Titus Groan - Titus Groan (1970)

''Titus Groan'' fue un grupo de rock progresivo británico nacido a finales de los 60, el cual tomó su nombre del personaje central de la novela gótica, de Mervyn Peake, ‘’ Titus Groan ‘’, libro perteneciente a la trilogía de Gormenghast, en la cual se relata la historia del nacimiento del heredero (Titus) el castillo de la familia, y los extraños rituales que se realizan en dicho lugar. La banda estaba compuesta por John Lee en bajo, Jim Toomey en batería y percusión, Stuart Cowell en guitarra y voz y Tony Priestland en saxo y flauta 

En 1970 lanzan 3 singles y más tarde, ese mismo año, lanza el que sería su único álbum, un trabajo de rock progresivo que consta de solo 5 temas.  El sonido del grupo es en realidad una mezcla de varios géneros que tuvieron éxito o estaban surgiendo en el momento, por lo que se encontraran con algo de pop, blues rock, con bases de blues rock bien marcadas, alcanzando por momentos un heavy progresivo, repleto de riffs, con una rigidez punzante llevada adelante por el asedio instrumental de cada músico. 

El sonido es altamente seductor, ya desde la elaboración de los temas, la cierta dureza de las bases instrumentales, la gran perforase de cada músico y mas que nada por la implementación de instrumentos de viento como saxos, flautas y oboes, lo que le da al sonido cierta remembranza kraut rock.

Al igual que Jethro Tull, su sonido presenta también un cierto sabor medieval y meloso, con una cierta influencia jazzera mezclada por ahí. También  se deja de entrever desparramado en el sonido una especie de folk rock mezclado con algo de country, a lo cual fusionan de maravilla con el sonido que van desarrollando, sin llegar a ser complejo. 

Añadiendo a todo lo anterior una base rítmica impecable, unos riffs de guitarra que muchas veces se adentran en terrenos hard rock y las armonías vocales impecables que contrastan de maravilla y armonizan un poco el enérgico sonido de los músicos.

Un trabajo que no es innovador o revolucionario, pero que es altamente seductor y personal, un muy variado y valioso ejemplo de progresivo británico temprano, propio de una banda que inmerecidamente se hundió en la enorme oleada de popularidad creada por los gigantes de la escena como Yes y Genesis.

Cod: #1168

Ford Theatre - Trilogy For The Masses (1968)

Ford Theatre fue una banda de rock psicodélico nacida en Boston, EE.UU, que estuvo activa entre 1966 y 1971. Su sonido era similar a otras bandas de rock psicodélico de la zona, al comienzo parecíeron ser una banda muy prometedora, estaban influidos por bandas como The Kingsmen , The Beatles y The Byrds, pero finalmente solo alcanzaron a lanzar dos albums, antes de disolverse la formación. La banda estaba formada por Harry Palmer en guitarra, John MAZZARELLI en teclados y coros, Butch Webster en guitarra líder, Joey Scott en voz, Jimmy Altieri en bajo y voz y Robert Tamagni en batería. 

El primer álbum del grupo, ‘’Trilogy For The Masses’’, fue producido por Bob Thiele en 1968. Las pistas para el álbum se grabaron a Fleetwood Studios en Revere, Massachusetts, y las voces se grabaron en Capitol Studios, en la ciudad de Nueva York.

Desde un comienzo despiertan una acides particular, llevada adelante más que nada por la guitarra y el teclado, y volcada en un sonido más que interesante que surge de la fusión de un rock psicodélico típico de la época, en forma de baladas, con toques funkys y pop, alcanzando ser hasta proto progresivos en algún momento.

El sonido alcanzado es tal vez algo modesto en cuanto a algunas características, aunque esto le da a la banda el beneficio de la soltura, la liberación y el desapego de ciertos límites. Cuentan con un sentido de la estética destacable, reflejado mas que nada en las melodías que compusieron, crearon una psicodelia muy particular, baladas psicodélicas con la inclusión de instrumentos de cuerdas (cual toques orquestrales) lo que le da a las melodías un aire ‘’epico’’ o  talvez ‘’dramatico’’, muy similar a un estilo que sería utilizado por muchas de las bandas de rock proto progresivo como Procol Harum y The Moody Blues.

Las letras y la intensidad que le dan a la música tiene que ver con un ambiente dramático y de caos. El mismo nombre de la banda es representativo de ello, ‘’Ford Theatre’’ es el lugar donde fue asesinado Abraham Lincoln, nombre al cual eligieron para representar esa imagen de caos, plasmada en las letras, como también en los distintos arreglos y en los solos y pasajes instrumentales.

Después de 1969, la banda, literalmente, desapareció de la escena y su imagen se vio tapada por bandas más exitosas de los 70s. En una reciente entrevista Jimmy Altieri, este declaró que después del lanzamiento del segundo disco, la banda no logró conseguir un nuevo acuerdo para un tercer álbum y así es como, en 1971, los miembros decidieron terminar con dicha experiencia musical.

Cod: #1137

Beggars Opera - Act One (1970)

Beggar's Opera (nombre tomado de una obra del poeta John Gay del siglo XVIII) fue una banda creada en 1969, en Glasgow, Escocia, por el guitarrista Ricky Gardiner. La banda originalmente conto con la unión de los músicos Ricky Gardiner (guitarra / voz), Alan Park (teclados), Martin Griffiths (voz ), Marshall Erskine (bajo / flauta) y Raymond Wilson (batería).

En 1970, después de firmar con Vertigo Records , la banda grabó su primer álbum, ‘’Act One’’. El álbum conto con la explosión exponencial de las virtudes de la banda, la cual partio de ambiciones sinfónicas en contexto rock que ya The Nice había formado como un prototipo y un modelo a seguir, elaborando un rock proto progresivo en suites vertiginosas y plagadas de teclado. El sonido alcanzado denotaba líneas melódicas claramente definidas, elaboraron un rock heavy progresivo y sinfónico, siguiendo a veces pautas barrocas y en otras ocasiones también otras pautas del folklore celta, sobre la base de enérgicas estructuras rítmicas rockeras-blueseras afines a las de Deep Purple y Uriah Heep.

El estilo de Alan PARK a la hora de manejar los solos, armonías y cortinas de su órgano Hammond (el teclado más recurrente) siguen en buena medida la influencia de Keith EMERSON, e incluso queda claro que es el instrumento crucial dentro del ensamble sonoro grupal: PARK no oculta para nada su amor por el reciclaje de la música de cámara a través del filtro progresivo, algo que se nota en la elección de sendas piezas del austriaco Franz VON SUPPÉ para abrir y cerrar el disco (‘Poet and Peasant’ y ‘Light Cavalry’), así como una serie de porciones de obras de MOZART, BACH, GRIEG, e incluso la "Suite Karelia" de SIBELIUS (¿todavía quedan dudas acerca de la huella de THE NICE en BEGGAR’S OPERA?) en el extenso potpurrí instrumental ‘Raymonds Road’. 

Por su parte, el guitarrista Ricky GARDINER realiza una labor efectiva y precisa, a la hora de acompañar las piezas, y a la hora de plasmar diálogos con el imponente Hammond: sus momentos de mayor lucimiento están plasmados en ‘Passacaglia’, así como en ciertos pasajes de ‘Raymonds Road’. La sección rítmica de Ray WILSON (batería) y Marshal ERSKINE (bajo) funciona de manera sólida. El vocalista Martin GRIFFITHS cultiva un estilo bastante paralelo al de David BYRON (URIAH HEEP), aunque con un tono evocativo más pronunciado.

Aquí les compartimos la reedicion edición de CD lanzada en 2004, que contiene dos bonus tracks, los mismos que ocupaban sendos lados de un single que el grupo editó poco antes de este álbum debut. ‘Sarabande’ es un tema con una cierta tendencia hard que no llega a profundizarse al 100 %, merced al rol gravitante que asume el órgano Hammond: el interludio consiste en un motivo bastante enérgico donde lo pesado y lo barroco se funden fluidamente. Por su parte, ‘Think’ despliega un aire más decididamente rockero.

El disco tiene, pese a toda la notable influencia que pesa sobre el, una frescura propia de la banda, con un costado rockero marcado un ímpetu propio que hicieron que esta banda, pese a que no alcanzaron una fama tal a la de ELP, alcance un nivel considerable en cuanto a seguidores y fanáticos que la convirtieron en una banda de culto.

Cod: #1170

Brainticket - Cottonwood Hill (1971)

Brainticket fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África. 

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. 

Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Amanecer Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión, Werni Prahlach en bajo y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodelico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acides que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgico extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgasmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.

Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de Brainticket como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut. También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: “No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a Brainticket un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.”

Cod: #1165

East Of Eden - Mercator Projected (1969)

El traspaso de la psicodelia al progresivo no fue algo arbitrario ni fijo, entre una cosa y otra surgieron un sinfín de experimentos que sirvieron de transición entre los dos lugares, con algunas bandas que presentaron discos aun vinculados con la psicodelia pero que ya experimentaban con la composiciones, de ello surgieron discos que, como este, no eran del todo clasificables en algo fijo pero que tenían de por sí mismos un espíritu creativo muy amplio.

‘’Mercator Projected’’ fue uno de esos álbumes de transición, totalmente ligado todavía a la forma de canción, pero aun así con una dosis creativa que hacía de las pistas una auténtica aventura por tierras muy rica y divertidas. La banda no tenía una formación constante, pero en este álbum, el grupo estaba formado por el violinista y flautista Dave Arbus, el saxofonista Ron Caines, el guitarrista y vocalista Geoff Richardson, el bajista Steve York y el baterísta Dave LaFont. 

Este fue un grupo británico de rock formado en Bristol, Inglaterra, en 1968, que alcanzo un top 10 Top en el Reino Unido con el sencillo , " Jig-A-Jig ", en 1971, pista incluida en su tercer álbum. Originalmente se llamaron “Pictures of Dorian Gray”, hasta que en 1968  trasladan a Londres, donde firman un contrato de grabación con Deram. Es ahí cuando cambian su nombre tan lírico por el más cinematográfico “East of Eden”.

Todo ‘’Mercator Projected’’ nace de una combinación exótica de psicodelia, rock, elementos de jazz y mucha visión personal. A partir de esa base, los temas surgen de una explosión muy versátil entre los elementos combinados y las distintas experimentaciones, una combinación exótica que fluye hacia altos climax exploratorios, en estados post psicodélicos.

El grupo saber manejar un sabor rockero muy eficaz en tanto a que tiene habilidad en el manejo de riffs ajustados con trazas de algo seguramente proveniente del jazzy blues rock, por lo que cuando tienen interés de volcarse hacia momentos de riffs y partes de buenos solos, lo pueden hacer sin dificultad, de hecho ese elemento es parte del alma de sus composiciones.

Es una música de rock enriquecida por la psicodelia y por varios agregados sonoros, efectos, introducciones, finales, parte dedicadas a los solos improvisados, etc., lo que termina sacando al sonido de ese lugar de canciones predecible y lo ubica con cierto acercamiento a la música proto progresiva.

Seguramente todo lo que hacen entre en el espectro del mundillo progresivo que circulaba en las bandas de época y sus discos, pero esto, pese a todos los ingredientes nombrados anteriormente, no es estrictamente progresivo en tanto presentar suites y/o fusiones con música clásica. La música de East of Eden cuenta con un don que es el de estar entre medio de todo ello y no tender definitivamente hacia uno u otro, con sabor todavía de la psicodelia y con miras de composición que hacen que se diga que se trata de progresivo.

Sin duda es música progresiva temprana pero esta no cuenta con elementos clásicos de las escuelas más populares, sino que lograron presentar sus propias visiones aun dentro de la canción. Parece ser una banda que sabía por dónde se manejaba y qué es lo que estaba haciendo, con experimentaciones que cuentan con un lugar conceptual bien armonizado con el resto de composiciones aunque dichas composiciones sean diferentes entre sí. No todo es meramente rockero en tanto riffs y rock agresivo, hay algunas composiciones más atmosféricas y calmas, pasajes tranquilos y momentos de canción meditativos.

Cod: #1072

Herbie Hancock - Takin' Off (1962)

 Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop,fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a lamúsica de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.

Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento presente, no el pasado.

‘’Takin 'Off’’ es el álbum debut del pianista de jazz Herbie Hancock como líder, lanzado originalmente en 1962 para el sello Blue Note. La sesión de grabación incluyó a  Billy Higgins a los tambores, Butch Warren en bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, y Dexter Gordon en saxofón tenor.

El debut de Herbie Hancock reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad que desplego un jazz, hard bop claisco, con muy elegante, impregnado por un toque de soul y blues, y con un feeling muy personal, lo que le dio al sonido un rumbo muy especial e hizo alzarlo al standares en el mismo jazz, con por ejemplo con su primer tema de todo su repertorio, el pegadizo ‘’Watermelon Man’’, que se convirtió en un clásico del pianista y en un estándar dentro del jazz.

El resto de los temas de disco quedan irremediablemente eclipsados por un tema inicial tan brillante, pero es que los otros cinco también se han convertido en clásicos y en estándares recurrentes dentro del hard bop, por su estilo refinado y particular. Por eso este estupendo debut en Blue Note se considera un álbum clave en la discografía de Hancock, porque ya permite apreciar sus primeras innovaciones, de cómo en su cabeza quizá ya empezaba a gestarse la revolución del jazz fusión y, por supuesto, todas las novedades que introdujo en el hard bop. 

El álbum fue re lanzado en CD en 1996 con tres tomas alternativas y remasterizada en 2007 por Van Gelder. La edición 2007 cuenta con nuevas notas por Bob Blumenthal.

Código: #1021

Almendra - Almendra II (1970)

He aquí, el segundo disco de Almendra, banda de la cual ya hemos subido su primer trabajo. Por si alguien no lo sabe y ni lo ha leído en el primer post que hemos hecho sobre esta alucinante banda, Almendra fue una banda creada, en su comienzo, por cuatro adolescentes, los cuales se conocían por ser compañeros del Instituto San Román: Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz),Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería).

Almendra vio la luz en 1967, en el barrio porteño de Belgrano, y ya desde sus comienzos comenzaros con una andanada creativa ultra precoz para sus edades, en especial por el mismísimo Spinetta, que a los 18 ya estaba componiendo temas muy profundos y maduros como ‘’Tema de Pototo’’, ‘’El mundo entre las manos’’, ‘’Hoy todo el hielo en la ciudad’’, entre  tantos otros. Tal fue su despegue que lograron alcanzar un lugar de elite entre las bandas de su época y entre las mismas bandas fundadoras del denominado rock argentino.

Su debut no se dejó esperar más, hasta que en 1969 lanzan su primer álbum, repleto de temas fundacionales y emblemáticos, cuasi adolescentes pero con templanza y firmeza, así como también dulzura e inocencia, incomparables.

Pero en este caso nos vamos a centrar en su segundo disco, el que lanzaron  para 1970, un disco doble que nació de las cenizas de una ópera rock fallida, incluso el mismo disco comienza con su ‘’Obertura’’, el cual hubiese abierto la potencial opera fallida. Este segundo álbum, llamado igual que el primer disco, ‘’Almendra’’, se presenta no tan fácilmente como los primeros sonidos a los cuales tenían acostumbrados a su público, esta vez denotan tal vez cierta madurez, melodías más desestructuradas que comienzan a marcar el camino a seguir de los músicos, especialmente el de Luis. 

En este trabajo pareciera que la banda girara el timón en medio del océano, casi a la deriva, sin un destino prefijado, ni melodías fáciles de asimilar. Este disco doble es introspectivo, lejos ya de aquellos primeros años adolescentes. Una propuesta más compleja pero menos rigurosa. 

Este disco doble marca el final de la banda, la cual no llega a estrenar la anunciada "Opera", en la cual venían trabajando y donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, lamentablemente la obra quedaría inconclusa ante la separación de la banda en el mes de diciembre. Este segundo álbum se construye con temas de esa opera inconclusa y es lanzado en momentos de ruptura de la formación.

‘’Almendra II’’, lanzado 1971, es un álbum de folk rock, es más ecléctico, experimental, disperso y hasta con un tinte muchísimo más rockero e intenso que el primer álbum. El sonido se construye desde el sonido que la banda ya venía trabajando, un folk introspectivo y altamente personal y complejo, sumado esta vez a un rock con toques garageros, que deja un buen sabor. Si bien no es un disco simple de abordar, por otro lado nos muestra otro lado de la banda, más expansivo, que se contrapone perfectamente con lo que venían haciendo y deja de entrever más aun la profundidad creativa, musical y poética de los músicos.

Desde el inicio, ‘’Obertura’’, tema instrumental, o ‘’Florecen los nardos’’, anticipan una ardua tarea que pretende explorar nuevos ritmos con un concepto muy rockero en el que prepondera la guitarra eléctrica, a veces algo desalineada. Canciones que trazan con fuerza un eje central no tan visible, ‘’No tengo idea’’, ‘’Aire de amor’’, ‘’Cometa Azul’’, ‘’un pájaro te sostiene’’, ‘’En las cúpulas’’, ‘’Mestizo’’, ‘’Amor de aire’’ y el clásico ‘’Rutas Argentina’’. Por su lado: ‘’Camino difícil’’, ‘’jingle’’, ‘’vete de mí’’, ‘’cuervo negro’’, ‘’verde llano’’ (estas dos últimas lindantes con el jazz) conservan en parte el espíritu del álbum anterior pero con textos no formulados sobre la base de un discurso claro. En ‘’Para ir’’ y ‘’los elefantes’’ Spinetta muestra la punta de un iceberg de lo que será su definida identidad musical, composiciones muy representativas de ese particular estilo propio. 

Excepto en raras ocasiones se eliminan los arreglos corales que alivianaban el resultado final: ‘’Parvas’’ o ‘’leves instrucciones’’. En el caso de la infinita ‘’Agnus Dei’’, las melodías se suceden entre acordes semiarábigos, guitaras acústicas planas y eléctricas para los solos. El sendero de experimentación reflejado en ‘’Carmen’’ o ‘’Toma el tren hacia el sur’’, alcanzara su forma final con el futuro trabajo solista de Luis, ‘’Spinettalandia y sus amigos’’,
"Almendra no se divide, se multiplica", la frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país. Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); y Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre.

La reunión de 1979-1981: La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado. ‘’Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada", Rodolfo García.

Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas, una convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.

Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se realizaran: ‘’(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.’’, Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores, 4 de diciembre de 1979.

Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982.

En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.

La reunión de 2009: la siguiente reunión se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un recital donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un espectáculo que duró más de cinco horas denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.

Cod: #1028

The Free Pop Electronic Concept - A New Exciting Experience (1969)

Este disco nace de la mano de los hermanos Antonio y Fernando Lameirinhas, dos portugueses radicados en Belgica, llegados a dicho país en 1959, escapando de la atmosfera opresiva y dictatoríal que se vivía en su país natal, Portugal. Fue en Belgica que los dos hermanos estudiaron usica y comenzaron con sus primeros proyectos musicales, seria para 1964 cuando publicarían sus primeros singles bajo el nombre de The Modes. Pero bajo ese nombre no funcionaron mucho tiempo, pronto cambiaron al de Jess and James, nombre bajo el que publicaron tres albums, bajo estilos como soul, rythm, beat y psicodelia.

Sería en ese mismo año en el que se encargan en un proyecto experimental, para fusionar esa misma música que venían haciendo, R&B, soul y funk, pero esta vez combinándolo con electrónica, al estilo ‘’Psyché Rock’’ de Pierre Henry, o ‘’Les Maledictus Sound’’ de Jean-Pierre Massiera. Fue en ese momento cuando el productor, Roland Kruger llegó con la idea para desarrollar un nuevo álbum relacionándolo con las tendencias underground del momento, y fue así que los hermanos Lameirinhas se juntaron nuevamente en el estudio para nuevas sesiones de estudio.

El sonido consiste en varias sesiones, casi como improvisadas en estudio, atascos de soul/funk y R&B, algo psicodélicas, grabadas en un solo día, tal cual quedó en estudio, sin overdubs o agregados instrumentales. Para estas sesiones se les unió un tal ‘’Vinagre’’, un percusionista puertorriqueño que formaba parte de la escena latina que había en aquel entonces en Bruselas, y que se sumó a ellos, para las sesiones, en congas. Las grabaciones resultantes, fueron manipuladas por el productor, y co-compositor de la obra, Arsene Souffriau, quien se encargó de agregarle los distintos efectos electrónicos, ondulaciones y motivos diversos, que condimentaron por encima a las sesiones instrumentales.

Los temas desplegados son jams muy agradables, típicas del soul hippie de finales de los 60s, un sonido movido, entretenido, divertido, que en este caso queda como de fondo, en la entre-mezcla, como sirviendo de plataforma  para los diversos agregados electrónicos, que aparecen de principio a fin y que convierte el sonido en todo un viaje underground experimental, electrónico y hasta espacial. No se trata de una fusión, porque primero se produjo las bases y luego, por encima se le agregó la electrónica, es un entrecruce, un experimento. Se asemeja considerablemente al trabajo ‘’Ceremony: An Electronic Mass’’, que Spooky Tooth produjo junto a Pierre Henry.

Los efectos de sonido fueron agregados una vez compuesta la música y tal vez sea por eso que haya cierta desconexión entre los tiempos y los efectos, parecen dos mundos funcionando a la vez, aunque el disco también tiene sus partes netas en la búsqueda sonora, como en el tema ‘’ Free Pop Electronic Theme No. 1’’, que dura 14 minutos y en los cuales se mezclan distintos efectos de sonido, percusión, guitarras fuzz, creando un ambiente volátil, muy cargado y condimentado. Este emprendimiento temprano constituye un ejemplo en el acercamiento de la psicodelia y la música electrónica.

Se trata de un extraño y oscuro artefacto de la psicodelia belga, un proyecto que surgió como una eventualidad y no tuvo mayores connotaciones comerciales, pero fue una gran oportunidad para los músicos, e incluso una gran oportunidad para el productor Arsene Souffriau, quien era un aficionado y experto en la musica electrónica y fue el encargado de la parte experimental del disco. Luego de este lanzamiento los hermanos Lameirinhas continuaron sus carreras, especialmente en Belgica y varios paises de Europa, hicieron algunos giras por España con otro proyecto, llamado Los Canarios, junto al musico Teddy Bautista. Durante la decada de los 80s Fernando Lameirinhas tuvo exito en su carrera solista como cantante y compositor.

Código: #1022

John McLaughlin - Extrapolation (1969)

John McLaughlin (nacido el 4 de Enero de 1942, Doncaster, Reino Unido, también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70 llamado jazz-fusión o jazz-rock. Sin embargo, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el Flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y desde la década del 70 en adelante con sus grupos "Mahavishnu Orchestra", "The Heart of Things", "Five Pece Band" y actualmente "John McLaughlin y la 4ta Dimension") y con la música clásica (en su "Concierto para guitarra y orquesta" y en el disco "Thieves and Poets").

McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.

Antes de trasladarse a USA, McLaughlin lanzo su trabajo ‘’Extrapolation’’, su álbum debut, su primer álbum como líder,  único álbum que grabó antes de unirse a Miles, el cual suena tan fresco hoy como sonaba allá por 1969. Fue grabado en Advision Studios, en Londres, el 18 de enero de 1969 y primero lanzado a finales de ese año por Giorgio Gomelsky's Marmalade Records.

El album cuenta con el subestimado John Surman en el saxo, Tony Oxley en la batería y Brian Odges en el bajo. Este cuarteto explota a través de dinámicas y frescas composiciones de jazz-blues-rock de McLaughlin, con forma de mezcolanza de ritmos inquietos y ganchos irresistibles, un jazz moderno y de vanguardia, con una notoria participación de cada integrante del cuarteto, a los cuales se les permite sobresalirse de las estructuras básicas e ir moldeando constantemente la sesión a su manera. 

El sonido es muy crudo, aunque increíblemente maduro para un álbum debut, las piezas son temáticas, tienen su esencia particular y se funden y unen unas con otras entremezclando toda una variedad de composiciones, fusionadas con dulces matices de blues que fluyen en cascada hacia surcos profundos y lugares cambiantes; envueltos en un estado de melancolía jazzera, mientras la guitarra de McLaughlin guía los pasajes y los abraza con constantes fraseos con acordes de jazz y exquisitas intervenciones con sus exquisitos solos e improvisaciones.

El álbum no fue lanzado en los EE.UU. hasta 1972, tras el éxito de McLaughlin como el líder de la Mahavishnu Orchestra. La primera versión lanzada en los EE.UU. y el resto de las reediciones posteriores fueron publicados por la etiqueta Polydor.

Luego de grabar su primer disco se trasladó a los EE.UU., donde tocó con en el grupo de Tony Williams, ‘’Lifetime’’ y luego se unió por un tiempo a Miles Davis y sus proyectos, participando de los albumes ''In A Silent Way'', ''Bitches Brew'', ''A Tribute to Jack Johnson'' y O''n The Corner''. 

Luego llegaría unos de sus puntos culmines de su carrera, crearía su banda eléctrica, su monstruo del jazz, su maquinaria de rudimento potencial, su Mahavishnu Orchestra, explotando todo su estilo técnicamente virtuoso y complejo, con el que prácticamente creó una corriente y un estilo propio dentro del jazz fusion mismo; dentro de este genero él es uno de los precursores y mayores entusiastas. 

En 2010 el guitarrista Jeff Beck llamó "el mejor guitarrista vivo". El indio maestro de tabla, Zakir Hussain lo ha llamado "uno de los más grandes y uno de los músicos importantes de nuestros tiempos". En 2003, se clasifico a McLaughlin, en la revista Rolling Stone, en el puesto 49 º de la lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Cod: #1214

Odin - Odin (1972)

'Odin' no sólo era el nombre del dios mitológico, sino también el de una banda de rock progresivo, fue un cuarteto progresivo nacido en Gran Bretaña, pero con residencia en Alemania (al igual que ‘’Nektar’’), estaba compuesto por miembros, no solo británicos, sino también alemanes y holandeses. Su sonido se ajusta mas o menos al sonido británico de principio de los 70, como el de bandas como Quatermass, Deep Purple, Atomic Rooster, etc.

La banda estaba formada por Jeff Berr en los teclados, Ray Brown en el bajo, Stuart Fordham en la batería, y Rob Terstall en la guitarra, con la particularidad que todo estaban abocados en tareas vocales, incluso el baterista. 

Graban en 1971 su único trabajo, basado en sonidos progresivos que parten con intenciones mas pesadas, hard rock, heavy prog, desplegando habilidades musicales impresionantes para un cuarteto prog mas bien estándar, como lo eran ellos. El álbum fue lanzado  en 1972, por el sello Vertigo, y se convirtió en uno de los títulos más deseados en la etiqueta. 

Presentan un rock progresivo dinámico y un tanto crucial, altamente definitorio en cuanto a las intenciones melódicas y muy diversos musicalmente, incluyendo una mezcla ecléctica de estilos,  con varios pasajes y melodías  implícitas que van desde muy buenos condimentos bluseros en los arreglos vocales, muy buenas melodías, además de, pese a no ser un álbum extremadamente extenso, grandes arreglo incluso en los temas de corta duración, es por eso que la satisfacción está garantizada casi en cada tema.

Si te gusta el sonido del Hammond, este es tu álbum, el teclado cumple un rol muy importante en las excursiones progresivas que llevan a cabo, el cual por momentos denota una cierta influencia de ELP, con composiciones rebuscadas y un tanto jazzeras y participaciones definitorias en los solos. La guitarra por su lado, también heavy, cumple también un rol vital, con su sonido fuzz, bien cargado y ecléctico, pero aportando un sonido mas desde su lado más funk rock y blues...

También denotan, tal vez intencionalmente, la influencias que Frank Zappa ha volcado sobre ellos, de hecho en el tema instrumental ’’ Tribute To Frank’’ se acercan demasiado a trabajos instrumentales de Zappa, por lo que podríamos concluir en que el ‘’tributo’’ del cual se jactan en el nombre de ese tema, no es más que para el mismo Zappa.

                                              Cod: #1159