty Waters dio una serie de conciertos que en parte fueron a integrar el contenido de su primer disco, ‘’College Tour’’, de 1966, su segunda grabación para ESP Disk.

Si para su primer lanzamiento, de 1965 ‘’Sings’’, Waters había comenzado a emprender un camino llamativo en el terreno del free jazz, sería para ‘’College Tour’’ donde llevaría más allá aún su destreza vocal, convirtiendo a su voz en todo un instrumento que entre quejido, susurros y arremetidas vocales se convierte en un instrumento viviente que se confabula con los momentos de ambigüedad instrumental en los que tanto se inmiscuye el disco.

El álbum amplía las acrobacias vocales que se escucharon en su primera grabación solista, ahora llevando las acrobacias a terrenos más abstractos, y siempre utilizando su instrumento vocal de forma profesional dentro de la vanguardia, con una destreza llamativa y un dejo de abandono por el convencionalismo vocal que conmueve porque aquí su voz es utilizada desde todos sus ángulos y posibilidades, llegando a extraer de su garganta algunos quejidos y sonidos muy abstractos.

Los musicos que la acompañan son de elite: los pianistas Dave Burrell, Ran Blake y Burton Greene, Giuseppi Logan en la flauta y una variedad de secciones rítmicas, para construir sesiones libres de jazz de vanguardia donde todos se abocan a tejer el campo perfecto donde Waters pueda plasmarse a la perfección, con las sutilezas justas, en un clima distendido, con pocos limites compositivos sino casi la libertad de un jazz que no solo roza el free jazz o el vanguardismo, sino que se recrea en ambientes auténticamente experimentales.

La mayor parte del disco es instrumental sin contar a sus arremetidas vocales como canto convencional de letras o estribillos, en cambio prefiere utilizar su voz de forma orgánica entre gemidos y otras ocurrencias vocales de gran destreza. Pocas son las partes cantadas con letra, para ser el resto un repertorio de su amplitud vocal. "College Tour" ganó el segundo lugar en Grabación Vocal en Jazz and Pop Magazine en 1970.

Aparte de una aparición posterior con el conjunto de Marzette Watts en un LP de 1968, no se supo nada más de ella hasta 1996, cuando se retiró a Hawái para criar a su hijo (nacido en 1969) y cantó en público solo esporádicamente durante muchos años.  

La mística de Patty Waters ha sido reconocida a lo largo de los años por sus primeros trabajos y la extravagancia de los mismo dentro del terreno del jazz y la innovación de la ejecución vocal de sus dos discos con ESP Disk. Diamanda Galas ha nombrado Patty Waters como su mayor influencia, y también es reverenciada por otras cantantes como Christina Carter y Patti Smith.

Cod: #1686

6 sept 2022

Ray Russell - Live at the I.C.A (1971)

Ray Russell ha publicado una buena cantidad de disco dentro del terreno del jazz y las bandas de sonido pero seguramente lo más rupturista e influyente de su carrera se encuentre entre sus primeros álbumes, ubicados entre finales de los 60 y principio de los 70, cuando su sonido había tomado un cariz hacia el free jazz más radical y clásico, aunque ejcutado por su guitarra distorsionada y rockera, por lo que su sonido era una interesante fusión embrionaria de elementos que terminaban en sonido sucio, roto, desprolijo y descontrolado. 

Russell era uno de los músicos buscados en su época en la escena inglesa, participaba como músico de sesión en la escena, y también irrumpió en esta con interesantes trabajos con su cuarteto a finales de los 60s. Como guitarrista, y luego como compositor y productor, ha trabajado con artistas como Gil Evans, John Barry, Tina Turner, y con muchos otros grandes, pero primero hizo su fama con intervenciones y publicaciones propias. Al comienzo de su carrera contaba con ese espíritu rupturista típico de la juventud y lo volcó en algunos álbumes de un sonido particular, dentro de las vanguardias y la música improvisada.

En el verano de 1970 grabó ’’Rites And Rituals’’, pero este no se lanzó hasta el año siguiente en el sello Columbia, de un sonido que desafiaba los convencionalismos y presentaba a los grandes públicos distintas posibilidades posibles de hallar dentro de la experimentación y el jazz.

Un camino similar tomaría en su ‘’Live at the I.C.A’’, grabado en vivo y publicado ese mismo año de 1971. Aquí en guitarrista emprende un viaje desde su guitarra hacia la construcción de piezas de sofisticación en el terreno del free jazz, ya que buena parte del trabajo consiste en piezas muy extensas y de exploración en tiempo, espacio y sonido, que emprenden un camino y se construyen en la caos pero también en el desarrollo de un sonido elaborado artesanalmente en las distintas partes que logra alcanzar.

Las piezas se construyen entre el caos cacofónico, que a su vez transita por lo diversos instrumentos que participan de las sesiones, entre flautas, saxos, trompetas, baterías, y la guitarra eléctrica por supuesto, pero también aparece un costado melódico que brotan entre momentos muy específico y le da un aire diferente al asunto, que se construye entre el caos y lo unifica. En su estilo de ejecutar la guitarra estaba brotando el elemento del rock, elemento que no lo abandonaría jamás en sus producciones personales.

A la par de innovadores contemporáneos a su época y dentro del terreno del free jazz y la música improvisada, como Derek Bailey, Terje Rypdal, Masayuki Takayanagi o Sonny Sharrock, Russell también jugó con el estilo de libre improvisación, aunque tomando un rol importante en la transición entre el rock psicodélico y las vanguardia, casi uniéndolas en una sola y misma expresión, ya que su sonido era libre pero manteniendo el estilo sucio típico de la guitarra rockera. Con este elemento se las arregla para tejer campos de sonoridad libre obteniendo de su instrumento todo tipo de rasgueos libres, sonidos, quejidos etc, además de los tan esperado y ejecutados ‘’solos libres’’, que no tienen escala alguna o que tal vez parten de muchas a la vez ejecutadas al azar.

Durante los años 70, Russell pasó por conjuntos como ‘’Rock Workshop’’ y el combo de jazz-rock de vanguardia ‘’Nucleus’’, y cofundó ‘’Chopyn’’ (con Simon Phillips en la batería) con la tecladista Ann Odell . También tocó con Andy Mackay (de ‘’Roxy Music’’) en la banda sonora de la serie de televisión británica de ‘’Rock Follies’’, y se convirtió en un miembro de ‘’Stackridge’’ por un tiempo.

Aunque Russell es mejor conocido por sus habilidades como interprete de jazz, ha trabajado con éxito en una amplia gama de modismos musicales, incluidos R&B, soul y heavy metal. A lo largo de los años se han emitido varias grabaciones bajo su liderazgo, incluidos aspectos destacados de su carrera como ‘’Childscape’’ de 1987 con apariciones de Gil Evans y Mark Isham en la etiqueta ‘’Theta’’.

Cod: #1685

4 sept 2022

Arcana - The Last Wave (1996)

Este es un power free jazz-rock trio que se formó en 1995  y estaba compuesto por ilustres del vanguardismo, como ciertamente lo son el experimentado guitarrista de free jazz Derek Bailey, otro experimentado en el bajo como Bill Laswell, y el legendario baterista Tony Williams quien a esta altura no necesita presentación, con unos laureles que lo ubican como figura entre los orígenes del jazz fusión, un maestro que tocó con los mejores porque él también era uno de los mejores. 

Sin duda que aquí resalta y resaltará la figura de Williams, por su nombre universal, pero este es un trio que funciona a la perfección en todas sus aristas, creando una música de jazz que busca la innovación y la encuentra en el terreno del jazz libre eléctrico, jugando con algunos ruidos, distorsiones y ejecuciones libres y cambiantes que se desarrollan a lo largo de las tantas piezas presentadas en el trabajo.

Este trabajo es de un goce jazzero alto pero debido al calibre de los ejecutantes nos podemos encontrar una enorme versatilidad en las ejecuciones que hacen de las piezas una exploración por terrenos eléctricos/distorsionados que muchas veces mutan y se divergen hacia terrenos siempre nuevos. Se trata de free jazz moderno, actualizado según las visiones de la época y enriquecido por la enorme experiencia de los ejecutantes tanto dentro del jazz, el vanguardismo, la libre ejecución, la experimentación y el jazz fusión.

Derek Bailey había comenzado su carrera a principio de los 70s, con sus primeros trabajos solistas y colaboraciones, desde entonces ha cosechado una enorme experiencia en la libre ejecución sobre terrenos sin delimitaciones, por lo que para esta experiencia demuestra estar perfectamente capacitado, siendo el instrumento armónico principal y manifestándose con una prestancia hecha a la medida para volcar sus libres aplicaciones distorsionadas entre armonías, solos, quejidos y otras técnicas sonoras. 

Por su parte, Bill Laswell, en bajo, cumple también su rol y no es solamente el de acompañar. Su experiencia previa en ''Last Exit'' junto a Peter Brötzmann y otros grandes le había dado los pergaminos necesarios para estar en este trió, y lo demuestra abocándose a una tarea no solo de gran técnica sino también desplegando todo un repertorio sonoro entre más distorsiones y otros efectos agregados que suenan en lo profundo de la puesta y realzan el delirio eléctrico.

Las intensidades brotan y resurgen entre los diversos diálogos del trio, cambiando sutilmente los roles protagónicos en la instrumentación. En conjunto crean ambientes densos de libre ejecución donde cada integrante hace uso de su prestancia en una cacofonía continua e interminable, armonizando en un libre quehacer y coordinándose en las tantas partes y sub-partes que subyacen bajo la mirada solemne y el aire místico de la propuesta.

Es un viaje salvaje e intenso, organizado para funcionar como un encuentro entre voces mayores de la vanguardia, con momentos de mayor energía y poderío distorsionado, y otros momentos donde la maquinaria rebaja en intensidad y explora otras variantes y ambientes posibles dentro de la misma aura pero con invenciones diversas. Es un viaje de toda una hora de duración y el trio se las arregla para mantenerse en pie y no decaer en la monotonía.

La formación original lanzó un álbum, The Last Wave, en julio de 1996, antes de que Bailey dejara la banda. Las tareas de guitarra para el segundo álbum fueron grabadas por los músicos invitados Nicky Skopelitis y Buckethead , y Arc of the Testimony fue lanzado en octubre de 1997. La banda se separó después del lanzamiento de su segundo álbum debido a la muerte de Williams en febrero de 1997.

Cod: #1684

2 sept 2022

Inneratem - Inneratem (1984)

Aquí hay un lanzamiento surgido del under jazzero alemán, rumbeando hacia las ambiguas tierras del free jazz, pero con la dosis además del rock o jazz rock, por lo que el resultado se vuelve un entusiasta y nutrido sonido, con poderío, virtuosismo de los ejecutantes y una amplia gama de tramas entre las composiciones presentadas en el disco.

Aunque el disco muchas veces logra salirse del mote de jazz rock con algunos experimentos interesantes y perversos, donde la banda se vuelca en la plasmación de tramas instrumentales experimentales de corte vanguardista y con dosis de delirio.

Son algunos experimentos sonoros arrancados de los instrumentos para crear con ellos atmosferas indefinidas, jazz que no es jazz, percusiones orgánicas y climas oscuros y profundos que a lo largo de todo el disco van variando y mutando, presentando cada una de las nueve piezas del disco una moción y trama particular. 

Al ser música de vanguardia es casi indeterminada por patrones específicos o convencionales, siendo solo el condimento del jazz el elemento más ‘’estable’’ en la fusión entre experimentos y atmosferas que actúan en detrimento del bien común y por supuesto, como todo jazz vanguardista, choca contra las convenciones más tradicionalistas.

Lo más orgánico de esta música son algunas piezas donde ya prácticamente el jazz no se hace presenta, para transformarse en una cosa indeterminada y sin forma, son tan solo (y con todo lo que ello implica) sesiones rítmicas ejecutadas con objetos cotidianos desde su percusión, como lo es la pieza ‘’Schlüsseltanz‘’.

La aparición del rock en el disco da ese alivio al sonido, sacándolo del free jazz raso, al igual que el condimento de la experimentación organiza, que quita de la escena la única posibilidad de la cacofonía y la convierte en un elemento más de un álbum con algunas sorpresas sonoras desconcertantes.

Los momentos que parecen predilectos para la banda, o en los que por lo menos se lo escucha más exultantes, son los momentos más cercanos al jazz, con atascos libres entre solos virtuosos de guitarra, aplastantes avanzadas de percusión en bateria, y el bajo haciendo un rol correcta pero firmemente.

El homónimo ‘’Inneratem’’ fue grabado en vivo el 17 de diciembre de 1983 en Oberhausen, Alemania, masterizado en Berlín Occidental, disco publicado a su vez por el sello View Records en un lanzamiento con una tirada privada.

La banda para la grabación estaba integrada por Klaus Wilmanns en bajo, Peter Hollinger en batería, instrumentos y percusión con objetos, y Ulrich Ingenbold en guitarra y flauta. La poca y nula información sobre la banda dificulta el ingresos en detalle biográficos, en este caso solo nos queda el disco para atestiguar su paso por la escena.

El trabajo es excitante, tal vez no determinante en la escena alemana pero intrigante por su contenido y su jazz en alta dosis de experimentación, sus tramas indefinidas, variadas, y sus poderío y virtuosismo que hace de los momentos más jazzero una experiencia de exaltación. 

Cod: #1683

28 ago 2022

Sun Ra And His Intergalactic Research Arkestra - It's After The End Of The World (Live At The Donaueschingen And Berlin Festivals) (1971)

Otro de los tantos emprendimientos lanzados por la Arkestra dirigida y liderada artística y espiritualmente por uno de los más grandes músicos de jazz como lo es Sun Ra. ‘’It’s After The End Of The World’’, grabado en directo en octubre y noviembre de 1970 en el Donaueschingen Music Festival y el Berlin Jazz Festival consecutivamente, representa otro de los tantos hitos de la orquesta, con sus puestas en escena, sus incumbencias filosóficas y existencialistas, sus experimentaciones en terrenos de jazz e incluso de electrónica, y su encuentro con la vanguardia de big band y de jazz libre.

En 1970, Joachim-Ernst Berendt invitó a Sun Ra y su Intergalactic Research Arkestra de veintiuna miembros a actuar en Donaueschinger Jazz Days y el Festival de Jazz de Berlín, y este álbum fue producido a partir de las grabaciones de estos conciertos. Lanzado originalmente en MPS Records en 1971.

El trabajo abre con en la inicial ‘’Strange Dreams - Strange World - Black Myth - It’s After The End Of The World’’, una suite de jazz libre de casi quince minutos donde parece que la mayoría de los individuos solistas de orquesta tiene lugar en una improvisación solista, en tiempo y forma absoluta, mientras la orquesta se manifiesta en pequeños arrebatos de fondo para marcar un tiempo indefinido pero consistente en la vanguardia, como un sonido de fondo que marca un ambiente celeste.

‘’Black Forest Myth’’ marca la segunda pieza del disco en la que la orquesta prosigue con su decurso cacofónico pero esta vez el sonido está empapado por una serie de experimentaciones parece electrónicas aplicadas por Sun Ra que dotan a la pieza de mayores experimentaciones y sumergen a la vanguardia en mayores vanguardias, un sonido pionero, una delicia en ese encuentro entre el jazz de big band de vanguardia y la electrónica más extravagante de Sun Ra. Esta electrónica parece además representar el futurismo de lo electrónica, de avanzada, una tecnología que solo Sun Ra conocida (de forma ficticia), naves despegando, singularidad, expresiones asimétricas del cosmos circundante en forma de declaraciones que quedarán plasmadas para ser reconocidas por los humanos que en un futuro vivan en otros planetas.

Toda la grabación parece hacerse vuelto hacia el jazz más radicalizado en la vanguardia personal de la orquesta, y la pieza ‘’Watusi, Egyptian March’’ no sería la excepción, aunque esta, aun conteniendo también partes libres, parece tener algunos momentos melódicos atípicos en un disco de cacofonía y caos generalizado. ‘’Watusi, Egyptian March’’ representa el lado más melódico de Ra.

Luego continúan con una extensa sesión de dieciocho minutos de duración llamada ‘’Myth Versus Reality (The Myth-Science-Approach)/Angelic Proclamation - Out In Space’’, más que una suite es una exploración experimental por terrenos donde la orquesta venia transitando, apertura con diálogos, caos cacofónico, experimentación electrónica y más ruido, caos, delirio generalizado y experimentación. El disco cierra con ‘’Duos’’, con más de ese caos de la banda. La impresión general del disco se reduce ya que falta la dimensión visual, la presentación en este disco fue acompañada por una puesta en escena de toda la orquesta y sus extravagancias cósmicas. Estas expresiones serían polémicas, algunos no lo considerarían jazz otro lo proclamarían como una valiosa expresiona jazzera debido a que era música que contenía viejas canciones de blues y gospel, bailes africanos de la alta sociedad y marchas egipcias, espectáculos de juglares negros y rituales vudú. 

Esta es música que es y no es, es free jazz pero a la vez no representa a su estilo más clásico, en parte por el uso tan grande de una orquesta, por la extravagancia de la misma, el delirio colectivo, y además por ese don que parece aplicar Sun Ra al concepto musical y artístico en su totalidad, como marcando un signo místico, metafísico, filosófico, mitológico y espiritual del cual parece surgir, venido de otro planeta en su nave espacial, con toda su prédica y sus sabidurías las cuales parecen haber convencido a toda la orquesta que lo siguen persuadidos en absoluto de que lo que están interpretando es lo correcto para todo el conjunto, y por supuesto lo ejecutado no deja de ser un sonido de vanguardia alucinante. Aunque no fue solo la música lo que causó alboroto y controversia, la comunidad musical de Sun Ra atrajo a bailarines y tragafuegos, y la banda actuó con disfraces extravagantes en vivo, era toda una compañía de músicos intergalácticos.

Cod: #1682

21 ago 2022

Columbus Circle - On St. John's Eve (1976)

On St. John’s Eve" es un trabajo ultra raro proveniente de la escena de Glastonbury, Connecticut, Estados Unidos, una obra originalmente lanzada por el ya extinto sello discográfico ‘’Pharoah’’ en una tirada privada de cantidad limitadísima de copias, seguramente en la actualidad difícil de conseguir el disco original. Columbus Circle fue un grupo local de Connecticut dirigido por el músico de instrumentos de viento de jazz Paul R. Coyle.

Y la música que contiene en su interior tampoco deja de ser muy particular, dividiéndose el sonido en el disco original en dos partes. El lado uno que contiene una enorme suite de diecinueve minutos de duración, transitando por una música vanguardista muy compleja de estilo muy personalista, prácticamente no se parece a nada en su epoca, por lo peculiar de la propuesta y lo oscuro de la misma, a lo que se le suma el toque sinfónico en construcciones sonoras muy relacionadas al lenguaje del jazz de big band y a la vanguardia.

Esta suite está dividida a su vez en tres movimientos internos. El estilo de la misma es oscuro, transitando por diversas intensidades, a veces aportadas por una banda menor con percusiones y por momentos sumándose la orquestación sinfónica, llegando a transitar momentos hasta de libre ejecución y caos, tipo vanguardias o free jazz, construcciones con nociones clásicas, y apariciones sutiles de rock. También podria relacionarse al estilo clásico moderno o el rock progresivo.

Ya el lado dos del vinilo original el sonido cambia rotundamente, apareciendo esta vez una serie de piezas cortas que completan todo el lado. La sustancia de estas piezas sigue por la línea de una música lúgubre y extraña, pero impregnándose más fuertemente el sonido rock y continuando los arreglos instrumentales de estilo brass rock con arreglos de viento, recordando a bandas de finales de los 60 como Chicago Transit Authority o Blood Sweat And Tears.

El lado dos abre con la pieza ‘’The Morning After’’ que continua con el sonido lúgubre y académico del primer lado del vinilo. El trabajo se completa con tres piezas de acercamiento al rock, para cerrar con ‘’Quincy Nights’’ en la que la banda se sumerge decididamente en un sonido más jazzero o fusión, con líneas de viento como apertura y bueno solos internos, una pieza dinámica de jazz fusión.

Paul R. Coyle era un especialista en vientos y este segundo lado del disco lo evidencia, con buenos atascos rockeros repletos de arreglos de metales y buenos solos de, por ejemplo, saxo, combinación en la que aparece también una voz femenina cantando en alguna que otra pieza. Un trabajo totalmente desconocido incluso en su época, una edición privada con un sonido experimental y de vanguardia, que se completa con tema más cortos, una interesante perla del under con sus experimentos y sonido atípico para disfrutar en el jardín de las delicias psicodélicas.

Cod: #1681

20 ago 2022

Jerzy Milian - Muzyka Baletowa I Filmowa (1973)

Esta es una sorprendente obra y de las tantas publicadas por el prodigio y padre del jazz polaco, Jerzy Stanisław Milian, quie ha experimentado a lo largo de su carrera con el swin, el easy-listening, el funk, el soul jazz, y en esta oportunidad experimentaría con una big band, con su experieica de directo, compositor y musios, desde su lugar de vibrafonista, creando esta muy intensa experiencia que aborda el avant-garde para gran orquesta y transcurre por una serie de fusiones y experimentos notables.

El álbum abre con una inmensa suite de diecinueve minutos llamada ‘’Thema Con Variazioni’’, y trata de justamente eso mismo, una enrme composición repleta de variaciones de todo tipo y color, apareciendo el post bop, el big band, las vanguardias, el free jazz, pinceladas de jazz rock y hasta momento de algun hibrido de mismísimo rock, todo un experimento en el que el autor se vuelca a la tarea de innovar y experimentar y vaya que lo logra con creces.

El resto del trabajo es también un experimento, ya dentro de cuatro piezas más cortas donde las composiciones juegan con las intensidades y arremetidas de la big band, haciendo excursiones hacia terrenos de free jazz en campos de exploración libre y de vanguardia. Son ideas puestas en juego, búsqueda de innovaciones, creaciones de vanguardia que llevan el nombre del autor como sello único de la creación. Hay remembranzas que recuerdan al estilo de Frank Zappa, por lo alocado, delirante y arriesgado de la propuesta, el estilo se hace familiar por momentos, aunque Milian es más un vibrafonista y está ligado mucho más directamente al jazz que al rock, pero la vanguardia está. 

‘’Muzyka Baletowa I Filmowa’’ es una obra de deleite para todo aquel que guste de las big bands y el jazz libre o de vanguardia, las composiciones son exquisitas y muy finas, saben transitar por continuos cambios en una andanada de creación entre composición y ejecución libre. El nombre del disco significa ‘’Música de ballet y cine’’, el trabajo fue publicado en 1973 con una tirada única y hasta la fecha no fue reeditado.

En la contraportada del disco original en vinilo figuran las siguientes palabras escritas por el mismísimo Jerzy Milian explicando el significado de mucho de lo del disco:

‘’Este disco es el resultado de mi larga colaboración con el destacado coreógrafo polaco Conrad Drzewiecki. También es el fruto de mi asociación de dos años con la Ginter Gollasch Big Band de GDR Radio.

"Thema con variazioni" es el título de la música de ballet encargada por la televisión polaca con un guión de K. Conrad. La acción de este ballet coincide con mis pensamientos. El héroe es un hombre romántico, afectuoso, apartado de la multitud ordinaria. En medio de esos personajes sin rostro atrapados en la realidad actual encuentra a una chica. Él intenta rescatarla pero, a pesar de todas las apariencias, ella no logra comunicarse con él. Finalmente el joven se encuentra solo de nuevo.

Una analogía entre esta historia y mis propias experiencias me llevó a hacer esta música muy personal. Para darse cuenta de esto, tuve que encontrar un medio para representar dos mundos opuestos. Elegí combinar dos tipos de música: atonal por un lado y pacífica por el otro, casi clásico. El tema del héroe es interpretado por Joachim Graswurm en la trompeta (fliscorno). Su contraparte es Ernst Ludwig Petrowsky interpretando el papel de niña en el saxofón alto. Deja que tu imaginación cuente el resto cuando escuches esta música.

El lado B del disco contiene una Suite de ballet en cuatro partes escrita para la Compañía de Danza de la Ópera de Poznañ. Es un escaparate para solistas del Ginter Gollasch Big Bend. En la cuarta parte los motivos utilizados por el conocido laudista polaco del siglo XVI Wojciech Diugoroj interpretado por Klaus Hille. Quisiera agradecer a toda la orquesta ya los solistas por su entusiasmo e inventiva puesta en la realización de mi música.’’

Cod: #1680

14 ago 2022

Toshiyuko Miyama & His New Herd + Masahiko Sato - Yamataifu (1972)

Un disco de jazz de vanguardia para big band nada fácil de abordar debido a la tensión que marca la orquesta todo el tiempo, que hace de la escucha algo particular, sumando a esto las sofisticadas tres piezas que componen el trabajo tampoco hacen fácil la escucha para el oído de jazz más tradicional. Con composición del pianista Masahiko Sato y arreglos de Toshiyuko Miyama, un encuentro entre vanguardistas importantes y muy activos en el jazz japonés de la época cuya unión artística siempre ha dado resultados muy fructíferos y que esta no sería la excepción.

Las piezas son zonas de exploración y experimentación donde desfilan los arreglos orquestales, los toques de free jazz, el encuentro con el jazz fusión con acercamiento al sonido de la época pero que se logra diferenciar por lo experimental de la propuesta y por la utilización de la big band a la Toshiyuko Miyama. Hay algo que pareciera ser como un lema o conductor conceptual, una trama melódica de la orquesta que aparece a lo largo de todo el disco y dota al sonido de este toque tenso y difícil de abordar.

Y vale la pena resaltar otro elemento de la excursión que emprende el sonido a lo largo de las piezas y es la aplicación de lo electrónico, seguramente a partir de sintetizadores utilizados por Satoh, un elemento que aumenta el desafío de la escucha, eleva la sofisticación, y aumenta el nivel y calibre de la vanguardia presentada, seguramente se trate de la aparición electrónica única para el sonido de esta big band, y probablemente este sea uno de los pináculos en la era vanguardista de la New Herb de Toshiyuko Miyama, antes de volverse hacia la era más comercial.

La propuesta une partes orquestales tensas, abrasivas, con momentos más ajetreados de un fusión con dinamismo donde la banda se vuelca hacia la improvisación, con aplicaciones de viento en ráfagas atonales, secuenciadores electrónicos distorsionados y ritmos frenéticos de la batería que sumergen y someten a las pistas en auténticos atascos más libres en lo compositivo.

La primera parte del disco está compuesta por una sola pieza de veinte minutos de duración llamada ‘’Ichi’’, comenzando por una trama orquestal simbólica para luego continuar con una parte de sesión acercándose al jazz fusión sumado a florituras electrónicas que enriquecen la sesion, lo que termia derivando en partes compositivas finales.

Ya para el segundo lado del vinilo original aparecen, la pieza de doce minutos ‘’Ni’’ y una pieza más corta llamada ‘’San’’. En ‘’Ni’’ el campo de ejecución es más libre y casi nunca la pieza alcanza un terreno fijo y consistentes, manteniéndose siempre en la amplitud de la armonía, el free jazz orquestas y la libre ejecución que hace que los participantes construyan una suite libre que muta constantemente desde su comienzo al final, una delicia que termina de coronarse hacia el final con más florituras electrónicas. ‘’San’’ termina de cerrar el disco con más jazz libre y cacofonías de orquesta.

‘'Yamataifu’’, de 1972, se estrenó exactamente en el período más activo de la banda y ganó el premio Nippon Geijutsusai Yushu, muy honorable en Japón, además de ser tildado entre los cincuenta mejores álbumes del jazz japonés por Julian Cope.

La New Herd fue una importante orquesta japonesa nacida hacia finales de la década de los 50s, creciendo de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles, hasta llegar al jazz más vanguardista hacia comienzos de la década del 70, para llegar a crear algunos de los mejores álbumes del jazz japonés. Por aquellos años aparecerían otros discos vanguardistas de la banda como ‘’Four Jazz Compositions’’ de 1970, que abre paso a la era más vanguardista de la banda. Luego de este trabajo publicarían discos como ‘’Canto Of Aries’’ de 1971, ‘’Nio & Pigeon’’ y ‘’Eternity? Epos’’ de 1972, o ‘’Tsuchi No Ne’’ de 1973, entre tantas otras producciones más de por aquellos años.


Cod: #1679

10 ago 2022

Bill Evans & George Russell Orchestra - Living Time (1972)

Este es el encuentro de dos figuras importantes para el jazz del siglo XX, uno es Bill Evans, que hasta entonces ya era un importante pianista de influencia mundial, por su uso de armonías y innovación en el campo del jazz tradicional, el otro era George Russell, que hasta entonces ya era un compositor y director de orquesta innovador y famoso por sus obra de vanguardia orquestales. Este es un encuentro muy fructífero pero en realidad vale aclarar que Bill Evans es parte del trabajo como interprete y acompañante y no como compositor, esto es más un trabajo muy a la George Russell, es decir, vanguardia, mucha experimentación, fusiones con diferentes estilos, experimentación con orquesta, y  puesta en marcha de nociones teóricas innovadoras desarrolladas por él mismo en sus libros y discos, como la creación del jazz modal y el desarrollo de este concepto en tantos trabajos de fusión y experimentación. 

Este trabajo está a la altura de lo que Russell estaba desarrollando por aquellos años, y se puede apreciar esa noción que había comenzado a desarrollar en el encuentro de la generación del rock allá por mediados y finales de los 60, apareciendo en sus obras fusiones con rítmicas y elementos de funk, rock y blues.

Russell fue un incansable innovador, compositor y teorista de vanguardia, y sus obras eran reflejo de sus desarrollos teóricos, sus visiones, fusiones, experimentaciones, a tal punto que no era tan tenido en cuenta por el público masivo debido a lo peculiar de sus presentaciones, las vanguardias siempre ha tenido y tendrán un lugar en las sombras y en el under, con fulguraciones e inventos exóticos que no son para muchos ni para el vulgo, sino para los locos quienes quieras acercarse y gozar con estos descubrimientos. Sus obras tal vez fueron usadas también en el terreno de lo académico y lo pedagógico de la formación en el jazz.

Russell ha tenido algunos inventos más sutiles, pero este lanzamiento, ‘’Living Time’’ de 1972, no es el caso, ya que se trata de una obra muy sofisticada dividida en ocho movimientos o, como figura en el disco, ‘’eventos’’, orquestales donde la big band, dirigida por Rusell, transita por un sinfín de formas y florituras siempre manifestándose en las tramas orquestales de movimiento vertical y subducción de capas y sustratos modales que convergen entre sí en una eclosión de movimientos.

Aquí hay iventos de todo tipo para big band, y como es clásico de Russell, aparecen esas piezas cortas con experimentos sub tonales y arrítmicos, como lo es en este disco su ‘’Evento III’’, una pieza con una trama que, aunque sigue la noción colectiva de vanguardia del resto del disco, se diferencia del resto de las piezas con sus propia trama, inventos típicos del autor. Otro condimento importante en este disco es la aparición de las cacofonías colectivas de la big band, o sea la aparición del free jazz, que se combinan con sus inventos teóricos y desarrollos y dan vida a un sonido atípico para la época y para cualquier época en este terreno de vanguardia del jazz.

En este sonido nada está librado al azar, todo, hasta el último detalle, está perfectamente planeado y ejecutado según las notas del autor, en una serie de composiciones para big band complejas pero completamente accesibles para, por ejemplo, la audiencia de jazz fusión, es que este sonido remite a ese género, tratándose de un jazz complejo, ligero y sofisticado, con secciones intrépidas y rápidas y grandes armonías y arreglos.

Es que en realidad sus fusiones con el rock ubican a Russell también entre las figuras que participaron del fusión temprano,  tal vez no tan radical, directo o incluso reconocido entre los congéneres de este sub movimiento, pero su aplicación de elementos de la cultura del rock (funk, blues, rock, soul, fusión, etc.) en sus obras de finales de los 60, por ejemplo en su experimental ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969, lo ubican como un impulsor importante en esta vertiente de fusión, aunque lo peculiar de sus creaciones siempre lo mantuvo lejos de las grandes masas.

Este trabajo se compone de una creacion de variadas piezas del repertorio de Russel, presentando  varias caras dentro de un sonido vanguardista de jazz, donde hay bases de soul/funk, momentos de atascos con improvisaciones, momentos de experimentación sonora, momentos de innovación, momentos de free jazz o momentos de post bop, todo un repertorio variado y especialmente elegido para la ocasión. Es difícil discernir si se trata de lo mejor del repertorio de Russell hasta aquel entonces, su música en esa época muchas veces consistía en movimientos y experimentos para grandes masas orquestales, y sus frutos fueron varios en ese terreno durante aquellos años.

Cod: #1678

7 ago 2022

The Mike Westbrook Concert Band - Love Songs (1970)

Este es un trabajo de jazz rock para orquesta que goza de buena reputación entre los fanáticos del género y especialmente por los amantes del jazz ingles de la época. Mike Westbrook era un personaje que estaba llevando la vanguardia hacia adelante, manteniendo los estándares del jazz ingles en un gran nivel. 

Desde mediados de los 60s en adelante el jazz inglés supo experimentar una notable mutación, cambio que alcanzó su apogeo hacia finales de los 60s y principio de los 70s, época en la que convergieron el jazz moderno, el jazz rock, el free jazz, las big bands, la psicodelia y el rock progresivo, de todo este caldo de cultivo saldrían experimentos y fusiones muy particulares. Mike Westbrook sería uno de los participantes que estuvo allí para proponer esas nuevas ideas y experimentaciones, siendo un innovador con sus impresionantes sonidos de big band.

Westbrook es tal vez, junto a Graham Collier y Michael Garrick, uno de los más importantes compositores que ha dado el jazz británico de su época. Durante su extensa carrera ha dirigido big bands, pequeñas bandas de jazz, agrupaciones de rock, bandas de metales e incluso ha hecho algún que otro musical. Hacia finales de los 60s irrumpió la escena inglesa con su banda ‘’The Mike Westbrook Concert Band’’, con la que publicó sus primeros trabajos. Todo lo que hizo hasta 1975 es absolutamente imprescindible.

Más especialmente, desde finales de los 60s, y durante buena parte de la década del 70, Westbrook se concentró en su trabajo con Big Bands, para las que dirigió y compuso música a la medida, generalmente tratándose de obras conceptuales basadas en conceptos literarios, similar al estilo de los compositores clásicos. Sus big bands y orquestas generalmente estaban compuestas por la flor y nata de los musicos del jazz ingles del momento, llegándose a codear con el vanguardismo, siendo sus creaciones campos de experimentación constante y terreno por donde estilos por venir estaban ya n su forma prototípica.

Anteriormente ya había sorprendido con su ‘’Marching Song”, un disco conceptual en el que Westbrook muestra su desprecio por la guerra. Todo el caos, la rebeldía y el rupturismo manifestado en ‘’Marching Song” hacía tan solo un año atrás, ahora cambiaban de rumbo para presentarse en un concepto más alegre pero no menos preponderante. ‘’Love Songs’’ es un trabajo dinamico, con frescura y dinamismo en el que la banda se confabula para pintar algunas escenas de amor jazzero mientras se diluyen en las sesiones, en lo que es a la vez un ejemplo perfecto de jazz rock temprano en la escena inglesa y en el mundo.

‘’Love Songs’’ se grabó en Tangerine Studios en 1970, y es muy refrescante con sus ritmos dinámicos y su repertorio en su mayoría instrumental, con una frescura que avanza sutil pero constante lo largo de las seis piezas por las que está dividido. El elenco participante es estelar, con apariciones de musicos de entre la crema del jazz ingles del momento, la talentosa Norma Winstone en voz, un músico de sesión muy talentoso y requerido como lo era Chris Spedding en guitarra, o la frescura de Alan Jackson en batería.

El estilo de composición combina elementos de jazz orquestal, prototipos de jazz rock, jazz contemporáneo, ya habiendo dejado de lado el vanguardismo más duro por lo menos para esta ocasión, pero con el coqueteo esta vez de lo melódico y melancólico también. El trabajo presenta una lista de composiciones inspiradas y dedicadas a los poemas de Caroline Menis. La banda está formada por los saxofonistas Mike Osborne, John Warren y George Khan, el trompetista Dave Holdsworth, los trombonistas Malcolm Griffiths y Paul Rutherford, además de Chris Spedding en guitarra, Mike Westbrook en piano, Harry Miller en bajo y Alan Jackson en batería, todos músicos de jazz estelares. Este  grupo de músicos asombrosamente dirigido por Westbrook presentan un trabajo que requiere una escucha atenta y cuidados, es un trabajo de jazz fiel a su época, con inventos dinámicos y creaciones que están a la altura de la crema del jazz británico.

Cod: #1678

31 jul 2022

John Tchicai & Cadentia Nova Dancia - Afrodisiaca (1969)

Aquí hay una suerte de clásico menor, un trabajo muy ambicioso y visionario para la época, bien ubicado entre las vanguardias jazzeras del momento, tratándose de una obra de jazz libre vanguardista para big band, y como toda vanguardia propone nuevas formas, nuevas estructuras, inventos, nuevos idiomas, momentos de delicioso desconcierto, más las arremetidas del conjunto de la big band que recuerdan a trabajos contemporáneos o incluso posteriores de compositores o creadores vanguardistas como John Coltrane, George Russell, Carla Bley, Keith Tippet, Don Cherry, entre otros.

‘’Afrodisiaca’’ presenta rasgos afro entre percusiones alegóricas y afro ritmos exóticos, con reminiscencias de easy listening exótico, que se combinan con los solos que en oportunidades suelen aparecer y que a su vez están plasmados entre diversas estructuras, que es una característica que marca a la forma del trabajo, las sucesivas estructuras, matices, texturas, o partes que se suceden entre sí, plasmándose en bloques uniformes y heterogéneos que brotan de la big band como en la creación de un nuevo lenguaje con micro tonalidades y formalidades típicas de las vanguardias de big band.

La obra abre con una pieza de veintiún minutos de duración que ocupaba originalmente todo el primer lado del vinilo de época, la homónima ’’Afrodisiaca’’ que es la que eleva a la obra a un nivel de culta, sacándola del free jazz raso y trayéndola hacia el lado de las vanguardias más ambiciosas, big band, cacofónicas en conjuntos masivos, líneas melódicas de vanguardia que rompen con el tiempo entre un caos cacofónico.

Los bloques estructurales y las cacofonías de la orquesta se suceden a lo largo del trabajo, en otras cuatro piezas más cortas que ocupan originalmente el segundo lado del disco original, donde el caos es propiciado por la big band y es motivo y razón suficiente, la excusa perfecta, para que el free jazz más raso brote de las sombras y se una en las típicas arremetidas libres de la improvisación casi sin armonías, aunque esto también ocurre en la libertad del silencio.

El rasgo ''afro'' está marcado desde la concepción étnica de origen de Tchicai, representado especialmente por las percusiones y por la concepsion de la orquesta, la Cadentia Nova Danica, además de por el agregado de instrumentaciones alegóricas, pero es que en realidad no se trata de un sonido afro neto, aquí también hay microtonalidades, vanguardias, lenguajes propias, y tintes de espiritual también por la influencia de la filosófica religiosa de la India.

El saxofonista y compositor danés (de origen congoleño) John Tchicai fue uno de los pocos músicos europeos involucrados en el desarrollo del Free Jazz en los EE. UU. a principios de la década de 1960, donde tocó con Don Cherry, Archie Shepp y John Coltrane. A su regreso a Dinamarca a fines de la década de 1960, Tchicai se convirtió en uno de los líderes del movimiento europeo de free jazz, así como en un precursor visionario de Jazz-World Fusion, dedicando gran parte de su trabajo a incorporar la música africana al jazz.

Las siguientes son algunas de las lineas originales escritas en la edicion original del disco que nos ayudaran a darnos una mejor idea de lo que trata la obra:

''John Tchicai es el personaje principal de este disco. Hugh Steinmetz juega otro papel principal. El elenco es el conjunto de compositores e intérpretes Cadentia Nova Danica. La composición del título de este álbum es de Hugh Steinmetz, quien dirige la pieza él mismo. Dice sobre Afrodisiaca: "El título es una síntesis de afrodisíaco y África. El material tonal de la pieza proviene del balafón, un instrumento africano traído a casa desde Senegal por Giorgio Musoni.

Toda la música escrita en Afrodisiaca está contenida en esa escala. Se abre con la escala completa presentada por dos órganos. Luego sigue el tema tocado por dos trompetas y luego un solo de trompeta por mí mismo. Esta "parte de la trompeta" pretende ser una invitación. El eco se produce al dejar que una trompeta toque cerca de las cuerdas (que se balancean libremente) en un piano, mientras que la otra, interpretada por Theo Rahbek, ¡toca al unísono un poquito retrasada y en una distancia de unos 30 pies.

Luego escuchas el balafón tocado por Giorgio Musoni. Su solo conduce a una parte de platillos para todos los bateristas seguida de otros cuatro solos: Bent Hesselmann en flauta, John Tchicai en saxo alto, Steffen Andersen en bajo y Niels Harrit en un instrumento muy excepcional: la sierra.

Durante las partes de flauta y alto, tres y cuatro flautas tocan (como antes la trompeta) cerca de las cuerdas del piano. Y ahora todos los tambores se unen. El trombón de Kim Menzer toma el relevo. Max Brúel continúa con el saxo barítono y, finalmente, el saxo alto de John Tchicai lleva a toda la orquesta a un tutti de lluvia de ideas”.

El segundo lado del registro es de John Tchicai. No quiere decir mucho sobre la música, sino que prefiere dejarla hablar por sí sola. Y de hecho, si necesita más explicación que el título Heavenly Love On A Planet para elegir el primer número: olvídelo.

Comienza con el conjunto. Luego sigue lo que podría llamarse un "círculo de percusiones". Los percusionistas conducen en un círculo con un tiempo para cada uno de ellos en sucesión. Willem Breuker, solista invitado de Holanda, toma el relevo en el clarinete bajo y después de una parte de conjunto John Tchicai él mismo concluye la pieza en su alto. Fodringsmontage es danés y significa montaje de alimentación. Después de la hermosa introducción larga y sin acompañamiento de John, un solo de soprano que presenta el material básico del tema, cuenta con cuatro solistas, quienes son alimentados por John Tchicai con frases cortas para hacer crecer su música. Usted es lo que come. Michael Schou a la flauta, Willy Jagert a la oficleida, el hermano Mauritz Tchicai al trombón y Pierre Doerge a la guitarra sin duda se convierten en partes integrantes del universo del pastor John Tchicai. El oficleido es un instrumento bajo hecho de metal y que tiene teclas. Fue utilizada por compositores como Berlioz, Mendelssohn y Verdi, pero fue reemplazada a mediados del siglo pasado por la tuba. 

Cuando la Cadentia Nova Danica visitó Londres en 1968, Max Brúel compró como regalo a su íntimo amigo John un disco con una vieja canción cantada por Talbot O'Farrell. El sencillo contenido romántico de esta vieja canción está bellamente conservado en la versión de la melodía de Cadentia Nova Danica, que es un conglomerado de amable ironía y nostalgia. Puedes llamarlo campamento, si no es una expresión demasiado cursi para tu gusto.'' - Birger Joergensen

Cod: #1677

30 jul 2022

Anatoly Vapirov - Mysteria (1980)

Nobleza obliga, algunos párrafos para esta reseña fueron tomados literal y directo de este artículo, Redescubriendo... ANATOLY VAPIROV, de la página freeformfreejazz.org

El free jazz comenzó a florecer en la entonces Unión Soviética en la década de 1970. Músicos que venían incursionando en el universo jazzístico desde mediados de la década anterior, como Vladimir Tarasov y Vyacheslav Ganelin –que formarían el mítico y pionero GTCh o Ganelin Trio– estaría en la base del desarrollo de esta música en el país comunista. En la primera ola del New Jazz soviético también estuvo el saxofonista Anatoly Vapirov. Como muchos de sus compañeros generacionales, Vapirov (nacido en 1947 en Berdiansk, Ucrania) fue principalmente un estudiante de música clásica. En 1971 se licenció como clarinetista en el Conservatorio de Leningrado, donde continuó sus estudios y, cinco años más tarde, recibió el título de Maestro en el que sería su principal instrumento, el saxofón. En el mismo conservatorio, trabajó como profesor de jazz y música clásica, entre el 76 y el 81. Paralelamente a su vida académica, Vapirov se involucró en diferentes proyectos musicales underground, en un matrimonio cada vez más intenso con la vanguardia.

El saxofonista creó el “Cuarteto de Jazz Vapirov” en 1976, tiempo durante el cual grabó sus dos primeros trabajos en el sello oficial soviético, Melodia. En esta primera etapa, cuando también comenzaba a comandar su big band, destaca “Mysteria”, grabada en 1977 y editada en 1980. Durante este período, la música de Vapirov (al menos la poca que nos llegaba) llevaba elementos de fusión, en medio de un soplo que ya apuntaba al universo libre, como podemos ver en “Mysteria”. 

“Mysteria” es un misterioso trabajo del under soviético, un trabajo que guarda en sus entrañas una mística que se disuelve en el aire y se funde con los paisajes que el mismo sonido replica a lo largo de las dos extensas sesiones, de alrededor de veinte minutos cada una, que componen el trabajo en su totalidad. Aquí Vapirov en el líder absoluto, especialmente en la primer pieza del álbum, la cual ocupaba todo el lado primero del vinilo original y que lo tiene representado con un solo de saxo que se desparrama a lo largo de gran parte de la suite. Por momentos más jazzero rockero, por momentos pasando por libertades más del free jazz, la ejecusion de Vapirov es intensa, reflejando su técnica y maestria academica, y repreentando una suerte de concepto que el álbum demuestra en su estructura, formas, armoninas, fusiones y su sonido total.

La música es de un estilo experimental siempre encaminada dentro del jazz rock con armonías en guitarra eléctrica limpia y los parafraseos de Vapirov que se replican en exceso. El sonido transita a lo largo de muchos momentos, con estructuras de jazz de sesión donde por momentos, entre medio, la banda se silencia para dar lugar al solo libre del líder creador. El primer track del disco está situado en esa tendencia mencionada, de jazz rock libre de sesión. La segunda pieza, aunque también es un atasco de sesión, está vez aparece algo más de ritmo, acercándose al funky, y siguiendo por esa línea de improvisaciones y solos desparramados a lo largo de extensas sesiones libres. Para la segunda cara es una guitarra eléctrica que, en ritmos agiles y armonías sueltas, sabe desplegar su magia de solos, ligados, yeites y demás técnicas que demuestra poseer el guitarrista en su monologo a lo largo de varios minutos.

Otra curiosidad de este disco es la participación de un coro, lo que remite a cierto espiritualismo eslavo. Una intervención coral que aparece eventualmente que determinadas partes, como al comienzo del disco, o en medio de la segunda parte de este mismo, dotando al sonido de esa dosis de mágica coral, con irrupciones vocales conmovedoras, que dan un toque sutil al sonido, salvándolo de la monotonía de la improvisaciones excesiva, dotando magia y misticismo en una aproximación al estilo espiritual, y presentado una faceta mística coral que se encuentra por ejemplo con momentos funky, un encuentro de elemente disimiles muy interesante. Este elemento es destacable también en ciertos trabajos futuros del artista.

Como todo artista o banda que manifestó su vida creativa en el mundo soviético, se vió envuelto en represiones y sensuras, peor aun por estár en el momento de guerra fría. Acusado de ‘’empresa privada’’, con una sentencia de dos años de prisión y, tiempo después de recuperar su libertad, decidió en 1987 que lo mejor que podía hacer era emigrar a Bulgaria, donde todavía vive hoy. Vapirov, un ciudadano soviético nacido en Ucrania, se convertiría en un símbolo del nuevo jazz en Bulgaria. Allí crearía su sello discográfico, AVA Records, mediante el cual ha lanzado la mayor parte de su producción desde los años 90. También estaría involucrado en la creación del “Festival Internacional de Jazz de Verano de Varna”, siendo su director artístico desde 1992. Vapirov está activo a día de hoy, más de cuatro décadas de historia musical, y cuenta con unas decenas de títulos en su discografía.

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