Cargo - Cargo (1972)

‘’Cargo’' fue una mítica y fugaz banda prog, nacida a principios, en Ámsterdam, Holanda, e integrada por por Jan de Hont (anteriormente en "Hope Express" y ‘’Music Garden’’), Adrie de Hont, (anteriormente en ‘’Alexander Curly's Flying Circus’’ y ‘’Maggie MacNeal’’), Wim de Vries (anteriormente en ‘’Mayflower’’) y Dennis Whitbread (anteriormente en ‘’Flying Circus’’ y ‘’Music Garden’’). Posteriormente Whitbread seria reemplazado por Jerry Gobel (ex ‘’Angelflight Railways’’ y ‘’Carlsberg’’) durante la grabacion del disco. El origen de la banda se remonta a 1970, la cual veria la luz bajo el nombre de ‘’Septembre’’. Solo alcanzarían lanzar dos canciones, ¨Little Sister y ¨Walkon By¨, que sonarían como hard rock, con partes progresivas.

Hasta 1972, ya habían grabado varios singles, y es ahí cuando deciden  planear un disco. Buscando un impacto comercial, la banda graba 4 extensas pistas, con la idea de que sonaran como una actuación en vivo. Esto le provee al sonido una energía arrolladora y vital y nutre a los temas de un dinamismo totalmente alucinante, los cuales cuentan, cada uno, con una extensa sesión de improvisación, de hecho el tema ‘’Cross Talking’’ es en si mismo una zapada de guitarras eléctricas, una autentica ‘’charla cruzada’’ que mantienen las guitaras de los hermanos De Hont.

Es así que la banda lanza en 1972 su primer (y único) disco, el homónimo ‘’Cargo’’. Un disco desconocido pero de muy buena calidad, con su hard rock que de repente sorprende con sus fuertes riffs, un tanto heavy prog, alucinantes temas, cual profundos atascos ácidos, con alucinantes jams instrumentales eléctricos, repletos de solos de todo tipo, realizados por el duo de guitarras de los hermanos De Hont, que a veces nos remontan a Wishbone Ash.

La banda también tiene un costado melódico impregnado en las melodías de las guitarra y el sonido de los temas, se puede percibir en esos primeros 4 temas, aunque se deja ver más aun en los demás singles del álbum, en temas más melódicos, aunque siempre con ese toque heavy que los caracteriza. Un pedazo esencial de la historia del rock europeo y una maravilla para los oídos también.

La edición que aquí les traemos contiene 12 temas, de los cuales los primeros 4 serían los que fueron publicados originalmente en la primera edición del disco, y en los cuales se obtiene su sonido más compacto y emblemático. En las reediciones posteriores en cd y vinilo, se le fueron sumando distintos singles que la banda fue grabando en distintas sesiones y con distintas formaciones, realizadas entre Septiembre del 70 y Septiembre del 72, pero que lamentablemente nunca fueron publicados antes.

Aunque tuvieron cierta buena repercusión de los críticos, el disco en sí mismo jamás alcanzaría el éxito comercial, tal vez por la paupérrima estrategia comercial de la banda, o por el manoseo de las distintas disqueras que no quisieron ofrecerles un buen contrato. El álbum no vendería muchas copias, a finales de 1972, la banda ya no existía.

Cod: #1039

Alas - Alas (1976)

Unas de las movidas fundamentales en el rock anglosajón de los primeros años '70 fue la corriente progresivo-sinfónica, simbolizada por grupos como Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer que le habían dado al género una nueva proyección, al incorporar elementos de música clásica y de jazz. Eran, también, días de notables avances desde el punto de vista tecnológico: nuevos y sofisticados teclados, como el mellotron y el sintetizador, permitían emular los sonidos de una orquesta y también crear nuevas texturas sonoras, que desafiaban el antiguo monopolio de las guitarras eléctricas como instrumento dominante del rock.

El períoso que va de 1973 a 1977 marcó paralelamente un salto evolutivo para el rock nacional, con la formación de varios grupos adhirieron a la movida progresivo-sinfónica. Surgieron bandas como Ave Rock, Madre Atómica, Om, y Aschábel, entre otras, que dejaron su marca en el circuito progresivo local, aunque su repercusión no haya trascendido el ámbito de los entendidos. Pero sin duda hubo tres grupos que tomaron la delantera en términos de logros musicales y de aceptación popular: Espíritu, Crucis, y Alas.

El trío Alas nace en la parte final de 1974, tras el alejamiento del trompetista y cantante Gustavo Moretto de Alma y Vida, banda que había sido pionera de la fusión jazz-rock en Argentina. Es entonces cuando Moretto concibe un nuevo grupo, para el que convoca al bajista y guitarrista Alex Zucker, que venía de tocar con Montes y de acompañar a Pedro y Pablo en el álbum Conesa y a Carlos Riganti, ex baterista de Materia Gris, banda que venía de registrar la obra conceptual Ohperra Vida De Beto en EMI.

Desde el vamos, Alas concibe una música de gran riqueza técnica, Un sonido elaborado que tenía como base los múltiples teclados de Moretto y que, en su temática, exploraba las posibilidades de la cruza del rock progresivo-sinfónico con elementos de tango y folklore. Entrevistado por la revista Expreso Imaginario, en julio de 1977, Moretto decía: ''al principio, lo único que nos propusimos fue formar un conjunto que sonara bien y que tuviera algunos aspectos nuevos, especialmente los arreglos. Luego llegamos a una conclusión de que, si bien no podíamos negar para nada lo que habíamos hecho hasta entonces, ni podíamos pasar por alto la música que en este momento mueve al mundo, teníamos que reflejar de alguna manera lo argentino''.

Alas tuvo un consagratorio debut en el teatro IFT de Buenos Aires y poco tiempo se embarcó a una breve gira por las principales ciudades del país, antes de su debut discográfico en EMI, producido en 1975, con un simple que contenía los temas ''Aire (Surgente)'' y ''Rincón, Mi Viejo Rincón''. 

A mediados de los 1976 aparecería el álbum debut de Alas, que llevaba el nombre del grupo cómo título del álbum. El larga duración estaba integrado por dos extensas composiciones, ''Buenos Aires Sólo Es Piedra'' y ''La Muerte Contó El Dinero'', divididas en varios sub-temas. n la primero predominaba una sensibilidad tanguera, mientras que la segunda estaba basada en un ritmo vidala. Moretto, por su parte, reconocía que el elemento folklórico estaba tamizado por el entorno urbano: ''Como ninguno de nosotros vive en el campo, lo más lógico era buscar un folklore de la ciudad que vivimos. Quisimos producir una música que fuera reconocible como perteneciente a Buenos Aires''.

Esa exploración musical que fuera una constante a lo largo de toda la carrera de Alas, sería llevada a nuevas dimensiones con la incorporación, como músico invitado, el bandoneonista Daniel Binelli. Además, en octubre de 1976, Alas se presentó con gran repercusión en el teatro Coliseo de Buenos Aires, acompañados por tres bandoneonistas: el propio Binelli, Juan José Mossalini y Rodolfo Mederos, quienes habían sido compañeros del primero en la orquesta del maestro Osvaldo Pugliese, adems de integrar el grupo de Mederos, Generación Cero.

Con el éxodo de Alex Zucker a Estados Unidos y su reempazo por un muy jóven Pedro Aznar (que venía de Madre Atómica) Alas habría de emprender un nuevo rumbo en su carrera. De su etapa musical, sin embargo, quedaba como testimonio este álbum debut, una de los hitos icuestionables del rock progresivo-sinfónico rioplatense. 

Reseña por Alfredo Rosso

Cod: #1228

Flaming Youth - Ark 2 (1969)

Flaming Youth, catalogados como “an obscure British rock group“, fue un grupo británico , conocido mas que nada por que Phil Collins fue parte del mismo, entonces de 18 años de edad. La banda estaba formada por el tecladista Brian Chatton (19 de julio de 1948, Bolton , Lancashire , Inglaterra ), Ronnie Caryl en el bajo eléctrico y guitarra, Gordon Smith en la guitarra y el bajo, y Collins en la batería. Hacia el final del grupo, Rod Mayall se unió brevemente en el órgano.

El grupo lanzó un álbum ‘’Ark 2’’ , en 1969, antes de separarse. Un disco influenciado por la atención mediática de esa época en relación al tema de la “Era Espacial”, un álbum conceptual basado en una idea de posible evacuación de los habitantes de un casi muerto Planeta Tierra.

Si la banda hubiera sido más psicodélica, el sonido que hubiesen alcanzado se parecería al de ‘’Touch’’ (banda estadounidense, también proto progresiva, pero mas psicodelica), ya que también elaboran un sonido proto progresivo de alto despliegue y gran elaboración, aunque poco tienen de alucinaciones y viajes cósmicos. Flaming Youth arma un rock proto progresivo que se diluye más que nada en la mezcla de pop rock, toques de jazz, baladas, algunos sonidos sinfonicos y un condimento especial que es el de las grandes voces que aportan al sonido un condimento especial.

No es una obra icónica, pero creo yo que tiene su gran atractivo, por buenos momentos proto progresivos, por ser una obra un tanto osada que, y aunque no alcanzo un gran éxito comercial, aporta su sonido único, repleta de alucinantes coros y grandes melodías, un experimento pop proto progresivo, que deja algunas piezas atípicas pero increíbles como ‘’The Planets’’, y la alucinante pieza proto progresiva ‘’Weigthless’’. 

Hoy, Ark 2, sólo queda como el recuerdo de ser el primer trabajo de Collins pre-Genesis, y creo haber leído que él reconocía como su peor momento musical, aunque, si bien es cierto no es una gran obra maestra, este disco es mucho más real, natural o “sincero” que mucha de su actual música. 

Al disco le siguio la grabación de un single, “Man, Woman, and Child”. Aunque después de una breve gira, el grupo se disolvió. Collins y Ronnie Caryl audicionaron para Genesis el año siguiente, aunque Caryl no tuvo éxito. Caryl más tarde toco conCollins como guitarrista en sus giras en solitario. Collinstambién se mantuvo en contacto con Chatton, tocando en por lo menos una canción del segundo álbum de la banda Boys Don't Cry.

Cod: #1070

Bubu - Anabelas (1978)

Daniel Andreoli, compositor de Anabelas, cuenta la historia de Bubu.
Para hablar de la génesis de Bubu, tenemos que situarnos en el tiempo y espacio.  Era una época muy creativa, no sólo en la música sino en el cine, en las letras, en la plástica… Éramos hijos de la generación del instituto Di Tella y teníamos un gran marco de referencia artístico, además de sentir el espíritu de libertad que uno respira a los veinte años. A esa edad nos conocimos con Jorge “Monin” Liechtenstein, quien por entonces era el baterista de Orion’s Beethoven. Con él nos juntábamos a tocar en su casa de Belgrano. Y ahí se fueron sumando Ricardo La Civita en flauta, Sergio Blostein en guitarra, Noel Reyes en violín, el futuro cantante y líder de Suéter, Miguel Zavaleta, en voz y más tarde Wim Fortsman en saxos.

Por ese entonces nos llamábamos Sion. Éramos muy jóvenes y la banda sacaba chispas; todos queríamos estar en el centro, pero había alguien que tenía la cabeza muy clara y sabía cómo se hacían las cosas, y ése era Wim. Un día me llevó aparte y me dijo: “mira, Daniel: esta música hay que volcarla en partituras, hacer un casting, empezar a a probar gente y que toquen los más idóneos.”

De todas maneras a esa altura el grupo original se estaba disolviendo por distintos motivos. Reyes estaba por irse a Estocolmo, Blostein trabajaba como músico profesional; en fin, cada uno estaba tirando para su lado. Entonces a Wim le cupo la tarea de armar el nuevo grupo, que fue Bubu.

Allí empezo un nuevo ciclo. Lo primero que se hizo fue buscar un lugar de ensayo y llamar gente. En ese mismo momento a mí me sale una beca del Collegium Musicum para profundizar mis estudios musicales. Yo tocaba el bajo en Bubu, pero ésta no era una música que se pudiese tocar sin estudiar varias horas al día: era necesaria una disciplina. Yo no quería perder la oportunidad del Collegium porque mi fuerte era la composición. Entonces, aunque me encantaba, tomé la decisión de dejar de tocar para dedicarme a componer. Hasta ahí había compuesto lo que es la primera par del disco de Bubu, “El cortejo de un día amarillo”, que contiene la “Danza de las atlántidas” y “Locomotora Blues”. Ya estaban las partituras individuales de los músicos y todo. Mi Rol de bajista lo cubrió Edgardo “Fleke” Folino y en lugar de Sergio Blostein entró el guitarrista Eduardo Rogatti, quien años más tarde tocaría con Juan Carlos Baglietto y León greco, entre otros.

Por su parte “Monin” fue suplantado por Eduardo “Polo” Carbella, ex miembro de los Pisk Ups y más tarde integrante de los Abuelos de la Nada, quien había tocado también conmigo cuando éramos chicos, ya que fuimos vecinos. Ingresaron Cecilia Tenconi en flauta, Sergio Polizzi en violín y continuó Miguel Zavaleta como cantante. De Miguel guardo un recuerdo muy especial, porque si no hubiese aportado todo su humor y toda su escenografía, hoy no estaríamos hablando de esta música. Tal vez todo hubiera terminado en una sala de ensato. Porque lo que atraía a la gente era una combinación entre la música de Bubu en sí y todo el despliegue que había sobre el escenario, y esto era un aporte innegable de Zavaleta.

En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.

Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.

Las composiciones de Anabelas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violìn y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero.

Hubo un desgaste natural en la banda porque, si bien Bubu se presentó varias veces en vivo, la grabación del álbum se fue postergando más y más y eso contribuyó al deterioro grupal. 

Para colmo la salida del disco también sufrió una larga demora, de forma tal que cuando finalmente Anabelas aparece, en 1978, ya bubu prácticamente no existía. Ese desgaste que mencionaba tuvo mucho que ver con la salida de Zavaleta. Su relación con Wim a esa altura no era la mejor. Igual participó en dos sesiones de grabación, pero sintió que no podía continuar y decidió irse. Pero insisto: Miguel forma parte del alma de Bubu por más que el disco se haya hecho sin él.

A esta altura no quiero olvidarme de elogiar la labor de Petty Guelache, porque no era fácil calzarse los zapatos de Zavaleta y Petty, en un par de sesiones, metió las voces y lo hizo bien. Y también quiero mencionar a Daniel Grinbank –quien daba sus primeros pasos como manager- porque nos apoyó siempre y fue muy importante para el crecimiento de Bubu.

Viéndolo ahora, con la perspectiva que da el tiempo transcurrido me habría encantado que 
Bubu hubiese grabado un segundo disco, como estaba previsto en nuestro contrato pero, claro, ya el entorno social se había vuelto caótico. Varios de los músicos decidieron continuar sus carreras en el exterior, los que se quedaron se embarcaron en nuevos proyectos musicales y así la idea de continuar con el grupo se fue diluyendo poco a poco. Por mi parte, yo he seguido componiendo todos estos años y tengo una serie de trabajos que espero poder editar en un futuro cercano.

Nunca imaginé, en aquel entonces, que la música de Bubu obtendría el respeto del que hoy tiene en el circuito de rock progresivo internacional, donde se la conoce a través de ejemplares del viejo disco de vinilo, que ya es pieza de coleccionistas. Por eso me pone muy feliz que Anabelas finalmente aparezca en forma oficial en forma de CD.

Entrevista a Daniel Andreoli por Alfredo Rosso, enero del 2007

Cod: #1155

The Nice - The Thoughts Of Emerlist Davjack (1967)

En 1967, tras pasar por varias bandas, el pianista con formación clásica Keith Emerson forma ‘’The Nice’’, que se convertiría en uno de los grupos pioneros en la fusión del rock y la música clásica, fue un embrión que marcó la época y plasmó el camino hacia el tránsito de nuevos sonidos que en un futuro surgirían. Con el deseo de desafiar los límites de la música popular, Emerson forma y lidera una banda acompañado Lee Jackson en el bajo y en las voces, Brian Davison en la percusión y la batería, y David O'List (más conocido como "Davy") en la guitarra.

Esta banda comenzó su carrera en 1967; impulsados por el ansia de innovar, los cuatro músicos se diversificaron, utilizando y combinando música clásica, jazz, blues y rock para forjar un sonido nuevo y dinámico, su propio sonido; y pronto alcanzarían la fama en la escena europea. Las presentaciones en vivo de The Nice eran auténticas puestas en escena, especialmente por los actings de Keith Emerson, quien se encargaba de revolar su hammond, saltando sobre el mismo, tirándoselo encina, clavandole cuchillos entre las teclas, un despliegue más que controversial pero típico de una época en la que las actuaciones frenéticas brillaban por su presencia. Jimi Hendrix los invitaría a ser parte de una gira tras verlos actuar en vivo. 

Según el mismo Keith Emerson, esos frenetismos en los vivos fueron inspirados por su confeso ídolo Jimi Hendrix, quien evidentemente hacia usos de despliegues muy particulares en sus presentaciones, y por influencia de otro personaje, ya no tan conocido, apodado ‘’Don Shinn’’, quien propuso en la misma época algunos sonidos similares a los de The Nice, fusionando melodías clásicas a sonidos de rock impulsados teclados hammond, Emerson tomaría mucho de allí para inspirarse en sus sonido.

"Tuvimos suerte", recuerda O'List. "Jimi Hendrix vino a uno de los conciertos y nos invitó a una gira". La "primera gira psicodélica" de Gran Bretaña llegó en 1967, 40 minutos para Hendrix, 17 minutos para Pink Floyd, 12 minutos para ellos, convirtieron a The Nice en cabezas de cartel. ¿Cómo clasificar el sonido original The Nice? Era psicodélico, con letras espaciales y solos de guitarra a lo Hendrix por O'List. Pero Hendrix era provenia del blues y The Nice no tenía eso. "La política básica del grupo es que somos un grupo europeo", explicó el cantante principal Jackson en una entrevista con International Times, en 1968. "Entonces, estamos improvisando en estructuras europeas. La improvisación puede estar relacionada con cualquier forma de música. No somos estadounidenses negros, por lo que no podemos improvisar y sentir de la manera que ellos pueden.’’

Pronto llegaría ‘’The Thoughts of Emerlist Davjack’’, el álbum debut del grupo, lanzado ese mismo año de 1967, y al momento logró un gran éxito, a menudo se lo considera como uno (sino el primero) de los primeros álbumes de rock progresivo; su curioso título se forma por la compresión de los nombres de los componentes del grupo, Emer (Emerson), list (O'List), Dav (Davison), jack (Jackson).

En este trabajo, la banda desarrolla un sonido que primeramente es psicodélico, apegándose a los estándares del rock psicodélico del momento. Los primeros tres temas del disco son las tres composiciones más sencillas del disco, dentro de un pop rock psicodélico bastante entretenido y pegadizo, típico de la época. Tres aciertos de rock psicodélico que trataban de aunar a sus filas sonoras las características más llamativas de la época, bases frenéticas y pegadizas, arreglos en guitarra eléctrica distorsionada, melodías pegadizas, etc.

Si hacemos de cuenta que no conocemos la carrera y el virtuosismo Keith Emerson y sus posteriores desarrollos, y nos quedamos con esos primeros temas, encontramos un sonido que, a priori, no nos deja ver aun los entretelones de lo que se estaba gestando, por detrás, en la banda, y lo que surgiría a futuro. Las ambiciones musicales del grupo no quedarían allí, en la creación de singles o hits, los músicos impulsaron la innovación, especialmente por las ideaciones y ocurrencias de su líder, Keith Emerson, proponiendo una música en la que poco a poco se hacen presentes distintos arreglos en teclas que denotan una formación ulterior al mero rock y una investigación musical que trasciende la esferas del género.

Significativa es la aparición de ‘’Rondo’’, el cuarto tema del disco, acerca del cual podríamos decir, precipitadamente, que ‘’se trata de un sonido proto progresivo!’’, pero antes de esto vale aclarar que el origen de esa composición proviene del jazz, el nombre completo de la pieza es ‘’Blue Rondo A La Turk’’ y fue publicado en el disco ‘’Time Out’’, de 1959, por The Dave Brubeck Quartet (Dave Brubeck sería uno de los ídolos musicales de Keith Emerson). 

The Nice reinterpreta ‘’Rondo’’ no solo como una remembranza hacia una gran pieza del pasado o por el uso de una pieza que fuera del gusto del público, el grupo reinterpreta y transforma esta pieza proveniente del jazz, convirtiéndola en una canción de rock, convirtiendo su tiempo de 9/8 a 4/4, agregándole un intermedio frenético de improvisaciones que incluye solos de guitarra eléctrica, más una intervención, también bastante frenética, del hammond de Emerson aplicando melodías clásicas al medley interno de la pieza. Un sonido que rompe con muchas estructuras de la musica rock de la época y se presenta como una de las primeras piezas de rock donde se incursiona fusionando jazz y musica clasica. Esta version sería interpretada por Keith Emerson incluso aun en los primeros años con ‘’Emerson, Lake And Palmer’’, banda que crearía tras el declive de The Nice.

A partir de allí, el disco prosigue por la misma senda de frenetismos rockeros, explosiones, arreglos extraños al igual que las estructuras, aplicaciones rápidas de melodías clásicas en con teclados hammond, psicodelia bastante adornada; siguen por la senda de romper con algunos estándares compositivos y sonoros. Para finales de los 60, la psicodelia dominaba y el rock estaba impregnado de guitarras distorsionadas. Por ello el mérito del precoz Keith fue notable, al asumir el riesgo de liderar una banda desde otro costado, armado de su modelo L-100, que había adquirido siendo un adolescente.

El sonido de The Nice, asi como el de Keith Emerson en general, siempre ha sido un tanto controversial, debido especialmente a sus fusiones de rock con música clásica, logrando, por ejemplo, el enfado de varios, por su versión de la canción "América", que compuso Leonard Bernstein para la pelicula "West side story", y que Keith la tocaba de forma arrolladora en vivo. El 5 de junio, después de que dispararon a Robert F. Kennedy, Emerson pensó en el poder alegórico de "America". "Si Bob Dylan puede hacer canciones de protesta, ¿por qué no podriamos hacerlo?", Se preguntó. "Podría ser la primera protesta instrumental". 

Convertido en trío tras la salida de O’List, The Nice publica ‘’Ars Longa Vita Brevis’’ en 1968, consolidando se propuesta sonora, adaptando al rock ‘’Karelia Suite’’ del compositor finlandes Jean Sibelius, y creando una larga suite homónima, ‘’ Ars Longa Vita Brevis’’, de 19 minutos. Eran los tiempos de la psicodelia, el rock ácido y el folk rock, y nada ni nadie sonaba como The Nice. Las semillas de un nuevo rock, más complejo y sofisticado, ya habían sido tiradas al aire.

Cod: #1033

Almendra - Almendra (1969)

Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings (formadas por compañeros de distintas divisiones) nació Almendra allá por 1967. Este grupo es considerado miembro de una trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal.

El primer simple, "Tema de Pototo" / "El mundo entre las manos", fue lanzado en septiembre de 1968 y la repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda.

Los primeros shows fueron en Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. «Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos de lamé y corbatita. (...) Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas», relata Del Guercio (E.Abalos, pag 100).

En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP ("Almendra", 1969) y, casi inmediatamente, el segundo disco, de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos. A fines de 1970, Almendra se disolvía. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de ese año, ante 10.000 personas.

Almendra fue corta pero muy intensa -comenta Del Guercio-. Igual fue un corte medio abrupto para la gente, porque cuando nos separamos se estaba generando cada vez más adhesión hacia nosotros» (E.Abalos, pág 102).

Los historiadores del rock en Argentina convienen en aceptar que Los Gatos, Manal y Almendra constituyen los pilares del "Rock Nacional". Surgidos en un momento en que la música joven se llamaba "beat" (como lo prueba el título del 4to LP. de Los Gatos, "Beat Nº1"), sufrieron la influencia del pop inglés, el que, encabzado por los Beatles y Rolling Stones, terminó por desplazar del gusto juvenil la hasta entonces exitosa "nueva ola" representada por los miembros del Club del Clan.

 Si Los Gatos eran herederos directos del pop y Manal del blues, Almendra con sus bellas melodías y letras surrealistas porducía un impacto desde lo inusual de la tapa de su LP. Hasta la ausencia del artículo antepuesto al nombre del grupo. Los que no eran ni "los" ni "la", sino simplemente "Almendra" eran resultado de la decantación de grupos anteriores, Los Larkings,  Los Esbirros y Los Masters, donde -en un momento u otro- figuraron los integrantes del conjunto: Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari, Carlos Emilio del Güercio y Rodolfo García.

Una nueva generación de músicos desde la legendaria "Cueva" de la calle Pueyrredón, intentaba reflejar una realidad cotidiana ausente en la música popular desde el tango. Y tanto en Manal, Moris, Miguel Abuelo, Billy Bond, Tanguito, Alma y Vida, Vox Dei eran lanzados al mercado por el sello independiente Mandioca (creado por Jorge Álvarez a imagen y semejanza del Apple de Los Beatles), Almendra accedió a Vik, sello subsidiario de RCA Argentina que se preocupó de absorber a muchos de los artistas mencionados cuando los integrantes del Club del Clan terminaban de abandonarlo al ascender al pendaño de la consagración para grabar directamente con RCA Víctor.

 Almendra no pudo sustraerse a la confusión generalizada típica de los tiempos de transición. En tanto la prensa especializada comenzaba a hacer distinciones entre "música progresiva" y "música complaciente", el singles debut del grupo "Tema de Pototo" no lograba la difusión necesaria y adquiría notoriedad grabado por Lenoardo Favio. El segundo single, "Hoy todo el hielo en la ciudad" era también ignorado, en tanto se colocaba en los primeros puestos del ranking peruano gracias a la aparición de Almendra en el Festival de Ancón, representando a la música argentina.

La populariad de Almendra quiérase o no, llegó al igual que la de Donald, gracias a una publicidad televisiva,  cuando ''Muchacha (Ojos de papel)'' fue usada para promover una marca de telas, tal vez por la detección por parte de un creativo publicitario del verso ''muchacha , pies de rayón''  

A partir de allí, el público aceptó sin reparos la propuesta de Almendra obviando un particular manejo del lenguaje ''y el ave aquel'' (en lugar de ''y el ave aquella'', en ''Fermin'') o un conspicuo error de acentuación: ''Plegaria para un niño dormido'' o ''Figuraté, que pierdes la cabeza'' (en ''Figuración''), y muy probablemente productor de un ''yeiteo'' en inglés, idioma - como francés - predominantemente agudo en sus versos, así como el italiano es esdrújulo, en contraposición al castellano predominantemente grave. Esta muletilla marcó al ''rock nacional'' en su segunda generación, cuyo representante más notable fue Sui Géneris, hasta el advenimiento del ''Rock Argentino'', cuando a partir de Virus el castellano fue ingeniosamente aprovechado. 

Con el paso de los años, la poesía de Almendra ha mantenido su frescura y su vigencia convirtió al grupo en objeto de culto para las nuevas generaciones. Esta colección pretende devolver, en el formato del compact- disc, el legado muical de uno de los conjuntos más destacados del rock en Argentina.

Cod: #1205

Billy Cox's Nitro Function - Nitro Function (1971)

William Billy Cox, nacido en 1941, en en West Virginia, EEUU, es un bajista y guitarrista estadounidense reconocido principalmente por haber tocado junto a Jimi Hendrix, habiendo sido parte de la foracion que tocó junto a él en Woodstock, y más tarde sería parte de la banda Band of Gypsys, también liderada por Hendrix.

Cox conoció a Hendrix a principios de los 60s, durante el servicio militar en Fort Campbell. Juntos formaron su primer grupo musical: King Casuals. Ambos encararían la carrera musical pero tomando caminos que los separarían por un tiempo, haciéndose una promesa entre ellos, y esta promesa era de que ''si alguno de los dos llegase a volverse famoso, lo invitaría al otro a participar de la fama.'

Finalmente sería Hendrix el que se convertiría no solo famoso sino un guitarrista de influencia a nivel mundial. Después de recorrer distintos caminos durante unos años, en 1969 se cruzaron nuevamente en la banda de rock psicodélico Band of Gypsys, siendo Hendrix el que lo invitaría a formar parte del grupo, en el papel del bajo. Lamentablemente pronto ocurriría la prematura muerte de este heroa musica, su gran amigo de la juventud Jimi Hendrix.

Poco después de la muerte de Hendrix, en el mismo año 1970, Cox monta su propio trío, al que bautizan Billy Cox's Nitro Function. Recluta a Robert Tarrant para la batería y a una guitarrista femenina llamada Char Vinnedge (que comenzó en la década de 1960 como guitarrista / cantante con un grupo de chicas The Tremolons y posteriormente con Luv'd Ones). 

Con esta banda prácticamente continúan con el legado de Hendrix y siguen incursionando en la música psicodélica con elementos similares a lo que venía haciendo Cox con su amigo, temas psicodélicos pesados, blues rock y guitarras distorsionadas, una combinación explosiva típica de la época.

Rápidamente fichan por Pye Records y editan el homónimo álbum al año siguiente, producido por el hermano de Kenny Rogers, Lellan. Este es un trabajo psicodélico con muchos buenos momentos acidos y lisérgicos, el típico blues/rock de la época, adornado con distorsiones y riffs pegadizos, solos de guitarra y canciones de rock hippie con mucha contundencia y groove.

Pasan por el blues-rock, la psicodelia y la heavy psicodelia, algo acido, algo funky y oscuro, un coctel de temas agradables para amenizar cualquier happening acido de la época. Ya es la guitarra de Char Vinedge la que le imprime al sonido una rasposa acides, desde la guitarra y la voz, y el bajo de Cox que resalta en la base de los temas.

Es un trabajo de un nivel bastante decente y que termina siendo muy agradable de escucha, por los sonidos psicodélicos y por ser como una especie de continuación del legado del sonido de Hendrix; las reminisencias hacia este no se hacen esperar, y tenemos por ejemplo, el tema ‘’42-70 (Peace)’’, llamado así por los años de nacimiento y muerte del ídolo negro de la guitarra, además de contener algunos alucines en las letras y los riffs. De la misma manera, los distintos temas se plantean desde la misma visión y búsqueda sonora del ídolo.

Cod: #1041

After All - After All (1969)

Esta banda, nacida en Tallahassee, Florida, es otro ejemplo de una agrupación pasajera y cuasi circunstancial, de la cual tampoco se sabe demasiado. La banda vio la luz en 1969, durando apenas unos meses juntos, se formó por el esfuerzo en conjunto de 4 músicos veteranos, amigos entre sí, proveniente de distintas bandas de la escena musical de la zona.  La banda estaba formada por el baterista Mike Elllerbee, el tecladista Alan Oro, el bajista Bill Moon y el guitarrista Charles Short.

La agrupación graba solamente un álbum, el homónimo ‘’After All’’ a lanzarse en 1969. El baterista y vocalista principal, Ellerbee, escribió la mayor parte de la música y las letras, las cuales escribió con gran ayuda de Linda Hargrove. Las canciones son básicamente de forma libre y se desarrollan entre un jazz rock, con toques progresivos y mezclado con una amplia variedad de sonidos como por ejemplo de rock latino, pop, blues (acercándose a sonidos cual The Doors), heavy psicodélica,  psicodelia, etc., mientras una nube alucinatoria un tanto oscura se cierne sobre el álbum, dándole una extraña sensación surrealista…

El sonido propicia muy buenos momentos, es un trabajo un tanto arriesgado por la ambiciosa mezcla que lleva a cabo, y de la cual por momentos no se llega a un puerto del todo agradable, aunque por otro lado alcanza grandes momentos, por lo general una amalgama acoplada, explorando un territorio similar al de bandas más conocidas como Procol Harum o Blood, Sweat & Tears, el típico sonido post psicodélico, que denota la transición de la época… de los multicolores psicodélicos que dan paso a sonidos progresivos, 

Como amante del funky me ha gustado mucho el tema ‘’Let It Fly’’, como amante del jazz me ha gusta mucho ‘’Blues Satin’’ y ‘’Nothing Left To Do’’ y como amante de sonidos prog me ha gustado mucho ‘’Intangible She’’, y el resto de los temas no se quedan atrás tampoco…

Después del lanzamiento del álbum de Athena Records, los instrumentistas regresaron a Florida y tomaron posesión de sus respectivas carreras de nuevo. 

Cod: #1194