15 feb 2022

Brainchild - Healing Of The Lunatic Owl (1970)

Interesante pieza de rock con tendencias progresivas en sus desarrollos y con la característica de la sección de vientos que acompañan las piezas en sus travesías durante sus muchas partes. En general las composiciones tratan de canciones enriquecidas por atascos internos consistentes en partes y sub parte que se suceden entre arreglos de viento, partes progresivas y solos improvisados, alargando la pista y apareciendo justo en la parte donde aparecería el momento del solo en una pieza de rock más convencional, por lo que las canciones quedan enriquecidas por secciones instrumentales progresivas.

Para los entusiastas del prog rock, o para quienes busque algo de complejidad que saque a las canciones de su lugar convencional, esto puede resultar bastante entretenido e interesante, todas las piezas son básicamente canciones, con partes progresivas, pero canciones al fin y al cabo, ejecutadas con pasajes entretenidos y dinámicos en ritmos de batería y buenas adiciones de guitarra eléctrica, aunque la característica que resalta del sonido son las líneas de viento provenientes de la sección de metales con la que contaba la banda.

El sonido del grupo es de rock, incluso con algunos buenos rifs y buenos atascos, pero el sonido general que logran no es para nada heavy, la guitarra cumple un rol de acompañamiento secundario más allá de sus arreglos y algún solo pasajero. El disco es fino y con un sonido enriquecido por las líneas de viento, tal vez se podría esperar más de una formación tan variada y completa pero el resultado general no decepciona. Son una suerte de Chicago Transit Authority y Blood Sweat And Tears, aunque decididamente mucho más progresivas y acomplejas que las nombradas anteriormente.

El trabajo contiene sus pasajes progresivos pero su insistente decaimiento hacia la cancion hace del estilo algo cercano a lo que se conoce como ‘’art rock’’, o sea un rock enriquecido y con miras no necesariamente progresivas pero si engrosadas con factores como partes instrumentales, arreglos delicados, o una oscuridad en general, etc. Aquí hay sabores de rock, blues, jazz, música progresiva, brass rock, funcionando al servicio de un disco bastante oscuro y desconocido.

Las composiciones del álbum no deslumbran en demasía pero se trata de una pieza desconocida que vale la pena descubrir, algunas fusiones y algunos experimentos progresivos pueden llegar a llamar la atención, especialmente los ‘’ Autobiography’’ y ‘’Healing Of The Lunatic Owl’’ que son piezas con las que el álbum se abre y tiene buenos pasajes instrumentales. El resto son inventos de la banda que oscilan entre la canción y que cuentan con partes también progresivas, donde se destaca la acústica ‘’Sadness Of A Moment’’, o ‘’To ´´B´´ ’’ que cierra el disco y también contiene un buen sonido progresivo.

Brainchild fue una oscura y desconocida banda británica que grabó un solo disco antes de desaparecer de la escena. El septeto grabó su único álbum ‘’Healing Of The Lunatic Owl’’ en el oeste de Londres, en 1970, bajo el sello ‘’A&M’’ y producido por Lennie Wright, baterista de Web y Samurai. En general el disco tiene un sabor progresivo marcado y una tendencia o sabor de jazz rock por la adición de la sección de viento que enriquecen las piezas. El nivel de complejidad es relativo, no se trata de un progresivo cerrado o difícil de escuchar como otro proyectos más complejos, esta es más bien un prog ligado a la canción, una interesante pieza para descubrir.

Cod: #1641

9 feb 2022

Nelson Ayres - Nelson Ayres (MPBC) (1978)

Este disco pertenece a una serie de discos llamada ‘’Música Popular Brasileña Contemporánea’’. Esta colección de discos fue lanzado por Phonogram/Polygram entre 1978 y 1981, una serie de discos llamada ‘’’MPBC’’, que significa ‘’Música Popular Brasileña Contemporánea’’, aunque esta colección poco tuvo que ver con lo que se conoce popularmente como música popular brasilera en relación al pop y estilos más fáciles de escuchar, para presentar en cambio una música contemporánea adentrada en vanguardismos y experimentos de todo tipo y no solo de un género en particular. Así aparecen discos de jazz y fusión, combinados con estilos brasileños como Samba, Bossa Nova y Forró, entre otros experimentos. La meta de esta colección, que estuvo compuesta originalmente de once vinilos, fue mostrar al público nuevos músicos, compositores y arreglistas de la época, y por ende sus fusiones y experimentos en la música popular vanguardista.

Entre la colección aparece este homónimo ‘’Nelson Ayres’’ de 1978, lanzado por el mismo Nelson Ayres, siendo su primer disco en solitario luego de más de diez años de carrera profesional. Es un trabajo de música que fusiona jazz y nociones de jazz fusión en un eximio y virtuosismo sin nombre, armado con un considerable sabor local brasilero y ornamentado con fusiones que elevan aún más piezas que ya desde un principio son exquisitas, tratándose de un sonido de muy alto nivel. 

El disco es una travesía por lo más fino de la música fusión contemporánea brasilera, liderado por el piano pero acompañado por muchos músicos apareciendo líneas de viento, percusiones y otros agregados originarios de la música tradicional brasilera, que es de la que se toma mucho para construir las pistas o por lo menos el estirpe de las mismas, con sabores a samba, bossa, ritmos movidos y agiles, por sobre los que circulan todos los sofisticados arreglos que se aplican.

Hay momentos de música fusión, donde incluso aparece, en el primer track, ‘’Mientras’’, elementos de jazz fusión combinados con música brasilera e incluso aparecen elementos de flamenco, una fusión única en su tipo por el encuentro de sabores y culturas, un sonido muy atinado. Mucho de la primer parte del disco fusiona dentro de ese espectro de música fusionada agil y virtuosa, en ‘’Fanfarra e Farra’’ se puede escuchar una fanfarria que abre la pieza y ornamenta la misma a lo largo de su transcurso. 

El disco es instrumental casi en su totalidad, con piezas siempre agiles y muy complejas que retoman mucho de la música fusión pero también vuelven a las raíces brasileras, por lo que las piezas son de un estilo local y propio, con sabores propios. Todas las piezas son composiciones instrumentales a excepción de ‘’Projeto de Jingle’’, pieza que al parecer es eso mismo, un intento de canción en medio de un disco de jazz, pero ornamentada con delicadeza y virtuosismo, y con una voz que canta en las estrofas y estribillos de la canción, un detalle muy acertado, en forma de canción más convencional, en medio de un disco sofisticado que poco tiene que ver con la canción.

Nelson Luís Ayres de Almeida Freitas, mejor conocido como Nelson Ayres, es un músico brasilero nacido en 1947. Inició su carrera profesional en 1961 y en 1963 grabó por primera vez. Como productor, compositor y arreglista, trabajó en varios grupos de música instrumental brasileños y en proyectos de álbumes y bandas sonoras. Tocó con Airto Moreira, Marluy Miranda, Mônica Salmaso, Dizzy Gillespie, Milton Nascimento, Chico Buarque, Simone, Dori y Nana Caymmi, entre otros, y es miembro fundador del Grupo Pau Brasil. 

Cod: #1640

6 feb 2022

Ben - Ben (1971)

Como todas las bandas que rondan el estilo Canterbury, está tampoco sería la excepción en la búsqueda tan característica de progresiones que parten desde armonías y aplicaciones venidas del jazz, ese sonido tan característico de progresiones, muchas veces muy complejas, se suaviza ante la andanada armónica jazzera que se desata por la influencia del jazz de la época, las vanguardias del género, levemente el free jazz, y más contundentemente la aparición del fusión que también en la época estaba en ebullición con bandas como Mahavishnu Orquestra, Nucleus, etc.

El homónimo ‘’Ben’’ de 1971 es un eximio ejemplo de sofisticación explayado en un trabajo que se divide en cuatro extensas piezas, dos a cada lado del vinilo original, ocupando alrededor de los siete y once minutos cada una, es en ese campo donde se explayan las sofisticadas piezas presentadas, con un sonido armónico esmerado, la búsqueda de una sofisticación que los lleva a plasmar estructuras muy complejas y la dosis distintiva del jazz que brota entre aplicaciones de viento de saxo y el tan característico rol principal que cumple el órgano.

Las cuatro suites son realmente complejas en su extensión, sumado a eso cuentan con una buena dinámica y funcionan con frescura y rapidez, por lo que es fácil perderse en las mismas, un desafío que presenta la música tan compleja y que puede hacer a muchos alejarse de la misma, pero es esa complejidad un resultado de un trabajo artístico y la oportunidad de sumergirse en el mundo onírico instrumental de la banda que en su ingenio presentó su propia versión del Canterbury y lo que lo representó en gran forma.

El sonido toma del estilo progresivo su búsqueda de presentar estructuras cambiantes y de avanzada en un continuo de acción, aunque no todo es progresivo puramente, la aparición del jazz hace de esto también una forma de hacer jazz dentro de progresiones, por lo que muchos momentos tratan de sesiones improvisadas extendidas a lo largo del tiempo.

Pese a que las bandas de la escena partieron muchas veces también influidas por la psicodélia, es Ben la que se aleja de lo puramente psicodélico como sería Soft Machine en sus dos primeros albums, aunque sí toma mucho de Soft Machine, pero en un sentido más melódico y dinámico, y con la inclusión de la guitarra eléctrica que muchas veces cumple el rol de enriquecer con sus aplicaciones en la composiciones y con sus armonías y solos también.

El disco es un material raro pero no menos entretenido, su dinámica hace de la escucha una experiencia fluida, entretenida, hace la delicia con sus aplicaciones de fusión, y sus ritmos muchas veces rápidos. En complejidad la banda es un hibrido entre Soft Machine y Henry Cow, con suites dinámicas y altamente sofisticadas.

El disco es una rareza del sello Vertigo inconseguible hoy en día, el único lanzamiento del grupo británico Ben que en su corta carrera alcanzaron a demostrar que contaban con un nivel tenico y creativo de temer. La banda estaba compuesta por el tecladista y pianista Alex Macleery, el guitarrista Gerry Reid, el bajista Len Surtees, saxofonista y flautista Peter Davey, y el baterista David Sheen.

Cod: #1639

4 feb 2022

Solar Plexus - Solar Plexus (1972)

Este no es el ‘’Solar Plexus’’ de Nucleus, este es el ‘’Solar Plexus’’ de la banda sueca homónima Solar Plexus, un grupo formado por la pareja Carl-Axel y Monica Dominique, que unieron fuerzas en 1969 con Georg Wadenius y Tommy Borgudd de Made In Sweden. Al principio se hacían llamar Bäska Droppar pero en 1971, justo antes de que saliera su primer LP, cambiaron su nombre a Solar Plexus. La razón fue que aumentó la demanda en el extranjero y planearon hacer una versión en inglés del LP para ser lanzado en Inglaterra.

En 1970-72, el grupo estaba formado por Monica Dominique en órgano y voz, Carl-Axel Dominique en piano y viento, Georg "Jojje" Wadenius en guitarra, bajo y voz y Tommy "Slim" Borgudd en batería. Cuando a Wadenius le ofrecieron tocar con el grupo estadounidense Blood Sweat & Tears, fue reemplazado por Tommy Körberg en la voz, guitarra y percusión y Bosse Häggström en el bajo.

El debut del grupo, el homónimo ‘’Solar Plexus’’,  es una interesante travesía por un mundo de la música de jazz fusión con una propuesta muy variada y varios elementos y condimentos que hacen también que no se trate de fusión estricto, con algunas composiciones sofisticadas dentro del género pero también con algunas canciones de corte más convencional, lo que hace al repertorio del disco amplificarse en distintos momentos de distinta manufactura. 

Para los amantes del fusión hay momentos dedicados con sonidos personalizados de acuerdo al estilo de la banda, piezas melancólicas con buenas aplicaciones improvisadas y las bases percusivas provenientes de la tendencia funky de la banda, un encuentro de elementos que enriqueces las piezas y les dotan de un estilo muy propio.

Por otro lado las composiciones, aunque ronda siempre por el estilo fusión, son en general variadas y no se repiten las unas entre las otras, con muchos momentos instrumentales dotados de dinamismo por la aparición del estilo funky, y creadas con buena inventiva por lo que la manufactura de las estructuras es variadas y notablemente compleja. Esa sensación de diverso en el repertorio se incremente ante el hecho de que el trabajo original consistía en un vinilo doble, por lo que hay mucho material por escuchar en el disco. 

Se trata de un fusión fino, estilizado, de gran nivel, compuesto cuidadosamente y por ejecutantes que sabían muy bien lo que hacían. Con acercamiento también al mundo de lo progresivo debido a la puesta muchas veces compleja de las composiciones, que se salen de lo convencional, incluso de lo convencional que puede llegar a ser el jazz fusión más estándar, para volcarse en invenciones propias del grupo.

Aunque tal vez el momento más destacado del disco sea la mismísima pieza ‘’Concerto Grosso for Pop Group and Symphony Orchestra’’, consistiendo exactamente en eso mismo, un jodido concierto, este disco tiene en su interior un concierto para banda de pop y orquesta sinfónica, una experiencia única en su tipo y que, aunque ya otras bandas habían experimentado con sonidos similares, pocas bandas cuentan con una sinfónica en el interior de alguno de sus disco. es una pieza muy sofisticada, con una composición realmente sinfónica, con participación de una orquesta y de la banda que no es necesariamente de ‘’pop’’ como marca el nombre de la pieza sino de jazz rock, fusionándose ambos mundos en una experiencia única en su tipo donde se encuentran el mundo clásico con el mundo del jazz y el funk. Un track que eleva a niveles de exquisitez a un disco que ya de antemano, sin dicha pieza, era de gran nivel. Ese acercamiento a la música clásica es debido a que Monica y Carl-Axel, fundadores del grupo, tenían una formación como compositores y organizadores de música clásica.

Solar Plexus se encuentra entre los mejores grupos de su época en su Suecia natal, elaboran su música con alegría creativa y frescura, fusionando estilo sin resquemor y en un nivel muy alto. Todos sus discos son trabajos de gran nivel, aunque se dice que su primer lanzamiento es el mejor, y es lamentable que no haya reediciones de los mismos. Los éxitos crecieron y el grupo continuó hasta 1976 y para entonces había lanzado 4 LP completos.

Solar Plexus se movió entre los festivales de melodía y prog de los 70, no como en casa en ningún campo, pero musicalmente como en casa en todas partes, llegando a lanzar varios discos. Solar Plexus trabajó en plena vida musical de los años 70, al más alto nivel musical y se movió libremente entre la poesía y la política, los hits y la sinfonía, la música folclórica y el jazz fusión.

Cod: #1638

2 feb 2022

Charisma - Beasts And Fiends (1970)

Un disco entretenido que funciona en un terreno en el que circulan toques de jazz fusión, R&B, prog y rock en sí mismo, con elementos también de psicodelia tal vez, para un disco que ofrece una buena gama de composiciones distintas entre sí y siendo en su totalidad canciones, pero enriquecidas ente distintas invenciones, composiciones, introducciones, atascos, solos, interludios, finales, etc.

Las canciones tienen una buena dosis de asertividad, son en su mayoría pegadizas, suenan entretenidas, contundentes, muchas son básicas en estructura pero eso no les impide contar con buena forma e ingeniosos arreglos en general. Incluso la banda parece estar bien formada en tanto a grooves dentro de lo bluesy, jazz, funk, ya que el disco suena enriquecido con buenos grooves, buenos atascos con estilo y swing.

En varios momentos hay un acercamiento a lo prog, lo que podría dejar la sensación de que la música pueda conducirse en ese momento hacia lugares más complejos, lo cual no termina ocurriendo, como en el caso del tema ‘’Leopold’s Ghost’’, que comienza con una entusiasta intro progresiva instrumental para luego concluir en una canción de corte más convencional, aunque terminando esta con un final también instrumental, siendo el momento más esmeradamente ‘’prog’’ del disco; pese a eso hay momentos de todo tipo y lugar, piezas instrumentales, canciones, atascos, buenos solos, buena dinámica en las ejecuciones.

Pareciera haber un concepto, el de las Bestias y Demonios (‘’Beasts and Fiends’’) que tanto aparecen en el nombre del grupo como en la portada misma del disco, elemento que se refleja también en el disco en forma de voces y quejidos que aparecen en algunas pistas, como de pequeños animalillos cantando o festejando al ritmo de la música.

‘’Beasts And Fiends’’ es el álbum más destacado de la banda estadounidense Charisma, la cual lanzaría dos álbum en su totalidad, el primero de ellos el homónimo ‘’Charisma’’ de 1969 y el segundo el ya nombrado aparecido en el convulso años de 1970.

Para su segundo disco la banda demuestra una notable evolución respecto a su primer trabajo, en el cual habían comenzado con un sonido relacionado más al soul, de corte más convencional y comercial, aunque manteniendo el entusiasmo y la buena instrumentación desde el principio. Ya para su segundo trabajo la banda evoluciona hacia sonidos mucho más enriquecidos y conceptuales, proto progresivo, lo que representó un salto cuantitativo de la producción artística del grupo.

‘’Beasts and Fiends’’ se grabó en Record Plant en Nueva York durante el verano de 1970. El ingeniero principal era el mejor ingeniero en el negocio: Jack Hunt (trabajó en el álbum ‘’Woodstock’’, y ‘’Electric Ladyland’’), asistido por Dave Ragno (trabajó en el álbum ‘’Woodstock’’) y Tom Fly (trabajó en el álbum ‘’Woodstock’’, ex baterista de Lother and the Hand People). Si bien se le dio crédito a Bruce McGaw y Ed Vallone por la producción, el hecho es que el álbum fue producido por Charisma con la interferencia de Jack Hunt.

Es un álbum semi comercial que tal vez trató de llamar la atención sonando con los estilos de la época, prácticamente es una mezcla de mucho de lo que sonaba en su época, finalmente lo bueno del trabajo es que es entusiasta, a veces algo monótono, pero en general presenta varios momentos proto prog y buena dosis de buenos grooves que vuelven a la música una experiencia muy entretenida para tener en cuenta.

Cod: #1637
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