Kikagaku Moyo - Kikagaku Moyo (2013)

Este es otro elemento contemporáneo que supo beber de la fuente psicodélica de antaño para recrearla en estos últimos años, mientras el grupo permanecía en funcionamiento, tomando lo experimental y la acides de la psicodelia, lo místico de la música hindú, lo espacial del krautrock, las durezas del blues rock, las tonadas del folk, y demás elementos de la contracorriente del rock, entre vanguardias y experimentaciones varias.

Esta banda comenzó en las calles de Tokyo, hacia 2012, un grupo muy unido de cinco amigos, Go Kurosawa (batería, voz), Tomo Katsurada (guitarra, voz), Kotsuguy (bajo), Daoud Popal (guitarra), Ryu Kurosawa (sitar), en un ascenso progresivo que los llevaría a tocar en varios países y festivales del mundo.

El grupo es claro y no vacila en su estilo, ha tomado directamente de la fuente de la psicodelia y la han recreado al día de hoy con mucha exactitud, creando un estilo propio dentro del género, cosa que se ve reflejada en las primeras escuchas de su música, sus conciertos y ya desde su primer disco.

La presencia de un sitar en la formación y el don místico del grupo, dan cuenta de esa intención profunda que tienen acerca de la mirada espiritual volcada en la música, carácter que suele dotar a las producciones musicales de ese aire tan volátil. Esto se ve reforzado por la fascinación de la banda con la psicodelia, el rock ácido y el krautrock. Todo este encuentro de elementos no deja más que generar una música de rock puramente psicodelia.

Sus producciones musicales tienen buen gusto, son sofisticadas, nunca dejando la psicodelia de lado, pero utilizándola con mucho criterio, haciendo uso de las sesiones extensas con mucha ‘’prolijidad’’. Su esmerada producción volcada en la composición hace que muchas veces las composiciones se vuelvan complejas, con un aire progresivo aun dentro de lo psicodélico.

El disco ‘’Kikagaku Moyo’’ de 2013 es su primer lanzamiento, que ya anuncia desde sus primeros segundos la intención de todo lo que va a ocurrir, en un primer track con una introducción altamente psicodélica, con una guitarra acústica y ambientes de ensueño psicodélico que parecen salidos de grabaciones de más de cincuenta años atrás. 

El primer tema del álbum, “¿Can You Imagine Nothing?", fue escrito por la banda durante una noche, improvisando en un puente colgante en montañas remotas. A medida que la canción avanzaba, el puente comenzó a balancearse, haciendo que los miembros de la banda se sintieran, según cuenta en su sitio web, ''como si flotaran ingrávidos en el aire''.

Luego el disco permanece por la línea del rock con la banda completa, en composiciones ya de rock. La visión que maneja el grupo hace que la sofisticación, que muchas veces suelen manejar, se vuelva no solo hacia momentos complejos o cambios inesperados, sino que también hace de las texturas de cada parte un momento particular, pasando por partes espaciales tipo kosmic music, para entrar en otras donde se activan las distorsiones de la guitarra eléctrica, a otros momentos donde se vuelcan a la sesión, etc. Piezas como ‘’Tree Smoke’’ dan cuenta de ese estilo tan progresivo del grupo.

También hay piezas como ‘’Lady Stoned Monk’’ en las que directamente se vuelcan a momentos psicodélicos ambientales, ya sin rock sino volcados a la sesión psicodelia, en un lugar muy amplio con aire de ritual místico, entre las sutiles aplicaciones que cada músico vierte al momento.

El grupo fundó su propio sello, ‘’Guruguru Brain’’, para mostrar no solo su trabajo, sino también la escena musical, poco representada, del este asiático. Hasta la fecha, el sello ha publicado música de más de diez artistas diferentes junto con sus propios álbumes.

Su gusto por lo psicodélico se ve reflejado en toda su producción artística, desde su forma de vestir, hasta la portada de sus discos, la elección de los instrumentos, y por supuesto en su producción musical. Desde su sello discográfico también han impulsado la psicodelia, especialmente a proyectos provenientes del este asiáticos, apoyando a bandas de rock psicodélicas y otros emprendimientos experimentales.

En 2022 anunciaron su separación como banda, tras varios álbumes de estudio, sencillos y Ep, además de sus conciertos y presentaciones. Kikagaku Moyo, desde su comienzo, supo abrirse paso desde las calles de Tokyo hacia todo todo el mundo, llevando el sonido psicodélico a oídos de muchos, con un estilo que ha despertado la admiración y reconocimiento en muchas partes del mundo.

Cod: #1822

The Crazy World Of Arthur Brown - Strangelands (1988)

The Crazy World of Arthur Brown fue un elemento más de la música psicodélica que convulsionó la escena con sus delirios y locuras. El nombre sirvió como concepto, una plataforma bajo la cual su creador, Arthur Brown, reinaba como el dios del fuego y proclamaba sus creaciones musicales como discos que marcaron al rock de la época.

El primer y homónimo álbum de la banda, ‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’, apareció hacia 1968 y representó un hito del grupo y su creador, por su canción ‘’Fire’’ que fue un éxito comercial en muchas partes del mundo. Por otra parte, también el álbum representa uno de esos eslabones que parecieron hacia finales de los 60s, para impulsar la evolución de la música psicodélica hacia la música progresiva. Con este primer trabajo discográfico, la banda presentaba algunos cortes de canciones bien nutridas en la composición y muchos momentos memorables que ya anunciaban el potencial del artista y sus miras creativas.

Luego del éxito de su primer trabajo, Arthur Brown y la banda se encaminan hacia su siguiente lanzamiento, sostenidos por el espíritu de muchas bandas de rock de la época, que era el de evolucionar, experimentar y correr más allá los límites establecidos. El próximo emprendimiento discográfico del grupo sería el conocido como ‘’Strangelands’’, grabado alrededor de 1969 pero que no sería publicado recién hasta casi 20 años más tarde.

‘’Strangelands’’ representa un delirio de parangones mayores, un experimento en sí mismo ya que todo el disco se caracteriza por presentar una amplia gama de experimentaciones, siempre en terrenos del rock psicodélico y las vanguardias. Todo el trabajo es la puesta en marcha de una búsqueda sonora que avanzaba desde la canción para dirigirse hacia ese lugar tan común en la época, que era el de romper la canción, y explorar hacia el caos y la psicodelia.

Especial recomendación para los amantes de la experimentación de la época, ya que el disco expone muchos elementos comunes del momento. Todo el disco está interpretado por una banda que se niega a caer en ritmos cuadriculados, por lo tanto, toda la propuesta se expande, saliéndose de la canción predecible y virando hacia una libre ejecución de música rock, siendo todo el disco construido desde la sesión libre y sin estructuras.

En base a estos momentos de ‘’free rock’’ es donde todo brota, desde experimentaciones sonoras de estudio, delirios instrumentales de la banda, ambientes puramente psicodélicos, y otras experimentaciones como la de poner en reverso algunos instrumentos. Además de esto, aparece el mismísimo Arthur Brown cantando y muchas veces volando sus recitaciones metafísicas durante todo el disco, en proclama de caos y en cuestionamiento de muchas instituciones comunes, son palabras siempre muy cargadas de simbolismo, potenciándose con el caos instrumental de la música.

Es un reflejo típico de la época, pero no hay tantos elementos tan rupturistas como este experimento por aquellos años, simplemente ellos tomaron todo lo que habían vendido en su primer disco, y lo destruyeron, yendo hacia la experimentación sin medir las consecuencias. 

El resultado fue un álbum tan experimental, que la discográfica simplemente se negó a publicarlo por aquel año de 1969. El trabajo quedó guardado durante muchos años, evitado por la falta de visión artística de cualquier sello. Finalmente fue rescatado y publicado en 1988.

Este tipo de rock psicodélico tan experimental, con posterior correspondencia hacia lo proto progresivo, es la corriente del rock que ayudó a la formación de la música fusión que tuvo su origen desde finales de los años 60s. El origen del jazz fusión, y todo ese rollo de una música que cada vez se complejizaba más, tuvo su origen en la fusión del jazz con el rock de la época, y el rock que había en esa época era puramente psicodélico, proto progresivo, experimental, vanguardista, con predominancia de atascos y extensas improvisaciones. 

Con el correr de los años, la música fusión fue volviéndose cada vez más sofisticada y virtuosa, pero no es de extrañar que los álbumes que dieron origen a este género fuesen tan vanguardistas y marcados por todos estos elementos. ‘’Emergency!’’ de 1969 por The Tony Williams Lifetime, o ‘’Bitches Brew’’ de 1970 por Miles Davis, son algunos de los ejemplos tempranos de esas fusiones elementales de donde se originó el jazz fusión, y son una señal de la influencia psicodélica que marcaba la música por esos años, en ámbitos de rock y jazz.

El legado de ‘’Strangelands’’ es ese reflejo, rechazado por algunos en años atrás, pero que logró sobrevivir como reflejo de una época marcada por una generación de músicos que, motivados por su espíritu inquieto, hicieron y deshicieron a su gusto y, sin saberlo, sentaron las bases para el florecimiento de las vanguardias en su encuentro con la ‘’música popular’’. 50 años después, luego de tanta música ocurrida en las escenas culturales, el mundo sigue no estando listo para este tipo de experimentaciones, pero el valor de esa época desafiante abrió caminos que muchos luego recorrerían.

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Badge Époque Ensemble - Badge Époque Ensemble (2019)

Esta es una entretenida experiencia musical creada en base a la influencia de muchos elementos, tal vez los más representativos de la época de finales de los 60s y principio de los 70s, como lo son el rock psicodélico, jazz fusión y prog rock. Hay aquí una búsqueda que cuenta con una dosis orgánica muy fuerte, es ese aire de sesión que tiene todo y que da la sensación que el grupo se maneja en la música rock improvisada, con especialización en la sesión instrumental.

Otro elemento que deja el disco, es esta forma muy acertada desde los ritmos contundentes y el groove pesado, sensación que se enaltece con los agregados de percusión tipo Santana, los riffs de heavy blues que aparecen, y ese aire soul en la concepción de todo. El funk es otro elemento que desde la percusión aporta un groove contundente y suma a esa sensación tan cool que se construye en la sesión instrumental. Todo parece suceder desde una preponderancia rítmica, horizonte donde ocurren todos los eventos creativos del grupo, tanto es así que la presencia de congas y percusiones de tipo latinas se hace lugar en la mayor parte del sonido del disco.

Mucho de lo que ocurre aquí es instrumental y orgánico, hay muchos momentos con ese estigma, lo que termina de eclosionar en la pieza ‘’Undressed in Solitude’’, un track de casi once minutos de duración, donde la banda explota su gusto por la sesión rockera y la explota en una zapada con mucho groove y soul.

Es un disco de rock, rock pesado, pero no duro, rock construido primordialmente desde la instrumentación y el desarrollo desenvuelto en ideas progresivas. Blues, soul, funk, rock latino, y música fusión, todo ello está de alguna manera siempre presente aquí, en mayor o menor medida, aportando al estilo enriquecido de la banda.

Y por suerte, también esta ese elemento psicodélico apareciendo muchas veces, en el clima denso de sesión que tiene el sonido, con los que muchas veces entras en pasajes pesados que recuerdan a la música proto progresiva y aun psicodelia de antaño. Los sonidos densos de las guitarras y órganos, y los ambientes de sesión tan densos en lo que entran, no hacen más que acrecentar esa sensación de que lo psicodélico está muy presente.

Badge Époque Ensemble es un proyecto musical canadiense liderado por Max Turnbull. Son conocidos en parte gracias a su primer lanzamiento discográfico, el homónimo ‘’Badge Époque Ensemble’’, un trabajo nominado a premios, y que ha llamado la atención desde su lanzamiento en 2019.

La banda participante del mismo es una muy extensa, participando Jay Anderson en batería y percusión, Chris Bezant en guitarra eléctrica, Alia O’Brien en flauta, Ed Squires en congas y percusión, Giosue Rosati en bajo, Maximillian 'Twig' Turnbull en órganos, además de invitados especiales como Evan Cartwright en batería para el tema ‘’Undressed In Solitude’’, y James Baley en voces para el mismo tema. 

El sonido del disco nunca decae de su groove, la propuesta es siempre enaltecida por el condimento continuo que le aporta la banda, ese sabor tan enriquecido que manejan y que se manifiesta continuamente. ‘’Badge Époque Ensemble’’ fue grabado en vivo en Palace Sound Toronto, los días 18 y 19 de diciembre de 2017, y 2 de octubre de 2018.

Esta no es una banda cualquiera, su estilo es llamativo a primera escucha, reflejando la cantidad de influencias que enriquecen la experiencia total del sonido que proponen. Es esa fusión lo que le da el condimento tan vital a todas sus propuestas y le dota de esa distinción tan particular.

Desde 2019 hasta el 2023, la banda ha publicado varios trabajos discográficos, los cuales denotan que el grupo desde su surgimiento hasta ahora se ha mantenido fiel a su estilo musical tan característico y propio.

El sonido del grupo parece salido de otra época, con un clima sonoro que se diferencia de cualquier otra producción, y crea reminiscencias de escenas de rock de décadas atrás. Los ritmos deliciosos y ese valor orgánico tan suelto de la banda, dejan como resultado una experiencia con mucho sabor y mucha diversión. 

Cod: #1820