Samsara Blues Experiment es una banda alemana fundada en el verano de 2007 por el guitarrista Christian Peters después de dejar la banda Terraplane, seguido por Hans Eiselt, Richard Behrens y Thomas Vedder que se unieron en otoño de 2008 para consolidar la formación. Samsara Blues Experiment creó su propio estilo en base a la combinación de stoner, rock psicodélico y otros elementos experimentales que se inspiran en extensos espacios, raga, entre otros condimentos. Ya sea como trío o cuarteto, la banda lograría una reputación por sus actuaciones en vivo de primer nivel y su sonido expansivo. Samsara Blues Experiment lanzaría cinco álbumes de estudio en una carrera que abarca desde 2007 hasta 2021.
En 2010 aparece su primer lanzamiento, ‘’Long Distance Trip’’, consistiendo en un rock psicodélico eléctrico que creó una escuela de hacer rock, una escuela moderna de psicodelia, muy relacionado al stoner, al misticismo de la contracultura de los 60s y al rock estándar del cual toman formas y elementos pero el cual queda totalmente sumido bajo visiones y estratos meteóricos que se subyugan en el encuentro entre experimentos eléctricos y expansivos.
Es esencialmente eléctrico porque es una guitarra eléctrica la que guía las sesiones con sus efectos, distorsiones y reverberaciones volátiles que pintan escenas de gran goce lisérgico plasmadas en extensas y robustas sesiones, esa es la esencia de este disco y de la banda en general. Véase el titulo de su primer disco,’’Long Distance Trip’’, que refleja ese concepto expansivo de diversificarse en extensas sesiones que son auténticos viajes repletos de un exotismo storner y una potencia rockera que los lleva a plasmarse en un uso muy directo y efectivo del riff y de otros elementos puramente rockeros.
A esta fórmula demoledora se le suman algunos otros elementos y detalles que la banda maneja como agregados sutiles a la gran mescla, aquí y allá, como de instrumentos típicos de la música hindú, lo que aun más sabor místico a un sonido de por sí volátil. Aparece el sonido del sitar pero la ‘’fusión’’ con la música clásica hindú no es una preocupación de la banda. Aunque es verdad que este instrumento brota en varios pasajes de su sonido también es verdad que es un elemento más sumado a la gran masa de forma rasa, utilizado especialmente en las introducciones y finales de las exploraciones, como abriendo puertas hacia mundos de exotismo y gran goce.
Las composiciones son extensas exploraciones sonoras donde aparecen una o hasta dos guitarras dialogando entre sí, donde por momentos no se parecía el formato de la estructura pero en otros casos se puede apreciar la forma de canción que tiene la exploración, con su estrofas y estribillos inmiscuidos en medio de exploraciones eléctricas sucias y duras, rock psicodélico moderno con acercamiento directo al stoner. Algunas sesiones son canciones extendidas y otras son puras exploraciones expansivas difíciles de determinar ya que divergen entre un sinfín de partes entre introducciones, estrofas catadas, arreglos, cambios de intensidades, partes con riffs rockeros y momentos de solos e improvisaciones.
Escuchar este disco es enlistarse hacia un trip sin regreso por tierras de distorsión eléctrica de aire místico, e incluso, en esa búsqueda sonora tan expansiva que los caracteriza, puede que se vuelvan hacia cierto aire ‘’progresivo’’ ya que muchos momentos internos en las sesiones presentadas cuentas con cambios de ritmos contundentes entre partes más agiles hacia partes más lentas, o viceversa.
Las estructuras que proponen, a diferencia de lo que se podría presuponer, no son en esencia improvisadas y de hecho tienen poco de ello, lo que hacen está puntillosamente planificado y esto se puede apreciar en la complejidad que alcanza por momentos su propuesta, transitando un sinfín de partes sucesivas que se cohesionan bajo una mirada eléctrica que es un experimento místico funcionando entre capas su subcapas sucediéndose bajo la estricta mirada de una psicodélia moderna engrosada con efectos pesados y un rock repleto de una distorsión domada y preparada para pintar con ella paisajes de ensueño eléctrico.
Christian Peters diría lo siguiente sobre le significado del nombre de la banda: ‘’El término Samsara se deriva de "fluir juntos", ir o pasar por estados, vagar. Principalmente una gran puerta giratoria entre la vida y la muerte y un ciclo de vida reencarnado de una nueva vida. El Blues siempre fue una parte importante de mi vida como músico y oyente de música y se considera la base de cualquier tipo de música Rock. El experimento podría representar el objetivo a largo plazo de algún tipo de "realización" y más que eso, la voluntad de mejorar constantemente y trabajar en las cosas sin preguntar ni pensar demasiado en ello. La mayor parte de lo que hago en mi vida como músico es por intuición, ¿sabes? No escribo pestañas ni notas ni mierda. No me importa el ritmo cuando se siente bien.’’
En 1970 algunos de los mejores músicos de sesión de la época en Inglaterra se reunieron en un proyecto aparte de sus bandas y proyectos originales, músicos de calibre de la escena inglesa que pertenecían a otros proyecto o que simplemente era músicos de sesión, en este caso unieron sus fuerzas en ‘’Ugly Custard’’ dando vida a un sonido de rock, típico de la época, con rock, funk, blues y psicodélica, siendo un trabajo totalmente instrumental y plagado de buenas zapadas rockeras.
En la producción sonora del disco aparecen algunas reversiones de temas tradicionales de blues, entre los que aparece por ejemplo el clásico ‘’My Babe’’, reversiones que afortunadamente realizan con miras nuevas que hace que las reinterpretaciones sean diferentes a sus versiones originales, ya con un sonido netamente instrumental y sin voces, se las arreglan para construir un sonido muy creativo con temas ya hechos, dándole nueva vida y frescura, alcanzando momentos en lo que los temas originales se vuelven irreconocibles a su estado original, rozando lo progresivo. El resto, los demás tres temas, fueron compuestos por Alan Parker.
Las versiones planteadas son agiles, atascos muy bien ejecutados por una banda con talento, el resultado no podía ser malo, con buenos solos, atascos que se dirigen en velocidad hacia orgasmos rockeros muy entretenidos. Hay trazas de blues, rock, psicodelia, elementos progresivos, tal vez dosis sutiles de fusión en un disco que de todas formas no es fusión pero que la dinámica y destreza no deja de suponer que pudieran manejar también el jazz.
Y hay una curiosidad desparramada durante todo el disco. Separando cada tema aparecen pequeñas piezas denominadas ‘’Link’’ que funcionan a manera de conectores, tratándose de piezas cortas caracterizadas en su totalidad por pequeñas composiciones acústicas en guitarra, un pequeño detalle que hace del disco más llamativo aun.
Es un sonido plasmado desde su concepción desde una mirada de sesión, y además de biblioteca, o sea con ese dejo por las formalidades comerciales, yendo más hacia un lado de inventiva sin estar tan condicionados por lo formal. De todas formas fue un disco pensado para venderse, presenta el sonido hippie blusero rockero de funcionaba en el momento, ya con algunas gotas prog dando vueltas.
El álbum se ha convertido en una joya de culto entre coleccionistas y amantes, una pieza que pasó desapercibida en su época y que pertenece al under inglés, con un sonido típico de las ‘’mermeladas’’ rockeras de la época, mucha zapada, muchos atascos versátiles y rápidos, buenos solos, mucho blues y rock, destrezas rockeras por buenos músicos de sesiones, y una buena dosis de psicodélia en la instrumentaciones para unificar todo lo plateado y crear así un sonido que brilla con su propia inventiva.
Este proyecto de corta duración estuvo integrado por el musico de biblioteca Alan Parker en guitarra, Herbie Flowers en bajo y Clem Cattini en bacteria, tres músicos que pertenecían a la banda Rumplestilskin, además del talentoso tecladista y organista Roger Coulam que también, por aquel entonces, tenía un buen nombre en la escena.
Y otro de los conciertos que tuve la fortuna de presenciar este año 2022, ya para cerrar un año negro en lo personal por momentos, pero gracias a esto muy luminoso en parte, fue el concierto que la banda inglesa pionera del rock progresivo, Stick Men, dio en Buenos Aires, en la Ciudad Cultural Konex, el 26 de Noviembre de este año.
En una noche calurosa en la temperatura que ya veía agitación social entre la llegada de otros conciertos mucho más mainstream y populares, además de haber sido celebrado en medio de lo que fue el mundial de futbol, Stick Men se presentó en una de las enormes salas del centro Konex, haciendo gala ya desde el principio de un poderío progresivo sin igual, el cual no menguó en ningún momento y mucho menos por tratarse de que la banda consistía solamente en tres personas, un power trio ni más ni menos.
Stick Men está compuesto por tres miembro del King Crimson actual: el virtuoso guitarrista Marcus Reuter (guitarra touch style, discípulo de Robert Fripp), el impresionante baterista Pat Mastelotto y el legendario bajista Tony Levin, tres músicos de nivel de elite mundial que no dejaron ese momento a duda y propusieron una noche llena de rock progresivo instrumental, con piezas de sofisticación en las que ejecutaron un par de piezas de King Crimson, además de todo un repertorio de piezas históricas propias del trio, entre composiciones nuevas y otras ya antiguas.
Tanto Tony Levin como también el guitarrista Marcus Reuter ejecutaban la técnica del ‘’touch-style’’, con digitación en las cuerdas con sus ambas manos, tecnica a partir de la cual construían piezas de sofisticación, lo cual eleva el merito de ambos debido a lo atípico de la técnica y a lo virtuoso del despliegue del grupo.
La música fue aplastante en todo momento, rock de punta, rock progresivo, rock moderno y futurista, un rock adelantado, ejecutado entre riffs poderosos, cambios de ritmo, solos indescifrables que se perdían en las estructuras, escalas exóticas, partes y más partes entre la construcción de las piezas, un despliegue armónico y melódico muy variado que demostraba el virtuosismo de los ejecutantes de cuerdas, la batería por supuesto siempre estuvo a nivel de las cuerdas y entre los tres no regalaron una noche a puro poder progresivo.
El poder que precedía a los ejecutantes provenía de una fuente distintas a lo común en la música popular, Stick Men ofreció una exhibición en la que los músicos se encontraban ubicados en estructuras muy complejas, tanto en lo estructural en sí, como en partes y sub momentos internos, a lo cual lo sobrellevaban de manera muy natural, sin caer en yeites o repeticiones, o esnobismos.
Stick Men dio un concierto muy extenso, entre interpretación de piezas de media duración, siempre muy sofisticadas, algunas piezas de extensa duración, con algunos cambios de roles en posiciones melódicas y armónicas entre el guitarrista y el ‘’bajista’’,, y con algunos agregados virtuales que partían desde la ejecución de los mismos en computadoras portátiles que poseían los músicos y que iban implementando según la ocasión, lo que hizo que por momentos aparecieran voces habladas en las piezas, otros instrumentos, sonidos agregados, etc.
Fue una noche calidad también en lo personas, con músicos amables que ejecutaron lo suyo y recibieron el amor del público, siempre con ese fervor típico del público argentino. Fue una noche mágica en la que el rock progresivo hizo justicia en nuestras tierras argentinas y pudo volcarse en los oídos, mentes y espíritus de quienes estábamos presentes. Este tipo de conciertos es muy importante poder presenciarlos, ya que se trata de música única en su tipo, no masiva para el público popular y que por ende propone algunas innovaciones muy valiosas que aportan mucho, desde nueva visiones musicales, artísticas, nuevas concepciones personales y nuevas búsquedas en lo musical y espiritual, abrirse a nuevos estilos musicales es siempre abrirse a nuevas formas de vida, y poder presenciar semejantes espectáculos representa un sacudón al espíritu y sus dejos y vicios internos.
La noche previamente había sido abierta musicalmente por Fernando Kabusacki, músico argentino que también estuvo a la altura de la técnica e innovación con algunas reinterpretaciones de caciones populares (si mal no recuerdo) ejecutadas al estilo de la vanguardia progresiva, en momentos solistas acompañados también por la voz de una cantante, también muy talentosa (por lo que recuerdo, el guitarrista contó que se trataba de su hija.)
Aquí hay otra pieza perdida de la psicodelia tardía estadounidense, que deriva hacia la heavy psicodelia por la dureza de las guitarras y de los solos y por las canciones con esa epica que desprenden en muchos momentos, hard rock y heavy psych a pura potencia y con épicas incandescentes.
Hay varios momentos trascendentes aquí pero seguramente se trate del segundo track del tema, ‘’Ruler of the universe’’, la pieza que marca del disco, le termina de dar identidad, y la saca de algún tipo de convencionalismo para plasmarse en una zapada extensa en guitarra eléctrica y con momentos hasta espaciales. Es que trata de una canción estándar pero estirada con un solo de guitarra muy extenso que hace que la pieza alcance a los once minutos de duración, en medio de este solo brotan algunos efectos que perturban la performance del solo y lo conducen hacia momentos cósmicos.
En general las canciones, son sus respectivos solos de guitarra y agregados instrumentales, tiene un carácter de épica, con momentos proto prog y estribillos galácticos entre las liricas y las rabias varias, la épica se presta para quedarse desde y hacia muchos momentos en las canciones, aun siendo una gema under y privada.
Al momento de crear este trabajo el autor estaba pasando por momentos de aturdimiento, depresión, además de haber sido reclutado para el ejecito, momento al que él mismo no recuerda como lo mejor de su vida, tal vez sea de ahí que surge ese carácter de épica con el que cuenta el sonido, como tratándose de una sublimación de momentos interno que terminaron fluyendo musicalmente en momentos instrumentales muy intensos y solo muy rabioso y poderosos.
Terry Brooks recuerda: ‘’Terminé en el ejército en 'nam, lugar al que no entraremos. Esto fue a mediados de los años 60 y me reclutaron. Cuando regresé, pasé un tiempo bastante difícil durante mucho tiempo después de eso, con depresión y todo, y comencé a tocar blues nuevamente. Empezó con el álbum ‘’Translucent World’’ cuando todavía estaba aturdido. Era una especie de persona perdida con todas esas cosas que me habían pasado. Todo lo que tenía era mi música y el sentimiento en mi música y escribí sobre lo que sentía”.
‘’Translucent World’’ de 1973 y ‘’Raw Power’’ de 1976 son sus primeros dos trabajo, acreditados bajo el nombre de Strange, seguramente se trata de su música más conocida y llamativa, dos lanzamientos justamente publicados bajo su propio sello discográfico, ‘’Outer Galaxie Publishers’’. Ambos discos son muy similares, contado con momentos de tensión o epica muy fuerte que caracterizan al sonido, voces rusticas, buenas composiciones, y lo que no puede faltar en esta música, solo épicos solos de guitarra que tanto en ambos discos tienen su lugar para explayarse en un track por disco dedicado a la sesión donde la guitarra brilla por su poderío y nostalgia rockera.
Terry Brooks recuerda lo siguiente sobre sus orígenes y vida: “Empecé tocando blues en el circuito negro de todo Estados Unidos, el circuito chitlin', como se le conocía. Toqué por todo Estados Unidos con una banda negra, viajando con 18 personas en un autobús; en ese momento no había gente blanca en estos clubes. Yo era el único hombre blanco allí. Esto comenzó en el '61. Fue un momento difícil debido a las tensiones raciales. Había visto mucho abuso a los miembros de la banda que estaban conmigo, y muchas situaciones malas, pero tocar y viajar por Texas, México, Ohio, Mississippi, Louisiana, hombre, estás hablando de divertirte. ¡Esa fue la menor cantidad de dinero que gané en la música y la mayor diversión que tuve!”. Cuando se le consulta la manera en que definiría su música recuerda lo siguiente: “Es un estilo cósmicamente energizado. Tuve mucho cuidado de no tocar la música de otras personas. También tuve cuidado de no mirar ninguna otra extrapolación matemática. No quería ser influenciado por nada más”.
Aquí otro artefacto, y de dudosa moral, proveniente de las visiones de su creador, Jean-Pierre Grasset, quien entre 1974 y 1979 lidera el proyecto francés Vertø compuesto por pugilísticos integrantes avocados a la experimentación y dispuestos a enloquecer en las visiones del autor de la música. Vertø, en un comienzó, incluyó miembros de otra banda francesa como lo fue Potemkine, otros miembros incluyeron a Benoît Widemann (de Magma) y Jean-Pierre Fouquey (de Forgas y más tarde en Magma).
El primer disco del proyecto sería ‘’Krig / Volubilis’’, grabado a finales de 1975, y publicado en 1976 bajo el sello ‘’Pôle Records’’, un intento oscuro de rock de vanguardia que se encuentra en buena forma para las vanguardias de su época en Francia, rondando entre el avant rock, el rock oscuro, cierto aire prog o incluso se dice que influenciados por el Zeuhl.
La verdad es que parece que Verto propone su propia formula de hacer vanguardia en el rock, sin ser necesariamente virtuoso pero siendo lo suficientemente oscuro y experimental para difícilmente poder encontrarle una etiqueta única a la música propuesta, con un rock de guitarras oscuras, pasajes indeterminados eléctricos que van hacia no se sabe dónde pero que en el trascurso dejan sonidos muy ricos.
Las clasificaciones estándar tildan a este disco como de prog rock pero no se espere algo clásico del género, esto es más bien un invento instrumental con creces en oscuridad, y que seguramente tenga alguna influencia del progresivo pero que también tiene de la música de vanguardia, así como del krautrock y de las visiones e inventos mismo de su creador.
En su mayoría se trata de inventos instrumentales en guitarra eléctrica, o también aparece el acústico ‘’Oka’’, aunque en la pieza ‘’Strato (Incluant Volubilis)’’ el disco da un vuelco, que no sorprende por la oscuridad proveía del sonido, pero que sí da un aire distinto a la propuesta, consistiendo en un track de pura investigación sonora al etilo krautrock, entre acoples y arremetidas ambientales ya el disco se sale de sus carriles convencionales y propone una nueva forma, introduciéndose aún más en la experimentación.
‘’Strato (Incluant Volubilis)’’ es una exploración ‘’eléctrica’’ pero casi no ‘’electrónica’’ ya que aquí no fueron utilizados sintetizadores ni teclados, solo Grasset en guitarra eléctrica, hoja de sierra, arco de violín, TK y máquinas de cinta A77. Con ello se recrea un ambiente oscuro que recuerda a Ash Ra Tempel o Klaus Schulzede años iniciáticos.
El proyecto fue formado y liderado por Grasset, a quien se le sumaron un par de miembros de la banda Potemkine. La banda para este proyecto estaba conformada por Gilles Goubin al bajo (fretless), Dominique Dubuisson en el bajo, Charles Goubin a la guitarra, Phillip Goubin a la batería, Michell Goubin al piano y Xavier Vidal en el violín. La banda participa en su totalidad solo en la primera cara del disco, siendo la segunda parte un invento de Grasset en individual.
En general un trabajo de los bajos, poco conocido o estimado pero para quien lo sepa apreciar encontrará aquí una perla que ha roto con mucho en su época y ha dejado inventos muy interesantes. No es de extrañar a esta altura de que en la música de por aquellos años muchas veces se fundó mucho de lo que se conoció años posteriores, y este primer disco de Verto no es la excepción.
Estas son las primeras grabaciones del proyecto musical Naujawanan Baidar, el último proyecto del artista, músico, cantante, multiinstrumentista y artista visual afgano-estadounidense Nik Rayne, alias NR Safi, líder de The Myrrors. Con raíces en los sonidos ahora en peligro de extinción de la cultura del casete afgana de la década de 1970, Naujawanan Baidar filtra la música tradicional de la herencia paterna de Rayne a través de un laberinto de zumbidos de drones, manipulación de cintas y percusión empapada de fuzz.
Esta es una revitalización de una fuente de riquezas exóticas del folk del Medio Oriente, materializada y revivida en una proyección moderna que aún también sigue tomando de otras fuentes, como la psicodelia o el minimalismo vanguardista, trocando las distancias entre tantas expresiones diversas y unificándolas en una sola expresión que se ramifica en bases de acercamiento drone donde se expresan las líneas armónicas y especialmente melódicas de una música típica de persa, alterada por bucles de sonido y de ruido de baja fidelidad, y con claras reminisencias y guiños a una cultura que en occidente nos es lejana y desconocida y que gracias a este experimento podemos conocer y aun así revivir en un happening exótico.
Los instrumentos folclóricos tradicionales (tanto acústicos como con amplificación casera) como el rubab, la armonia, la sorna y la tabla, se retuercen y se funden en tormentas eléctricas de bucle psicodélico donde se colocan a la misma altura tanto lo tradicional como lo experimental y vanguardista, expresadas en un ritual hipnótico de ecos milenarios y una ruptura de parámetros que se ve expresada a lo largo de una cohesión se sobrepasa las limitaciones del tiempo y el espacio de las imposiciones culturales, trayéndonos a occidente las riquezas de otros tiempos.
La producción sónica, en cuanto a la fidelidad de la calidad de audio, está sumergida en un ambiente embriagador que, enaltecido por los bucles de repetición infinita, se regodea a si misma allí donde convergen los vectores rústicos y milenarios, con una decadencia que hipnotiza ya desde el comienzo de la producción y que se mantiene en esa aura de baja fidelidad hasta el final del trabajo, con algunas saturaciones, ambientes de eco de dudosa procedencia, melodías de distorsión alterada y un sonido en general procesado bajo experiencias y experimentos que comenzaron bajo inquietudes lejanas al producto final y que se procesaron moldeando un producto final en el que se unieron en la misma mermelada psicodélica todos los ingredientes exóticos habidos de antemano.
Vale destacar el rol instrumental de los músicos que recrean con una fidelidad exacta el quehacer cultural tradicional de la cultura que intentan recrear y que lo logran con creces, utilizando instrumentos típicos y aplicándolos con una veracidad cultural muy alta. A esta recreación cultural, que en muchos pasajes vuelca por doquier una alta dosis de misterio y misticismo religioso, hay que sumarle el aura psicodélica que brota de las reverberaciones alteradas y las distorsiones que surgen de instrumentos electrificados que son propios de experiencias psicodélicas y que se conjugan a la perfección con los elementos tradicionales, incrementando aún más esa sensación hipnótica, mística, religiosa, psicodélica, espiritual, etc.
El trabajo fue lanzado el 24 de noviembre de 2018 en formato cassette. Las pistas se cortaron a lo largo de 2017 como una especie de cuaderno sónico, que documenta la evolución del proyecto a medida que tomó forma por primera vez. Aunque la mayoría se concibió originalmente como nada más que demostraciones o bocetos impresionistas, el enfoque espontáneo y destartalado de las cintas finalmente se consideró más que acorde con el espíritu del proyecto.
En septiembre de 1967 es creado, en Hamburgo (Alemania), el sello discográfico de biblioteca ‘’Selected Sound’’, planeado desde un comienzo para volverse un lugar de desarrollo y búsqueda sonora, dando lugar así a una serie de músicos, de diversas nacionalidades, que concluían en la misma intención de hacer música fusión desde variados géneros. Comienzan a desfila por el sello, ya desde 1968, una buena cantidad de producciones comprendidas entre el jazz, soul, jazz-funk, Easy Listening, llegando a alcanzar, en los años venideros, algunas fusiones con big bands y otras incursiones.
El sello fue creado por Peter M. Majewski y fue cuna para el desarrollo de varios músicos asociados, quienes usaron el lugar como una suerte de impulsador, aprovechando para desarrollar y experimentar con diversos trabajos. Una figura importante en esto sería Roland Kovac, un músico, compositor y arreglista austriaco, con formación clásica, quien participó de la fundación del sello y ya desde un comienzo tuvo un lugar de protagonismo con un sinfín de lanzamientos propios, bajo su nombre, bajo pseudónimos, bajo distintas formaciones.
La producción de Roland Kovac para el sello ‘’Selected Sound’’ fue enorme, siendo tal vez el mayor aportador de producciones, inventos y lanzamientos del sello, experimentando con rock, jazz, soul, funk, easy listening y otros experimentos, la mayor parte de su producción y su carrera parece haberla manejado bajo este sello.
‘’Roland Kovac New Set’’ es otro producto del desarrollo de Kovac, quien ya había trabajado con diversas formaciones y grupos. Este ensamble estaba integrado en su totalidad por músicos de estudio, de sesión, todos provenientes del mismo sello y quienes venían trabajando junto a Kovac desde un comienzo. Ellos continúan los desarrollos alcanzados previamente, dentro del jazz y el Easy Listening, e incluso alcanzan a publicar un primer disco, bajo este nombre, dentro de esos estilo, aunque por alguna razón esto cambiaria para un par de sus discos publicados bajo ese nombre, cambiando rotundamente la dirección, rumbeando hacia tierras de experimentación y fusión con aires de psicodelia y prog.
‘’Love That’’, de 1972, es otro de esos lanzamientos de Roland Kovac que rompieron los cimientos de lo que venía haciendo el sello, incluso para lo que era su propio repertorio más enfocado el easy listening y a sonidos más concisos, para inmiscuirse en terrenos de experimentación ya del estilo del rock de la época, con roces con la psicodelia, improvisaciones en estructuras progresivas, extensas incursiones instrumentales, y una búsqueda que afortunadamente llevaron a cabo, gracias al sello discográfico que los abrigó y les dio la posibilidad de jugar en el estudio, el resultado está a la vista.
Este sonido consiste en exploraciones instrumentales que parten desde el rock pero que se endulzan con sabores funky-jazzy-bluesy-prog, una mermelada que gusta por sus improvisaciones deliciosas y sus arremetidas que van desde atascos hasta pasajes de variada índole que transitan por variaciones que se salen de la mera linealidad y dotan a las sesiones de un aire distinto.
El trabajo tal vez se puede dividir en dos partes, la primera en la que ejecutan tres incursiones con mucho sabor a blues y jazz. Y ya para el segundo lado del vinilo original el espacio estaba ocupado por dos piezas que parecieran enteramente improvisadas, tratando de dos sesiones extensas de música libre siempre dentro del rock, aunque es tan extensa y amplía la ejecución que pareciera como que estuviera haciendo rock progresivo.
Es un sonido que demuestra lo amplio de los músicos de la época que, sin ser necesariamente un sonido virtuoso, académico o técnico, aun así demuestra que los interpretes podían enredarse en sesiones y experimentar sin temores, dentro de un lenguaje conocido pero con una frescura que hace de esto una serie de exploraciones improvisadas muy interesantes. Un dato curioso es que de esta grabación participó nada menos que el mismísimo Brian Auger en órgano, por lo que no resulta extraña la calidad que el sonido alcanza. La formacion se completó con Peter Trunk en bajo, Keith Forsey en batería, Siegfried Schwab en guitarra electrica, y Roland Kovac en piano electrico.
El área de Pernambuco, en Brasil, se convirtió con los años en un punto de referencia a revisar dentro de la psicodelia de dicho país, siendo casi una rama dentro de la tropicalia misma, por la considerable cantidad de bandas y discos interesantes que salieron de los artistas que rondaban el área, siendo una dosis de discos como: ‘’Alceu Valença & Geraldo Azevedo’’ de 1972 por Alceu Valença y Geraldo Azevedo, ''Satwa'' de 1973 por Lula Côrtes & Lailson, ''Paêbirú'' de 1975 por Lula Cortes y Zé Ramalho, el homónimo ‘’Flaviola E O Bando Do Sol’’, liderado por Flavio Lira (alias ''Flaviola'').
Dicha escena estaba liderada por un colectivo de artistas fundado por Lula Côrtes e integrado por pintores, escritores, poetas, filósofos y músicos, entre los que aparecían nombres clave para el quehacer artístico de la región como Zé Ramalho, Marconi Notaro, Zé da Flauta, Lailson, entre otros. El colectivo vivía en una suerte de limbo artístico y espiritual girando en torno al típico espíritu joven de la época, girando en torno a la producción artística, el consumo de alucinógenos, la vida bohemia, las producciones auto gestionadas, el rock y la contracultura, etc, siendo esta escena un oasis en su país debido a la fuerte represión que vivía la cultura local por la dictadura militar que estaban sufriendo en esa época, dictadura que reprimía prácticamente toda la cultura y los medios hasta tal punto que los diarios tenían que poner recetas de cocina en sus portadas ante la incapacidad de poner noticias. La producción del mismo colectivo se vio afectada por esta censura.
Uno de esos artistas, salidos de dicha escena local, sería Marconi Notaro, quien también aportaría un interesante trabajo psicodélico tropicalista, grabado junto a Lula Côrtes y Ramalho, ‘’No Sub Reino Dos Metazoários’’, un artefacto de la psicodelia de la región, con goza de todos los aditivos sonoros de la zona como la especialización acústica en algunas composiciones que aparecen, llegando también a experimentar con efectos y alteraciones de estudio, además de tener una buena dosis de rock, con guitarras eléctricas acidas y buenos solos pesados a lo Jimi Hendrix.
Poco después de grabar el álbum clásico Satwa, Lula volvió al mismo estudio de Recife con su amigo, el poeta de culto y escritor Notaro, para grabar otro álbum igualmente mágico. Este trabajo es fruto de esa sociedad artística, en la que Notaro vuelca sus canciones melosas, aunque también por momento movidas, instrumentadas de forma generalmente acústica, en una mezcla con ritmos folk con tintes tropicales y bossa nova.
Muchas veces el sonido de eleva hacia la psicodelia lisérgica y hacia la espiritualidad, más elementos de la era hippie y que por supuesto también estarían rondando en la onda de los artistas del lugar. Las incursione acústicas dan lugar a que el sonido se volatilice y se sumerja sutilmente hacia ambientes pastorales, con acompañamientos percusivos y aires de bosque y hadas.
La música se eleva por exóticos experimentos eléctricos y efectos de estudio que induce al viaje lisérgico, efecto que es además incrementado por la implementación de aires de la música hindú, por lo que tenemos una buena dosis de psicodelia pura, ambientes de divague, lisérgia, y trance, seguramente ejecutados bajo la producción del mismo Lula Côrtes, quien ya había experimentado con sonidos acústicos y parece revivirlos en este disco, expandiendo su magia hacia otros lugares sonoros.
Algunas de las pistas no gozan de la mejor calidad, perdiéndose el sonido en efectos medianamente logrados y calidad de grabaciones regulares. Aquí hay rock, folk, psicodelia y elementos de música hindú, de ello sale una buena mezcla que no puede faltar en la biblioteca de la tropicalia y en los oídos de los interesados por el hipismo brasilero. Marconi falleció en el año 2000, habiendo vivido una vida en las sombras incluso en su propia ciudad, aunque habiendo dejado siete libros de poesía publicados y este interesante disco tropicalista-pernambucano.
Después de la caída de las descargas en el blog, ahora llega una nueva propuesta que es la de presentar bandas contemporáneas, del under de cualquier parte, esta vez se trata de un grupo que desde México nos comparte su música, la cual he decidido reseñar en este posteo. Muchas gracias a los músicos de la banda por el contacto y muchas gracias por acceder a responder unas preguntas que les he hecho para enriquecer esta reseña, sin más… no se pierdan a La Sustancia Divina! Para seguir a la banda pueden hacerlo en su facebook oficial ---> Fb: La Sustancia Divinao en su instagram ---> Ig: La Sustancia Divina
Afortunadamente la psicodelia, como uno de los movimientos artísticos más llamativos del siglo XX, ha logrado sobrevivir hasta el día de hoy, habiendo nacido del hipismo que comenzó como un movimiento contracorriente que rápidamente se expandió por gran parte de los EEUU en la década de los 60, y que, más allá de sus polémicas, de la sospechosa muerte de alguno de sus iconos referentes, y de su decaimiento hacia principio de la década del 70, ha logrado mantenerse vivo hasta el día de hoy, siendo, más que un movimiento, todo un estilo de vida instalado en comunidades con formas de vida alternativas y naturalistas, o estando instalado en ámbitos artísticos en los que todavía se rescatan las modas típicas, los encuentros con los alucinógenos y su consecuentes efecto introspectivo y espiritual, y, como no, el desarrollo de la experimentación en el rock, con fusiones, inventos, encuentros con culturas milenarias, y demás experimentos.
La Sustancia Divina es una floreciente banda mexicana que proviene de ese ambiente, nacida en el año 2018 como una propuesta que buscaba aunar sus conocimientos autodidactas en el rock con sus impresiones y aprendizajes tomados de experiencias con alucinógenos como el LSD, de lo cual surgiría una música obviamente psicodélica con inquietudes místicas y experimentos influenciados por la contracorriente de antaño y sus hazañas.
La banda nos contaba lo siguiente sobre sus orígenes: ‘’Los orígenes se centran en junio de 2018, cuando Iván Peña (órgano y voz) y Damián Rodvil (guitarra) deciden reunirse y crear el proyecto que en un inicio se llamaba "El Túnel del Tiempo", posteriormente se adhiere el bajista Ángel Cruz, mismo que vivió la transición de El Túnel del Tiempo a La Sustancia Divina, tiempo después se une el baterista Christian Martínez, con quien se termina de ensamblar el grupo, luego de ser contactado por Iván y haber escuchado el demo de Búsqueda Interestelar. Todos somos del Valle de México; la CDMX, Ciudad Neza y Ecatepec, respectivamente, pero ensayamos en la Ciudad de México. Si bien, Iván y Damián vienen de un proyecto fallido de psicodelia llamado "The Sacred Machine", Ángel venía de un proyecto llamado "The Bridges" y Christian de una banda llamada "Los Deads", por lo que ya llevamos 4 años tocando en general.’’
La música de esta banda parece salida de una máquina del tiempo proveniente directamente de los años 60, parecen haber bebido de esa fuente de inspiración, de la cual se nutrieron, se inspiraron, y de la cual tomaron mucho, como: el elemento de la improvisación colectiva en forma de zapadas, los elementos místicos que no pueden faltar en cualquier experimento con alucinógeno, el erotismo y la sexualidad, la poesía, el delirio instrumental, el encuentro con estilos o tramas hindúes, la crítica hacia un mundo moderno caótico y decadente, además de, por supuesto, el mismísimo rock, que es la fuerza dominante en su estilo y que funciona como amalgama entres todos estos elementos, ofreciendo un lugar donde la experimentación florece y donde lo misterioso toma su lugar.
Es que La Sustancia Divina no es cualquier banda, teniendo, además de un muy logrado sonido psicodélico, una faceta marcada hacia el misticismo, el cual aparece desde muchas vertientes en su concepción artística y humana, desde la hispanidad y el encuentro con el ser mexicano y su mitología, pasando por la experimentación con alucinógenos como el LSD o la psilocibina y su consecuente efecto introspectivo, además de la búsqueda artística y su encuentro con la psicodelia que ya de por sí encuentra a uno en una búsqueda de exotismos y tesoros internos, experimentaciones y desarrollo del autoconocimiento.
A principios de 2020 publicaron su canción ‘’Axolotl’’, que es, como ellos lo denominaron: ‘’una especie de fusión de rock progresivo, con latin rock y acid beat con elementos de lounge-bossa, que lanzamos en un 6-split llamado "Hispanodelia".’’ Posteriormente publicaron dos sencillos en calidad Demo, sumado a más material que publicaron en youtube que tiene audios de sus primeros años, así como una protoversion del tema ‘’Sinestesia’’, tema que compone su primer LP.
Y justamente, su primer lanzamiento de larga duración, el homónimo ‘’La Sustancia Divina’’, fue publicado en este año de 2022, LP publicado por el sello de ‘’Melted Sounds Records’’, por el momento sólo es digital pero están en la búsqueda de un sello que pueda publicar el material físico, incluido en vinilo. Un disco que llama la atención desde el principio, con un par de cortes cortos en forma de canción psicodélica muy al estilo hippie, con letras en español y buena instrumentación que hace el guiño a la psicodelia de antaño. Tal vez una característica del sonido de este disco sea la dinámica en ejecuciones rápidas, ligeras, estilo en el que la banda parece sentirse cómoda, con cambios rápidos, dinamismos frenéticos, coqueteos con el proto prog, delirio colectivo en sesiones con mucha improvisación, ejecuciones bien acertadas y pulidas que funcionan en velocidad, y un funcionamiento colectivo llevado a cabo de manera formidable.
El trabajo está compuesto por siete piezas de alto tenor psicodélico, tres de ellas rondando aproximadamente los diez minutos de duración, por lo que se puede ver la predilección de la banda por los desarrollos instrumentales, las búsquedas sonoras en estructuras bien planeadas, los desarrollos que funcionan bajo nociones conceptuales, pudiendo verse reflejado el trabajo previo del grupo en conjunto, ya que cada parte de las piezas, incluso de las partes improvisadas, está muy bien pulido y funcionan con gran fluidez, el trabajo de la banda es destacado en ese sentido también.
Otra predilección del estilo del grupo, similar a lo ya nombrado anteriormente, parece ser la extensa improvisación en sesiones, esto se aprecia en que el mismo disco presenta varias de ellas, aunque la madre de las misma tal vez tenga lugar en el track ‘’Mente Derretida’’ una dinámica canción psicodélica estirada con una sesión de improvisación hacia el final, donde aparecen solos de cada uno de los músicos entre guitarra, teclado, bajo y batería, otro elemento típico del hipismo contracultural que parecen haber tomado directo de esa fuente y que parecen haber dominado a la perfección. Segun la banda, el track ‘’Mente Derretida’’ consiste en lo siguiente: ‘’trata de la experiencia "crística" del viaje lisérgico al momento de adentrarse al Yo profundo, a su vez, es la descripción paisajista de un sueño que tuve alguna vez. ’’.
Hay muchos temas en el disco, por recomendación de la banda voy a destacar el track llamado ‘’Espora’’ que es un viaje conceptual que con guitarras hipnóticas y ambientes de ensueño comienzan a tomar vuelo en una pista que comienza sutilmente con intervenciones instrumentales en forma psicodélica, para luego remontar hacia una canción, la cual termina hacia el final con una suerte de raga liderado por la guitarra. Según la banda: ‘’trata de una viaje de psylocibina, en el fondo, subliminalmente, se escuchan los cantos de María Sabina, posteriormente, todo se torna a un ambiente de reencarnación para terminar con un místico rāga.’’
Aunque en realidad el disco es muy extenso y hay mucho que explorar aquí, tal vez lo mejor sería dejar la descripción aquí y esperar que los interesados se metan de lleno en el trabajo a descubrir y viajar por sí mismos, momentos psicodélicos alegóricos no van a faltar para estimular el viaje, la introspección, la indagación en el ser y en los tesoros internos y etéricos que se suelen encontrar en este tipo de música y este tipo de experiencias. La Sustancia Divina hace honores a la psicodelia, reviviendo mucho de ese estilo y manteniéndolo refulgentemente con vida, por lo que su música encaja a la perfección en este blog, solo queda disfrutar de su música que tiene su propio fulgor, su historia, sus conceptos propios, sus visiones y un espíritu que se mantienen brillando con un luz propia.
Y a continuación los dejo también con unas preguntas que les realicé a los músicos de la banda y que muy amablemente me respondieron, una serie de preguntas desarrolladas por ellos para ayudar a seguir indagando en la cosmovisión e ideas que tiene el grupo sobre varias cuestiones relacionadas con la música, la espiritualidad y el arte:
Cuáles son las influencias musicales de la banda?
Consideramos que cada uno tiene influencias personales, pero en este caso, todos coincidimos en algunos subgéneros y estilos, como el psych rock, el protoprog, el latin rock, el heavy psych, el garage así como el psych-garage, el beat, el rāga rock, particularmente de aquellos años ácidos de 1960, así como la Onda Chicana y la Ola de Avándaro, incluyendo sonidos frescos del neopsych actual.
Por qué decidieron hacer psicodelia? Y cuáles son sus referentes del género?
Consideramos a la psicodelia como un estilo musical que contribuye a la expansión de los sentidos y la mente, además de influir mucho en la introspección y el análisis de la realidad que nos rodea, así como de entender la extraña cuestión del Ser por medio de la psicodelia, así como de las sustancias sonoras, literarias y antropomorfas en búsqueda del Sentido. Nuestros referentes son principalmente clásicos, como Iron Butterfly, El Ritual, Strawberry Alarm Clock, Led Zeppelin, Deep Purple, The Byrds, Pink Floyd, Tinta Blanca, Los Dugs Dugs, Clear Light, St. John Green, The Mothers of Invention, Dedalus, Ultimate Spinach, Quicksilver Messenger Service, Los Spiders, entre otros.
Son músicos con formación teórica? o son autodidactas?
Afortunadamente, todos somos músicos autodidactas que de alguna manera, el tiempo nos llevó a aprender la "teoría" de manera personal, pero actualmente seguimos las bases del principio de improvisación y del principio de experimentación, así como de una línea narrativa musical similar al prog rock, pero sin entrar en esos terrenos más matemáticos, sino en la estructura paisajista y ahí es donde entra nuestra magia ácida.
Me has dicho que algunas pistas están influenciadas conceptualmente por viajes con alucinógenos? Como fue la experiencia? Crearon algunas canciones a partir de viajes con alucinógenos?
Sí, canciones como Espora, Mente Derretida, están inspiradas en viajes con psylocibina y ácido lisérgico, respectivamente, sin embargo, las canciones Sinestesia y Búsqueda Interestelar sí nacieron como maquetas inicialmente bajo las influencias de ácido por parte del guitarrista, antes de la existencia de La Sustancia Divina, tiempo después se empezaron a ensayar en la banda. Años posteriores, durante un ensayo sacamos algunas canciones bajo ese estado psicotrópico que estarán en el próximo LP.
Viendo el nombre de la banda, qué relación tienen con el lsd? Han consumido antes? Suelen consumirlo actualmente? Como los influyó artísticamente?
Justo para el nombre de la banda nos basamos en las siglas del ácido lisérgico (LSD), de ahí el primer significado. El otro significado es un juego de palabras de un término alquímico/cabalístico para definir la materia con la que se hizo la realidad, agregando la referencia a lo que comúnmente mucha comunidad se refiere al ácido, como de una manera respetuosa o irónica, de ahí el nombre La Sustancia Divina. Y bueno el consumo es normal, no frecuente, salvo por ocasiones especiales por parte de todos, y la influencia que llegó a tener quizás fue en que nos gusta improvisar bajo ese estado. Para Christian, el interés llegó por medio de influencias, entre las que destaca William Blake y su referencia sobre la apertura de las puertas de la percepción.
Me has hablado de experiencia cristica, reencarnación, el yo profundo, etc, podrías ampliar eso? Que relación tienen con el misticismo? Han tenido experiencias místicas? Podrías detallar o narrar alguna? Cuál es tu cosmovisión o creencia sobre el misticismo?
R= En lo personal, tratamos de que nuestras letras sean como un guía espiritual durante nuestras canciones, no siempre tiene que hablar el rock sobre el desenfrene y violencia, o cosas así, sino que nosotros optamos también por la lírica de las letras filosóficas, la descripción de los viajes. Por otro lado, en la vida cotidiana se viven experiencias místicas de las cuales no llegamos a percibir, pero se dan en cosas simples: un paisaje, la música, el arte, un acto inesperado.
Están en contacto con las tradiciones milenarias de México (música, misticismo mitología, etc.)? Que influencia tuvieron sobre la banda?
Siento que eso es parte fundamental de nosotros, es decir, no olvidamos nuestras raíces tanto prehispánicas como hispánicas, son parte esencial de la historia de México y Latinoamérica, pero en esencia, la cosmovisión de nuestros ancestros forma parte del nuestro, y con ello, tratamos de plasmar esa fusión de cosmovisiones fundidas en una sola y a través de la música, por ejemplo, tenemos nuestra canción Axolotl, en la que unimos nuestras influencias musicales con la intención de querer narrar un mito mexica a través de la lengua del español, en este caso, nos coloca en nuestra condición de mestizo hispano, así como la descripción de nuestro lugar, sobre las cuatro aguas en un lugar de poder.
Hay movida de psicodélia en México? Conoces algo sobre la escena psicodélica de tu área/país?
Hay movida de psicodelia en México, pero no tiene mucha difusión, además que se concentra en lugares "underground", sin embargo, la escena más psicodélica e histórica fue la que se dio a finales de 1960 y principios de la década de 1970, aquí en el país. Pese a eso, la escena psicodélica va creciendo gracias diversos colectivos que reúnen bandas y proyectos que hacen psicodelia; colectivos como Melted Sounds Records, Vibraciones 60s, Psych-Out, Zapa Records, Hipnosis, Psicofest, entre otros.
Ya sé que está muy fresco todavía este primer material, pero, después de este formidable trabajo, cual es la paso a seguir en la psicodelia? Más experiencias místicas? Más viajes? Experimentos aún más delirantes? O quizás girar hacia el proto prog? O quizás seguirán en la psicodelia? Que miras tienen a futuro?
Por el momento queremos enfocarnos a difundir este material que tardó en consagrarse por cuatro años, aunque las canciones estaban listas desde hace dos, pero la pandemia influyó mucho en la constante interrupción de nuestro avance. Además, nuestro fuerte es la "psicodelia", no estamos cerrados a experimentar con nuevos subgéneros, ya que seguimos la filosofía del "Take a Trip", como se decía en los 60s, además de trabajar y mejorar nuestro sonido para dar mejores experiencias musicales, así como llegar a mas gente y escenarios, sin embargo, primero esperamos en que los escuchas y los psiconautas disfruten de este LP, bastante experimental y que les garantizará una experiencia sonora y psicodélica muy buena. En tanto, ya tenemos algunas canciones del segundo LP que están en proceso y que iremos dando a conocer poco a poco.
Que vision tienen de la musica en general? hacia donde creen que se dirige la musica moderna? que vision tienen de la musica de masas o comercial?
Somos una banda que gusta de compartir su música al público en general, si bien estamos enfocados en el estilo psicodélico y en las reminiscencias de los 60s-70s, optamos por compartir y expandir la psicodelia a nuestra manera. En este caso, opinamos que la música popular y masiva está enfocada a cierto público que gusta escuchar lo que es tendencia, a veces puede manchar la esencia de una banda; de la música comercial, creemos que es buena siempre y cuando se respete la esencia del artista y no se lucre con esa música y tenga un objetivo positivo.
Que es la hispanodelia? de donde surgió el término y qué significa?
La "Hispanodelia" fue el nombre o término que propuso La Sustancia Divina al momento de organizarse con las otras bandas de nuestra canción Axolotl cuando la lanzamos en un 6-way-Split.
El término hace referencia a la combinación de la palabra "Hispano/a" (que es relativo a los países americanos que heredaron cultura de países europeos ibéricos, como España, y que a su vez tienen como lengua el español), con "psicodelia", por lo que podría decirse que significa "la psicodelia hispana", más que nada porque nosotros optamos por componer en español y resaltar la importancia de nuestra lengua.
Aquí hay un extraño artefacto, un disco psicodélico que funciona como animador de fiestas, pero de fiestas que, primero tienen la impronta hippie-psicodelica-freak y que por ende no son solo divertimentos colectivos sino muchas veces acid-tests o aquelarres similares, aunque también por otro lado es un sonido oscuro, una psicodelia oscura, con emociones a flor de piel, malos momentos reflejados en las letras, un cantante bastante crudo y no tan técnico, con variables en la composiciones y algunas experimentaciones, por lo que la fiesta aquí propuesta se acerca más al mal viaje que a un viaje espiritual de luz. Algunas canciones, dependiendo de cada uno, pueden volverse difíciles de escuchar, ayudan las letras en ingles difíciles de comprender al público no tan acostumbrado al idioma.
Es un aire oscuro el que ronda por entre las composiciones, un aire tragicómico con títulos como ‘’Sad Song’’, ‘’Mama’s Funeral Song’’ o ‘’I Cry In The Morning’’, que dejan de ver que algo oscuro pasaba en la vida del autor y con suerte se haya canalizado a través de la creación y grabación de estas canciones. El clima en general es alicaído, pero muchas veces también dinámico, como invitándonos a una fiesta extraña en la que muchos temores están bien presentes, y aunque aun así están siendo cantados con considerable consistencia.
Ciertamente también es un álbum que tiene una buena dosis de experimentación, entre algunos efectos de estudio y algunas invenciones peculiares en la composición, la armonía y la forma y estructura de las piezas, hay elementos de jazz o jazz rock, blue eyed soul, psicodelia, pop y algo de rock. Algunas canciones son rusticas, con instrumentaciones sencillas o sin percusiones en batería. La calidad de la grabación muchas veces tampoco es la mejor pero eso ayuda a fomentar ese mito rustico de los sonidos psicodélicos desconocidos que aun siendo desconocido pueden deslumbrar, o por lo menos llamar la atención.
Es una especie de álbum conceptual con los lados titulados "Antes" y "Después". Las composiciones son de variadas manufacturas, bastante experimentales. En general el estilo de las piezas es el mismo, una mixtura entre el jazz y el pop psicodélico, con armonías en teclado que amplían las miras de la composición, algunos agregados también jazzeros como solos de saxo, y una frescura en general que hacen de este un artefacto atractivo para escuchar.
Es un lanzamiento extraño, otro más publicado por el desconocido sello discográfico californiano de corta duración VMC, que también ha publicado otros artistas ‘’menores’’ como Pacific Ocean, Duke Baxter, Eastfield Meadows o The David.
Hay un momento divertido en el disco, en el tema ‘’You Gotta’’, en el que Dennis Olivieri habla con un tal Jack (seguramente se trate de Jack Elliott, guitarrista que participa de la grabación del disco), en la que ambos se ponen a hablar entre sí en un dialogo divertido, en un momento de interludio improvisado de la canción, diciendo algo así como: ‘’Alguna vez practicaste reírte? Practicar reírte desde tu estomago, primero es una risa mecánica, no importa, simplemente reírse, pero muy pronto te estarás riendo de tu propia risa y te dará gracia de que en realidad te estar riendo de verdad’’. Lo practiqué cuando estaba escuchando el disco, y realmente es así, terminas riendote de la misma risa.
El trabajo está cubierto por una extraña portada creada en técnica de collage que muestra a Olivieri desnudo y mostrando sus manos llenas de personas, rodeado de psicodelia multicolor que cubre todo al paisaje, mientras una energía extraña cubre el protagonista de la portada. De la grabación del álbum participaron Dennis Olivieri en piano y voz, Thomas Organ en Autoarpa, Ronnie Brown en Bass, Tommy Scott en Saxo, Jack Elliott en Guitar y Eddie Greene en percusión y batería.
Esta es una delicia del folk under de Los Ángeles, CA, EE. UU., no son un clásico aunque lograron un éxito, "The Eggplant That Ate Chicago ", que alcanzó el puesto 52 en el Billboard Hot 100 en 1966. Si te interesó la música de bandas freak-hippie tempranas como The Fugs, The Godz o The Holy Modal Rounders, de alguna manera relacionados a Dr. West's Medicine Show And Junk Band por el estilo acústico y tradicionalista, aunque estos últimos sean más clásicos y no tan enfermos aun así siguen la misma línea de irreverencia, música con cierta especialización en cuerdas y letras polémicas y divertidas.
‘’The Eggplant That Ate Chicago’’ fue su primer lanzamiento, con un hit en formato simple homónimo del tema ‘’ The Eggplant That Ate Chicago’’ de 1966, y el disco de larga duración propiamente dicho lanzado en 1967. Lamentablemente al álbum completo no consiguió el éxito comercial del sencillo y algunos simples posteriores tampoco llegaron a las listas. La banda lanzó, en 1968, un sencillo final bajo el sello Gregar, pero se separó poco después.
En una combinación entre jug band, folk, ragtime y psicodelia, ‘’The Eggplant That Ate Chicago’’ funciona de forma rustica entre canciones cortas, pegadizas, divertidas, composiciones con progresiones simples en guitarra, fáciles de tararear y recordar, acompañándose por tablas de lavar, kazoos y varios objetos de metal que a menudo eran golpeados con baquetas para obtener de estos un acompañamiento.
Tal vez algunas de las mejores cosas de este disco sea la portada multicolor acida que derrite el tiempo y sugiere un sonido más ácido de lo esperado, el resultado de la música no es explícitamente psicodélico, aunque un poco lo es, el sonido es un reflejo de la época, freaks rompiendo con la formalidad de la generación pasada, protestas contra la guerra, sustancias psicoactivas, música tradicional estadounidense, arte multiplicándose, y nuevas generaciones de jóvenes entusiastas en la música que, sin ser profesionales, se encontraban con oportunidades ante la tecnología de grabación de la época y dejaban su registro para la posteridad.
Aunque, de todas las canciones que componen el disco, la mayoría se parecen bastante entre sí, técnicamente hay recursos que se utilizan mucho, de todas formas este no es un intento de obra maestra ni mucho menos, fue un intento divertido de Norman Greenbaum, cantante de folk de Nueva York al que le gustaba la música de jug band, de crear un delirio junto a otros delirantes como él. El enfoque psicodélico del grupo era demasiado excéntrico para el mundo del espectáculo convencional, sin embargo, el resultado fue bueno, con relativo éxito local y que sirvió para alcanzar más recursos, tiempo en estudio y contactos en la industria.
El grupo estaba integrado por su líder Norman Greenbaum en voz y guitarra, además de Bonnie Lee Wallach en guitarra, kazoo, tambourine y otras percusiones, Evan Engbar en table de lavar, bajo y otros elementos, y Jack Carrington en guitarra de seis y doce cuerdas. La mayoría de las canciones fueron compuestas y arregladas por Greenbaum.
En 1968, tras la disolución de la banda, Greenbaum se lanzó en solitario como artista folk y envió a Reprise Records una copia de su canción "Spirit in the Sky", en versión acústica simple, sin imaginar al repercusión que tendría. El sello captó la oportunidad, llamaron a Greenbaum y produjeron una versión rock del tema. Reprise lanzó el tema en u disco homónimo a fines de 1969, el disco alcanzó el número 1 en casi todos los mercados del mundo. Vendió dos millones de copias entre 1969 y 1970, fue galardonado y el tema se convirtió en un emblema de la epoca siendo utilizado en películas, anuncios y televisión.
Sobre Dr. West's Medicine Show and Junk Band, en 1969 apareció un compilado llamado ‘’ Norman Greenbaum with Dr. West's Medicine Show and Junk Band’’, y en 1998 apareció ‘’ Euphoria: The Best of Dr. West's Medicine Show and Junk Band’’, que revivía el material que dejó el grupo entre discos y simples.
Esta fue una pequeña comuna hippie ubicada en Ibiza al momento de la grabación de este disco, pero que anterior y posteriormente han viajado por el mundo, una comuna integrada por algunos artistas de varias partes del mundo, como Escocia y España, unidos por el interés por el arte, la música, la búsqueda en esos terrenos, el interés espiritual, y por todos los quehaceres que hacen a los viajeros que recorren el mundo, buscar y encontrar nuevas y excitantes bellezas de cada lugar, para continuar nutriéndose de cada experiencia.
Pasaron dos años viajando por la India, desarrollando su sonido y su arte en general, y eso se aprecia al instante, por la instrumentación agregada y el clima espiritual de la música y la letra, hablando de ‘’transmutar la mortalidad’’ o frases similares que dejan ver que estaban envueltos, por lo menos de jóvenes, en ese estilo de vida, típico del hipismo, que busca debelar, desde la espiritualidad, la vida alternativa y el exotismo, el sentido de las cosas conocidas.
En sus viajes, no solo exploraron el mundo sino que también experimentaron con distintas religiones, tratando de no apegarse a ninguna y de obtener un aprendizaje de cada una de ellas, desde el budismo y su búsqueda de develar las ilusiones de la mente, el antiguo Egipto, el cristianismo, la poesía del norte de Islandia, la música del islam, los alquimistas y las transmutaciones, viajes emprendidos originalmente desde sus raíces escocesas y vascas.
Esta música contiene una belleza muy particular, comparable a otros colectivos hippies dedicados al folk y la espiritualidad, como A Cid Symphony, o artistas como Malachi o Peter Walker, quienes ponían en manifiesto su búsqueda espiritual, muy influenciada por culturas milenarias y sus filosofías, y la volcaban en la música de forma directa, a tal punto que sus músicas eran empresas vivientes de espiritualidad, búsquedas internas, momentos rituales, arte expresado en carne viva y en dosis muy intensas. Este era el campo perfecto para el florecimiento de la psicodelia, pero también para otras fusiones y experimentaciones, siempre en terrenos del folk espiritual.
Instrumentalmente el sonido está finamente ornamentado con finos trabajos de cuerdas acústicas de guitarra y voces, que funcionan armoniosamente entre sí y dan un aire místico a todo el asunto, a esto sumarle la aparición del sintetizador que brinda un aire innovador a todo el repertorio de folk pero que era totalmente entendible su aparición sónica ya para ese año de 1977/1978. Además aparecen arreglos de flautas y tamburas hindúes.
El estilo teje puentes hacia muchos emprendimientos similares, es ‘’música del universo’’ cuenta con un aura personal de espiritualidad concebida desde el autodescubrimiento, con sabores de todo el mundo, desde el exotismo hindú, imágenes de las montañas heladas de Islandia, y psicodelia hippie y todo su repertorio espiritual, místico, mágico, religioso y alquímico.
Pese a toda la búsqueda religiosa, no quedaron atrapados en ninguna religión, siendo fieles a su búsqueda creativa desarrollaron a The Book Of AM como su propia filosofía de vida, tratando de ser el centro creativo de su propio mundo.
The Book Of AM es un álbum conceptual muy ambicioso creado y publicado en varios tomos, originalmente apareció solo el libro, un libro de más de 100 páginas donde el grupo volcaba toda su experiencias y ‘’sabiduría’’. Luego, tras la negativa de las editoriales de publicar el libro, el grupo decidió crear una música que acompañara los textos, así nacieron las partes I y II de los discos. En 1978 fue publicado el primer disco conteniendo solamente la Parte I, el cual venía acompañado con el libro físico original.
Fue recién en 2006 que apareció una publicación de la Parte I & II conjuntas junto a una reedicion del libro original, publicado por Wah-Wah Records de Barcelona. Y el álbum doble Parte III & IV, la continuación de las primeras partes, fue publicado recién en marzo de 2013, editado también por Wah-Wah Records, y cuenta con los mismos cantantes que en 1977, con la incorporación de Will Z. , como cantante y músico.
Ahmed nació en Karachi, Pakistán, pero se mudó a Nueva Jersey y luego a Minnesota a una edad temprana. Después de viajar por todo Estados Unidos, se instaló en el sur de Minnesota. Actualmente parece que reside en Portland, Oregon. Sus primeros álbumes fueron autoeditados en tiradas limitadas y privadas bajo autogestión y se grabaron en una granja aislada. Su primer lanzamiento fue Between Two Skies, publicado de forma independiente en el año 2005.
La demarcada peculiaridad de la portada del trabajo se ve reflejada también en el estilo y carácter de la música, netamente acústica, con momentos desconcertantes y algo penumbrosos pero agradables de escuchar, con mucha presencia de guitarras acústicas extendiéndose como redes instrumentales a lo largo de todo el disco sobre las que descansan varios elementos, principalmente algunas voces oscuras e hipnóticas que parecen susurrar su pena pero también algunos pianos, efectos determinados de sonidos indefinidos o agregados improvisados en guitarra eléctrica.
El carácter de las composiciones es similar a ragas o mantras ya que estas se esparcen en formas libres, repetitivas, en forma de sesión exploratoria cuasi improvisada que transita por varios estados internos y gravita dentro de un aura melodiosa y melancólica particular. Es un sonido desolador, algo terrorífico, que transmite sensaciones muy particulares a lo largo de trip acústico que sostiene con insistencia y dejadez hacia el bien común, es un experiencia de encuentro con una interioridad con dejos melancólicos y oscuros muy presentes.
El estilo es similar a algunos ejemplos de vanguardismo de principio de los 70s, con dejos atmosféricos y una búsqueda particular del sonido expresada en piezas que no buscan aclararse en una melodía de la que nunca saldrán sino, más bien, pareciera que la meta es recrudecerse en un encuentro entre auras penumbrosas del ser donde se expresan algunos sentimientos internos y espectrales y donde ocurren todo tipo de fenómeno nocturno.
Hay una aparición eventual de algunos instrumentos eventuales que brotan de la oscuridad, por aquí o allá, pero no parecieran recobrar mayor mérito que el de acompañar al elemento principal que es el de la guitarra que transita por interminables ragas acústicos, no tan pulidos en una técnica particular como podrían haberse expresado en otros artistas especializados, pero reforzándose a su vez en un estilo hipnótico y repetitivo que marca el decurso o tránsito de una cosa fantasmagórica que surge desde las tinieblas y se establece frente al oyente como un ente con propia vida y propio ser.
Su dualidad multinacional y sus orígenes pakistaníes se pueden ver reflejados en la portada de este disco que muestra a una mujer con lo que parece ser un atuendo tradicional musulmán/paquistaní, a lo que se le suman los ojos ahuecados y la expresión de terror que parece reflejarse más en expresiones artísticas a inquietudes personales que se ramificarían a lo largo de todo su estilo musical y discográfico.
El pasado domingo 9 de Octubre (de 2022) tuve la enorme fortuna de presenciar el increíble concierto que nos brindó Pat Metheny y su banda en el teatro Gran Rex, en Buenos Aires, Argentina. Una noche calma, templada, con el ruido de la ciudad circundando las inmediaciones céntricas al teatro, el cual, al ingresar, nos transportó hacia un espacio tiempo aparte al que se estaba viviendo afuera. Pat dio un concierto glorioso, desplegó todo su poderío, no solo su técnica, sino también su magia y su pasión arrolladora.
Pero antes de que comenzara el gran concierto hubo un invitado que ofició de telonero al evento, un músico llamado Manu Sija, proveniente del norte argentino, que ejecutó unas bellas interpretaciones de composiciones propias (si mal no recuerdo), con estilos folklóricos del norte argentino, un gran artística en voz y bandoneón, instrumento que ejecutó porque, segundo contó él, fue el mismo Pat quien le hizo el pedido de que interpretara el bandoneón.
Hasta que, luego de unos instantes, comenzó el concierto en cuestión y la magia no se hizo esperar. De pronto el cuarteto de virtuosos comenzó su jornada arrolladora alo largo de lo que sería en la noche una lista enorme de interpretaciones, entre clásicos y composiciones principales en el repertorio de Pat.
Hubo muchas sorpresas a lo largo de la noche, fue tan largo el repertorio que es difícil calcularlo, pero comenzaron con algunos estándares del repertorio del guitarrista, hasta comenzar a pasar por distintos lugares. Por momentos el cuarteto funcionaba en conjunto, o por momentos se apagaban las luces por completo y aparecía Pat a solas con una guitarra criolla para interpretar alguna pieza o varias a la vez en meddleys impresionantes, hubo varios meddley en la noche, solistas y también en formato banda completa.
También hubo un juego en la formación en la interpretación de algunas otras piezas, ejecutando Pat una pieza junto a cada uno de los músicos que lo acompañaban: ‘’80/81 – Broadway Blues/(go) Get It’’ en dúo junto al baterista Antonio Sanchez, ‘’Phase Dance’’ en dúo junto al pianista Gwilym Simcock, y ‘’Waltz For Ryth/Our Spanish Love Song/Cinema Paradiso (Love & Main Theme)’’ en dúo junto a la contrabajista Linda May Han Oh.
Hubo momentos de estadares, momentos de meddleys, momentos de extensas improvisaciones donde la banda se enroscaba en zapadas muy largas, varios momentos solistas de Pat en guitarra criolla, solo, en medio del escenario, en medio de la oscuridad, iluminado solo por una pequeña luz, fue una noche completa y perfecta para el disfrute.
El grupo estaba integrado por los ya nombrados Antonio Sanchez en batería, Gwilym Simcock en teclas y Linda May Han Oh en contrabajo, cuatro excelsos ejecutantes en su matería en terrenos de jazz. Cada uno pudo lucirse y brillar en lo suyo, con acompañamientos brillantes y con momentos en los que cada uno tenía la libertad de aplicar su solo correspondiente.
Aunque por supuesto el protagonista de la noche fue el señor Pat Pat Metheny, con su técnica arrolladora, sus formación de gran nivel, su pasión increíble, su perfección a la hora de ejecutar en velocidad, su habilidad de sacar de la galera cantidades de recursos en ejecución de la guitarra en pequeños lapsos de tiempo, siendo todo el concierto un despliegue de nivel de elite e nivel mundial en terrenos de jazz.
Y otra sensación que quedó en el ambiente fue la generosidad del Pat, ya que nos brindó un concierto que duró ni más ni menos que casi tres horas, tres lujosas horas que fueron un ofrenda única para los oyentes presentes en el momento que tuvimos la fortuna de presenciar semejante acontecimiento musical. En realidad el concierto original duró menos tiempo, pero fue Pat junto a su banda quienes respondieron al pedido de ‘’bis’’ del publico una vez finalizado el evento formal, llegando a tocar alrededor de seis o siete interpretaciones más de lo planeado originalmente, llegando a extenderse el concierto total por mucho tiempo. Incluso había personas que habían emprendido el camino a la salida del teatro y tuvieron que volver porque no esperaban que el guitarrista volviera a aparecer y siguiera tocando después de tanto tiempo habiendo terminado el tiempo formal del evento. Realmente Pat fue muy generoso y tocó con la misma intensidad y pasión desde la primera a la última pieza, siendo casi tres horas de concierto interpretadas casi ininterrumpidamente, con pocos cortes de tiempo entre canción y con una lista enorme de piezas ejecutadas.
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