Ache - Green Man (1971)

‘’Ache’’ es uno de los grupos más destacados e importantes para la música progresiva danesa de su epoca, su origen tuvo lugar a finales de los 60s, por lo que en su formación estuvieron fuertemente influenciados por la psicodélica típica de esa época, esto sumado a las incursiones en la música progresiva que emprendieron dio como resultado una música que llevaba fuertemente marcado estos estilos, un sonido embrionario característico típico de esa época de transición.

La banda habia publicado su primer disco, ‘’De Homine Urbano’’, en 1970, con el que presentaban dos extensas suites progresivo/ psicodélicas muy complejas, que completaban cada una un lado del vinilo original. En este segundo disco la banda sigue incursionando en el rock progresivo elaborado y sofisticado, y también siempre dentro de un sonido con mucho aire psicodélico impulsado especialmente por un órgano hammond de ensueño, aun en esta segunda entrega la banda se diversifica en piezas más cortas, no tan largas como las presentadas anteriormente.

Los temas son potentes y muy agradables, el ya mencionado órgano hammond le brinda al sonidosu característica esencial, estando presente a todo momento y completando cada pasaje con su sonido rasposo y salvaje, característica a la cual a veces también se suma la guitarra, que por momentos aparece distorsionada.

Todas las piezas son buenas aventuras progresivas oscuras, ambientes melancólicos y oscuros que se suceden entre cambios de ritmo y distintos pasajes instrumentales. Algunos tracks en particulares se podrían destacar del resto pero primero vale la pena resaltar que todo el disco es cohesivo, sigue una misma línea progresiva, un mismo ‘’concepto’’, y todas las piezas se encuentran en un gran nivel.

Se podría considerar a la primera pieza del disco, ‘’Equatorial Rain’’, como una de las destacadas del disco, un sonido progresivo contundente y muy eficaz, una pieza muy agradable con cambios de ritmos y ambientes oscuros donde resaltan agregados de grabaciones de sonidos de lluvia. 

Otra pieza que resalta es la última del disco, que se trata de un cover que hicieron de un tema de los Beatles, ‘’We Can Work It Out’’, canción que tomaron, la estrujaron, la estiraron y la convirtieron en una aventura progresiva alucinante, es un gran mérito de la banda el sonido que alcanzan en esa reversión, no quedándose ni conformándose con el sonido original sino transformándola según sus fulgurantes e inquietas visiones. Lo mismo hicieron en el primer disco que lanzaron, tomando un tema de los Beatles y combirtiendolo en una composición progresiva muy compleja. Al parece, el cuarteto de Liverpool ha deja una huella y gran influencia sobre ellos.

Cod: #1448

Invisible - Invisible (1974)

Luego de desarmar la banda ‘’Pescado Rabioso’’ en la que estaba y tras haber publicado su icónico disco ‘’Artaud’’ en 1973, el flaco Spinetta formaría el mítico trio ‘’Invisible’’, junto a Hector ‘’Pomo’’ Lorenzo en la batería y Carlos ‘’Machi’’ Rufino en el bajo, ambos músicos tocaban con Norberto Aníbal Napolitano, mejor conocido como Pappo, en su banda Pappo’s Blues y venían de terminar el tercer trabajo de estudio, llamado ‘’Pappo’s Blues vol. 3’’. Durante la ultima etapa de Invisible se les sumaría Tomas Gubitsch, ocupando la función de segunda guitarra.

Spinetta, en esta nueva agrupación, buscaba un sonido más limpio, alejándose lo más posible de lo que era común en el momento, que era el rock pesado, por lo que poco a poco comienza a dejar las distorsiones atrás para adentrarse en las fusiones, la experimentación estructural, también comienzan a aparecer elementos de jazz y estilísticas más finas y elaboradas. Esto se vería reflejado en la evolución de Invisible a lo largo de sus tres discos, aunque en el primero de sus discos todavía quedan resabios del rock pesado que traía de sus antiguas experiencias.

El sonido que alcanza Invisible representa una evolución considerable y sorprendente en el transito que la carrera de Spinetta estaba dando, dirigiéndose siempre hacia nuevas propuestas, nuevas liricas, nuevas texturas y estructuras, nunca quedándose en un sonido repetitivo o previsible sino avanzando y proponiendo sonidos siempre nuevos y frescos.

La banda publica su primer disco en 1974, el homónimo Invisible, una obra que ha perdurado hasta el presente, ubicándose entre los discos progresivos argentinos más importantes de su época. En esta obra las visiones de Spinetta se dirigen hacia temas de rock tan complejos como nunca antes en su carrera había experimentado, con la influencia progresiva típica de las bandas del momento, un sonido sofisticado, fino, elegante y con arreglos que denotan una destreza armónica y práctica especial, una visión muy profunda  de la estructura y de la complejidad volcada en la composición.

Todas las composiciones del disco son relativamente complejas, se salen de las estructuras típicas del rock más convencional y se presentan como auténticas aventuras que combinan partes cantadas de estrofas y estribillos con partes instrumentales. No hay dos piezas iguales, cada una presenta una invención propia y original y se destaca erigiéndose con un sonido propio.

Si bien es cierto que algo de jazz aparece en el disco, especialmente en el primer tema de este, el llamado ‘’Jugo de Lucuma’’, donde el sonido jazz-rock se vuelve evidente, aun así el jazz no pareciera marcar tanto el estirpe del sonido, más allá del hecho de que Spinetta ya había comenzado a experimentar con armonías dentro del género. 

De las composiciones de este disco surge más bien la sensación de que el ejecutante y cantante principal se enroscan en una travesía compositiva muy amplia, versátil, feroz, (véase la particular composición en ‘’Irregular’’) y es acompañado, por supuesto, por batería y bajo, Pomo y Machi, que estaban a la altura de las circunstancias desplegando su versatilidad y completando a la perfección los espacios y acompañamientos que las finas composiciones exigían. 

Entre 1973 y 1974 Invisible produciría no solo los temas y composiciones que completarían su primer disco sino que también dejarían grabados varios singles, entre los que se encontraban temas en general no tan complejos como los del disco, eran de más fácil escucha y eran tocados en las presentaciones en vivo del trio. 

Y por supuesto, no queda otra también que remarcar las siempre eternas, metafóricas y poéticas letras de Spinetta, un escritor alucinante que se las arregla siempre para evocar historias conmovedoras y surrealistas. El estaba en un momento post-surrealista, venía hacía poco de publicar su disco conceptual ‘’Artaud’’, y esas visiones de la humanidad, de la carne, del sufrimiento, de la vida, los dejos místicos, etc., todo eso seguía presente, de alguna manera, en este disco.

En las siguientes publicaciones de ‘’Invisible’’, que serían ‘’Durazno Sangrando’’ de 1975 y ‘’El Jardín de los Presentes’’ de 1976, el sonido de la banda se iría desligando aún más del sonido rockero para acercarse más al jazz y a la canción. Cada disco publicado por Invisible es totalmente diferente entre sí, con visiones muy diversas presentadas en cada caso.

Cod: #1447

Gérard Manset - La Mort d'Orion - (1970)

Cantante, compositor, pintor, fotógrafo y escritor francés, nacido el 21 de agosto de 1945 en Saint-Cloud, Gérard Manset es conocido por sus discos como uno de los vanguardistas más importantes de su época en Francia. Se lo puede ubicar al nivel de otros compositores contemporáneos y coterráneos como William Sheller, Guy Skornik o Michel Berger. 

Criado en los suburbios de París, este artista cuenta con un vasto catálogo de álbumes memorables para su país, aunque es ‘’La Mort D'Orion’’, de 1970, su trabajo más conocido y ampliamente considerada su obra maestra. Se trata de uno de los primeros álbumes conceptuales de su país, un concepto basado en ciencia ficción. 

Se autofinancia su debut "Animal on n'est mal", que pasó desapercibido, probablemente debido a los disturbios estudiantiles en 1968. Su debut no tuvo repercusión, sin embargo, su segundo álbum simplemente etiquetado como "Gerard Manset" recibió buenas críticas, lo que lo alentó grabar "La Mort d'Orion" poco después.

No queda claro en qué genero se posa porque tal vez no lo haga, vanguardismo y música sinfónica con arreglos de cuerdas son los principales elementos que ayudan a conformar el cuerpo de las composiciones que entre diversos agregados y partes llegan a ser bastante complejas. Es un disco que nace desde la cultura rock pero que tiene pocos indicios de rock, por lo menos en su formato clásico o con los elementos típicos de este.

El sonido es fino y sofisticado, arreglos de cuerda, arreglos corales, música sinfónica, una condensación de un estilo pop enraizado en la música clásica y plasmado en escenas que no se limitan a bases o estructuras fijas, son más bien amplias, con los arreglos de cuerdas que enalteces este carácter y revitalizan el sonido.

El trabajo se presenta con dos lados del vinilo bien definidos: el lado A presenta una suite dividida en cinco partes, un concepto que se conecta y une a través de un sonido sofisticado y, como se dijo antes, con arreglos sinfónicos; el lado B sigue por esta línea de sofisticación pero se presenta como una serie de cinco piezas que funcionan individualmente.

El sonido roza y juega con un aire vanguardista durante muchos pasajes del trabajo, fragmentos de otras canciones superpuestas, efectos agregados, voces, experimentación sonora; esto se alcanza por ejemplo en el tema ‘’Le Paradis Terrestre’’, tema que cuenta con varios agregados sonoros hacia el final de la composición y le dota a la pieza de un carácter agradablemente extraño y experimental.

Todo el disco es una obra que desafía los estándares de la época y se presenta con un sonido propio, de vanguardia, de un intenso juego con los arreglos sinfónicos y corales, funcionando como si fuera una obra sinfónica, un sonido que no es lineal sino que toma del aspecto sinfónico esa manera de recorrer los espacios con diversas partes con sus respectivos tempos y cambios de estado.

Cod: #1446

Franco Battiato - Pollution (1972)

Franco Battiato es sinónimo de vanguardismo italiano, un músico referente en la escena de su país durante muchos años, sorprendiendo a esta con una serie de primeros discos en su discografía ampliamente experimentales. Puso la música pop al inverso a principios de los 70s con tres publicaciones clásicas en su discografía:’’ Fetus’’, ‘’Pollution’’ y ‘’Sulle Corde Di Aries’’, explorando el vanguardismo y llevándolo a lugares de primera línea.

El disco que nos compete en esta ocasión es ‘’Pollution’’, que trata de un encuentro entre la electrónica y el rock, aunados bajo visiones vanguardistas, junto a efectos de sonidos, alteraciones, y voces agregadas. La idiosincrasia del sonido es extraña, no se sabe a ciencia cierta hacia donde se dirige, pero sin duda se trata de un rock manifestado de forma alternativa, rock de la época, con bases modales que generalmente brotan de auras electrónicas creadas con sintetizadores.

Se dice que durante sus primeros discos transitó por el rock progresivo italiano, pero esta etiqueta no es tan acertada para calificar estos trabajos porque sus visiones no están tan alineadas con las propuestas generales de ese movimiento, sin duda está influenciado por dicho estilo pero se presenta, por lo menos en sus primeros trabajos e incluso en posteriores, bajo un aura de experimentación que lleva a su música rock a volverse irreconocible bajo un estándar o tabú particular.

Hay momentos electrónicos, momentos con bases de rock, y otro elemento fundamental del disco son los arreglos acústicos tipo folk que suelen aparecen durante varios pasajes y que enriquecen la propuesta del disco. Tal vez lo que más se asemeje al progresivo en este álbum es la pieza homónima ‘’Pollution’’, de una composición sofisticada que transita por varias partes, incluyendo en la misma todos estos elementos nombrados anteriormente. 

Es un disco completamente vanguardista que toma lo mejor de su época y lo traduce al estilo más fiel posible, bajo esa línea inconformista de correrse hacia la experimentación, presentando sonidos difíciles de escuchar para el público acostumbrado a las músicas más básica y elementales. Esta tendencia de vanguardia temprana caracterizó a muchos de los músicos que comenzaron sus carreras a finales de los 60s/principio de los 70s, sumándose a las corrientes contraculturales de la época que habían puesto en boga un sinfín de diversas manifestaciones dentro de un mundo alternativo de experimentación que se recreaba hacia diversos lugares y sub-estilos; esto incrementado aun más por las típicas inquietudes de la juventud que generalmente llevan a los artistas, al comienzo de sus carreras, a chocar contra contra el conformismo, inquietudes que, con el paso de los años, se van apagando hasta esfumarse, volcándose el artista hacia las nuevas tendencia con las que se encuentre en ese momento, pero de una manera muchos menos ''arriesgada'' que cuando comenzaron.

Cod: #1445

Technical Space Composer's Crew - Canaxis 5 (1969)

A finales de los 60s, Holger Czukay, músico y miembro fundador de la banda alemana Can, mientras esta se estaba formando y dando sus primeros pasos, él por su parte se encomendó a la tarea de desarrollar sus visiones de músicas experimentales y vanguardistas, poniendo en práctica los conocimientos adquiridos tras estudiar varios años durante los 60s como alumno del mismísimo Karlheinz Stockhausen, cuya música significó una inspiración y ejemplo importante para el por aquel entonces joven Czukay.

Czukay se asocia con el productor e ingeniero Rolf Dammers y juntos desarrollan un trabajo que se adelanta varios años en lo que al uso de técnicas de sampler refiere, desarrollando una música plenamente experimental que surge a partir de la unión de elementos de minimalismo, drone y electrónica, sumado a la interposición de diversas grabaciones y cantos tribales, además de incluir fragmentos grabados onda corta de radio, una obsesión de Czukay que También se incorporó a algunos de los álbumes posteriores de Can.

Todos estos elementos fueron manipulados y aunados creando una sola cosa musical, extraña, altamente vanguardista, grabada en el estudio de música electrónica de Stoackhausen. Drones y efectos de bucles que crean ambientes minimalistas hipnóticos se ponen en marcha como el ambiente crudo sobre el que desfilan cantos de lamentación vietnamitas, convenientemente manipulados en bucles repetitivos y atmósferas electroacústicas, esto conforma el concepto central del sonido.

Combinando cintas de fuentes dispares juntas, el sonido se vuelve un extraño entrecruce de etnias y diversas idiosincrasias que, en pos de la innovación, se reúnen en una música drone hipnótica y misteriosa, de dudosa procedencia y de un fulgor minimalista con gran mérito para esos años pero que lamentablemente permaneció en las sombras y fue infravalorado, salvo por algunos grupos de fanáticos de músicas alternativas.

El elemento ‘’étnico’’ de los cantos vietnamitas típicos le confiere al sonido un sutil misticismo que incrementa aún más el carácter misterioso general que refleja el trabajo a lo largos de extensos agujeros de gusano sintetizados, con una volátil influencia de la música clásica y algunos agregados sonoros electrónicos, alcanzando momentos en los que varios elementos dispares se sintetizan paradójicamente en una sola expresión que funciona como un crisol minimalista.

El trabajo sería publicado con el nombre de ‘’Canaxis 5’’, acreditado bajo el nombre de ‘’Technical Space Composer's Crew’’, y presentado en forma de dos extensas sesiones que ocupan consecutivamente cada una un lado del vinilo original. Representa la idiosincrasia pre-Can, el desarrollo a través de estudios de música moderna contemporánea, y la plasmación de visiones que jóvenes vanguardista tuvieron partiendo desde el minimalismo y las teorías de la música clásica moderna.

Cod: #1444

Ya Ho Wa 13 - Penetration: An Aquarian Symphony (1974)

Esta es una de las tantas manifestaciones excéntricas y bizarras que salieron de la contracultura hippie de finales de los 60s, una comunidad esotérica de freaks reunidos bajo el nombre de ‘‘Source Family’’, un grupo de hippies reunido en torno al excéntrico millonario ‘’Father Yod’’, un personaje hedonista que, aburrido del dinero, se encomienda en la misión de convertirse en una especie de auto profeta con supuesto atributos místicos, autoridad bajo la cual lideraba al grupo de gente que lo seguía.

El grupo contenía un núcleo central de 150 personas aproximadamente, viviendo en las colinas de Hollywood, y se solventaba económicamente con los ingresos que generaba un restaurant propiedad de Father Yod. Algunas de las doctrinas que la ‘’Source Family’’ practicaba se mantuvieron en secreto, pero principalmente todo giraba en torno a Father Yod y al culto a su persona, se sabe que ‘’Father Yod’’ tenía 14 esposas y 3 hijos. También se sabe que promovían la salud natural, las dietas vegetarianas orgánicas, la vida en comuna, y otros ideales.

Construyeron un estudio de grabación en el predio donde estaban instalados y reunieron el equipo necesario donde realizaron un sinfín de diversas grabaciones presentadas en los muchos discos que publicaron, los cuales fueron registrados bajo diversos nombres, como '‘Ya Ho Wha 13'’, ‘'The Savage Sons of Ya Ho Wha'’, '‘Yodship'’, ‘'Fire Water Air’' o ''Father Yod And The Spirit Of '76''. 

Muchos de estos discos se caracterizaron por la música improvisada, grabada de una sola toma, en los que el grupo volcaba todo su misticismo mágico, sus visiones sobre el cosmos, materializando sus filosofías de amor libre y rock en una música que se salía de los cánones comunes, presentadas como auténticos viajes hacia el cosmos sideral, volcando misticismo a su paso y con la supuesta misión de guiar al escucha hacia un elevado estado de conciencia.

‘’Penetration-An Aquarian Symphony’’ es uno de esos discos, de un estilo inclasificable y de una profundidad mística realmente sorprendente. Se trata de música aparentemente improvisada, viajes en forma de sesiones que se transforman en el tránsito hacia tierras de rituales cósmicos y encuentros con realidades misteriosas y totalmente seductoras para quien se interese un poco por la espiritualidad y las búsquedas alternativas de una vida religiosa.

La calidad de sonido la grabación es mala, pero esto se compensa con esa cualidad que tiene la música de ofrecer un estilo totalmente único, hipismo puro, música cósmica, psicodelia mística propiamente dicha; una música que se presenta con una evidente cualidad de ritual que transita por varios y amplios estados anímicos, mientras se adentra en tierras desconocidas e inexploradas, con extraños efectos de guitarra, percusiones, ambientes oscuros, y la voz de Father Yod como líder de las sesiones.

Esta música es el corazón de algo desconocido, la guitarra eléctrica hipnotiza con sus sonidos salvajes y únicos, las percusiones seducen con sus ritmos rituales, los ritmos brotan sutilmente y cada instante va construyéndose sobre un terreno cósmico, una manifestación de trance absoluto. Es una banda de rock devenida hacia un grupo de música ritual, donde afortunadamente hay rock y psicodelia, pero volcado de una manera nunca antes oída para la época.

No se trata de música en la que se vaya a apreciar las capacidades técnicas, sino que, contando con los recursos y habilidades que poseían, se las arreglan para embarcarse hacia una manifestación que intenta volverse un conductor hacia estados alterados de conciencia, música psicodélica desconocida y misteriosa partida desde sus visiones cósmicas, con rumbo indefinido hacia lo indeterminado y cósmico de la existencia, un viaje psicodélico de ida.

Ellos comenzaron lanzado discos en 1973 y desde entonces, durante varios años, se mantuvieron constantemente produciendo cosas, que en general se trataba de música improvisada grabada de una sola toma, sin ensayos. Aunque sólo nueve discos fueron producidos y puestos en libertad, se rumorea que más de 65 discos fueron grabados por el grupo, pero se perdieron en los últimos años. La mayoría de los álbumes fueron publicados en pequeñas series de 500 a 1000 copias, por en el sello ‘Higher Key Records’, propiedad del grupo, y fueron vendidos al público en general en el restaurant propiedad de Father Yod.

El 26 de diciembre de 1974, la. ‘Source Family’ vendió su restaurante y se trasladó a Hawai. El 25 de agosto de 1975, a pesar de no tener experiencia en vuelo con ala delta, Father Yod utiliza un ala delta para saltar desde un acantilado de 400 m, en la costa este de la isla de O’ahu, y sufre un accidente, cayendo en una playa, por el accidente no sufriría grabes lesiones externar pero muere nueve horas más tarde al ser incapaz de moverse y al no aceptar tratamiento médico por sus creencias religiosas.

Cod: #1443

Théâtre Du Chêne Noir ‎- Aurora (1971)

El rock de finales de los 60s en Francia fue muy revulsivo y se encontró directamente con la represión del establishment que se opuso a sus manifestaciones y manifiestos artísticos y que deliberadamente trató de reprimir esas expresiones generalmente vanguardistas. Era una época convulsa para el arte, los artistas salían a manifestarse y, es plena creación artística, no dudaban en chocar con las fuerzas de poder que trataban de limitarlos, manifestándose desde el arte hacia un creacionismo que proponía formas tan extravagantes que representaban un peligro para ''el bien común de la nación’’. 

Como se podría suponer viendo el nombre completo de la banda,  ‘’Théâtre du Chêne Noir d'Avignon’’, aquí nos encontramos con un grupo que nació como una compañía de músicos y actores de la ciudad de Aviñón, en el sureste de Francia. El músico y escritor Gerard Gelas fundó Chêne Noir en 1968, con la presentación debut de su "Poèmes" en un pequeño restaurante de Avignon. Aunque solo estuvo acompañado por un trío, la compañía pronto floreció, de modo que en dos años Chêne Noir estaba compuesta por un grupo de artistas que se presentaban en el escenario y que, con palabras, movimiento y música, proponían nuevas y vanguardistas formas de arte.

Tras una serie de sucesos desafortunados, repletos de represión y censura, algunas de las presentaciones en vivo del grupo fueron canceladas y el público reprimido por grupos policiales, esto brindó a Chêne Noir una inesperada fama que lo puso en el foco de la tormenta. Como su presentación en el ‘’Festival Off’’ en Julio de 1968, que fue prohibida. A raíz de esta desafortunada publicidad, Chêne Noir recibió una invitación para actuar en Roma, como forma de apoyo por parte de otros directores teatro que participaron en el festival.

De regresó a Aviñón y durante los siguientes tres años Gelas se dedicó a escribir, dirigir y escenificar cinco actuaciones con Chêne Noir: "Radio Mon Amour", "Vivre Debout", "Sarcophage", "Marylin" y "Opération". En septiembre de 1970 llegó su novena presentación en el escenario, "L'Aurore" ("Aurora"), de la cual dos actuaciones sucesivas del 22 y 23 de junio de 1971 fueron grabadas y posteriormente lanzadas en un álbum publicado por el sello experimental ‘’Futura Records’’.

‘’Aurora’’ representa el quehacer vivo del grupo, tomando en directo desde la entrañas latentes de sus manifestaciones colectivas en público, una concepción artística que los llevó a manifestarse y a auto exigirse física, moral y psicológicamente, llevando el expresionismo al límite y proponiendo una fusión de elementos para crear una sola cosa viva y representativa, un teatro vivo con música, poesía y experimentación en directo. 

Con una mezcla de música experimental improvisada, elementos de jazz y rock, palabra hablada, danza, canto y teatro, el grupo se las arregla para inmiscuirse profundamente en un ámbito de solemnidad y oscuridad, mientras cada ejecutante se sumerge en un viaje cohesivo, comprometido con la emotividad grupal y abrazado por una puesta escénica bañada de poesía y dramaturgia viva, creando así un ambiente extraño, ubicado entre las sombras y legitimado a sí mismo con un convencimiento propio de que lo que hacían era su propio arte y su propia creación, con el agregado de esa búsqueda de llegar hasta el espectador y generar ese estupor necesario para sacudir el espíritu.

El ambiente de grabación es el de una actuación realizada en vivo, en condiciones de luz de claroscuro, con su acompañamiento musical de suspenso y con un grupo de artistas de diversas índoles expresivas que funcionaban al unísono cada uno desde sus respectivos roles. Influenciados por el poeta francés Antonin Artaud, fueron las "fuerzas oscuras" de su teatro de la crueldad las que marcaron mucho de "Aurora". Aunque ocasionalmente la compañía presentaba material de Molière, Alfred Jarry y otros escritores franceses más oscuros, su enfoque principal era el material original de Gelas y los otros miembros del grupo.

El trabajo está presentado en una serie de seis escenas, de un índole musical oscuro y relajado, con percusiones, quejidos de lata, gongs, flautas, se las arreglan para presentar una música inclasificable salvo por el vanguardismo, que con una animidad ritualistica transitan por estados cambiantes, donde aparecen también cantos que funcionan más bien como gritos, arremetidas vocales y/o expresiones vivas manifestadas en un éxtasis decadente. Es el teatro vivo, que produce espasmos internos, que arremete impiadoso como una expresión de dramaturgia y liturgia del espíritu.

Cod: #1442

Masayuki Takayanagi & New Directions - Independence: Tread On Sure Ground (1970)

Masayuki Takayanagi fue un vanguardista de su Japón natal, un guitarrista pionero en la música libre y experimental, partiendo y proponiendo conceptos nuevos de improvisación libre y música a partir de nuevas formas y nuevas concepciones. En la década de 1960 formó New Directions (más tarde, New Direction Unit), que grabó varios álbumes a lo largo de la década de 1970. También grabó varios álbumes con el saxofonista Kaoru Abe, incluidos Kaitai Teki Kohkan, Gradually Projection y Mass Projection.

Takayanagi no es un personaje conocido en el mundo de la música. Comenzó como un excelente músico profesional, principalmente para eventos de jazz, y rápidamente se convirtió en un guitarrista muy conocido en los estudios japoneses. Era un técnico único, capaz de tocar cualquier tipo de música, pero decidió transitar la ruta peligrosa y controvertida de la libre improvisación. 

El guitarrista Masayuki Takayanagi fue uno de esos inconformistas extremos que combinó la interpretación virtuosa y la comprensión extrema de la teoría musical con la destrucción radicalmente atonal del amplificador, inspirando y molestando a los contemporáneos a lo largo de sus cuarenta años de carrera. De hecho, fue notablemente excluido por la comunidad del jazz a fines de los años 60 por haberlos descrito como 'un grupo de perdedores' en la prensa. Sin embargo, cuando descubrió el jazz libre en 1969, la música de Takayanagi se trasladó a un territorio verdaderamente estelar.

Grabado en los estudios Teichiku Kaikan, el 18 de septiembre de 1969 y lanzado en 1970, "Independence: Tread on Sure Ground" es considerado en gran medida como el primer verdadero clásico del free jazz japonés, pero no consta este de un estricto free jazz a la clásica, sino que, siguiendo muchos de los lineamientos de este estilo, aplica algunas características que los desvían un poco del camino típico. Este fue su debut grabando como líder, con su nueva unidad The New Directions , un trío compuesto por el bajista Yoshizawa y el baterista Toyozumi "Sabu" Yoshisaburo. 

Hay condimentos de jazz pero también hay condimentos de música libre, con un agregado especial que es que, siendo Takayanagi un guitarrista aparentemente eléctrico, en este caso vuelca una sonoridad distorsiva, ruidos, acoples y distorsiones varias que completan el campo sónico y enriquecen los momentos de sesiones libre colectiva. Sin duda el jazz y el free jazz están presentes, pero también se aplica un poco de ruido al asunto.

Algunas piezas transcurren de esa manera y generalmente se vuelcan en sesiones eléctricas extensas donde el trio deja bien en claro sus intenciones vanguardistas, pero hay otras piezas, siempre de similar aptitud, donde la guitarra eléctrica es reemplazada por una acústica, lo que cambian el estirpe del sonido, ya que para completar el espacio con un instrumento acústico se necesita más habilidad ya que no se cuenta con las distorsiones y ruidos de lo eléctrico.

La maza colectiva que alcanzan como grupo cohesivo tiene su punto álgido en algunos momentos de plena improvisación que resguarda su propia poética vanguardista, un estado obnubilado por el éxtasis impulsado hacia la creación espontanea, con métodos musicales poco comunes en los que se hallan resueltos y perfectamente habidos; su contenido musical es el elemento asincopado volcado de forma uniforme sobre el aire y sobre el gran paradigma musical que es la poesía sonora viva.

Los sonidos libres y/o de libre improvisación siempre plantean el interrogante sobre qué es la música y cuales son los conceptos esenciales para poder sumergirnos en la experiencia artística acústica, proponiendo y partiendo siempre desde un concepto vivo, un sonido conceptual que encarna en sí mismo el espíritu de lo que se quiere transmitir y lo que se espera generar en el escucha, además de demostrar que es una fuerza viva que choca contra los convencionalismos y busca nuevas formas de arte.

Cod: #1441

Gonda Sextet - Sámánének (1976)

János Gonda es un pianista de jazz húngaro. Nacido en Budapest , estudió en la Academia de Música Franz Liszt y obtuvo su diploma primero en el departamento de musicología y luego en el departamento de piano. Sus actividades incluyen composición, presentaciones de conciertos, enseñanza e investigación musicológica.

Formó su primera banda en 1962, y con ellos realizó el primer LP de la serie húngara "Modern Jazz". Desde entonces, ha dirigido varias bandas que se pueden escuchar en los registros en forma de antología en esa misma serie. A finales de la década de 1960 co-dirigió el Cuarteto Gonda-Krusa con el musico polaco Richard Kruza.

También grabó con su Gonda Sextet, un sexteto que formó en 1972 y con el que alcanzó a lanzar un solo disco, ‘’Sámánének’’, considerado a menudo como uno de los mejores lanzamientos de jazz espiritual de Europa del este. Grabado por el sexteto (piano, bajo, voz / guitarra, congas, saxofón y batería) y dirigido por János Gonda, con tres artistas adicionales, en congas, trombón y trompeta.

El sonido de este disco está embebido en el misticismo y la espiritualidad que brotan de los aires folklóricos típicos húngaros, además de esas mismas reminiscencias a esa cultura natal, estas características de espiritualidad y etnicidad funcionan juntas y se revitalizan entre sí mientras el sonido transita por ambientes de vanguardia ritualistica.

‘’Sámánének‘’ en húngaro significa ‘’chamán que canta’’, esto se refleja en el disco en el canto llevado a cabo que evoca el canto típico de la región. El chamanismo era una característica de los antiguos pueblos húngaros, como una forma de concepción religiosa. 

La base de esta creencia es que ciertas personas elegidas (chamanes, curanderos), en un estado de éxtasis provocado por el efecto de varios estimulantes y tambores mágicos, pueden contactar con fuerzas sobrenaturales y, a través de ellas, con los espíritus de los muertos y aquellos que nacerán en el futuro.

El estilo es plenamente vanguardista y como todo buen disco del género propone formas y mixturas nuevas y variadas, entre sus propuestas aparecen piezas de distintas manufactura que desparraman con una buena dosis de versatilidad un espectáculo sonoro vanguardista, una travesía por tierras jazzeras étnicas.

‘’Afro-Cuban’’ es una de las grandes piezas del trabajo, se trata de exactamente eso, jazz de estilo afrocubano, enriquecido por instrumentación típica y con un condimento muy particular, se puede escuchar a una voz cantando pero en húngaro, se trata de un entrecruce de distintas culturas y etnias que se aúnan en una misma música, un encuentro único. 

El álbum está inspirado en el estilo de canto de la música folclórica húngara, la atonalidad del jazz europeo de vanguardia y, a veces, el radiante estilo bebop. En sus venas corren las frases características del jazz tradicional, la música moderna compuesta, el blues, el swing y la música libre, como parte de la profundidad de la interpretación.

Es un disco de jazz espiritual que intenta expandir un poco la paleta y lo hace con una puesta en escena amplia, los resultados son moderados pero enriquecidos y místicos hasta más no poder, bebiendo de varias fuentes y explayándose como un sonido que brota desde la base misma del chamanismo húngaro.

Cod: #1440

Howard Riley Trio - Angle (1969)

El inglés Howard Riley comenzó a tocar el piano a la edad de 6 años y tocaba jazz cuando era un adolescente. Su larga carrera lo ha visto trabajar con Jon Hiseman, John McLaughlin, la London Jazz Composers Orchestra y Keith Tippett, entre muchos otros. Desde que se estableció en la escena del jazz libre y la música improvisada, su trabajo se ha ampliado considerablemente para cubrir extensos pianos, dúos y tríos.

Riley era un verdadero compositor a los 25 años, y, con ya un disco publicado, llegó un acuerdo con CBS para que en 1969 publicara su segundo disco como líder, ‘’Angle’’. Al mando de un trio espeluznantemente sincronizado, sigue por la línea trazada en su primer trabajo y continua adentrándose en un sonido muy maduro para su edad, casi de libre ejecución y de vanguardia.

Que el comienzo del disco no los engañe, al principio aparecen un par de estándares que parecieran sugerir la dirección del disco a seguir, pero conforme avanza este, ya desde la tercera pieza, se puede apreciar que el sonido se vuelve discordante y mucho más libre, con muchos momentos que transcurren sin ligazones a estructuras fijas, es ahí donde un free jazz muy fino aparece, de un nivel excelso y con un carácter muy accesible para el oído como para tratarse de ejecuciones tan libres y descontracturadas.

Pero por otra parte se puede entender las características de las dos ejecuciones primeras escuchando el resto del disco, este par de estándares sobrevuelan con un halo muy amplio y una textura que permite divisar algunas de las intenciones del trio, con un alucinante solo de contrabajo por parte de Barry Guy en el segundo track, llamado ‘’Gormenghast’’, en el que el resto de músicos se silencia para dar lugar a un solo en forma de monologo que se desparrama en el aire de forma brutal y salvaje, esto marca el comienzo del resto del disco.

Es difícil encasillarlo en un estilo particular, en términos generales se presenta como un post bop enriquecido por ejecuciones libres, ya que varias de las piezas no tienen una estructura fija sino que son auténticas arremetidas o composiciones abiertas, suavizadas al oído con veloces armonías en piano, muy dinámica percusión y una salvaje ejecución del contrabajo que desparrama virtuosismo y una dinámica que le hace arrancar al instrumentos diversos sonidos, rasgueos e improvisaciones.

Podría decirse que se trata de free jazz pero este no corresponde al típico sonido salvaje y hasta ‘’incomodo’’ de muchos álbumes del estilo, más bien ‘’Angle’’ presenta una cara que, pese a la libertad y libre ejecución, no es para nada caótico o inentendible, las piezas son ricas en cohesión, ricas en armonías, y el trio se ensambla rápidamente para dar forma a un sonido vanguardista y fino a la vez.

La ‘’actuación’’ de Riley es destacable, se fortalece en la simbiosis de trio y marca la dirección armónica donde la disonancia se convierte en un elegante interjuego entre las composiciones y los momentos de casi libertad total. Todo el trabajo presenta este aura muy amplia y diversa en su ejecución, una textura suavemente salvaje, amplia, por momentos rustica en manos del contrabajo.

Riley en 1970 seguiría con otra publicación, ‘’The Day Will Come’’, disco que junto a ‘’Angle’’ serían reeditados y publicados juntos en un mismo cd, de acuerdo con el propio Howard Riley, quien siempre ha visto estos dos discos como parte de una pieza complementaria más grande.

Cod: #1439