Psicodelai Calal - Psicodelai Calal (2025)

El rock argentino muchas veces se ha caracterizado, entre otras cosas, por su personalidad, y en el rubro de lo psicodélico han aparecido interesantes artefactos a tener en cuenta por estas tierras. Los chicos de Psicodelai Calal han hecho de las suyas en el género de lo psicodélico y aledaños con este muy interesante disco que por fin salió a la luz en 2025, después de varios años de estar guardado, para liberarse como un artefacto que se maneja entre el rock psicodélico, y con influencias de krautrock y el rock progresivo, pero que principalmente es algo muy propio de la banda. 

Se nota el funk, lo buenos grooves, las construcciones bien elocuentes de temas con esa personalidad que tuvieron para crear cosas con forma propia. Las pistas representan una propuesta interesante desde la composición, con formas de canción que en general son poco predecibles, son inventos que llevan a explorar lugares diferentes, y eso siempre es algo interesante.

Además, con buen bagaje creativo se las arreglar para nutrir a sus composiciones con buenos elementos, desde teclas, guitarras, bajos y grooves. Se notan las influencias que arrastran de la música progresiva de antaño, se nota ese factor nutricio de la creatividad que jóvenes músicos, cargados con su entusiasmo, pudieron darle a su música. El estilo progresivo tiene esa cualidad de conducir a la música a esa amplitud en la composición, y esa cualidad aparece en este disco, con pasajes elaborados en la canción, entre introducciones, desenlaces y finales, pero sin salirse finalmente de la canción.

Hay algunas pistas instrumentales interesantes en el trabajo, es allí donde la influencia progresiva más de puede apreciar. Hay muchos pasajes que recuerdan al krautrock, por el uso que le dan a los teclados, esa influencia está a las claras. Lo psicodélico está presente, el pop y el funk también está aquí, pero ninguno de estos géneros termina de definir exclusivamente a este disco, es más un invento de ellos y su creatividad.

No se defraudarán con este disco que mucho tiene de experimento, hay varios inventos dentro del rock, con mucho estilo para manejar el groove rockero, mucha prestancia para liberarse en esos pasajes que de pronto todo rompe en algún riff con bastante power.

La propuesta parece interesante vista desde el exterior, y en el encuentro con las letras también hay material rico. Desde la lírica hay un contenido fuerte, hay mucha introspección que parte de esa energía que se requiere para mirar hacia adentro, con críticas hacia el mundo vano, que van desmenuzando en visiones distócicas que parten de la desazón que puede generar el encuentro de alguien profundo con el mundo frívolo que lo rodea, pero a esta visión la efectúan primordialmente con mucho espíritu y mucha riqueza, por lo que la construcción musical ayuda a que la lirica pueda ser digerida sin caer en el pesimismo, y caso contrario, los grooves poderosos que manejan se encargaran de levantar cualquier desanimo existencial, haciendo bailar a cualquiera que se anime a escuchar.

Psicodelai Calal llega a la colección del Jardín Psicodélico, y para cerrar esta historia, aquí están algunas preguntas, con sus correspondientes respuesta, que amablemente los chicos me respondieron y que siempre ayudan a vislumbrar aun más a las bandas, sus discos y las historias que hay por detrás.

¿Cuál es la historia de la banda? ¿Cuándo se formó? ¿Cuánto tiempo funcionó la banda? 

''Bueno, arrancamos como un grupo de 4 amigos de Pilar, Buenos Aires. Nos juntábamos en la casa de Pablo a escuchar, hacer música y filosofar mirando el cielo nocturno. épocas donde el tiempo nos sobraba.

Tanto como Francisco Maris (tecladista), Pablo Masuco (Guitarra y voz) y Martino Stefano (Bajo y voz) íbamos al colegio juntos y veníamos haciendo música de forma recreativa desde el 2009 aprox. y Nico Mena (Batería) apareció, ya que Pilar es chico…

La banda se formó en el 2015, y duro 2 años, hasta octubre del 2017.''

Vi que el disco que publicaron había sido grabado en parte en 2017 y hace poco lo retomaron para terminarlo, ¿es así? ¿Cuál es la historia del disco?

''Si, es así. Grabamos baterías, bajos y teclados en 2 jornadas de septiembre del 2017 en el estudio 505 con Francisco Marquez y nos separamos un mes después por diferencias. 

Pablo comenzó a montar su estudio en 2020 y como solo faltaban las guitarras y las voces, decidió retomar el proyecto en el 2021. Grabó sus guitarras en su estudio, los más fieles posibles a lo que eran originalmente y después nos juntamos a grabar las voces y algún que otro arreglo de teclado también.  Lo llevamos a mezclar y masterizar en Cosmonauta récords con Mariano Keller, y en el 2025 lo pudimos sacar.

A nuestro amigo Gaston Richardson (@gastonrichardsonart), gran aliado de la psicodelia, le pasamos el disco y escuchándolo, nos pintó un tremendo cuadro representando lo que para él era Psicodelai Calal.

Se demoró el lanzamiento del disco por las obligaciones del día a día y el escaso tiempo libre que le pudimos dedicar (el tiempo de calidad que se merecía).''

¿Qué géneros e influencias hay dando vuelta en el disco?

''Psicodelia pura, krautrock, rock progresivo, jazz, rock alternativo, noise, tecno, blues.''

¿De qué habla el disco? ¿De qué están hablando con esas letras y composiciones?

''Del existencialismo, de la búsqueda personal más que nada y que todo.''

Ustedes dicen: ‘‘El camino de la felicidad es el constante descubrimiento de uno mismo’’, muy buena frase, lo que se estanca se marchita. A veces las bandas que hacen psicodelia o aledaños andan con esas visiones profundas. ¿Qué pensaban ustedes sobres estos temas cuando estaban en la banda?

''Si trasladamos esa frase a nuestras composiciones, el descubrimiento de algo nuevo genera muchísima dopamina, y nosotros improvisábamos mucho. Al improvisar aparecían las melodías y grooves completamente nuevos, originales, del momento más presente posible, descubriendo esos sentimientos con nuestra música, que sin duda generaban felicidad. Hasta los momentos más oscuros y turbios de psicodelia eran sensación de felicidad absoluta.''

¿Por qué ‘’en el futuro ya no existen las almas’’?

''Recurriendo a la matemática, y la vida que habitamos hoy, siendo una línea recta exponencial, la llegada de la tecnología, las redes (sobre todo las redes), están haciendo que el alma deje de tener mérito, presencia, protagonismo… realmente, en el futuro ya no existen las almas y cada vez se comprueba más. 

Ahora... tenemos fe todavía, y en algún momento podrá pegar la vuelta, y vamos a necesitar más del alma, que de volvernos virales para subsistir.''

¿Por qué ese nombre de la banda? ¿Hace referencia la psicodelia?

''Primero le pusimos ese nombre a la canción homónima y nos gustó tanto que terminó siendo el nombre de la banda. Salió de un chiste entre amigos, risas y música. ¿Sabés como se dice Psicodelia en Chino?... No tiene sentido y tampoco importa. De eso se trata la psicodelia!''

¿Qué conexión tienen con la psicodelia? ¿Cuáles son sus referentes del género?

''Mucha; hemos experimentado como lo hacían nuestros ancestros de Grateful Dead en sus fiestas de acid testers. Hacíamos improvisaciones hasta el amanecer y un poco más y nada importaba.

Nuestros máximos referentes fueron Pink Floyd (Sus primeros discos, sobre todo A Saucerful of Secrets), Tame Impala (Innerspeaker-Lonerism), Can, Neu, Miles Davis, Mars Volta, y muchas más.''

¿Tocaban mucho en vivo? ¿Cómo eran sus presentaciones?

''Teníamos buena rotación y eran intensas. Lo que más nos representaba eran nuestras fechas que organizábamos en un viejo bar local llamado Steparius. Se llamaban Ranove. Ahí invitábamos artistas de todo tipo que quisieran expresarse y nos dimos el gusto de llamar a bandas cercanas a la psicodelia/experimental. Se armaban fechas de pura felicidad, ya que se trataba de disfrutar ese momento.

Nuestras presentaciones arrancaron variadas, y terminamos tocando muy similar a lo que quedo en el disco. En las primeras fechas solíamos empezar improvisando una especie de noise/ambient y un amigo nuestro, Ignacio Pedernera solía recitar poemas arriba de ellos.''

¿Qué ha sido de los músicos? ¿Se siguen reuniendo alguna vez? ¿En qué proyectos andan ahora?

''Todos seguimos de alguna manera conectados y haciendo música. 

Martino es un productor/dj de urban house solista y se dedica a eso (siempre estuvo con este proyecto en paralelo). 

Francisco ha estado en varias bandas como Superchino, Bubulina, La Mother Funky, y forma parte de jams de todo tipo, un músico prodigio la verdad. 

Pablo formó parte de Voltier, Los Fritos, y ahora, un proyecto de banda nuevo que saldrá a la brevedad. También es productor musical y se hizo un estudio en su casa donde trabaja con otros artistas locales. 

Nico estuvo en Superchino, Voltier, Elefantes en Marte, Ladran Pájaros, todo para chequear en Spotify y demases.

Nos solemos reunir, hemos tenido muchos proyectos en común, pero la amistad es lo que más nos reúne.

Fue algo único que vivimos los 4, hermoso y real. Dimos todo de nosotros y lo manejamos con mucha intensidad, como a veces hay que hacer las cosas para llevarlas a cabo. Gracias de verdad por escucharnos y ojala mas gente pueda, seria algo muy grato, hemos dejado una parte de nuestro corazón en esto.''

Cod: #1836

Dimorphodons - Waui (2025)

Al escuchar este disco se puede pensar que la psicodelia de la primera hora ha revivido, incluso siendo un disco que no siempre está en el rock, con algunos momentos con acercamientos a la música electrónica moderna, o aires que reflejan el pop de la neo psicodelia, pero es que se trata de un rock psicodélico actualizado, y aun así se encarga a la paradoja, inconsciente o no, de tomar de aquel viejo espíritu de la música de rock acida de antaño. 

Hay muchos momentos que traen reminiscencias a los antiguos hitos del género, como guitarras fuzz recontra podridas que recuerdan al primer disco de la banda SRC, o momentos de delirio que traen a la mente a los primeros Pink Floyd, aunque también otros momentos más duros que traen a la mente a la heavy psicodelia de Blue Cheer, o también el clavecín utilizado en algunos temas trae aires de antiguos discos de la psicodelia barroca como ‘’Walk Away Renée / Pretty Ballerina’’ de The Left Banke.

No es una propuesta pasajera, no hay algo pasatista aquí, ya que en la escucha se revela algo que fue trabajado minuciosamente, es un sonido enriquecido con muchos elementos, con una producción que lleva al escucha hacia diversos lugares, pero sin moverte del mismo disco, y aun así todo suena con una cohesión que unifica a las propuestas en una misma cosa.

Algunos estribillos de estas canciones son algo pegadizos, está presente la neo psicodelia, con similitudes a Tame Impala o sonidos actuales. El disco pareciera por momentos tener esa influencia, es una colección de melodías actualizadas, pero esa lista de temas pop pareciera haber sido pasada por ácido lisérgico, por lo que la lógica de las canciones varía, y los ritmos se vuelven hacia lugares poco comunes, típico de las producciones psicodélicas de antaño. Este trabajo en la percusión hace de esto un esfuerzo que saca a la canción de rock de su lugar común y la ubica muchas veces en el frenetismo de una lisergia que roza con la heavy psicodelia, enriqueciendo la sensación psicodélica del disco.

Todo el disco es, no solo entretenido, sino también fresco, a todo momento. Hay una frescura en la propuesta que hace que todo el trabajo sea interesante, con una variedad de cosas que suceden y siempre mantienen el interés. Es un disco que va a su ritmo, con su propia dinámica; propuestas que ubican a toda la obra en un lugar fuera de lo común, en un lugar propenso a lo hipnótico, a lo lisérgico, un ritmo con un dejo propio. No es rock y ya, es una propuesta con mucha profundidad que obliga al escucha a viajar a otros lugares. Esto también puede significar ubicarse en el espectro de un público muy específico, es un riesgo agradable que toma el disco, dotándole de credibilidad y honestidad artística.

El trabajo ha llamado la atención de muchos, especialmente de amantes de la psicodelia, y no por nada eso ha ocurrido, es un disco muy esmerado, con mucho por ofrecer y que es capaz de sorprender gratamente a los seguidores de esos sonidos de antaño tan comunes en el rock de la vieja escuela.

Del pop se toma la melodía, el estribillo y las voces agradables, por lo que, aunque se escuche algo heavy, tambien se puede apreciar lo que se canta como algo familiar. Sumado a eso, hay un trabajo esmerado con las guitarras eléctricas, muchas veces muy sucias.

Y por supuesto también hacer pie en el aire actualizado que posee el disco, uniendo clavecín y heavy psicodelia con sintetizadores y pop más moderno, pero haciéndolo de manera en que ambos lugares puedan coexistir a la perfección. Hay también algos temas que van más hacia lo electrónico y podría pensarse incluso en otro tipo de estilo en esos casos, pero esa actualización va muy bien con todo lo demás que propone el disco, toda la propuesta está muy bien unificada, los ingredientes cohesionan muy bien entre sí.

Parece que el disco fue gestado a lo largo de un extenso tiempo, con mucho esmero grabado en distintas locaciones, con inventos y experimentos, algunos fallidos y otros producto de una inspiración acertada, todo para intentar dar vida a una obra que fue pulida y producida con mucho trabajo, y que en su resultado final se puede apreciar aquello tan particular. ‘’Waui’’ reabre el estigma de la vieja psicodelia, y la actualiza sin recelo para ubicarse como un artefacto destacado del género en los últimos años. El resultado es una cosa que todos ya conocemos, pero que de todas maneras todavía nos sorprenderá.

En bandcamp es el propio artista es quien describe al disco de esta manera: ‘’Dimorphodons, también conocido como el productor, multiinstrumentista y melómano empedernido Will Twynham, presenta su álbum debut, largamente gestado: Waui. Desde la grandilocuencia stoner de «Land Over Sea» hasta la grandilocuencia barroca cinematográfica de «Gondwanaland», Waui representa una obra que no fue fácil de reunir, terminar ni siquiera empezar. Un ambicioso viaje por la mente de un amante de la música, el proceso de grabación incluyó estancias en Glastonbury y Los Ángeles, un clavecín transportado en la parte trasera de una furgoneta hasta una capilla abandonada, cuatro bateristas, un coproductor, innumerables intentos fallidos, experimentos y momentos de inspiración que se han cristalizado en una obra de sorprendente originalidad.’’

Cod: #1833

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)

Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra la profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que se suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tiene nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

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