Aquí la tardía octava y última entrega de discos conceptuales basados en la misa católica, en este caso tenemos una banda de rock alemana que creó su obra en torno a la misa, con estilos de rock progresivo y una búsqueda exploratoria en general que los sacó de los estándares del género. Una obra intensa y por momentos psicodélica que bien vale la pena inspeccionar, ‘’Latin Mass’’ de la banda Os Mundi:
No los discos de rock por surgir en Alemania necesariamente son del tan mal mencionado y manoseado ‘’krautrock’’, y este es uno de esos casos denominado popularmente como krautrock cuando en realidad nada tiene que ver con esa fusión tan representativa del género que combina muchas veces el rock con el vanguardismo electrónico. En ‘’Latin Mass’’ tenemos una obra cuya raíz conceptual se centra en la reinterpretación de la misa católica en formato rock, respetando en gran medida la estructura tradicional de este género religioso, con las formas de Kyrie, Gloria, Credo parte I y II, Sanctus y Agnus Dei, a excepción del Benedictus que no aparece en el disco y apareciendo a cambio una obertura instrumental al comienzo del trabajo.
Es un disco propio de su época, de un 1970 álgido en fusiones con progresiones, psicodelia y temáticas conceptuales. Por esos años surgieron muchas obras conceptuales que giraban en torno a una idea, libro, formato, género, poesía, etc., era una, valga la redundancia, era muy creativa y la gente de OS Mundi le hizo honores a sus coterráneos, sus contemporáneos y a su época, con un disco que representa una exploración musicalmente conceptual, donde en la letra y en el espíritu religioso también se ve reflejado en concepto presentado, formando parte tal vez se ese vago estilo denominado como prog rock, género sobre el que cada quien imprime sus propias teorías conceptuales y subgéneros.
La búsqueda del disco tiene su motivo exploratorio y hace de las composiciones un andar por distintos lugares, entre pasajes rockeros con riffs y guitarras pesadas, rock pesado, hasta momentos de alguna progresión y momentos incertidumbre instrumental que se acerca a la psicodelia. El trabajo está presentado de forma estructuralmente conceptual, por lo que se hace difícil seguir las distintas estructuras, más bien es un experimento bastardo de rock, una psicodelia oscura, algo perversa, con cierto fervor por las letras misteriosas en latín y unos órganos que no dejan lo motivos oscuros atrás, las guitarras eléctricas pesadas terminan de cerrar la idea y motivos conceptuales oscuros y rituales.
Los orígenes del grupo tienen lugar en Alemania, entre distintas bandas de rock y beat que terminaron cohesionándose entre sí en una formación que rondaba entre la formación de cuarteto y formación de doce personas. Su primer disco es su mayor acierto discográfico, una reinterpretación rockera de la misa latina, ‘’Latin Mass’’, cantado con letras en latín, influenciado por la psicodelia y reverdecido por buenos fragmentos instrumentales.
El álbum salió en 1970 bajo el sello ‘’Metronome’’, y presentó una obra de arte de portada a la luz de las velas, una imagen oscura que refleja el contenido musical que lleva en su interior. El grupo de grabación estaba integrado por Udo Arndt en guitarra, teclados y voz, Christoph Busse en batería y voz, Dietrich Markgraf en saxofón y flauta, y Andreas Villain en bajo, además de aparecer acreditas en el disco David V. Kalkreuth en órgano y Hartmut Seidel en bajo. Hay buenos pasajes, momentos inciertos mucha instrumentación, algo de delirio, riffs pesados. Un intento de misa rock a la alemana pero con influencia de rock contracultural hippie, aunque en versión oscuro.
He aquí otra entrega de la selección de discos relacionados a la Misa Católica y qué mejor manera que continuar con este pequeño especial que con la gran ‘’Misa Criolla’’ del compositor argentino Ariel Ramírez, una obra fundamental para el folklore argentino que trascendió el país para volverse universal en el mundo, siendo traducida y reinterpretada por sin fin de artistas a lo largo de muchos países en el mundo. Es la séptima entrega de la selección de álbumes conceptualizados como misas católicas:
La génesis de la obra tuvo origen en una idea que Ariel Ramírez tuvo volviendo de Inglaterra a la Argentina, una idea que según él no fue originalmente la de una misa sino la de hacer una música religiosa que, según sus palabras, ‘’honrara la vida, que involucrara a las personas más allá de sus creencias, de su raza, de su color u origen’’. En realidad Ramírez había pasado algunos años en Europa, tras haber ido a estudiar música, estudió tradiciones folclóricas en la Academia de Viena y en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Luego de algunos años terminó en Holanda, donde fue recomendado a vivir en un convento en Würzburg, una pequeña localidad a unos 100 kilómetros de Franckfurt.
Allí convivió un tiempo con las hermanas Elizabeth y Regina Brückner, y fueron ellas quienes le contaron la terrible historia que había albergado el convento hacía tan solo cinco años antes de su estadía. Eso que se veía como un lugar encantador y mágico, hasta hacia poco tiempo antes había habido no más que escombros, y lo que era el convento había sido parte de un campo de concentración nazi. En palabras del autor: "Estas monjitas me contaron que ellas sintieron piedad por los hombres que estaban detenidos. Se apiadaron, y todas las sobras de comida del convento, una noche las metieron en unas bolsas, y poniendo en riesgo su vida -porque era la horca o ayudar a un judío- escarbaron al lado de la alambrada y la pusieron allí. Fue la primera noche, y al día siguiente el paquete no estaba; al siguiente lo volvieron a hacer, y así siguieron durante un año y medio. Ayudando, no sabían ellas a quién. Pero esa pobre gente que estaba esperando la muerte en cualquier momento, las miraban, y esos ojos eran de agradecimiento".
Palabra de Ariel Ramírez: "Un día de 1954, tal vez del mes de mayo, estando en Liverpool, no puede resistir la tentación de subir a un barco, el Highland Chefstein, que iba a Buenos Aires donde me esperaban mi hija Laura, de cinco años y mis viejos, que superaban los setenta. Me había convencido que en dos meses regresaría al lugar donde ya había decidido afincarme para siempre. Pero el destino me reservaba otro rumbo. En aquel barco que atravesaba el Atlántico hacia el sur, empecé a rememorar el relato de las hermanitas Brückner y a pensar en toda la solidaridad humana, todo el amor que había recibido, de parte de gente extranjera con la que apenas podíamos comunicarnos por el desconocimiento mutuo de nuestras lenguas. Me conmovía pensar en que todo lo que recibí fue exclusivamente por amor a mi música y a mi persona, hasta que comprendí que sólo podía agradecerles escribiendo en su homenaje una obra religiosa."
Ariel Ramírez se propuso componer la misa cantada sobre formas musicales puramente folklóricas con estilos argentinos, recibiendo el apoyo y el asesoramiento del sacerdote Osvaldo Catena, asesor de la liturgia para América Latina, del sacerdote Jesús Gabriel Segade, director de la cantoría de la Basílica del Socorro, y del sacerdote Alejandro Mayol, uno de los más entusiastas promotores de la idea, tres sacerdotes quienes también se encargaron de traducir y adaptar los textos litúrgicos a las formas de la canción de la Misa Criolla.
La obra fue gestada desde hacía varios años y terminó de ser compuesta y grabada en 1964, y lanzada como álbum la navidad de ese mismo año. La grabación se realizó en los estudios de grabación Odeón para el sello Philips, durante los meses de octubre y noviembre de 1964, con arreglos corales del Padre Segade, presencia coral solista del grupo folklórico Los Fronterizos (Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella y Juan Carlos Moreno) y presencia coral del coro de la Cantoría De La Basílica Del Socorro, además de Jaime Torres en charango, Chango Farías Gómez en percusión, Raúl Barboza en acordeón, Luis Amaya, Juancito El Peregrino y José Medina en guitarra, Domingo Cura en bombo y timbales, Alfredo Remus en contrabajo, además del propio Ariel Ramírez en clavecín y dirección general.
El trabajo de la Misa Criolla está dividido en dos partes. La primera de ellas representa la ‘’Misa Criolla’’, con forma de misa católica tradicional, conformada por las cinco partes tradicionales del culto católico adaptadas a la música folklórica tradicional argentina: el Kyrie adoptó una forma de vidala/baguala; el Gloria de carnavalito; el Credo, de chacarera trunca, el Sanctus, de carnaval cochabambino, y el Agnus Dei, un estilo pampeano. Ya para la segunda parte del disco aparecen seis composiciones más que forman la parte del trabajo denominado como ‘’Navidad Nuestra’’, composición original de Ariel Ramírez y con letra de Félix Luna, parte segunda integrada por: La Anunciación con ritmo de chamamé, La Peregrinacion con ritmo de huella pampeana, El Nacimiento con forma de vidala catamarqueña, Los Pastores con ritmo de chaya riojana, Lo Reyes con ritmo de taquirari (ritmo boliviano), y La Huida como vidala tucumana.
Esta obra tiene una profundidad llamativa a la primera escucha, tomando de una variedad de tonos y estilos musicales argentinos su diversidad compositiva, conformándose como una obra fundamental para la música popular argentina, y configurándose en un sonido que conmueve, que toma de la liturgia momentos del profundo sentir religioso y los vuelca a la perfección; la instrumentación y coro no se quedan atrás, el coro es totalmente conmovedor, angelical, y los arreglos instrumentales justos, concisos y directos.
Estas son unas palabras que vienen en la reedición y remasterización del cd original de 1994: ‘’Navidad Nuestra ofrece, en una selección que armoniza todas las tonadas de esta tierra, el misterio de la encarnación al modo nuestro. Al modo tierno y sencillo en que lo suelen cantar, bajo cielos diferentes, aquellos que creen en el mensaje de un dios que bajó al mundo para traer paz a los hombres de buena voluntad. Tal, la Misa Criolla y la Navidad Nuestra. Este disco hay reunido la vocación creadora y la emoción interpretativa de muchos hombres y mujeres que han dado testimonio de la perenne vigencia con que se vivifica un misterio de amor, al que se puede cantar con voces propias, vernáculas, porque su dimensión no admite fronteras. Un misterio de amor que puede expresarse también, con dignidad y hermosura en palabras y melodías que trasmiten el caliente sabor de nuestra tierra americana.’’
La Misa Criolla es una obra que tiene esa capacidad extraña de traspasar los límites de las tendencias, opiniones o creencias personales, ya que ante la belleza y el fulgor de la obra, el sentir místico, la fuerza de las composiciones y la intensidad de la interpretación de la grabación original, uno puede darse el permiso de dejar las opiniones religiosas de lado y poder disfrutar así de la música que realmente merece ser escuchada, y así sentir un poco de eso que tanto se le destaca a la obra. En realidad con esta obra supuestamente se pretendió, más allá del sentir religioso, buscar u ofrecer una suerte de llamado de paz ante la violencia masificada, en realidad la no violencia o la paz son cosas que deben buscarse profundamente y no pueden ser generadas por un disco o una música, sea cual fuere, pero en lo estrictamente musical y artístico, esta obra es capaz de conmover a quien sea.
He aquí una alternativa interesante para lo que es la misa musical, en este caso una misa no católica pero misa al fin, con arreglos corales y banda de jazz en vivo que celebra una misa, una obra gigantesca, ambiciosa y muy bien lograda. Quinta entrega de la serie de discos conceptualizado en misa, en este caso aparece ‘’New Hope Jazz Mass’’ compuesta por Heikki Sarmanto:
Esta es una misa jazz, creada en Finlandia, sugerida por un pastor, compuesta por el músico de jazz finlandés Heikki Sarmanto, estimulada por los ''conciertos sagrados'' de Duke Ellington, influenciada por el sentimiento religioso de ‘’A Love Supreme’’ de John Coltrane, e inspirada por una melodía popular finlandesa del siglo XVI, por lo que se tiene en una sola obra aspectos de catolicismo, sentimiento religioso, misa, arreglos corales, jazz espiritual, y melodías tradicionales finlandesas, elementos que aunados ayudan a configurar una de las misas jazz definitivas de todos los tiempos.
La obra está dedicada también a Duke Ellington y John Coltrane, especialmente reflejado este aspecto en la primerísima pista del disco, llamada ‘’Duke And Trane’’, una pieza que reúne arreglos corales con algunos atascos de improvisaciones de viento que amulan a los ejecutantes homenajeados.
Las música es ejecutada en vivo en una iglesia, con el coro Long Island Symphonic Choral Association traido de los Estados Unidos sumado al cuarteto vocal Gregg Smith Vocal Quartet, con la banda de jazz Heikki Sarmanto Ensemble, y otros participantes en coro y dirección, entre los que aparecian Maija Japuoja, una cantante finlandesa. La obra en general es muy compleja, funcionando entre composiciones progresivas jazzeras, con textos inspirados de textos sagrados religiosos, siendo toda la misa ejecutada desde lo musical y sin predicas habladas.
Un periódico de la época anunciaba lo siguiente sobre el estreno de la obra: “El pastor Ralph Edward Peterson de St. Peter tuvo la idea de la misa hace varios años, cuando se estaban haciendo los planes para la nueva iglesia”, dijo Sarmanto, de 29 años, en Nueva York el otro día. “Acababa de enviar un arquitecto a Finlandia para ver iglesias modernas allí. Estaba aquí estudiando piano con Margareth Chaloff en Boston y tocando con Charlie Mariano, el saxofonista, con quien había tocado en Europa, y Eero Koivistoinen, un saxofonista finlandés que había venido conmigo. Uno de nuestros conciertos fue el jazz vespers en St. Peter's.
La semilla de la dedicación de la misa se plantó cuando hablé con Duke Ellington después de escuchar uno de sus 'conciertos sagrados' en Boston”, dijo el Sr. Sarmanto. “Más tarde, cuando el pastor Peterson sugirió una misa, se encendió una lámpara en mi cabeza. Por supuesto, sería para Duke, que era un hombre muy religioso. Luego, cuando comencé a escribir la misa, basé el tema de apertura en una melodía popular finlandesa del siglo XVI. Tocándolo, de repente escuché como un eco de 'A Love Supreme' de John Coltrane. Podía imaginarme a Coltrane tocándola con un saxofón soprano. Entonces, como 'A Love Supreme' era una expresión de los sentimientos religiosos de Coltrane, lo agregué a la dedicatoria. ’’
Se trata de jazz modal que con el acercamiento a lo religioso y la influencia de Coltrane se podría decir que se trata de jazz espiritual, aunque se diferencia en ese aspecto del jazz espiritual tradiciones que suele ser de vanguardia y estar influenciado por culturas y religiones milenarias entre otras fusiones particulares. En el caso de esta misa la concepción espiritual no viene de la meditación o la fusión con tramas exóticas sino del concepto del ritual de la misa celebrado en vivo, y que sí ciertamente cuenta con un sentir religioso y espiritual muy fuerte, por lo menos desde lo que la ejecución respecta, siendo la grabación en vivo muy intensa, sentida, especialmente por el coro que es el que le agrega ese sentir de góspel, de devoción mística, la banda de jazz le agrega su influencia espiritual también.
Más de los periódicos de la época con iformacion referida al estreno de la obra: ‘’La misa fue encargada para celebrar la inauguración del nuevo recinto de la Iglesia de San Pedro, que desde hace más de una década ha dado al jazz un lugar destacado en sus actividades. Las vísperas de jazz se tocan todos los domingos por la tarde en la iglesia, y el reverendo John Gensel, pastor asociado, tiene un compromiso de tiempo completo con la comunidad de jazz. La misa se realizó por primera vez anoche en la iglesia, y se volverá a ofrecer en septiembre en el Festival de Helsinki en la Iglesia en la Roca, una nueva iglesia que ha sido tallada en piedra. Fue el liderazgo innovador de Finlandia en la arquitectura de iglesias lo que proporcionó un enlace para encargar una misa para San Pedro por parte de un finlandés.’’
El evento fue grabado de un concierto en vivo en la iglesia de Temppeliaukio, Helsinki, el 7 de septiembre de 1978, y mezclado directamente de la cinta por el ingeniero de grabación profesional Juoko Ahera, fue grabada en una sola toma en la primera ejecución publica de la obra en la Finlandia natal. Esta primera grabación fue luego publicada e impresa en grandes cantidades por Finlandia Records en 1979 como un vinilo doble. Aunque recientemente Heikki Sarmanto encontró las cintas originales del segundo día de presentación dela obra en vivo, grabadas el 8 de septiembre de 1979. Las grabaciones del segundo día fueron publicadas por el sello noruego Jazzaggression Records.
Quinta entrega de seleccion de misas conceptuales. En la búsqueda de misas católicas conceptuales, o por lo menos misas en sí mismas, aparece esta obra por demás oscura, que representa una de las obras más destacadas de Mort Garson en este caso funcionando bajo el pseudónimo de Lucifer. ‘’Black Mass’’ representa su salida momentánea de lo áureo para introduciré de lleno en lo satánico. Esta ‘’Misa Negra’’ aunque no sea una Misa Católica entra en este pequeño ciclo de discos conceptualizados en las misas:
‘’Black Mass’’ es un álbum de 1971 del pionero de la música electrónica nacido en Canadá, Mort Garson, con una música que parece ser una mezcla entre ‘’Lucifer Rising’’, la banda de sonido de ‘’La Naranja Mecánica’’ y el vanguardismo electrónico de la época, vanguardismo en el que Garson era un pionero, aunque ‘’Black Mass’’ en principio no presenta tanta fatalidad y perversión. De todas formas es un trabajo muy oscuro, siendo de culto como casi todo lo que produjo Garson, y funcionando entre la electrónica de punta con la que se crea ambientes penumbrosos para configurar así un concepto en el que parece que el autor rinde culto a algo perverso en una suerte de misa negra.
Lanzado originalmente en 1971, es su único lanzamiento bajo el apodo de ‘’Lucifer’’, con tracks que son interpretaciónes puramente en sintetizador, recreando fenómenos ocultos y esotéricos que van desde: la misa negra satánica hasta el exorcismo, la brujería, voodoo, comunicación con los muertos, etc., obra que ha inspirado han inspirado a artistas desde ‘’Coil’’ hasta ‘’Oneohtrix Point Never’’.
La obra utiliza una buena cantidad de recursos propios de la síntesis modular, como abstracciones electronicas, ráfagas de ruido blanco, escalas de gorjeo, sintetizadores de filtración y campanas sintéticas, entre otros efectos como atmosferas y otras aplicaciones, tecnología en la que Garson demuestra ser un pionero y todo un experto. Ya para la época este músico era todo un conocedor de un instrumento electrónico que para entonces era totalmente nuevo y recién se estaba comenzando a utilizar.
‘’Black Mass’’ es una obra puramente instrumental salvo por algunas voces sintetizadas que surgen en algún momento, apareciendo partes atmosféricas, momentos de composición más académica aunque siempre sintetizadas, partes entre efectos, abstracciones, funcionando todo bajo la manera de recrear un concepto oscuro, en el que cada track se diferencia al otro y representa un paso más en la misa que pretende estar realizando.
Garson era un ingeniero en electrónica, compositor de música electrónica, director de orquesta, conocido principalmente por sus trabajos experimentales electrónicos lanzados durante los 60s y 70s, y fue uno de los primeros en ejecutar y experimentar con el sintetizador Moog. Sus trabajos son a menudo los primeros discos en incluir al sintetizador, como su primer lanzamiento, ‘’Cosmic Sounds’’ publicado bajo el pseudónimo de The Zodiac en 1967, año en el que por aquel entonces el sintetizador era algo que recién se restaba comenzado a ver, muy probablemente Garson sea uno de los primeros en utilizar este instrumento en una grabación discográfica.
Después del lanzamiento original de ‘’Black Mass’’ en 1971 por Uni Records (propiedad de MCA), estuvo agotado durante al menos 35 años. En 2018, el álbum fue reeditado en CD por Rubellan Remasters a través de ‘’UMG’’. Edición remasterizada digitalmente que conserva las líneas originales del álbum de época.
Más allá de que para el público progresista anti-iglesia este tipo de discos puedan parecer llamativos o graciosos, o de que para el público anti-hippie esta temática pueda parecer revolucionaria para la epoca, de todas formas con estas cosas no hay que confiarse, no hay que perder tiempo en el culto de lo perverso porque no sabemos que estamos atrayendo y generando. Desde el lado puramente musical, este es un trabajo de punta típico de las vanguardias de este creador, por lo que no es de sorprender su astucia a la hora de producir estas obras maestras para la época, y en lo que sí llama la atención es que esta temática negra se sale de lo que fue su discografía de la época, generalmente más aurea, psicodélica y volcada a lo luminoso. ‘’Black Mass’’, una de sus obras maestras.
He aquí la cuarta entrega de la colección de discos conceptualizados como o en torno a la Misa Católica, en este caso va otro disco conceptual, esta vez grabado en un evento en vivo. Se trata de ‘’Rock Mass For Love’’ de 1971 por la banda australiana Bakery. Un trabajo que consiste en una misa fusionada con momentos de rock, una misa rock que encaja perfecto en esta seguidilla de álbumes conceptuales de Misa Católica:
Este trabajo fue grabado en vivo en un evento religioso que se realizó que se celebró en la Catedral de St. George, Perth, Australia, y se grabó en vivo el 21 de marzo de 1971 ante la presencia de casi 6.000 personas. El evento cuenta con una banda en vivo ejecutando sus canciones en vivo en la catedral nombrada, a lo que se le suma un predicador, tal vez cura, que da una misa al unísono con el evento, con las típicas recitaciones y respuestas del publico de las misas, y las predicas que profesas ‘’amor’’ y demás ‘’valores’’.
El disco consiste en eso, lecturas y predicas en vivo, mixturadas con algunas canciones de la banda, canciones entre rock, rock pesado, apareciendo eventualmente algún sabor de jazz o funky. Las canciones son consistentes, a veces pesadas, apareciendo algún solo de vez en cuando o algún momento de atascos instrumentales, aunque en general no hay tanta música debido a la aparición de las predicas religiosas que toman parte del disco con diálogos y lecturas.
En cuanto a esas predicas, se trata de algunos diálogos, con todo religioso, que tratan de dar algún mensaje al público, funcionando entre mensajes, predicas y algunos diálogos irónicos y algo cómicos que hacen al público reír y finalmente ofrecer aplausos. En realidad no es un gran trabajo musical, las canciones suenan bien y son entretenidas, variadas en su concepción lo que ofrece la mirada de la versatilidad de la banda, pero en realidad como obra o trabajo o disco no funciona tan perfectamente. Esto es más bien una curiosidad conceptual, un evento que combinó religión con música ejecutada en una catedral. La calidad de la grabación no es buena, la calidad es baja, pero aun así es un documento interesante y tuvo su fenómeno que explica el porqué de esto:
‘’Rock Mass For Love’’ aprovechó el interés actual en lo que se conoció como "God Rock" o "Jesus Rock", en el que los compositores buscaban comunicar el mensaje cristiano a los jóvenes mediante el establecimiento de letras de orientación religiosa en arreglos de música rock o pop. En gran medida, este movimiento fue una reacción directa a la caída calamitosa en la asistencia a la iglesia que había comenzado en los años sesenta, y el aumento masivo simultáneo de la popularidad de la música rock y pop. Este proyecto, inusual para el grupo e incluso para el rock australiano de la época, fue una desviación temática significativa del estilo habitual de rock progresivo / duro de Bakery. Grabado en vivo, fue una de las primeras obras musicales australianas de este tipo, precediendo a la primera producción australiana de Jesus Christ Superstar en casi un año.
Las siguientes son unas palabras que aparecen en la cotraportada del vinilo original de epoca yque sirven para ilustrarse mejor sobre el evento, escritas por John Hazlewood. decano de Perth, W.A.:
‘’Las Misas de Rock en la Catedral de St. George tuvieron sus comienzos en una choza empapada por la lluvia al norte de Perth, como Bakery, y esperaba abrir un Festival Pop.
En el ambiente humeante de café y leña mojada hablamos de un Festival de Música Rock en la Catedral. A partir de ahí, Rock Masses evolucionó atrayendo a miles a la catedral gótica de ladrillo del siglo XIX que se encuentra en medio de la ciudad y es un símbolo de establecimiento conservador.
Beaumont, Appleford y otros han tratado de actualizar la música de la iglesia y liberarla de la crisálida de libros, de himnos y cánticos desgastados que ya no expresan la libertad y la alegría de la adoración para que la gente en general pueda entenderlo completamente.
Ahora en Perth, gracias a la brillantez de Bruce Devenish y sus músicos de jazz, así como al sonido pesado de Bakery, hemos podido componer y celebrar nuestra propia Misa de rock totalmente contemporánea. Esta grabación, realizada bajo enormes dificultades en la noche de 21 de marzo de 1971, en la Catedral, intenta compartir toda la experiencia increíblemente maravillosa.
Se escuchó mucha oposición en la prensa y de personas más conservadoras que no estaban presentes. Muchos se quejaron de que toda la serie eran trucos publicitarios. Parecería que un gran número de personas se sintieron profundamente conmovidas tanto por las ocasiones como por las transmisiones y presentaciones televisivas. La autoridad eclesiástica, el arzobispo de Perth, dio permiso y aliento, y la liturgia fue una adaptación de la serie inglesa Communion Service realizada por mí.
La música busca enfatizar y subrayar el tema de la Misa, en este caso el tema fue de amor. Ha sido interesante y alentador saber que este tipo de cosas también están sucediendo en Pasadena y en St. John the Divine, Nueva York.
Me parece muy importante que la Fe salga de sus adeptos introspectivos, ocultos y cada vez más reducidos para llegar a los jóvenes del mundo que tan a menudo nunca la han escuchado o recibido.''
La álgida creatividad que manejaban los músicos de la época hizo que esa fuera una era repleta de trabajos innovadores. Florecieron las experimentaciones, las vanguardias, además de aparecer un sinfín de obras y trabajos conceptuales. La forma conceptual del género musical de la Misa Católica funcionó y encajó perfectamente en ese marco, lo que significó que varias bandas tomaran esta forma para crear álbumes conceptuales con ella, desde el rock pero también desde otros géneros como el jazz, entre otros. Tercera entrega de la serie de albumes conceptuales elaborados en torno a la misa catolica, aquí va ''El Rock de la Misa Criolla'' de 1974 por la banda argentina Gorrion:
Este es un disco que tiene su rareza dentro del coleccionismo del rock argentino, un disco que en su estado original no se ve mucho pero algunos tienen sus reservas sobre su producción artística, no es muy conocido pero tampoco es muy querido, incluso en su época la revista argentina de rock ‘’Pelo’’ le dedicó una reseña con una crítica muy dura y para nada alentadora respecto a esta producción. En sí este disco es una reinterpretación de ‘’La Misa Criolla’’ de Ariel Ramírez (obra fundamental del folklore argentino, publicada en 1964) en versión rock, con algunas miras progresivas, reversión de estrofas y estribillos adaptados el rock y con agregados sonoros con cierta experimentación que vuelven al disco en ambientes muy interesantes.
Esta reinterpretación fue concebida por algunos músicos del rock argentino de la época, entre los que aparecían: Félix Pando en teclados y piano y Hiacho Lezica en batería (ambos ex-La Joven Guardia), Quique Alvarado en guitarra, charango y bajo (ex-Los Mentales, ex-Fe) y Daniel Cash en guitarra. Además de la grabación participó el músico folklorista Chango Farías Gómez, además de ser el mismo Ariel Ramírez quien supervisaría la grabación. Esta banda fue una formación eventual que se reunió únicamente para la creación de este disco, dejando solo este trabajo en la palestra pública.
La estructura del disco está conceptualizada bajo la forma tradicional de la misa católica, que es un género musical sacro dividido principalmente en seis partes, consistiendo en los siguientes pasajes: I. Kyrie, II. Gloria, III. Credo, IV. Sanctus, V. Benedictus y por ultimo VI. Agnus Dei. El disco está a la vez conceptualizado musicalmente bajo la reinterpretación en rock de las música original de la obra ‘’La Misa Criolla’’, obra folklórica que no solo tomó la forma ya nombrada de la misa católica tradicional sino a la que también se le agregaron composiciones/canciones adicionales, composiciones adicionales que no fueron tomada en cuenta para esta reversión en rock.
La música de rock para esta reversión es intensa, variada en el sentido compositivo en lo que pareciera alcanzar algunas estructuras cambiantes cercano a lo progresivo, las letras son una alabanza a las imágenes sacras de lo católico, además de aparecer los yeites del rock clásico como solos, voces rockeras, arreglos corales y momentos experimentales. A esto sumarle que hay repartido por todo el disco momentos de experimentación sonora, son momentos de tensión en los que aparece un ruido perverso de fondo, sobre el que se escucha una respiración tensa y algunas palabras que en forma de predica católica.
Para lo interesante que es el disco el mismo resulta ser relativamente corto, apenas alcanzando los veintiséis minutos de duración. Con estos discos hay que tener sus reservas en lo que a su consideración respecta, cuando se trata de algo tan demarcadamente religioso pero que su música contiene buena dosis de creatividad, entonces vale la pena acercarse y, más allá de la creencia de uno, poder tolerar su ideología y disfrutas de la propuesta sonora. El disco, además de en Argentina, fue lanzado en Francia bajo el título "Misa Criolla in Rock" con una portada diferente, y en Japón en 1976.
Aquí va la segunda entrega de la seccion de discos conceptualizados en Misa Catolica, generalmente albumes conceptuales y/o experimentales que tomaron el formado musica de la misa para recrear sus miras y explayarse hacia trabajos de innovacion y tal vez fervor. Esta vez trata del album ''Mass In F Minor'' de 1968 por la banda The Electric Prunes:
El trasfondo del extraño giro de los eventos que llevaron al álbum ‘’Mass in F Minor’’ de 1968 de The Electric Prunes necesita una conceptualización y tiene una historia por detrás. El LP anterior de The Prunes, ‘’Underground’’, había sido la representación más precisa de su creciente visión psicodélica experimental, particularmente cuando escribieron la mayor parte del material. Sin embargo, no se vendió demasiado bien ni produjo un sencillo exitoso. El productor que había firmado al grupo con su productora independiente, Dave Hassinger, no estaba tan interesado en la experimentación como sí lo estaba en los discos comerciales. Con el manager de The Electric Prunes, Lenny Poncher y el arreglista David Axelrod, se tramó una nueva estrategia en la que Axelrod escribiría y arreglaría un álbum que combinara música clásica, el tipo de voz gregoriana que se escucha en alguna música religiosa y psicodelia de freack-out. Se cantaría íntegramente en latín, nada menos.
Es dudoso si The Electric Prunes eran la banda adecuada para el experimento. Según memorias de los músicos ellos mismos no se terminaban de encontrar ni encajar en la propuesta sinfónica de Axelrod, según dicen estaban lentos para una propuesta tan intrépida, además del hecho de que solo el bajista de la banda podía leer música, lo que dificultaba aún más la grabación del trabajo. Como consecuencia, los miembros de un grupo canadiense, The Collectors (más tarde pasaron a llamarse Chilliwack), fueron reclutados para ayudar a completar a grabar el álbum, aunque Lowe hizo todas las voces principales, y Tulin y el baterista Quint de The Prunes tocan en cada pista. (El ingeniero Richie Podolor también ayudó con la guitarra).
"Me gusta y respeto a Dave Axelrod", comenta el bajista de la banda, Tulin. "Creo que es un músico brillante y ayudó enormemente a expandir mi conocimiento musical. Sin embargo, él no era nosotros. Éramos una ‘’entidad conocida’’ conectada a un concepto externo, un medio para el fin de otra persona. El problema era que éramos un banda, no un producto artificial inorgánico que pueda manipularse a voluntad". A pesar de las diferencias, el disco es una curiosidad psicodélica ingeniosa, poco habitual, saliéndose de muchos cánones de la época y presentando una obra cuasi sinfónica visionaria que presenta una inusual mezcla de guitarras acid rock abrasadoras y canto gregoriano tenue y armonizado. El efecto cuasi-coral se logró haciendo que el cantante Lowe hiciera doble pista a la mayoría de las voces.
Este trabajo está conceptualizado en la temática de una misa católica, con cantos gregorianos típicos, una atmosfera de misticismo ritual y un sonido general que no consiste en canciones estereotípicas sino que se desenvuelve entre pasajes, diversos arreglos instrumentales y orquestales, donde aparecen arreglos corales, elemento que le da mucho más acercamiento aun a una misa religiosa. No es una obra plana, a menudo aparecen los silencios, que se entremezclan a su vez con diversos pasajes con diversos elementos, algunos cambios de intensidad, donde brotan también los atascos psicodélicos típicos con esas guitarras eléctricas acidas y saturadas. Es una obra intrépida y que se distingue del resto de trabajos de la época.
Para tratarse de una obra que desde el principio se la pensó como una misa-rock conceptual, y para tratarse además de una creación del mismísimo David Axelrod, la obra no presenta un concepto musical tan bien acabado, su masa musical primordial se basa en una combinación de partes corales con cantos gregorianos cantados en latín aunadas a partes con atascos de guitarra eléctrica acida y reverberante; es desde allí, desde ese visión compositiva, donde aparecen algunas salvedades, algunas alteraciones, sub-partes, elementos, intensidades. Otro aspecto llamativo del disco es que es relativamente corto, no alcanza la media hora de duración, es un obra corta y concisa, un corte justo que deja la sensación de querer escuchar más, pese a que sus contextura musical sea algo repetitiva. Aun así, la obra se sale de los estantes conocidos, erigiéndose como una obra conceptual psicodélica, además de ser una obra de corte religioso que combina este elemento con la psicodelia, una misa psicodélica.
La participación de David Axelrod no es un dato menor, este compositor y arreglista estaba surgiendo por esos años y se convertiría en un compositor aclamado, y sería gracias a la participación en la composición de este disco de The Electric Prunes que cobraría algo de notoriedad gracias a la cual obtendría un contrato discográfico como solista; ese mismo año de 1968 publicaría un impresionante debut discográfico, su ‘’Song Of Innocence’’, otro de sus trabajos destacados sería el ‘’ David Axelrod's Rock Interpretation Of Handel's Messiah’’, de 1971.
"Kyrie Eleison" tal vez pueda seleccionarse como el corte destacado del disco, por no contener los típicos arreglos orquestales que están desparramados a lo largo del resto de las pistas; además puede llegar a ser familiar para muchos de los oyentes, por supuesto, a raíz de su inclusión en la banda sonora de la clásica película de la contracultura de 1969 ‘’Easy Rider’’, protagonizada por Dennis Hopper y Peter Fonda. De alguna manera, "Kyrie Eleison" fue rescatada de la oscuridad y utilizada en las escenas justo después de que Fonda y Hopper llegaran a Nueva Orleans para el Mardi Gras, incluido el que visitan un burdel local.
The Electric Prunes se separó en 1968 durante las sesiones de grabación de "Mass in F Minor". El álbum fue completado por Axelrod y el productor Dave Hassinger junto a músicos de sesión y la banda canadiense The Collectors. Un cuarto álbum "Release of an Oath" fue lanzado en 1968, también compuesto y arreglado por David Axelrod, y producido por Dave Hassinger con músicos de sesión proporcionando la música. Esto fue seguido en 1969 por un "Just Good Old Rock and Roll" grabado por un grupo diferente de músicos bajo el nombre de The Improved New Electric Prunes, ya que el nombre era propiedad legal de su productor Dave Hassinger .
He decidido hacer en este blog una pequeña seguidilla de publicaciones de discos relacionados o conceptualizados en lo que es la Misa Católica, una buena oportunidad para seguir sumergiéndose en álbumes conceptuales de la época y su fusion, en este caso, con estilos religiosos católicos. El primer de estos va a ser este álbum, ‘’Ceremony: An Electronic Mass’’ de 1969 por la banda Spooky Tooth sumado a Pierre Henry. En realidad este disco ya había sido publicado en el blog pero para comenzar con este especial de misa católicas está bien republicarlo aquí. Habrá misas rock, alguna misa jazz y algun que otro experimento raro. Por ahora esto es lo que hay:
’’Ceremony An Electronic Mass’’ es un álbum nacido de la ‘’colaboración’’ entre la banda inglesa Spooky Tooth y el compositor francés de música concreta Pierre Henry. Se habla de este disco y muchas veces no se le tiene en gran consideración, por lo accidentado del sonido, por la falta de cohesión entre los mundos del rock y la electrónica, y porque fue la misma banda inglesa la que defenestró el álbum luego de ser lanzado. Grabadas en un día a un costo total de £600, las seis pistas que componen el trabajo, todas escritas por el organista Gary Wright, combinaban música generosamente infundida con órgano Hammond y letras prestadas libremente de la liturgia católica. La música fue interpretada por Wright y el resto del grupo, Luther Grosvenor en guitarra, Mike Harrison en voz y teclados, Mike Kellie en batería y el recién reclutado Andy Leigh en bajo y guitarra. Una vez realizada la grabación de las pistas crudas de rock, fueron enviadas las cintas a Pierre Henry, quien se encargaría de agregarle los efectos de sonido electrónicos.
En este trabajo se cruzan el rock y la música concreta, y el resultado es algo oscuro, vanguardista y con el agregado de ser una música conceptualizada en temáticas católicas, lo que le da más aun un aire misterioso y épico a lo ya misterioso y épico. El resultado final es un rock vanguardista con miras experimentales, que explora diversas variantes de sonidos electrónicos mientras que las composiciones también presentan variantes en un sentido compositivo, finalmente nos encontramos con travesías sonoras oscuras que transitan por diversos estados. Se nos ofrece buen rock, buenos pasajes con rock, hard rock y blues rock pesado y contundente, típico de la época, y también se nos ofrece pasajes muy experimentales donde la música transita por atmosferas oscuras, misteriosas, la música concreta no deja de proveer una sensación siniestra y perversa. El álbum se llama ‘’Ceremonia: una misa electrónica’’, y funciona como tal, como una misa rock, con pasajes y predicas orales; un pastiche musical que surgió por error, un álbum infravalorado y no bien recibido ni siquiera por los mismos músicos del grupo.
Es que no todo el álbum suena realmente cohesivo, pareciera como si Pierre Henry no entendiera la música de Spooky Tooth, y viceversa, a veces no se entiende lo que quisieron hacer, parecen dos grabaciones producidas en diversos ámbitos y juntadas arbitrariamente sin ningún concepto previo; pero aun así el álbum ofrece muchos pasajes que son de un nivel soprendente, con un rock proto progresivo que se sale de la norma convencional, y la música concreta que aparece para destruir cualquier mira comercial, para poner en peligro las aspiraciones comerciales de una buena banda de rock.
Cuando la compañía disquera les propuso hacer este disco, asociándose con Pierre Henry, la banda no sabía con lo que se iba a encontrar, la propuesta era hacer una música para ser publicada por el compositor francés Henry. Luego del trabajo grabado y ensamblado, Spooky Tooth se encontró con la sorpresa de que el álbum se publicaría a su nombre porque para la disquera era un resultado sorprendente. A pesar de que para el ambiento intelectual este álbum fue una grata sorpresa, para Gary Wright, tecladista del grupo, el álbum simplemente ‘’terminó la carrera de la banda’’. Wright, "... hicimos un proyecto que no era nuestro álbum. Fue con este compositor francés de música electrónica llamado Pierre Henry. Simplemente le dijimos al sello: 'Sabes que este es su álbum, no nuestro álbum. Tocaremos como músicos ". Y luego, cuando terminó el álbum, dijeron: "Oh, no, no, es genial. Lanzaremos esto como tu próximo álbum". Dijimos: "No puedes hacer eso. No tiene nada que ver con la dirección de Spooky Two y arruinará nuestra carrera". Y eso es exactamente lo que pasó. Wright dejó la banda luego del lanzamiento del álbum. Este álbum es un trabajo muy ambicioso y con aires perturbadores, que provocó influencia en la vida y el ánimo de la banda, esto ocurrió porque acaso la banda tenía ya propio ‘’concepto’’ y de alguna manera este trabajo vino ‘’desvirtuar’’ sus formas? O será que la meteórica y vertiginosa posición dentro de la fana te lleva a producir música bajo ciertas reglas, aceptables para el público masivo, y publicando este disco la banda puso en peligro su ‘’respetabilidad’’ y su carácter comercial publicando algo que salía de lo común y proponía una fusión pocas veces vista en la época?
