John Charles Edward Alder, nacido el 29 de noviembre de 1944, y mejor conocido como ‘’Twink’’, es un baterista, cantante y compositor inglés, una figura prominente del movimiento psicodélico de dicho país. Nació en Colchester, Essex, Inglaterra, en una familia con una marcada cultura música, lo que despertó en èl, desde pequeño, la pasión por la música. Desde adolescente comienza su carrera, uniéndose a bandas locales, con las cuales daría sus primeros pasos en vivo y en estudio. En 1965 se muda a Londres y poco después viviría en Chelsea, en Agosto de 1966 se uniría a a una banda llamada The In-Crowd, la cual meses más tarde se pasaría a llamar ‘’Tomorrow’’. Dicha banda, años más tarde, se convertiría en una de las primeras bandas psicodélicas de Inglaterra y literalmente la primer banda en grabar y actuar en las ‘’ The Peel Sessions’’ de la BBC, unas famosas sesiones organizadas por John Peel, quien llevaba artistas de rock reconocidos de la época, programas que marcaron a la música popular del momento. Lamentablemente para ese tiempo, alrededor de 1967, Twink no estaría presente, ya que dejaría Tomorrow alrededor del 66.(cabe destacar que tras ese desarme en la formación de Tomorrow, Twink junto a John 'Junior' Wood formario una fugaz banda llamada 'Aquarian Age', no tendría mayor notoriedad, mas allá de que en ese pequeño proyecto saldrían algunas grabaciones que serían usadas por lo musicos en la grabación de Think Pink.) Por ese tiempo Twink también tendría su paso por la formación de la famosa ‘’The Pretty Things’’, no tendría un paso notorio, más allá de participar de la realización de su cuarto disco, ‘’S.F. Sorrow’’. Para alrededor de Julio del 69, Twink comienza a grabar su primer disco como solista, un trabajo psicodélico que da forma gracias a la ayuda de varios músicos con los cuales trabaja antes, principalmente lo acompaña la banda ‘’The Deviants’’, otra banda psicodélica del momento, además de contar con el apoyo de músicos provenientes de bandas como ‘’Tomorrow’’ y ‘’The Pretty Things’’, además de la participación de Steve Peregrin Took, de ‘’T-Rex’’. Se trata de un disco considerable en cuanto a su potencial psicodélico y experimental, en realidad los temas no son especialmente complejos, lo más llamativo del trabajo es la lisérgica, la volatilidad del sonido, psicodelia pura y clásica, algo tardía para ser ya 1970, con toques experimentales que hacen aún más llamativo al trabajo, por la mescla de sonidos, como una combinación de verano del amor con horror gótico.
Los temas son buenos temas, rock psicodélico al puro estilo ‘freak out hippie’, fresco y erótico, plagado de locuras psicodélicas, fuzz, con un sonido que nació de la extravagancia lisérgica del momento y que vuelca en sus filas ese toque experimental, no solo el delirio sonoro sino también en los riffs y la forma de composición. No es un disco excesivo ni revolucionario, pero es una joya de la psicodelia británica undergronund, y tuvo su impronta e importancia musical y simbólica para las transiciones que se darían en el momento, en la escena inglesa. Por los pasos dados por ‘’Twink’’ anteriormente, y por la importancia de músicos que convergerían en esta grabación y en la cual se unirían para formar nuevos proyectos, este trabajo podría ser como un especie de conector entre estilos que surgirían, psicodelia tardía, orígenes del punk /proto-punk, además del hecho de que de ese grupo de músicos que trabajaron en este álbum salió la primera formación que fundó ‘’Pink Fairies’’. Tras el lanzamiento de este trabajo, Twink junto algunos miembro que participaron junto a él, se unieron para formar ‘’Pink Fairies’’, una banda que heredaba conceptos psicodélicos y se encaminaba hacia space rock, hacia caminos un poco más duros. Juntos grabarían el single ‘’ The Snake / Do It,’’ y mas tarde, en 1971, grabarían el primer álbum de la banda ‘’Never Never Land’’. Al poco tiempo Twink abandonaría la formación. Durante los años 1972-1975, Twink realiza periódicas presentaciones en vivo con varias bandas a lo largo de Europa. En 1972 participo de un concierto en vivo junto a Syd Barret, Pink Fairies y Hawkwind. Durante el resto de la década de los 70s, formó varias bandas con orientación punk h hizo varias grabaciones y singles. Después de un largo silencio, en 1986 un single en solitario, "Apocalipstic", e inauguró su nuevo sello discográfico. Por esos años también participaría de una gira de reunión con Pink Fairies, con quienes grabaría otro disco. Tambien colaboraría con 'Pink-Wind', una banda reunión que uniria en los 90s a Pink Fairies y Hawkwind.
La historia de la banda Nine Days' Wonder, grupo alemán de rock underground, comienza allá por finales de 1966, cuando su fundador, Walter Seyffer, empieza a desarrollar un proyecto de banda a partir de composiciones propias. Originalmente el grupo se llamaba ‘The Graves’, pero no sería hasta tres años más tarde cuando la agrupación comenzaría tomar forma, color y estilo. Seyffer era un cantante y baterista alemán que había transitado por varias bandas a lo largo de los 60s, y seria en 1970 cuando lograría establecer la formación definitiva de la banda a la cual fundaría y lideraría. Es más precisamente en febrero de 1970 cuando la formación del grupo que integrada, compuesta por músico de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el ingles Martin Roscoe que ocuparía su lugar en la batería. Juntos comienzan a crear un especie de rock experimental, que por las diversas influencias terminaría siendo progresivo, nacido en base de una fusión de elementos y distintas influencias, convergentes esencialmente en el rock fusión, kraurock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época. Ellos grabaron su primer álbum en los Dierks estudios, en Enero de 1971, y es un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán, claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráficc, Family, Deep Purple, entre otras. El homónimo álbum debut presenta largas y complejas suites de rock progresivo, plagadas de riffs pesados, jazz fusión, krautrock / heavy prog, zapadas frenéticas y cambios inusuales y rotundos, que van dirigiendo los pasajes por distintas intensidades, elaborado todo en base a una locura generalizada, una despreocupación que los hace explorar ámbitos sonoros únicos, dentro de un rock que intenta ser (y lo es) progresivo pero con una instrumentación no excesiva, es decir, relativamente simple y fácilmente apreciable.
Dicha libertad en la creación los lleva también hacia caminos experimentales, con voces alteradas, algunos toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y locura en las voces, un estilo que establece deliberadamente al trabajo en el mote de, si me lo permiten decir, ‘avant prog’. El álbum se compone por cuatro piezas, dos de ellas giran alrededor de entre los 12 y 15 minutos y son grandes las grandes atracciones del disco, pero en líneas generales todo el álbum es muy bueno y rico. En el verano de 1972 la banda se separa y se rearma al poco tiempo, la alineación sufre cambios, tras algunas deserciones que fueron reemplazadas por otros músicos, casi toda la formación queda desarmada a excepción de Seyff que sería el único miembro original que sobreviviría. Con esta nueva alineación, a principios de 1973 comienzan a grabar su segundo disco ‘’We Never Lost Control’’. Para 1974 la formación del grupo vuelve a sufrir cambios, a esta altura la banda se mantenía de forma inestable, con cambios constantes, se convierten en un cuarteto y, en Septiembre de dicho año, graban su tercer disco ‘’Only The Dancers’’, con invitados como el saxofonista de Van den Graaf Generator, Dave Jackson, y el tecladista Steve Robinso, ex miembro de la banda ‘2066 & Then’. La última encarnación de esta inestable banda tuvo lugar por el verano de 1975, con Seyffer y Gautama como únicos miembros sobrevivientes del la formación del año anterior, vuelven a la estructura de quinteto y graban ‘’Sonnet To Billy Frost’’, un especie de ópera rock. Nine Days Wonder debutó con un álbum muy interesante, a veces un poco denso pero siempre llenos de energía, pasión y una composición increíble, un sonido que los coloca por lo menos como pioneros del prog alemán.
Robert George "Joe" Meek (5 abril 1929, 3 febrero 1967) fue un pionero productor discográfico y compositor Inglés. Su éxito más recordado es "Telstar", tema que compuso para el grupo The Tornados, los cuales lo incluyeron en su disco de 1962, este se convirtió en el primer disco de un grupo británico en alcanzar el número uno en la lista ‘’ US Hot 100’’ de los EEUU. También pasó cinco semanas en el número uno de la lista de singles del Reino Unido. Meek nació en ‘Newent’, un pequeño poblado ubicado al suoeste de Inglaterra. Desde pequeño desarrolló un interés en la electrónica y la música, llenando el jardín de sus padres con componentes electrónicos, circuitos de construcción, aparatos de radio, etc. Desde joven contrajo trabajo como técnico en radares y técnico electrónico, para compañías electrónicas e incluso para la real fuerza aérea, lo cual intensifico su interés por la electrónica. A mediados de los 50s da sus primeros pasas como ingeniero electrónico y musical, es contratado para algunas productoras de radio independientes, y realiza sus primeros trabajos de audio y participaciones en sonidos para discos de jazz. Para 1959 comienza a trabajar en un proyecto propio, un trabajo en el cual volcaría su interés por la experimentación electrónica, además de estar motivado por su fascinación por el espacio exterior y los programa espacial. Comienza a desarrollar un trabajo conceptual en torno a esas imágenes, a las cuales intenta mostrar de forma sonora, creando música la cual él pretendía que ilustrara el espacio exterior.
‘’I Hear a New World: an outer space music fantasy’’ se llamaría el disco, se trata de un trabajo instrumental e experimental temprano, y creo que, muy jugado para la época, uno de los primeros trabajos psicodélicos que han surgido en la historia. Para el desarrollo musical cuenta con el apoyo de ‘’The Blue Men’’, un grupo proveniente de Londres. Juntos crean un sonido psicodélico embrionario, sonido que nace desde un estilo como de baladas surf, rock & roll temprano, con un toque circense, como si se tratara de música para series o películas de la época, con un toque experimental nacido desde la misma concepción futurista de la época, que intenta alcanzar cierto concepto global en cuanto al trabajo en sí, pero a la vez no logra un sonido del todo serio. El sonido cuenta con una considerable intención experimental, Meek era para la época, en cierta forma, un pionero en electrónica y sonido, y a eso lo vuelca en el disco, desarrollando un sonido impregnado de agregados electrónicos, lamentablemente no de una forma muy seria o abocada deliberadamente a la búsqueda sonora, sino más bien lo hace desde la concepción comercial y musical de la época, atado a las estructuras del momento. El disco talvez tenga más valor en cuanto a lo histórico y anecdótico, más que su impronta sonora, aunque algunos temas como ‘Glob Waterfall’ o ‘Magnetic Field’ son realmente oscuros y llamativos, y en general, la segunda mitad del disco es un poco más desestructurada, en la cual se puede escuchar algunos sonidos bastante interesantes. El LP fue programado para ser lanzado por una etiqueta del mismo Meek, llamada ‘Triumph Records’, un sello que funda el mismo productor en 1960, pero finalmente solo pudieron lanzar un simple de 7 pulgadas con 4 pistas, lanzamiento del cual se conocen muy pocas copias. Un segundo EP fue planeado, pero nunca apareció.. Esto (y la cancelación del álbum) se debió a problemas financieros en la etiqueta, lo cual represento un fracaso comercial para Meek, mas tarde también debió sufrir la desaparición de su sello discográfico. La banda también se alejó y regresó al circuito en vivo.
Mas tarde Meek funda su propia compañía de producción conocida como ‘RGM Sound Ltd’ (más tarde Meeksville Sound Ltd). Operó desde su propio estudio, el cual construyo el mismo en su casa, un departamento de tres pisos construido por encima de una tienda de artículos de cuero. Como productor tuvo su promisorio éxito, alcanzando sorpresivamente un puesto numero uno y otros buenos lugares en listas inglesas y norteamericanas, con temas producidos y grabados en su estudio. El éxito de las grabaciones establecieron a Meek como a de los primeros productores de discos independientes de Gran Bretaña. El legado de Meek es considerable, dejando varios avances tempranos en electrónica relacionada a la grabación, lanzó uno de los primeros discos con sonidos estereofónico, fue pionero en herramientas de estudio como en máquinas de uno y dos de la pista, de microfonía , entrada directa de guitarras y bajo, compresores y efectos de eco y reverberación , entre otros. También fue uno de los primeros productores de entender y aprovechar plenamente las posibilidades del estudio de grabación moderno. Sus técnicas innovadoras para separar instrumentos y procesar el sonido a través de sus dispositivos electrónicos caseros, que combinaban actuaciones y segmentos grabados por separado, en una misma grabación; hasta ese momento, la técnica estándar para la grabación pop era grabar todos los artistas en un solo estudio, tocando juntos en tiempo real. Lamentablemente el éxito comercial de Meek como productor fue de corta duración, sus finanzas comenzaron a correr peligro, además de sufrir algunos problemas con la policía y con una acusación legal de plagio, Meek cayó en deudas y depresión. El 3 de febrero de 1967, utilizando una escopeta propiedad de músico Heinz Burt , Meek mató a su casera y luego se suicidó.
Nucleus fue una banda británica, pionera, de jazz y fusión, fundada y en 1969 por el escoces Ian Carr, un músico y compositor de jazz, escritor y profesor. Su música basada en el jazz se desarrolló a partir de una mezcla con elementos progresivos y psicodélicos, con cierta orientación funky también, la originalidad del sonido que desarrollarían los llevaría a la vanguardia de la escena jazz de la época, circundante a la altura e importancia de Soft Machine, banda con la cual tendría mucha relación, ya que pasarían no menos de 10 músicos por Nucleus antes de sumarse a Soft Machine. En enero de 1970 entran a estudio a grabar su primer trabajo, el cual sería lanzado en marzo de ese mismo año, cuya cubierta seria diseñada por el artista Roger Dean y su contenido bien recibido por los críticos de jazz de la época, considerado como un trabajo pionero para el genera de fusión entre el jazz y el rock. En julio de 1970 el grupo presentó las composiciones dl disco en el Festival de Jazz de Montreux , ganando el primer premio. Posteriormente se presentaron en el Festival de Jazz de Newport y en el Village Gate jazz club. ‘’Elastic Rock’’ es un disco de jazz moderno, por ser lanzado en 1970 tiene toda una impronta rockera y peculiar, la banda es una estricta banda de jazz que supo incursionar eficazmente en los terrenos del fusión, con cierta similitud a trabajos de Miles Davis de la misma época. Desarrollan un jazz estrictamente instrumental, bastante soft pese a incluir guitarra que acerca el sonido al fusión.
La influencia de Miles Davis sobre el sonido del disco es considerable, si bien Bitches Brew no había sido lanzado para la época de grabación de Elastic Rock,y ademas Ian Carr ha asegurado que hasta el momento no habían oído ni siquiera hablar de la floreciente etapa eléctrica de Davis, sin duda que esos sonidos eléctricos están presentes en Nucleus, ‘Stonescape’ es una prueba de ello. Despliegan una buena gama de pasajes e intensidades, con una calidad que intenta ser progresiva, talvez lo logre. Pasan por momentos por el fusión, hay otros momentos de jazz más lento, siendo los momentos más movidos y ‘fusionados’ los más agradables, aunque en los momentos más lentos y oscuros no saben estancarse, mutan muy bien los distintos pasajes para que el disco vaya fluyendo de una manera natural. Un gran disco muy recomendado para aquellos que no se han adentrado aun a los terrenos del jazz, un sonido muy agradable y recomendable. En 1971, La banda se amplió con dos trompetistas más (Kenny Wheeler y Harry Beckett), otro saxo, Tony Roberts, un percusionista, Chris Karan y Keith Winter con elsintetizador VCS3. Paralelamente, Ron Mathewson tomó el bajo, en sustitución de Clyne, y Dave MacRae se añadió en los siguientes discos. A partir de este momento, la banda comienza a cambiar con bastante frecuencia de músicos, hasta su disolución en 1989. Hasta ese año lanzarían una enorme cantidad de disco, siendo los primero de su carrera los mas reconocidos, innovadores y ambiciosos. En agosto de 2005, se produce una reaparición de Nucleus, con algunos de los antiguos miembros, actuando en Londres. Nuevamente, actúan en 2007, en el "London's Pizza Express Jazz Club", dentro de la serie de conciertos del décimo aniversario de la revista especializada Jazzwise. En estos conciertos, Carr no tocó la trompeta, aunque estuvo presente como impulsor. Con el nombre de Nucleus Revisited actuaron también en el Ronnie Scott's Jazz Club, en 2009.
Keith Tippett, nacido en Bristol, Reino Unido, 25 de agosto de 1947, es un muy reconocido e innovador pianista y compositor británico de jazz, una figura sobresaliente del jazz moderno, un músico de formación clásica que llegó al jazz a través de Mingus, George Russell, Coltrane, y Pharoah Sanders, pero su elemento compositivo también le debe a compositores como Darius Milhaud, Vaughan Williams, y Frederick Delius. Desde pequeño, Tippett tendría predilección por la música, ya desde chico estudiaría piano y órgano, además de tocar la corneta y el cuerno tenor con una Banda Juvenil. En 1967 ganó una beca, como músico, para irse a Gales, a una escuela de verano, donde financiarían sus estudios y algunas actuaciones. Allí conocería a los músicos Elton Dean y Nick Evans a los cuales invitaría a formar de su proyecto de sexteto de jazz. Dicho proyecto sería su primer trabajo de renombre, liderado por el mismo Tippett, acompañado por Elton Dean en el saxo, Mark Charig con la trompeta y Nick Evans al trombón. Durante los últimos años de la decadad de los 60s dieron varios conciertos en clubes de Londres, gracias a eso Tippet conseguiria lugar entre los músicos de jazz londinenses y así empezaría su carrera en el ambiente del jazz. A principio de 1970, antes de encomendarse su primer disco como solista, hizo sus aportes y colaboraciones para la banda King Crimson, participado de la grabación del segundo álbum del grupo, ‘’In the Wake of Poseidon’’, grabado entre Enero y Abril de ese año. También apareció en la formación de la banda que participó en el programa de TV, Top of the Pops. Con sus propios grupos, desarrolló un estilo evolucionado del free jazz europeo, a eso lo demostró ya desde su primer álbum como solista y líder. En 1970 formó ‘’The Keith Tippett Group’’, junto al bajista Jeff Clyne, el trompetista Marc Charig, el baterista Alan Jackson, el saxofonista Elton Dean y Nick Evans en trombón. Dicha formación, liderada por Tippett, lanzaria en 1970 el primero de sus dos discos, ‘’You Are Here... I Am There’’, en el cual extiende una exploracion de jazz contemporaneo y jazz rock. Este álbum sería reflejo de la particular visión que tenía Tippett sobre el jazz y la orquestación, ya que siendo un quinteto el que participa de las grabaciones, aun así aplica elementos de big band y arreglos sinfónicos extensos y armoniosos, utilizando muy bien los espacios y los silencios, siempre dentro de un jazz tranquilo y explorativo, influenciado por jazzeros norteamericanos como John Coltrane, Archie Shepp, o Charles Mingus. Todos estos elementos serian una muestra de la búsqueda sonora de Tippet, que es en sus siguientes dos discos exploraría aún más la profundidad y la utilidad de las big bands.
Las sensibilidades armónicas de Tippett envuelven la investigación tonal, comprometido con el blues y el swing, y con una paleta de colores que le debe mucho a Gil Evans sin que suene el derivado en lo más mínimo. Es un jazz valiente que hace uso del espacio, la organización armónica, y la aplicación de ideas de vanguardia, mucho más que algunos de sus contemporáneos. También es clara la influencia que el rock le ha impreso a su música, no porque haya electrificado su sonido, sino por ciertas estructuras y riffs que transita en las sesiones, esto tal vez se deba a que Tippet dio sus primeros pasos en la plenitud de finales de los 60s, y lanzó sus primeros trabajos sólitas a principio de los 70s, en medio del apogeo del rock progresivo y el jazz rock. La liberación de este disco marcó un choque en el ámbito del jazz, colocándolo a la altura y nivel de la vanguardia inglesa de jazz rock, entre los que tambien se encontraban el 'Núcleus' de IAN CARR, o Soft Machine, o Mike Gibbs. También a comienzos de la década de 1970, mas específicamente en 1971, se encamino hacia un proyecto epónimo y de ambiciones sonoras mucho mayores, creo una big band de jazz rock a la cual llamó "Centipede", la cual reunió a los más destacado instrumentistas de jazz y rock de su generación, procedentes de grupos como Soft Machine, Nucleus o King Crimson: Robert Wyatt, Elton Dean, Nick Evans, Mark Charig), Karl Jenkins, Ian Carr, Brian Smith, Jeff Clyne, Roy Babbington, Bryan Spring, John Marshall, Robert Fripp,Peter Sinfield, Ian McDonald y Boz Burrell. Limitado por el coste económico de mover a una formación como esta, solamente realizaron algunos conciertos y grabaron solo un doble-Lp, ‘Septober Energy’. El resto de la década del 70 fue también importante en su carrera y sus trabajos, participo para bandas como, la ya mencionada, King Crimson, ademas para Peter Sinfield, Elton Dean , Soft Machine o Nucleus. Sus trabajos como solitas, durante este período, no encontraron más que una pequeña audiencia, pero su participación en otras bandas lo convirtieron en un nombre familiar para decenas de miles de oyentes. Durante la década de los 70s y 80s hizo fuertes aportes al jazz y jazz rock, creó innumerables formaciones con músicos destacados del género y elaboró su propio concepto de jazz en base a la creación espontanea. La discografía de Tippett se extiende incluso durante los 90s hasta el día de hoy, lanzando innumerables discos como solita o como acompañante o ayudante.
Formada a finales de los años 60, en lo que fue la antigua Checoslovaquia, hoy Republica Checa, The Blue Efect fue una banda de las más populares en su país. Surgen en Praga, en 1968, dirigidos por el vocalista y guitarrista Radim Hladík, quien terminaría siendo un miembro constante del grupo durante la carrera inicial y durante dos décadas en adelante. Pese a que las bandas del país estaban muy por detrás, musicalmente hablando, de las bandas de la época norteamericanas o europeas (entre otras), y pese a la Cortina de Hierro que imperaba en Europa en ese momento y a las tormentas políticas que tuvieron que afrontar, The Blue Efect surgió como una de las bandas más exitosas en su país, y en toda Europa del Este. En 1970 publican su primer disco, Meditace, bajo la primera formación del grupo, en la que aún permanecía Vladimír Mišík, el primer cantante que tuvo el grupo, a él se le sumaban Radim Hladík en guitarra, órgano y sitar, Jiří Kozel en bajo, Vlado Čech en batería y Milos Svoboda en guitarra; sumado a ellos algunos músicos que aportaron flautas, coros y arreglos de cuerdas. En su corta estancia en la formación, Vladimír Mišík alcanzó a participar de la grabación de este primer trabajo, una obra muy acertada que se maneja dentro del círculo del típico rock psicodélico y blues rock de la época. Dentro de este estilo ofrecen una serie de canciones pop rock, con un estirpe blusero neto y un aire psicodelico, con buenos arreglos en guitarras que denotan toques jazzeros y buena versatilidad, lo que le da un sonido agradable a las canciones. También aparecen diversos elementos que se presentan en las canciones, arreglos de cuerdas y arreglos corales. En ‘’Blue Efect Street’’ aparecen sonidos de sitar. Las primeras canciones de la lista, el origina lado A del vinilo, están cantadas en checo, ya la segunda mitad del trabajo, el original lado B del vinilo, están cantadas en inglés. No lo llamaría un álbum esencial pero una excelente antesala para comenzar a introducirse en sus siguientes trabajos.
Es un álbum con un sonido bastante pulido para tratarse de una banda recién formada, aunque todavía no incursionarían dentro de terrenos jazzeros, como en sus álbumes posteriores. Este álbum brilla tanto por su impecable producción como por sus letras (en su mayoría, pensamiento filosófico sobre diversos aspectos de la vida y la muerte). El grupo desarrolla un estilo, que luego potenciaría realmente, intentando mantener sus cabezas por encima del agua creciente de 'normalización' en la época, en su país, como prohibiciones a las bandas, opresión sobre ideas libres y antisocialistas, prohibición de nombres y letras en inglés, etc. El estilo de su álbum debut, más dentro de lo psicodélico y la canción, permanecería como un ejemplo de sus primeras incursiones dentro del estilo y sería solo una excepción, ya que de allí en adelante se inmiscuirían totalmente dentro del jazz fusión y el rock progresivo, incursionando en músicas mucho más complejas y experimentales, esto tendría lugar incluso en el mismo año de publicación de su debut, ya que en ese mismo 1970 publicarían un segundo álbum, ‘’Coniunctio’’, junto a otra banda Checa, Jazz Q Praha, incursionando en sonidos totalmente experimentales.
El grupo permaneció en actividad durante toda la década de los 70s, en las que publicó varios álbumes más, dentro del jazz fusión y el rock progresivo. Entre ellos se destacan varios títulos de gran calidad: el experimental ‘’Coniunctio’’ de 1970, ‘’ Modrý Efekt & Radim Hladík’’ de 1975, que presenta una mezcla enérgica de rock sinfónico, o "Svitanie" de 1977, que se considera la verdadera obra maestra de la banda. Lanzaron su último álbum en 1981 y luego desaparecieron silenciosamente. En 2004 Radim Hladík inició el "renacimiento" del grupo y The Blue Effect comenzó a tocar en vivo nuevamente.
‘Atomic Rooster’ es un clásico del rock de los 70s, y si no es así debería serlo, ya que nos ha dejado un buen consorcio de grandes temas, de buena potencia y buenos arreglos, una historia bien nutrida, y un hard rock progresivo que ha sabido conquistar oídos en su época, y los sigue conquistando hoy en día. La historia del grupo comienza en allá por 1969, como un típico power trio de la época, formación integrada por el teclista y principal compositor Vincent Crane (fallecido en 1989), ex componente de The Crazy World of Arthur Brown, el cantante y bajista Nick Graham y el batería Carl Palmer, quien había conocido a Crane tras participar en una gira americana con los Crazy World. Luego de asegurarse un lugar en los clubes londinenses y de haber hecho una buena fama con su particular sonido, la banda entra en estudio a grabar su primer disco, el homónimo ‘Atomic Rooster’, lanzado en 1970. Un primer disco con un sonido un tanto atípico para lo que lanzarían más adelante, un poco por causa de la formación que componía la banda en ese entonces. Atomic Rooster ha sido una banda cambiante en cuanto a sus miembros, y esos cambios han sabido marcar las distintas etapas y sonidos por los que transcurrió el grupo, sin duda esta primera formación, un power trio, estableció el sonido primario del grupo, el cual más adelante crecería aun mas, alcanzando momentos más altos de elaboración y de fama. El gran sonido de Atomic Rooster ya es bien conocido, alta contundencia y siempre grandes temas, siempre Vincent a la cabeza de la creación y como alma de la banda, no es un tecladisco vistuoso estilo Emerson, pero siempre se ha mantenido fresco y cresativo, sus punzantes arreglos siempre presentes en el más puro sonido del grupo, con sus aplastantes y salvajes solos de teclado y esa dinámica tan atemporal y propia de él, que se acopla de maravilla a las magníficas sesiones de bajo y batería, de gran nivel aportadas por Palmer y Graham, la base percusia, siempre está en un tempo particular y contantemente cambiante, en plena sincronía con los teclados.
Teclado y batería forman la base principal de todos los temas del disco, (ademas del bajo, por supuesto) el resto del espacio es rellenado por algunos arreglos en trompetas o instrumentos de viento, algunos pasajes con flauta y algún otro solo, al vacío, de batería. Los temas no son excesivamente complejos pero son muy satisfactorios, el sonido que alcanza la banda lo llega a sonidos míticos pero sin duda se trata de un disco (y los siguientes que lanzarían) de culto, de gran nivel y con una sonoridad autentica y muy propia de la banda, ofrecen una mezcla única de influencias que combinan jazz-funk, con hard rock, góspel y arreglos progresivos. Luego de lanzar su primer disco, Graham abandonó la banda para unirse a Skin Alley, al igual que Carl Palmer que se iría a Emerson, Lake & Palmer. Sus reemplazos fueron el guitarrista y cantante John Cann y el batería Paul Hammond, con estos miembro la banda alcanzaría momentos de mayor fama, otro buen momento de la banda seria también la etapa en la que la voz pasaría al mando de Chris Farlowe, aunque por otro lado creo que el sonido jamás volvió a tener tanta presencia percusiva como en los primeros años, en los que Karl Palmer ocupo el lugar de la batería. Durante el transcurso de su carrera, Atomic Rooster editó 7 álbumes de larga duración, aunque la época dorada del grupo tuvo lugar a principios de los años 70: sus últimos y ya tardíos trabajos Atomic Rooster (1980), o Headline News (1983) pasaron desapercibidos.
Robert Callender, mejor conocido como Bobby Callender, fue un artista afroamericano bastante enigmático del cual no hay mucha información, se sabe que era poeta, letrista, compositor y cantante, proveniente de Boston, EEUU. Fue una figura bastante enigmática y mística de la psicodelia de finales de los 60s, un músico con una marcada influencia espiritual, una búsqueda que lo llevaría a relacionarse muy íntimamente con la cultura hindú, búsqueda espiritual que se reflejaría en su música y en los conceptos que exploraría, conceptualmente su universo musical ofrece toda la originalidad propia de su libertad artística. Los dos primeros discos que lanzó tienen esta marcada característica de conceptualidad en lo que a los estilos y motivos respecta. '‘Rainbow’', lanzado en 1968, es el primer álbum que publicaría, un trabajo grandilocuente que nace de la mano propia de Callender quien es el mayor arreglista del proyecto, además de aportar las letras poéticas, el concepto de los temas y la voz, en cada una de las piezas, moldeadas a su imagen. Para llevar a cabo su música contó con el apoyo de una cantidad innumerable de músicos, entre los que había, un pianista, dos músicos con formación en música hindú, tres bajistas, dos guitarristas, dos bateristas, y otra buena cantidad de músicos divididos en otros instrumentos como chellos, trompetas, oboe, etc, además de los violines que se agregan en algunos pasajes de algunos temas, especialmente en el tema ‘Autumn’’.
Una autentica orquesta encargada de dar forma a un proyecto psicodélico llamativo y muy particular, ya que fusiona pop y folk con géneros del medio oriente, sonidos de sitares y melodías típicas, con toques también pastorales y sunshine pop, toques folk y arreglos sinfónicos de cuerdas. Se anima a transitar también, por momentos, por el rhythm & blues y pop barroco, combinado todo con una sutil complejidad que, si se la sabe apreciar, puede llegar a ser muy llamativa.
Varios de los temas del disco saben brillar por su complejidad, que normalmente se presentan, en el disco, de forma sutil y delicada, una fusión de géneros que no escatima en esfuerzos y sabe fusionar el oriente con el occidente, el pop con el sitar, el rhythm con el jazz, sin salirse nunca de su atmósfera de delicadeza y suavidad poética. La calidad de la fusión de estilos es muy fina, que suenen del todo bien o sean entretenidas siempre, eso no se puede precisar, tal vez no, pero sin duda se trata de una pieza psicodélica exquisita y de gran nivel, fina, delicada y con un potencial lisérgico muy profundo, una psicodelia que en teoría insinúa un arcoíris (‘rainbow’, como el nombre del disco), pero que a la vez tiene una oscuridad propia. Un trabajo de pop psicodélico muy bien elaborado, como el costado psicodélico de los Beatles, con esa marcada influencia hindú (en los Beatles, por parte de George) pero interpretada con una visión más poetica. Muy psicodélico para ser pop, demasiado fusionado como para tratarse de temas tan cortos. Un sonido desapresurado, despreocupado por el avance del tiempo, que se reconstruye contantemente, bastante lento y melódico en general.
Todos los temas del disco son piezas de elaboración casi artesanal, por ejemplo, el tema ‘Symphonic pictures‘ es tan exquisito como complejo, transita por psicodelia, pasando por el rhytmh & blues, para ir a sonidos con percusiones un tanto tribales, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas y luego volver a un pop medio barroco, todo en un mismo tema, una visión adelantada para 1968.
El tema ‘'Purple’', el cuarto tema del disco, que dura 11 minutos, otro tema que refleja la marcada tendencia hindú del sonido, corta un poco con la dinámica de los temas y ayuda a establecer definitivamente la mística o magia que posee el sonido hacia una marcada dirección rumbo a sonidos hindúes. La calidad de la fusión de géneros es llamativa, siendo que el disco no alcanzó a llegar ni a un mote de ‘’clásico olvidado’’, o algo por el estilo, entre los amantes de estos género, por lo que concluyo que es una auténtica joya psicodélica olvidada. Luego del lanzamiento de dicho primer disco, lo seguiría su segundo disco, llamado ‘The Way (First Book Of Experiences) ‘, en el que teóricamente también explora una fusión de géneros muy variada, completando así dos trabajo, de su autoría, de gran nivel. He encontrado por ahí otro disco llamado ‘le musee de l'impressionnisme’ también bajo el mismo nombre, pero no tengo idea si se tratara del mismo artista. Más que eso no se sobre el artista, ni tengo idea donde estará en este momento, si es que sigue vivo, así que voy a cerrar esta reseña con un escrito que el mismo Callender puso en la contraportada de su primer disco: "Mi arco iris de colores refleja el pasado y el presente. Cada cambio ha sido indicado por el espectro de mi vida y sólo él sabe los colores ocultos de mi futuro"
Segundo disco de la gran banda ‘Embryo’, una banda que es sinónimo del krautrock mismo. Los orígenes del grupo tienen lugar en Alemania, surgiendo en medio de una movida musical importante, que daría lugar al nacimiento de muchas agrupaciones emblemáticas. La banda fue fundada en 1969 por el multiinstrumentista Christian Burchard (batería, vibráfono, santur, teclados) y Edgar Hoffmann (saxo, flautas). La agrupación se ha caracterizado por el innumerable numero de musicos que han pasado por sus filas, alrededor de 400. Algunos, como Charlie Mariano, Trilok Gurtu, Ramesh Shotham, Marty Cook, Yuri Parfenov, Alan Praskin, X.Nie,Nick McCarthy y Mal Waldron, lo han hecho en numerosas ocasiones. Miembros habituales del grupo han sido Edgar Hoffmann (saxo, flautas, violín), Dieter Serfas (batería), Roman Bunka (guitarra, laúd árabe), Uwe Müllrich (bajo), Michael Wehmeyer (teclado), Chris Karrer (guitarra, violín, saxo), Lothar Stahl (marimba, batería) y Jens Polheide (bajo, flauta). En 1970 tiene su debut, con su primer álbum, un trabajo mas bien reservado pero muy interesante para explorar los sonidos primarios de la banda. En 1971 lanzan ‘Rache’, su segundo álbum, el cual a pesar de ser lanzado solo un año después de su disco debut, la banda demuestra una clara evolución y desarrollo en su sonido y en las fusiones que circundan. A excepción del baterista y un saxofonista, a alineación de la banda cambiar rotundamente para este segundo álbum, y por ende la instrumentacion también, en este segundo álbum no hay guitarras y el saxo aparece muy esporádicamente, en cambio, las flautas y los teclados (sintetizadores y mellotron) se han hecho cargo y participan en una batalla por el espacio contra la batería y el bajo ‘Rache’ es un trabajo de krautrock con un intenso toque hard rock, a puro sintetizador. ‘Embryo’ es una de las facciones más rockeras dentro del krautrock, y este disco es una muestra de ello, un krautrock con mucha sesión improvisada, muchos pasajes instrumentales en temas hard rock bien dinámicos y contundentes. Los sintetizadores juegan un rol principal en el sonido y aportan otro de los factores llamativos y atractivos del disco, los buenos solos en sintetizador desparramados por todos lados.
También se trata de uno de los ejemplos tempranos de fusiones con lo denominado como ‘world music’, ósea géneros y estilos tomados de distintas influencias étnicas. El juego de batería se destaca también, y suman además percusión alternativa con bongos, talvez sea por eso y por algún otro factor en las melodías que hace que el sonido se acerque, seguramente de forma inconsciente, hacia aires de rock latino. También se acercan un poco al flamenco, especialmente en el tema ‘Spain Yes, Franco Finished’, un tema claramente político, que intenta reflejar el estado y el sufrimiento causado por el dictador Franco en España, con su sonoridad y escalas tan particulares y cercanas al flamenco. Los temas afortunadamente son variados y en su mayoría bastante extensos, un promedio de 6 o 7 minutos cada uno, para temas que están plagados de sesiones instrumentales improvisadas. Las últimas tres pistas se recrudecen aun más, hacia caminos kraut más intensos y cerrados, más atemporales, momento en el cual la banda alcanza el punto más profundo en su sonido, a fuerza de una fusión muy inusual entre percusiones atípicas (volviendo un poco a las reminiscencias con el latin rock), mescladas con un contrabajo y una guitarra eléctrica que va tirando sus yeites jazzeros. Embryo es considerada como una de las bandas más importantes del jazz-rock aleman durante la década de 1970, durante estos años no han parado de lanzar disco, en los cuales explorar una innumerable cantidad de sonidos. No han dejado de tocar durante los últimos 40 años, han lanzado discos durante las décadas de los 70s y 80s, y desde mediados de los 90 en adelante, con Christian Burchard siempre a cargo y un siempre cambiante elenco internacional de músicos incluyendo talentos del norte de África, India, China, etc., así como de vez en cuando con los mejores nombres del jazz como Mal Waldron y Charlie Mariano y luminarias de la escena krautrock. En julio del 2008, Embryo recibió el Premio Alemán de la Música del Mundo RUTH 2008 durante el TFF.Rudolstadt Festival, un certamen de músicas tradicionales, de raíz y mundial que se celebra todos los años en julio en esa ciudad de Turingia.
‘Espiritu’, banda progresiva argentina, es una de las primeras bandas argentinas en incursionar en el rock sinfónico, y forma parte de la buena camada de bandas progresivas argentinas que surgieron en el apogeo del rock argentino de los 70s, junto a otras como Ave Rock o Crucis. Los orígenes de la banda tienen lugar allá por 1968, cuando Osvaldo Favrot (Guitarra y voz) forma un trío, junto a Diego Fraschetti en batería y Daniel Bernareggi en bajo, el trio se llamaba originalmente ‘Onda Corta’. Ese mismo año ingresa a la banda Fernando Bergé en Voz líder y guitarra rítmica. Después de numerosas presentaciones en vivo el grupo es contratado por la compañía discográfica EMI en la que edita un simple y participa en dos LP (Primer Festival Beat y Emisión Beat 70), también actúan en el Festival Beat de la Canción Internacional de Mar del Plata (En el que Arco Iris gana con Blues de Dana) En 1971 Bergé es reclutado en el ejército, momento en el cual la banda queda momentáneamente inactiva. Bergé conoce a Carlos Valentín Goler (baterista) en la Banda del ejército en la que ambos tocaban el tambor. A fines de 1972, cuando salen del ejército ambos mantienen una reunión con Favrot para rearmar el grupo ‘Onda Corta’ al cual se integra nuevamente el bajista Bernareggi. Con esa formación comienzan los primeros ensayos cerca de Parque Chacabuco. Bernareggi no puede seguir el ritmo de los ensayos debido a problemas laborales y se retira de la banda.
En uno de los ensayos a principios de 1973 Claudio Martínez, batero amigo de la banda, se les une pero para ocupar el lugar del bajo, por ese tiempo también deciden cambiar el nombre de la banda por el de ‘Espíritu’, propuesta que es bien recibida por todos y queda finalmente. Ya con la banda formada debutaron en el Teatro Lasalle, el 10 de julio de 1973, junto a Litto Nebbia, y pasaron sus primeros dos años de gira, sus presentaciones en vivo eran promocionadas mediante el boca-a-boca. Se empeizan a hacer conocidos por sus impactantes presentaciones, aplastantes desde la música y con recurrentes puestas en escenas que combinaban vestimenta y luces. El 28 de Setiembre de 1973 la banda firma contrato con Microfón Argentina SRL, grabando inmediatamente su primer simple con los temas "Soy la Noche" y "Hoy, Siempre Hoy" que es editado a fines de 1973 por el sello Talent y con Jorge Alvarez como productor discográfico (Productor de Sui Generis, La Pesada del Rock, y otros importantes grupos y solistas).- "Soy la Noche" es incluido en el LP. Rock Para Mis amigos Vol. 3 y es muy difundido por radio.
A principios de 1974 y dado que el tema "Soy la Noche" había recibido una gran aceptación por el público de rock, y buenos comentarios de los músicos de la época, Espíritu comienza a trabajar en un ambicioso proyecto para su álbum debut. Se trataba de una obra conceptual de 50 minutos de duración cuyo nombre era "Crisálida" en referencia a la etapa intermedia entre larva y mariposa y comparándola con los cambios experimentados por un ser humano. David Lebon tiene un breve paso por la banda, para ocupar los teclado, pero la abandona rápidamente para irse con Polifemo, en su lugar contactan a Gustavo Fedel, un excelente pianista proveniente de la música clásica el cual congenia rápidamente con el grupo, el cual para esa altura ya tenía compuesto buena parte del primer disco.
En 1975 ingresan al estudio Phonalex a grabar su primer trabajo, el cual estaba pensado como una obra conceptual, que no tenia silencios entre los temas, sino que los mismos se sucedían consecutivamente unos con otros. Norberto Orleac fue el ingeniero de sala y Billy Bond también participó, como manager de grabación. ‘Crisalida’ sale a la venta, y con él, buenos pergaminos no tardan en llegar, siendo nombrado como segundo mejor disco del año, es que se trataba de una obra esplendida, con un excepcional sonido para la época y una calidad musical elevada, una partida de rock sinfónico al puro estilo Yes o Genesis, aunque obviamente con su sello particular. El trabajo, como ya hemos dicho, es conceptual, se puede ver en la estructuras de los temas, en la poética de las letras, en la fiereza de la interpretación, en la potencia de los pasajes y en una frescura y cualidad únicas, implícitas en las armonías, es un disco hermoso y profundo, que está a la altura de cualquier banda inglesa o italiana. Sobresalen las aplicaciones con guitarra acústica y las paredes electrónicas provenientes de los buenos arreglos en sintetizadores, aplicadas sobre bases intrincadas y laberínticas que generan las guitarras eléctricas y la batería. Un sonido sinfónico poderoso, efectivo y contundente, que juega a entremezclar sinfónica instrumental, con una marcada mescla progresiva que combina de forma eclíptica distintos pasajes, folk rock, hard rock. Una marcada característica progresiva clásica, altamente disfrutable, desde el primer al último segundo. Aquí tenemos a uno de los trabajos progresivos más increíbles del rock argentino, una obra que surge de forma inesperada y que nace de músicos muy talentosos pero totalmente desconocidos hasta su momento. Lamentablemente, la vida de la banda es corta, luego del lanzamiento de su primer disco, a la banda se la tildaba de ‘sorpresiva’, alcanzando un cierto grado de notoriedad por la prensa, siempre trabajando intensamente en las puestas en escena en sus shows. Hacia finales de 1975 y verano de 1976, realizan una gira por la costa atlántica organizada por su manager en ese momento Daniel Grinbank.
Al regreso de la gira la compañía discográfica empezó a presionar al grupo para que entrara a grabar en 15 días su segundo álbum pero solo estaban compuesta y ensayada una parte de disco. Esto afectó la estabilidad interna porque el resto de los temas debían haber sido compuestos por los demás integrantes y ya no había tiempo para hacerlos. La producción propone sacar a la venta un LP con un solo lado con música, dejando el lado B completamente liso y sin temas. Bergé y Favrot se oponen a esto componiendo en una semana el material que faltaba para completar la placa. De esta manera la obra "Libre y Natural" se transforma en el único tema del álbum y el comienzo de la separación del grupo. En marzo de 1976 se termina la grabación de "Libre y Natural" y en ese mismo mes se presentan durante tres días en el teatro Astral junto al grupo Alas. En mayo de 1976 Espíritu se separa. Ciro Fogliatta ingresa a "Polifemo" (segundo tecladista de Espíritu que pasa a este grupo).- Bergé y Favrot forman "Aspid", uniéndoseles luego Claudio Martínez pero en su instrumento original, la batería. Aunque no desaparecerían de la escena ya que el grupo se volvería a únir entre 1982 y 1983. Luego pasarían otros 20 años para que el grupo vuelva a armarse, entre 2003 y 2004, etapa en la que Favrot sería el único integrante original de la banda.
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