Toshiaki Yokota es un flautista de jazz que dejó grandes sonidos en el jazz fusión japonés de principio de los 70s. Nace en Tokyo, en 1944, y comienza tocando la flauta desde pequeño, hasta su aparición en los escenarios, como profesional, a los 17 años de edad. Sus comienzos en la música lo sitúan con ‘The Beat Generation’, un grupo creado y liderado por él mismo, compuesto ademas por Hideo Ichikawa en teclado, Sadanori Nakamure en guitarra, Jun Suzuki en bajo, Takeshi Inomata en batería y Larry Sunaga en percusión. Con este grupo lanzaría sus primeros trabajos, el primero de ellos seria 'Exciting Flute' de 1970, el segundo seria ‘Elevation’, de 1970. ‘Elevation’ es un trabajo de jazz fusión, con una mescla relajada y sutil, estándar, con cierto dejo melancólico y melódico, lo que refleja el estilo delicado y complejo del jazz japonés, además de reflejar otras características, como la influencia del soul y la psicodelia norteamericanos, influencia que en general pesa en casi todo el jazz japonés de aquellos años.
Los arreglos del disco fueron hechos por Masahiko Satoh, pianista y compositor, también japonés. Las piezas son delicadas, melancólicas y sencillas, la mayoría de no tan larga duración, aunque guardan cierto carácter experimental, en la creación y la fusión de ambientes melódicos, más dentro del pop, con melodías barrocas y por supuesto… la aparición del jazz. Lo que talvez más se destaca en el trabajo es un estándar de jazz llamado ‘’On the road’’, y una formidable reversión de ‘’What’d I say’’, de Ray Charles, piezas en las que, obviamente, la flauta de Yokota en la principal interlocutora de las armonías y solos. No es un trabajo estelar pero es una buena manera de ingresar al ámbito de Toshiaki Yokota, que es bastante prometedor y seria mucho más sutil a futuro… Luego de este primer lanzamiento seguiría con ‘Flute Adventure’, de 1971, lanzado también bajo el nombre de ‘the beat generation’. Ese mismo año lanza otro trabajo, ‘Primitive Community’, ya con otra banda, ‘Toshiaki Yokota & Primitive Community’. Con ambos álbumes, claramente más llamativos que este primero, Yokota marcaria con fuego el fusión japonés, explorando y exponiendo más aun su poderío como músico, compositor y explorador de armonías y sonidos experimentales, trabajos que mas adelante aparecerán en este blog.
Masahiko Sato pertenece a la escuela de jazz y jazz fusión japonesa, que tantos grandes frutos y valores ha dado, y a la cual él ha influenciado, tanto con arreglos directos, participaciones, como con su sonido personal y con su extenso trabajo discografico. Nacido en Octubre de 1941, en Tokyo, Sato, es un influyente pianista japonés de jazz, arreglista y compositor. Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y a los 17 ya era profesional. En 1967 se muda a los Estados Unidos, para estudiar en la universidad de Berklee. Se mantenía trabajando en una casa de comidas y tocando el piano en un Hotel. Pasó dos años allí, estudiando arreglos y composición musical. En 1969 volvería a Japón y lanzaría su primer trabajo, ‘Palladium’, en una formación liderada por él mismo, un trio compuesto por Sato en piano, Yasuo Arakawa en bajo y Masahiko Togash en batería. Todas las composiciones del trabajo le pertenecen a él, a excepción de una formidable reversión de ‘Michelle’, de los Beatles.
En este trabajo debut presenta sus primeras piezas en piano, que se mantienen dentro del espectro del jazz contemporáneo típico de la época, hardbop, post bop, y con un toque de free jazz para abrir las sesiones y para nutrir las piezas a la hora de la improvisación. Son piezas delicadas y estilizadas en piano, que denotan la influencia directa de Duke Ellington. Siempre correcto y elegante, se va adentrando tímidamente en un sonido algo hermético y descontracturado, con su temible habilidad… con la que demuestra sus capacidades en armonía y sus excelente uso de fraseos y acordes en la improvisación; las piezas son prominentes, de un muy buen nivel, y le valieron a Sato un comienzo promisorio en la escena del jazz japonés, ya con sus primeros trabajos obtendría algunos premios y reconocimientos. Luego de este lanzamiento, seguiría con el trio, con el cual lanzaría tres álbumes mas durante los primeros años de los 70s, pero su talento le permitiría participar a la vez en innumerable cantidad de discos, dúos, trabajos como invitado, arreglos para otros discos, música para películas, televisión y publicidad, además de sus discos lanzados en modo solista, que recorren todas las décadas desde principio de los 70s hasta la actualidad.
Está más que claro que el rock como fenómeno cultural tiene raíces anglosajonas, en lo personal no me gusta la idea de mirarlo como una suma de eventos aislados en Estados Unidos e Inglaterra, prefiero verlo como un fenómeno global que fue alentado por un cambio generacional en gran parte del mundo, si bien música e ideas que provenían de dichos países se proliferaron en muchos lugares (no dejemos de lado que empresas vieron y aún tratan a la música como un negocio), en varias naciones se dio el marco donde habitaba una demanda de cambios tanto social político y cultural, de gente joven que con mucho coraje se animó a expresarse y hacerse escuchar.
En ciertos países éste período musical de fines de los 60 a mediados de los 70 se los nombra aparte, como por ejemplo el ‘rock nacional’ en Argentina o el ‘Krautrock’ en Alemania, también como en muchos otros lugares éstas escenas se desarrollaron en un ambiente de cambios y dieron un gran empujón para renovar la cultura, por eso en lo personal le debo muchísimo respeto a el rock de aquellos años.
Suecia es un caso bastante similar al de Alemania, una sociedad con mucha estructura y costumbres anticuadas y que tras la postguerra comienzan a vivir un desarrollo económico próspero. El rock de Suecia es un mundo extraño y poco documentado cabe destacar que el movimiento hippie fue bastante notorio, el mismo también estaba relacionado en parte con las ideologías de izquierda más rebeldes (como el krautrock y no dejemos tampoco de lado al rock argentino con la esperada vuelta de Perón a principios de los 70), pero también otro concepto más importante o más característico de la psicodelia no es el mensaje político o contestatario sino uno espiritual que está más inclinado a la meditación la introspección personal, la capacidad de abrir más la mente y la reflexión en general.
Ahí ya tenemos una idea del contexto, hippies, zurdos, revolución pacifista, espiritualidad drogas, mente abierta, pero lo más importante es sin duda la actitud de oponerse a lo establecido e ir en contra la corriente por una buena causa.
Una banda que protagonizó este fenómeno cultural en la Suecia de finales de los 60s y principio de los 70s fue ‘Hangjort’, formada más específicamente en 1970. El grupo consistía en cuatro amigos, Gregory Allan Fitzpatrick, Guy Öhrström, Stig Arne Karlsson y Theo Greyerz, cada uno con su propia experiencia musical y en viajes con mochila por el mundo, juntos lograron entonces formular una propuesta única que iba desde los ragas indios hasta el folk tradicional sueco y escocés con letras en inglés pero con una impronta y mensaje más moderno o rockero por así decirlo.
Hangjort en sueco significa “hecho a mano”, el nombre no puede ir más acorde a éste cuarteto que únicamente tocaba instrumentos acústicos sin amplificar, además de que producían las portadas de sus propios discos, que impresionantemente cada una de ellas es diferente. La portada original consistía en un sobre blanco con un dibujo o pintura hecha por los mismos músicos o por gente cercana a ellos, o simplemente personas que pasaban por ahí y les invitaban a hacer una tapa totalmente distinta una de otra, los estilos van desde pequeñas obras psicodélicas muy abstractas de varios colores a dibujos con lapicera con mensajes y ¡hasta collages de tela hicieron!
Si bien el grupo estaba de entrada bastante desorganizado y sus presentaciones en vivo eran pocas y de muy bajo perfil, lograron adentrarse en un pequeño estudio de grabación siendo entonces de las primeras bandas autogestionadas, estas sesiones que luego conformaron su único disco también dieron el nacimiento al sello ‘Silence ’que más adelante se convirtió en el principal referente de bandas alternativas en Suecia.
algunos ejemplos de tapas, recuerda que la naturaleza te ama!
La banda abordaba varios conceptos que fueron muy importantes para la música sueca a posteriori, logrando crear un estilo de música progresiva con influencias folclóricas provenientes de distintas culturas y con un mensaje espiritual pacifista y reflexivo; ante la reacción de los estándares de la cultura producida en masa fueron de los primeros en enfrentarse a las reglas convencionales del negocio musical.
De esta forma el grupo de artistas se relacionó con música enteramente con un fin creativo, explorativo, experimental, para fomentar el arte y la libre circulación de la música, siempre lejos de las compañías con sus designios virtualmente opuestos a este movimiento. A pesar de que la agrupación duró solo algunos meses, varios de los músicos continuaron dentro del ambiente y ayudaron a conformar otros proyectos con distintas orientaciones.
Esta extraña formación norteamericana surge en Los Ángeles, California, como un fugaz grupo de sesión, con el típico sonido psicodélico del pleno 1967, blues psicodélico con sus búsquedas sonoras dirigidas hacia las típicas influencias orientales de la época y los freak outs. En 1967 lanzan un extraño aunque típico artefacto de psicodelia norteamericana, compuesto por solo dos piezas, de alrededor de 10 min. cada una. ‘Tanyet’ en su totalidad es algo corto y escueto, en él se van volcando los instrumento y van moldeando el sonido psicodélico, el cual van transitando por distintos pasajes y estados de ánimo, aunque no se trata de una simple improvisación ya que las piezas se van formando con la interposición de distintas grabaciones que se van intercalando y sobreponiendo las unas con las otras consecutivamente. El sonido consta de tres elementos primordiales y que, a priori, poco tienen que ver entre sí: el blues, la música indú y la música clásica. Sí, estos tres elementos se combinan, más específicamente por la aparición de arreglos de blues, sumado a la aparición de sitares, más la aparición, por momentos, de instrumentos de cuerda, como violines, que dejan melodías clásicas; de esta inescrupulosa mescla de estilos surge un sonido inesperado e inclasificable, por momentos extraño, que evidentemente no encontraremos en muchos otros lugares, y que no se puede encasillar a menos que digamos que se trate de… psicodelia experimental, o alguna especie de fusión.
A lo largo de los años el trabajo ha recobrado algo de notoriedad ya que en él participaron algunos músicos de renombre, en realidad el grupo propiamente dicho estaba integrado por Lybuk Hyd en guitarra y sitar, Michael Sean Deasy en voz y batería, Joseph Osborn en bajo y Larry Knechtel en teclados y bajo, pero a ellos se le sumaron el famoso músico Ry Cooder en guitarra, sumado al músico y productor Mike Deasy también en guitarra. De la grabación también participaron otros músicos entre guitarristas, percusionistas y sitaristas, estos agregados le proveyeron al sonido de un cuerpo para poder adentrarse de mejor manera a los sonidos orientales y los distintos agregados étnicos que cuenta el sonido. El grupo evidentemente tuvo una corta vida pero a la vez sirvió como base de donde salieron varios músicos hacia otros proyectos mayores, Osborne seria miembro de The Dillards y más tarde músico de sesión para Simon y Garfunkel, entre otros; Knechtel fue miembro de la banda ‘Bread’ y también fue músico para Dave Mason, Lee Michaels, Art Garfunkel y Neil Diamond, The Doors, entre otros. Y por supuesto Ry Cooder siguió su carrera como músico, además de Mike Deasy que también tuvo una gran carrera como músico de sesión, solista y productor.
Bruce Palmer fue un músico canadiense, conocido más que nada por ser el bajista de la banda norteamericana ‘Buffalo Springfield’. Palmer, nacido originalmente en Liverpool y trasladado a Canada desde pequeño, comenzó su carrera como músico desde la secundaria, alcanzando cierto reconocimiento al pasar por la formación del grupo canadiense Robbie Lane & The Disciples. En 1965 se une a ‘The Mynah Birds’, donde conoce a Neil Young, con quien compartía el grupo. Este grupo de corta duración pronto se separaría, y Young y Palmer seguirían junto, siendo dos miembro fundadores de lo que sería ‘Buffalo Springfield’, una influyente banda de folk rock, con mucha repercusión en el movimiento socio/político/cultura de los 60s y la contracultura norteamericana. Formada en abril de 1966, la historia de Buffalo Springfield estuvo plagada de luchas internas, arrestos por consumo o posesión de drogas, cambios constantes en la formación, y una breve vida de la banda, en la que alcanzaron a lanzar solo un par de discos. A pesar de su corta existencia fue uno de los grupos más influyentes de su época, llegando a entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y sirviendo de semillero de músicos que formarian lo grupos Crosby, Stills, Nash & Young, Poco, Manassas y Loggins and Messina. Palmer resurgió en el verano de 1969 por dos semanas, como bajista de Crosby, Stills, Nash, y Young , pero pronto fue sustituido por Greg Reeves . De vuelta en Toronto, tocó por un breve tiempo con Luke & The Apostles a principios de 1970. En 1971, Palmer lanzó su debut y único álbum solista, ‘The Cycle Is Complete’, publicado el 4 de septiembre de 1970, por el sello ‘Verve Forecast’, tratándose de un trabajo acústico instrumental que despliega principalmente un sonido de sesión, con ambientes lisérgicos instrumentales y una búsqueda sonora en la que los distintos instrumentos participantes van nutriendo al sonido con pequeños arreglos o melodías.
Junto a Palmer se encuentran una serie de dispares músicos entre los que se distinguen Richard Aplanalp en flauta y oboe, Rick James en voz, Jeff Kaplan en piano, Paul Lagos en batería, Templeton Parcely en violin, Danny Ray en congas y Ed Roth en órgano, estos musicos nos dan la premisa de que se trata de un pequeño ensamble de sesión abocado hacia un estilo algo étnico, con percusiones suaves y ambientes muy volátiles. Un sonido lisérgico muy agradable y conmocionante, con un gran potencial y con pasajes hipnóticos, digno de ser un trabajo de culto entre la psicodelia under norteamericana, con la excepción de que su realizador fue un músicos con cierto renombre por lo que eso haya hecho talvez que se le preste más atención. Pese a su muy buen sonido, su lanzamiento como solitas tuvo una pésima repercusión comercial, luego de esto Palmer se retiraría casi definitivamente de la música. El álbum fue reeditado en CD por Collectors' Choice en el año 2003. Debido a problemas con las grabaciones originales, la música en el re-lanzamiento fue remezclada significativamente y se utilizaron tomas alternativas para sustituir parte de la música original, especialmente en "Alfa - Omega - Apocalypse". En 1977 daría algunos conciertos en Canada, y en 1982/83 resurgiría como bajista para Neil Young, tocando en Estados Unidos Europa, en una gira. Palmer fue incluido, junto con sus compañeros de banda en ‘Buffalo Springfield’, al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996. Bruce Palmer fallecería de u ataque al corazón, en Belleville, Ontario, Canada, en el 2004.
Antes de comenzar con mi primera reseña en el blog, quiero
agradecerle a Jimi por este espacio tan lindo para compartir nuestro amor por
la música y el arte en general. Para esta ocasión, les traemos el primer disco de SRC (abreviatura de Scott
Richard Case), publicado en 1968. La historia de esta banda de Detroit comenzó
cuando Gary y Glenn Quackenbush (en guitarra y órgano respectivamente) y E. G.
Clawson (los tres integrantes de The Fugitives) tomaron como cantante principal
a Scott Richardson, el cual en aquel momento formaba parte del grupo The Chosen
Few. Luego se sumarían el bajista Robin Dale y Steve Lyman como guitarrista
rítmico. De esta forma, quedó conformado SRC. En 1967, publicaron su primer
sencillo, un cover de Skip James: “I’m So Glad”. Gracias al éxito que tuvo esta
canción, consiguieron un contrato con el sello Capitol Records. Su siguiente
paso fue grabar el disco que aquí les presentamos. El otro día le comentaba a Jimi que no sé cómo pude haber tardado tanto en
encontrarme con esta joya, este clásico que todo amante de la psicodelia no
puede desconocer. A veces ocurre que, dentro de la enorme cantidad de discos de
rock psicodélico, hay algunos que tal vez tienen uno o dos temas buenos, pero
que el resto no es de mucho interés. Sin embargo, éste no es el caso. Son todas
canciones sólidas, creativas y que tienen su sonido propio. Me parece muy
destacable el trabajo de los hermanos Quackenbush, especialmente el de Gary:
los solos ácidos de guitarra que toca son extremadamente expresivos y tienen
mucho vuelo.
Por otra parte, la voz de Scott encaja muy bien con el sonido del
álbum, y las armonías vocales son adorables! Dicho sea de paso, la edición que
les traemos viene con una imperdible versión psicodélica de la famosísima
composición de Edvard Grieg “Morning Mood”.
Luego de este impresionante álbum debut, sacaron un par más.
Al año siguiente, publicaron Milestones, aunque ya con unos cambios en la
formación: Robin Dale fue reemplazado por Al Wilmot y Steve Lyman dejó de estar
en la banda. En 1970, sacaron su tercer disco, Traveler’s Tale, esta vez sin Gary
Quackenbush (siendo sustituído por Ray Goodman). Según tengo entendido, éste
fue el último trabajo de SRC. Más adelante, regresó Gary ya que Ray Goodman
había abandonado la banda (parece ser que Traveler’s Tale no tuvo mucho éxito
comercial). Sin embargo, Capitol Records no quiso volver a trabajar con ellos
por lo que decidieron cambiar el nombre del grupo y buscar otro sello. De esta
forma, pasaron a llamarse Blue Scepter y grabaron “Out In The Night” (un cover
de la canción de The Pretty Things). Pero tampoco tuvieron mucha repercusión,
por lo que el asunto quedó ahí.
Muchos años más tarde, a principios de los 90’, One Way Records no sólo reeditó
los discos de SRC sino que también publicó Lost Masters, un álbum que incluye
canciones de Blue Scepter. Como dato de color, podríamos agregar que Peter Gabriel dijo en una ocasión que
era fan de SRC (?). En fin, espero que lo disfruten mucho porque está muy
bueno!
Wildfire se formaron en 1969 en la localidad de Laguna Beach, California, con al parecer, dos de las cenizas de un grupo de surf y doo-wop de principios de los 60's llamado Phil and The Flakes, el cual estaba liderado por nadie más, ni nadie menos que el gran Phil Pearlman (que es más conocido por sus extraordinarios proyectos psicodélicos The Beat of The Earth, The Electronic Hole y Relatively Clean Rivers), sin embargo el grupo se localizó en Austin, Texas, por lo que llegaron a alternar con grandes como Shiva's Headband y Johnny Winter, aunque igualmente se dice que llegaron a tocar con Blue Cheer en su natal California por allá en 1969.
Este, su único disco que en realidad fue un demo editado de forma privada y en un tiraje de muy pocas copias, fue grabado en los estudios Sonobeat en 1970 (donde un grupo llamado Mariani -en el cual tocaba un jovencito Eric Johnson- también grabaron su único disco llamado "Perpetuum Mobile" en el mismo año) en Austin, Texas. Al parecer "Smokin'" fue editado en el mismo año.
Según lo que leí en su página web oficial, el guitarrista Randy Love era fan de Jimi Hendrix y quería sacar el tono de este, por lo que estuvo dañando su amplificador Fender Showman, por lo que su papá le iba a comprar un Dual Showman como los que llegó a usar en varias ocasiones Hendrix, sin embargo conoció a Pat Quilter y este le construyó un amplificador de transistores de 200 watts de potencia que sonaba como uno de bulbos, al parecer inspirado por los mencionados Fender Dual Showman, luego el bajista Danny Jamison también tendría el suyo.
Ahora sí a hablar de la música contenida en el álbum.
Smokin' tal y como lo sugiere el título (en español, "fumando") es un disco de heavy psych a la orden del día, cargado con bastante funk y esa suciedad tan característica de varios grupos gringos de la época, se podría decir que aquel clásico power trio originario de Flint, Michigan que aquí gozó de una inmensa popularidad en los 70's llamado Grand Funk Railroad fue la principal fuente de inspiración para Wildfire, sin embargo también hay influencias de Hendrix (como lo dije arriba), Moby Grape y hasta Blue Cheer, cabe destacar que también me recordaron parcialmente a otros grupos contemporáneos como Fields, Josefus, The Frost, Bliss, The Third Power y hasta Banchee.
El disco abre con "Stars in The Sky" que me parece que es un homenaje a Jimi Hendrix y su infravalorada obra maestra "Love or Confusion" del '67, pues incluso las letras tienen bastante similitud, los siguientes temas se van más hacia las aguas del Grand Funk Rairload que sacó esos grandes discos de hard rock y heavy psych como Grand Funk, Closer to Home, On Time, The Live Album, Survival y E Pluribus Funk, sin embargo Wildfire suenan todavía más psicodélicos que el mencionado power trio de Flint, Michigan, seguramente por esos tintes tan típicos de la costa oeste que se notan en su ácida guitarra que acompaña a cada tema del álbum.
Mis temas preferidos son la rocanrolera y enérgica "Let It Happen", la funky "Don't Look For Me", "What I Have Got Now" y la extensa "Quicksand" que dura 11 minutos donde improvisan tanto el guitarrista como el bajista, aunque cada tema del disco es excelente, por lo que los fans del Grand Funk no se querrán perder esta única placa de este conjunto Californiano radicado en Texas salida por allá en 1970, pues es una excelente pieza de heavy psych con pinceladas de funk y del rock ácido californiano sesentero.
Este trabajo fue concebido por el compositor Jack Murphy y el productor Vinny Testa, con la idea de elaborar un proyecto algo divertido y creativo, que finalmente terminaría encaminado hacia un lado infantil y fantástico, un trabajo conceptual elaborado en base a la idea de Peter Pan y de la niñez perpetua, con su correspondiente magia, inocencia, fantasía, ausencia de malicia, etc., aunque adaptado desde la visión contracultural de los jóvenes de los 60s que se revelaban contra la formalidad y la moralidad de las sociedades acomodadas. Se trata de otro disco particular, no fácil de escuchar, en el cual tampoco encontraremos temas que se volverán nuestros favoritos, es una obra muy particular de pop con arreglos orquestales, experimental si tenemos en cuenta que es un trabajo conceptual con un sonido poco común. Una vez elaborado el material, se lo muestran al productor George “Shadow” Morton, quien ve potencial en el sonido y consigue un trato con A&M para su grabación. Tras esto, consiguen músicos para la grabación del album, que se publicaría bajo el eventual nombre de ‘The Merchants Of Dream’.
‘Strange Night Voyage’ (‘Extraño viaje nocturno’), lanzado en 1969, es un auténtico viaje extraño, un paseo por la tierra del nunca jamás, una pequeña sinfonía infantil con su dosis de psicodelia pero pulida para que suene de una manera más suave y sofisticada, que enfatiza en el sunshine pop, en los arreglos vocales agradables, los sofisticados arreglos orquestales mixturado con efectos sonoros y sonidos agregados. Realmente no se trata de un álbum psicodélico más, el nivel de sofisticación que alcanzan es llamativo, se trata de psicodelia por momentos sinfónica, fina, con acompañamiento de arreglos sinfónicos, cambios constantes, finos arreglos bocales y una exquisita implementación instrumental. Un combo de elementos que intenta, de alguna forma u otra, reflejar esa ‘magia’ de la se habla en la fábula de Peter Pan, y a su manera lo logra, con un sonido intrincado y una fusión de pasajes difícil de explicar técnicamente, o sea con cierta… magia… El álbum tuvo cierta repercusión pero, como era casi previsible al ver que era un único lanzamiento, no tubo un gran apoyo por la disquera y la banda a los pocos meses del lanzamiento tuvo que separarse, volviéndose a saber prácticamente nada del grupo. Jack Murphy por su parte siguió su carrera como músico, en 1970 lanzó un disco solista de blues rock, también formó su grupo llamado ‘JF Murphu & Salt’, con el cual lanzaría 4 álbumes mas, estos sin mayor repercusión.
Jean-Pierre Massiera es el responsable de esta historia, un músico francés abocado a la composición y la producción, destacado por sus trabajos experimentales dentro del rock psicodélico en su país. Massiera da vida a ‘Les Maledictus Sound’ con la idea de que sea una banda experimental y poco convencional en la cual poder dar vida a sus vanguardistas ideas musicales. Como prueba de ellos ha quedado un disco, ‘Les Maledictus Sound’, grabado en abril de 1968, en el estudio SEM, en Niza, Francia, y lanzado a la venta ese mismo años, un trabajo con un género inclasificable que demuestra las intenciones explorativas e innovadoras del grupo. Poco se sabe del grupo y su historia, ni si llegaron a dar algún concierto en vivo, pero parecen haber sido liderados por Massiera, quien los impulsa bajo su ala experimental, como músico y productor. Sus intenciones experimentales los llevan a relacionarse con otros músicos, provenientes de ambientes de música clásica, para así nutrirse de distintos estilos. Se sabe que al momento de la grabación participaron gran cantidad de músicos, entre los que se encontraban Ceccarelli André en batería, Montalbano Nicolas en batería y timbales, Demaria Pierre en bajo, Aublette Edmond en contrabajo, Bec René en piano, Chavanat J. Claude y Pasero Richard en guitarra rítmica, Djivas Patric y Massiera en primera guitarra, Buzon Jean en trompeta y violón, Amadi Georges en clarinete y violón, Baile Paul en saxo, Sabato Guy en mirliton, además de la participación de los músicos de la orquesta de la opera de Niza. El único trabajo homónimos que nos dejaron, ‘Les Maledictus Sound’, es un auténtico experimento de psicodelia vanguardista, encaminado hacia el rock psicodélico pero atravesando tantas facetas como les es posible. El trabajo está dispuesto en 27 temas que no sobrepasan por mucho los 2 minutos de duración cada uno, y entre los cuales se puede escuchar de todo tipo de sonidos y mesclas, pasando por el rock acido, melodías country, jazz, música de cabaret, baladas lentas, pop rock,… un sonido realmente multifacético…
Todo está unido con un carácter experimental abocado a mantener al sonido siempre dentro de un estándar mínimo de fusión e innovación, impulsando la mescla de distintos conceptos hacia un sonido siempre nuevo; a veces más naif, a veces más pesado, a veces bizarro, a veces oscuro y perverso. Un elemento recurrente en los temas es la orquestación, la aparición de cuerdas y vientos que impulsan al sonido aún más hacia caminos que intentan ser innovadores. El trabajo parece un muestrario musical, ya que está constituido por pequeñas piezas, muy variadas entre sí, que parecieran contener fragmentos de estilos tomados de distintos discos, como su fuera un muestrario de la música que se escuchaba en ese momento. No sé si se puede tomar a este trabajo como un disco propiamente dicho, es un trabajo experimental, innovador, extraño al oído, especial para quienes disfruten de la psicodelia de punta y de la experimentación con estilísticas y fusiones de una manera formidable. El álbum fue lanzado en dos ocasiones en Quebec, una vez en Italia, en Francia dos veces y una vez en Japón, casi cada lanzamiento del LP original tenía diferentes portadas, diferentes títulos de las canciones, y el álbum fue lanzado incluso bajo diferentes nombres de la banda. Aunque Massiera nunca grabó de nuevo como ‘Les Maledictus Sound’, continuó dejando grabaciones alucinantes y tanto o más experimentales como esta, en 1974 lanza el homónimo ‘Visitors’ con una banda del mismo nombre, en 1976 lanza ‘L'Etrange Monsieur Whinster’ con la banda Horrific Child, ambos trabajos alucinantes y también de culto dentro de los sonidos vanguardias y experimentales. La reedición en cd que compartimos en esta ocasión, contiene un bonus con uno de los temas lanzados con ‘L'Etrange Monsieur Whinster’.
La historia de ‘’The Aggregation’’ es algo particular, y a pesar de que a través de los años su único disco, "Mind Odyssey", se ha vuelto de culto, aun su historia es algo desconocida. El grupo se origina cuando 5 estudiantes recibidos, en carreras de musical en la ‘California State University’, son contratados para tocar en un parque de diversiones de Dysney, en alguna parte de California del sur. El grupo estaba integrado por Leo Potts, Lemoyne Taylor, Dale Burt, LeWayne Braun y Bayard Gregory. Ellos fueron contratados para dedicarse en tiempo completo a tocar en el parque, con buenas audiencias de público; hasta antes de la grabación del álbum hacía dos años que tocaban juntos, haciendo show para el público del parque. Uno de ellos, Leo Potts, tomó la iniciativa y comenzó a contactar a musicos y gente del ambiente de la música, para ver si podían sacar algún redito de ello, debido a que la banda ya había comenzado a componer su material. Repartió pases gratis para uno de los seis show darían en el parque, y casualmente entre los invitados se encontraba Lee Hazlewood, un productor musical que había trabajado con Frank y Nancy Sinatra, y tenia su pequeño propio sello discográfico. Lee Hazlewood les propone trabajar en su estudio. Primeramente, grabarían con él un single, donde lanzarían dos temas instrumentales, uno propio y otro que sería un cover de ‘Sunshine Superman’ de Donovan, el single tendría cierta repercusión en algunas ciudades. Más tarde ese mismo año, 1968, les propone ya la grabación de un álbum completo, ofreciéndole el estudio para que hicieran lo que quisieran musicalmente. La banda de pronto se vio con la oportunidad de grabar un disco, pero hasta entonces habían sido solo un quinteto que tocaba solo piezas instrumentales, por lo que tienen que salir a reclutar gente para potenciar el sonido. La primera inclusión seria la esposa (por aquel entonces) de Bayard Gregory, Linda O'Hara, quien aportaría en las letras y la composición. También sumarian a otro estudiantes de música, el bajista Bill Sissoev, quien también participaría con el trombón, y a Richard Jones para la voz principal.
Al momento de la grabación el grupo estaba compuesto específicamente por Lewayne Braun en guitarra y voz, Dale Burt en piano, órgano y voz, Bayard Gregory en batería, bongos y voz, Richard Jones en guitarra rítmica y voz, Leo Potts en flauta, clarinete, saxo barítono, voz y otro instrumentos, Bill Sissoev en bajo, trombón y voz, y Lemoyne Taylor en flauta, clarinete, saxo tenor y voz. Se trataba de realmente toda una orquesta, un pequeña orquesta. Trabajan arduamente en el sonido del disco, sobre el cual deciden que sería un trabajo conceptual encaminado hacia la idea lisérgica de la época, intentan encarnar un auténtico viaje acido, al típico estilo acido-lisérgico-hippie; y el resultado final es eso mismo, un viaje mental hacia la tierra del inconsciente, con un estilo pop, pero con muchas particularidades que lo hacen único. Al tratarse de músicos, la mayoría con estudios, y al ser tanto musicos participantes, pudieron elaborar algo con un buen nivel compositivo, que cuenta con un carácter sinfónico, en donde aparecen instrumentos de viento y cuerdas. Hacen además uso extensivo de enorme variedad de elementos psicodélicos que poco se ven en general en la psicodelia de la época, y todo está volcado en su justa medida, incluso los solos, las voces, hay lugar para la experimentación sonora, cierta característica jazzera siempre dando vueltas en las armonías, todo puesto ahí por una razón y en su medida específica; de hecho la mayoría de los temas no supera por mucho los 3 minutos de duración. ‘’Mind Odyssey’’ es un trabajo con un gran dejo de melancolía, cierta oscuridad y volatilidad en todos los temas, aun cuando cada uno de ellos suena auténticamente distinto al otro. Cada pieza es única y contiene sus propias estrofas, su propia poética y mesclas melódicas únicas; se van entreverando pop, acid rock, toques de jazz y jazz-rock, melodías barrocas, arreglos estilo medieval, cantos gregorianos, acidez y lisérgica muy fina, exquisita, de culto.
Esta auténtica ‘odisea de la mente’ sonora se encuentra a la par de cualquier álbum conceptual de su época, con un aspecto difícil de detectar a simple vista, hace falta prestarle atención, porque seguramente ninguno de los temas se volverá uno de nuestros favoritos y menos si los tomamos a la ligera, pero al escucharlo con detenimiento comienzan a revelar sus ocultas intenciones que son su completo convencimiento de lo que hacían musicalmente, incluso si eso que hacían les procurara futuros inconvenientes económicos; eso que hacían era fruto de cierta inobservancia en la que incurrían a la hora de imponer ciertas limitaciones compositivas en la que las bandas de la época incurrían para así satisfacer más el lado seductor para con el público. Que quiero decir con esto? Si, hacen realmente lo que quieren, por momentos suenan desequilibrados, inciertos, como un pop-rock-barroco-acido sin mucha sustancia; pero en ese desequilibrio fueron a la vez muy astutos y valientes para salirse de muchas estructuras, y de ello quedó este trabajo que por varios pasajes es alucinante. Vaya a saber si usaron drogas/acido para imaginar todo esto, la típica reacción de muchos al escuchar algún sonido psicodélico extraño es decir ‘uhh estos estaban re drogados!’, pero se trata de un sonido muy bien elaborado, propio de un auténtico grupo de músicos profesionales, por lo cual había mucha sofisticación y profesionalismo avocados a la tarea lisérgica. Una vez terminada la grabación del álbum, ellos le presentan el resultado a Lee Hazlewood, este queda gratamente satisfecho pero sabía que no era un sonido que les gustara a los jóvenes de esa generación. Igualmente promocionó el álbum lo mejor que pudo, pero la empresa encargada en la distribución de los discos de ese sello decidió que no era un álbum que mereciera demasiada distribución. Finalmente solo una muy limitada cantidad de copias del Lp fueron lanzadas en el momento. Nada ha aparecido sobre el destino de los músicos luego del lanzamiento del disco, por lo que seguramente cada uno de ellos siguió con su carrera personal en la música, sin reaparecer en la escena rock de ningún lado. Mas palabras no me quedan para describir a este trabajo, júzguenlo por ustedes mismos, y más adelante volveremos con más…
