Beacon Street Union - The Clown Died In Marvin Gardens (1968)

The Beacon Street Union fue una banda de la Costa Este, de Boston, Estados Unidos, muy aclamada en la zona que grabó dos álbumes para MGM. Formaban parte de lo que vagamente se denominó ‘’Bosstown Sound’’ junto con bandas como Ultimate Spinach y Orpheus. Esa etiqueta no significó un sonido en particular pero servía para denominar al conjunto de bandas locales que había surgido y también para signar al movimiento psicodélico local, con clubes y bares a donde iban a tocar bandas como Spirit, Led Zepplin, Jeff Beck, The Greatful Dead, entre otros.

El Bosstown Sound (o Boston Sound) fue el eslogan de una campaña de marketing para promocionar el sonido de rock y pop psicodélico de bandas oriundas Boston, Massachusetts, a finales de 1960. El concepto fue concebido por el productor discográfico Alan Lorber como una estrategia de marketing destinada a establecer a varios artistas musicales underground nativos de la ciudad en las listas nacionales y competir con el popular San Francisco Sound . Lorber eligió Boston para su plan debido a las diversas bandas que se estaban desarrollando en la ciudad, la abundancia de lugares de música (como el Boston Tea Party), y la proximidad de MGM Records, que había firmado los grupos centrales.

‘’The Clown Died in Marvin Gardens’’ es el segundo álbum del grupo, lanzado en 1968 con una portada lúgubre con la muerte de un clown al que la banda está velando. La portada del disco fue creada por el fotógrafo Joel Brodsky, también encargado de crear la portada de ‘’Strange Days’’ de The Doors, entre tantos otros discos. El álbum fue promovido por su lanzamiento único de su versión del clásico del Rock 'n' Roll ‘’Blue Suede Shoes’’. El sonido diverso y dinámico de la banda fue influenciado por bandas como Yardbirds y The Remains. 

Este trabajo tiene tintes de obra conceptual, desde el nombre del disco mismo y la portada que hablan de la muerte de un clown, hasta el inicio del disco, comenzando con una pieza de pop rock psicodélico con arreglos orquestales y un muy buen solo de guitarra hacia el final, un sonido alucinante que se continúa con el segundo track que trata ni más ni menos de una pieza sinfónica de gran orquesta, un sonido arrollador y un comienzo inesperado y alucinante para el disco. Luego el trabajo pierde ese sentido de amplitud que tienen las obras conceptuales, con algunas canciones que aunque suenan interesantes no están a la altura de las primeras piezas que presenta el trabajo.

Ese es uno de los grandes misterios y gracias de las producciones discográficas de la era psicodélica, fue una era de obras maestras, no solo por las grandes bandas del género que evidentemente publicaron sus grandes trabajos que se volvieron icónicos de inmediato dentro del estilo, sino que esto se extendía incluso a las bandas menores, poco conocidas y de menores recursos económicos, las cuales, a pesar de ello, de la nada se aparecían con un disco conceptual, contando con arreglos sinfónicos y creaciones innovadoras. Es por ello que vale la pela bucear en los discos de la época, aún quedan muchas joyas por descubrir.

Es un interesante disco de rock y psicodelia con todos los condimentos necesarios de la época: delirio, visiones conceptuales, blues-rock, experimentación psicodélica, una extensa sesión improvisada, un bueno solo de guitarra, arreglos orquestales, además de una muy buena producción que lo ubica como un muy buen ejemplo de obra psicodélica de su época.

En la psicodelia de la época era común que los músicos hippies, en las tocadas en vivo, hicieran extensas improvisaciones, costumbre tan característica de la contracultura que se reflejó también en las producciones discográficas, apareciendo muchas veces en los discos un track consistiendo en exactamente eso, una extensa improvisación instrumental repleta de solos y agregados sonoros que tendían hacia la experimentación psicodélica. En diferentes discos aparecen distintas versiones de esa extensa sesión: el ‘’Interestelar Overdrive’’ que aparece en el primer disco de Pink Floyd y que consiste en una extensa sesión de experimentación instrumental, o el ‘’1983... (A Merman I Should Turn To Be)’’ que aparece en el Electric Ladyland de Jimi Hendrix y que también consiste en una extensa sesión pero esta vez ya con una composición más sofisticada y agregados de efectos de estudio. 

Y para el caso de este disco, ‘’The Clown Died In Marvin Gardens’’, también nos encontramos con una extensa sesión. Esta vez Beacon Street Union se encarga de tomar un blues clásico muy tocado en la época como lo es ‘’Baby please don’t go’’ para recrearlo a lo largo de una extensa versión de diecisiete minutos de duración, transitando por muchas partes improvisadas que varían en diversos momentos internos.

Cod: #1568

Julie Driscoll, Brian Auger & The Trinity - Streetnoise (1969)

Brian Auger estuvo allí como gestor de fusiones tempranas y fue parte de la corriente que experimentó y llevó a la psicodelia hacia terrenos de mayor sofisticación, armando con su versatilidad técnica en teclados con la que fusionó el rock y el jazz.  Por su parte, Julie Driscoll fue una exitosa cantante que también funcionó durante esos años de contracultura y prototipos progresivos, teniendo gran acercamiento a la psicodélica, y al jazz rock mismo. A banda para esta ocasión se completaba con David Ambrose en bajo y Clive Thacker en batería.

Los músicos de aquella época a menudo manejaban varios estilos a la vez, siempre dentro de lo que sonaba en el momento, fusionando jazz, rock, funk, blues, soul, entre otros, por lo que muchas veces los discos que publicaban presentaban varias facetas, explorando fusiones o estilos diversos. ‘’Streetnoise’’, de 1969, es uno de esos trabajos con buenas miras hacia una propuesta de variado índole, también acercándose hasta el mote de trabajo conceptual u operístico, o por lo menos en su estructura es lo que insinúa, siendo un disco doble, con un sinfín de composiciones que van desde lo que parece ser algo de progresivo temprano, jazz-rock, elementos acústicos, pop rock, y muy buenos atascos con improvisaciones obviamente de la mano del órgano de Auger.

Al tratarse de un disco doble ofrece la posibilidad de encontrar un repertorio muy extenso, liderado siempre por hammonds y pianos, contando además con un par de canciones más pegadizas como ‘’Indian Rope Man’’ o ‘’Let the sunshine in’’, donde las melodías movidas no se dejan de esperar; también hay una reinterpretación del ‘’Light my Fire’’, de The Doors, aunque reinventada de forma particular, casi progresiva, con un desenlace que la quita lejos de su versión original. El disco en realidad cuenta con gran cantidad de reinterpretaciones de temas de otros artistas, incluyendo versiones de: "Take Me To The Water" de Nina Simone, "Save the Country" de Laura Nyro, "All Blues" de Miles Davis, "Indian Rope Man " de Richie Havens, y "Let The Sunshine In" y "I Got Life" del musical Hair

La obra ya desde sus cimientos y su portada insinúa ser algo fuera de lo común, lo cual se confirma en el sonido, con lo que parecieran ser implicancias socio-politicas en su concepto, y con una interpretación y elaboración muy esmeradas y centradas, presentando formas que se salen de lo común, momentos muy significativos desde lo instrumental y lo creativo, para cimentar un sonido que llama la atención de inmediato y que debió tener más suerte en cuanto a su repercusión, no es un disco más de la época, es una obra que se destaca del resto.

La grabación es nítida, equilibrada en una idiosincrasia artística propia que los llevó a salirse de los surcos del mote de disco de rock estándar para ubicarse en un sonido puramente creativo, reinterpretado todo bajo la particular visión del sonido de Hmmond B3 de Auger, reafirmado bajo una fulguración creativa muy particular que se presentan y asombra con un sonido excitante y muy significativo a todo momento, el disco es extenso pero nada de lo que ofrece está de más. El sonido cuenta con la virtud de Julie Driscoll, un cantante que puede llegar a unas notas muy altas con una facilidad notable y una gran potencia, con un estilo de voz dulce pero también con buena dosis de blues y rock.

La extensa desenvoltura de la obra puede llevar a la desazón, es una obra muy extensa y significativa, por lo que exige una escucha atenta, exige y demanda tiempo para dedicarle especialmente a su escucha y a la apreciación de cada detalle y momento porque la elaboración los ha llevado a la creación de una música que transita por diversos pasajes que varían en intensidad y sofisticación, porque todo lo ofrecido pareciera conectarse artísticamente bajo un halo de lo unifica en una misma cosa, funcionando como un álbum conceptual.

Los oscuros surcos que este sonido alcanza provienen de un lugar donde yacen posando los frutos tempranos de una generación ávida en andanzas y movimientos y ávida en innovación, que ya desde el comienzo de sus carreras comenzarían transitar y los cuales no tardarían en madurar en formas mucho más elaboradas de fusión, comenzando a trazas el camino desde formas tempranas de R&B y soul, pasando por la psicodelia hasta llegar a formas prototípicas de un progresivo que ya estaba dando qué hablar entre sus contemporáneos.

La carrera tanto de Driscoll como de Auger tuvo fuertes conexiones con la música progresiva y el jazz-fusion y de vanguardia. Driscoll se casó con el músico compositor Keith Tippet, por lo que desarrolló un fuerte vínculo con la música de vanguardia, además de ser requerida como vocalista de sesión. Por su parte Auger también tuvo mucha relación con el jazz-fusion con su Oblivion Express, y también sería un música de sesión muy requerido en su época, llegando a tocar con músicos como Rod Stewart, Tony Williams, Jimi Hendrix, John McLaughlin, Sonny Boy Williamson, Led Zeppelin, Eric Burdon, entre otros.

Cod: #1567

Group 1850 - Agemo's Trip To Mother Earth (1968)

Publicado originalmente en 1968, este es el primer lanzamiento de la banda holandesa Group 1850, un artefacto perdido del rock holandés que no tiene tanto que ver con el progresivo como se dice por ahí sino más bien está relacionado con la psicodélia y la experimentación rumbo a esos lares de delirio y cierto misticismo. La banda, aunque no alcanzó fama fuera de su Holanda natal y no tuvo un gran despliegue histórico en su país, aun así con su primer disco se ubicó como uno de los primeros proyectos psicodélicos de Holanda, con una propuesta que realmente ahonda en muchos momentos de gran goce lisérgico experimental. Con el tiempo la banda ha ido obteniendo algo de reconocimiento hasta tal vez ubicarse, con su primer lanzamiento, como una de las propuestas más delirantes de la psicodelia europea de la época.

Su álbum debut apareció en 1968, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, haciendo un evidente guiño hacia la psicodelia de la época, de la cual se nutren y proveen, apareciendo esta desde el comienzo hasta el final del trabajo, empapando a la producción rockera propuesta. Fueron agiles al momento de crear propuestas delirantes, en su mayoría las pistas son trips que conducen al delirio, con una producción delicada donde aparecen sutiles propuestas de delirio sonoro, experimentación, ambientes, etc. En los Países Bajos, el disco poseía una portada que tenía una imagen en 3-D y venía con un par de lentes en 3D para poder verla correctamente.

Un rol que cumplió la psicodelia fue el de, no solo romper con viejas tradiciones morales post segunda guerra mundial, sino también, destruir la estructura básica de la canción, proponiendo nuevas formas que se salían de los cánones artístico y se ubicaban en un lugar de fulguraciones creativas. Si bien el maistream comercial del rock psicodélico sí utilizó la canción, lo cierto es que cuando muchas bandas de la época experimentaban, en esa búsqueda bajo efectos alucinógenos, muchas veces aparecían sonidos que difícilmente podían ser ubicados bajo una forma reconocible, apareciendo fusiones con diversos estilos, experimentando en estudio con sonidos alterados lo que daba como resultado un vanguardismo sonoro, apareciendo también las extensas improvisaciones donde se caía en delirios instrumentales, etc.

En este disco aparecen algunas de esas salvedades creativas típicas de la época, por ejemplo la pieza ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’, un track de trece minutos de duración extendido en un trip psicodélico de gran experimentación que logra alcanzar una complejidad llamativa al transitar por buena cantidad de partes y momentos diversos, tal vez por eso eventualmente se tilde al disco de ‘’progresivo’’, pero esa pieza tiene relación directa con la psicodélica, con experimentaciones varias y hasta para una sesión donde suena solo una voz y en el fondo una batería. Luego, las utlimas tres piezas del disco también cuentan con su peculiaridad, viajes delicados que se suceden entre pasajes calmos pastorales, recitaciones y más ambientes delirantes.

Todo el disco en sí mismo en una gran puesta en escena creativa presentando una serie de piezas de variado índole psicodélico y de diferente manufactura, una travesía que parece conceptual, con un concepto ininteligible que hace referencias a la ‘’mother earth’’ y a la ‘’universal people’’. Esta es una gran adición a la colección psicodélica, con un disco que está realmente a la altura de la época en producción y creatividad y provee de un buen trip al oyente. Se destacan piezas como la mencionada ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’ y otra pieza de gran goce es la llamada ‘’Little Fly’’.

La banda se fundó en 1964 en La Haya, Holanda. Comenzaron bajo el nombre Klits, en una clara referencia al clítoris, pero rápidamente cambiaron su nombre por el de ‘’Group 1850’’. En 1966 su single debut, "Misty Night" / "Look Around", apareció en el pequeño sello Yep. En 1968 publican su disco debut, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, bajo el sello ‘’Philips’’. Un lanzamiento en el Reino Unido (también en Philips) no ayudó a la banda a afianzarse fuera de los Países Bajos, y Philips los abandonó poco después. Su siguiente álbum, ‘’Paradise Now’’, apareció en el sello discográfico holandés Discofoon en 1969 y fue solo un poco menos influenciado por el ácido que su predecesor. La banda se disolvió poco después, pero estuvo esporádicamente activa durante la década de 70s.

Cod: #1566

Gal Costa - Gal (1969)

El tropicalismo fue, como todas las fuerzas de choque y de vanguardia, un ente más que no solo contó con nombre y fuerza, sino con toda una identidad que quedó manifestada en un resarcimiento devuelto al mundo más que nada por el lado artístico, plasmado especialmente en la música, pero también en el cine, teatro y la literatura. Habiendo bebido de la psicodelia, los cultores del tropicalismo tomaron sus fuerzas de la política, las vanguardias, además del fenómeno de la antropofagia, concepto desarrollado en 1928 con el “Manifiesto Antropófago” de Oswald de Andrade, que recupera el símbolo del rito caníbal de los indios tupis que horrorizó a los europeos al llegar al Brasil.

La idea de la antropofagia, como símbolo del revitalizarse a través de la adquisición de las virtudes del enemigo al devorar su cuerpo, reforzó la identidad brasilera desde una forma de ruptura de valores extranjeros, aunque a la vez coqueteó con los vanguardismos rupturistas europeos como le dadaísmo o el surrealismo, manifestándose inequívocamente como otro rupturismo pero calcado a la brasilera, sin foco en la razón sino con la vertiente del optimismo, el manifiesto antropófago recalca: “Antes de que los portugueses descubrieran el Brasil, el Brasil había descubierto la felicidad”. El tropicalismo revivió esta dosis de rebeldía local, para traerla hacia ritos más moderno, sin dejar la esencia rupturista de lado, entre política, valores comunes del país, arte, colores contraculturales y creaciones sin formalidad. Esta suma de poderes sin saberlo, esta búsqueda de sacar lo estático para traer lo vivo a la realidad, puso foco sobre la sociedad brasileña y su vivir en comunidad, reviviendo valores comunes locales y acercándolos a la expresión de ruptura de las artes y pensamiento clásicas.

La tropicalia brasilera, desde lo musical, se inspiró directamente de la contracultura norteamericana y de su evidente arte psicodélico, manifestándose en un movimiento paralelo reversionado a la brasilera, y fugaz pero muy intenso que se hizo carne en un disco que funcionó como todo un manifiesto, el ‘’Tropicália: Ou Panis Et Circencis’’ de 1968, que integró a los artistas de rock emergentes de la época que se había alineado bajo esa vision, los cuales a su vez también publicaron sus respectivos discos solistas. Entre ellos figuraban Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Os Mutantes, y además aparecía la figura de Gal Costa, una cantante que había comenzado a hacer sus primero trabajos junto a Veloso y que no tardaría en comenzar a publicar sus trabajos solistas, con los cuales, por lo menos en los primeros de ellos, continuaría dicha temática de tropicalismo exótico.

‘’Gal’’, de 1969, es el segundo lanzamiento solista de Gal Costa, un clásico y explosivo detonante del movimiento tropicalista de la música Brasilera, un disco mucho más oscuro que su debut discográfico publicado unos meses antes ese mismo año. Para su segundo lanzamiento remarca las líneas melódicas y les agrega formas de rock, agrega un poco de funk a la mezcla y continua por la senda deliciosa de los sonidos y experimentación psicodélica. Con la participación de los por aquel entonces jóvenes Gilberto Gil y Caetano Veloso. Incluye temas de Jorge Ben, Jards Macalé y Roberto & Erasmo Carlos.

Tropicalia, rock afro, robusto en exotismo tropical, ensimismado en fusiones de un fuerte sabor groove afro, donde surgen momentos de aparición del funk en bases agiles y armonías típicas en las guitarras. O el segundo tema del disco, llamado ‘’Tuareg’’, donde se hace una fusión con un estilo de melodías típicas africanas. Y también por supuesto la aparición de la bossa nova en armonías y rasgueos, melodías exóticas, y obviamente también reflejadas en esa alegría jocosa que trasmite con sus canciones el tropicalismo y al música popular brasilera en general. E incluso la producción del disco se adentra mucho más en fusiones con funk que con bossa nova, reflejado tan característicamente en las armonías de las guitarras, los riffs del bajo y las percusiones agiles tan típico de funky, demostrando la versatilidad de los músicos para manejar diversos estilos y diversas fusiones, y reflejando la clara influencia del funk y soul estadounidense que pesaba sobre ellos y que no temieron usarlo a su favor en la construcción de la mayoría de los temas.

La materia prima con la que se construye el disco son los atascos groove con guitarras funky y algo de distorsión, donde se agregan algunas voces delirantes al mando de Gal y algunos otros eventuales agregados percusivos. Hay momentos de mucha experimentación, un par de tracks donde aparecen agregados orquestales, especialmente para el tema ‘’Objeto sim, objeto não’’, que comienza con unos sonidos y samples de voces alteradas en estudio, que continua en una canción también funky sobre la que aparecen más arreglos orquestales, una fusión deliciosamente extraña, un delirio muy agradable y justo al que recae el disco luego de una serie de pegadizas canciones que no tienen desperdicio alguno.

En comparación con su lanzamiento debut, este segundo trabajo se inmiscuye mucho más en el funky y en el rock, con una sensación general de psicodélia que se desparrama por todo el disco, especialmente en esa fusión con funk y en las guitarras acidas que desparramas sus solos por muchos pasajes de este artefacto. ‘’Gal’’ no tiene tanto sabor melódico de música popular brasilera, tiene más de rock y contracultura, poder político y experimentación cultural, que tanto caracterizó los mejores años de la tropicalia. Es considerado por el público y la crítica como su disco más psicodélico y experimental.

En el mundo de la psicodélia de la época hubo un punto importante de inflexión que marcó un precedente y sentó las bases de una música pop-rock moderna y actualizada, sirviendo también como un símbolo de obra conceptual psicodélica que elevó al género hasta niveles insospechados y que inspiró a muchos trabajos conceptuales que surgirían posteriormente aquellos año, con también roces con la orquestación y la experimentación conceptual, y eso fue precisamente por la aparición del ‘’Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’’ de los Beatles. La aparición de dicho álbum inspiró a muchos contemporáneos y creó el mote de ‘’obra maestra conceptual psicodelica’’, estándar creativo que muchos en su época intentaron emular. Esto de alguna manera parece verse reflejado en el tropicalismo brasilero y en sus álbumes más representativos, siempre abiertos a fusiones, a composiciones de variado estilo, a experimentación sonora, y aparición de arreglos orquestales en algunas canciones.

Cod: #1565

La Cofradia De La Flor Solar - La Cofradia De La Flor Solar (1971)

La Cofradía De La Flor Solar surgió originalmente como un grupo de hippies y bohemios que vivían en comuna, inspirados principalmente por los valores de la contracultura estadounidense, como la vida natural, el amor libre, el pacifismo, etc., aunque ellos, como lo sería con la gran mayoría de las bandas argentinas de la época, no se limitarían, en cuanto a su producción artística respecta, a volverse una mera copia de estándares extranjeros. Este carácter personalista de animarse a transgredir las influencias para desarrollar un arte propio es carácter de las bandas argentinas de aquellas época, desarrollando sus propias visiones, su propia poética, sus propias concepciones del arte y del rock, carácter que marca a fuego todas las producciones discográficas de la época como una identidad nacional que se erige en la zona y logra distinguirse, de alguna manera u otra, de los demás.

El grupo comenzó como un emprendimiento artístico surgido en el seno de una comunidad hippie platense, hacia 1968. En la comunidad había artesanos, intelectuales, artistas plásticos, músicos, todos muy influidos por la cultura flower power, el pacifismo y los movimientos contraculturales que desembocaron en el Mayo francés, tópicos ineludibles en la cultura joven de la época. 

Entre algunos de los miembros que conformaban dicha comunidad figuraban entre otros el más tarde periodista de rock y ecologista Miguel Grinberg, los guitarristas Quique Gornatti y Kubero Díaz (posteriormente miembros de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll), el artista gráfico Rocambole Cohen y el guitarrista Skay Beilinson, estos dos últimos, futuros integrantes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

La Cofradía tuvo también ese rol característico de las bandas argentina de esa época de chocar contra los estándares morales impuestos, el del joven formal y educado que vestía como un adulto y se perfilaba para llevar una vida de estudio y familia, pero este grupo desafío esa visión tan establecida en el inconsciente colectivo reuniéndose como un colectivo o comunidad de jóvenes artistas que, luego de abandonar la universidad y animados por un espíritu que estaba surgiendo en la juventud, se reunieron y fueron a vivir todos junto en una casa que alquilaban en la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires, Argentina).

Ricardo ‘’Mono’’ Cohen recuerda lo siguiente sobre aquella época: ‘’Por ese momento con Luis Creus (un recién llegado con abundante experiencia en comunidades) habíamos tomado un poco las tiendas ideológicas de la cosa y decidimos actuar como managers de la banda. Conseguimos el Instituto Di Tella para hacer estrenar una ópera de La Cofradía. Se llamaba ‘’La Mezcladora de Cemento’’ y era como un especie de cuento de Ray Bradbury, audiovisual, porque tocaba La Cofradía de la Flor Solar y se proyectaban cosas en la pantalla. Era como una invasión de marcianos que llegan a la Tierra y son captados por el consumo y se hacen consumidores, o sea que ellos a su vez, son invadidos. Se hacen adictos a la Coca Cola, a los helados…’’

Por medio de un productor llamado Manuel Román, consiguieron grabar para el sello RCA, donde graban el simple ‘’La Mufa’’ y ‘’Sombra Fugaz Por La Ciudad’’. Al poco tiempo se edita el simple sin promoción ni apoyo de ninguna clase, salvo por la promoción que la misma banda le hacía. Más tarde, con el auspicio de Billy Bond, graban un demo para mandioca, del cual se termina editando un solo tema, ‘’Juana’’, que salió en el compilado ‘’Pidamos Peras A Mandioca’’, uno de los últimos discos que sacó el sello antes de desaparecer. Después, cuando Billy Bond empieza a hacerse famoso con La Pesada, les ofrece unas horas de grabación en los estudios Phonal, lo cual es aprovechado por la banda. En tan solo veinte hora La Cofradía graba todo el material para su disco debut e incluso graba algunos tema de más. Finalmente su disco debut homónimo fue lanzado en 1971 bajo el sello ‘’Microfon’’.

‘’El clima de las sesiones era como todas las cosas que hacíamos en la Cofradía. Iba toda la familia. Parecía que llevábamos el gato, los colchones. Cuando había giras viajaba gran parte de la comunidad, era como una manifestación. Y en los estudios también. Se sentaban, prendía inciensos, otros comían pasteles, las chicas traían grandes tortas. En fin,  el clima era bien de época. Por eso hay muchos agradecidos en la tapa del disco.’’, cuenta Ricardo ‘’Mono’’ Cohen en un entrevista con Alfredo Rosso, junio de 1996.

Este trabajo consta en su mayoría de rock, puro rock setentero donde aparece el folk y el blues, con ese toque fundamental argentino de la época, o sea rock duro, pesado y con buenos riffs y solos eléctricos, y a la vez este trabajo también representa uno de los puntos más álgidos que se hayan alcanzado dentro de la psicodelia en la Argentina, con una idiosincrasia nacida de la influencia de la contracultura norteamericana que se ve reflejada en muchos pasajes bastante volátiles ubicados en los sonidos de las guitarras, efectos de sonidos agregados y en las letras mismas que cuentan epopeyas de flores y luz.

El estilo de las composiciones recuerda al estilo de Luis Alberto Spinetta en cuanto a los arreglos vocales y a las letras metafísicas que hablan de eventos áureos sin nombre. Por otro lado los arreglos en guitarra eléctrica, con riffs punzantes y duros, recuerdan mucho al estilo tipico de La Pesada de Rock And Roll, cosa que no es de extrañar ya que el en cargado de la voz y la guitarra en este disco, Kubero Díaz, tenía mucho contacto con la mismísima Pesada, con la que grabó buena cantidad de veces.

‘’El disco fue presentado en Buenos Aires, incluso y la cosa estaba como para seguir para hubo un acontecimiento desafortunado. Estábamos en Mar Del Plata, compartiendo unos shows con Pedro y Pablo y el primer Sui Generis, cuando la policía allana la casa donde estábamos parando y el comisario de entonces nos inventa un asunto de drogas para liberarse de nosotros. Los diarios de esos días publican unas noticias como si hubieran capturado a Charles Manson. Enseguida la policía allana nuestra casa de La Plata. Los dueños rescinden en contrato y nos obligan a sacar nuestras partencias inmediatamente. Cuando volvemos se produce el desbande, de hecho, porque no teníamos a donde ir. La gente de Pedro y Pablo invita a algunos a vivir a su casa de la calle Conesa. Yo decido quedarme y trabajar en la feria de Mar del Plata con Enrique García. Otras se van a Brasil y algunos más a Europa. En ese momento quedamos en volvernos a reunir, alquilar algo y volver a epezar, pero la historia siguió su curso.’’, recuerda Ricardo ‘’Mono’’ Cohen sobre el fin de la banda.

Cod: #1564

Aguaturbia - Aguaturbia (1970)

Aguaturbia probablemente sea la mejor y más reconocida banda psicodélica de la escena rock chilena de su época, oriunda de Chile y formada en 1968 por la pareja de Carlos Corales y Denise, el baterista Willy Cavada y Ricardo Briones en el bajo. Ya formados, comenzaron a ensayar en septiembre de 1968, dejándose llevar por la influencia de los sonidos más psicodélicos como de bandas como The Jimi Hendrix Experience y Jefferson Airplane, aunque también en sus orígenes y gustos había música de soul y blues el estilo de canto de Denise se inspiraba en Janis Joplin, Aretha Franklin y Billie Holiday.

Influenciados claramente por el rock & roll y blues típico de finales de los 60s (Cream, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane), y habiendo bebido directamente de esa fuente de contracultura, drogas y amor libre, lanzan su primer y homónima publicación en 1970, causando un revuelo en todo el país ya que en la portada del disco aparecían los integrantes de la banda posando desnudos. El  disco es pionero en sonidos psicodélicos tanto en su Chile natal como en Latinoamérica,  por su originalidad y su particular sonido que nada tiene que envidiarle a los grupos clásicos de la época.

A pesar de que el disco consiste en su gran mayoría de reinterpretaciones de canciones de otros artistas aun así presenta un sonido interesante de rock psicodélico que bebió  directamente de la contracutlura norteamericana para enriquecerse y fortalecerse con sus virtudes y tendencias típicas. En este disco homónimo se presenta un sonido de rock que hace un guiño directo a la contracultura, tomando de referencia a la misma y plasmándose en muchos de los estándares del género, apareciendo: un cover de un tema clásico del género como lo es ‘’Somebody To Love’’ (original de Jefferson Airplane), un blues lento como lo es ‘’Some Of These Days’’ (original de Shelton Brooks), la reversión de ‘’Crimson and Clover’’ (original de Tommy James), la versión rock de ‘’Baby It's You’’ (original de Burt Bacharach), un infaltable blues como es su reversión de ‘’Rollin' and Tumblin'’’(original de Muddy Waters) y la versión del tema ‘’Baby’’ (original de CarlaThomas).

Aunque el disco consista en su mayoría en reinterpretaciones aun así cuenta con una originalidad que lo ubicó entre los mejores discos psicodélicos de su época en Chile y, según la Roling Stone, entre los mejores álbumes de la historia de dicho país. Se trata de una ingeniosa reunión de muy buenos temas reinterpretados según la visión de la banda que no replicó fielmente las versiones originales sino que se animó a dotarles de su estilo propio, reversionandolas dentro del estilo del rock contracultural de la época.

En el disco solo hay dos composiciones originales de la banda, ‘’Erotica’’ y ‘’Ah ah ah ay’’, y justamente se trata de dos de los momentos más lisérgicos del disco, consistiendo ambas piezas en sesiones eléctricas instrumentales que funcionan como las típicas incursiones blues-rock acidas de la época, con pleno de guitarra eléctrica distorsionada y un estilo hippie de gran goce lisérgico y delirante.

Otro gran momento del disco es el que presentan para el tema ‘’Crimson and Clover’’, una reversión en la que toman la interpretación original y la extienden, recreando una extensa sesión de improvisada que entre estrbillos y solos alcanza una duración de diez minutos, una gran adición al repertorio del disco que en su mayoría consiste en temas de no más de tres minutos pero que en este caso rompen para volcarse en uno de los momentos más arriesgados del disco.

El disco fue grabado en tan solo tres días, compuesto de varias reversiones y cantado completamente en inglés. El tema más controversial de su primer trabajo es ‘’Erótica’, que es una total improvisación acompañada de gemidos provocados por la vocalista. El don que adquirió el grupo en su momento sirvió como bisagra para conectar la década de los 60s y 70s, trayendo riquezas de los movimientos extranjeros y reinterpertandolas a la chilena, lo que hizo que elevaran la vara muy alto en lo que respecta a un rock psicodélico de punta, con muchos momentos fundamentales en cuanto a la experimentación eléctricas y de blues-rock. 

La carátula de Aguaturbia mostraba a los cuatro músicos desnudos, sentados en círculo y una expresión neutra en sus caras, idea inspirada del álbum Two virgins, que John Lennon y Yoko Ono habían publicado poco antes en Inglaterra. Pero en Chile, la fotografía les valió la esperable calificación de inmorales y sucios,llegando a publicarse en la portada del periódico conservador La Segunda el 13 de marzo de 1970; lo cual, a la larga, se tradujo en una excelente estrategia de marketing para atraer la atención. El disco, editado bajo la etiqueta de RCA, tuvo una venta aceptable y apenas unos meses después, se editó su sucesor: Aguaturbia II (o Aguaturbia, Volumen 2), que generó un nuevo revuelo, quizás más grave que el anterior; esta vez, por una fotografía en la que aparecía Denise crucificada (una imagen inspirada en la obra «Cristo de San Juan de la Cruz» de Salvador Dalí). La polémica se mezcló con las agitaciones político-sociales del tiempo de la Unidad Popular. El grupo emitió una disculpa y una aclaración a la Iglesia católica y a la religión por el malentendido de la portada. Este álbum, antes de ser llamado así, pensaba titularse «Crucificada», pero nuevamente se les censuró el nombre y decidieron llamarle con algo más acorde a la numeración del álbum anterior.

Cod: #1563

Tribo Massáhi - Estrelando Embaixador (1972)

Este es llamado a menudo como el santo grial perdido de la música psicodélica brasilera, una rareza de la música under afro psicodélica de su época en su natal Brasil, que actualmente es prácticamente difícil de conseguir en su tirada original de época por la que se llegan a pagar grandes sumas; sumado a esto tenemos el hecho de que hay escasa información sobre los orígenes del grupo y su historia, lo que acrecienta aún más el misterio y exotismo de todo el asunto.

‘’Tribo Massáhi’’ fue la banda creada por Embaixador a finales de los 60s. Embaixador era un personaje muy conocido en Beco da Fome, en Copacabana. El lugar era frecuentado a menudo por muchos artistas que buscaban trabajo en la televisión o el cine y Embaixador era el tipo que podía conseguirles oportunidades como extras. Embaixador logró llegar un día a un estudio para hacer el disco, probablemente gratis. Llamó a los músicos y fueron al estudio de la Rua do Senado y grabaron esta joya perdida, que fue finalmente publicada en 1972 en una tirada menor de 3000 discos en un sello discográfico pequeño, ‘’River's’’.

A menudo y/o con suerte, cuando un disco tuvo en su época pocas tiradas, con el paso de los años puede llegar a convertirse en un artículo de culto anhelado por los coleccionistas, en este caso este artefacto ha alcanzado ese lugar y su música ayuda en gran medida a que eso ocurra, tratando de un especie de crossover artístico que circula entre ambientes psicodélicos inspirados en la tropicalita y música groove afro inspirada en el funk, de ello queda un sonido groove hibrido desplegado en atascos hipnóticos embebidos en una reverberación general que dota de un carácter de ensueño a todo el despliegue musical, no faltando las guitarras funk y percusiones típicas afro, sumado a los agregados vocales del coro de voces femeninas presentes en el grupo.

En la contraportada de la reedición oficial en vinilo de 2015 por Goma Gringa Discos se puede leer la siguiente inscripción: " Este es un sonido formado en Brasil. Con todos los miembros brasileños. Pero el propósito es mostrar la música africana joven, con todos sus matices que caracterizan los orígenes de la música del continente negro. En este disco sacamos muchas cosas curiosas. Partiendo del diseño rítmico, que se basó en el paso del ‘’camello’’, que encaja en la división 4/4, en la misma línea que YÁ YÁ YÁ y SOUL MUSIC, que recibió el nombre de OGA, esto se debe a que en Lagos, Nigeria, es un trato íntimo entre amigos. Allí, el hombre es bien considerado cuando es tratado como un OGA’’.

Todo  el repertorio de tracks está plasmado de manera que no haya un corte entre las diversas pistas sino que funcionan todas conectadas, siendo cada lado del disco original una continua sucesión de tracks sin el corte de silencios, y parece como si los músicos se hubiesen divertido en la grabación, es toda una fiesta entre los gritos, cantos, cantos corales y diálogos, en brasilero, que se desparraman a lo largo de todos los tracks entre bellas canciones de un tropicalismo típicamente alegre y efusivo. 

Todo el trabajo es un collage de tracks pegados entre sí, donde aparecen los arreglos instrumentales y corales de la banda, y donde, eventualmente, aparecen algunos agregados sonoros como sonidos de vuelos de aviones. Los tracks se construyen con agiles armonías funky en guitarra, por lo que cuentan con una notable agilidad y un constante ritmo que prácticamente no se detiene en todo su viaje desde el comienzo del mismo trabajo. Las distintas piezas se caracterizan además por su carácter melódico cancionero, son canciones en su mayoría pegadizas que invitan a bailar, de una influencia pop y del tropicalismo. También la cultura afro está muy presente, en percusiones típicas, en cantos típicos que se acercan al soul, voces negras, melodías robustas y exóticas, y una reinterpretación del funk negro a la brasilera, ornamentándolo con un carácter festivo, alegre, y con la evidente dosis psicodélica.

El álbum tuvo varias tiradas piratas entre 2013 y 2014, pero no fue sino hasta 2015 que Goma Gringa Discos logra hacerse con una copia original en perfecto estado del disco original de época, gracias a la cual se pudo reeditar oficialmente el trabajo, publicándolo en una reedición en vinilo en el año 2015. Finalmente la reedición fue también insuficiente porque se agotó rápidamente para la venta.

Los ritmos agiles, las esencia festiva y las buenas presencias melódicas dan como resultado un sonido alegre que retrata el quehacer social de su época en su Brasil natal, típico de las discotecas y fiestas de la época, típico de la idiosincrasia brasilera. Con un ritmo contagioso y ambientes movidos logran establecer un estándar social y un sonido único en su tipo que se replicó en la mira de los coleccionistas de todo el mundo como un trabajo perdido y anhelado por coleccionistas y conocedores. Es una obra que bien vale la pena rescatar del olvido.

Cod: #1562

The Braen's Machine - Underground (1971)

Este fue un grupo fantasma que cuenta con el favor de la influencia de la música psicodélica, por lo que las piezas son bastante trippy, aunque a la vez también cuenta con esa dosis de influencia de la música progresiva italiana, por lo que no es una psicodelia rasa o un rock sustentado en un estilo estándar sino que se encuentra estilizado por bases percusivas similares al funk y aplicaciones en teclado que recuerdan al jazz fusión, por lo que en general es todo un encuentro de estilos que generan una amalgama interesante de escuchar.

Es además una publicación de biblioteca, o sea una tirada privada que funciona bajo estándares del estilo, piezas cortas, y fusiones y experimentaciones a las que se les dio el visto bueno para ser desarrolladas libremente, con una esmerada visión en la fusión, un estilo de música instrumental y psicodélica y que a menudo también se la etiqueta dentro del progresivo italiano, que podría usarse como banda sonora de una película. 

Lo cierto es que de progresiva esta música tiene poco en cuanto a lo que el rock progresivo italiano respecta, tiene una influencia directa más que nada con la psicodélia, caracterizada por una guitarras a tope distorsionadas y acidas, con ese sonido característico de la época, sumado a esto algunos pasajes varios de las pistas donde aparecen algunos efectos donde el sonido se diluye y entra sutilmente en un trip musical, además de las pistas que en general son viajes instrumentales bastante experimentales. Es todo el grupo que cumple un rol satisfactorio dentro de la performance ágil que presentan, donde la conjunción de cada instrumento sumado a la acidez de la guitarra y la versatilidad de los teclados que dan como resultado a un sonido altamente psicodélico.

Otro rol preponderante en la música lo cumplen los teclados, que alterna en protagonismo con la guitarra eléctrica, alcanzando muchos momentos en los que son las mismas teclas, muchas veces con algún efecto reverberante, las que copan el sonido en las sesiones, dotándole a las piezas de un aire de amplitud y versatilidad mayor al que tiene, y sumándole además de ese aire trippy jazz/prog con el que cuenta el sonido.

Es verdad que el misterio bajo qué concepto se creó el grupo o para qué se produjo esta banda aumenta el aura en torno al disco. Además, las tiradas originales del disco actualmente son increíblemente codiciados y alcanzan precios elevados. Todo esto suma como un aura alrededor de la producción musical, como es el caso de otros tantos discos de similares condiciones como el disco homónimo de culto ‘’Sintesis’’, de la banda argentina Sintesis, o el misterioso disco de culto ‘’Estrelando Embaixador’’ del grupo brasilero Tribo Massáhi, entre tantos otros, colocando en este caso a ‘’Underground’’ en un lugar particular, pero del cual se puede hacer la salvedad de que la música, en este caso también, presenta una condición que está a la altura del circunstancias con una esmerada fusión y producción.

El cuarteto que compuso el grupo consistía en Alessandro Alessandroni en guitarra eléctrica, Antonello Vannucchi en teclados, Maurizio Majorana en bajo y Gegè Munari en batería. La producción de esta música es también asociada a la figura de Piero Umiliani, un famoso compositor italiano fundador del sello discográfico Liuto, sello bajo el que se publicó este disco. Es bastante seguro que el nombre Bren’s Machine ocultara las identidades de los compositores de las piezas, las cuales están acreditadas a ''Braen'' y ''Gisteri'', pseudónimos bajo los que figuraban Alessandroni y Umiliani.

Cod: #1561

Reign Ghost - Reign Ghost (1969)

 
Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.

A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970.
El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical Hair y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.

La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.

El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película 2001: Odisea en el Espacio en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.

Long Day Journey es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.

Standing Room Only, Mr. Mars se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.

Eyes Know, So Does Ears and Carolina es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.

Curio Shop es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de Country Joe & The Fish o incluso de Baroque #1 de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.

Black Ode ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.

Gum Wrapper Song es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.

Southern Hemisphere Blues Legacy es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.

Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.

Cod: #1560

Julian Jay Savarin - Waiters On The Dance (1971)

Este disco forma parte de una trilogía fallida planeada originalmente por el compositor Julian Jay Savarin, un músico y escritor de ciencia ficción proveniente de Dominica y radicado en Gran Bretaña en 1962, el cual comienza a idear un concepto musical propio inspirado por al activa escena de rock local. Julian Jay Savarin, nacido en 1950, un artista polifacético, músico, compositor, poeta y autor de ciencia ficción.

Se trata de una música con considerables miras progresivas, por lo que muchas  pistas cuentan con pasajes de exploración compositiva, habiendo encontrado los músicos un sonido propio dentro del cual funcionar, continuando de alguna manera con la línea que habían trabajo desde el primer lanzamiento discográfico que presentaron, ‘’A Time Before This’’, publicado en 1970 bajo el nombre de Julian's Treatment. Debido a problemas de gestión, promoción y dinero, el ’Julian's Treatment desapareció rápidamente.

Julian volvió a escribir, concentrándose en la segunda parte de su trilogía que tenía en mente. Dos años más tarde, Birth records se acercó a Julian para hacer un nuevo álbum. Solo el bajista John Dover se mantenía de la formación anterior, otros músicos de la nueva banda de Julian eran Nigel Jenkins (guitarra), Roger Odell (batería) y Jo Meek (voz). En el 1973 salió el segundo álbum "Waiters On The Dance".

En esta oportunidad continuarían por esa senda conceptual, progresiva, con aires psicodélicos, con el segundo trabajo de una trilogía que no fue pero que dejó dos discos de antología dentro del sonido de la época. ‘’Waiters On The Dance’’ otro gran trabajo plagado de interesantes ideas que funcionan dentro de una música rock bien elaborada, bien ornamentada, y que pretendían extender un relato que reflejaba la poética, lírica y literatura desarrollada por compositor Julian Jay Savarin en sus publicaciones bibliográficas personales.

Consiste en una obra conceptual basada en una trilogía de libros de ciencia ficción escrita precisamente por el mismo autor, el concepto de la trilogía de libros y la posterior idea de la creación conceptual de una música basada en cada uno de los libros, que daría como resultado, en principio, la aparición de un par de trabajos discográficos, demuestran que el autor se había comprometido en una búsqueda artística (literaria y musical) y que se había tomado el tiempo necesario para procesar y madurar en él mismo el concepto buscado, siendo esta música el fruto de un arduo y esmerado trabajo que refleja los conceptos literarios, poéticos y filosóficos propios del autor.

Las composiciones varían en su complejidad progresiva, desde las composiciones más simples como ‘’Stranger’’ o ‘’Soldiers Of Time’’, hasta la primer pieza del disco, ‘’Child of the Night’’ que se revela con pasajes épicos con una construcción considerablemente extensa, plagada de buenas improvisaciones y algunas partes de esmerada composición que se extienden en el tiempo y el espacio especialmente en forma de sesión, o también aparece la pieza ‘’Dances of the Golden Flamingoes’’ que consiste en una pieza progresiva sofisticada propiamente dicha.

De alguna manera ‘’Waiters on the Dance’’ es una continuación conceptual y artística del primer disco publicado por el autor, ‘’A Time Before This’’, donde se aprecia una clara evolución musical, pasando primeramente por sonidos más psicodélicos y con visiones progresivas prototípicas, hasta llegar al segundo disco donde se presentan visiones progresivas más acabadas y complejas.

En este sonido repercuten los ecos artísticos de su época, con visiones conceptuales típicas, búsquedas ambiciosas de crear obras gigantescas, la ambición para buscar y fusionar estilos y tratar de crear algo nuevo, y la forma de relacionar conceptualmente la literatura con la música tratando de tender puentes hacia estructuras plagadas de simbolismos.

Cod: #1559