The Speakers - En El Maravilloso Mundo De Ingesón (1968)

En el Maravilloso Mundo de Ingesón es un álbum sumamente encantador, vanguardista y lisérgico. Tan sólo remitámonos a Junio de 1968, Colombia, un grupo de jóvenes inspirados quizás en toda la ebullición musical que se venía gestando en el mundo artístico, ya los Beatles habían publicado Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, The Jimi Hendrix Experience ya había publicado el monolítico Are you experienced? El LSD y los alucinógenos estaban cada vez más ligados con una floreciente contracultura, unos se abrían con mucha convicción frente a estos cambios, otros eran más timoratos y medían los próximos pasos a dar.

Los Speakers sin lugar a dudas no era una banda timorata, decidieron abrazar muchos tópicos que la contracultura empezaba a irradiar, no tuvieron miedo en tomar el volante y crear, crear sin ataduras, sin expectativas comerciales, crear con el único objetivo de transmitir tanto las inquietudes más sencillas como las más intrincadas de su joven alma.

Muchas bandas contemporáneas del continente midieron mucho más sus pasos, prefirieron hacer una transición mucho más segura, para así no perder contratos con sus respectivas discográficas o simplemente por temor a no ser comprendidos por el público. Los Speakers ciertamente rompieron con todas estas expectativas y decidieron respetar lo que en principio sentían que era el camino que debían seguir. Es así como tomaron la fundamental decisión, la de producir de forma independiente su nuevo álbum, nada más acertado o quizás desafortunado ante ojos timoratos ya que evidentemente sea cual fuere el resultado de la grabación, la distribución del Lp siempre iba a tener una mayor limitación y menor alcance.

El ímpetu creativo puede más que las expectativas realistas, este grupo de jóvenes sentía muchas ansias por dar un gran paso hacia adelante, y no era para menos, Sudamérica tenía mucho por aportar al mundo musical, y este primer paso, el de romper con ciertas directrices como la de cantar en inglés, tenían que ser asumidas con convicción y con esperanza. Esperanza de que algún día la música elaborada con tanto cariño, llegue al corazón de algún joven y así sembrar la semilla de la libertad. Un hecho que, según mi perspectiva, es el concepto central de este álbum.

El contexto musical dentro del cual se encontraba la banda era muy interesante, otras bandas colombianas como Los Flippers o Los Yetis se encontraban también siguiendo tendencias nuevas, pero aún recurriendo en muchos casos a los covers, y a combinar el cantar en español con el inglés. Por lo tanto a nivel de Sudamérica, al momento de gestar este nuevo álbum, Los Speakers estaban a la vanguardia. Quizás en Brasil se pueden encontrar ejemplos contemporáneos de experimentación psicodélica, también en Argentina, principalmente en las grabaciones más vanguardistas del naciente sello Mandioca. Pero en esencia lo que Los Speakers estaban a punto de grabar, estaba un paso por delante con respecto a muchas de estas bandas o producciones. Os Mutantes de Brasil habían logrado un contrato con Polydor para la grabación de su álbum debut, mientras que Los Speakers colombianos fueron rechazados por todas las disqueras importantes de su país, a nadie le interesaba producir aquella delirante música que este grupo de soñadores tenían en mente.

El 1968, la banda se encontraba compuesta por el colombiano Humberto Monroy en el bajo, el italo-colombiano Roberto Fiorilli en la batería y el multiinstrumentista español Rodrigo García. Entonces, luego de ser rechazados por las disqueras, deciden encarar el álbum de forma independiente, por lo cual crean su propio sello, denominado Producciones Kris. El siguiente paso era encontrar un estudio de grabación, es así como contactan con Manuel Drezner, dueño de los Estudios Ingesón, quien aceptó prestarles el estudio para la grabación del álbum bajo una interesante condición que los mismos músicos le habían propuesto: el álbum de la banda incluiría una curiosa publicidad que aludiera al estudio, es así como la obra resultante se habría de llamar En El Maravilloso Mundo de Ingesón.

Una vez contento el dueño del estudio con la publicidad que habría de obtener, Los Speakers empiezan en Junio de 1968 a grabar un verdadero hito, un álbum que probablemente significó un punto de ruptura dentro de la escena musical colombiana, o si esto es demasiado romántico, al menos podemos considerar que este álbum debió de significar la ruptura y apertura de nuevos caminos, ya sea para los seguidores de la banda o para los hippies curiosos que se atrevieron a escuchar el álbum.

Sería inoportuno decir pues, que En El Maravilloso Mundo de Ingesón, significó un clásico instantáneo en la escena de rock psicodélico Sudamericano, por supuesto que no. Hay evidencia de que un año después, en 1969, Polydor publicó el álbum en México, lo cual es realmente extraño, pero muy probablemente dicha tirada tuvo una escasa repercusión. Tampoco tengo conocimiento de cuantas copias logró vender la banda, pero dada la hermosa presentación del Lp, que venía con un libreto y una falsa píldora de ácido (que era en realidad goma de mascar), dudo mucho que la gente pudiera resistirte a no comprar el álbum, al menos los más aventureros debieron de estar muy atraídos por este Lp al momento de su publicación.

Retornado al tema ligado a la grabación del álbum, es evidente que los Estudios Ingesón eran el lugar ideal para desarrollar con gran libertad todas las lisérgicas ideas que tenía en mente la banda. El solo hecho de que en pleno 1968 tuvieran a disposición una grabadora de varios canales ya le suma mucho a la producción y al sonido ya que en muchos casos la precariedad en la que aún estaban muchos estudios en aquellos años no propiciaban el mejor ambiente para la grabación de este tipo de propuestas decididamente vanguardistas.

Musicalmente el álbum transita por distintos estadios, pero siempre me resultó curioso el hecho de que el álbum abriera con el sonido de un tipo caminando de lo más tranquilo y que de repente sea aparentemente arrollado por un tren a toda velocidad. ¿Qué quisieron denotar con esto?, quizás el tipo que camina despreocupado es la sociedad retraída, conservadora, inerte, mientras que el tren que lo termina arroyando es la nueva generación, que con mucho ímpetu y ganas de cambio, empiezan a colocar hitos que en muchos casos romperán con el orden gris y pusilánime conservado hasta ese momento.

En ese sentido uno de los puntos altos de este álbum es la canción Oda A La Gente Mediocre, cantada y compuesta por el baterista Roberto Fiorilli, la letra refleja perfectamente el concepto y búsqueda del álbum:

Abre tu mente a tiempo

corta con el pasado

vete hacia el futuro

emplea tu fantasía

libérate en este día

echa tus complejos fuera

abre tu mente a los sueños

¿No es acaso esta letra el fiel reflejo de una época?, donde las inquietudes espirituales se hacían patentes en la juventud, quizás se visualizaban muchas utopías, si, pero nadie puede negar que detrás de toda esa intención de ruptura y libertad yace una semilla que siempre asomará ante el hastío y necedad de una vida rutinaria, que convierte y reduce la vida humana en simples números y documentos de identificación, que nacen, crecen, se reproducen y mueren sin mayor trascendencia.

¿Pero de que clase de trascendencia estamos hablando?, pues tan solo me remito a aquella necesidad prístina de querer dejar algo en favor de la sociedad, por más minúsculo que sea. No consagrar la vida únicamente al ego, sino, intentar al menos ayudar o contribuir en mejorar la cotidianidad humana, por ejemplo, la música recomendada y reseñada en este blog, le sirve a muchas personas, quizás para hacer catarsis o simplemente para hacer más manejable su rutina, es así como el arte puede contribuir en alegrar nuestros días, por más monótonos que estos nos resulten, en algún punto, la música siempre estará, y Los Speakers sabían esto perfectamente. En la canción Reflejos De La Olla, compuesta por Rodrigo García, la letra nos dice:

…este mundo de dementes

nos resulta ya inmamable

escuchad lo que os digo

no penséis que en este mundo

sois vosotros el ombligo

porque es un error profundo…

En 1968 la hostilidad en las calles era patente, hoy en día damos todo por sentado, andar desalineado por la calle no era una cuestión irrelevante como lo es hoy, no obstante aún hoy y siempre, persistirá el hecho de tirar la piedra y esconder la mano, de increpar ética y moral cuando en realidad bajo las cuatro paredes de casa, se es todo lo contrario a lo que se predica. Y si, Los Speakers comprendían contra quienes se enfrentaban, contra esa mentalidad arcaica de posguerra que poco a poco iba haciendo pedazos muchas vidas mediante la prédica consumista:

…por qué insultas a tu hermano

¿porque tiene el pelo largo?

lleva el tuyo como quieras

mientras no te quedes calvo

 

Te la pasas criticando

a la nueva generación

no es más santa que la tuya

pero en fin, tampoco es peor

 

Tienes limpia tu conciencia

que te pones a juzgar

la decencia y la indecencia

en la vida de los demás

Yo mi amigo te conozco

eres un hipócrita más

como hay muchos en el mundo

como siempre los habrá…

En este punto la canción Historia de un loto que floreció en otoño, compuesta por Fiorilli, parece ser una metáfora al surgimiento de una nueva generación: la contracultura floreciente representada en una flor de loto. Pero en lugar de un típico final idílico, la letra refleja de forma muy inteligente la inevitable retracción a la que llega todo fenómeno cultural, hecho que se vislumbraría muchos años después con la disolución o mutación de la contracultura en otras manifestaciones de diversa índole:

…florecer significaba un esfuerzo terrible

ya que había algo que andaba mal

el calor y la luz ya no eran suficientes

y había una apatía general que lo inhibía

y entonces sucumbió

no por miedo

sino porque su vida se extinguió al florecer

fue la última manifestación de su presencia

dejó una marchita flor sobre las aguas y se fue

pero prometió volver en el próximo otoño…

Volviendo al análisis musical, este álbum presenta detalles muy interesantes, por ejemplo la utilización por parte de Roberto Fiorili de unos bongoes “árabes” en la canción Oda A La Gente Mediocre, así como el sonido de las guitarras eléctricas ejecutadas por Rodrigo García, que se distinguen e interactúan entre si de forma parcialmente caótica y experimental, creando un ambiente sumamente psicodélico, emulando en cierta medida sonidos de la música de oriente medio. La canción titulada Un Sueño Mágico, compuesta y cantada por Humberto Monroy, es otra de las incursiones abiertamente psicodélicas del álbum, el sonido lisérgico de las guitarras más el efecto de la voz te sumergen en un breve viaje psicodélico hacia el centro del alma.

Detalles experimentales se pueden percibir en todo el álbum, evidentemente la banda utilizó el estudio como un instrumento musical más, lo cual le añade mucho más carácter y originalidad a esta hermosa obra. Pero, en lugar de terminar el álbum sonoramente en la cima, Los Speakers, deciden volver a pisar tierra y dejarnos un mensaje que siempre estará vigente. La canción Psalmo Siglo XX, era de la destrucción, compuesta por Fiorilli, relata el circulo vicioso en el que inevitablemente la humanidad siempre estará y del que probablemente nunca saldremos, ese círculo donde la política se diluye en violencia, amenazas de guerra, paranoias y mucha egomanía mesiánica:

…pero en la superficie hay guerra y desolación

¿hasta cuando crees posible mantener la situación?

¿es acaso hasta el día en que opriman el botón?

Si eso pasa

puede ser la solución

de los muchos problemas que nos tienen en tensión

Sin embargo

la pregunta es si esta situación

no podrá arreglarse sino con la explosión…

En síntesis y a modo de conclusión de la presente reseña, puedo afirmar con gran seguridad que el álbum En El Maravilloso Mundo de Ingesón es uno de los mejores de la década de los 60s en Sudamérica, una obra que a nivel de originalidad y vanguardia está a la par de los grandes álbumes de esa década, ya sea en Argentina o Brasil. Por otra parte, espiritualmente hablando, esta obra es el fiel reflejo de una generación juvenil que vio la gran oportunidad de romper con los acomplejamientos transmitidos por sus padres, no con un afán pirómano, sino con una perspectiva constructiva. Hubo mucho caos, por supuesto, eso no se puede negar, pero las drogas presentes o no, fueron solo un elemento más y no se puede pretender caricaturizar a toda una generación como un “acontecimiento tribal absurdo que puso las drogas de moda”.

Por supuesto que definiciones reduccionistas como la mencionada anteriormente son simples maquinaciones que pretenden desacreditar propuestas artísticas que le hablaban directamente al oyente, a un oyente que veía cómo el mundo recobrada sus colores luego de tanta pólvora y muerte en el ambiente. Lamentablemente hoy en día la influencia de la contracultura en la juventud masiva es casi inexistente, hoy en día las nuevas tendencias juveniles más mainstream abrazan con furor el consumismo y el hedonismo como filosofía de vida. No obstante, frente a un contexto tan totalizador como este, álbumes como el que reseñamos en este post, no hacen más que recordarnos que aquellos caminos depresivos hacia la acumulación pueden ser burlados mientras mantengamos firme la intención de seguir alimentando el alma con música, con arte.

Aguaturbia - Volumen 2 (1970)

El estilo de los chilenos de Aguaturbia siempre fue, por lo menos en sus discos de estudio, el de un rock muy acertado, que no vacila y por lo tanto genera revuelo, además de tender puentes hacia la psicodelia contracultural norteamericana con similitudes en ejecuciones y por un estilo rockero que suele asemejarse. Esa personalidad que tuvieron los llevó a causar ruido con sus discos, primero por las portadas de los mismos, y seguido a eso, por el muy buen sonido rockero pesado y psicodélico que manejaban, una insignia de la psicodelia chilena y un punto de referencia ineludible del rock fundacional de Latinoamérica.

A diferencia de muchas otras bandas latinoamericanas, Aguaturbia no toma aun elementos folkloricos locales, sino que presenta un sonido netamente rockero pesado, con muchos agiles solos de guitarra eléctrica, adición del blues y acercamiento a lo psicodélico. Todo este repertorio los llevó a ser referentes en su país natal, referentes en Latinoamérica y referentes entre los conocedores de la psicodelia universal. Sus discos, con pocas tiradas originales, son hoy elementos codiciados en el coleccionismo del mundo psicodélico.

Como universalmente suele pasar con los artistas pioneros, Aguaturbia tuvo un paso rápido y con solo dos discos en la escena rockera de Chile, discos con poca tirada, y siendo la banda fuertemente castigados por la crítica y medios, pero su desenfado y su estilo rockero pesado marcaron la escena y lograron ser posteriormente reivindicados como lo que realmente eran, una banda pionera y de gran influencia. La inocencia que tuvieron para ejecutar sus acciones artísticas, sus discos y su sonido es tal vez otro carácter importante en estos músicos que para entonces eran unos jóvenes muchachos que estaban comenzando sus carreras profesionales y que de pronto se encuentran con la fama y la controversia.

La banda es formada en 1968 por la pareja de Carlos Corales y Denise, el baterista Willy Cavada y Ricardo Briones en el bajo. Ya armados, comenzaron a ensayar en septiembre de 1968, dejándose llevar por la influencia de los sonidos más psicodélicos como de bandas como The Jimi Hendrix Experience y Jefferson Airplane, aunque también en sus orígenes y gustos había música de soul y blues el estilo de canto de Denise se inspiraba en Janis Joplin, Aretha Franklin y Billie Holiday.

En 1970 aparecerían sus dos primeros y únicos discos publicados en la época, comenzando con el homónimo ‘’Aguaturbia’’, un hito del rock psicodélico chileno, que causó revuelo y marco el puntapié para nuevos sonidos. Este primer disco está compuesto por varias reinterpretaciones de temas de rock extrajero y con algunos otros tracks creados por la banda con lo que también causarían revuelo, como la pieza ‘’Erotica’’.

Ya para su segundo lanzamiento aparecería ese mismo año su ‘’Volumen 2’’, otra pieza de rock muy acertada, un rock actualizado, con carácter propio, una guitarra eléctrica especializada que sabe muy bien lo que está ejecutando, y una voz femenina que marca tendencia y da un toque especial al rock de la banda.

Este disco contó con una nueva polémica que fue la portada insignia del mismo, con los rostros de los músicos y de fondo pudiéndose apreciar a la cantante del grupo, Denise, crucificada, imagen inspirada en la obra ‘’Cristo de San Juan de la Cruz’’ de Salvador Dalí.

El disco posee varios rock pesados al estilo de manufactura de la banda, mucha dinámica y poder, mucha vena rockera, y una frescura en la composición que hace de los temas un pasaje muy agradable y divertido. Los temas de esta banda no son de molde y tiene una personalidad propia, seguramente esa frescura es la que hizo que llamaran la atención en su momento y la sigan llamando. La pieza llamada simplemente ''Evol'', es un track de casi nueve minutos, un atascos pesado, duro y puramente rockero psicodelico, una autentica delicia con toques experimentales y un aire proto progresivo.

Una fusión de blues y rock pesado, tal vez heavy psyh, con mucho de atascos y un dinamismo que los hace volar en cada ejecución. ‘’Volumen II’’ fue grabado originalmente en estudios RCA y producido por Camilo Fernández. Este, tanto como el primero de la banda, son clásicos indiscutibles del rock chileno.

Cod: #1800

La Kábala - La Kábala (1972)

Existe muy poca información oficial acerca de los orígenes del grupo, y lo poco que hay son solo suposiciones y teorías desparramadas por fanáticos en el internet, donde se suele decir que se trata de un grupo peruano ya que varias de las tiradas del disco que publicó la banda fueron hechas justamente en Perú, o también se suele decir que se trata de un grupo con base en México, pero con músicos de varias nacionalidades, o en su defecto también que puede tratar de un disco grabado en los Estados Unidos.

Lo poco que ha quedado de toda esta historia, y seguramente lo más interesante, es este disco homónimo llamado ‘’La Kábala’’, de 1972, un trabajo por demás desconocido, ubicado entre las rarezas y con misterios ocultos en su historia que pocos conocerán. Es una obra que está a la altura de lo que se puede esperar de la música ‘’rock’’ latina de época, con sesiones, aplicaciones libres, pero siempre dentro de la canción y los ritmos latinos.

Musicalmente es una obra interesante, un trabajo a la altura de su condición de desconocido y under, o sea una fusión de ritmos latinos, elementos de rock, algo de jazz, latin funk, y la psicodelia que eventualmente va apareciendo como un condimento más entre las sesiones, como agregados sonoros, órganos ácidos o pasajes oscuros.

En general es una obra amplia en su concepción musical, siempre dentro de estilos latinos, pero fluctuando entre sus distintas vertientes en estilos de la época, por lo que hay varios motivos sonoros para escuchar en la lista de temas. En su mayoría se vuelcan hacia ritmos con percusiones y letras simpáticas, ritmos latinos tipo salsa, pero fusionados dentro del estilo del disco.

Los más psicodélico del disco tal vez pueda encontrarse en la ambientación de la música de acuerdo a la época, teclados cavernosos, funk, o ritmos, fusiónes y canciones con aires de sesión improvisada, además de la inclusión de varios instrumentos que terminan de confabularse hacia ese aire de ejecuciones libres tipo sesión, sin necesariamente tratarse nunca de zapadas libres.

Hay algunos momentos misteriosos en el disco, donde tal vez traten de retratar el concepto de la kabala, aunque las letras cantadas en español no denotan ningún mayor misterio. Hay en esto también una dosis de ‘’exotica’’ dando vueltas por entre la mezcla, con esa dosis erótica que aplica la voz femenina encargada de la voz principal.

Motivos no faltan para generar ese misterio acerca del origen del disco y sus músicos, el disco contiene referencias diversas que remontan a varias representaciones regionales, desde temas como ‘’Miami Beach’’, ‘’Lindo Panamá’’ o ‘’Rio de Janeiro en Carnaval’’, pero finalmente la preponderancia de ritmos centroamericanos dan una cuenta sugerente acerca de donde podría provenir este proyecto.

En su época, en 1972, el disco fue editado en Perú, México, Panamá, Ecuador y El Salvador, y hay una reedición no oficial contemporánea, todos seguramente totalmente complejos de conseguir. 

El disco es una rareza, difícil de conseguir, pero entretenido para escuchar, con una historia oculta y un misterio de su origen. El trabajo es interesante, con acercamiento a la psicodelia y especialmente dedicado a sonidos centroamericanos.

Cod: #1799

Laghonia - Etcetera (1971)

Laghonia es otra de las tantas bandas que ha dado el rock peruano de época, una escena muy fructífera en cuanto a bandas y discos, país que tiene mucho por aportar a la noción que es posible formarse sobre el rock latinoamericano y psicodelia de aquel momento. Por aquellos años en Perú surgieron una serie de bandas clásicas en la escena local y todas referentes ineludibles de los fenómenos rockeros latinoamericanos, aun con cierto estigma underground, poco conocidas y/o valoradas, con sonido de culto por lo tanto estigmatizadas por el oyente promedio, malconsideradas como ‘’rarezas’’, ignoradas por las grandes masas, y tal vez también con escena locales no tan fervientes en cuanto al rock, por lo que no pudieron prosperar de manera tan determinante como otros artistas rockeros en otros países latinoamericanos.

De todas formas, hubo entre estas bandas muchos lanzamientos muy significativos, discos que tenían mucho para decir, trasmitir, y por supuesto para sonar. El espíritu joven de la época, el espíritu underground, compartido por los muchos artistas emergentes que se negaban a estilos tipo ‘’la joven guardia’’ o estilos muy comerciales, esos jóvenes rupturistas fueron los encargados en plasmar en Latinoamérica los primeros grandes álbumes de culto regionales de rock y psicodelia. Siempre con el estigma ambivalente de la creatividad sin concesiones y armados con una astucia que hacía que aprovecharan de la mejor manera los recursos de sonido que tuvieran a su alcance, creando muchas obras que vale la pena seguir reviviendo y teniendo siempre presente, especialmente en Perú, cuna de muchos hitos de rock.

Laghonia surge hacia 1965 bajo el nombre de New Juggler Sound, grupo fundado por los hermanos Saúl y Manuel Cornejo, pero que pronto cambiaría su nombre al de Laghonia, incluyendo un órgano hammond en su formación. Tras el lanzamiento de algunos simples por parte del grupo cuando aún funcionaban como New Juggler Sound, publican su debut discográfico formal en 1968 ya como Laghonia y bajo el sello discográfico ‘’MAG’’.

El grupo supo publicar tan solo dos discos, el primero de ellos de 1970, ‘’Glue’’, un disco más rockero y psicodélico con referencia al rock psicodélico universal y con uno de los primeros sonidos del Hammond B2 en su haber como banda en la zona. En su primer lanzamiento todavía estarían en sonidos de rock psicodélico más estrictos, pero hacia la segunda obra el grupo comenzaría a mutar sus visiones.

El segundo álbum de Laghonia, el llamado ‘’Etcétera’’, originalmente editado en 1971, pareciera continuar a senda creativa de la banda, y es verdad que en esta segunda entrega el grupo se vuelca hacia una búsqueda más amplia en cuanto a las composiciones, con algunos tracks que parecieran tener un aire progresivo y composiciones con bastante personalidad. El grupo presenta este trabajo ya con otras miras, sin tanto un rock pesado, blusero y con riffs, sino adentrándose en este caso hacia la canción y hacia el mundo del rock progresivo, por lo que hay algunos experimentos de rock interesantes en la lista de temas que ofrece desarrollos ricos para apreciar, como tracks como ‘’Mary Ann’’ o ‘’I'm A Niger’’.

Pese a continuar por las ondas psicodélicas, ya lo sonidos presentados cuentan con una dosis de madurez y visión, ya alejada de la ebullición rupturista de la juventud y con un planteamiento no tan duro, pero sí más elabora, centrado, con miras hacia la búsqueda y la experimentación en composición. 

Buena parte del disco es ya con aires de canción melódica, las pistas ‘’Someday’’ o ‘’Everybody On Monday’’ dan prueba de ello, y entre tanto, en algunos temas las progresiones y arreglos surgen no abruptas, sino cono agregados adicionales, muchas veces hacia los finales de los temas, sumándose a esta noción melodiosa de la canción popular, una interesante mirada que unifica sutilmente dos mundos en una misma cosa y que con ello se crea un disco muy entretenido. No es un disco de rock progresivo cerrado, sino que se maneja por el rock y más que nada la canción, a partir de allí, los distintos arreglos que proponen brotan como un aire fresco que da al disco una sensación interesante de búsqueda y creatividad.

Mientras grababan su último álbum ‘’Etcetera’’, Eddy y Alex dejaron la banda para emprender un viaje espiritual. Así terminaron el disco Manuel, Saúl, Carlos y David, pero al poco tiempo la banda se separó. Tras el colapso del grupo, Los hermanos Cornejo y Carlos Salom formaron posteriormente We All Together. Tanto Laghonia, como We All Together, y tantas otras banda peruanas como Telegraph Avenue, Traffic Sound, Gerardo Manuel & Humo, Los Holy's, etc., forman parte de una camada histórica del rock peruano.

Cod: #1798

Grupo Pan - Pan (1970)

Esta experiencia del rock ‘’latino’’, este sonido enriquecido con vientos y percusión, tiene una gracia muy bella, un disco psicodélico a lo ‘’latino’’ en cuanto a algunas de las tantas y variadas características que la música latina puede ofrecer según el país, en este caso con percusiones y vientos traídos de la salsa, riffs pesados traídos del rock y guitarras fuzz traídos de la psicodelia juvenil contracultural de la época, todos elementos que se terminan de conjugar en una misma cosa muy entretenida, enaltecida con ritmos robustos y pegadizos, y una guitarras distorsionadas de delicia.

Sin lugar a dudas que una de las virtudes de este sonido es el ritmo, con las percusiones, la fusión de rock con el aire de salsa que termina de dejar un sonido muy rico, un rock psicodélico con mucho sabor que ciertamente no pasa desapercibido, en un disco que no tiene nada de más ni de relleno, con muchos momentos entretenidos y todo un significativo de principio a fin.

Muchas veces este disco recuerda al Santana de la época, con atascos de improvisación con percusiones y fusiones con ritmos latinos, aunque al contrario de Santana, Grupo Pan no parece codearse tanto con el fusión o el jazz, sino más bien directamente con el rock con cierta dureza, y por supuesto con la salsa que marca todas la composiciones de esta robusta fusión con ingredientes y elementos variados.

Es un disco de rock que sabe tener sus solos de guitarra, sus guitarras fuzz y buenos riffs, pero estos se fusionan a los ritmos latinos y de manera maestra, una fusión en ritmo y velocidades que fluye con facilidad pese a su sofisticación, lo que denota la calidad de los músicos ejecutantes, entre arreglos de viento y pasajes muy divertidos. Es imposible desembarazar la herencia caribeña del sonido, esta participación fundamental de ritmos de salsa en el disco dota a las composiciones no solo de un don percusio muy fuerte, sino que también da a las melodías un cause particular proveniente de los infinitos pormenores de esta influencia latina traída a este rock por estos músicos provenientes de experiencias con banda de salsa.

Hay un manejo maestro de las fusiones, y de las intensidades, con momentos rockeros pesados, con momentos de salsa pura, momentos instrumentales en atascos o solos, y momentos de fusión entre el rock y esa herencia latina. Entre tanto el disco se va desenvolviendo y con ello se despliega toda la fuerza que ese sonido latino rockero tiene para ofrecer.

El reflejo final de esta andanza es un una experiencia muy divertida, bailable, enriquecida, virtuosa, con mucho para decir, una fusión que sobresale de muchos de los discos convencionales psicodélicos de época, locales o extranjeros, que suelen contener canciones per ser, pero no es el caso del Grupo Pan que presenta toda una experiencia muy variadas de composiciones y arreglos aun dentro del espectro del rock de canción.

Se trata de un disco fundacional del rock latino y del rock venezolano, publicado en Venezuela en 1970. La banda se forma por iniciativa de Carlos “Nené” Quintero, quien contó con el apoyo de su hermano Jesús “Chu” Quintero, ambos junto al baterista Gustavo Colón forman el trio fundamental de la banda. El grupo pronto comenzó a tomar fuerza y con ello se sumaron los músicos Alfredo Padilla en percusión, David Azuaje y Carlos Guerra en trombones, Ruben ‘’Micho’’ Correa en guitarra líder, y Henry Camba en la trompeta.

Publican un único álbum en 1970, el llamado ‘’Pan’’, bajo el sello ‘’Souvenir’’ en diciembre de 1970. La banda permanece unida hasta alrededor de 1973, habiendo dado varios conciertos en festivales importantes. Luego de eso ese año comienza a disolverse, dando lugar a otros proyectos.

El disco pasa a enriquecer las ricas filas de las obras fundamentales del rock psicodélico surgido en Latinoamérica, en este caso un disco nacido con la estirpe local de Venezuela, y que, cantado en español, es otro ejemplo de las tantas obras sobresalientes de psicodelia local latina. 

Cod: #1797

Varios Artistas - Tropicália: ou Panis et Circensis (1968)

La tropicália fue otra utopía hippie indefectiblemente irrealizada o no, desarrollada en un corto lapso de tiempo, con su ebullición y su apogeo, sus rupturas y la consecuente represión aplicada hacia ellos por parte de la dictadura brasilera de turno, lo cual aceleró el concluir de esta experiencia utópica que bien supo destapar ollas y abrir puertas en la cultura de su país. La tropicália no era un movimiento, fue más que eso, fue una iridiscencia que en su poco tiempo de vida marcó el andar de la música popular de Brasil, con influencias decisivas sobre la cultura universal que parten desde la concepción de muchos jóvenes de la época que era la de romper las bases morales e institucionales imperantes para cambiarlas por visiones de mayor amplitud, lo que hace que a su vez sea un movimiento que goce de un halo de polémica, detractores, desprecio por algunos sectores más conservadores, desprecio por sectores universitarios y por parte de los sectores populares a los cuales siempre les costará acercarse a las artes desafiantes o no complacientes comercialmente.

Generalmente los artistas brasileros no temen en estar vinculados a sus raíces culturales, y no temen dejar plasmadas a estas en sus producciones musicales. Esto no fue excepción para la generación tropicalista, que tomó sus raíces y su sentimiento nacionalista para llevarlo lo más alto posible, eso sí, sin antes hacer grandes revisiones sobre lo que ocurría en la escena y cultura de su país, con la valentía de ejercer su arte en medio de dictaduras y con la responsabilidad de oponerse a fenómenos complacientes en la cultura local. Como todo rupturismo, no pudieron salirse de sus contradicciones. Lo que brotó de este fervor juvenil contracultural fue una síntesis que vinculaba cosas contradictorias, elementos de vanguardia con elementos nacionalistas, anticapitalismo con rock hippie estadounidense, etc. 

Eran un movimiento pop y aunque son conocidos por su encuentro con el sentir nacional y su arraigo con las tradiciones, a su vez no fueron a fondo al estilo de otros artistas brasileros, como Nana Vasconcelos o Egberto Gismonti, que bebieron de la fuente misma de la cultura local y sus raíces y que hicieron cosas muy profundas espiritualmente. La generación tropicalista hizo de las suyas sin abandonar muchas influencias de la cultura local pero apoyándose más que nada en el costado art pop y el hipismo, por lo que la contracultura juvenil norteamericana de la época no les resultó indiferente, es más, fue esta un detonante importante en esa generación de jóvenes brasileros que prácticamente vivió un fenómeno similar a la de muchos contemporáneos hippies, comenzando desde los lugares comunes tradicionales para romper los mismos y explorar fusiones y experimentos que replanteaban muchas nuevas bases y formulaciones.

Habiendo bebido de la psicodelia, los cultores del tropicalismo también tomaron sus fuerzas de la política, la resistencia contra las dictaduras locales, las vanguardias, los rupturismos, la poesía, la experimentación, la cultura juvenil, además del fenómeno de la antropofagia, concepto desarrollado en 1928 con el “Manifiesto Antropófago” de Oswald de Andrade, que recupera el símbolo del rito caníbal de los indios tupis que horrorizó a los europeos al llegar al Brasil. La idea de la antropofagia, como símbolo del revitalizarse a través de la adquisición de las virtudes del enemigo al devorar su cuerpo, reforzó la identidad brasilera desde una forma de ruptura de valores extranjeros, aunque a la vez ellos coquetearon con los vanguardismos rupturistas europeos como le dadaísmo o el surrealismo, manifestándose inequívocamente como otro rupturismo, pero calcado a la brasilera, sin foco en la razón sino con la vertiente del optimismo. El manifiesto antropófago recalca: “Antes de que los portugueses descubrieran el Brasil, el Brasil había descubierto la felicidad”. El tropicalismo revivió esta dosis de rebeldía local, para traerla hacia ritos más moderno, sin dejar la esencia rupturista de lado, entre política, valores comunes del país, arte, colores contraculturales y creaciones sin formalidad. Esta suma de poderes sin saberlo, esta búsqueda de sacar lo estático para traer lo vivo a la realidad, hizo foco en la sociedad brasileña y su vivir en comunidad, reviviendo valores comunes locales y acercándolos a las expresiones de ruptura en las artes.

El tropicalismo no solo tuvo su efervescencia cultural en la música, sino que se manifestó en sus varias formas, como en el cine, la arquitectura, el teatro, el diseño, el arte plástico, y es que de hecho fue una muestra del artista Hélio Oiticica, que consistía en un jardín con pájaros y plantas vivos, denominada como ‘’Tropicalia’’ y expuesta en 1967, la que inspiró al movimiento liderado por los jóvenes músicos Caetano Veloso y Gilberto Gil para crear su ‘’tropicalismo’’. Ya había ejemplos y destellos de este tropicalismo que venia brotando de a poco y que no necesariamente estaba ligado a las producciones musicales, esta rebeldía espiritual que se enfocaba en la ruptura del espacio, el tiempo y el abrazar a expresiones artísticas desafiantes, con exposiciones y cine muy ligado a los vanguardismos tipo fluxus o experimentos en el espacio que desafiaban el concepto de ’’arte’’ y de ‘’comercio’’ para proponer así nuevas formas de concebir el arte y la percepción misma del entorno.

Y fue en el ámbito musical, que los representantes de este movimiento juvenil vieron en esta emergente tropicália una oportunidad para reinventarse, viendo una revolución en camino que no dudaron en tomar y estimular, tal vez no de forma tan artísticamente radicaliza como el fluxus y las vanguardias académicas, pero sí con un espiritu rupturista que sí de todas formas causó alborotos y recibió criticas hasta de los intelectuales, basandose en la contracultura y el rock y manifestándose en el ámbito de la canción popular de vanguardia. Estos cultores de la tropicália musical fueron los artistas que iniciaron el movimiento tropicalista en sí, radicalizándolo al mismo, comenzado entre 1967 y 1968, y terminado en 1969 luego de la represión militar y el encarcelamiento con posterior exilio de Caetano Veloso y Gilberto Gil.

Entre estos cultores del espíritu reinventor de todo lo que ocurría en la escena joven brasilera estaban Caetano Veloso, Gilberto Gil y Gal Costa quienes seguramente sean los más famosos de entre ellos, pero también participaron otros personajes importantes, como Nara Leâo, la banda Os Mutantes y el vanguardista Tom Zé, los letristas Torquato Neto y Capinam, y el arreglador Rogério Duprat. De entre tantos artistas sin duda salieron muchos discos solistas de producción colaborativa y apoyo mutuo entre los artistas del movimiento, pero sin dudas en gran disco que brotó de esta experiencia, y que terminaría siendo el manifiesto musical del grupo, sería el mítico ‘’Tropicalia: Ou Panis Et Circencis’’ de 1968.

El trabajo es un hito en la cultura de Latinoamérica, una manifestación que reunía a un grupo de referentes en la cultura local de un país y los ubicaba en una senda que los llevó a personificar con este mismo trabajo al movimiento entero del tropicalismo, como un manifiesto sonoro que refleja el pensamiento innovador de un grupo de jóvenes músicos que traían, como todo joven revolucionario, una serie de innovaciónes a su ámbito, en este caso al ámbito artístico y especialmente en la música joven no convencional. La intención de los tropicalistas era escandalizar y protestar contra el comportamiento complaciente de la música brasileña popular, y para ello comenzaron a expresarse de la misma manera que lo hacían los jóvenes de la contracultura hippie, desde el exceso, la ropa colorida, el pelo largo y una clara influencia del pop art.

Musicalmente es un disco innovador, un choque refrescante para música joven brasilera que tenía como referencia a shows como ‘’La Joven Guardia’’, y un elemento polémico que chocó con todo lo que pudo mientras pudo. El ámbito en el que se maneja el disco es un lugar muy amplio, de canción popular, arreglos corales y de orquesta, bellas canciones hermosamente cantadas y con algunos arreglos sonoros experimentales. Aparecen temas de autoría e interpretación variados y repartidos entre los artistas del grupo, temas de corte popular y fusiones varias entre estilos locales. 

Si se busca en este disco un trabajo de estricta psicodelia, tal vez este puede ‘’decepcionar’’ en ese aspecto, debido a que aquí hay texturas y búsquedas esmeradas que apuntan hacia la visión colectiva del grupo tropicalista y no únicamente hacia la línea estricta del rock, aunque este último fuera una influencia decisiva para ellos. Sin lugar a dudas que trabajos como el ‘’Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’’ de The Beatles serían de influencia importante para este disco fundacional tropicalista, lo que hace que la psicodelia esté presente de todas formas, además de que muchos referentes de la psicodelia universal brasilera de la época participarían en este trabajo del movimiento. Aun así se podría decir que las texturas del trabajo son muchas veces no tan rockeras, más bien con influencias de la música popular brasilera, bossa nova, el fado, con orquestaciones y búsquedas sonoras varias que se salen del rock y la propia psicodelia.

Todos los grandes discos vanguardistas de época que se codearon con la corriente pop de la canción y que a su vez innovaron desde muchos aspectos como orquestación, experimentación, psicodélica, etc., fueron olvidados en su época, poco valorados, muchas veces pasados por alto, subestimados, y vapuleados por la crítica, pero luego, con los años, supieron recobrar un lugar importante en la historia, o por lo menos se supo reconocer el valor histórico de este tipo de registros. Muchas veces las vanguardias son pasadas por alto, pero al final del día sin estas innovaciones no se podría haber entendido los fenómenos que a partir de ellos brotaron o las influencias que estos experimentos brindaron a las generaciones futuras de la música popular. Ese don ambiguo que posee el vanguardismo es como una luz oscura, un páramo de oscuridad brillante, algo que le cuesta mucho al público que generalmente busca algo masticable y rápidamente desechable. Las vanguardias en la música popular son algo subestimado inmediatamente por su carácter artístico profundo, cosa que ocurrió con gran mayoría del arte innovador de aquella época, una época en la que el vanguardismo, las luchas y las innovaciones se confabularon en una misma cosa, un mismo fenómeno. Ese don contradictorio es uno de los grandes valores rupturistas de las vanguardias o por lo menos de los discos rupturistas de la canción popular, generalmente provenientes de los finales años de la década de 1960 y los primeros años de la década siguiente.

Toda esta experiencia tropicalista, plagada de humor ácido y polémicas, protestas, rebeldías, innovaciones, desafíos, desenfreno, manifestaciones, mensajes codificados en letras adrede irrisorias, choques, debates, manifiestos, etc., quedó una experiencia altamente rebelde que por consecuencia no tardaría en llamar la atención, esta experiencia pronto seria reprimida por la dictadura militar brasilera del momento. Ya para 1969 Caetano Veloso y Gilberto Gil se encontraban en el exilio en Europa, y el movimiento relegado a un plano sin sus lideres cultores. Aunque por aquellos años seguirían apareciendo algunos otros grandes discos importantes para el tropicalismo, provenientes de los artistas del grupo en solitario, tal vez el mejor legado dejado por esta experiencia fue el abrir caminos en la escena local, mostrar a la juventud que se podía (y se debía) ser rebelde sin perder la creatividad y la notoriedad. La experiencia no continuó mucho tiempo más pero este fugaz fulgor espiritual impregnó la escena local del rock y la música fusión y dejó una fuerte influencia que de alguna manera u otra continuarían otros artistas con publicaciones discográficas también destacadas e innovadoras.

Cod: #1796

Barney Wilen And His Amaizing Free Rock Band - Dear Prof. Leary (1968)

Este es un jazz actualizado según las modas del momento, por lo que estos músicos que venían del jazz tradicional llegaron a pasar por dentro de la psicodelia para poder reinventarse, actualizarse, recodificarse de forma nueva en su acercamiento al rock y hasta la lisérgica, agregando aditivos como el delirio, el free jazz y las buenas sesiones improvisadas para enriquecer su producción. Incluso llegaron a reinterpreta algunos temas conocidos del momento y recayeron en algunos tópicos comunes, además de hacer guiños a la contracultura, como con el track ‘’Dear Prof. Leary’’, en el que el delirio se hace presente.

Esta banda se llamaba ‘’Barney Wilen And His Amaizing Free Rock Band’’, con ese concepto de ‘’rock libre’’ como premisa desde el que comenzaba su aventura hacia las tierras de la libertad en el rock, libertad que les daba tanta su formación en jazz como su aventura las por tierras desconocidas de la lisérgica y la exploración musical sin ataduras, por lo que todo esto trata de experimentos instrumentales libres plagados de delirio, búsquedas sonora, muchos solos y atascos instrumentales psicodélicos, en lo que era también un momento de jazz rock temprano por la junta de músicos de jazz elaborando estos sonidos en rock de epoca.

El nombre del disco, ‘’Dear Prof. Leary’’, es también una declaración de intereses, un guiño a la contracultura que hacia 1968 estaba aún álgida, guiño hecho talvez a manera de una búsqueda social o tal vez a manera de una obsecuencia, que no sería del todo comercial ya que esto no es un simple refrito de estándares pop rock, esto es un auténtico experimento instrumental.

En todo esto hay una búsqueda de explorar y experimentar, todas siendo piezas instrumentales que reflejan la virtud de los músicos capaces de manejarse con soltura por lugares varios y sin despeinarse, piezas que en su mayoría terminan volcándose hacia atascos instrumentales, las que a su vez terminan muchas veces volcándose además en el delirio instrumental tipo free jazz pero con el aditivo del rock (¿free rock? ¿free jazz rock?).

Todo el disco es una exploración, un experimento psicodélico de jazz y lisérgica delirante, por parte de unos músicos de jazz que vivían su época y la reconocían, y terminaban acercándose a ella por decantación y creatividad. Hay momentos incluso de vanguardia, de mucha experimentación, de mucha exploración, en tracks como ‘’Loneley Woman’’ en los que hay vanguardia que roza con el free jazz y los vanguardismos.

El disco sabe hacer un guiño a la cultura más pop de la época, algunas piezas del disco son reinterpretaciones de estándares pop de la época, como ‘’Respect’’ de Aretha Franklin, ‘’You Keep Me Hangin' On’’ de The Supremes, ‘’The Fool On The Hill’’ de The Beatles.

Este tipo de incursiones en el rock de la época ejecutada por músicos provenientes del jazz siempre deja experimentos interesantes por escuchar, y un fenómeno particular de estos experimentos es que los músicos de jazz de época supieron ver con muy buenos ojos a la psicodelia, por lo que muchas veces terminaban creando experimentos lisérgicos muy entretenidos y bien entendidos en la materia. Hay varios ejemplos de eso, generalmente de músicos de jazz que comenzaron su carrera en la época de la contracultura de finales de los 60s y que comenzaron sus carreras discográficas con experimentos lisérgicos bastante experimentales, sumado a esto el aditivo del costado jazzero que sabían aportarle a esto, lo que terminaba de cuajar el sonido entre las vanguardias del momento.

Algunos ejemplos de ese fenómeno ocurrió con músicos como John McLaughlin y su ‘’Devotion’’ de 1970, Larry Coryell y su ‘’Lady Coryell’’ de 1969, Pat Martino y su ‘’Baiyina’’ de 1968, Mike Mainieri y su ‘’Journey Thru An Electric Tube’’ de 1969, los primeros discos de The Tony Williams Lifetime, entre tantos otros ejemplos.

Cod: #1795

Phil Yost - Bent City (1967)

Esta es una música de jazz que por su extravagancia entra en ese mundillo de lo improbable y el vanguardismo, un estilo muchas veces dejado de lado por muchos e incluso excluido por varios jazzeros. El disco explora muchos momentos no convencionales de la música de jazz, siempre con ecos, reverberaciones y efectos, para a partir de allí volcarse hacia terrenos deseados por el artista.

El delirio no se deja esperar y aparece al comienzo mismo para no abandonar nunca más al oyente, con instrumentos de viento especialmente en flautas, además de saxo, bajo,  guitarra eléctrica, maracas y pandereta, siendo todos los instrumentos interpretados por el Sr. Yost. Este lanzamiento oscuro explora las posibilidades que la vanguardia personalista puede ofrecer, ubicándonos en plena era hippie por lo que la experimentación estaba en el aire, el sonido no podía evitarse a si mismo y a su creador, que sin limitaciones ni temores nos presenta extra exploración, esta búsqueda, esta ida hacia mundos oscuros de jazz.

Aquí hay una búsqueda puramente artística, con monólogos en flauta, interpretaciones en saxo, momento con participación de bajo o guitarra eléctrica, que no pierden el dejo delirante, y entre tanto las búsquedas sonoras se suceden en el tiempo. Hay delirio, experimentación, vanguardismo tal vez.  ‘’Vision At 1000 Centigrade’’ es una de las piezas del disco, de once minutos, siendo un extensa exploración sonora que circunda por varios lugares entre bajo, guitarra, saxo y efectos agregados que dan el color final a un delirio inevitable.

La instrumentación suele ser ‘’sencilla’’ en cuanto a cantidad de instrumentos, con una flauta mayormente como líder y protagonista, por momentos sola en el aire y con el agregado de algún eco que aparece como para dotar ese condimento que suma a la mágica de la interpretación y la propuesta. Ese efecto suele hacer que la gente piense en este disco como en un disco de ‘’jazz psicodélico’’. Tal vez sea un prejuicio común con el que se piense que cualquier cosa ‘’delirante’’ sea psicodélica. 

El mundo psicodélico rodeaba al autor a la hora de crear este lanzamiento, el mismo Phil Yost era de la zona de la bahía de San Francisco, por lo que la teoría de que se trata de jazz psicodelico podría tener cierto asidero, teniendo en cuenta que el hipismo y su psicodelia hicieron mucha historia por esa zona de los Estados Unidos.

Por otro lado hay bases que suelen aparecer por allí en bajo, y momentos más cercanos a un jazz algo más entendible por una vision convencional. Entre tanto también el free jazz siempre suele ser una insinuación en el intento de comprensión de este tipo de jazz delirantes, por lo que podría ser otro elemento presente en la vision del autor.

El disco cuenta con poca fama o interés popular y, sumado a la muy poca información que hay dando vueltas sobre el artista, la faceta biográfica del artista y su obra se vuelve algo difícil de apreciar y el disco una rara gema que brilla con luz propia. El trabajo fue concebido únicamente por la propia visión del artista y hace gala de un delirio que nació en su totalidad bajo el delirio del mismo autor.

El disco fue publicado bajo el sello discográfico Takoma, un sello cofundado por John Fahey y que cobijaba otros artististas como el blusero Bukka White, y otros delirantes como Charlie Nothing, Bernie Krause (de Beaver & Krause) o Robbie Basho, etre otros, por lo que se trataba de un sello ideal para este tipo de delirios y visiones por parte de Phil Yost.

Phil Yost era un músico bastante desconocido. Lanzó tres discos, ‘’Bent City’’ en 1967 y ‘’Fog-Hat Ramble’’ en 1968, ambos en Takoma Records, además de ‘’Touchwood's Dream’’ de 1970 ya publicado bajo el sello North Star, para luego desaparecer totalmente de la escena de la zona y de cualquier escena.

Cod: #1794

El Trio (Lapouble, Lew, Cevasco) - Todo En Su Medida Y Armoniosamente (1974)

Este post está dedicado a la memoria de Adalberto Cevasco, quien partió el pasado lunes 3 de marzo. Maestro, vuela hacia el centro del corazón del mar, tu música siempre alumbrará toda penumbra.

La evolución del jazz en Argentina alcanzó niveles superlativos en la década de los 70. No obstante, se conoce poco sobre el desarrollo del jazz fusión; se habla poco del talento y valentía de muchos músicos de jazz que buscaban, casi simultáneamente al ámbito rockero, nuevos lenguajes y formas de transmitir su música. Con esto quiero decir que, mientras bandas como Aquelarre o Invisible gestaban álbumes como Brumas y el debut homónimo de Invisible, en el ámbito jazzero más vanguardista también se encontraban creando y explorando con la misma intensidad e ímpetu que cualquier joven de la época.

Carlos Alberto Lapouble, más conocido como Pocho Lapouble, uno de los bateristas más talentosos del jazz latinoamericano, tenía aproximadamente 31 años en 1973. Mientras que Adalberto Cevasco, eximio bajista y pianista, tenía 27 años; tan solo un año mayor que Ricardo Lew, grandioso guitarrista y respetado músico de sesión. Pero, El Trío tenía un cuarto miembro tras las sombras, y era Víctor Díaz Vélez, otro talentoso pianista que, según las notas de la contratapa del LP, aportó a la banda muchos acordes de su vasta colección. Y como si fuera poco, una jovencísima Patricia Clark aportó su hermosa voz en dos canciones del álbum.

Poca información existe sobre cómo El Trío se conformó; lo más probable es que haya sido una unión natural entre tres músicos talentosos, ya que varios músicos de jazz se dedicaban simultáneamente a trabajar como músicos de sesión, y se podría decir que no eran pocas las ocasiones en que podían juntarse y jamear libremente. En ese sentido, también asoma la figura monolítica de Jorge López Ruiz, quizás el más prominente músico de jazz de vanguardia de Latinoamérica, quien fue uno de los encargados de la producción del presente álbum, junto a Pocho Lapouble. Está claro que, bajo la supervisión de un genio como Jorge López Ruiz, nada podía salir mal; y, de hecho, nada salió mal en este álbum.

Ciertamente, el jazz nunca será un género ni por asomo masivo; mucho menos lo son estas derivaciones experimentales del jazz. Por lo tanto, se puede afirmar que el jazz argentino suele ser subestimado incluso por muchos asiduos del rock vanguardista local. Pero la intención al experimentar con instrumentos eléctricos, creo yo, fue toda una declaración de intenciones. Estos tres prodigios, como Lapouble, Lew y Cevasco, no solo pretendían traspasar fronteras generacionales demostrando que el jazz no se quedaba atrás en la búsqueda de nuevos lenguajes musicales, sino que, a su vez, se atrevían a difuminar las barreras entre uno y otro género, lo cual es ciertamente peligroso para quienes son acérrimos puristas, pero extremadamente excitante para quienes adoramos las propuestas arriesgadas y sin arraigos en el temor a quedar desclasificado.

En otras palabras, todo género musical tiene una raíz, un tallo y unos frutos bien consolidados, lo cual es cierto, y eso se respeta, pero no te hace destructor de algo el hecho de aventurarte al menos una vez en tu vida en una grabación tan aventurera y vanguardista como la realizada en este álbum, ¿cierto? Era inevitable contener la hiperactividad musical de estos tres genios, y era, por lo tanto, consecuente que una obra así quedara grabada para la posteridad como un testimonio único de una confluencia mágica, que es, a su vez, el reflejo auténtico de una época convulsa y difícil, aspectos que, en lugar de someter la creciente creatividad artística, propiciaron que esta se manifieste aún con mayor fuerza: la vitalidad ingeniosa que buscó cómo salir hacia la luz en medio de las tantas grietas que se acontecían en el día a día de la Argentina de 1973.

Por otra parte, se ha dicho que este álbum fusiona jazz modal, big band, post-bop y folklore local argentino; claramente este hecho hace que no sea un álbum accesible a la primera escucha. Poder sumergirte en una propuesta así requiere mucha paciencia, dedicación y cariño por el trabajo de estos tres músicos. Pero una vez logras encontrar esa medida y armonía de la que te habla el título del LP, entonces, escuchar cada canción se convierte en una travesía atípica hacia la libertad.

En medio de toda la epopeya experimental en la que se sumergió el jazz argentino, el álbum Todo En Su Medida y Armoniosamente es indudablemente uno de sus pilares (y hay muchos más) que, ciertamente, nunca alcanzarán la popularidad ni siquiera en los círculos jazzeros, pero está claro que no fue una obra concebida para ser popular, sino, quizás, y aquí entramos en la plena especulación poética, para trazar lazos con las comisuras más extrañas del alma. Un álbum que, si es escuchado con receptividad, será un perfecto himno para aquellas personas hábidas de creatividad y espiritualidad.

Cod: #1793

Renaissance - Renaissance (1969)

Hacia 1969, más allá de los clásicos del género, en el rock inglés ya había más gente planteándose crear nuevos sonidos y experimentar con las fusiones, de ello nacería el rock progresivo y su interminable ramificación hacia un sinfín de estilos, motivos, ramas y sub géneros. Keith Relf y Jim McCarty, ex Yarbids, hacia enero de ese mismo 1969, decidieron unir fuerzas para colaborar junto en un nuevo proyecto prometiéndose experimentar para buscar así un sonido que nacieron de la combinación del rock y la influencia de la música clásica.

Esta nueva etapa del rock se diferenciaba de la psicodelia, con sonidos más virtuosos en ejecuciones  y visiones liricas más profundas y existencialistas, no es que la psicodelia no haya sido existencialista, de hecho lo fue, pero ahora todo el hedonismo revolucionario se había transmutado en visiones filosóficas y poéticas más refinadas si se quiere. Aunque la psicodelia fue fundamental para el desarrollo del rock progresivo. 

Hacia finales de 1969 aparecería el primer disco de Renaissance, el homónimo ‘’Renaissance’’, presentando un primer track cuyo estilo compositivo se remonta a la influencia de la psicodelia y sus típicas jam sessions en vivo, llegando a tomar canciones pop para estirarlas hasta versiones de diez minutos o más, enriqueciéndolas con zapadas e interludios experimentales. 

‘’Kings And Queens’’ es dicho primer track del disco y consiste básicamente en un estándar del prog rock de la época, una canción con sus estrofas y estribillos pero estirada para convertirse en una pieza de casi once minutos, entre introducción, estribillos, interludios, y motivos finales,  ideas inspiradas de las intervenciones proto progresivas ocurridas en la era hippie.

El resto de este disco continúa por la senda progresiva, y el elemento sinfónico no se deja esperar, especialmente por ser un virtuoso pianista el encargado de ejecutar las composiciones, ya sin distorsiones rockeras, dirigiéndose hacia un sonido pensado de manera similar a composiciones clásicas, estilo cuya influencia pesa claramente en las miras de las composiciones del disco. El piano virtuoso encabeza el sonido de mucho de lo que pasa aquí, muchas veces emulando o ejecutando fragmentos de piezas clásicas universales a modo de guiño a esa influencia.

Entre ‘’Innocence’’, ‘’Island’’ y ‘’Wanderer’’ el disco continúa por la senda prometida por el grupo, las experimentaciones en progresiones continúan, canciones alteradas con inventos progresivos muy interesantes que recuerdan a pilares futuros del prog inglés, apareciendo aquí también la voz de una cantante femenina dando un toque especial al asunto en algunas piezas.

‘’Bullet’’ es la pieza encargada de cerrar el LP, otra composición primigenia y prototípica de un prog ya bastante consumado en sí y devenido en momentos muy complejos, pero aun con la premisa de ser un sonido en vías de experimentación. 

Este pieza comienza con un atasco bastante rockero con piano, voces y hasta sabores bluseros, un sonido poderoso que sigue demostrando los orígenes de todo esto, para continuar con el mismo elemento proto progresivo de la primer pieza, un interludio con elementos compositivos experimentales disueltos en el vacío, como arreglos y aplicaciones instrumentales varias hasta y coqueteos con lo vanguardista por algunos momentos sonoros extraños que aparecen hacia el final de la pieza. Aunque la banda no provenía del vanguardismo no resulta extraña esta intervención debido a que todo era parte de la misma cosa, del mismo caldo de cultivo allá por esos años de creacionismo absoluto.

El disco ‘’Renaissance’’ es un disco entretenido en el que las progresiones no se dejan esperar, progresiones que ya habían comenzado a despegarse lo suficiente de lo meramente orgánico y azaroso, con una imaginería por detrás que sustentaba cada composiciones con visiones de adelanto. 

La banda hace gala de la experimentación y ostentan una búsqueda sonora que se refleja en la composición, la búsqueda del sonido, el acercamiento a lo clásico que se acrecienta con un piano como ejecutor principal, entre otras experimentaciones y visiones ya nombradas. El disco es una piedra angulas de la musica progresiva británica de por aquellos años que se encontraba en momento prototípicos pero que ya para 1969 era una realidad con un sinfín de lanzamientos discográficos que anunciaban el pronto surgimiento de algo grande.

Cod: #1792

Decibel - El Poeta Del Ruido (1980)

El rock vanguardista es testimonio de una era, un peldaño que forma parte de los fenómenos evolutivos fundamentales de la música del siglo XX. Hacia principios de la década del 70, las vanguardias seguían floreciendo y continuaban coqueteando con la música popular, coqueteo que nunca jamás terminaría, posterior al advenimiento de la psicodelia a la escena mundial. La profundización de la experimentación en el rock fue un paso coherente de la evolución de la música vanguardista, experimentación que no llevaba de por sí un sello prefijado sino que podía llegar a ser muchas cosas, desde una compleja suite, hasta el vanguardismo sonoro, la electrónica y el ruido.

Todo este vanguardismo sentó las bases de lo que ocurriría luego en la historia, siendo primero la psicodelia y luego el rock progresivo los dos momentos primarios en los que las vanguardias se acercaron al rock y por lo tanto la música popular, por ende el comienzo del rock vanguardista fue también el puntapié para todo lo que ocurriría luego en la experimentación tanto en el rock como el los tantos sub géneros y estilos populares aledaños. Este puntapié se configuró como tal debido no solo a su precursoriedad en el tiempo sino también a lo profundo de dicho encuentro y a los tantos experimentos resultantes que quedaron y dan prueba de este fenómeno, siendo también a la vez uno de los puntos clave de la evolución de la música popular, en el siglo XX.

Los poetas del ruido en México han hecho un gran trecho en estos terrenos y su producción artística suele ser recordada por muchos en el campo del rock progresivo y las vanguardias. Decibel comenzó como un trío de rock progresivo hacia finales de 1973, fundado por Walter Schmidt en bajo, Carlos Robledo en teclados y Moisés Romero en batería. Poco a poco el grupo fue creciendo y sumando por tanto mayores miras con diversidad de instrumentaciones y formaciones, aunque para su primer lanzamiento discográfico, ‘’El Poeta Del Ruido’’, de 1980, la banda ya se encontraba casi disuelta, cuyos miembros pasarías a formar otras bandas que redefinieron el género en México.

‘’El Poeta Del Ruido’’ es un trabajo grabado en 1979, una producción mítica por su creatividad, encuentro de elementos, profundidad de las composiciones, entre tantas cosas más que lo convierten en un lanzamiento pilar y muy influyente en el rock mexicano. El trabajo comienza con una enorme suite conceptual de clara influencia de rock progresivo y el Rock in Opposition, debido a su temerosa complejidad estructural que la vuelve en una pieza de obsesiones y experimentaciones. Esta composiciones denominada ‘’El Poeta Del Ruido’’ pareciera otorgar el alma al disco y fundamentarse como una apertura progresiva como pocas, un portal que da inicio a la locura, desatando un vendaval de progresiones absolutas.

Pero la proyección de este trabajo no se queda en las progresiones en rock, sino que inmediatamente después el trabajo se mete de lleno en experimentaciones electrónicas y de música concreta, elementos que no siempre son sencillos para escuchar pero que son tratados con el delirio requerido para que de ello resulte una experiencia de innovación agradable. Buena parte del disco es dedicada a este mundillo de lo concreto y electrónica, por lo que esto parece ser una parte también vital de la música del grupo y sus visiones.

Por otro lado, en el track ‘’Manati’’ el grupo pareciera meterse en el mundo metafísico o chamanico (o como se diga) de las culturas antiguas locales mexicanas, brotando de la tierra sonora un mundo de brujería y canto, ritual, sobresalto, misterio y misticismo, o por lo menos eso pareciera emularse con los elementos que se tenía a mano en el rock y con toda la diversidad instrumental anexa que manejaba el grupo. Ello combinado con la parte electrónica del grupo da cuerpo a una fusión muy enriquecedora y muy propia del grupo.

Cuando se destaca que no había una notación prefijada para las bandas que se inmiscuían hacia esos sinuosos terrenos de las vanguardias en el rock, se puede resaltar esto mismo en un hecho particular que es el demarcado por las bandas que tomaban elementos de sus culturas locales para reflejarlos en sus músicas, de ello revivían elementos que, aunque siempre antiquísimos y en suerte hasta milenarios, siempre mantenían una distinción con los sonidos extranjeros, sea cual fuere su origen. Eso sí, la consumación de este florecimiento de elementos autóctonos en el rock de las bandas locales se daba exclusivamente en bandas cuya visión no estuviera marcada por ningún prejuicio y ambición comercial, y por lo tanto que pudiera cobijar a los elementos nativos como un elemento más de los tantos a disposición en el rock.

Estos experimentos no siempre fueron tomados de buena manera en su época, por lo que la creatividad de este tipo de bandas dependía de su valentía y su creatividad para afrontar el devenir de los sucesos corrientes de la vida y aun así mantenerse en una senda artística casi marginal. Estas valentías son pocas veces reconocidas por el corriente del componente social pero el tiempo siempre termina dando la razón, y los trabajos vanguardistas que terminan resultando de estas experiencias, en su mayoría terminan siendo tildados como obras de culto, precursoras, innovadoras, etc.

Cod: #1791

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)

Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dado dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra la profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que su suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tiene nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

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