After All - After All (1969)

Esta banda, nacida en Tallahassee, Florida, es otro ejemplo de una agrupación pasajera y cuasi circunstancial, de la cual tampoco se sabe demasiado. La banda vio la luz en 1969, durando apenas unos meses juntos, se formó por el esfuerzo en conjunto de 4 músicos veteranos, amigos entre sí, proveniente de distintas bandas de la escena musical de la zona.  La banda estaba formada por el baterista Mike Elllerbee, el tecladista Alan Oro, el bajista Bill Moon y el guitarrista Charles Short.

La agrupación graba solamente un álbum, el homónimo ‘’After All’’ a lanzarse en 1969. El baterista y vocalista principal, Ellerbee, escribió la mayor parte de la música y las letras, las cuales escribió con gran ayuda de Linda Hargrove. Las canciones son básicamente de forma libre y se desarrollan entre un jazz rock, con toques progresivos y mezclado con una amplia variedad de sonidos como por ejemplo de rock latino, pop, blues (acercándose a sonidos cual The Doors), heavy psicodélica,  psicodelia, etc., mientras una nube alucinatoria un tanto oscura se cierne sobre el álbum, dándole una extraña sensación surrealista…

El sonido propicia muy buenos momentos, es un trabajo un tanto arriesgado por la ambiciosa mezcla que lleva a cabo, y de la cual por momentos no se llega a un puerto del todo agradable, aunque por otro lado alcanza grandes momentos, por lo general una amalgama acoplada, explorando un territorio similar al de bandas más conocidas como Procol Harum o Blood, Sweat & Tears, el típico sonido post psicodélico, que denota la transición de la época… de los multicolores psicodélicos que dan paso a sonidos progresivos, 

Como amante del funky me ha gustado mucho el tema ‘’Let It Fly’’, como amante del jazz me ha gusta mucho ‘’Blues Satin’’ y ‘’Nothing Left To Do’’ y como amante de sonidos prog me ha gustado mucho ‘’Intangible She’’, y el resto de los temas no se quedan atrás tampoco…

Después del lanzamiento del álbum de Athena Records, los instrumentistas regresaron a Florida y tomaron posesión de sus respectivas carreras de nuevo. 

Cod: #1194

Kraan - Kraan (1972)

Ya era hora de que Kraan llegara hasta mis costas, lo venía posponiendo desde hace tiempo y no pudo esperar más. Esta es una formidable y prolifera banda de jazz rock, considerada una de las más importantes de su país natal, Alemania, y una de las principales dentro de krautrock. 

Kraan se formó en Ulm (sur de Stuttgart) en 1970, sus orígenes musicales tienen lugar en el jazz rock experimental, totalmente improvisado, sobre todo instrumental, de hecho todos los miembros tenían sus orígenes e influencias en bandas de free jazz. Johannes "tall" Pappert por su parte tenía una pasión por el soul, pero llegó a Kraan directamente como una banda de rock. Es sobre todo un grupo instrumental orientado a la música de fusión, ya que con gran habilidad mezclaron elementos de jazz, funk, psicodelia, música oriental y progresivo para crear un estilo musical inconfundible e inimitable dentro del krautrock. 

En 1972 registran su álbum debut, el homónimo ‘’Kraan’’, para dicha ocacion la banda estuvo formada por Jan Fride en bateria, Hellmut Hattler en bajo, Johannes Pappert en saxo y Peter Wolbrandt en guitarra y voz. Este notable trabajo fue grabado en tan solo tres días, en el Studio 70 de Munich y contiene el sonido vital de la banda. En si no es muy extenso, cuenta con tan solo 5 temas, aunque vale hacer la salvedad de que son temas sesión, de hecho uno de ellos alcanza una duración de 18 min., el alucinante ‘’ Head’’, que junto a ‘’ Kraan Arabia’’ (otro tema del disco) constituyen piezas formidable, de impecable calidad y alucinante sonido fusión…

En realidad, todo el disco es así, un krautrock realmente alucinante, jazz rock fusión inmerso en un krautrock exploratorio (por momentos recuerda mucho al Steve Hillage del disco ‘’Fish Rising’’), un auténtico viaje de sonidos fusionados… altamente lucido y con un agradable toque heavy en el sonido, que se sumerge, desde algunas fusiones elementales con sonidos orientales y rock prog, en sesiones muy bien equilibradas, plagadas de solos y pasajes muy agradables. La elaboración es realmente notable, el grupo funciona de manera compacta y con una gran performance, para que sea el guitarrista, el más elogiado, por la complejidad de las distintas secciones de los temas, que son llevados principalmente por la guitarra, y por el gran desempeño del mismo en los solos y la versatilidad en los cambios de ritmo, denotando así una gran técnica. El saxo también se lleva su buena parte del crédito, aportando su sonido hipnótico y profundo en varias partes, recordando a su vez a sonidos de ‘’Xhol Caravan’’ o ‘’Soft Machine’’.

Esta edición del disco trae también algunos "bonus", que son demos de cuatro de los cinco temas presentes en el disco original.

Sus dos siguientes álbumes, Wintrup (1973) y Andy Nogger (1974), fueron similares en el estilo y vendieron muy bien, logrando una buena repercion en los escenarios alemanes, en los cuales además detacabas por sus grandes actuaciones llenas de improvisaciones.

En 1975 Kraan hizo dos viajes al Reino Unido y también apareció en el festival de Roskilde de Dinamarca en julio, ahora con  un quinto miembro: Ingo Bischof, quien anteriormente había sido miembro de Karthago. Despues de varias giras juntos, en 1976, Johannes Pappert  abandona la banda para abocarse en su carrera solista, mientras la banda (Kraan) seguiría junta hasta finales los 80s inclusive. Después de una pausa de diez años, el grupo se reunió en 2000, lanzando 4 discos mas, hasta la fecha cuando todavía permanecen en acción…

Cod: #1164

Morning Dew - Morning Dew (1967)

Morning Dew se formó a partir de los restos de una banda folk-rock llamada The Toads. Dos singles tempranos ''No More'' y ''Be a Friend'' fueron éxitos locales en 1967 y el grupo se firmó a la etiqueta de la ruleta de Morris Levy a prinpicios de 1969, por la que cortaron un álbum de material antes de la disolución de ese mismo áño.

Es un grupo del que no existe mucha informacion y su disco y singles son muy dificiles de conseguir. Esta edicion contiene su unico LP en Roulette aparecido en 1970-1971 junto con sus singles de 1967 y sesiones ineditas de 1968. Disfruta de este increible grupo de corta vida y con un sonido y canciones que te cautivaran.

Se reeditó una colección en formato CD y engranaje del Fab ha lanzado el popular como ''Sing Out'' de sus últimas sesiones en 1968 no emitidas. No hay mucha información de esta banda pero sé que la banda duró muy poco tiempo en el rubro de la música.

El LP homónimo 'Morning Dew', de 1967,  tiene un sonido distinto, sino que fue el comienzo de la fase psicodélica de la música rock. Y eso es con firmeza en su lugar en el registro. Según la contraportada del LP fue lanzado en 1971 en Gran Seven Music. Hay momentos de un sonido de metal pesado, pero muy pocos. La paz, flores, y el verano de influencia amor abunda en la mayor parte de este disco. Echa un vistazo a la portada, esta pareja parece que como que están retozando en los campos de Woodstock. 

Es todo muy buena música rock, de hecho, este es un álbum sólido, sin uno de usar y tirar en toda la grabación. El estilo musical se mantiene constante en todas partes con la excepción de una sorpresa, el tema de cierre "Epic: The Mann/Death Is A Dream," que comienza con una guitarra flamenca española y luego se lanza a uno de sus ejes de balancín, es un paso de la norma y un cambio agradable mostrando cómo la banda era lo suficientemente talentoso como para entrar en una dirección completamente diferente. En su mayor parte, el folk, rock y sonidos psicodélicos son los que dominan este disco, y un buen balance se gestiona con voces masculinas y femeninas por turnos. (Revisión por Keith Hannaleck de progressiveword.net).

Cod: #1088

Om - Om (1971)

'Om' fue una banda española, pionera en sonidos progresivos encaminados más hacia el jazz-rock y las composiciones sobre ese género. La banda fue fundada por prestigiosos músicos españoles, como el guitarrista Toti Soler y el teclista Jordi Sabatés…

Om lanza su primer y único disco en 1971, el homónimo “Om”. El álbum fue grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971 en los estudios Gema contando con el propio Toti Soler como productor. En esta grabación Om estaba compuesto por el bajista Manolo Elías, Peter Hodgkinson a la batería, Martí Soler, hermano de Toti, a los teclados y percusiones, Toti con la percusión y las guitarras, Romà Escales a la flauta, Jordi Sabatés al piano y Jordi Llorens con los metales. Además contaron con colaboraciones puntuales como la del contrabajista Alfonso de Lucas, futuro componente de Jarka, junto con Jordi Sabatés y Pedro Van Eeckout, que también tocaría la batería en este disco y que provenía de Pan y Regaliz.

El sonido jazz rock español ya tenia un precedente, ya que la banda ‘’Maquina!’’ lanzaba ya un año antes su álbum debut ‘’Why?’’, obra pionera que introdujo en España sonido fusión y ayudó a levantar el estatus del underground, ya que partía de unas estructuras similares a Om, la fusión del rock con elementos progresivos y jazzeros y con acercamientos a la psicodelia. Aunque Om por su parte, se deja llevar mas por la improvisación.

El homónimo ''Om'', de 1971, es un trabajo plagado de momentos de improvisación, una obra de jazz-rock bastante ecléctica y experimental que presenta varias caras y posibilidades dentro de un sonido jazzero, con elementos de rock, experimentacion y toques de vanguardismo.

Originalmente el disco contaba de cuatro tracks, dos temas por lado, siendo cada tema un viaje de ida, una exploración que alcanza momentos bastante experimentales y que emprende un desarrollo a lo largo del camino. Cada lado del disco cuenta con un track de doce minutos, estos son autenticas sesiones, con una estructura algo estándar pero enriquecidos por que en su intermedio  parte de improvisación se extiende y se convierte en autenticas sesiones. 

La cara B del disco se abre con “Zitro's ache”, el corte más denso, vibrante y experimental del álbum, en el cual la banda introduce como elementos novedosos los teclados, el crótalo y el violoncello para darle al tema un aire asfixiante. Representa el lado más libre de Om. Y para finalizar el álbum nos encontramos con “Excusa num. 1”, una de esas piezas de extension, (de doce minutos de duración), donde el grupo sigue inmiscuido en la plena improvisacion, incluyendo elementos de rock en las partes introductorias y finales.

Según Toti Soler el álbum es un ensayo improvisado, que está grabado con prisas y no es representativo del sonido del grupo en directo, pues con todo y con eso el disco es uno de los mejores de dicha escena, y es que hay veces que no hace falta mucha preparación, sino dejarse llevar por las sensaciones para lograr una grabación notable.

En septiembre de ese mismo año lanzan el single “Vindrà la Llum / Waiting of Godot” (Edigsa, 1971). En estos dos temas Om incorpora como miembros definitivos tanto a Alfonso de Lucas como a Pedro Van Eeckout. Para su grabación contaron con la ayuda de Xavier Batllés a los bongos, Francesc Pi De La Serra con las maracas y las voces como Rafael Poch, que también participó como ingeniero y a las percusiones, y Xavier García con la trompeta.

Finalizando el año Om se vuelven a meter al estudio de grabación para dar formar a su segundo disco que se hubiera llamado “La Mariposa de la Muerte”, en cuya sesiones se encuentran Paul Stocker al saxo, Manolo Elías al bajo, Peter Hodgkinson a la batería y los hermanos Toti y Martí Soler a las guitarras. Pero estas grabaciones nunca vieron la luz por lo que después de una breve reaparición al año siguiente se disolvió la formación.

Posteriormente Toti Soler se centró en su carrera en solitario al igual que Jordi Sabatés. Pero antes Jordi montó el grupo Jarka, donde también participaran Alfonso de Lucas y Pedro Van Eekout. Manolo Elías sigue vinculado al mundo del jazz colaborado con gente como por ejemplo el danés Kai Winding, mientras que Paul Stocker siguió colaborando con músicos de la escena barcelonesa como Orquesta Mirasol, donde también se encontraba Xavier Batllés u Ovidi Montllor.

Cod: #1083

Manal - Manal (1970)

Cada vez que se hace referencia a Manal se los menciona como "grupo fundacional" del rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Originariamente bautizados Ricota, este trío interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream (el grupo de Eric Clapton) y se presentaban casi diariamente en La Cueva.

Ante varios rechazos de demos, fue necesario que Jorge Alvarez (un famoso productor de la época y amigo de la banda) creara junto a Pedro Pujó su propia compañía discográfica (Mandioca) para que Manal pudiera sacar el primer simple: "Qué pena me das" / "Para ser un hombre más" (1968).

Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo (donde funcionó luego el cine Lorange). Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra por algunos shows. El segundo simple fue "No pibe" / "Necesito un amor". La consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable. ''Fue el día más glorioso de mi vida artística -recuerda Gabis-. A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia'' (E.Abalos, pág 70).

Con "Manal", su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano. "Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" son una prueba de ello.

Una gran oferta de la RCA convenció a Martínez de emigrar a una discográfica "comercial", y fracasaron con el segundo disco, "El león" (1971), que no produjo la misma sensación que el anterior. El sonido se volvió más rockero, dejando de lado el tono blusero anterior. Ya las diferencias entre los miembros de la banda eran indisimulables. Martínez desaparece durante un tiempo y luego, deciden que lo mejor era disolverse.

Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino, en 1980. «Todo lo inició Almendra - recuerda Alejandro - Los productores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron (...) La reunión fue buena por que sirvió para levantar el movimiento del rock and roll. Demostramos muchas cosas...'' (F.Blumetti / C.Parise, pág 23). Realizaron cuatro presentaciones en Obras, editaron el LP "Reunión" (1981) con material nuevo, giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con "Chau Manal", recitales que fueron posteriormente editados como "Manal en Obras" (1981).


El grupo apareció fugazmente en el panorama local en agosto de 1987, bajo el mando de Javier Martínez, pero con Aldo Yacomino en guitarra, Jorge Iacovelli en batería, Jorge Szayso en teclados y saxo y Luis De León en bajo.

''La idea es formar un nuevo Manal, que no sea un mero revival. Que mantenga el espíritu del viejo Manal, pero que tenga constancia, que perdure en el tiempo'', anticipó Martínez ante el inminente segundo regreso "oficial" de Manal (Clarín, 02/08/94). Al baterista y a Medina se le sumaron Claudio Rodríguez en guitarra y Carlos Vidal en teclados. «Gabis tiene otros objetivos», remató. En agosto de 1994 se presentaron con todos sus viejos éxitos en la discoteca The Roxy. Casi un año más tarde se conocería la versión del guitarrista original: «En realidad, estamos distanciados (...) la última vez que volvió Manal ni me llamaron, y yo tenía muchas ganas de estar ahí con ellos» (Clarín, 21/06/95). Lo concreto, es que Martínez tampoco fue invitado a participar de La Selección que Gabis armó junto a Medina, Charly García, Andrés Calamaro, León Gieco y otros.

Una mano con tres dedos. Una guitarra y un bajo conectados a un par de amplificadores, una batería ajustada, ningún sospechoso en la sala: eso basta para tomar contacto con Manal, arder por adentro y orbitar alrededor de nosotros. En los estudios TNT, escuchamos con atención.

Llevan varias horas de grabación y varios registros del mismo tema que ninguno de los tres se anima a descartar. Alejandro regraba Informe de un día con el bajo distorsionado; logra un timbre distinto, realmente embriagador. A quienes lo recuerdan de sus primeras épocas, cuando integraba Los Seasons, les parece que sea imposible que sea el mismo que está condimentando Avellaneda Blues. Ahora su técnica parece más que suficiente.
Su tempo, muy sólido.

Pero Javier vuelve a aullar en los parlantes: "Y yo estoy aquí tan tranquilo/ revuelvo mi pelo me miro los pies/  Ellos están ahí/ no sé cómo los puedo ver sin mirar". La primera voz del trío se tironea el bigote y apronta a disparar Jugo de tomate frío con su voz negra, intensa. Mientras la nueva horneada de bateros se enrola en la nueva línea soul fluida (vía Estados Unidos o Inglaterra), él insiste en explorar los recursos inéditos del bombo, marca el beat en el redoblante, contragolpea con mucha frecuencia en los tontones. Preciso, con una mano izquierda muy libre subraya los reef, imprime en su golpeteo un swing propio del jazz. 

Luego, cuando el play-back de Avenida Rivadavia destaca la labor de Claudio, se notan las direcciones de su guitarra virtuosa: jazzística ortodoxa, bluseada no excesivamente rigurosa. En ambos casos, solvente cien por cien. Adentro de la cabina, unos cuantos -técnicos y amigos- gozan por las caras iluminadas: ahí, en ese blues urbano, pariente del de Chicago, está el verdadero estilo de Manal. Una casa con diez pinos brota luego:una canción lenta pero recia. Todo el día me pregunto: el blues más blues del LP. 

De regreso, pienso en la depuración del conjunto, en el espectro de ritmos que abarca -del hard-rock al soul, del beat más rabioso al blues más sentimental-, en sus fraseos delirantes y exactos, en acordes dolientes pero vitales. Y anoto: spirituals porteños, el sonido de una generación que quiere crecer.

Código: #1024

Embryo - Opal (1970)

Embryo es un grupo de Krautrock, un colectivo musical con sede en Munich… considerado una de las bandas más originales e innovadoras del género. Fue fundado en 1969 por el multiinstrumentista Christian Burchard (batería, vibráfono, santur, teclados), el cual tenía una formación mas clásica dentro del jazz, y Edgar Hoffmann (saxo, flautas). 

En 1970, con Burchard en la batería, Hofmann en el saxo, Ralph Fischer en bajo, y el guitarrista de Ten Years After, John Kelly, Embryo dio a luz a su primer álbum, ‘’Opal’’. Un trabajo de krautrock, grabado en dos días, caracterizado principalmente por su sonido jazz rock psicodelico, exclusivamente instrumental, que recuerda mucho a los primeros sonidos de Amon Duul II o Xhol Caravan, quizas el trabajo mas experimental de la banda...

Las distintas formas y composiciones se hacen presente en las sesiones acidas de jazz, un tanto volátiles y hasta con un sonido medio garagero… un tanto suave, que fluye por atmosferas netamente improvisadas, denotando así la influencia jazzística de la banda. Por momentos el sonido se vuelve medio extraño, con una electricidad pegajosa, como en el tema ‘’Glockenspiel’’, pero si ya están familiarizados con las rarezas del Krautrock esto no será problema muy grande, después de todo, sabemos que dentro del género casi no hay nada (quizá nada) que suene normal y/o convencional. 

Todos los temas son experimentales, con bases de bajo rebuscadas y alocadas (cual Capitan Beafheart), guitarras sonando de fondo como si de un eco se tratase, improvisando y jugando a la par del saxo que también juega un rol de improvisación. Algunos temas se vuelven un poco mas ‘’centrados’’ y se agarran un poco más a bases ya preestablecidas, ‘’Call’’ y ‘’End Of Soul’’.

Embryo derivó desde el Krautrock jazzístico hacia la llamada música del mundo. Muchos de sus álbumes se fraguaron durante viajes en común por 4 continentes. La banda tocó en numerosos festivales en distintos lugares del orbe: en la India (Festival de Jazz de Bombay en 1979), Inglaterra (edición de 1973 de los festivales de Reading y Leeds), Nigeria (Festival de Jazz de Port Harcourt en 1987), Japón (Wakayama en 1991), y un largo etcétera.

Hasta hoy, han tocado con el colectivo más de 400 músicos. Algunos, como Charlie Mariano, Trilok Gurtu, Ramesh Shotham, Marty Cook, Yuri Parfenov, Alan Praskin, X.Nie,Nick McCarthy y Mal Waldron, lo han hecho en numerosas ocasiones. Miembros habituales del grupo han sido Edgar Hoffmann (saxo, flautas, violín), Dieter Serfas (batería), Roman Bunka (guitarra, laúd árabe), Uwe Müllrich (bajo), Michael Wehmeyer (teclado), Chris Karrer (guitarra, violín, saxo), Lothar Stahl (marimba, batería) y Jens Polheide (bajo, flauta).

En julio del 2008, Embryo recibió el Premio Alemán de la Música del Mundo RUTH 2008 durante el TFF.Rudolstadt Festival, un certamen de músicas tradicionales, de raíz y mundial que se celebra todos los años en julio en esa ciudad de Turingia. 

Cod: #1166

Relatively Clean Rivers - Relatively Clean Rivers (1975)

Hay escasa información de esta delicia de banda creada por uno de los hombres psicodélicos Phil Pearlman, proveniente de The Beat Of The Earth y de The Electronic Hole. 

Si vamos a comparar sus dos bandas anteriores, esta es la banda más folk y menos instrumental que las demás. ¿Por qué? Simple, porque esta banda tiene más letra, más instrumentos (quizá) y no es tan electrónica cómo en sus dos bandas y álbumes anteriores. 

Se podría decir que Relatively Clean Rivers es bastante similar a Grateful Dead en cuanto a toda la música en sí, ya que en mí, esas dos bandas me dan una tranquilidad tremenda, y los une el mismo género. También se podría decir que tiene un poco de parecido con Creedence Clearwater Revival, o ya alejandonos más, un poco de Mark Fry, bandas o solistas folk, y folk psicodélicos también. 

Aunque no en todos los aspectos tiene de parecido esta banda con otras, en varios temas se parece a una banda y en otros, a otra. Por ejemplo en Hello Sunshine, tiene un bastante parecido con Country Joe and The Fish o en la canción The Persian Caravan se asemeja un poco a Jefferson Airplane o Crosby Stills y Nash. 

Ahora vamos con un poquito de biografía de Phil Pearlman, el creador de esta maravillosa banda y álbum. Phil Pearlman es un músico estadounidense quien se destacó dentro de lo más underground de la escena psicodélica de la costa oeste durante finales de los 60′s hasta mediados de los 70′s. Con grupos como the Beat of the Earth, the Electronic Hole y Relatively Clean Rivers se hizo notar gracias a su talento musical que creó grandes maravillas del rock ácido y el folk psicodélico, que hoy son grandes joyas de la escena West Coast.

Phil Pearlman había salido de una banda de surf de principios de los 60′s llamada “the Flakes” con miembros que futuramente serían Wildfire (un power trio heavy psicodélico), en 1967 bajo producción independiente, Pearlman junto a su comuna hippie, nombra a su banda “the Beat of the Earth”, grupo que manejaba un estilo conceptual del rock ácido de la costa oeste de Estados Unidos, el cual según Phil “quería revivir los sonidos primitivos de lo que hoy conocemos como Música” y graban un solo disco titulado “the Beat of the Earth”, que efectivamente, manejaba algo conceptual, experimental, atrevido, innovador, rural, ruidoso, drone, improvisatorio, psicodélico y bizarro.

Pearlman era el típico hippie que consumía cosas naturales, era vegetariano y no se metía drogas (aunque hiciera el disco más pacheco de esos lares), pues su primer larga duración nos muestra un rock ácido que al mismo tiempo de que es rural, es conceptual y todo lo que dije allá arriba, pues nos presenta un álbum lleno de largos jams basados en muchos instrumentos como órganos, guitarras, gritos, cítaras, ruidos, efectos psicodélicos, cantos y tambores.

Según muchos es la respuesta de la costa oeste a los Velvet Underground que eran originarios de Nueva York (de la costa este), los cuales practicaban un estilo similar, solo que más eléctrico, este se podría considerar como uno de los primeros ejemplos del “noise rock” justamente por la descripción de allá arriba.

Cod: #1063

Dave Pike - The Doors Of Perception (1970)

El jazz psicodélico no existió como tal, no existió en los 60s un sub estilo psicodélico del jazz como sí ocurrió con el rock, pero de todas formas nos podemos encontrar con algunos trabajos de músicos de jazz que, permaneciendo en la senda del jazz, supieron sumarse a la ola experimental/lisérgica de la época, lo que dio como resultado algunos sonidos fusión extraños que se podrían englobar en esa incierta lista de ‘’música jazz psicodelica’’.

Esa tendencia de hacer, en los 60s, música jazz con yeites psicodélicos agregados es propio de la tendencia universal de los músicos a adaptarse a los estilos en boga del momento, tal vez como una manera de buscar la aceptación publica, o tal vez también como una manera de ‘’modernizar’’ sus repertorios de acuerdo a los nuevos estilos que vayan surgiendo. De esta manera, podemos ver en las discografías de esos músicos muy prolíficos y longevos, que se han mantenido publicando trabajos continuadamente a lo largos de diferentes décadas, esa tendencia a que el estilo general de sus respectivas músicas va mutando y variando.

Lo que ocurre con este disco de Dave Pike es exactamente eso, una adaptación a los sonidos del momento, las inclusión de experimentación sonoras, algunos divagues y agregados sonoros, a la música jazz de su repertorio esperado, un encuentro de dos mundos diferentes que se fusionan en una misma cosa.

David Samuel Pike es un vibrafonista estadounidense de jazz. Aprendió batería a la edad de ocho años y es autodidacta en el vibráfono. Él también ha tocado marimba, en particular con Herbie Mann. Lionel Hampton, Milt Jackson, y Cal Tjader eran primeras fuentes de inspiración para él. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike inició otra con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. El álbum mejor considerado de Dave Pike podría ser su ‘’Bossa Nova Carnaval’’ de 1962 . Tiene ademas varias otras obras donde inspira en el jazz brasileño, jazz latino, o ‘’world music’’.

A finales de 1960, la música de Pike se volvería más exploratoria, trabajando más con voces y sonidos. En 1970 lanzaría ‘’The Doors Of Perception’’, un trabajo un tanto oculto y a la vez exótico y experimental, producido por Herbie Mann y grabado por Dave Pike y su grupo de all-stars compuesto por Lee Konitz, Eddie Daniels, Don Friedman, Chuck Israel, y Arnie Wise. En este trabajo (grabado quizás ya en 1966) se emplea cierta búsqueda acida y experimental, que no es deliberada pero es marcada y característica. 

Este disco es extraño, no porque sea difícil de escuchar, sino porque es corto, no dura mucho, y no termina de decidirse hacia qué camino ir definitivamente. De los cinco temas que componen el disco, los primeros tres parecen ser de tipo fusion, con sutiles elementos de experimentación sonora y sumándose ademas a la tendencia psicodélica del momento. Pero luego, en los últimos dos temas, se presenta un sonido totalmente descolocado con el concepto del disco, un sonido más bien clásico, pasando por la balada y el post bop, lo que desconcierta un poco.

Uno podría esperar algo mucho más experimental al leer el titulo del disco, ''as puertas de la percepción'', nombre que insinúa toda una búsqueda psicodélica interna de la existencia misma. Pese al nombre, el sonido del disco no es tan experimental, pero si nos podemos encontrar en él, como se señaló antes, algunos sonidos psicodelico.

Cod: #1195

Don Shinn - Takes A Trip (1969)

Don Shinn (nacido Donald Shinn , 15 de diciembre de 1945, Southampton , Hampshire) es un tecladista Inglés, multi-instrumentista, compositor y vocalista. Se le conoce principalmente como organista y pianista, y también toca el vibráfono. Es citado por el mismísimo Keith Emerson como una de sus grandes influencias, también así por el bajista de Uriah Heep, Paul Newton.

Citando la influencia de Shinn, Keith Emerson recuerda: "Don Shinn era un hombre de aspecto extraño, muy extraño. Tenía una gorra de colegial, gafas redondas ... Acababa de pasar por el Marquee cuando lo vi tocar ... El público era pura histérica .... Y me dije: '¿Quién es este tipo?' Había estado bebiendo whisky de una cucharilla y todo tipo de cosas ridículas. Tocó un arreglo del Concierto de Grieg, el Brandenburg y todo. Y realmente me inspiro... toco realmente bien y consiguió un sonido fantástico de la L-100. Luego se sacó un destornillador y comenzó a hacer ajustes mientras tocaba. Todo el mundo se moría de la risa. Lo vi y me dije: ''Espera un minuto! Ese tipo tiene algo ". Supongo que ver a Don Shinn hizo darme cuenta de lo que me gustaría hacer en escena. Él y Hendrix fueron las principales influencias sobre la forma en que desarrollé la puesta en escena en mi conciertos…". 

A principios-mediados de 1960 grabó y tocó con los grupos británicos como Los Meddy EVILS , The Echoes  o  The Soul Agents (con Rod Stewart ). En 1967 formaria su propia banda, ‘’The Shinn’’, en la cual donde fue acompañado por el bajista, futuro Uriah Heep, Paul Newton, el baterista, futuro The Nice, Brian "Blinky" Davison , y el vocalista Eddie Cordero. En 1969 lanzan dos álbumes instrumentales, ‘‘Departures’’ y ‘'Don Shinn Takes A Trip'’ (llamado ‘’Temples With Prophets’’ en la edición británica, la cual además contaba con una portada diferente.)

‘’Takes A Trip’’es realmente un viaje, un despegue  sin retorno... desde una plataforma proto progresiva, aguda y critica... que se despliega, sin ningún tapujo o timidez, hacia una fusión inédita para la época, de psicodelia (tipo ‘’Arzachel’’), jazz rock acido (tipo ‘’ Hansson & Karlsson’’), sonidos progresivos sinfónicos tempranos (estilo ‘’The Nice’’) y hasta ejecuciones de música clásica, en lo que también sería un precursor absoluto, al final del primer corte del disco,‘’Pits Of Darkness’’ (tema que dura alrededor de 18 min. y consta de la unión de varios pasajes instrumentales) se puede escuchar una interpretación en teclado de un pasaje clásico, bien dramático y oscuro, estilo desarrollado años más tarde por Emerson, Lake And Palmer...

Ningún tema tiene desperdicio alguno, el sonido consta de sesiones instrumentales construidas desde el alucinante sonido y fina y dedicada elaboración desde el teclado/piano de Shinn, que por momentos rompe con las estructuras en explosiones y ‘’freak-outs’’, (como en el sobervio ‘’A Minor Explision’’), arrancándole al hammond un sonido saturado y reverberado, exactamente de la misma manera que Keith Emerson, Jon Lord, entre otros; y por momentos descoloca el caos, anteponiendo pasajes clásicos en piano (como en el tema de 10 min. ‘’Hearts Of Gladness’’), siempre acompañado fielmente por una guitarra eléctrica, que por momentos va tirando melodías tipo orientales, y por el bajo y batería que se encargan de construir una base sólida para las sesiones, estando a la altura de la eclécticidad de Shinn.

Un año mas tarde, Don Shinn, ya fuera de su banda, se une a la banda inglesa ‘’Dada’’ (con Elkie Brooks) y aparece en su álbum homónimo lanzado en 1970. También ha trabajado con Kiki Dee , James Taylor , Engelbert Humperdinck , Stan Tracey , el  vocalista persa Parvaneh Farid, Iguana, y Renaissance. A partir de enero de 2012, informes no confirmados indican que Shinn sigue estando activo musicalmente y con sede en la zona de Southampton, en el Reino Unido.

Cod: #1035

Gabor Szabo - Bacchanal (1968)

Gábor Szabó (Budapest, 8 de marzo de 1936 - Budapest, 26 de febrero de 1982), fue un guitarrista, en mayor parte autodidacta, húngaro especializado en la fusión de la música folclórica húngara con el jazz. Comenzó a tocar la guitarra a los catorce años tocando en clubes nocturnos y participando enjam sessions mientras vivió en Budapest. A los 20 años, escapó de su país al producirse la invasión soviética y se marchó a Estados Unidos, radicándose en California junto con su familia.

Estudió en el Berkeley College (1958-60) y en 1961 se unió al innovador quinteto de Chico Hamiltonque contaba con Charles Lloyd entre sus músicos. Inspirado por Hamilton, Szabo desarrolló un sonido más distintivo. En 1965 abandona el grupo de Hamilton para aproximarse al pop-jazz en el quinteto de Gary McFarland y en el vanguardista cuarteto de Charles Lloyd que contaba con Ron Carter y Tony Williams.

Szabó inició su carrera como solista en 1966, grabando uno de sus mejores discos, Spellbinder, con temas como "Gypsy Queen", la canción que Santana convertiría en un gran éxito en su disco Abraxas (1970). Formó luego un quinteto innovador (1967-69) con la colaboración del guitarrista Jimmy Stewart, y acompañados por Hal Gordon en percusión, Jimmy Keltner en bacteria y Louis Kabok y en bajo.

De ese quinteto saldrían varios memorables discos, inspirados por la revolución musical de finales de los 60s, de la cual se nutrieron de sonidos y exploraciones étnicas y trabajos acústicos especializados, típicos de la época. Entre sus lanzamientos, cuales se encontraría el que les presentamos en esta ocasión, ‘’ Bacchanal’’, grabado el nueve de Febrero de 1968, en Los Angeles.

Fue en esta grabación donde triunfaron sus experimentos más personales, retroalimentados con distintos estilos y con algún toque psicodelico. ‘’Bacchanal’’  es un trabajo difícil de encasillar en tal o cual género, es una fusión total entre jazz psicodélico y folk, con toques de salsa, pop, flamenco, y hasta sonidos del Medio Oriente, creando un estilo muy místico y totalmente único; un trabajo netamente instrumental.

Una guitarra es la que dirige los distintos pasajes, que transcurren repletos de condimentos étnicos y ornamentaciones muy seductoras, como bongos, contrabajos, incursión en melodías muy variadas, siempre yendo y viniendo por una senda jazzística a veces mas marcada y a veces más sutil. La exploración define esta obra y el resultado es un sonido altamente particular, experimental y personal. Mientras que en parte parece un álbum de covers de pop de los 60s, el quinteto inspirado en Szabo transforma el material en el que está de una colección instrumental de jazz y fusiones de primer nivel.

La aparición de la música rock (especialmente, George Harrison, Eric Clapton y Jimi Hendrix) llevó a Szabó a experimentar exitosamente con la fusión, aunque también tomó en ocasiones una dirección comercial menos exitosa. A lo largo de los setenta, Szabó trabajó por la costa oeste, hipnotizando a las audiencias con su estilo. 

Pero, al tiempo, se decantó por un tono más comercial, a pesar de que grabaciones como Mizrab se revelaron como éxitos de la fusión del jazz con elpop, la música gitana, india y asiática.Szabó visitó Hungría en varias ocasiones durante los setenta, pudiendo tocar exitosamente con varios músicos autóctonos. Fue hospitalizado durante su última visita y murió en 1982.

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