Dillinger - Dillinger (1974)

Esta banda progresiva proviene de Ontario, Canada, nace en la escena hard rock de principio de los 70s de dicho país, junto a bandas como Rush, Triumph, A Foot In Coldwater, Thundermug, por lo que heredó su buena dosis de poderío en su sonido. En 1973, los hermanos Jacques y Robert Harrison (tecladista y baterista respectivamente), dejan la banda ‘’Quevec’’, para formar su propio proyecto, surge ‘’Dillinger’’, nombrada así por el infame ladrón de bancos John Dillinger, de Indiana. Para este nuevo proyecto reclutarían al guitarrista Paul Cockburn y al bajista Terry Bramhall.

La banda firmó con el sello independiente canadiense Daffodil Records y su debut homónimo fue lanzado en 1974, conteniendo un muy esmerado sonido progresivo de carácter pesado, hard rock progresivo con toques blues y pasajes donde se hacen presentes elementos de jazz. El sonido final es muy complejo y acertado, con una buena potencia y contundencia; para nada atmosféricos o misteriosos, sus energías fluyeron más hacia atascos pesados, rotundos, una fiereza que, junto al nivel de exactitud que mantienen y el nivel puntilloso de los arreglos, se vuelve muy agradable de escuchar. Entre tanto poderío y despliegue de complejidades, el jazz que surge pareciera no quedar tan lejos de lo que es el jazz fusión.

El disco está compuesto por cuatro temas: tres temas más cortos, pero sin perder jamás la complejidad de carácter progresivo, pasando por ‘’Nature´s Way’’ donde demuestran una cara más melódica; y un cuarto tema de 17 minutos, ’’Live & Return’’, una autentica suite épica, donde vuelcan el resto del repertorio progresivo y la imaginería portentosa que se ahorraron en los temas iniciales, desplegando una extensa composición progresiva, nutrida con atascos en teclados, pasajes jazzeros, buenas partes melódicas y una clara potencia hard que despliegan constantemente. Después de los 11 minutos, un solo de batería irrumpe y viaja durante casi cuatro minutos que recuerda al solo de Karl Parlmen en ‘’Tank’’. Una suite a la que realmente no le falta nada, un extenso viaje típico de la época.

Debido a su complejidad, el álbum fue recibido con algo de indiferencia, pero debido a la dedicación y las constantes presentaciones en vivo del grupo, lograron algo de notoriedad. En su próximo álbum, 'Do not Lie To The Band', lanzado dos años más tarde y con la ayuda del productor de Rush, Terry Brown, Dillinger maduró y ajustó su sonido y estilo más hacia una dirección de rock duro, aunque aún con tendencias progresivas. En 1977, la banda sufrió algunos cambios de formación y mutó hacia el nombre de The Hunt, lanzando un álbum homonimo, un disco fantástico de hard rock aunque las tendencias progresivas ya eran casi inexistentes. 

Cod: #1236

Fläsket Brinner - Fläsket Brinner (1971)

‘’Fläsket Brinner’’ es una banda sueca nacida en Estocolmo, Suecia, en 1970, grupo sueco de sesión bastante experimental e inquieto, con un personal sonido y un estilo que refleja el estirpe de bandas experimentales habidas en la Suecia de principios de los 70s, epoca en la que el rock de dicho pais estaba pasado por una autentica revolucion musical, analoga a lo que pasaria con el krautrock en Alemania. El grupo se fundó por iniciativa del teclista Sten BERGMAN, a quien se sumaron Bengt DAHLE’N (guitarras), Per BRUUN (bajo), Erik DAHLBÄCK (batería) y Gunnar BERGSTEN (saxo). 

Durante el otoño y el invierno, de 1970-1971 la banda interpretó en vivo su album debut homonimo, grabado en tres locaciones diferentes, de dos presentaciones en vivo y el resto en estudio, siendo Frank Zappa uno de los mayores inspiradores para el grupo. 

El homonimo ''Fläsket Brinner''  refleja que el sonido rock que manejaba la banda era muy particular, extraño, un tanto indefinible; no tienen un idioma que los caracterice, o tal vez si lo tienen es el hecho mismo del rock desenfrenado y rustico que despliegan, y por el cual se muestran bastante abiertos a diferentes estructuras, un sonido dinámico, con improvisaciones, de sesión. A ello sumarle que agregan melodías del folk sueco a sus sesiones, dándole un estilo pastoral. 

El sonido refleja melodías tradicionales, con hard rock, sesiones de improvisación, y estructura surgidas del cruce entre lo psicodélico y lo progresivo, esto deja un sabor final algo particular, no se parecen a nadie o se parecen a pocos en su epoca (tal vez si tomáramos algunas sesiones de Greatful Death encontráramos lugares parecidos). Sorprendentemente para un disco debut, gran parte de este fue grabado en vivo, en concierto (en diciembre de 1970 - cuando la banda abrió para ‘’The Mothers of Invention’’), mientras que algunas pistas más cortas se hicieron en estudio

Durante el verano del mismo año Bergman abandonó la banda y el papel de organista fue tomado por Bo Hansson, quien estuvo activo con el grupo algun tiempo, para las presentaciones en vivo, ademas de aportar algunos temas para el segundo lanzamiento del grupo, que sería publicado para 1972, denominado como “Fläsket”, lanzado ademas con la colaboración estelar de Mikael Ramel, un afamado “cantautor” sueco. 

En 1973, el grupo pasó por varias cambios en la formación pero a partir de allí no fueron capaces de volver a publicar algún otro material, permaneciendo juntos hasta 1981, año en que el grupo se desintegraría. 2003 sería el año en que volverían a juntarse, año en el que lanzarían el box set de cuatro cds, “Swedish Radio Recordings 1970-1975”.

Cod: #1150

Chico Magnetic Band - Chico Magnetic Band (1971)

La banda ''Chico Magnetic Band'' nace en Lyon, Francia, en 1969, originalmente bajo el nombre ‘’Chico & The Slow Death’’. Este cuarteto psicodélico reinventó la psicodelia de una forma salvaje, desde la suma de distintas influencias y la combinación de muy buenos sonidos. El grupo estaba integrado por Mahmoud "Chico" Ayari en voz, Gregoire Djevahirdjian en guitarra, Alain "Jimi" Mazet en bajo y Patrick "Cactus"Garel en batería.

Para 1970 lanzan un primer single, y al año siguiente, 1971, lanzarían su primer LP, el homónimo ‘’Chico Magnetic Band’’.  Indudablemente están influidos por Jimi Hendrix, y toman distintos elementos del rock de la época, influencia que no dejan de mostrar constantemente en su estilo, pero a la vez reinventan el sonido de una manera formidable y alucinante, hace un rock psicodelico altamente acido, heavy, violento; con voces dementes, guitarra rabiosas, y una sección rítmica alucinante.

Saben imprimirle al sonido una personalidad única, se trata de una psicodelia propiamente dicha, muy variada en lo que a distintos ámbitos lisérgicos respecta, muy frescos y experimentales, pasan por partes acústicas, algunas más calmas, para saltar con fuertes riffs, también hay mucha experimentación sonora. El álbum en general no es tan extenso, pero el sonido es tan agradable para el oído que pareciera que uno pasa por tramos mucho más duraderos, con pocos recursos aprovechan muy bien los espacios y hacen algo formidable.

Se podrían detectarles como influencias talvez a Zeppelin, Funkadelic, pero sin duda la influencia mas presente aquí es la de Jimi Hendrix, se puede apreciar en los solos, en los riffs, y en la cantidad de covers que hacen de sus temas. En el disco aparece uno, ‘Crosstown Traffic’, pero también dejaron varias grabaciones en donde interpretan varios temas más del guitarrista norteamericano.

Poco se sabe del grupo y sus andanzas, luego del lanzamiento del álbum, lanzaron varios singles más y luego desaparecieron, alrededor de 1972. En estos últimos años han aparecido un par de rendiciones que rescatan sus singles.

Lo que compartimos en esta ocasión son dos lanzamiento, primero la reedicion en cd del disco en si, Chico Magnetic Band, de 1971; y tambien les dejo otro lanzamiento en cd, llamado 'Disques 45', que contiene singles, grabaciones y otros temas que dejó la banda, grabaciones realizadas entre 1969 y 1973, entre los que se encuentran cuatro alucinantes covers de temas de Jimi Hendrix, sumado a otros raros temas propios del grupo.

Cod: #1203

C.A. Quintet - Trip Thru Hell (1969)

La banda ''C. A. Quintet'' nació en 1965 en Minneapolis, oeste norteamericano, de la mano de los hermanos Erwin, Ken (multi-instrumentista, compositor, productor del grupo y cantante) y Jimmy (bajista y vocalista), además de Doug Reynolds (cantante y teclista), Tom Pohling (guitarra) y Rick Patron (batería). 

En sus comienzos la banda tocaba temas algo comerciales y bailables, pero en algún momento entre 1966 y 1967 dan un paso definitivo que los marcaría musicalmente, al sumergirse en el pantanoso terreno del underground, la psicodelia y la experimentación. Por esto comienzan a experimentar con nuevos sonidos, utilizando los recursos musicales con los que contaban y abriéndose hacia nuevas posibilidades, debido a la búsqueda sonora.

De este emprendimiento afortunadamente ha quedado un trabajo, llamado ''Trip Thru Hell'', del cual solo se editaron 700 copias. Este ''viaje por el infierno'' refleja un autentico transito por zonas oscuras o muy particulares, tal vez un viaje por el tártaro mismo, o tal vez por algún ambiente oscuro underground, lo cierto es que presentan un sonido psicodelico atípico, un oscuro trabajo de psicodelia y rock ácido, algo experimental y de una extraña oscuridad. 

El sonido sabe mantenerse a si mismo dentro de particulares y variadas piezas psicodelicas bien al estilo californiano, que no pierden su originalidad, peculiaridad, y denotan la versatilidad de la banda; la cual se mantiene siempre en un ambiente garage.

Su música cuenta con un aura particular, y sin duda de la mezcla de distintos elementos surge algo extraño, espeluznantes, algo bizarro, sin contar los ácidos solo ácidos de guitarra, los gritos y voces femeninas y algunos efectos de sonido que aparecen durante todo el trabajo y que vuelven mucho mas oscuro el asunto.

''Trip Thru Hell (Part 1)'' es la pieza que abre el trabajo y la que tal vez más refleje el ''concepto'' que intentan trasmitir, en la cual el paisaje oscuro y desolador que pintan pareciera reflejar el mismo concepto de la tapa y el nombre del disco, algo infernal, desolador, solitario.

El disco fue reeditado a principios de la década del 80, a más de diez años de la edición original, ''Trip Thru Hell'' se reeditó sin autorización al otro lado del Atlántico, en Inglaterra, y se le agrego los 12 cortes adicionales que se componen de tomas alternativas y temas ineditos o raros que la banda grabo previo al disco, y que sirven para demostrar la increíble evolución del grupo desde sus primeros intentos, mucho más convencionales tanto a nivel lírico como musical. Aunque entre esos cortes se destacan temas como "I Shot the King", ''Fortune Teller's Lie'' y la espeluznante versión del super-clásico de Screamin' Jay Hawkins "I Put a Spell On You" que permite intuir hacia donde se dirigía la banda...

Después del disco, la historia de siempre; drogas, peleas, managers corruptos... la banda se desintegro desapareciendo los músico, pero con la particularidad de haber dejado este disco de culto. También tienen otro disco, en vivo, publicados en los 80s, y que recoge uno de sus concierto en vivo, de principio de los 70s.

Cod: #1151

Pharoah Sanders - Karma (1969)

Pharoah Sanders es un saxofonista de jazz estadounidense, nacido el 13 de octubre de 1940, en Little Rock, Arkansas, bajo el nombre de Farrell Sanders. Se destacó por su mezcla de estilo free jazz y marcadas lineas rítmicas, a menudo con percusiones africanas. A principios de los sesenta se afincó en Nueva York destacando rápidamente entre los músicos de vanguardia de la gran manzana, adscritos en aquella época del free jazz como Sun Ra (quién lo bautizó como «Pharoah»). Desde 1962 colaboró con John Coltrane, especialmente en los últimos discos que realizó para el sello Impulse! (ademas ha sido presentado como un protegido de John Coltrane y considerado por muchos como su aparente heredero.) 

Sanders, junto a algunos de sus contemporáneos, forman parte de una linea artística post Coltrane que continuó fervientemente el lineamiento espiritual y además incursionó hacia las fusiones con elementos de la música y cultura africana, además de inmiscuirse con elementos filosóficos y religiosos de culturas orientales. 

''Karma'', su tercer lanzamiento como lider y si primero bajo el sello ''Impulse!'', de 1969, es un verdadero viaje de exploración musical llevada a cabo por una clara y deliberada intención espiritual, meditativa, etc., con ademas una sensibilidad especial. Sanders, caracterizado por el uso de los espacios, se explaya durante una sesión de jazz de horas de grabación en la cual transita por distintos estados de expresión con motivos y adornos africanos instrumentales; pasando por extravagancias y frenetismos sonoros, momentos mas cómodos, tranquilos y placenteros, pasajes mas rápidos e improvisados, etc.

Se trata de un verdadero clásico iconico del jazz espiritual negro que sobresale como un pilar de la vanguardia y la libre expresión dentro de los sutiles caminos de los sonidos meditativos.  El resultado es la principal y primera composición del disco, llamada ''El creador tiene un plan maestro'', de 32 minutos de duración. 

Este es un autentico despegue que comienza dulcemente, transitando por la canción adornada por agradable motivos africanos, hasta que poco a poco va ''perdiendo'' el control hasta volverse a un estado caótico y totalmente libre, representando una variación que revitaliza la composición, la dota de un vanguardismo aun mayor y la salva de la monotonía. Hacia el final de la pieza el motivo original es retomado y el lema y melodía del ''plan maestro'' vuelve a surgir, estado en el que termina la enorme sesión. Cuenta con la colaboración de Leon Thomas que se encarga de llevar la voz del tema y que ademas aporta una cálida improvisación vocal que se despliega en varios pasajes del tema y lo hace mucho mas cautivador y exquisito...

El segundo y ultimo tema del disco, que solo consta de 2 temas, se llama ''Colors'' y también cuenta con el mismo sentido religioso de la composición anterior. Este está inmerso en una atmósfera tranquila, también meditativa; los distintos arreglos en piano y percusión hacen que el sonido también tenga una característica étnica, exploratoria y profunda. Todo el sonido del disco es muy amplia, abierto y pareciera suspenderse sobre el aire, viajando sutilmente sobre este, como señal de algo que se halla o conecta con un estado superior de ser.

Cod: #1198

Chillum - Chillum (1971)

La historia de este grupo comienza originalmente en 1965, cuando el tecladista Ken Elliot formó una banda llamada The Next Collection, pero no fue sino hasta 1968 cuando firmaron con Polydor Records, cuando el sello les sugirió que cambiaran su nombre, fue así como surgió el nombre Second Hand. Este grupo británico publicó dos álbumes entre 1968 y 1971, y son a menudo recordados como uno de los precursores del rock progresivo, o por lo menos del rock proto-progresivo, se los suele ubicar entre esa breca rupturista que dio lugar hacia el paso rumbo al surgimiento del rock progresivo.

La publicación de su segundo disco, allá por 1971, bajo el sello Mushroom Records, significó el principio del fin. Luego de que algunos miembros renunciaran, la banda se encaminó rápidamente a su desaparición, pero justo antes de disolverse, y en un momento en el que la separación parecía inminente ya que ya se habían retirado de las giras y las actuaciones en vivo, se re agrupan e invitan a un joven guitarrista, Tony McGill, a grabar un tercer disco.

La nueva formación del grupo estaba compuesta por Ken Elliott en teclados, Mellotron, órgano y voces, Kieran O'Connor en batería, Tony McGill en guitarras, George Hart en bajo y Rob Elliot en voz. Ellos vuelven a grabar, y en un solo día desarrollan todo un disco, el cual sería lanzado inmediatamente. El concepto bajo el cual desarrollan este trabajo consta en una libertad total, ya que el sonido es totalmente experimental e improvisado.

Así es como, en 1971, graban, en un solo día, para Mushroom Records, este álbum al cual llamarían Chillum, y que se publicaría bajo el nombre homónimo de Chillum, aunque el disco suele también estar acreditado bajo Second Had. Se trata de un álbum frenéticamente alocado y desbocado, que no sigue un patrón especifico sino que cada tema ocupa su lugar y no tiene que dar explicación de porqué está o porque es lo que es, proveniente de una banda desenfrenada y por momentos sin mucha coherencia, por lo que la música surge a borbotones descontrolados, dejando a la libre interpretación si lo que se escucha es cohesivo entre sí o no, pero esto es lo que le da su carácter tan llamativo al sonido.

Se dice por ahí que publicaron este tercer disco con el fin de salvar o revivir la banda, como un manotazo de ahogado para resucitar el proyecto, pero no parece que tuvieran demasiadas intenciones comerciales con el sonido. Ya desde el comienzo del disco, desde los primeros segundos, se puede percibir qué intenciones tenían, apareciendo uso gritos alocados que funcionan de introducción, durante unos pocos segundos, para dar lugar inmediatamente al segundo tema, ‘’Brain Strain’’, una sesión totalmente improvisada, de veinte minutos de duración, en la que vuelcan todo su poderío instrumental y explotan en una alucinante improvisación instrumental, rustica, pesada y psicodélica, altamente experimental. Hay otra pieza en el disco que sigue este lineamiento de sesión improvisada pesada, ‘’Yes! We have no pajamas’’, otra gran improvisación, esta vez de diez minutos de duración, también rustica totalmente improvisada.

El resto del trabajo se completa también con una serie de temas que no parecen estar demasiado pensados de antemano, sino que siguen esta línea de improvisación, ya no como atascos pesados o rockeros, sino como piezas sencillas y cortas que parecen estar ahí para completar el disco con lo que tenían a mano, con los restos y composiciones que les habían quedado, o con lo que pudieron armar en el momento de grabación, piezas sencillas y rápidas que no dicen demasiado. 

Todo el disco parece estar caracterizado por esto, por haber sido creado en el momento, casi improvisado a la hora de la grabación, lo cual no da la pista de que este trabajo no fue un intento de revivir la banda, sino fue un último coletazo en el que volcaron las ultimas gotas de lo que quedaba en la banda, y en el que se presentaron casi sin ataduras o premisas comerciales, tal vez sabiendo ya de antemano que no sería un disco predestinado a mayores sucesos comerciales. 

Este álbum pasó desapercibido, y esto marcò el fin de dicho proyecto y el final definitivo del proyecto original, Ken Elliott decide disolver ''Second Hand'' a principios del 1972. Ken Elliot y Kieran O'Connor se unieron más tarde para formar una nueva banda llamada "Sevenhave" con menos éxito.

Cod: #1037

Rainbow Ffolly - Sallies Fforth (1968)

Los hermanos Jonathan y Richard Dunsterville, dos jóvenes ingleses casi adolescentes, procedentes de la ciudad de “High Wycombe” en el condado de Backinghamshire. Llevaban haciendo música desde primeros de los sesenta con una banda llamada “The force four” y que se dedicaba principalmente a interpretar temas de sus admirados Everly Brothers.

Años después, ya en 1967, Jonathan conoció en la universidad a un baterísta llamado Stewart Osborn, quien a la vez propuso invitar a un bajista amigo suyo llamado Roger Newell a tocar. Juntos formaron lo que sería “Rainbow Ffolly” iniciando su andadura de la mano de un mánager llamado John Sparrowhawk (Juan Gabilán para los amigos) poco después lanzaban al mercado su primer single que incluía el tema “Drive my car” (nada que ver con el de Los Beatles), a este sencillo sucedería en 1968 un elaborado y excelente álbum titulado “Sallies Forth”, compuesto con material grabado en los estudios de Malcolm y John Jackson, los hijos del famoso disc-jockey John Jackson. 

Los derechos fueron adquiridos por EMI Parlophon , lo que no garantizó en absoluto su éxito comercial, si no al contrario, el álbum pasó de largo a pesar de su indudable calidad, sin pena ni gloria, fue olvidado con el paso de los años y perdiéndose en la noche de los tiempos.

“Goodbye” es una bonita canción de amor y despedida, donde se aprecia desde el principio el sello Mcartniano y romántico que imprime el vocalista, hasta el punto de que parece ser el propio Paul el que nos estuviese cantando al oído una melodía recién compuesta por él. “Goodbye”está acompañada de unas guitarras acústicas intachables con cierto aire de Bolero. Preciosa y romántica. Increíblemente desconocida.

“Sun sing” excelente pieza que nos hace viajar en una atmósferade psicodélia muy elaborada y de una calidad muy alta. El tema más ácido y auténtico de los que componen el disco. Un claro ejemplo del talento e inventiva de los Rainbow Ffolly.


“Come or gone” es un tema con un ritmo muy pegadizo y me recuerda mucho al estilo Rhythm & blues de los primeros “Pretty Things” lo he querido añadir para que veáis el magistral contraste que hace con el resto de los temas del álbum.

Código: #1017

Contraluz - Americanos (1973)

‘’Contraluz’’ inicio su historia en Buenos Aires al comienzo de los 70s, la banda estaba formada por Carlos Barrios en guitarra, Nestor Barrios en batería, Gerry Barchielli en voz, Alejandro Barsi en flauta traversa y voz y diego Prochnik en bajo…

Fueron considerados como los ‘’Jethro Tull argentinos’’ debido al uso de la flauta traversa al estilo ‘’Anderson’’ (asi como ‘’Ñu’’ fue considerado el Jethro Tull de España o ‘’Nuevo Mexico’’ el Jethro Tull mexicano). Una de las características del grupo eran las letras con un alto contenido político y musicalmente usaban armonias pesadas pareciendo un hard rock elaborado…

En 1973 graban su único disco, ‘’Americanos’’; cuyo despliegue musical del disco es impecable, excelentes bases rítmicas un tanto jazzeras de la mano del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Nástor Barrio, que mezclan constantemente sutilezas con poderosos riffs de una manera unica... lo cual le da un sonido muy agradable a las canciones. La formacion folklorica de la banda no se refleja con ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino mas bien en la composición y hasta en la poética de las mismas letras que parecieran estar influenciadas por historias de pueblos humildes con contacto aborigen... (como en ''Indios Sin Prision'' o ''Sin Trabajo'' dos de los temas mas destacados del disco...)

Otro punto importante del discos es la constante implementación de la flauta transversa ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, lo cual es totalmente injusto porque las raíces profundas de esta banda están estrechamente relacionadas con esta tierra y además porque la banda se desarrolló en la Argentina de los años 70s... con todo lo que eso conlleva política, social y culturalmente... 

‘’Contraluz’’ no llego a ser una banda popular pero en el circuito musical underground estaban muy bien reconocidos, sus show tenían una dinámica muy impactante.

Finalmente tras 25 años la banda se reunió nuevamente. En septiembre del 2000 editó un nuevo CD denominado ‘’El Pasaje’’, que tiene una estructura de rock sinfónico y en el 2003, y de forma también independiente, editaron ‘’Ramos Generales’’, presentado en el Teatro La Máscara, de Capital.

Código: #1018

Amon Düül - Psychedelic Underground (1969)

Amon Düül era el nombre con el que se denominaba a una comuna artística, muy politizada (de izquierda), formada en Munich, en 1967. Once adultos y dos niños que se reunieron para hacer todo tipo de expresiones musicales. Solían llevar a cabo happenings basados en improvisaciones libres que podían durar horas en las cuales cualquier miembro de la banda y del público (incluso aunque no fuera músico) podía unirse a ellos para tocar…

Antes de publicar su primer disco, por razones contractuales (y hasta ideológicas) la banda se separa quedando dividida en dos, los desertores formarían ‘’ Amon Düül II’’…una versión más convencional, musicalizada y comercial de Amon Düül… Los miembros que quedaron, seguirían como Amon Düül y con la misma idea musical libre…

En 1969 publicarían su primer álbum, "Psychedelic Underground"… y si buscaban un auténtico sonido psicodélico underground… pues aquí lo tienen…

Prácticamente todos los discos de Amon Düül vienen de una misma serie de grabaciones realizadas a finales de los 60s ( finales de 1968 o principios de 1969), las cuales de hecho no se grababan en estudio, por lo cual la calidad de sonido es muy pobre, tanto es así... que suena como un bootleg. Aunque tal vez esto sea lo que le dé parte de la gracia que posee la grabación, las cuerdas parecieran filtradas atreves de un charco de ácido… o tal vez las mismas cintas fueron mojadas en esas aguas, cual radiografía recién lavada. Dicho nivel de calidad sonora le da un trasfondo más desestructurado, informal, liberador… así como también oscuro y caótico.

A eso sumarle que al surgir de sesiones experimentales… nada tiene sentido, o tal vez lo tiene por completo pero nosotros no lo podemos percibir; los ‘’temas’’ (por asi decirlo) son sesiones alocadas altamente volátiles y libres. 

Lo primero que se escucha es un tema de más de 15 minutos basado en un ritmo de batería tribal muy repetitivo sobre el que van improvisando hasta que, hacia el final, directamente se les va la cabeza del todo y comienzan a gritar sonidos incoherentes como si estuvieran poseídos. Si uno sobrevive a eso… el resto irá bien, todo el álbum sigue esos mismos derroteros a grandes rasgos, con algunas descompaginaciones y mezclas de distintos sonidos y grabaciones, lo que denota algunos retoques en estudio. A veces se insinúa alguna melodía como en "Im Garten Sandosa", con ese aire oriental, pero no se crean que Amon Düül van a hacer algo tan vulgar como componer una canción, en su lugar repiten la melodía continuamente mientras otros músicos se dedican a hacer cosas raras por encima. Si hay que ponerle una etiqueta… sería la de krautrock, psicodelia y sonido experimental… 

Al principio cuesta un poco asimilar el disco, lo escuche porque… el nombre del disco, la tapa y proviniendo de tal banda ya lo hace un disco más irresistible, luego depende de uno seguir en el o no. Esta bueno para desestructurarse, para salirse de estructuras y sonidos convencionales y comenzar a abrirse a nuevas posibilidades… (creo que si estás leyendo esto o si te interesa en si la psicodelia, por alguna razón estas acá y ese hecho ya te hace alguien con gustos alternativos, aun así… este disco sigue siendo toda una prueba…)

No es un disco fácil pero tampoco es un disco malo, es un trabajo realmente extraordinario, con un potencial psicodélico enorme, con mucho valor histórico, que nace desde el mismo corazón del krautrock … y provoca a flor de piel varias sensaciones familiares difícilmente descriptibles … (…como suelo pensar, esas sensaciones que hasta a mi olfato le parecen familiares…, pero que a la vez, no se pueden describir con ninguna palabra conocida…)

Código: #1019

Annexus Quam - Osmose (1970)

Annexus Quam fue un ensamble germano que exploro al kraut rock por su lado mas jazzero y groovy y genero un sonido, aunque influenciado, bastante personal. La banda esta armada por el flautista Harald WEDGE, el saxofonista Ove VOLQUARTZ, el teclista (que toca algo de clarinete en algún momento) Werner HOSTERMANN y dos guitarristas un de ello (Nans KAEMPER) asume también ocasionalmente la responsabilidad del trombón. 

Este disco, de 1970, se ramifica por distintos espacios sin salirse nunca de una atmósfera un tanto oscura que insinúa el sonido... y por la cual confluyen a la par los distintos músicos, en los que se destaca la participación de una flauta, un clarinete y un saxofón; aunque a la vez ninguno de ellos se destaca por sobre el resto por lo que el ensamble completo dirige las sesiones instrumentales de las cuales se nutren las pistas. La psicodelia también esta presente en la atmósfera generada por la banda, en distintos efectos propiamente dichos y otros efectos que sazonan el sonido de algunos instrumentos... 

Este disco consta de cuatro pista en las que se escuchan sesiones jazzeras y ritmos funkys, aunque a la vez las pistas se dividen cambiando el espectro musical y generando un sonido distinto al del comienzo... por lo cual podríamos decir que el disco esta subdividido en mas partes; ''Osmose I’' marca el inicio del disco... que nace sin un ritmo definido, en un ambiente pesado y sombrío guiado por intrumentos de viento, ''Osmose II’' surge inmediatamente y fluye con mucha mas intensidad... aunque tambien es un tanto difuso, con su base funky y su persistencia que culmina mas rapido que el primer tema.

''Osmose III'' ya es una pieza de diez minutos en la que la banda se explaya con mucha mas libertad, comienza con un tiempo lento en el que despliegan bases de blues lideradas principalmente por la guitarra, que hasta pareciera darle un toque garagero por su sonido mismo y la relación que tiene con la base rítmica; hasta que a los cinco minutos cambia la base rotundamente y gira hacia un lado un poco mas abierto a la experimentación y la busqueda... y va aumentando su nivel global de energía de forma sostenida y razonablemente sutil, siempre dentro de ese aire en la bases de blues. 

La cuarta y última parte, ‘Osmosis’ ocupaba todo el lado B del vinilo, cerrando el disco. En esa sesión la banda se explaya por su lado jazzero el que parece darle mas comodidad a la exploración; la pieza comienza con una introducción en piano que parece incitar a los demas musicos y les da pie, desde la sutileza, a que se unan, el bajo marca constante el ritmo y la bateria parece guiar ritmicamente la sesión; el sonido va evolucionando... los distintos instrumentos comienzan a bajar su intensidad y a aderezar el plato principal que empieza a ser definitivamente de la batería misma, que adquiere cierta libertad y la culmina rápidamente en un solo disperso entre las sutilezas melodicas... de saxo y guitarra. 

Los últimos 2 minutos y medio de... surgen como un ambiente aleatorio e irreal que culminan en esa dirección, entre el absurdo de distintos sonidos experimentales...Un disco cautivador dentro de lo que es el kraut rock poco conocido, y una joya a degustar para los amantes del rock experimental y de sesión, sazonado de jazz y una psicodelia un tanto oscura y peculiar...

Cod: #1184