21 abr. 2014

Funkadelic - Funkadelic (1970)

Siempre digo que la música lleva en ella la pasión con la cual fue ejecutada, o sea… que la pasión y el amor con el cual el músico crea y ejecuta su música, viaja con el sonido e impacta directamente en el oyente. En ese sentido la música ‘’negra’’ es muy significativa, ya que es el reflejo de una cultura que nació luchando, que vivió toda su historia sobreviviendo en medio de un sistema racista que los persiguió sin descanso, ellos crearon y usaron su música como protesta, como signo de dignidad, como bandera de libertad, por lo que la música negra tiene, consciente o inconscientemente, implícita en ella mensajes de libertad y dignidad muy fuertes. A esto lo digo porque acá le estoy trayendo el primer disco de Funkadelic, ya era hora que lo subiera. Abran paso por que esto se encuentra entre lo más destacado y significativo de este blog:

Funkadelic es una banda de funk, probablemente una de las mejores bandas ‘’negras’’ que han existido, un grupo legendario que en la década de los 70s hizo importantes aportes a la cultura funk, estando siempre a la vanguardia del género, encabezando la movida desde sus inicios y dejando profundas huellas musicales, culturales y hasta sociales, al igual que artistas como Sly Stone, James Brown, Jimi Hendrix, entre otros…

No se podría apreciar la historia de la banda sin la consideración de su banda hermana, Parliament, las dos bandas creadas por el precursor y visionario George Clinton. El grupo que se convertiría en Funkadelic fue formado originalmente por George Clinton, en 1964, como un respaldo musical sin nombre para su grupo Parliament, mientras estaban de gira. George había participado e integrado Parliament desde sus inicios, hacia mediados de los 50s.

Parliament logró su primer éxito gracias al tema "(I Wanna) Testify" publicado en 1967. Con el objeto de aprovechar ese momento de popularidad, Clinton organizó la banda de apoyo para realizar un tour que incluía a un joven empleado de la barbería como bajista, Billy Bass Nelson, y a su amigo Eddie Hazel a la guitarra. Además, completaban el grupo Tawl Ross a la guitarra, Tiki Fulwood a la batería y Mickey Atkins en el órgano.


En 1968, como consecuencia de una disputa contractual con Revilot Records, el sello discográfico en el que habían publicado temas como el éxito "Testify", Clinton perdió temporalmente los derechos sobre el nombre "The Parliaments". Por este motivo firmó un nuevo contrato con el sello Westbound Records bajo el nombre Funkadelic que se anunciaba como un grupo de funk rock con los cinco músicos del tour junto a los cinco cantantes de Parliament como invitados que no aparecían en los créditos. 

Como Funkadelic, el grupo firmó con la compañía discográfica Westbound en 1968. Alrededor de este tiempo, el grupo evolucionó de la música soul y doo wop en una más impulsada por mezclas de rock psicodélico, soul y funk, más influenciados por la música popular (y política) de los movimientos de la época. Jimi Hendrix y Sly Stone fueron las principales inspiraciones.
Establecido Funkadelic como un grupo por derecho propio, en 1970 Clinton relanzó el grupo vocal, ahora conocido como Parliament, contando con diez miembros. Así, Clinton se convirtió en líder de dos bandas diferentes, Parliament y Funkadelic, que incluían los mismos miembros pero se anunciaban como grupos que practicaban tipos diferentes de funk.

El álbum debut de Funkadelic no se haría esperar, el homónimo primer disco ‘’Funkadelic’’, fue lanzado en 1970, bajo Westbound Records. En los créditos figuran Mickey Atkins, Clinton, Fulwood, Hazel, Nelson, y Ross. La grabación también incluye al resto de cantantes de los Parliaments (no acreditados debido a las preocupaciones contractuales).

Este álbum es una auténtica bomba de soul, un obra maestra de soul y funk-rock, cruda y sin tapujo alguno, que explota desde el primer tema con un funk bien ácido y profundo, con fuertes bases, muy eficientes sesiones rítmicas y plagado de pasajes improvisados que suenan cual auténticas ‘’jams sessions’’, sonido que sería marca registrada de la banda. 
El funk que crean está fuertemente ligado a las raíces mismas de la cultura funk, fuertemente influenciado por Jimi Hendrix y James Brown, o sea un funk duro, acido, plagado de guitarras fuzz, deliciosos coros y voces desparramadas por todos lados, que suenan cual coro góspel. El sonido tiene también una característica como de ‘’hipnotico’’, reflejo de la pasión y la intención con la que los músico lo crearon, tratando de elaborar algo altamente atrapante y seductor. 

Los temas son todos himnos del género, una autentica track list infernal con temas alucinantes todos. "I Bet You" y "Good Old Music" son dos temas reversionado, originales de Parliament, "I Bet You" fue más tarde reversionado por Jackson 5 en su album ABC. 

El lanzamiento del disco no fue bien recibido por la ‘’critica’’, aun así tuvo muy buena repercusión popular, buenas ventas y plantó una semilla de culto que ni sus detractores más acérrimos pudieron detener jamás. Es que se trataba de una banda negra, con fuertes implicancias sociales y culturales, la cual a la vez se relacionaba los muchos ‘’yeites’’ y mensajes propios de la movida, elevando a la cultura ‘’negra’’ a un nivel popular y más visible, cosa que causo revuelo y enfado dentro de los sectores oscuros y racistas de la sociedad y el capital.

La carrera de Funkadelic por supuesto no terminaría ahí, entre el 70 y 71 lanzarían dos discos más, que sonarían dentro del mismo sonido primario. Pronto el sonido de la banda iría mutando, evolucionando a lo largo de muchos más disco que lanzarían, conociendo diferentes formaciones y etapas, al incluir a nuevos músicos que traerían nuevos sonidos, extendiendo la popularidad de la banda a lo largo de los años 70s. Pero eso es historia para futuros posts sobre la banda, por ahora los dejo con esta maravilla de disco.

Cod: #1192

17 abr. 2014

Krishna Chakravarty - Circular Dance (1998)

Aprovecho esta entrada para decirles que creé una categoría de discos llamada ‘’disco para meditar’’, la verán ahí arriba en esa barra con botones. En esa categoría encontraran justamente eso, discos tranquilos y en su mayoría instrumentales, música hindú o influenciada por sonidos orientales, ragas, sitares, música tranquila y espiritual con implicancias profundas, como lo es la música oriental, perfecta para los momentos de introspección, meditación, tranquilidad y quietud, en casa o en algún lugar cómodo, música para meditar y/o relajarse. A esto lo digo ya que el disco que les traigo ahora es otro de esos discos perfectos para los momentos de meditación:

Krishna Chakravarty es una reconocida sitarista Hindú, estudió el sitar desde muy chica, con el profesor Ram Chakravarty y más tarde estudiaría con el mismísimo Ravi Shankar.

Es licenciada y doctora en Música de la Universidad Hindú de Benarés, una Maestría en Música (medalla de oro) de Prayag Sangit Samiti, Allahabad y una maestría en World Music de la Universidad de Wesleyan, en Connecticut, Estados Unidos. Actualmente es profesora asociada de sitar en la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Hindú de Benarés. Como artista visitante ha impartido clases de música clásica del norte de India para graduarse y los estudiantes de pregrado en la Universidad de Wesleyan, así como seminarios y clases prácticas realizadas en la Universidad de Pennsylvania en los Estados Unidos. 

Ha impartido numerosas actuaciones en la India, Australia, Holanda, Austria, Alemania, Suiza, Estados Unidos, Canadá, Sri Lanka, Nepal, Brasil y Argentina. En 1987 lanza su primer álbum, ‘’Ananda’’, de música clásica hindú con ella como líder. En 1996 participa de un disco compilatorio llamado ‘’Asia Music’’, el cual recopila gran cantidad de músicos en lo que seria un trabajo de música típica asiática. 


Su segundo disco en solitaria seria el que les acerco en esta oportunidad, ‘’Circular Dance’’, lanzado en los EE.UU., por Celestial Harmonies Records, el primero de Enero de 1998.
Circular Dance es otro documento sonoro exquisito de la música clásica de la India, al estilo de ‘’Call Of The Valley’’, pero más moderno. En este trabajo, Krishna Chakravarty, expone su talento y sensibilidad al servicio de tres piezas clásicas dentro de lo que sería la música India.

Cuando hablamos de ‘’música de la India’’ enseguida lo relacionamos con los ‘’ragas’’ y al instrumento de cuerdas más conocido de esta música, el ‘’Sitar’’, pero la música, para la cultura oriental, tiene un valor mucho mas profundo y significativo. El raga, por ejemplo, es esencialmente una escala con una ascendente fijo y descendente de notas. Dentro de este marco se contienen enfoques específicos para ciertas notas y las expresiones musicales o frases que diferencian a un raga de otro. 

Puede parecer una forma de música libre, pero no lo es, cada raga está sujeto a disciplinas muy estrictas, y lo más impresionante de este tipo de música antigua es que no se compone, sino más bien es algo que cada músico descubre interiormente. Y tampoco se puede escribir, no se puede reproducir en una partitura musical, de hecho nunca ha habido ningún sistema de notación desarrollado que pueda describir todos los sutiles matices que caracterizan a este sistema de música.

Las tres composiciones que Krishna Chakravarty despliega son finas y muy personales, con un estilo más moderno pero siempre dentro de parámetros ancestrales, demostrando su alucinante dominio melódico, y su poder crudo que expresa en los momentos culminantes de cada raga.


Las piezas son extremadamente largas y a la vez complejas, (dos de 25 min. cada una y otra de 15 min.) ya que transcurren por varios estados de ánimo. Por momentos, y como característica que compete al sonido general, siguen un patrón básico, de tranquilidad y dulzura, que nace ya desde una complexión melódica potenciada y muy particular, como si se tratase de trazos de cielo plasmados musicalmente, los cuales funcionan a la vez como medio, base y guía, para que las melodías del sitar jueguen, se ahoguen y se entremezclen en una danza perfecta. 

Pero a medida que avanza el raga, van alcanzando mayor intensidad y ahí es cuando el despliegue del sitar se vuelve un vuelo alucinante, con un color melódico muy hermoso, ejecutado con una velocidad y precisión impresionantes. El virtuosismo de la sitarista es notable, acompaña ascendentemente a la intensidad de cada pasaje, incrementando su complejidad de ejecución. Como por ejemplo en el segundo raga, ‘’Raga Lalit’’, en el cual aparece una ‘’tabla’’ (instrumento de percusión Hindú) acompañando al sitar, lo que le da un nivel de vertiginosidad cada vez mayor al sonido, en un raga el cual deliberadamente avanzan progresivamente en velocidad e intensidad.

Krishna Chakravarty también juega un rol importante al imponerse a ella misma como maestra del sitar, siendo de sexo femenino, ya que son muy raros los casos de instrumentistas femeninas destacadas, en la tradición de la música clásica del norte de India.

También participó en el compilado ‘’Dancing to the Flute’’, con música de la India. Esa trabajo fue encargado por la Galería de Arte de New South Wales, en Sydney, Australia, para una exposición en 1997, que conmemoraba el 50 aniversario de la independencia de la India.

Cod: #1089

14 abr. 2014

Swegas - Child Of Light (1970)

SWEGAS fue una banda británica "progresista" que cobró vida entre 1969 y 1971. Tocaron en principales en escenarios del Reino Unido e hicieron varias giras por Italia y Alemania, donde eran muy populares. Swegas tomó su nombre de una forma plural de la palabra "SWEG 'anglosajón, que significa" sonido "," ruido ", o" melodía ".

Swegas comenzó su vida como una banda de ensayo en 1969, formada por Brian (Joe) Spibey y Nick Ronai que habían sido miembros de ‘’Fulson Stilwell Band’’. Hasta ese momento la banda original Swegas consistía de Joe Spibey (trompeta), Nick Ronai (trombón), Alan Smith (saxo tenor), Jonny Toogood (guitarra), cuando decidieron ampliar sus filas, momento en el conocieron al tecladista Keith Strachan y al bajista Roy Truman, músicos que habían estado tocando juntos en varias bandas desde la universidad y estaban buscando algo un poco más aventurero. Lo encontraron en ‘’Swegas’’, que comenzaba a fusionar rock y el jazz al estilo de ‘’Blood Sweat and Tears’’ y ‘’ The Chicago Transit Authority’’ que estaban en sus primeras etapas de desarrollo. 

El mismo año de 1969 ya comenzaron juntos a ensayar y hasta tuvieron la fortuna de asegurarse un contrato con ‘’ B & C Registros’’ para Octubre de año, grabaron así su primer disco, el cual finalmente no tuvo nombre y ni siquiera fue publicado, lo que causo el alejamiento de la banda de los miembros Joe Spibey, Alan Smith y Jonny Toogood. Rapidamente el grupo reclutaría a Stewart Wilkinson en guitarra, Ron Shillingford en saxo tenor y Maurice McElroy en batería. Con su nueva formación la banda ensayaba sin cesar en nuevo material para grabar.

Adquirieron dos furgonetas, estilo convi, con las cuales se embarcaron en una gira de tres meses por Europa pasando por Oslo, Zurich, Munich y Hamburgo. Cuando llegaron de vuelta de Alemania, en julio, entraron en los ‘’ Tangerine Studios ‘’, en Dalston, para grabar su primer álbum, ‘’Child Of Light’’, lanzado en 1970.


Este primer trabajo que publicarían, consta de un sonido progresivo con mucha influencia jazz y mezclas con rythm. Un órgano psicodélico, toneladas de percusión salvaje y una sección de instrumentos de viento que cualquier banda de soul/funk querría tener, tocando piezas altamente agradables y seductoras, con buenos cambios de ritmo y variaciones que los llevan a diferentes estados dentro del jazz rock que implementan, asimilándose al sonido que Bob Downes alcanza en su disco ‘’Electric City’’, o a sonidos de la banda ‘’Colosseum’’.

Se escuchan pocas voces, son piezas en su mayoría instrumentales, algunas bastante extensas, y es en esas piezas donde se puede apreciar mejor la emplitud de la banda, algunos pasajes cantados y algunas partes mas experimentales, siempre dentro del jazz rock. Sin duda un jazz rock brillante, plagado de sonidos exquisitos.

Más conciertos dieron por el Reino Unido y luego, en septiembre de 1970, el grupo volvió a girar por Europa por un par de semanas, donde tocaron en el Turin & Rome (The Titan Club). Para Enero del 71 volvieron a Italia donde dieron unos conciertos al aire libre, en Baviera.

El segundo álbum que lanzaron fue ‘’Beyond The Ox’’ lanzado a principios de 1971, grbado en el ‘’Command Studios’’, en Piccadilly. Las cosas empezaron a ir mal para la banda a mediados del 71, sufrieron un accidente con el vehiculo, en Hamburgo, lo que los obligó a una virtual cancelación de la gira, y al regresar a Alemania la banda se separaría. Swegas tocaria su último concierto el 9 de septiembre en ‘’The Granary’’, en Bristol.

Cod: #1146

10 abr. 2014

Ache - De Homine Urbano (1970)

‘’Ache’’ es uno de los mayores exponentes progresivos de Dinamarca, una banda emblemática nacida a finales de los 60, por lo cual también incluye en su sonido a la psicodelia en la cual se formaron los músicos. La historia de la banda comienza alla por 1968, cuando tres músico provenientes de la banda ‘’The Harlows’’, el tecladista y graduado de la academia de música danesa, Petter Mellin, el baterista Glenn Fisched y el bajista y cantante Torsten Olafsson, se unen en un trio con la idea de comenzar a gestar su propio sonido, mas tarde se les uniría Finn Olafsson, joven guitarrista de 15 años, hermano del bajista.

Juntos comenzaron a trabajar fuertemente entre la primavera y verano de 1968, en sesiones y jams que llevaban a cabo. El guitarrista Finn Olafsson recuerda que: ‘’Improvisábamos mucho, pero eran improvisaciones sobre ideas que cada músico había creado por su parte. Algunas melodías o riffs iban apareciendo en las sesiones y todos nos uníamos con ideas y sugerencias. En este periodo el sonido y la dinámica del grupo estaba en pleno desarrollo, era un momento donde todos sentíamos un profundo placer por lo que hacíamos, al explorar, crear y expresarnos a nosotros mismo en un proyecto conjunto.’’

Leí por ahí que el sonido de ‘’Ache’’ es: ‘’mas melódico que ‘’The Nice’’, más astuto que el de los ‘’Moody Blues’’, mas naturalmente dulce que ‘’King Crimson’’ o ‘’Van Der Graaf Generator’’ y más apasionado que ‘’Pink Floyd’’ ’’, no sé si será para tanto, pero seguramente se merecen un lugar más alto en la consideración general. El debut musical de ‘’Ache’’ es imponente, su primer trabajo publicado es ‘’De Homine Urbano’’, lanzado internacionalmente por Philips a principios de febrero de 1970, se compone de dos largos suites, uno a cada lado del LP. 


El lado A del disco, "De Homine Urbano ", fue grabado en un solo día, a principios de junio de 1969, en el ‘’Metronome Studio A’’ en Copenhague. "De Homine Urbano" es una pieza puramente instrumental, grabado con órgano Hammond, guitarras eléctricas y acústicas, piano, bajo eléctrico y batería. El lado B del disco, "Little Things", también se grabó en un solo día, en el mismo estudio, en octubre de 1969. "Little Things" es predominantemente instrumental, pero en este caso aparecen, a través de la pieza, algunos pasajes cantados, en ingles.

Una autentica obra psicodélico-progresiva (ya que en ella convergen de manera directa estos dos estilos), compleja y extensa, elaborada e ideada con una ambición sinfónica que hace que los temas (que son solo dos, dos extensas suites de 19 min cada uno) sean realmente complejos y elaborados, cada uno con sus correspondientes introducciones, desenlaces, solos, pasajes y conclusiones, todo esto sin perder nunca el sonido rustico y psicodelico que tomaron en sus orígenes, de las influencias tempranas.

Un Hammond, al estilo de ‘The Nice’ y una guitarra chillona, al estilo de ‘’ SRC’’, son los encargados de dirigir las sesiones sinfónicas que se plantean, con una rigidez y potencia alucinantes. Extienden una incontable serie de progresiones sinfónicas, implícitas en las estructuras más estables, como también en las excursiones largas y en los momentos de improvisación. Exploran sonidos progresivos psicodélicos, con la potencia de un heavy prog, y la acides de la heavy psicodelia, inundando los tracks con incontables pasajes, riffs, que varían en intensidad y duración.

Otra cosa a destacar, estos tipos realmente eran fanáticos de los Beatles y no escondieron su fascinación para nada. En este primer disco, la segunda suite, llamada 'Little Things', pareciera ser un cover de un tema de los Beatles, justamente del tema llamado ''Every Little Thing''; y no solo eso, de ser un cover... seria una reinterpretacion progresivo/sinfonica de la música de los Beatles, ya que no solo es un cover sencillo sino que se encargaron de estirar el tema, haciéndolo realmente complejo, y de una manera formidable ya que el cover, por mas extenso que sea, no pierde jamas la esencia del tema original, es tan agradable como la versión original.


Otro indicio de la fascinación que tenían por los Bealtes es otro cover que hacen, en este caso del tema ''We Can Work It Out'', este aparece ya en el segundo disco del grupo, otra reversión progresiva, también compleja, donde toman el tema original, lo estiran libremente y lo mutan agregándole todo tipo de variaciones y cambios.Entre las influencias que tuvo la banda también se pueden reconocen a ‘’The Nice’’, ‘’The Artwoods’’, ‘’ Vanilla Fudge’’, ‘’ Procol Harum’’ y los mismísimos ‘’Hansson & Karlsson’’. Aunque emplean tantas herramientas, que su sonido recuerda a aun mas banda, como ‘’Beggar's Opera‘’, ‘’Atomic Rooster ‘’ o ‘’SRC’’.

En teoría, crearon la música teniendo en mente el ballet y la imagen de una bailarina, crearon la música con el fin de darle amas ese uso de ballet, e incluso en la portada del disco se puede percibir una bailarina haciendo una figura artística. Lo cierto es el finalmente que sonido poco tiene que ver con el ballet, pero afortunadamente mucho tiene que ver con sonidos progresivos…

En 1971 lanzan su segundo disco, ‘’ Green Man’’, dicho disco junto al primero que lanzaron, serían sus trabajos más emblemáticos. No encontré mucha más info sobre la historia de la banda, pareciera que continuarían intermitentemente a lo largo de los 70s, lanzando algunos singles y algún que otro disco de poca importancia. Se separarían a mediados de los 80s y no sería hasta el 2003 cuando se volverían a juntar para, y volverían a lanzar otro album, "De skæve drømme", aunque también lamento decir que es poco destacable, por lo que estoy escuchando en la pagina oficial de la banda.

Cod: #1029

9 abr. 2014

Yatha Sidhra - A Meditation Mass (1974)

Esta banda alemana, casi eventual, nace gracias a la unión musical de los hermanos Rolf y Klaus Fichter, los cuales en 1973 comienzan a forjar su propio camino dentro del krautrock. Originalmente la banda se llamaba ‘’Brontosaurus’’, pero luego cambiarían el nombre al de ‘’ Yatha Sidhra’’, un nombre más acorde a la orientación que tomarían los músicos hacia sonidos étnicos y populares hindúes, espiritualidad y meditación. Finalmente la formación quedaría completa con Rolf Fitcher en sintetizador moog, flauta india, vibráfono, piano eléctrico, guitarra eléctrica y voz, Klaus Fitcher en batería y percusión, Matthias Nicolai en guitarra eléctrica de 12 cuerdas y bajo y Peter Elbracht flauta.

Comienzan a trabajar en una larga y épica pieza llamada ‘’Meditation Mass’’, con la intención de crear paisajes de ensueño orientados hacia sonidos calmos y meditativos, paisajes de ensueño musical, donde el sintetizador Moog, la flauta y los instrumentos tradicionales de percusión jugarían un papel preponderante. 

Así crean un sonido que nace dentro del krautrock como medida básica y elaboran su arte dentro de ese marco de improvisación y expansión, con un sonido que oscila entre toques folk, rock espacial y alguna variación de jazz, aunque siempre con el mismo motivo meditativo e introspectivo. Una obra alucinante dividida en cuatro partes, partes que conforman en si mismas una sola pieza musical, un solo viaje que te sumerge en una aventura mística y cósmica absolutamente fantástica.


Visto como un álbum conceptual, ‘’A Meditation Mass’’ es casi exclusivamente instrumental, solo en algunos pasajes se escuchan una voz, cual coral, que tira frases hipnóticas y por momentos entabla charlas con la flauta, y de fondo la constante guitarra con toques orientales y la base percutida también con estilo étnico, que le dan al sonido aún más ese toque meditativo u oriental. Por sus intenciones introspectivas y el uso de la flauta, se asemejan al sonido que la banda ‘’ Flute & Voice’’ logra en su disco ‘’ Imaginations Of Light’’.

La guitarra eléctrica que toma lugar en la segunda mitad del disco, con una intención más freak-out, por lo que el sonido se vuelve mas rígido y psicodélico, y dirige a la banda hacia caminos mas auténticamente kraut, tal vez asemejándose por momentos a sonidos de ‘’Cosmic Jokers’’.

Después de esta impresionante obra, Yatha Sidhra se disuelve. A principios de los años ochenta, de los hermanos Fichter formarian una nueva banda llamada ‘’Dreamworld’’, pero esta tendría estilo más pop.

Cod: #1110

6 abr. 2014

Steve Tibbetts - Steve Tibbetts (1977)

Steve Tibbetts (Madison, Wisconsin, en 1954) es un guitarrista y compositor estadounidense de jazz fusión. Tibbetts toca la guitarra acústica y eléctrica, así como instrumentos de percusión exóticos como el kendang y lakalimba. Sus composiciones se mueven por diferentes estilos: jazz, rock, ambient y world music. El describe su propia música como "postmoderna y neo-primitiva". 

En su estilo de guitarra, utilza con frecuencia una técnica que imita el sonido del sarangi, con la guitarra de 12 cuerdas, mientras que con la eléctrica se ha especializado en crear sonidos ambientales con distorsiones al estilo de Hendrix. sus discos suelen incoporar sonidos naturales, grabados previamente, y variadas percusiones, aportadas por Marc Anderson, un músico de su ciudad natal.

En 1977 lanza su primer disco, casi de manera autodidacta e independiente, el cual crea siendo aún un estudiante universitario, inscrito en el profesorado de arte. En 1975 se hace amigo de un tal ‘’Tim’’, un brillante  estudiante de ingeniería, con gran coeficiente intelectual y también autodidacta y músico, por lo cual congeniaría rápidamente con Tibbets.

El mismo Tim, por influencias en la universidad debido a su capacidad intelectual, consiguió estar a cargo de un pequeño estudio musical electrónico que poseía la universidad, por lo cual invitaría inmediatamente a Tibbets, sabiendo muy bien de sus dotes como músico autodidacta. 

El estudio estaba montado en un almacén, donado por el departamento musical de la universidad, donde jugadores de futbol americano guardaban su ropa sucia, por lo cual era incómodo y mal oliente, pequeño y sin ventilación, pero contaba con una grabadora Dokorder 7140 de cuatro pistas, un micrófono, un mezclador de 4 canales, un sintetizador de EML 101, y dos grabadoras de cinta Revox, una autentica bendición para el joven Tibbets que estaba dando sus primeros pasos como músico autodidacta.

Tibbets recuerda: ‘’Decidí que no iba a ser un profesor de arte, y pasé el otoño y la primavera de 1975 a 1976 en el estudio. Por desgracia, me gradué en 1976 y ya no podía utilizarlo como un estudiante legalmente matriculado, así que utiliza de manera ilegal durante el verano de 1976. 

A finales del verano de 1976 tuve suficiente música para un álbum pero poca probabilidad de contraer una etiqueta para apagarlo. Tenía algo que podría utilizar para la portada de mi disco, y un poco de dinero ahorrado de mi trabajo de turno de noche en Radio Pública de Minnesota, así que encontré una planta de prensado en Arizona que fabricaría 200 álbumes por $ 600 y los envié a mi cosas. Alrededor de un mes más tarde me enviaron los discos terminados. Monté una campaña publicitaria agresiva, envió folletos a mis amigos, y me pregunté qué hacer con 4 cajas de discos.


Le di uno de los discos a mi amigo Pig, Pig Munson. Él lo llevó a su casa a Rapid City, durante la navidad del 76, y se lo mostró a su amigo ‘’Bull’’ (Kevin Bitz).

Bull se lo llevó a San Francisco y se lo hizo escuchar a su amigo, David, que trabajaba en la radio KTIM, en San Rafael. David y el resto del personal de KTIM comenzaron a pasar el disco en vivo por la radio.

Bull invirtió 1.000 dólares para presionar y distribuir el álbum en el área de la Bahía, y eso es lo último que supe de él, a excepción de dos llamadas telefónicas. La primera llamada fue a decirme que algunas emisoras televisivas locales del área de la bahía estaban usando " Jungle Ritmo "como su tema musical. Me llamó justo cuando la emisión estaba empezando; "Y ahora, los Bombarderos del Área de la Bahía asumen los Rockets de San José ...", y allí estaba, el sonido palpitante de "Jungle Rhythm" sonando. La segunda llamada fue a decirme que Clive Davis (entonces presidente de Arista Records) podría estar llamando a mí pronto. Vendí bastante de mi primer álbum como para comprar una grabadora de ocho pistas y configurar mi propio estudio, ahí grabé, ‘’Yr’’, mi segundo disco’’


Es así como usando sólo múltiples guitarras, sintetizadores y efectos de cinta, lanza su primer disco. Es un trabajo experimental, delicado y dedicado de rock progresivo instrumental y acústico con toques electrónicos.

Alcanza un sonido particular y netamente experimental, todas las piezas son de un estilo muy personal, composiciones instrumentales, la mayoría en guitarra acústica, con toques de jazz-rock, repleto de efectos de sonido cual backwards que recuerdan mucho al Electrica Ladyland de Hendrix, y sintetizadores que pintan paisajes cuasi espaciales y juegan un papel primordial en el planteo de pasajes e intensidades.

La experimentación es coherente y posee un sentido lucido, mucho más teniendo en cuenta que ha sido creado por una sola persona. Debido a distintos caracteres del sonido, introspectivo y experimental, también se podría decir que eleva su música a cierto grado de espiritualidad. La influencia de Hendrix en el sonido también se puede percibir en el último tema, ‘’How do you like my Buddha’’, en donde se puede escuchar efectos de sonidos y efusivos solo al fiel estilo Hendrix.

Publicaría mas tarde, cinco discos en los años 1980, tres en los 90, y dos en los 2000. Ha colaborado con músicos de diferentes culturas, como el noruego Knut Hamre, que toca el hardingfele, o el monje tibetano Ani Chöying Drolma. Su colaborador habitual, Marc Anderson, aparece en toda su discografía, salvo en el primero de ellos, de 1977, Steve Tibbetts.

Cod: #1086
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