Trettioariga Kriget - Trettioariga Kriget (1974)

Trettioariga Kriget proviene de la escena sueca y se ubica entre el rock progresivo de su país, iniciáticos aun cuando estaban en la secundaria, alrededor de 1970. En ese momento tenían alrededor de diecisiete años y todavía estaban en la escuela secundaria. El salón principal de la escuela se utilizó en un principio como sala de ensayo. ¡Esta primera formación de la banda era un sexteto con dos bateristas! Incluía a Stefan Fredin, bajo, voz, Pocke Öhrström, guitarra, voz, Dag Lundquist, batería, Olle Thörnvall, armónica, guitarra, Dag Kronlund, piano y Johan Gullberg, batería. En 1971, Pocke, Johan y Dag K. se fueron y Robert se unió a la voz y la guitarra. 

En 1972, Olle dejó de tocar la armónica para concentrarse en las letras, dejando la banda formada únicamente por Stefan, Dag y Robert. Decidieron que necesitaban un buen guitarrista y comenzaron a audicionar a algunos guitarristas. A través de estas audiciones encontraron a Christer, quien se unió a la banda en el verano de 1972. 

La banda ensayó intensamente durante un año y medio y desarrolló un estilo propio bastante diferente a la tendencia principal del rock sueco durante los años setenta. Los jóvenes músicos maduraros su idea musical hasta que en 1974 consiguen un contrato con una disquera formal y logran lanzar su primer álbum de larga duración, el homónimo ‘’Trettioariga Kriget’’, nombre que significa en sueco ‘’guerra de los treinta años’’. Su primer disco fue lanzado el 1 de agosto de 1974, grabado y mezclado en un equipo Q8 Regular Matrix 4 Channel Stereo en ‘’Europa Film Studios’’, en Estocolmo, Suecia, entre mayo y julio de 1974.

También en ese momento consiguieron una nueva sala de ensayo en Saltsjöbaden. Una antigua discoteca underground a la que llamaban “Grunden”. Allí permanecerían durante mucho tiempo. El talento musical y la originalidad del grupo fueron debidamente reconocidos en las críticas. El álbum fue un clásico instantáneo y, a menudo, se lo considera el primer álbum de rock pesado de Suecia. Comenzaron a realizar giras extensas en Suecia y también realizaron varias presentaciones en vivo en la radio nacional sueca.

La música de este trabajo consiste en atascos pesados de rock que tienden a la complejidad, atascos duros liderados especialmente por una guitarra eléctrica que conduce a la banda a lo largo de pasajes típicos del prog, cambiantes e intrincados donde la banda se pierde y encuentra a sí misma en ebulliciones cuasi virtuosas. El sonido no es para nada sinfónico sino más bien progresivo puro y duro, rock duro plasmado en bases duras y contundentes a más no poder.

Se dice por ahí que la aparición de mellotrones en el disco le da un toque sinfónico e incluso similar a bandas como King Crimson, pero lo cierto es que los mellotrones poca incidencia tienen en el disco más allá de algún pasaje particular donde dominen, más bien cumplen un papel secundario de acompañamiento, casi siempre sonando en el fondo; el rol de esta banda es progresivo donde tanto el bajo como la guitarra cumplen un rol preponderante y marcan el paso de las cuerdas en el dominio del sonido.

El juego y el dialogo entre bajo y guitarras es constante, construyendo estructuras netamente progresivas con diálogos constantes entre riffs, arreglos, fraseos, arpegios, rasgueos y demás recursos que hacen del sonido una experiencia muy agradable debido a la versatilidad que alcanza el grupo, ubicándose entre el dinamismo y el poderío rockero.

El grupo parece no tener límites en su imaginación compositiva, las ideas fluyen y los cambios de tempo y estructuras se vuelven prácticamente constantes, manteniendo al grupo en un limbo de excelencia musical muy alto debido a las ideas alcanzadas en un prog rock duro y de punta. Para los amantes del género prog esto resultará una experiencia esclarecedora que se degustará desde la primera escucha, con cambios en dinamismo y velocidad, alta versatilidad del grupo en piezas muchas veces no tan extensas, conteniendo un mundo prog en cortos periodos de tiempo, ‘’cortos’’ para lo que  es el prog en general que muchas veces es plasmado en piezas muy extensas.

Cod: #1656

Frob - Frob (1976)

Esta es otra de esas bandas fugaces de la época, con un solo disco en su haber, una corta historia de vida y una desaparición inmediata en la escena, sin dejar mucho rastro en su paso pero habiendo publicado una interesante perla under como único disco en su haber, una historia que sale casi de memoria para muchas bandas fugaces de la época. Esto tal vez se deba a que era una época floreciente para la creatividad y la música fusión de todo tipo, momento que fue aprovechado por muchos para sumarse a la tendencia creativa estimulada por los hitos de los géneros de la época que mantenían un estándar alto de perfección e inspiraban a muchos con sus sonidos. O tal vez también la corta historia del grupo podría significar un intento comercial por hacer la música del momento y tratar de venderla a como dé lugar, teoría que no parece significar a este disco pero que tampoco es descabellada ya que en la época hubo muchos casos de proyectos fugaces creados por productores para establecer un sonido obsecuente al psych/prog para así venderse y nada más, desapareciendo rápidamente el grupo o banda en cuestión.

Formado en 1973 en Rheda-Wiedenbruck, Alemania, esta banda es recordada por el mundo prog por su sonido cohesivo y eficaz y su entrada hibrida de la guitarra rockera en un sonido fusión, el guitarrista francés de jazz-fusión era Philippe Caillat, banda famosa por ser formada por músicos alemanes más un francés. Grabaron su único álbum en Francia durante el invierno de 1975/76, el homónimo ‘’Frob’’ es una pieza recordada proveniente del under prog alemán de la época, sin tener nada que ver con el krautrock, y teniendo más que ver con el jazz fusión, en piezas netamente instrumentales donde la banda 

Esta es una música progresiva de corte jazz fusión caracterizada por los buenos atascos de improvisaciones, típico del género, entre órgano y guitarra eléctrica, aunque este trabajo se acrecienta también desde el rock, con una guitarra eléctrica sucia, que casi que lidera el sonido en todo el disco, es la encargada de dotarle a la producción un sonido más roto, sucio, rockero, decadente, mientras se fusiona con todo el grupo en una andanada de ideas prog fusión con sutiles cambios y buenos atascos por doquier, entre riffs y partes. La música seguramente sería más estilizada si no fuera por la irrupción de la guitarra eléctrica, que aparece y lidera en todo el disco, lo que hace al sonido más rockero, aun cuando esté ejecutando escalas de jazz.

La música poco tiene que ver con lo melódico o armónico en cuanto a canción, entregándose puramente a estilo fusión, endurecido por la influencia de un rock pesado y algo sucio que caracteriza a la guitarra y también engloba un tanto a los teclados. La aparición de la guitarra y el rock duro en medio del fusión da reminiscencias con lo que serían los tempranos The Tony Williams Lifetime que tenían un sonido similar en cuanto a un fusión duro y pesado y con acercamiento a la psicodelia. En el caso de Frob la banda está en un buen momento para su sonido, tal vez algo tardío, pero es bueno escuchar todavía estos experimentos en ese año.

La música es totalmente instrumental, cuasi virtuosa, con algunos ejecutantes con formación académica que aportaban su dinamismo y versatilidad a las bases. Así se construye el sonido, con estructuras en rock duro pero cambiantes al amoldarse al estilo fusión estilizada y dinámico, rápido, y con acercamiento a lo progresivo, por lo que las excursiones instrumentales  muchas veces transcurren a lo largo de varias partes internas antes de desarrollarse. La mayoría de las pistas cumple el estándar del jazz o jazz fusión en cuanto a que abren y terminan con motivos rockeros para contener en su interior sesiones de improvisación en los que los instrumentos líderes se florean con sus solos e improvisaciones, especialmente la guitarra y el teclado.

El origen del grupo tiene lugar en 1973, tocando en el área local de los pueblos de Rheda-Wiedenbruck, y recién en 1975 el grupo se estableció con su formacion definitiva y formacion que grabaría el único disco de la banda: Peter Schmits en organo, Klaus-Dieter Richter en bajo, Peter Meuffels en batería y el guitarrista francés Philippe Caillat.

Para 1975 no solo habían alcanzado la formación definitiva sino también la madurez musical como para grabar su propio material, fue así que gracias a un amigo cercano de Philippe Caillat tuvieron acceso a un estudio muy bien equipado donde grabaron las ocho piezas originales de la banda que componen el disco. También, gracias a un allegado a la banda, tuvieron acceso a un sello discográfico para publicar su primer disco, titulado ‘’Frob’’ y lanzado, con cierto delay en 1976 bajo ‘’Musikladen’’.

Cod: #1655

Akasha - Akasha (1977)

Aquí hay otra joya salida de la era final del progresivo, un momento en el que las bandas principales estaban declinando y terminando su esplendor, pero afortunadamente todavía sobrevivían entes progresivos que, diseminados por todo el mundo, mantenían vivo el género. Es el caso de Akasha, una extraña banda proveniente del under noruego que con su uso de mellotrones y sintetizadores a la máxima potencia revivían los sonidos de principios de la década y traían sabores de todo tipo, reminiscencias de muchos lugares que corren por las venas de este sonido.

Con letras de ciencia ficción, que parecieran haber sido creadas especialmente para la ocasión, y épicas electrónicas distribuidas por todo el disco, esta banda se las arregla para crear un trabajo progresivo extraño, con partes armónicas y cantos que muchas veces se lo compara con los psicodélicos Moody Blues, psicodelia que también parecen revivir y degustar en sus muchos ambientes delirantes del trabajo y en su uso del mellotrón, aunque la diferencia con estas bandas psych es la notable complejidad que Akasha manejaba, como un credo que se desplegaba de principio a fin, en lo que parece ser una puesta artística que no solo se manifestaba en la música sino también en las letras, sonido, efectos, además de las puestas en escena en vivo con juegos de luces.

Este es también un sonido oscuro, carácter que se acrecienta con la baja calidad del audio obtenida de la grabación original, grabado en un TEAC cuatro pistas, en un oscuro sótano de un hotel local, y editado originalmente por el pequeño sello BAT Records. Esto incrementa la leyenda, aumenta la oscuridad, le otorga el riesgo de ser un registro pobre, cosa que no lo es porque la oscuridad de la música acompaña su baja calidad y se conjugan, en este caso, de manera formidable en una puesta total lúgubre. De todas formas, el sello sueco Ad Perpetuam Memoriam se encargó de reeditarlo y mejorarlo para una tirada limitada en cd en 1995.

Sabores de sinfónicos con mellotrón a lo King Crimson, complejidad a lo Genesis, momentos eclécticos delirantes y voces tipo Van Der Graaf Generator, momentos de arreglos clásicos electrónicos a lo Emerson, Lake & Palmer, electrónica espacial a lo Hawkwind, etc., todo un repertorio de sabores, reminiscencias, elementos y aplicaciones se conjugan para dar vida a este experimento oscuro que es más que particular por sus atmosferas electrónicas, que incluso bien podría tratarse de influencia del space o del krautrock mismo, y sus momentos de delirio que renuevan la propuesta musical y la hacen algo muy propio.

La puesta es muy ecléctica y cambiante, lo que comienza como un ajetreado atasco sinfónico termina como cancion electrónica, u otros momentos como la pista primera ‘’ Isle Of Kawi’’, nos muestra un terrenos de alta complejidad onde la banda se florea con un sinfín de momentos sinfónicos y electrónico especiales. Ya para ‘’Light And Darkness’’ aparece una guitarra eléctrica sucia y pesada y la banda toma tintes rockeros puros, aunque sin perder el sabor prog.

El disco tuvo una tirada corta y fue lanzado por un pequeño sello local con seguramente también una tirada local y de poca repercusión, la magia de los años, el internet y el sonido han hecho el resto, añejando un disco extraño que merece al menos algo de reconocimiento en su era. Se dice que la versión original del vinilo de este álbum es ahora un artículo de coleccionista, codiciado por muchos y figurando a altos valores en el mercado clandestino. 

El grupo estaba formado por el vocalista Sverre Svendsen, el baterista Kjeil Evensen, el bajista Arild Andreassen y el tecladista/guitarrista Jens Ivar Andreassen. También tienen a Tor-Jonny Hansen por la letra de "Death Hymn", e incluso le dan crédito a Bjørn Hugo Gjøen por el espectáculo de luces psicodélicas.

Cod: #1654

Niemen Aerolit - Aerolit (1974)

Czesław Juliusz Wydrzycki, mejor conocido como Niemen, fue un pionero y una figuro importante en la escena rock de su país, Polonia. Desde un comienzo fue una figura que dio de que hablar, con su estilo de vestir hippie y su pelo largo que en esa época y en el contexto político represivo era todo un acontecimiento. Debutó como cantante de rock y soul a principios de los años 60. Grabó "Dziwny jest ten świat" (Strange Is This World) como una importante canción de protesta polaca en 1967, y fue uno de los primeros pioneros de la música psicodélica en la Polonia comunista a finales de los 60.

Su estilo está marcado por sus propias visiones, es por eso que ha desarrollado sus propios motivos, sus propias estructuras, y su propio estulo música dentro del espectro de lo progresivo, a menudo considerado como el Rick Wakeman polaco, pero en realidad Niemen tuvo un rol con relación a la cultura autóctona de su país, relacionando se con las músicas tradicionales y la poesía local. 

Niemen irrumpió la escena polaca (y europea) desde finales de los 60s, con trabajos de música popular dentro del pop y la psicodélica, participando además de varios festivales, en los que destacaría con sus presentaciones y se haría de la atención de productores que comenzarían a interesarse por sus propuestas. Desde comienzo de la década de los 70s comenzaría a experimentar con las músicas que eran tendencia en por aquel entonces, psicodelia, rock progresivo, jazz-rock y electrónica, de estos arrebatos saldrían discos imprescindibles como ‘’Enigmatic’’ de 1970.

A principios de los 70, Niemen grabó tres álbumes para CBS International, incluido un lanzamiento de 1974 titulado ''Mourner's Rhapsody'' con Jan Hammer y Rick Laird de Mahavishnu Orchestra, el violinista eléctrico y el saxofonista Michal Urbaniak de Fusion, el bajista Seldon Powell de la banda de Buddy Rich, y el pianista de sesión Don Grolnick. El álbum incluía una versión de quince minutos de "A Mournful Rhapsody".

De sus años tempranos se destacan varios de sus proyectos como Niemen Enigmatic o Grupa Niemen, y de esa época de principio de la década del 70 aparecería otra de sus grandes obras, ‘’Aerolit’’, de 1974, un trabajo de corte progresivo con influencia de las bandas mainstream de la época pero plasmado bajo sus propios motivos y ocurrencias, por lo que las elaboraciones por momentos se vuelven extrañas y poco predecibles.

Niemen llevó la nueva banda al estudio en 1974: Niemen Aerolit. Menos de un año después, lanzaron un álbum lleno de los ricos sonidos del órgano Hammond, mellotron y sintetizadores Moog. El album fue grabado en el estudio PN en Varsovia en noviembre de 1974. La banda se separó debido a la muerte del baterista Piotr Dziemski en marzo de 1975.

Esta es una mezcla de música progresiva, rock, experimentación con sintetizadores, donde aparece también la influencia del jazz rock y el rock sinfónico con mellotrones, toda una incursión progresiva con buenos atascos, buenos riffs, buenas invenciones e inventos varios para dar vida a un sonido puro del mundo prog que le hace honor a su época con una elaboración fina y esmerada.

En ‘’Daj Mi Wstazke Blekitna’’ se combinan unas guitarras acusticas de jazz con el sonido sinfónico de mellotrones, una combinación pocas veces escuchada en su momento y que le da un toque fresco al disco, saliéndose del prog puro. También la pieza ‘’Pielgrzym’’ se sale del molde del disco, siendo una pieza dominada por el canto de Niemen, una intervención vocal casi gutural, pasional, étnica, un canto turco/griego que se va transformando en una pieza con tintes arábigos que se combinan con el sonido del sintetizador, un sonido inusual que muestra la profundidad del autor.

Cod: #1653

Crucis - Los Delirios del Mariscal (1976)

Generalmente en el inconsciente colectivo, por lo menos en lo que en la Argentina respecta, cuando se hace un recuento de las mejores bandas del país, se tiene en cuenta muchas formaciones históricas pero casi siempre se deja de lado a los grupos progresivos de la década del 70, es que el rock progresivo, a no ser por algunos años durante la década, siempre se ha mantenido lejos del radar del gusto popular, debido tal vez a la complejidad que manejan generalmente estas bandas, entre partes, armonías, fusiones, intros, desenlaces y finales, y una extensa lista de experimentos que caracterizan al género y hace a cada disco de tal estilo único e irrepetible, esto aleja a estos sonidos de los gustos masivos y los vuelve propios para quienes se animen a salirse de estos causes convencionales, en búsqueda de nuevas y excitantes aventuras en la música.

El mismo Astos Piazolla tildó a la música de estas bandas argentinas como ‘’la nueva música de Buenos Aires’’, ya que en la década del 70 estos grupos, entre los que aparecían Alas, Crucis, La Máquina, Invisible, etc., eran la fuerza dominante en el rock argentino, con lanzamientos emblemáticos y creaciones fulgurantes dentro de la canción popular de corte progresiva.

Crucis es parte de la crema del progresivo argentino y el progresivo sudamericano y lo deja bien en claro con su segundo lanzamiento, el legendario ‘’Delirios del Mariscal’’, publicado en 1976 bajo el sello RCA Victor, un trabajo de punta donde incursionan en la canción progresiva, el rock sinfónico y el rock progresivo en sí mismo. El álbum se compone de cuatro piezas, dos a cada lado del vinilo original con dos de ellas siendo extensas incursiones, como lo es el sinfónico instrumental homónimo ‘’Los Delirios Del Mariscal’’, una pieza de rigor que se extiende a lo largo de una extensa introducción impregnada de sintetizadores para luego terminar explotando con un alucinante solo de guitarra, uno de los momentos culmines del rock progresivo argentino.

Otra de las incursiones extensas del disco es ‘’Abismo Terrenal’’, con una duración aproximada de doce minutos, la banda abre con unos atascos ajetreados para luego completarse la piezas con una serie de solos internos en los que cada músico participa con su solo particular, primero teclado, luego guitarra, luego bajo y luego se completa con un solo de batería, para cerrar la composición apareciendo la misma trama con la que se abrió la pieza.

A no ser por gran parte de la pieza ‘’Delirios del Mariscal’’, el disco en su mayoría se caracteriza por arreglos ajetreados, muy dinámicos, pasajes vertiginosos en los que el grupo demuestra su versatilidad, virtuosismo y prestancia para las composiciones complejas y cambiantes en velocidad. También a no ser por ‘’No me Separen de Mí’’ todo el disco es instrumental, lo que acrecienta el desafío del grupo en construir un sonido propio y con llegada perdurable al público y sin morir en el intento.

Se dice que las influencias del grupo eran muchas bandas del progresivo de la época, que por ese momento estaba en auge, como The Nice/ELP, Focus, o incluso en ‘’Abismo Terrenal’’ se puede apreciar la influencia del jazz fusión al observar la forma de la pieza, con tramas externas que abren y cierran la composición y completándose con una serie de solos e improvisaciones internas de parte de todos integrantes del grupo.

‘’Los Delirios del Mariscal’’ es el segundo álbum de la banda, las pistas se grabaron en vivo en no más de dos tomas, grabado en Buenos Aires en octubre de 1976, y mezclado por Jack Adams en la consola de los estudios ‘’Criteria’’ en Miami. La presentación de este material tuvo lugar en el Luna Park.

Charly García estuvo metido en la historia de Crucis, se dice que García los fue a ver tocar en vivo en el teatro Astral, de la calle Corrientes de Buenos Aires, y parece que García al quedar tan impresionado por lo que escuchó se ofreció a producir el primer disco del grupo. Realizaron una gira por Estados Unidos, donde impresionaron por el virtuosismo de algunos temas. Poco después del regreso se dio a conocer, imprevistamente, la decisión de separarse. 

El grupo, para los dos lanzamientos discográfico, estuvo compuesto por Gustavo Montesano en bajo y voz, Pino Marrone en guitarra eléctrica, Aníbal Kerpel en piano, piano eléctrico, sintetizador Moog, melotrón y órgano Hammond, y Gonzalo Farrugia en batería y percusión.

Cod: #1652

Moving Gelatine Plates - The World Of Genius Hans (1972)

Este es uno de los hijos bastardos del rock vanguardista francés, una de las mejores bandas progresivas de su país en la época, con conexiones con la música progresiva, el fusión y el free jazz que en esa época eran tendencia, a esto sumarle las influencias de bandas como Soft Machine del sonido Canterbury, o de bandas o sonido del estilo del Rock In Opposition. Moving Gelatine Plates es a la vez, también, otro hijo del sonido descocido del mayo francés, evento social, político y artístico que marcó el quehacer de la vida cultural francesa, y en el rock este fenómeno no sería menos, dando impulso moral a un montón de bandas que bebieron del momento político y lo replicaron en la música, el resultado está a las claras, con bandas plenas en progresiones, experimentación, fusiones, así como de humor ácido y satírico, similar a otras bandas francesas como ''Lard Free'', ''Komintern'', ''Barricade'', ''Camizole'', ''Etron Fou Leloublan'', etc.

Moving Gelatine Plates es un ejemplo perfecto de su época, su música es una eximia exploración por terrenos progresivos a la francesa, con búsquedas en composiciones extensas típicas del género, fusiones con jazz fusión, en lo que también pareciera aparecer la influencia de Rock In Opposition debido a la profunda complejidad que manejan en piezas de extensa duración. El sabor jazzero está presente, en armonías de la guitarra, en las líneas de viento aplicadas, y en el sabor canterburyano que hay dando vueltas en toda la búsqueda desplegada en el sonido.

Las composiciones son una ebullición de armonías y progresiones que se desarrollan sin parar desde que comienza hasta que termina el disco, un sonido fino, excelso, con roces con lo psicodélico que aparece en las distorsiones y fuzz que usaba en el bajo y apareciendo también en muchos momentos de delirio instrumental.

La escucha de este disco no puede realizarse como se hace con la música chabacana ultra-comercialoide, esto no puede sonar de fondo y si se lo hace es imposible acercarse a su profundidad artística, esta música exige una escucha atenta y cuidadosa, y si es posible escuchar más de una vez el disco, ya que tal es el despliegue, las progresiones, los cambios de ritmos y las complejidad total, que con una sola escucha no se puede llegar a apreciar todo lo que este sonido puede llegar a ofrecer, cada escucha es reveladora y distinta a la anterior.

Moving Gelatine Plates no tuvo el éxito de otras bandas contemporáneas y coterráneas como Magma, la falta de financiación y el cierre de puertas de los sellos discográficos hicieron que el grupo pronto decayera y terminara justo después del lanzamiento del segundo álbum, al cual a duras penas pudieron completarlo con instrumentos que ni siquiera eran propios. 

Pocas son las bandas que manejan semejante complejidad instrumental y que se mantienen con vida a lo largo de los años, con relativo éxito, fama y algo de dinero. El público masivo no está preparado para semejantes sonidos y le resulta difícil digerir semejantes experimentos, es por eso que estos discos, con sus respectivas bandas también, siempre pertenecerán a un lugar de culto, under, vanguardia impoluta, búsqueda artística autentica y real, sin ataduras a los convencionalismos o el comercio, una travesía difícil de emprender, arriesgada para quienes lo intenten, pero al final siempre es más el placer y la realización que dejan el quehacer artístico realizado que lo que se pueda llegar a vender o comercializar. 

Esta es una de las mejores bandas de rock progresivo de Francia de su época, la formación del grupo tuvo lugar en la tumultuosa Francia de finales de los 60, por lo que el carácter contestatario de la banda, por lo menos en lo instrumental, no es de extrañar. El grupo es formado en 1968 en Sartrouville, Francia,  por el guitarrista Gérard Bertram y el bajista y líder de la banda Didier Thibault, quienes se conocieron en 1966 como compañeros de escuela de 14 años.

El baterista Gérard Pons y el multiinstrumentista Maurice Hemlinger completaron la formación del primer álbum homónimo de la banda que fue lanzado por CBS en 1971. Moving Gelatine Plates bajo la misma formación lanzó un segundo álbum con CBS en 1972 titulado ‘’The World of Genius Hans’’, que al igual que su primer esfuerzo tuvo poco éxito comercial. Debido a problemas financieros derivados de las bajas ventas, después de lanzar este álbum, la banda pronto se vio obligada a separarse.

Cod: #1651

Wallenstein - Blitzkrieg (1971)

Esta es una banda alemana pero poco tuvo que ver, en un principio, con el krautrock, incluso habiendo tenido conexiones con The Cosmic Jokers. Wallenstein toma una dirección directo hacia lo progresivo, el rock progresivo muy sofisticado que poco tiene que ver con improvisaciones libres o experimentación con sonidos. Wallenstein se encamina hacia la sofisticación como bandera, o por lo menos esto ocurre en este primer lanzamiento de su carrera, con un vinilo que originalmente estaba ocupado por cuatro extensas pistas, dos a cada lado del LP.

El despliegue compositivo caracteriza a este disco, siendo las cuatro piezas que componen el trabajo reales exploraciones progresivas, por momentos sinfónicas, en las que el grupo se desata en aventuras de composición, sofisticación, improvisación con solos de guitarras, otros experimentos compositivos y rítmicos. 

Las cuatro piezas del disco ofrecen en sí cada una travesía en sí misma, arremetidas progresivas bien demarcadas en el género, con una dosis de balada o canción por algunas pistas, lo que se compensa con la sofisticación y el poderío eléctrica de la guitarra. El estilo es bien rockero, con una guitarra eléctrica distorsionada dominando mucho del sonido en varios trayectos de las incursiones instrumentales, incluido un gran solo de guitarra en la pieza ‘’The Theme’’.

‘’Lunetic’’ es la pieza que abre el disco y es un sonido que se diferencia del resto del disco, siendo un momento algo experimental desde la percusión y el frenetismo que se extiende casi a lo largo de la misma. El resto del disco, las tres piezas restantes, ofrecen un estilo que va dentro de lo mismo, composiciones progresivas con aire de canción.

Esta banda alemana que pasó por muchos estilos a lo largo de su historia. Formada en Mönchengladbach bajo el nombre primero de ‘’Blitzkrieg’’, por el estudiante de arte de formación clásica Jürgen Dollase en otoño de 1971 como Blitzkrieg, con un grupo internacional integrado por el estadounidense Bill Barone, el holandés Jerry Berkers y el alemán Harald Grosskopf. 

Debido a que el nombre ‘’Blitzkrieg’’ ya lo usaba una banda inglesa y debido a que el nombre estaba lejos de ser políticamente correcto para los sellos discográficos alemanes de esa época, el grupo se nombró a sí mismo en honor al El comandante de la Guerra de los Treinta Años, Albrecht von Wallenstein, a principios de 1972.

Muy probablemente la banda no haya vuelto a un sonido tan complejo, pero definitivamente siguieron por una línea de rock duro sofisticado durante sus primeros discos, con lanzamientos como ‘’Mother Universe’’ de 1972, o el ‘’Cosmic Century’’ que es anunciado muchas veces como ‘’música cósmica’’ pero poco tiene que ver con ello, sino que se trata de más rock duro prog, con acercamiento al ‘’músical’’ o al rock sinfónico.

‘’Blitzkrieg’’ ofrece un sonido prog interesante para tratarse de la Alemania del krautrock, inhedito para tratarse de los futuros lanzamientos del grupo, con gran forma para tratarse de 1971 y una consolidación en el estilo progresiva dominada por visiones propias y búsquedas de sofisticación muy elevadas, un sonido especial para amantes del género que disfrutan de composiciones en las que es fácil perderse ante tanta travesía artística.

Cod: #1650