Este artefacto se podría ubicar entre la psicodelia y el rock proto progresivo, en realidad tiene mucho de zapada instrumental, todo el disco es instrumental, pero al recorrer varias partes internas y tratarse tan solo de cuatro extensas piezas, entonces queda una sensación de complejidad en el ambiente. Un sonido pesado de power trio con gran oficio para la zapada bluesera-rockera, por lo que los solos de guitarra no faltan. El rock que manejan es un rock pesado, rockero, rocanrolero, con ejecuciones que funcionan muy bien en la agilidad de sesiones amplias e improvisadas.
En esencia esto es psicodélico hasta la medula, cuatro piezas instrumentales con accesos internos hacia tierras de volatilidad rockera guitada por una guitarra electrica, con suciedad, ambientes, acercamiento a lo ritual y al delirio. Las cuatro piezas cuentan con pasajes internos, instrumentales e aparentemente improvisados, en los que la banda se vuelca hacia la libre ejecusion rockera, la jam sesión instrumental, en lo que demuestran ser maestros.
Las cuatro piezas que componen el disco cuentan con una característica similar, que es el hecho de que abren y terminan las sesiones con un motivo prefijado, la composición con algún riff o arreglo particular, siendo en el interior de ello, el desenlace en el que viajan hacia momentos de improvisaciones con mucha libertad.
Aunque también en ‘’The Gator Society’’ proponen un sonido que va más allá del rock, con la creación de ambientes misteriosos, donde esa característica tan hippie de lo ritual tiene lugar, cuando lo que comienza como un rock pesado termina siendo un pasaje por algún templo etérico en el espacio. Allí viajan muy lejos del rock insmiscuyendose hacia tierras desconocidas y misticas por naturaleza. El disfrute psicodélico que se puede obtener de muchos pasajes de este disco es absoluto, siendo a banda un grupo de músicos con miras hacia un más allá bastante lejano que los hacía extender sus composiciones de rock hasta lugares insospechados.
Para los amantes del sonido hippie y especialmente los amantes del sonido rock improvisado y las sesiones libres esto puede llegar a ser una perla, todo este trabajo se fundamenta en la improvisaciones, siendo el rock una excusa para liberarse de muchos moldes preestablecidos, para utilizarlo como plataforma desde la cual partir hacia una música que, aunque muy típica de la época, era la música ‘’nueva’’ del momento y ello trajo frutos en forma de influencia a mucho que lo que ocurriría luego en la escena rock y en la ‘’época de oro’’.
Este disco es una perla de rock olvidada en el tiempo y rescatada a veces por el mundillo de los amantes de la psicodélia, un trabajo que es estandarte de su generación en cuanto a reflejar lo que ocurría en ese ambiente creativo de las escenas de rock de la época en todo el mundo, en tanto a mucha improvisación, muchos solo de guitarra eléctrica, sonidos duros de rock & roll, momentos instrumentales, e ingreso a momentos de misticismo musical, rituales de rock.
''Goldenrod'', fue una banda norteamericana de rock acido/psicodelico de entre mediados y fines de los 60 que estuvo en proyectos donde fueron teloneros o tocaron con Elvis Presley y The Doors, entre otros. Eran provenientes de California y el grupo estaba integrado por Ben Benay en Guitarra, Jerry Scheff en Bajo y Toxey French en Batería. El interés del conjunto en la música pesada y la improvisación dio lugar a la grabación de su primer y único álbum, que se grabó en 1969 en Hollywood, bajo el sello Chartmaker Records.
Luego de este proyecto todos los músicos se dedicaron a sus asuntos. Ben Benay continuó su carrera guitarrista de sesión. Grabó con Barry McGuire, "Steely Dan", T-Bone Walker, BB King, Barbra Streisand, "Beach Boys", Cher, John Mayall y muchos, muchos más. Jerry Scheff se unió al grupo de Elvis Presley en 1969, donde trabajó hasta 1977. Era el bajista en el álbum "LA Woman" de la banda "The Doors" (y, si no fuera por la muerte de Morrison, incluso podría convertirse en miembro de él). Visto en los discos Ray Manzarek, Bob Dylan, Barry McGuire, Elvis Costello, etc. Toxey French grabado con Patti Dahlstrom, Free Movement, etc.
Una banda inglesa no clásica pero con cierta reputación en el ámbito de los conocedores del rock ácido under de la época, con discos interesantísimos siempre dentro de la psicodelia pesada, el rock ácido y algo oscuro, o por lo menos eso es lo que ofrecen en este primer disco que publicarían en 1969. El primer lanzamiento discográfico de larga duración del grupo fue gracias a un contrato que firmaron con el prestigioso sello Harvest, a través del cual editaron dos singles en el 68 y en el 69, y el susodicho primer disco de 1969, ‘’Wasa Wasa’’.
Si bien se trata de rock a secas, algo de lo que hacen acá se sale de las casillas, la oscuridad y la suciedad de las guitaras le dan un plus a la propuesta, que con buenos riffs y buenos solos de guitarras se sabe hacer camino por sí misma. Las composiciones son pesadas, con guitarras sucias, solos rasposos, ritmos hipnóticos de batería y una voz espeluznante del cantante del grupo que le termina de dar el toque perfecto a lo que estaban proponiendo.
El disco tiene su acercamiento a la psicodelia, desde el lugar de la sátira política y el rock pesado, pero tampoco tiene demasiadas dosis de delirio aunque se trate de rock acido. La propuesta es de rock pesado de época, con influencia de mucho de lo que había en su momento, y con una impronta que, por lo menos en este disco, cuenta con su propio estilo dentro del rock pesado clásico.
La banda era famosa también por sus propuestas delirantes en vivo y por sus temáticas políticas bastante irónicas y negras en las letras de sus canciones, lo que le valió cierta fama y cierto sequito de seguidores en su época. El disco cuenta en su mayoría con pistas de rock en formato clásico, con un sonido sucio y oscuro, nacidos del blues pero torcidos hacia la psicodelia y el rock y pervertidos por la oscuridad que nacía dentro de ellos.
Si bien todo el álbum cuenta con canciones algo estándar, hay una pieza del mismo trabajo que se sale del molde convencional y donde el grupo explaya algo que revela aún más su locura exquisita en la que se manejaban. La susodicha pieza ‘’Dawn Crept Away’’, de catorce minutos de duración, es la que ofrece un mayor aire a la propuesta del disco y da cierre al trabajo, con una composición que comienza en forma de rock pero termina volcándose hacia una excursión instrumental entre variaciones de ritmos, ambientes oscuros, y distintos implementos propios de las zapadas de la época y de las búsquedas exploratorias ‘’proto progresivas’’ típicas de la era psicodélica. Ese track es de o más experimental y ‘’progresivo’’ del disco.
Y aunque haya otros discos de la banda más elogiados o conocidos, seguramente sea este primer disco de ellos el que contenga el sonido más pesado y sucio, crudo, especialmente por la suciedad distorsionada de las guitarras eléctricas y por varios temas rockeros pesados con el que cuenta el trabajo. El grupo es entusiasta y creativo, y cuenta con propuestas discográficas audaces, aunque, como ya se ha dicho con acierto, no está muy cerca del estilo de rock progresivo más complejo que se manejaba a menudo en ese género, por lo que la música discográfica de la banda no es de rock progresivo.
Para dar a conocer su primer disco se lanzaron a una serie de conciertos, muchos de ellos gratuitos, encima de un camión y con el riesgo de ser arrestados. La propuesta finalmente llamaría la atención, ganando seguidores y siendo invitados a transmitir la oscuridad de sus presentaciones en vivo en los estudios de Abbey Road el 9 de diciembre de 1969. Esa fecha fue grabada pero solo se lanzó una canción en ese momento: "Out, Demons Out". !", que era una adaptación de la canción "Exorcising The Demons Out Of The Pentagon" de The Fugs, el resto de las grabaciones de esa presentación recién se publicarían en 2004 en "Keep Them Freaks a Rollin".
Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.
A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970. El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical Hair y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.
La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.
El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película 2001: Odisea en el Espacio en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.
Long Day Journey es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.
Standing Room Only, Mr. Mars se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.
Eyes Know, So Does Ears and Carolina es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.
Curio Shop es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de Country Joe & The Fish o incluso de Baroque #1 de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.
Black Ode ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.
Gum Wrapper Song es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.
Southern Hemisphere Blues Legacy es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.
Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.
En 1972, el grupo instrumental de Dusseldorf, German Oak, entró en el Luftschutzbunker, o Air Raid Shelter, para grabar su primer LP homónimo, pensando que tal vez tendrían una mayor acogida por el público, ya que estaban haciendo una música experimental que se relacionaba muy estrechamente con el sonido de bandas de krautrock contemporáneas. Desafortunadamente, German Oak no solo se equivocó en sus suposiciones de que los lugareños abrazarían su música, sino que incluso las tiendas de discos locales rechazaron todos los intentos del grupo de vender los álbumes en las tiendas de la ciudad. Tal fue su falta de éxito que 202 de las 213 copias originales se almacenaron en el sótano del organista del grupo hasta mediados de la década de 1980, cuando la sed por descubrir Krautrock finalmente trajo a German Oak de la muerte. Publicaron el homónimo German Oak, su primer y único trabajo, publicado en privado en números muy reducidos, la mayoría de las copias permanecieron sin ser vendidas, hasta que se filtraron al mercado de coleccionistas en la década de 1980. El grupo fue fundado por una pequeña comunidad de 5 artistas alemanes hippies, a principio de los setentas, integrado por: Wolfgang Franz Czaika e guitarra líder y rítmica, Ullrich Kallweit en batería y percusión, su hermano Harry Kallweit en el bajo y voz eléctrica, Manfred Uhr en órgano y voz, y Norbert Luckas en guitarra y efectos especiales. Sin duda se trata de un trabajo harto en oscuro, típico de una jam band que se dedicaba a las extensas sesiones, eso es lo que ve reflejado en el disco, que constan de cuatro pistas, dos más cortas (una intro y un outro), pero las otras dos muy extensas, de alrededor de diecisiete minutos cada una en la que la banda se sumerge en ambientes de misterio instrumental.
La primera de esas dos piezas extensas sería ’Down In The Bunker’’, de un sonido realmente espeluznante, parecen transitar por atmósferas muy oscuras que se entremezclan con las sesiones instrumentales de la banda. La segunda sesión significativa es ‘’Raid Over Dusseldorf’’, y es en este caso que el sonido pasa a ser predominado pura y exclusivamente por la interpretación de la banda, siempre dentro de ambiente oscuros, pero esta vez con una guitarra de un sonido hipnótico que acrecienta más aun el potencial de lo que quería representar la banda con su música. Esta es una música que no te golpea instantáneamente, sino que es un ritmo acumulativo, que se basa en la repetición sin fin de algunas secuencias de bajo o de guitarra, que se entremezclan con sonidos y quejidos que aumentan su potencial oscuro y siniestro. Todo el material publicado en este disco pareciera sufrir (o gozar) de una oscuridad que los lleva a experimentar con sonidos y sesiones instrumentales que funcionan dentro de un especie de hard rock volátil y muy denso. Una de las piezas se llama ‘’Down In The Bunker’’, una referencia al hoyo subterráneo remanente de la segunda guerra mundial en el que se grabó el álbum. El propósito de grabar en un búnker era recrear los sentimientos experimentados por los soldados alemanes durante la invasión aliada de 1944. Las extrañas condiciones acústicas en el búnker hicieron que la música, que era una serie de largas y amplias canciones de guitarra, sonara distante, catastrófica y llena de eco. La portada del álbum (una imagen militar que es un retrato de la tercera fuerza militar del Reich) proporciona una ilustración de la ira expresada por la generación joven de la Segunda Guerra Mundial contra sus padres.
Es hora de una nueva entrega y aunque este disco ya se encuentra circulando por la red, principalmente porque en muchas páginas han posteado versiones más viejas (las cuáles también se las traigo) y porque el mismo grupo está vendiendo el disco remasterizado a través de Bandcamp, ya sea por formato físico o digital, hoy les traigo mi ripeo personal de la copia que me llegó hace unos 3 días, ya que tenía hace mucho que no posteaba algo de mi colección física.
Muchos de ustedes ya conocerán esta obra salida en 1972, aunque grabada entre el 68 y el 69, y aunque sé que es un tanto difícil de digerir por la simplicidad de su contenido y porque es un producto bastante similar a otros que salieron en el periodo de 1968 a 1973, al final termina siendo un disco bastante gratificante y que va dejando su huella dentro de uno.
Todo empieza con su vocalista George Faber, nacido en el seno de una familia de comerciantes de colchones de Champaign, Illinois, el cual decidió hacerse músico antes que seguir en la tradición familiar, él empezó siendo un aficionado a la música negra como el doo-wop y el soul y al rockabilly, pero en 1964, cuando surgió la "ola inglesa" con los Beatles, los Rolling Stones, los Animals, los Yardbirds y los Kinks, él encontró nueva inspiración ahí, tanta que gracias a los Rolling, empezó a interesarse por el viejo y marginal blues de Chicago que solo los ingleses tenían en su memoria (en aquel entonces), y esto lo entusiasmó a formar una banda, el problema es que no encontraba a ningún músico en la secundaria donde acudía, así que su amigo más cercano Larry "Tabe" Tabeling -con quién Faber pasaba más tiempo debido a las constantes peleas entre sus padres que no eran más que síntoma de un matrimonio que estaba muriendo- decidió aprender a tocar el bajo, debido a que se le hizo más fácil que la guitarra y poco a poco se les fueron uniendo otros músicos locales como el guitarrista Bryce Creighton y el organista Jimmy Hill, que eran músicos de tiempo completo en un grupo de breve duración llamado The Bohemians. Faber y Tabeling probaron que esta nueva banda sería más duradera.
Era 1965 e Illinois era una cuna fértil de bandas de garaje directamente inspiradas por la ola inglesa, entre ellas esta banda que aún carecía de nombre, encontraron al baterista Eric Swenson, al guitarrista Mark Warwick, al vocalista Jim Cole y al bajista Tim Anderson y aquí empezó su aventura por la escena música, ensayando en la casa de este, en donde se daban muchos eventos juveniles. Poco después se harían llamar los Finchley Boys, en inspiración directa de la leyenda que viene atrás del disco de los Kinks "Kinda Kinks" de ese mismo 65 que trata sobre una pandilla juvenil de la Londres marginal de aquel entonces.
Y así como fue cambiando el mundo en el 65 y el 66, los ensayos en la casa de Swenson le llamaron la atención a Bob Nutt, un hombre de negocios y manager que tenía una empresa llamada Blytham Limited y poco después, el grupo en su primigenia encarnación tocaría en un pequeño cine.
Poco después, Swenson dejaría su puesto de baterista debido a "problemas personales" y fue sustituido por el joven baterista J. Michael Powers, que al principio fue influenciado por el jazz, pero después encontró amor por el rock debido a los Kinks, abandonando así el jazz y la música clásica, por lo que congenió muy bien con el resto de miembros de la banda.
Para este entonces, Nutt y su nuevo compañero, Irving Azoff, les programaron conciertos a los Finchley Boys en varias batallas de bandas locales, fiestas de iglesias, fiestas de fraternidades y pequeños clubes locales, y también para este entonces, el grupo agregaría al guitarrista rítmico Steve Dyson, quien estaría muy poco tiempo en el grupo, y es aquí cuando George Faber decide hacerse el otro vocalista de la banda, después de fungir como el roadie de la banda y este empezó a hacer mancuerna con Jim Cole al empezar a escribir canciones juntos, Cole en este momento empezó también a ser el guitarrista rítmico.
Poco después el baterista J. Michael Powers tuvo que dejar a la banda debido a que su padre consideraba al grupo como "una distracción", dando paso a Glenn Cronkhite, un baterista local de jazz que ya era considerado profesional y era 5 años más grandes que el resto de miembros.
Para Enero de 1967, tocaron una pieza de música avant-garde escrita por un estudiante graduado en un evento que ellos describen como "notable" en el salón de baile de la Universidad Illini Union de su natal Champaign, Illinois, según ellos, fueron ovacionados por el público.
Después de un periodo prolífico que duró entre el invierno y la primavera del 67, Jim Cole dejó la banda, debido a conflictos internos, dejando al grupo como un cuarteto.
En su gira del verano del 67, Cole se reconcilió con ellos y fungió como roadie, pero al llegar a Champaign, rompieron, pero George Faber y Tabe querían seguir en sus carreras como músicos profesionales, por lo que reclutaron al guitarrista Garrett Oostdyk, al vocalista Brian Cook y al baterista Al Goldberg, creando así lo que al principio iba a ser un supergrupo regional a la que llamaron Brownfield Wood que estuvo presente en aquel verano del amor.
Al poco tiempo, Faber, tabe y Oostdyk tenían planes de revivir a los Finchley Boys, por lo que decidieron contactar de nuevo a J. Michael Powers y así nació la alineación clásica del grupo, que fue la que grabó su único disco entre 1968 y 1969, pero que solo duró tres años.
Los Finchley Boys decidieron psicodelizarse al 100%, aunque sin olvidar sus raíces en el blues y la invasión británica.
Durante este periodo posterior al verano del amor, la empresa Blytham Limited quería crear una escena similar a la de San Francisco en la que los Finchley Boys fuesen el centro de ella, sin embargo, los intentos fueron fallidos, pero en la escena de Chicago surgieron algunos grupos psicodélicos como H.P. Lovecraft, Haymarket Square, Bangor Flying Circus y la Illinois Speed Press. Durante este periodo, los Finchley Boys tocaron en el famoso Kinectic Playground.
Chicago se vio más afectada por el pop psicodélico de The New Colony Six y por el brass rock de Chicago Transit Authority (luego renombrados Chicago), por lo que Oostdyk, decepcionado decidió volver a su natal Champaign, debido a que en Chicago, la gente no le puso demasiada atención a la contracultura y a la música psicodélica.
En Champaign, los jóvenes estaban interesados por la efervescencia psicodélica y la contracultura de los 60's, y los Finchley Boys hicieron mancuerna con The Windy City, otra banda local. Y así como lograron tener conciertos en Nueva York y Toronto, estuvieron a punto de firmar un contrato con la CBS, pero solo si el grupo incluía sección de metales y canciones cristianas, por lo que Oostdyk se negó rotundamente a firmar el contrato.
Durante este periodo de 1968 a 1970, los Finchley Boys hicieron la locura de incluir una boa constrictor en sus shows, antes que Alice Cooper, quienes de hecho, los ovacionaron y estaban ansiosos de ver a la mascota de los Finchleys durante un concierto en el Kinetic Playground, pero según cuenta Faber que él no la podía aguantar y esta alcanzó a arrancarle un mechón de pelos con una mordida, mientras actuaban en un show de televisión local.
También durante este prolífico, pero corto periodo, tuvieron oportunidad de grabar las canciones de su único disco que terminó saliendo hasta 1972, cuando el grupo ya estaba separado.
La primera sesión tuvo lugar en los Estudios Chess en Chicago, y fue supervisada por los ingenieros veteranos Ron Malo y Stu Black, quienes recibieron con indiferencia y malos tratos al grupo, debido a que para ellos, "tocaban muy alto", por lo que al año siguiente continuaron las grabaciones en los estudios Golden Voice ubicados en Pekin, Illinois, donde según cuenta Oostdyk, fueron unas sesiones más satisfactorias y donde los ingenieros se mostraron más respetuosos hacia la propuesta del grupo, y es fácil saber por qué, pues esos estudios tuvieron la presencia de muchas bandas psicodélicas y pesadas como Buster Browns, que sacaron un sencillo en el 68.
En el 70, los Finchley Boys se sintieron muy satisfechos, debido a que tocaron en el festival de Kickapoo en mayo de ese año, el cual fue inspirado en el festival de Woodstock y tocaron gente como B.B. King, Country Joe & The Fish, Canned Heat y los Amboy Dukes, y pronto fueron re-contratados para tocar en otro festival enorme que se celebró en Iola, Wisconsin, que según la banda, fue como una especie de Altamont, debido a los conflictos provocados por las pandillas de motociclistas que atendían el lugar, por lo que J. Michael Powers se salió de la banda, antes de que esta se trasladara a San Francisco por un tiempo que duró entre el 70 y el 71, en los que tendrían a varios bateristas de reemplazo, pero con estos bateristas, no pudieron lograr sonar igual, por lo que se separaron.
En 1972, sacaron Everlasting Tributes, el cuál incluía todas las grabaciones hechas entre 1968 y 1969, y este fue promocionado con la reunión de la banda, que pronto se volvería a separar.
Durante muchos años, el disco como algunas grabaciones extrañas de la banda y de los miembros por separado circularon de forma no oficial, hasta el 2010, cuando el grupo se reunió y por primera vez se reeditó el disco de forma oficial, acompañado de un disco extra con tomas alternas, demos y grabaciones de diversos conciertos que dieron entre 1968 y 1970.
Ahora, los Finchley Boys quieren volver a la fama y están reunidos dando conciertos en su natal Illinois.
Después de su extensa historia, hay que hablar de su música.
Los Finchley Boys tal vez no eran unos ultra-maestros en lo que hacían y su música hasta pudo haber pecado de sonar tan similar a lo que otros grupos contemporáneos estaban haciendo en ese preciso momento, de hecho, los Finchley Boys guardan bastantes similitudes con Frijid Pink, Buster Browns, Floating Bridge, Fat, la Illinois Speed Press e incluso los Love de este periodo, pero todas sus carencias son sustituidas con la honestidad, la crudeza y la buena onda que presenta su música.
Everlasting Tributes es un disco de un rock ácido basado en el blues que está tan influenciado por Cream, Hendrix, los Kinks, los Animals y los Yardbirds como por las bandas de la costa oeste como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Country Joe & The Fish, también poseyendo cierto elemento claramente heredado por las bandas garajeras de mediados de los 60's, dándole una identidad que definitivamente entra en el heavy psych.
Hay guitarras que vomitan fuzz y wah-wah, blues hasta morir y mucho ácido lisérgico de por medio, como en Swelling Waters e It All Ends, dos baladas psicodélicas que tienen ciertas reminiscencias de Quicksilver Messenger Service y Jimi Hendrix o las pesadotas Once I Was A Boy, Hooked y Restrictions que se posicionan entre lo mejor del heavy psych gringo y que llegan a sonar como a una mezcla entre los Stooges y Frijid Pink diluida con elementos de la Illinois Speed Press y Fields, aunque bueno, los refritos de Howlin' Wolf, los Animals y los Kinks no tienen madre tampoco.
El segundo disco al que titularon Neverending Tributes tiene las versiones alternas de Outcast que tiene aplausos y gritos pre-grabados en vivo y Hooked que suena un tanto extraña sin los overdubs, mientras que el resto del disco sigue con la misma propuesta que tenían en el disco: rock ácido blusero y pesado.
Según los Finchley Boys, van a sacar más grabaciones alternas, no se sabe cuándo, pero esperemos que pronto, de mientras les incluyo otra edición con algunos demos y grabaciones alternas que no fueron incluidas en esta reedición.
Wildfire se formaron en 1969 en la localidad de Laguna Beach, California, con al parecer, dos de las cenizas de un grupo de surf y doo-wop de principios de los 60's llamado Phil and The Flakes, el cual estaba liderado por nadie más, ni nadie menos que el gran Phil Pearlman (que es más conocido por sus extraordinarios proyectos psicodélicos The Beat of The Earth, The Electronic Hole y Relatively Clean Rivers), sin embargo el grupo se localizó en Austin, Texas, por lo que llegaron a alternar con grandes como Shiva's Headband y Johnny Winter, aunque igualmente se dice que llegaron a tocar con Blue Cheer en su natal California por allá en 1969.
Este, su único disco que en realidad fue un demo editado de forma privada y en un tiraje de muy pocas copias, fue grabado en los estudios Sonobeat en 1970 (donde un grupo llamado Mariani -en el cual tocaba un jovencito Eric Johnson- también grabaron su único disco llamado "Perpetuum Mobile" en el mismo año) en Austin, Texas. Al parecer "Smokin'" fue editado en el mismo año.
Según lo que leí en su página web oficial, el guitarrista Randy Love era fan de Jimi Hendrix y quería sacar el tono de este, por lo que estuvo dañando su amplificador Fender Showman, por lo que su papá le iba a comprar un Dual Showman como los que llegó a usar en varias ocasiones Hendrix, sin embargo conoció a Pat Quilter y este le construyó un amplificador de transistores de 200 watts de potencia que sonaba como uno de bulbos, al parecer inspirado por los mencionados Fender Dual Showman, luego el bajista Danny Jamison también tendría el suyo.
Ahora sí a hablar de la música contenida en el álbum.
Smokin' tal y como lo sugiere el título (en español, "fumando") es un disco de heavy psych a la orden del día, cargado con bastante funk y esa suciedad tan característica de varios grupos gringos de la época, se podría decir que aquel clásico power trio originario de Flint, Michigan que aquí gozó de una inmensa popularidad en los 70's llamado Grand Funk Railroad fue la principal fuente de inspiración para Wildfire, sin embargo también hay influencias de Hendrix (como lo dije arriba), Moby Grape y hasta Blue Cheer, cabe destacar que también me recordaron parcialmente a otros grupos contemporáneos como Fields, Josefus, The Frost, Bliss, The Third Power y hasta Banchee.
El disco abre con "Stars in The Sky" que me parece que es un homenaje a Jimi Hendrix y su infravalorada obra maestra "Love or Confusion" del '67, pues incluso las letras tienen bastante similitud, los siguientes temas se van más hacia las aguas del Grand Funk Rairload que sacó esos grandes discos de hard rock y heavy psych como Grand Funk, Closer to Home, On Time, The Live Album, Survival y E Pluribus Funk, sin embargo Wildfire suenan todavía más psicodélicos que el mencionado power trio de Flint, Michigan, seguramente por esos tintes tan típicos de la costa oeste que se notan en su ácida guitarra que acompaña a cada tema del álbum.
Mis temas preferidos son la rocanrolera y enérgica "Let It Happen", la funky "Don't Look For Me", "What I Have Got Now" y la extensa "Quicksand" que dura 11 minutos donde improvisan tanto el guitarrista como el bajista, aunque cada tema del disco es excelente, por lo que los fans del Grand Funk no se querrán perder esta única placa de este conjunto Californiano radicado en Texas salida por allá en 1970, pues es una excelente pieza de heavy psych con pinceladas de funk y del rock ácido californiano sesentero.
Antes que nada quiero darle las gracias a mi buen amigo Jimi Hendrix (alias Poseído del Alba) por mi regreso a este blog, espero que les guste a todos el álbum que hoy les traigo, muchas gracias.
Blue Mountain Eagle se formaron en 1968 en los Ángeles, California, justo cuando los legendarios Buffalo Springfield se separaron para seguir sus propios caminos y uno de los miembros decidió crear a un completamente nuevo Buffalo Springfield con una alineación prácticamente diferente y por consiguiente los nombró "The New Buffalo Springfield" e hicieron algunas presentaciones bajo ese nombre, cuando sus ex-compañeros (entre ellos el canadiense Neil Young y también Stephen Stills) se enteraron y les molestó que usara el nombre, por lo que al parecer decidieron poner una demanda y el grupo fue obligado a cambiarse de nombre, haciéndose llamar finalmente "Blue Mountain Eagle", bajo este nombre grabaron su único álbum que fue editado por Atco en 1970, el cual viene empacado con una bonita portada psicodélica que es una foto del grupo tomada con efecto infrarrojo además de tener efecto de espejo, lo cual aumenta lo viajado en la cubierta.
La música del grupo ha sido descrita en varios sitios de la red como "heavy psych", sin embargo creo que no puede estar más alejada de la realidad, pues la música del grupo carece de esos riffs duros y de esa actitud que tenían las agrupaciones de dicho estilo. Si hay una manera perfecta de describir la música de Blue Mountain Eagle definitivamente sería rock ácido con algunas leves pinceladas de country rock y de folk, muy similar a lo que hicieron sus antecesores Buffalo Springfield o a lo que estaban haciendo bandas más o menos contemporáneas como The Fraternity of Man, Savage Resurrection, The Electronic Hole, Christopher y hasta los Byrds y los Flying Burrito Brothers, es decir, con abundante fuzz en las guitarras y esas atmósferas tan ácidas y viajadas que nos remitirán a los 60's cuando el hippismo, el consumo de LSD, los happenings y los festivales al aire libre estaban a la orden del día, por decirlo de otra manera, esto es psicodelia en su estado más puro y viajado.
"Love is Here" es sesentero por donde se le vea, con esa atmósfera tan hippie y viajada, ese fuzz tan abundante y ácido y las armonías vocales tan típicas de la Costa Oeste, igualmente lo es "Yellow's Dream" que es una balada muy hippiosona, luego se viene "Feel Like A Bandit" que es más movida que las anteriores y tiene cierto sentimiento blusero, mientras que "Troubles" está más del lado del country rock de principios de los 70's y de hecho el riff es casi idéntico al de "Sweet Home Alabama" de Lynyrd Skynyrd, por lo que se ha teorizado que el gran Ed King pudo haberlo tomado de aquí, después sigue "Loveless Lives" que vuelve a lo del principio: rock acidísimo con el fuzz a la orden del día, "No Regrets" es una balada como la segunda canción, aunque un poquito más dura, con esas armonías vocales excepcionales sello de la Costa Oeste, "Winding Your String" y "Sweet Mama" regresan de nuevo a la pachequez aunque le bajan un poco al LSD en estas rolas, "Promise of Love" es otra baladita como "No Regrets" y "Yellow's Dream", mientras que "Trivial Sum" combina tanto las influencias de country rock como el rock ácido sello de la banda, por lo que es un tema muy movido y finalmente tenemos un muy buen "bonus track" (tema extra) que solo salió en su momento en sencillo, llamado "Marriane" que es medio blusero y country.
En fin, un excelente álbum y recomendado a todos los fans de la psicodelia más ácida.
John McLaughlin, nacido el 4 de Enero de 1942, en Doncaster, Reino Unido, también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70s llamado jazz-fusión o jazz-rock. Aunque, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el Flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y desde la década del 70 en adelante con sus grupos "Mahavishnu Orchestra", "The Heart of Things", "Five Pece Band" y actualmente "John McLaughlin y la 4ta Dimension") y con la música clásica (en su "Concierto para guitarra y orquesta" y en el disco "Thieves and Poets"). McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución. Antes de trasladarse a USA, McLaughlin lanzo su trabajo ‘’Extrapolation’’, su álbum debut, su primer álbum como líder, único álbum que grabó antes de unirse a Miles Davis, el cual suena tan fresco hoy como sonaba allá por 1969. Un trabajo de jazz grabado en Advision Studios, en Londres, el 18 de enero de 1969 y primero lanzado a finales de ese año por Giorgio Gomelsky's Marmalade Records. Luego de lanzar su primer disco, viaja a EEUU y se une a la banda de Miles Davis, con la cual participa de la grabación de la grabación de ‘’Bitches Brew’’. Durante esa época y los 70s, participa de la grabación, como colaboración, de un sinfín de disco, entre ellos ‘’Things We Like’’, un trabajo de jazz liderado por Jack Bruce. En este mismo año, 1970, lanza su segundo disco como solista, grabado poco después de su salida de la banda de Miles Davis, y antes de formar la Mahavishnu Orchestra. Para ello forma una banda eventual, con muy buenos músicos para la grabación, estarían Buddy Miles (baterista de Hendrix) en la batería, el tecladista norteamericano Larry Young en órganos y piano eléctrico, y el bajista norteamericano Eddie Wilbur, en bajo justamente. Empujado por los estilos que se desarrollaban en la época, McLaughlin elabora un trabajo con el sonido ambiente del momento, psicodélico y meramente fusionado, trayendo a colación sus tremendos atributos en guitarra, su bestial y aplastante técnica, su virtuosismo, y poniéndolo a la orden de un sonido casi embrionario, primario, casi como si fuera un sonido prototípico del mismo guitarrista, en el cual él mismo se estaría gestando, desarrollándose, creando su propia senda, su propio estilo.
McLaughlin había lanzando, en 1969, un disco con un sonido similar, ''Emergency!'', en un proyecto junto a Tony Williams y Larry Young, en el que desarrollarían una fusión prototipica, con un sonido muy libre, fusionado, ácido, repleto de improvisaciones y casi sin limites compositivos. En ''Devotion'' McLaughlin parece seguir por la misma senda, como buscando saciar su sed de innobar y explorar, con un sonido también muy libre, amplio, en un jazz fusión en gestación, con parámetros compositivos indefinidos, y con su virtuosismo como guía para impulsarse hacia las sesiones y la búsqueda continua.
En su primer disco solista habia hecho algo de jazz, en este segundo disco trajo ese jazz y lo fusionó con psicodelia, aunque no se trata de jazz psicodélico, sino de una fusión más esmerada, un enjambre psicodélico que pareciera haber sido grabado en una jam session, ya que los temas surgen todos muy de improvisto, sin un orden o estructura formal, sino más bien, son sesiones cuasi improvisadas en las que la guitarra de McLaughlin en la guia y la voz mayor de un sonido netamente instrumental, aplicando un sin fin de solos, arreglos, sonidos, aplicaciones, etc
Pareciera una de las típicas sesiónes de estudio de Jimi Hendrix, piezas netamente improvisadas, con una guitarra que denota una tremenda habilidad, muy blusera y cargada de fuzz, con muchos cambios e improvisaciones, y con un hammond rellenando al fondo, si me hubiesen disco que en realidad esta grabación se trataba de una sesión de estudio de Hendrix, tranquilamente podría haberlo creído. El sonido está volcado hacia un lado un tanto meloso y algo misterioso, cambiante, frenético, muy improvisado, se trata de un sonido muy particular, una fusión muy personal desarrollada por McLaughlin, quien combina elementos exquisitos y, por supuesto, el resultado es también exquisito. Luego llegaría unos de sus puntos más altos en su carrera, crearía su banda eléctrica, su Mahavishnu Orchestra, explotando todo su estilo técnicamente virtuoso y complejo, con el cual fusionó jazz eléctrico con rock progresivo, junto a otros sonidos como ciertas influencias indias, acaparando la mayor atención e influencia dentro del ambiente fusión, siendo uno de los puntos mas altos de referencia del genero.
En 2010 el guitarrista Jeff Beck lo llamó "el mejor guitarrista vivo". El indio maestro de tabla, Zakir Hussain lo ha llamado "uno de los más grandes y uno de los músicos importantes de nuestros tiempos", y no han errado, se trata de un guitarrista alucinante, experimental, con un despliegue tremendo de técnica y fusiones, y un sinfín de trabajo lanzados, en los cuales transita, como hemos disco, por incontable cantidad de géneros, sub géneros, fusiones, estilos, sin duda se trata de uno de los guitarristas mas importantes de la era rock, y aquí lo estamos celebrando con su segundo disco. Ya habrá mas tiempo para sus otros trabajos, por ahora disfruten de ‘’Devotion’’.
La era psicodelia dejó mucho a considerar, fue una época
álgida para la creatividad y la experimentación, por supuesto además con sus
modas y tendencias juveniles que hacían que los jóvenes se volcaran al consumo
no solo de sustancias sino de productos de tendencia, entre otras cosas, los discos.
Este fenómeno trajo que muchas compañías disqueras se vieran interesadas en el
mercado y pongan a músicos de sesión a producir material ‘’psicodélico’’
descartable, grabado a bajo costo para editarse rápidamente y ponerlo en las góndolas
de las disquerías del momento.
Hubo muchos proyectos fugaces de estudio en la época época,
que se metían a estudio a grabar material psicodélico para vender o aprovechar
el momento. En una época que se proclamaba contra el consumo y el materialismo,
paradójicamente este fenómeno floreció y funcionó, demostrando que también los
revolucionarios necesitaban comprar productos. Aunque el lado positivo de esto
es que por lo menos algunos de esos experimentos salieron bien, y no solo quedaron
como muestra de la ambición de productores y compañías, sino que también fueron
materiales que por tanto querer sonar psicodélico, finalmente lo lograban,
dejando disco con bandas efímeras pero con al menos un disco de buen interés psicodélico.
Si no se conoce mucha información sobre The Unfolding,
es porque se trataba de un grupo de estudio montado por el sello ‘’Audio
Fidelity’’ en Nueva York en 1967. Se trató de un proyecto perdido, típico de la
psicodelia de la época, plagado de elementos exploratorios creados en torno a
una extroversión sonora típica y con un aura de búsqueda experimental, o al
menos eso se intentó. El grupo supuestamente estaba formado por David Dalton en
voz. Gary en batería, Steve Kapovitch aportò la voz para la narración en
algunas partes, Ken en bajo, Peter en guitarra, Adrea Ross en voz y Victoria
Sackville en voz.
‘’How to Blow Your Mind and Have a Freakout Party’’ es
un artefacto que suele dar vueltas en las colecciones de psicodelia, algo
extraño de acceder pero con una dosis de psicodelia que hace a la delicia del género.
No es una obra maestra y muchas veces estos proyectos fugaces de estudio suelen
carecer de profundidad creativa y profundidad sonora.
Vale decir a su favor, que el disco está dividido en
dos partes, el lado A que era llamado ‘’Acid Rock’’, lado que evidentemente
estaba rumbeado hacia el rock, elementos ácidos, detalles con experimentaciones
de estudio, algo de estilo garaje, rock liviano psicodélico. Se trata de
canciones, ninguna memorable, con producción ligera y sonidos suaves de psicodélia,
aun así es un lado disfrutable.
Mientras que el lado B era el de ‘’Meditations’’,
volcado más hacia el lado de esa típica influencia hippie con los estilos
orientales, los ornamentos místicos, los ambientes, los sitares, y la aparición
de los ragas, lado en el que surge el costado místico de la psicodélica, con
piezas interesantes y bastante psicodleicas, siempre con esa influencia
oriental, como los experimentales ‘’Prana’’ o ‘’Electric Buddha’’,
cantos religiosos en ‘’Hare Krishna’’ u otra pieza experimental como el
track que cierra el disco, ‘’Parable’’.
El lado B del disco es el que toma lo más espiritual
de la psicodelia del momento para reflejarla en piezas muy cliché pero que
suenan interesantes. Tal vez de ese lado el track que más llame la atención sea
el de ‘’Prana’’, una pieza en la que se intenta emular a un raga, pero a la
hippie, con ejecuciones de sitar no virtuosas, y otros agregados como
recitaciones que aparecen por encima, una formula hippie muy explotada pero que
refleja uno de los costados más delirantes del hippiesmo en esa típica búsqueda
acida de los interno. Obviamente hubo exponentes que experimentaron más
profundamente con esto y lo elevaron a una nivel mucho más acabado, pero este ‘’Prana’’
de The Unfolding suena muy interesante aun.
La industria del psychsploitation tiene mala reputación
y con razón, ya que fue un intento de vender más de lo que se podía, lo que
llevó a que se produjeran cosas horribles, aunque no es del todo despreciable
ya que de ese comercio salieron discos como ''Fantastic Party (Die Tanzplatte
Für Heiße Stunden)'' de 1970 por Staff Carpenborg And The Electric Corona, ‘’Tanyet’’
de 1967 por The Ceyleib People, o ''Takes the Forest Children on a Journey of
Cosmic Remembrance'' de 1968 por Kali Bahlu, disco de profundidad relativa muy
interesantes y disfrutables aun dentro del mundillo de la psicodelia.
Antes que nada, quiero agradecerle al buen Poseído del Alba por invitarme a su blog.
Truth and Janey fue una banda estadounidense formada en Cedar Rapids, Iowa en 1969, llamada así por el disco de Jeff Beck "Truth" y al apellido de su líder Billy Lee Janey. Esta primera alineación estaba formada por Billy Lee Janey en la guitarra y las voces, Steve Bock en el bajo y John Fillingsworth en la batería, este siendo sustituido al año siguiente por Denis Bunce.
En 1972 lanzaron un sencillo con las canciones "Midnight Horseman", composición propia del grupo y un cover de los Rolling Stones, "Under my Thumb". Al año siguiente lanzaron un segundo sencillo con la composición propia "Straight Eight Pontiac" y "Around and Around" de Chuck Berry en su propia etiqueta Wheel.
En 1976 decidieron lanzar su primer LP que se tituló "No Rest For The Wicked" en la etiqueta Montrose, después en 1978 lanzaron otro larga duración titulado "Just a Little Bit of Magic" y se separaron. Después en 1988 se lanzó un disco en vivo que fue grabado en 1976 que en el 2001 lo re-editaría con el nombre de "Erupts!" (próximamente se publicará aquí y en mi blog OutsideInside Music).
"No Rest For The Wicked" para algunos podría parecerles el típico disco de hard rock de mediados de los 70's con tendencias al heavy metal y glam metal de los 80's o al edulcorado y blando AOR que empezaba a reinar en estas épocas, pero nada de eso hay aquí, Truth and Janey en efecto eran hard rock pero mezclado con fuertes tendencias psicodélicas y algo de blues-rock, que en ocasiones de cierta manera llega a adelantarse a ese subgénero noventero que mezclaba tanto el heavy psych de estas épocas como grunge, rock alternativo y hasta algo de doom metal al que llamaron "stoner rock".
El sonido del grupo es potente, pesado, sucio y lisérgico sin llegar a ser viajadísimo como el de otros de sus contemporáneos como Terry Brooks & Strange, Jeff Liberman, JPT Scare Band, Sweet Toothe o Euphoria, sin embargo el sonido psicodélico está siempre presente a lo largo del disco, a pesar de no contener pedales fuzz, ni largas improvisaciones, ni atmósferas pachequísimas, el grupo conserva la esencia de grupos como Highway Robbery, Corpus, Totty, Unison, The Damnation of Adam Blessing, Primevil, Stray, Buffalo, Sir Lord Baltimore, Help entre otros.
El disco abre con "Down The Road I Go" con un riff machacante de guitarra y bajo y unas guitarras muy heavy psicodélicas. Después sigue "The Light", que es uno de mis temas preferidos, que tiene un magistral riff que no le pide nada a los grandes del hard rock de la época y la canción en general sin duda podría entrar entre los mejores temas de heavy psych de todos los tiempos.
Se viene un cover del bluesman Willie Dixon, "I'm Ready", en donde el grupo se atreve a coquetear con el boogie rock de la época, sin llegar a ser descaradamente simplones como varios grupos de dicho subgénero.
Llega la suite compuesta por 3 temas del grupo, "Remember", "A Child" y "Building Walls" que tiene un intro sospechosamente similar al de "Child in Time" de Deep Purple, sin embargo después el grupo vuelve a caer dentro de lo que mejor saben hacer: heavy psych, sin embargo, creo que esta canción es la que hace que algunos maletiqueten a la banda como "progresiva" o "con tendencias progresivas", debido a que es una suite de 3 canciones, pero la verdad es que no creo que lo sea, esta canción en lo personal me parece que tiene ciertas cosas en común con Primevil en sus momentos más "jammeros".
Llega el tema homónimo del disco "No Rest For The Wicked" que nos recordará por momentos a sus contemporáneos Totty y Poobah, o incluso a sus no tan contemporáneos Stray, Head Machine y Blue Cheer, pero más suaves, en donde las guitarras psicodélicas de Janey vuelven a hacer de las suyas con un riff machacante y unos excelentes solos. Otra de mis preferidas.
"It's all Above Us" la primera balada del disco, en donde el grupo apuesta por un sonido más suave que el de las otras canciones, recordándonos así a los grandes texanos Corpus quienes hicieron un extraordinario álbum de heavy psych y blues-rock en 1971 titulado "Creation a Child" e incluían muy bellas baladas como esta de Truth and Janey. Mi favorita junto con "The Light" y la anterior.
Se viene otro cover, "Ain't No Telling" de Mississippi John Hurt, otro gran bluesman, en donde el grupo vuelve hacer de las suyas, haciendo un cover ligeramente funky, similar en estilo a Help.
Para cerrar el disco llega la segunda balada del grupo, "My Mind", que además de tener una muy buena letra, nos recordará en ocasiones a Totty, Primevil y a Corpus, además de que vuelve a la misma formula que la mencionada "It's all Above Us", otro baladón.
Vámonos a los bonus tracks: "Midnight Horseman" tiene aires funkys, mientras que la influencia de Hendrix y Beck se hacen notar a lo largo del tema. "Under my Thumb" otro de esos covers heavys de los Rolling Stones que se hicieron en los 60's y 70's, y por cierto, excelente. "Around and Around" sigue con la misma fórmula de hacer covers pesados de los Rolling. "Straight Eight Pontiac" el grupo vuelve a coquetear con el boogie rock, sin embargo, siguen siendo mucho mejores que muchas bandas de dicho subgénero.
Volviendo al mundo de lo que sería el análisis de discos, les traigo esta joya oculta que venía postergando desde hace tiempo, lanzada por el precursor Roger Bunn, un músico y compositor inglés, que nació en medio de la guerra, con el padre muerto como héroe de guerra y la madre al poco tiempo abandonándolo desde pequeño. Lamentablemente no pude encontrar mucha mas info sobre su vida o su infancia… Durante los sesentas incursiono con las drogas y la música y se empezó a formar como guitarrista y bajista, tocando además jazz con algunas orquestas de jazz de la zona. A los 24 años toma su camino propio con la música, el cual lo lleva a pasar por Afganistán, luego Turquía e Irán. También pasaría por Hamburgo y un par de años más de idas y vueltas lo encuentran en Londres conociendo a los Beatles, donde por petición de Paul McCartney grabaría unos demos para Apple los cuales serían mandados a ‘’ Philips Records’’ en Holanda. El trabajo llamó la atención del productor Frans Peters, el cual lo mandó a llamar y lo juntó con el compositor Ruud Bos, además de contar con la Orquesta Nacional de Holanda a su disposición para los arreglos y otros músicos de jazz. Así es como nace el proyecto y Roger comienza a trabajar, todas las canciones del álbum, incluyendo la música y la letra, eran de Roger y John Mackie, con un sonido muy original y adelantado a cualquier cosa que estuviera ocurriendo en el reino unido y EEUU en el momento. ‘’Piece Of Mind’’ es un disco arduo y extenso, con un aura propia y personal, y muy difícil de encasillar en algún estilo en particular ya que fusiona innumerables sonidos y estilos, como blues, country, baladas, con denominador común de jazz que salpica el sonido en su mayor parte. El resultado de esa mezcla es un folk acido que va tomando distintas formas, con las distintas intervenciones de partes más jazzeras, partes con arreglos clásicos, partes en piano, pero siempre con el sello ironico, un tanto bizarro y siempre acido que le aplica Bunn.
Digo que el disco es arduo porque contiene 22 temas, una cantidad considerable para ser un trabajo solista, sería algo así como un ‘’white álbum jazzero’’, ya que Roger no se limita a dejar atrás ninguna pieza, en la primer mitad del disco los temas rara vez sobrepasan el minuto y medio de duración, aunque eso hace que se equilibre el disco en relación a la cantidad de temas. Y creo que la corta duración de las piezas hace al disco más destacable aun, ya que pese al corto tiempo de duración de cada tema, Roger logra crear un sonido en específico y particular para cada track, dándole un valor alto a las piezas, volviéndolas dignas de ser escuchadas. Al momento del lanzamiento del disco se arregló para que se lanzara en Alemania y el Reino Unido pero tuvo poca propaganda y repercusión, y así pasó casi desapercibido y oculto. Lástima que no tengo acceso a mas info, pero Roger Bunn tuvo que luchar un poco con los sellos discográficos que no querían publicar su disco, y la razón por la cual eso ocurría y por la cual su arte quedó tan oculto es que el elaboro su música sin ningún tipo de expectativa comercial, sino más bien desarrolló todo su talento y creó nuevas músicas, nuevos sonidos, pero eso a la industria no le interesa porque solo quiere vender y en la mayor cantidad posible, a las disqueras jamás les importó el arte, sino más bien la búsqueda de talentos que se amolden a las expectativas oscuras y comerciales que le impusieron a los artistas que fueron surgiendo… Al año siguiente Roger integró, como guitarrista, la primer formación de la banda británica ‘’Roxy Music’’, Brian Ferry, fundador de la banda, le pidió que se afeitara la barba y el bigote, y se vistiese adecuadamente para la primera gira, y Roger como rebelde incorregible que era abandonó la banda para siempre. Al tiempo abandona su carrera musical y dedica su vida de lleno luchando en diferentes organizaciones de derechos humanos, volcó su actividad a luchar por Medio Oriente contra organismos como la CIA y su influencia en los conflictos en toda esa zona, también en Sudáfrica militó contra el Apartheid, además de una lucha pro cannabica importante. De una vida con carrera musical y roce con grandes, lo que le daba cierta perspectiva, a una vida mas humilde de lucha. En 1994 fundó MIHRA - Asociación de la Industria Musical de Derechos Humanos. El resto de los hechos son materia de leyenda. Muy poco se ha publicado de su vida personal y sus últimos años. Murió el 28 de julio de 2005. Sin dudas un músico enorme y un ser extraordinario.
Esta fue una banda progresiva nacida en Boston (Massachusetts) e integrada por Charlie Mariano en saxo soprano y alto, flauta y nagaswaram (un tipo de oboe del sur de la India), Bobby Knox en voz, Danny Comfort en bajo, Lou Peterson en bacteria, Bobby Clark en bacteria, percusion y voz, Andy Steinborn en guitarra y coros y Charlie Bechler en teclados y percusión. Desde el comienzo la banda se integro y formo de manera formidable, ya para el mismo 1970 tocaban en festivales en Boston y abrían para músicos como Frank Zappa y Miles Davis, en performance memorables donde comenzaron a gestar un sonido imponente, liderado en parte por el mítico saxofonista Charlie Mariano.
En Febrero de 1970, graban su primer y único álbum, en los estudios RCA, en Nueva York. Un álbum único creado en base de un despliegue espectacular en todo sentido, un trabajo progresivo experimental de alta calidad, lo que denota la profesionalidad de los músicos.
La performance enérgica de los músicos hace a la base principal del sonido, crean una pared imponente de sonido la cual cada músico va alimentando, la base rítmica del bajo y los dos bateristas es impecable y se mantiene siempre atenta a los cambios inesperados, la guitarra rítmica que se transforma y por momentos nos deja solos fuzz alucinantes, el excelente trabajo en saxo del experimentado saxofonista de jazz, Charlie Mariano, y la impecable voz de Bobby Knox, que recuerda mucho a las voces de Jim Morison y Jack Bruce. Lo más sorprendente de este trabajo es la variedad de intensidades y texturas en las que se manejan, los temas en si no duran mucho, la mayoría no superan los 3 minutos, pero cada pieza es un emprendimiento diferenciado del anterior, aunque con un factor en común, la exacerbación enérgica y un despliegue musical alucinante y por momentos hipnótico. Es así como encontraran una diversa mezcla de estilos, variantes de heavy prog con guitarras bien cargadas, pasando por un jazz rock con toques oscuros, blues rock bien atractivo, rock acido duro, sumado a algunas melodías tipo indu, psicodelia, pop, y hasta algunos pasajes con toques de salsa y/o rock latino. Album totalmente recomendado para amantes del prog, talvez tenga poca reputación, pero viendo el momento en el que fue grabado, el trabajo y la banda han merecido mucho más, ya que fusionaron muchos estilos y marcaron el camino hacia lo que se estaba gestando con el rock progresivo y las fusiones con el jazz.
William Billy Cox, nacido en 1941, en en West Virginia, EEUU, es un bajista y guitarrista estadounidense reconocido principalmente por haber tocado junto a Jimi Hendrix, habiendo sido parte de la foracion que tocó junto a él en Woodstock, y más tarde sería parte de la banda Band of Gypsys, también liderada por Hendrix. Cox conoció a Hendrix a principios de los 60s, durante el servicio militar en Fort Campbell. Juntos formaron su primer grupo musical: King Casuals. Ambos encararían la carrera musical pero tomando caminos que los separarían por un tiempo, haciéndose una promesa entre ellos, y esta promesa era de que ''si alguno de los dos llegase a volverse famoso, lo invitaría al otro a participar de la fama.' Finalmente sería Hendrix el que se convertiría no solo famoso sino un guitarrista de influencia a nivel mundial. Después de recorrer distintos caminos durante unos años, en 1969 se cruzaron nuevamente en la banda de rock psicodélico Band of Gypsys, siendo Hendrix el que lo invitaría a formar parte del grupo, en el papel del bajo. Lamentablemente pronto ocurriría la prematura muerte de este heroa musica, su gran amigo de la juventud Jimi Hendrix. Poco después de la muerte de Hendrix, en el mismo año 1970, Cox monta su propio trío, al que bautizan Billy Cox's Nitro Function. Recluta a Robert Tarrant para la batería y a una guitarrista femenina llamada Char Vinnedge (que comenzó en la década de 1960 como guitarrista / cantante con un grupo de chicas The Tremolons y posteriormente con Luv'd Ones).
Con esta banda prácticamente continúan con el legado de Hendrix y siguen incursionando en la música psicodélica con elementos similares a lo que venía haciendo Cox con su amigo, temas psicodélicos pesados, blues rock y guitarras distorsionadas, una combinación explosiva típica de la época. Rápidamente fichan por Pye Records y editan el homónimo álbum al año siguiente, producido por el hermano de Kenny Rogers, Lellan. Este es un trabajo psicodélico con muchos buenos momentos acidos y lisérgicos, el típico blues/rock de la época, adornado con distorsiones y riffs pegadizos, solos de guitarra y canciones de rock hippie con mucha contundencia y groove. Pasan por el blues-rock, la psicodelia y la heavy psicodelia, algo acido, algo funky y oscuro, un coctel de temas agradables para amenizar cualquier happening acido de la época. Ya es la guitarra de Char Vinedge la que le imprime al sonido una rasposa acides, desde la guitarra y la voz, y el bajo de Cox que resalta en la base de los temas. Es un trabajo de un nivel bastante decente y que termina siendo muy agradable de escucha, por los sonidos psicodélicos y por ser como una especie de continuación del legado del sonido de Hendrix; las reminisencias hacia este no se hacen esperar, y tenemos por ejemplo, el tema ‘’42-70 (Peace)’’, llamado así por los años de nacimiento y muerte del ídolo negro de la guitarra, además de contener algunos alucines en las letras y los riffs. De la misma manera, los distintos temas se plantean desde la misma visión y búsqueda sonora del ídolo.
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