Raul Porchetto - Cristo Rock (1972)

El comienzo del disco puede llegar a engañar, comenzando con los conceptos de la obertura y siguiendo con un tema de rock pesado bien al estilo de ‘’La Pesada’’, banda cuyos miembros participan en este disco, pero luego de estos temas comienza la maza acústica del disco propiamente dicha que se desarrolla en delicadas canciones folk acústicas ornamentadas eventualmente con arreglos de cuerda, apariciones de rock, apariciones de arreglos corales, y siempre siguiendo por esa línea lirica de una delicadeza melódica y una delicadeza en la interpretación del autor, carácter que se incremente con el canto tan característico del autor. Hay pasajes por donde el sonido suena como un pastiche, un collage de grabaciones alteradas, atmosferas extrañas e inventos varios, especialmente esto ocurre en el último track, el llamado ‘’Cancion VIII’’, que comienza curiosamente con un blues pero que poco a poco se deforma para terminar de ingresar hacia terrenos desconocidos, con las aplicaciones sonoras nombradas anteriormente, un mejunje tan extraño que alcanza el mote de vanguardista, con el rock/blues como excusa para presentarse pero para terminar también volcándose hacia terrenos desconocidos y que buscan la innovación sonora. 

Estos intentos experimentales son típicos del rock de aquel momento, y típicos además de quien estuvo a cargo de la producción del disco, el mismísimo Billy Bond, quien, acompañado por otros músicos estelares de la escena rock argentina de la época, como lo eran Claudio Gabis en guitarra, Kubero Díaz en guitarra, Alejandro Medina en bajo, Cacho Lafalce en bajo, Charly García en teclados, Jorge Pinchevsky en violín, Oscar Moro en batería, Jimmy Márquez en batería, se encarga de dotarle al disco, desde la producción, de algunas ideas y avances que se ven reflejados en algunos pasajes puntuales del disco, como en el primer track, llamado ‘’Cancion I’’, el ya mencionado ultimo track del disco, llamado ‘’Cancion VIII’’, y en general en algunos arreglos particulares que brotan junto a los arreglos acústicos del compositor de los temas. Estos detalles realzan esa noción que presenta la obra de ser un trabajo ‘’conceptual’’ u ‘’operístico’’, son las visiones del autor de la música hechas carne a través de la producción.

La participación de semejantes músicos de rock en este disco le dotó al mismo una significancia que se puede ver reflejada en la aparición del rock más duro, alejándose de lo acústico, como lo es en el segundo tracks, ‘’Cancion II’’, donde abandonan cualquier intento acústico para meterse de lleno en un rock, puro y duro, donde se continua con el mismo concepto lirico pero el sonido rock se impone. Sobre esto Porcheto hace referencia en un entrevista: ‘’El rock era underground, éramos contracultura, pero dentro de eso había ciertos parámetros que había que respetar. Si vos no los respetabas y ya te ibas, no sé, a lo electroacústico, directamente te querían matar... Tanto es así que no doy pie con bola nunca más con la grabadora, y aunque tenía contrato por dos años y dos long-plays, no me iban a dejar grabar a menos que yo cambiase mi enfoque y yo nunca lo hice a través de mi carrera. Así que hice un par de discos simples y luego tuve que esperar un par de años para retomar mi carrera de grabación en otro sello.’’

Se trata de un disco que parece conceptual, parece operístico, parece desarrollarse a través de un concepto que pretenden masticar y plasmar musicalmente, y de alguna forma los intentos creativos desde los nombres y estructuras de las piezas reafirman esta sensación de que se trata de una obra conceptual. El trabajo se centra en una fuerte noción religiosa pero no desde una manera de predica como lo podría ser en el rock cristiano, sino que Porcheto habla sobre religión o Jesucristo pero cuestionando aquellos estados moralmente contradictorios en los que se encuentran el establishment religioso o las instituciones relacionadas a este. Raul Porcheto: ‘’La idea del disco yo la había estructurado a partir de cómo vivenciaba la contradicción que veía entre la visión de Cristo tradicional e institucional y su figura real, su prédica y su obra.’’

Raul Porcheto declararía sobre la obra: "La obra está dividida en dos partes: en la primera gira alrededor de un gran recuerdo de una persona llamada Cristo al que la institución (la Iglesia) lo da como muerto. En la parte siguiente, Cristo está metido dentro de nuestro actual sistema social y político y da sus opiniones igual que lo hizo en su época. El personaje habla siempre en primera persona por que vive". De esta manera se aclara el porqué de la lírica y poética del disco hablando desde primera persona, inmerso desde la perspectiva actualizada en el contexto de la época en la que el trabajo fue publicado, visión que de alguna manera se podría extender hasta el presente porque las instituciones religiosas y eclesiásticas continúan manteniéndose firmes en una cúpula de poder y ambición que se desdicen del mensaje original de donde suponen partir.

Luego de la publicación de este disco Porcheto se asentó con un nombre propio entre lo más alto del rock nacional de época. Integró la banda "Reino de Munt", en la que tocaron Alejandro Lerner y Gustavo Bazterrica, entre otros.  En 1976 integró el grupo Porsuigieco, junto a León Gieco, María Rosa Yorio, Charly García y Nito Mestre. Para 1979, porchetto grabó varios álbumes en los que colaboraron artistas como Pedro Aznar, Gustavo Bazterrica, Alejandro Lerner y Lito Epumer. En 1980, Porchetto editó "Metegol" y al año siguiente, "Televisión", con la participación de los futuros G.I.T., ambos discos de rock moderno, de los primeros en su tipo en Argentina. En 1982, cuando todavía gobernaba la dictadura militar, Raúl Porchetto editaba 2 LPs: "Che pibe", que incluye el tema «Che pibe, vení votá» cantado a dúo con León Gieco y que fue Disco de Oro. En 1983, después de la Guerra de las Malvinas, editó «Reina madre», disco de platino que llegó a ser uno de los más vendidos del rock nacional.

Cod: #1558

The Feed-Back - The Feed-Back (1970)

Este fue un colectivo de vanguardistas bastante emblemáticos para la escena italiana, son sinónimos de vanguardia en su época, funcionando más que nada bajo el nombre de Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza. El colectivo fue formado por el compositor italiano Franco Evangelisti en Roma en 1964. Basándose en el jazz, el serialismo, la música concreta y otras técnicas de vanguardia desarrolladas por compositores de música clásica contemporánea como Luigi Nono y Giacinto Scelsi, el grupo se dedicó al desarrollo de nuevas técnicas musicales por improvisación, técnicas de ruido y sistemas antimusicales. Los miembros del grupo y los invitados frecuentes hicieron uso de técnicas extendidas en instrumentos clásicos tradicionales, así como piano preparado, música de cinta y música electrónica. 

Durante la década de 1970, su música continuó evolucionando para adoptar técnicas y géneros como la retroalimentación de guitarra y el funk, como en el caso del disco homónimo ‘’The Feed-Back’’, al que publican en 1970, saliéndose un poco del hermetismo netamente vanguardista y presentando con sonidos que, aunque siguen presentando técnicas de vanguardia, se fusiona con algunos elementos que lo sacan del quehacer originario de la banda, sumando percusiones tomadas de un estilo funk y acercándose inéditamente a ambientes psicodélicos que se presentan en forma de distorsiones o delirios varios. 

Todo el quehacer típico de la banda (léase: experimentación con ruidos, libre ejecución, fusión de estilos, implementación de diversos instrumentos, etc.) se suma a una concepción de la música con un elemento estándar como lo es una batería que no se deja librada al azar como el resto de los elementos sino que se mantiene permanente en una ejecución constante y rígida, acercándose al funk por su agilidad, y que, aunque en algunos pasajes cambia de ritmo, en general se mantiene lineal y poco predecible, lo que rompe con el sonido estrictamente libre del típico repertorio del grupo, para así erigirse como una percusión que forma bases y tiende un puente hacia formas más escuchables para el oído convencional. Es la batería la que se encarga de diversificarse por todo el disco con su dinámica ejecución, adquiriendo un protagonismo considerable en el resultado general de este disco, y es bajo/sobre esta donde el resto del grupo despliega sus habilidades típicas como los rasgueos sonoros y quejidos varios provenientes de sus visiones y sus búsquedas vanguardistas. Probablemente si desapareciera la batería del sonido quedaría como resultado algo similar a lo que vendría haciendo el grupo en los discos anteriores, pero el resto de ejecuciones en este caso no solo solo libres aplicaciones sino que se acomodan al rol de la batería y la usan como base para ramificarse de principio a fin del disco.

Este tipo de colectivos vanguardistas se metieron tanto en la experimentación que muchos de ellos crearon sus propios conceptos y sus propias ideas que plasmaron en sus trabajos y conciertos que a menudo eran auténticos manifiestos, declaraciones de intereses que nacían desde lo académico pero que chocaban con los tradicionalismos del estilo clásico, utilizando las técnicas y conocimientos formales para crear algo generalmente rechazado por los tradicionalistas y puristas.

El ‘’Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza’’ es una asociación cultural musical sin ánimo de lucro, que tiene como objetivo difundir el conocimiento de la música contemporánea italiana y extranjera, con especial referencia a la puesta en valor de la nueva música. El grupo tiene como objetivo producir y difundir música contemporánea para asegurar una presencia relevante de esta en el mundo de la música y la cultura, ofreciendo espacios de encuentro entre generaciones de compositores. Tiene como objetivo aumentar la visibilidad del repertorio musical y performativo del presente a través de eventos musicales y multimedia, debates, conferencias, publicaciones y grabaciones, seminarios didácticos, talleres para escuelas, conferencias.

El grupo tuvo una fuerte participación en el quehacer vivo de la música vanguardista y experimental, no solo por su música en sí mismo sino por todos los emprendimientos, debates y vinculo que tendió como redes hacia todos los compositores de cada época en la que transito hasta llegar al día de hoy. Ello declaran abiertamente que: ‘’En sintonía con las principales corrientes artísticas y culturales de la posguerra, la actividad de Nuova Consonanza parte del debate de las vanguardias de los 50/60 (recordamos la colaboración con las "Semanas Internacionales de la Nueva Música" en Palermo), con especial preferencia el fenómeno aleatorio, los aspectos teatrales, la integración entre las diferentes experiencias artísticas (musicales, visuales, poéticas) y una especial atención a las nuevas tecnologías electrónicas. De hecho, de esos años recordamos la realización de conciertos de música por parte de todas las figuras más importantes de las nuevas generaciones de compositores (entre otros Nono, Berio, Maderna, Stockhausen, Kagel, Schnebel, Ligeti, Castiglioni, Donatoni, Bussotti, y miembros fundadores), los primeros conciertos públicos de música electrónica, actuaciones de intérpretes como D. Tudor y F. Rzewski y el nacimiento del Grupo de Improvisación Nuova Consonanza.’’

Cod: #1557

Guru Guru - Hinten (1971)

Incorrección política, búsqueda sonora, experimentación con electrónica, etc., eran esos puntos por los que circulaban las bandas alemanas de la época, como Guru Guru, un grupo con pergaminos dentro del ‘’género’’, pionera al crear un estilo propio dentro de un sonido alemán que en general buscaba romper con los convencionalismos del rock & roll y la música pop estándar, para llevarlo a nuevas esferas de concepción creativa y siempre con la fusión de rock con electrónica como bandera.

Luego de sus primeros discos Guru Guru comenzó a transitar por un sonido de rock más estándar, pero fue en esos primeros dos o tres lanzamientos cuando su llama inconformista estaba encendida en su máximo esplendor, por lo que a menudo en estos primeros lanzamientos nos encontramos con momentos que viran insistentemente hacia el desconcierto, un desconcierto eléctrico plagado de ingeniosos inventos en guitarra distorsionada. ‘’Hinten’’ representa uno de sus momentos más inconformistas, cuando ya la portada del mismo disco nos declara que se habían salido de las vías comerciales, y su contenido sonoro reafirma esta declaración de intereses.

Ellos parecen beber de muchas fuentes, desde el rock, R&R, psicodelia, elementos espaciales, elementos electrónicos, desarrollos progresivos, todo al servicio de la construcción de una música rock descocida de su lógica que evoca epopeyas eléctricas inciertas mientras se adentra cada vez más en complejos atascos medio improvisados medio elaborados, con algunos riffs, ingeniosas invenciones rockeras en guitarra y full solo de guitarra eléctrica, instrumento que comanda las sesiones. Véase el detalle de que uno de los tracks se llama ‘’Bo Diddley’’ (Bo Diddley fue un negro blusero norteamericano), como haciendo un guiño irónico como referencia a las influencias de la música negra estadounidense que transitaron en sus orígenes como artistas.

El krautrock tuvo un vínculo directo con la psicodélia, movimiento del cual se nutrió e influenció tanto en lo artístico, como en lo político, moral e ideológico. La psicodelia significó una noción musical que marcó considerablemente el quehacer artístico de muchas bandas alemanas de la época y se plasmó como prueba de ello en la identidad sonora de las mismas, ya sea en las extensas jams espaciales de Ash Ra Tempel, en el sonido lisérgico del ‘’Electrip’’ de Xhol Caravan, o en los primeros discos del mismísimo Guru Guru, que se caracterizaban por las extensas sesiones improvisadas con dominio de los solos de guitarra eléctrica con sonidos distorsionados.

‘’Hinten’’ está compuesto por cuatro extensas piezas, la mayoría rockeras, de alrededor de diez minutos cada una, extensas sesiones donde se puede apreciar que la banda se abocaba a piezas de construcción, no necesariamente virtuosas o académicas pero que sí evidencian una búsqueda sonora con considerable plasmación en un desarrollo expresado en sesiones con diversas partes internas o diversas variaciones en intensidad y elementos, apareciendo generalmente el rock eléctrico en los momentos más agitados y apareciendo momentos espaciales o psicodélicos en las partes más tranquilas.

Por si fuera poco el desconcierto, en el último track del disco, llamado ‘’Space Ship’’, la banda aminora considerablemente el lado rockero y se adentra en una sesión dominada por ruidos, acoples, diferentes efectos electrónicos, acompañados por sonidos y algunas notas de la guitarra eléctrica además de la banda que sigue funcionando por momentos en el trasfondo de la pieza. Este parece ser un sello característico de los álbumes del krautrock de la época, que muchos a menudo se adentraban en la experimentación y mostraban por lo menos un track de puro ruido eléctrico, cosa que Guru Guru ya había hecho en su primer disco ‘’Ufo’’ de 1970, en la pieza homónima ‘’Ufo’’, y que repite en esta cuarta y última pieza del disco, ‘’Space Ship’’, otro guiño a lo espacial.

Cod: #1556

Shuttah - The Image Maker Vol. 1 & 2 (1971)

Este trabajo representa una incógnita de su época y especialmente dentro de la escena inglesa, que es de donde proviene la obra. Un trabajo cuyos músicos creadores son desconocidos, misterio que se acrecienta al escuchar lo pulido y esmerado de la composición y producción del disco, lo que deja el interrogante de cómo es que produjeron semejante trabajo y quien estuvo a cargo del desarrollo creativo y producción del mismo. Esta es una obra que le hace honores a su época, una obra que pareciera ser conceptual u operística debido al despliegue de las composiciones, que avanzan en un continuo de partes y sub partes, como si desarrollaran un concepto, lo que deja como resultado un trabajo muy complejo, variado, transitando por un sinfín de momentos diversos y partes que unidas entre sí pero diferentes a la vez.

Hay un abanico de estilos que convergen en este sonido, tanto blues, rock, pop, elementos de jazz, estilos que se unen para dar vida a un sonido sin nombre nacido de una inventiva creativa llamativa que hace del sonido una variada experiencia para ser explorada a lo largo de los dos discos que componen el original vinilo doble de época. Además de esto, hay muchas partes en las que aparecen grabaciones de campo como ambientando o escenificando la producción y ubicándola en algunos contextos históricos antiguos.

Es un verdadero artefacto perdido del rock inglés y uno de los primeros ejemplos de un disco conceptual teatral completamente realizado. es un trabajo difícil de signar bajo un estilo particular, es rock pero no necesariamente progresivo o psicodélico, aunque estos dos estilos puedan significar influencias creativas para el estilo del disco, este es más bien de una música de estilo propio que toma mucho de los estilos que rondaban en las bandas de la época para reordenarlos de manera propia y crear así una obra conceptual referente al conflicto de la Segunda Guerra Mundial

Shadoks Music se contactó con Geoff Oliver, el antiguo propietario de los estudios de grabación de IBC, pero este no recordaba ninguna de las grabaciones realizadas por Shuttah en su estudio: había demasiados ingenieros ocupados al mismo tiempo durante esos días dorados de Londres. IBC era famoso por hacer grabaciones para bandas como The Kinks, The Who y The Beatles, además de muchas, muchas otras, lo que lleva a uno a la conclusión de que esta grabación de Shuttah era muy cara de hacer, por lo que debe haber habido un músico referente o alguien importante apoyando al proyecto. 

La grabación, los arreglos y los conceptos están a un nivel profesional muy alto. Incluso una búsqueda en el control de derechos de autor del Reino Unido no mostró ningún resultado que revelara la identidad de quién era exactamente Shuttah. Dado que los acetatos originales aparecieron hace muchos años, este sigue siendo un misterio sin resolver muy provocativo del underground británico. La palabra ‘’Shuttah’’ es una referencia religiosa. El título del álbum ‘’The Image Maker’’ también se adapta al significado religioso.

Se cree que el disco fue grabado alrededor de septiembre de 1971, sin portada, en forma de doble acetato, con etiqueta amarilla IBC Studios (visible en la reedición en cd), en Londres, pero nunca fue lanzado en su momento, un trabajo completamente desconocido para su época. Fue recién en 2005 que Shadoks Music lo reedita en un cd doble, rescatándolo del olvido y poniendo en la palestra púbica el misterio de este trabajo y del desaparecido grupo que pudo haber creado este excitante trabajo que se ubica entre los primeros trabajos conceptuales de rock, una obra muy bien producida y pulida y con un despliegue musical destacable.

Cod: #1555

Bob Downes - Deep Down Heavy (1970)

Bob Downes fue un importante músico de sesión para la floreciente escena progresiva y jazzera británica, con cierta repercusión al comienzo de su carrera, durante los 60s, al trabajar para muchas bandas reconocidas de la época como Manfred Man, Andwella’s Dreams, John Barry Seven, Mike Westbrook, o participante por ejemplo del segundo disco de Egg. Él era un referente activo y su rol en la ejecución de la flauta no solo lo desarrolló como músico de sesión sino que también lo volcó en algunos trabajo propios que entre los que se encuentran algunas joyas que vale la pena rescatar del olvido.

Fue uno de los más eclécticos provocadores de la escena británica, entre los años sesenta y setenta, años en los que más especialmente estuvo activo y en los que desarrolló su concepto de ‘’Open Music’’, presentado en algunos discos que llevaban el mismo nombre, especialmente en el homónimo ‘’Open Music’’ de 1970, un trabajo conceptual y experimental donde se sumerge en una búsqueda sonora propia que parte de fusiones y experiencias surgidas de entre sus visiones que sintetizan en jazz vanguardista y la música clásica, entre otras visiones, dando por resultado un estilo nunca escuchado en el momento, un concepto propio. A eso de ‘’Open Music’’ también lo desarrolló en su banda ‘’Bob Downes Open Music’’ con la que continuó presentando sus sonidos que iban de entre el jazz vanguardista y  el jazz rock.

Hacia finales de los sesenta y principio de los setenta se ubica su etapa de mayor quehacer discográfico, en 1970 publicaría ni más ni menos que cuatro discos, cuatro publicaciones distintas y completamente independientes y variadas entre sí, apareciendo ‘’Electric City’’ con un sonido de jazz más rockero, el ya mencionado ‘’Open Music’’ donde experimentaría con el jazz más vanguardista, su lanzamiento de biblioteca ‘’New Sounds For Flute, Percussion And Synthesizer'' donde experimenta con flauta y sintetizadores, y por ultimo su intrigante ‘’Deep Down Heavy’’ en el que presenta otra faceta distinta de su producción musical, con algunos tracks que no son necesariamente canciones sino que aparecen algunas composiciones extrañas sumadas a grabaciones de campo con sonidos.

En ‘’Deep Down Heavy’’ presenta una faseta distendida de sí mismo, con sonidos no convencionales, rasposos, rock under, un sonido lo fi setentero de dudosa procedencia que no terminan de encajar en una identidad tan definida como en los trabajos anteriormente nombrados pero con los que de alguna manera logra conformar un disco que no termina de virar hacia un rumbo particular sino que es un rejunte de invenciones varias, en las que aparece el rock y algo de jazz-rock pero también aparecen momento extraños que en conjunto con los tracks más convencionales crean una sensación de exploración por terrenos diversos.

En cuanto al rock que propone en este trabajo lo presenta de manera rustica, con buena potencia pero con una definición de grabación extraña, lo cual no parece ser un impedimento para la escucha ya que explora otra faceta de sí mismo y lo sigue haciendo con algunos sonidos potentes, algunas interesante invención rockeras con buenas guitarras eléctrica y muy buena aparición de él mismo en flautas o saxos. Aparece una reversión de su tema ‘’ Don't Let Tomorrow Get You Down’’, al cual había publicado en su disco ‘’Electric City’’ y que en este trabajo reversiona también de forma rustica en una interpretación que parece haber sido captada en vivo.

1970 seguiría siendo un año muy fructífero para él, llegando a publicar tres disco, además de este presentaría su ‘’Electric City’’. Pronto crearía su propio sello discográfico, ‘’Openian’’, donde continuaría desarrollando su música experimental, publicando más trabajos como ‘’Episodes At 4 AM’’, con su ‘Bob Downes Open Music Trio’. Durante esta década llegaría a ser miembro de la Barry Guy's London Jazz Composers Orchestra y también tocaría con la Mike Westbrook Band y Keith Tippett Band. Desde 1974 se ha concentrado en apariciones en solitario como flautista, pero también ha aparecido con poetas como William S. Burroughs y Allen Ginsberg. En la década de 1980 se instaló en Alemania. Fundó su Alternative Medicine Quintet en 1978 y una Flute Orchestra en 1984. Lamentablemente, durante las décadas siguientes,  su discografía no se vio tan nutrida como en aquellos años, desde entonces se ha ganado la vida como músico, y compositor para compañías de ballet y teatro europeos y norteamericanos.

Cod: #1554

Bakerloo - Bakerloo (1969)

Este disco de blues eléctrico tiene todo lo que debe tener un buen disco de la época para estar a la altura de las circunstancias de su momento y contexto y para no caer en la monotonía y la mediocridad, presentando algunas variantes dentro del blues: un blues clásico, un blues eléctrico lento, un boogie, blues-rock, y la perla del poste, un track de quince minutos de duración que corta con todo lo anterior, presentando una muy extensa sesión improvisada que, a su vez también, se divide en otros fragmentos internos con intensidades cambiantes; es un disco con mucho qué ofrecer. Piezas cortas y piezas extensas, es un buen carácter que maneja el disco demostrando la versatilidad de los músicos para interpretar muchas variantes dentro de un mismo estilo, dando cuenta que sus habilidades y su inventiva. 

En la banda había buenos artilleros de la guitarra eléctrica, por lo que tenemos varios momentos bastante ajetreados con solos rabiosos y potentes, como en el tema algo experimental ‘’Last Blues’’ en el que, luego de un comienzo más calmo, el sonido termina volcándose hacia una sesión improvisada de blues-rock con full guitarra eléctrica. El rol de la guitara eléctrica, en cuanto a sus improvisaciones respecta, también toma preponderancia en otros momentos, como en el boggie ‘’Big Bear Folly’’, en el blues lento de estilo clásico ‘’This Worried Feeling’’ con también plena y decisiva participación de la guitarra eléctrica con solos impresionantes, o en el último track, el ya mencionado track de quince minutos ‘’Son Of Moonshine’’, un track que consiste en una cancion extendida en el tiempo, por lo que se vuelve una extensa sesión que cuenta con algunas partes internas que cambian sutilmente en intensidad y brindan la sensación de una sesión, un trip rockero de gran poderío.

Este power blues trio en muchos momentos recuerda al estilo eléctrico de Pappos Blues, por la ejecución punzante y decisiva de la guitarra eléctrica, por el funcionamiento en gran nivel del trio y por muchos momentos de bases pesadas, estridentes, que se plasman en sonidos rabiosos, con aplicaciones contundentes de la guitarra en forma de riffs y solos pentatónicos y con distorsión. El trio funciona en perfecta sincronía, reflejando las inquietudes del blues de finales de los 60s, y conceptualizando y  reformando dicho estilo de acuerdo a las visiones propias que surgirían de los talentos propios.

Este disco es signado por algunos dentro de un estilo progresivo, no necesariamente se trata de música progresiva pero la llamativa variedad en la propuesta de las composiciones, además de algunas piezas que tienen cierta ‘’progresividad’’ estructural, hacen que se acerque este sonido a esa categoría, de hecho Bakerloo era otra de esas potentes bandas inglesas de blues-rock de su época, entre las que se encontraban Led Zeppelin, Jethro Tull o Colosseum, bandas que sí evolucionaron hacia estilos más complejos (especialmente Jethro Tull); Bakerloo no contó con ese destino de continuarse en una carrera artística extensa pero su comienzo y único lanzamiento discográfico daba cuenta de que sus intenciones los podrían haber llevado a otros sonidos más complejos, sus acercamientos al blues, jazz y la música clásica dan cuenta de ello.

Bakerloo fue un trío inglés de heavy blues-rock formado a finales de los 60s, teniendo una carrera particularmente corta que duraría dos años nomás, pese a esto, y tras solo haber lanzado un álbum, el homónimo Bakerloo de 1969, la banda cumplió un rol importante al haber sido parte de la experiencia y formación de musicos que luego formaría otras bandas de mayor renombre, especialmente en vista de la emigración posterior de sus miembros hacia bandas como Colosseum, Humble Pie, May Blitz, Graham Bond, Vinegar Joe, Judas Priest y Uriah Heep. Fue el bajista y cantante Terry Poole el que formó lo que inicialmente se conoció como The Bakerloo Blues Line, en 1967, cuando se unió con el guitarrista u cantante tambien Dave ''Celm'' Clempson. Ambos se conocieron alrededor de 1965 en la Nottingham College Of Art & Desing. 

Dave ‘’Clem’’ Clempson recuerda lo siguiente sobre los artistas que los influyeron e inspiraron: ‘’Nuestras influencias fueron bastante diversas, por supuesto principalmente las grandes leyendas del blues, como Mddy Waters, Sonny Boy Williamson, Howling Wolf, John Lee Hooker; pero tambien estabamos influenciados por lo que estaba ocuerriendo en la escena rock britanica, y Terry y yo ibamos a menudo a festivales de blues y jazz a escuchar a bandas como Cream, Jimi Hendrix, Family, Jeff Beck, John Mayall, Ten Years After y Fleetwood Mac. Tambien habia incluso influencias de jazz y musica clasica, yo estudié diez años de piano en la Royal School of Music desde la edad de cuatro años. Amábamos a Jimi Hendrix por supuesto, e incluso a Cream. Ellos fueron grandes inspiraciones para la banda cuando comenzamos.’’

Ellos tuvieron ciertos problemas para encontrar al baterista adecuado para su proyecto ya que era difícil encontrar uno y que además poseyera buenas cualidades técnicas. En un periodo corto de tiempo junto a ellos desfiló una gran lista de posibles aspirante a la bateria. Entre ellos aparecieron nombres como Bill Ward que alcnazó a tocar en vivo junto a ellos, John Hinch (más tarde miembro de Judas Priest), Pete York que los ayudó en varios conciertos en la bateria (más tarde en Spencer Davis Group, y John ''Poli'' Palmer (más tarde parte de Family). Finalmente se hicieron con Keith Baker para completar el trio de potentes músicos de forma relativamente permanente yq eu sería el baterista que grabó junto a ellos el único álbum que lanzaron.

En sus orígenes tuvieron contacto con grandes bandas de la época, incluyendo Lez Zeppelin, para quienes abrieron en un concierto el 10 de diciembre de 1968 en el Marquee Club en Londres. Otras bandas para las que abrieron fueron King Crimson, Yes y Pink Floyd. Bakerloo fue fichado por el sello EMI, y su primer lanzamiento fue un single compuesto por los temas ''Drivin' Backwards'' / ''Once Upon A Time''. ''Drivin' Backwards'' fue creada en base a la pieza clasica de Bach ''Bouree In E Minor''. Poco después del lanzamiento de dicho single, Jethro Tull lanzó su segundo álbum, ‘’Stand Up’’ de 1969, en el que incluirían un track llamado  ''Bouree’’  también inspirado en la misma pieza clásica de Bach.

Cod: #1553

Graffiti - Graffiti (1968)

Graffiti fue la tercera banda que se formó a partir de las cenizas de la banda de garaje de mediados de los 60 The Hangmen, originaria del área de Washington DC. La banda se había llamado anteriormente Button y contenía al ex cantante de The Hangmen Tony Taylor y al guitarrista George Strunz, quien había reemplazado a George Daly en The Hangmen a principios del 67 antes de que decidieran separarse. Taylor y Strunz se mudaron a se mudaron a Greenwich Village desde Washington DC y cambió su nombre a Graffiti, siendo acompañados por el multiinstrumentista Steve Benderoth, el baterista Richie Blakin y el guitarrista rítmico Jon St. John. Graffiti lanzó un oscuro LP homónimo bajo el sello ABC en 1968 que fue coproducido por Bob Thiele (más conocido por su trabajo con muchos de los principales músicos de jazz), Eddie Kramer (más conocido por su ingeniería en los discos de Jimi Hendrix) y Jay Senter.

La inmediata impresión que deja este disco es que no se trata de un disco más del pop de su época, y esto es justamente por su propuesta tan variada y esmeradamente elaborada y pulida en detalles, arreglos y distintas partes y propuestas presentadas en un mismo sonido, es toda una aventura adentrarse en este sonido que rebosa de inventivas y propuestas que dirigen al escucha a tierras psicodélicas en un viaje insólitamente complejo para la época.

Aquí el sonido pop se diversifica en una serie de ideas pulidas puntillosamente que funcionan como un vergel de inventos que sorprenden por la diversidad en la búsqueda y por el cambio rotundo que suelen tener algunas piezas que comienzan bajo un lema pero que logran transformarse hacia estructuras que la mayor parte del tiempo avanzan en un continuo compositivo que denota la visión ambiciosa de la banda.

Debido al despliegue de elementos y diversos arreglos que caracterizan a las composiciones y a la producción, es muy tentador tildar a este sonido como proto-progresivo o incluso algunos tildan al disco como mismísimo prog, esa es una empresa algo exagerada para denominar a este disco que de todas formas es realmente aventurero en muchos aspectos y que demuestra una faceta exploratoria en gran parte del mismo, esa misma característica puede llevar a pensar que se trata de un estilo progresivo 

Lo cierto es que se trata de un disco raro y que no tuvo demasiada repercusión, pero eso se compensa con el despliegue de elementos, no solo en la variedad de la composición sino en otros detalles como pequeños temas conceptuales o tracks de diversas manufactura y duración, lo que convierte a este disco en un trabajo que se acerca al calibre de otras obras de esa era, de corte conceptual u operístico.

Finalmente el trabajo deja esa sensación de que se transitó por un sinfín de partes y rincones. El disco bien podría haber merecido más atención pública, así como también no, porque en las partes pop supuestamente más ''fuertes’’ no termina de lograr melodías que alcancen el mote de ‘’hit’’, y cuando el trabajo es realmente amplio lo es en un sinfín de piezas que son un deleite por su particular inventiva pero que no tienen un particular valor o interés comercial, el trabajo perteneció al under propio de una banda fugaz que surgió tan pronto como terminó, dejando esta joya perdida en el tiempo que será un deleite para quienes gocen con los sonidos por su creatividad y no por su pasajera popularidad o relativa respetabilidad. Para algunos esta es una obra maestra y para otros es un disco más del montón, lo cierto es que este trabajo deja algunos buenos momentos que valen la pena tener en la colección.

Cod: #1552

Klan - Mrowisko (1971)

Klan fue una banda fundada en 1969 en Varsovia, Polonia, uno de los primeros grupos polacos en incursionar en el mundo progresivo, y pese a su producción discográfica relativamente pequeña y a las restricciones socio políticas que pesaban sobre la escena rock de la época censurando y persiguiendo a los artistas, aun así consiguieron colocarse como uno de los principales logros del rock progresivo del momento en el país. La primera formación del grupo es Marek Ałaszewski (nacido el 2 de diciembre de 1942 en Varsovia) (guitarra y voz), Roman Pawelski (bajo), Andrzej Poniatowski (ex. Pessimists) (instrumentos de percusión) y Maciej Głuszkiewicz (teclados) .

La banda hizo su debut en el club de Varsovia "Medyk" y pronto ganó atención gracias a la interesante música progresiva y letras surrealistas, aunque Ałaszewski a veces fue acusado de copiar el estilo vocal de Niemen. La banda grabó algunas canciones interesantes y lanzó su primer EP, sin embargo, el álbum más importante de la banda es su segundo lanzamiento, su primer LP titulado Mrowisko, música escrita para una actuación de ballet del mismo nombre. La letra de la obra habla de la vida en la ciudad anónima y sin rostro, en la que el individuo se siente como una hormiga.

En junio de 1970, en el 7º Festival de la Canción Polaca, el grupo presentó la actuación de ballet "Mrowisko", que sería publicado posteriormente en 1971 en un disco bajo el mismo nombre. Este es un disco interesante y con una producción de sonido que le resultó tener sonoridades de un estilo propio. No termina de ser totalmente progresivo, ronda dentro de esa aura y muchos momentos son de un avance compositivo pero también transita la canción y algunas estructuras clásicas, aunque lo hacen entre introducciones, pasajes, arreglos, algunos inventos instrumentales, por lo que la escucha del disco no se vuelve monótona o repetitiva como sí podría llegar a ser con algo de corte más clásico. 

El álbum presenta una serie de invenciones que rondan entre influencias progresivas, jazzeras y rock, hay algunos momentos instrumentales que parecen invenciones propias del ingenio de la banda y que significan la propuesta de todo el trabajo ya que este está completo por casi por su totalidad por esas piezas de diversa manufactura, diversa duración y diversa propuesta. Es toda una puesta conceptual creada para ballet, lo que significa la elaboración variada, una búsqueda sonora basada en su mayoría en piezas cortas y diversas. Los 13 temas lanzados en el álbum están fuertemente influenciados por la música occidental, por ejemplo, de Jethro Tull , Vanilla Fudge o Carlos Santana.

El disco comienza de manera inmejorable, con el canto de algunos pájaros que pintan una escena pastoral y relajada, a lo que se le suma una suave guitarra criolla dejando algunas melodias también suaves, momento que termina con la aparición de la banda en un sonido relajado con teclados y guitarra eléctrica; este comienzo es uno de los momentos más destacados del álbum. Ellos combinaron la canción popular pero la ornamentaron con arreglos progresivos, pasajes de jazz, elementos de blues y crearon un repertorio exótico dentro del rock local.

En la primavera de 1971, Głuszkiewicz Poniatowski abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Wojciech Morawski y Christopher Dłutowskiego. Después de una serie de conciertos dados la banda se disolvió en el otoño de 1971; Marek Ałaszewski ( Graduado de la Academia de Bellas Artes) se dedicó al arte. El clan reanudó su actividad en 1991 con la composición de Ałaszewski, Artur Łobanowski (guitarra, teclados), Wojciech Ruciński (bajo) y Radosław Nowakowski (batería, ex-Osjan) y un año después grabó un segundo álbum, que se tituló ‘’¿Por qué necesito este paraíso?’’.

Cod: #1551

Terje Rypdal - Terje Rypdal (1971)

El estilo artístico que Terje Rypdal mostró al principio de su carrera discográfica solista dejó entrever un decisivo acercamiento hacia las vanguardias y la experimentación temprana con el  jazz fusión, y aunque presentó, por ejemplo en su primer disco, una de las primeras formas escuchadas en su época de fusión entre el vanguardismo jazzero y el rock experimental, aun así esos serían momentos tempranos y prototípicos de su carrera porque ese representaría nomás el comienzo de un estilo personal que pronto iría mutando y evolucionando, sofisticándose, diversificándose, estilizándose, mutando en su técnica personal y en sus visiones del uso del espacio y el tiempo, que pronto comenzaría a dar nuevos frutos.

Para 1971 Rypdal ya había reunido la experiencia suficiente en el campo del vanguardismo, participando en el disco ‘’The Esoteric Circle’’ del mismo año, producido por George Russell, su mentor musical, además de haber formado parte de formaciones lideradas por uno de sus compatriotas y otro icono del jazz noruego, Jan Garbarek. Con todo esto, sumado a sus visiones particulares que habían comenzado a re direccionarse e intensificarse hacia terrenos de mayor riesgo conceptual, siempre impulsándose por la influencia de las vanguardias de la época,  publicaría en 1971 su segundo trabajo discográfico como solista y líder, conformando otro eslabón en la cadena evolutiva que estaba transitando y que lo tendría concerniente a expresiones y fulguraciones en el terreno del jazz rock y el jazz vanguardista.

Su estilo había mutado hacia deliberados momentos de pura significancia conceptual, brotando las fibras de la influencia de la música clásica en varios pasajes de este trabajo, como estando sintetizada bajo una mirada fusión de solemne expansión expresada en ambientes vanguardistas calmos, misteriosos, con instrumentaciones sutiles sobre las que brotan algunas líneas de viento entre flautas, saxos y clarinetes; esa es una noción sutilmente sinfónica aplicada al espacio y sincronizada con sus innovadoras visiones de vanguardia.  

El comienzo del disco se presenta dentro de un terreno de construcción extensa en el tiempo, con implicancias especialmente del jazz rock donde brilla la guitarra de Rypdal, hacia el final de la primera pieza, en un solo abrazador de una potencia fusión muy personalista y una visión que se estaba expandiendo, estilizándose su particular técnica en ejecución de solos e improvisaciones. No se podría entender al estilo del Rypdal de esa época sin tener en cuenta la influencia rock acida de Jimi Hendrix, del cual tomó la distorsión y la fiereza que queda notoriamente reflejada en la distribución de las notas sostenidas en un monologo que no decae en intensidad a lo largo de las estructuras temporales que transita.

Tampoco podría entenderse a Rypdal sin la influencia del vanguardismo de George Russell, es que dicho compositor había comenzado a plantear vanguardismos de calibres similares pero en formas orquestales mucho mayores, siendo un impulsor temprano del fusión. Esas maneras de incluir líneas orquestales sutiles e insinuantes sobre terrenos de jazz fusión modal que plantea Rypdal en este disco, como en la pieza ‘’Electric Fantasy’’, parecen haber sido inspiradas sutilmente por los trabajos del Russell de esa época, como ser trabajos como ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969 o ‘’Trip To Prillarguri’’ de 1970, trabajos en los que Rypdal participó en la grabación y presentación en público, experiencia que muy probablemente marcó a fuego las visiones por aquel entonces tempranas del guitarrista Rypdal.

Es en ‘’Rainbow’’ o ‘’Lontano II’’ donde Rypdal se oscurece volcándose hacia un sonido netamente vanguardista, con disonancias, aplicaciones de instrumentos diversos y ambientes decididamente oscuros, es un sonido que resalta en el disco por su particularidad y demuestra lo lejos que estaba dispuesto a llegar el autor en su experimentación.

Las estructuras se destilan hacia una concepción ‘’minimalista’’ en el sentido de que la instrumentación nunca es virtuosa o vertiginosamente cambiante, sino que funciona siempre dentro de ambientes calmos, de misterio, de hechuras artísticas sin nombre que provienen de algún oscuro lugar que las colocó allí por alguna extraña razón y circunstancia, y si es que alcanzan algún punto culmine o álgido en la instrumentación, momentos en los que aparecen generalmente los impresionante solos de Rypdal, es por que llegaron a ellos por medio de extensos pasajes de desarrollo que evolucionaron lentamente hasta alcanzar un limbo particular y eclosionar en los mismo, véase la pieza ‘’Electric Fantasy’’ para ejemplificar esta situación. Las estructuras representan grandes área de juego que propician la aparición de diversas texturas, armonías, instrumentaciones varias, diversos momentos y estados, siendo un estilo fusión en plena fusión, valga la redundancia, con influencias de estilo de la música clásica. 

Este es un disco capaz de satisfacer a gustos por el fusión, pero también se adentra en terrenos vanguardistas, por lo que el producto final cuenta con esa amplitud de visiones, estilos e influencias. La evolución del autor para este disco es notable con respecto a su primer lanzamiento, demostrando una búsqueda de vanguardia total y una fusión de diversos elementos y estilos aunados en una misma cosa de vanguardia que se manifestaba hacia la búsqueda de una identidad propia dentro de un estilo que se estaba desarrollado y que continuaría desarrollándose a lo largo de toda su discografía que se extiende hasta hoy en día.

Cod: #1550

Think - Variety (1973)

Esta es una puesta progresiva delicada que guarda un fuerte vínculo con la era psicodélica, especialmente por los órganos y guitarras hard características, bases duras de rock y algunos momentos de sutil experimentación instrumental, incluso en toda la puesta hay un aura deliberada que recuerda al hard rock underground europeo. La banda parte desde esas influencias pero se encamina hacia estructuras de sutil sofisticación que entre algunos pasajes más complejos y otros más sencillos aun así se asegura de presentar toda una puesta de variada composición dentro del terreno de la música progresiva, haciéndole gran honor al espectro compositivo de la época y diferenciándose un tanto de los sonidos psicodélicos más tradicionales.

Al ser un disco alemán, los vínculos que se le tienden a este sonido con el krautrock son inmediatos, lo cierto es que este disco tiene poco y nada de relación con el krautrock, algunos efectos sonoros eventuales y fugaces, eso es todo; esta propuesta tiene más que ver con el rock hippie evolucionado desde la misma instrumentación pero hacia estructuras de sofisticación, con una complejidad media que no está sobrepasada con progresiones virtuosas e interminables pero que presenta los cambios suficientes para que este ser un sonido excitante para escuchar y disfrutar, convergiendo entre ambientes psicodélicos y estructuras progresivas.

En la instrumentación aparecen algunos instrumentos particulares que enaltecen la propuesta, aplicaciones en flauta, saxo, violines y eventuales arreglos de cuerda se suman a la interesante propuesta del disco que se mantiene en una constante búsqueda progresiva, no virtuosa pero sí con una amplitud contundente que la saca del convencionalismo del rock más estándar. 

La portada psicodélica con esas dos damas sobre las que se proyectan algunos efectos luminosos es toda una declaración de intereses, tal vez el álbum no sea tan deliberadamente lisérgico pero sí representan el ambiente de donde provienen los músicos y con el cual se codeaban, el trasfondo musical del disco se esparce como un aura de un sutil exotismo ácido que se desparrama en el alma básica de la instrumentación del grupo y demuestra un porvenir hippie. 

Por la participación de flautas y violines es que se tiende relación hacia la influencia clásica, apareciendo también momentos de elementos de blues, influencia del jazz, y momentos de rock del cual toman esa tendencia hacia las estrofas cantadas que se desparraman entre las diversas progresiones. La puesta no es virtuosa pero entre tantos pasajes e invensiones se puede apreciar que la banda estaba bien en caminada hacia ambientes de elaboración y búsqueda sonora.

Think proviene de la ciudad de Marl, Alemania, fundada en 1971 por 3 alemanes, 2 húngaros y 1 checo.La banda estaba formada por el alemán Friedhelm Wördehoff (baterista en bandas de ritmos de Essen desde mediados de la década de 1960), los húngaros Ricky Ramor en bajo y Rodrigo Ramor en la voz principal (cuyos padres habían huido a Alemania a fines de la década de 1950), y los alemanes Frank Voigt en flauta y saxo y Gerd Pohl en guitarra. Los hermanos húngaros Ramor encontraron otro compatriota "oriental" para integrar el grupo, el checo multiinstrumentista Ludovich Sandrik que había estado tocando con la filarmónica húngara.

Algunos de los miembros de la banda eran miembros de una orquesta húngara que había ido a Alemania de gira, tras desertar, se quedaron en Alemania y fue allí donde congeniaron con los demás miembros de la banda, esto explica las diversas instrumentaciones aplicadas en varios pasajes del disco, además de la sofisticación general del trabajo que es considerablemente sofisticada, es de ahí de donde proviene ese toque clásico que tiene este disco y que es típico de la fusión del progresivo general de la época.

La banda solo duró lo suficiente para grabar este álbum, luego se separaron y poco se sabe de ellos luego de este eventual proyecto. El resultado es una esperada fusión de elementos progresivos con amalgamas clásicas que se suman a todo el repertorio típico del rock de las escenas de la época. Es un trabajo muy esmerado, un logro sonoro de la instrumentación muy bien logrado producto de la buena producción, un gran trabajo del under progresivo alemán.

Cod: #1549