‘’Elektriktus’’ fue un raro proyecto italiano de electrónica experimental, el cual ha pasado desapercibido y casi olvidado a través de los años, hasta hoy en día, cuando se rescató su único disco, gracias a una reedición en cd. El proyecto nace de la mano del italiano Andrea Centazzo, un excelso músico, percusionista, director de orquesta y compositor de música minimalista y experimental. Su formación nace en el jazz, como percusionista. En 1974 lanza su primer álbum solista, ‘’Ictus’’, en donde también demuestra sus habilidades con la flauta, sintetizadores y la voz. En 1976, luego de haber lanzado dos discos más, siempre dentro del free jazz un tanto experimental, Centazzo se ve atraído por los movimientos electrónicos que se llevaban a cabo en Alemania e Inglaterra. Su entusiasmo hizo que, con los primeros ahorros que consiguió en sus primeras presentaciones, consiguiera su primera grabadora de cuatro pistas y un par de teclados analógicos primitivos. Así empezó a componer y trabajar en su estudio en torno a sonidos experimentales, desarrollados en torno a los limitados recursos técnicos con los que contaba. Así es como, ese mismo año, lanza ‘’Electronic Mind Waves’’. El productor de su primer álbum no quería tener estilos tan distintos a nombre del mismo artista, por lo cual, ese lanzamiento electrónico figuraría bajo el nombre de ‘’Elektriktus’’, nombre que nace de la mezcla entre ‘electronic’ e ‘Ictus’. Este es otro trabajo electrónico, cuasi artesanal, elaborado a base de sonidos experimentales electrónicos que rondan dentro de un ambiente kraut.
Una colección de ocho piezas un tanto oscuras y misteriosas, en donde las atmosferas tiene un lugar recurrente, mezcladas con distintos efectos y sonidos que van convergiendo, por momentos destellando, durante el transcurso de las sesiones. Un sonido por el estilo de ‘Deuter’ o ‘Cosmic Jokers’, entre otros, que demuestra una gran influencia del berlin school, pero que a la vez tiene algunos toques originales, como la implementación de distintos elementos: en un tema hay una base en batería, en otros son solo atmosferas, el segundo tema, ‘first wave’’, que comienza con algunos destellos eléctricos y después se empieza a escuchar un contrabajo que va improvisando, y que denota un poco los toques jazzeros que le está implementando el mismo músico desde su propia experiencia.
Muchos elementos tomados de sonios alemanes pero desarrollados de una manera muy personal, decodificados y rearmados según las ocurrencias de Centazzo, quien se encarga de grabar cada uno de los instrumentos. Los estados de ánimos y pasajes son cambiantes, pasan por distintos matices, algunos temas son más eclécticos e inestables, otros más atmosféricos y oscuros, debido a un manejo impecable de los secuenciadores, y por lo general hay una sensación de distintos patrones avanzando constantemente. Los temas transcurren así, en ambientes bien cambiantes los unos con los otros, lo que le da un toque de frescura al trabajo, con muchos sonidos por descubrirle. Un sonido dedicado a los amantes de la música electrónica minimalista, los sonidos kosmische y ambientales. Lamentablemente ese no sería uno de los proyectos destacados en la carrera de Centazzo, debido a la poca promoción y distribución que tuvo el disco, no se lo conoció mucho y fue casi olvidado, y ni siquiera se sabía bien a quien pertenecía el proyecto ya que el nombre de Centazzo no figuraba en ninguna parte. Luego de este lanzamiento, Centazzo, volvería al jazz y lanzaría una innumerable cantidad de discos, tantos en los 70s como en las décadas posteriores, incluyendo conciertos, lanzamientos de discos grabados en vivo, etc, una discografía que llega hasta nuestros días. Durante los ultimos 20 años, Centazzo ha estado trabajando para crear experiencias multimedia, que combinan música en vivo con imágenes de video, mezclando instrumentos tradicionales con la última tecnología digital. Sus dos últimos trabajos multimedia, ‘Mandala’, proyecto en solitario (inspirado en el universo budista) y ’Eternal Traveler’ (inspirado por Leonardo da Vinci) consiguieron gran aclamación de público y crítica, tanto en EE.UU. y Europa.
Michael Hoenig, nacido el 4 de enero 1952, en Hamburgo, es un compositor alemán, ingeniero de sonido y músico electrónico, uno de los tantos compositores alemanes que se desprenden de la innovadora y prospera escena electrónica underground alemana durante los años 60s y 70s. Como editor de la revista clandestina ‘’Love’’, hacia finales de los años sesenta, Hoenig fue parte de la escena del rock progresivo en Berlín, apoyando a grupos como Tangerine Dream , Ash Ra Tempel y Agitatión Free. Su interés por la vanguardia musical y los generadores de sonido, llamò la atención del bajista de Agitation Free, Michael Guenther, quien lo invitpo a Hoenig a formar parte de la banda, en febrero de 1971.
En marzo de 1975, Hoenig fue contratado para reemplazar a Peter Baumann en Tangerine Dream, para una gira por Australia. Al volver Baumann a Tangerine Dream, Hoenig pasó a colaborar con Klaus Schulze en el proyecto de corta vida, Timewind. En 1976 tuvo una breve colaboración con Manuel Göttsching de Ash Ra Tempel; una grabación de una de las sesiones fue lanzada en 1995 bajo el título " Early Water". En 1977, lanzó su primer álbum en solitario, ‘’Departure From The Northern Wasteland’’, bajo el sello Warner Bros. Records, es un álbum que nace en medio de la escuela electrónica de Berlín, un trabajo de electrónica ambiental, que ofrece sonidos electrónicos bellos, contemplativos e inspiradores, distribuidos en cuatro piezas, en su mayoría instrumentales.
En general el sonido del álbum es bastante melódico, rozando por momentos algunos pasajes sinfónicos, muy ambiental, bastante simple o minimalista, calmo pero melodramático, con una tensa electrónica que describe paisajes épicos y fríos. La primera pista del disco es sin duda lo mejor del trabajo, una sesión electrónica secuencial progresiva, que se va construyendo a base del ensamble de sutiles riffs. Dentro de su ambiente electrónico, esta pieza tiene su lenguaje y su estructura, la cual claramente no se basa en convencionalismos, pero aun así se distinguen introducciones, desarrollos, momentos culminantes más tensos, momentos más calmos, etc. En las demás pistas explora más los ambientes, con secuenciadores y mellotrones, acercándose a sonidos del Tangerine Dream de mediados de los 70s. Luego del lanzamiento del disco se muda a Los Ángeles, donde se establece con su propio estudio de grabación, y comienza a trabajar produciendo bandas de sonidos de varias películas. En 1987, lanza su segundo álbum en solitario, ‘’Xcept One’’. Hoenig es mayormente conocido por sus bandas de sonido, y trabajos musicales para juegos de pc. Sus álbumes en solitario, no lograron llamar tanto la atención de grandes bandas de la vanguardia electrónica berlinesa, pero aun así se dio el lujo de tocar y trabajar con muchos de ellos y de dejarnos algunos sonidos electrónicos que son una delicia, perfectos para sumar al jardín de delicias psicodélicas.
Aunque su nombre apenas se pronuncie entre el ámbito y la historia del kraut y la electrónica, lo cierto es que Gunter Schickert fue un artista importante y vital en el género, por su desarrollo electrónico, por inventos y aplicaciones con la guitarra eléctrica sobre la electrónica. Su trabajo y desarrollo lo llevó a trabajar con los mejores del género, como Klaus Schulze. Schickert es un músico alemán, nacido el 25 de abril de 1949. Desde chico aprendió a tocar la trompeta, pero luego encontraría en la guitarra su lugar de desarrollo. Comenzó su carrera a finales de los 60s, inmiscuido en el ámbito del free jazz berlinés, pero no fue hasta principio de los 70s cuando comenzaría su carrera y desarrollo en el mundo electrónico. En 1973, fundó el trío ‘’GAM’’, junto al guitarrista Axel Struck y el percusionista Michael Aleska, ocupando Schickert su lugar en guitarra, voz y trompeta. Este grupo creó una especie única rock espacial, y grabó unas jam sessions en 1976, los cuales fueron lanzadas recién en 1986, en casete. En este momento Schickert también estaba creando música para una compañía de teatro, e incluso tocando en vivo en escenarios en algunas de las producciones. Su camino lo llevó a cruzarse con Klaus Schulze, quien quedó impresionado por el talento de Schickert, razón por la cual lo contrató como telonero de sus giras, ademas de trabajar de apoyarlo desde un principio en el lanzamiento de su primer disco en solitario, junto a otro trabajos que los músicos lanzarían en conjunto, debido al feeling o proximidad que había entre el estilo de ambos, bien electrónicos y experimentales.
Es así como en 1975 lanza su primer álbum en solitario, ‘’Samtvogel’’, producido y editado por el mismo, realizado a lo largo de tres meses de trabajo con medio caseros y primarios de producción y grabación. Aun asì se las arreglò para lanzar su propio trabajo en un numero en un número limitado de copias del lp, el cual sería re editado al año siguiente, bajo la etiqueta alemana ‘’Brain’’, un sello discográfico alemán de krautrock.
Schickert en su música denota una fuerte influencia de la escuela berlinesa electrónica, con una marcada influencia de músicos como Göttsching y por supuesto el mismo Schulze, pero a la vez sabiendo darle a su trabajo una frescura exquisita y un toque único. Utiliza elementos típicos del momento, como implementaciones con guitarra eléctrica y desarrolla un sonido electrónico en el que el eco y un tempo atípico van marcando los rumbos de las sesiones. ‘’Samtvogel’’ comienza con ritmos experimentales en guitarra, creando capas que se construyen en una deriva psicodélica, sin embargo, el paisaje sonoro de la guitarra es agresivo y punzante, y altamente experimental. Las implementaciones electrónicas con sintetizadores no tienen tanto lugar, es un trabajo instrumental, en su mayoría en guitarra, con una producción con efectos de sonido atemporales y superposiciones de distintas capas sonoras. Creo que en escuela electrónica de Berlín (y en la electrónica en general) el minimalismo siempre tiene lugar, por el simple hecho de la capacidad atmosférica que tienen los sintetizadores y la posibilidad de generar grandes sonidos en base a repertorios que musicalmente no son tan complejos, y esta característica está de alguna forma presente en este disco, que hace uso repetitivo de algunas técnicas específicas y recursos. Aun así es un trabajo fresco y muy artesanal, creado a base de sonidos experimentales en guitarra elaborados por él mismo y con muy pocos recursos técnicos, muy personal y altamente explorativo. El disco está compuesto por tres pistas, la segunda pista, ‘’Kriegsmaschinen, Fahrt zur Hölle’’, pese a no ser la más extensa, es la más interesante y exquisita, un collage supremo de pistas en guitarra y algunos efectos en el trato del sonido, altamente recomendable. En los años 80, Schickert siguió trabajando en la producción teatral y participo en un par de banda, ‘’No Zen Orchestra’’ y ‘’Ziguri Ego Zoo’’. En 1982 lanza su tercer trabajo en solitario, ‘’Kinder in Der Wildnis’’, en el cual explora algunas gamas musicales más amplias. En los años siguientes su trabajo fue destacado en algunas compilaciones de música electrónica, ademas de algunas reediciones de sus trabajos junto a Klaus Schulze, aunque sus trabajos son poco y difíciles de a localizar, Schickert es un innovador que merece más atención.
La banda ‘’Prosper’’ nació en Bottrop, un pueblo situado en la parte noroeste de la cuenca del Ruhr alemán que está dominada por una mina de carbón del mismo nombre. La historia de la banda comenzó 1973, como ‘’PROSPER I’’, con constantes cambios en su formación, el teacldista Jürgen Pluta fue uno de los co fundadores de la banda, pero pronto la abandonaría para unirse a los alemanes Wallenstein. Evert Brettschneider en guitarra y Matthias Geisen en bajo, fueron los primeros miembros estables de la banda. Mas tarde se les sumaron, Friedhelm Misiejuk en batería y percusión, Fritz A. Frey en guitarra y voz, y Ernst Müller en teclado. Este quinteto fue el que integrò la formación para la grabación y el lanzamiento del primer disco de la banda, ‘’Broken Door’’ de 1975, cuyo sonido es una mezcla de diferentes estilos. Un trabajo compuesto con una estructura versátil, con ocho temas, que contienen muchas pares instrumenbtales, y muchos agregados de mellotrón y sintetizadores. La banda demuestra una visión musical particular, concebida desde el jazz y los ambientes caóticos, desarrollan por momentos un especie de krautrock con toques eléctricos que se va construyendo a sí mismo a base de distintos agregados y arreglos de los distintos instrumentos, destacándose algunos sintetizadores volcando unos sonidos espaciales en el fondo, una base media jazzera del bajo y cambios de ritmo constantes en batería. Así van construyendo algunos pasajes progresivos y el sonido va tomando cada vez más dinámica, con jazz y jazz fusión siempre presente en el ambiente.
Con algunas melodías se asemejan de cierta forma a la Mahavishnu Orquestra, pero afortunadamente no se encasillaron en ese lugar, sino que elaboraron su propio fusión, oscuro, espacial, muy jazzero y progresivo, para los amantes del fusión esto puede ser muy atrapante. En algunas pistas se salen de ese convenio jazzero espacial, pero lo esencial del disco se encuentra en esos pasajes eclípticos de puro fusión, donde alcanzan talvez algún momento kraut. Desafortunadamente dicha formación no logró registrar otros discos. Algunos integrantes migraron a otrs bandas, la formación comenzó a mutar nuevamente, hasta que el proyecto de la banda empezó a perder fuerza, para alrededor del 79 la banda estaba casi desintegrada. En 2006, el bajista Matthias Geisen reunio a algunos antiguos miembros de la banda, para grabar nuevo material. Finalmente ese mismo año, tras ensayos y trabajo sobre viejos tapes, elaboraron un nuevo disco al que lanzaron al publico, ‘’Second Running - The Basement Tapes’’.
Este es un particular y loco proyecto ideado por el músico y compositor Fredy Guye, un tecladista suizo cuya música es experimental y está especializada en sonidos espaciales y electrónicos. Guye nació el 3 de Septiembre de 1947, en La Chaux-de-Fonds, una comuna suiza ubicada en el cantón (provincia) de Neuchâtel, la parte de habla francesa de Suiza. Entre 1960 y 1976 vivió en la ciudad de Chèzard, y toco en varios grupos amateurs de corta vida. A principio de los 70s, inspirado por Klaus Schulze y Mike Oldfield, comenzó su trabajo en solitario, y con la ventaja que le produjo la libertad de trabajar solo, comenzó a experimentar con sintetizadores y a preparar muy detalladamente sus presentaciones en vivo. El proyecto ‘’F.G Experimental Laboratory‘’ comenzó a tomar forma, un proyecto compuesto por un solo músico y compositor, Fredy Guye, quien interpretaba un par de órganos Philicorda, una guitarra eléctrica y un sintetizador, además de algunos otros implementos electrónicos, para crear su arte experimental electrónico. En 1974 comenzó a idear su primer disco para inmortalizar su sonido, comenzó a trabajar y grabó dos piezas compuestas por él mismo, y las grabó en el home studio que tenía en su propia casa. Las dos piezas, de alrededor de 20 min. cada una, fueron grabadas en una sola pieza, una sola toma, dividida en dos parte. Un auténtico trabajo electrónico experimental, una exploración sonora electrónica tranquila, por momentos simple, con solo un teclado sonando, pasando por momentos más experimentales y electrónicos, con un sintetizador al cual se le extraen extraordinarios efectos.
Los críticos del momento denominaron su música como ‘’electro acoustic’’, ‘’semi symphonic’’, ‘’post Pink Floyd’’ o ‘’space temporal’’, lo cierto es que su trabajo no se puede denominar bajo una sola etiqueta, el sonido es por momentos muy particular, tranquilo pero a la vez vertiginoso y con un poco de mal humor, con los particulares sonidos que les saca a unos teclados de iglesia y los ambientes lisérgicos tensos que genera con un sintetizador, una guitarra y sonidos deformados que hace con su voz. Las dos piezas que componen el disco parecieran mas extensas aun al ser escuchadas, ya que transitan por distintos sub estadas y distintos pasajes y efectos sonoros, ambientes cósmicos minimalistas y atrapantes, altamente volátiles, que brillan en su propia salsa electrónica oscura. Un paquete sonoro que debe ser altamente atrapante para amantes de Klaus Schulze o sonidos tempranos de Tangerine Dream o Ash Ra Tempel. Todo fue elaborado casi artesanalmente por él, cada sonido, incluso la portada del disco fue diseñado por el mismo. El disco fue lanzado en 1975, del cual solo se lanzaron 100 copias, las cuales sólo estaban disponibles en sus conciertos. Musicalmente estaba influenciado por música clásica, Bach, eso se nota en las escalas y los pasajes que interpreta, también estaba muy influenciado por Klaus Schulze, Tangerine Dream y Pink Floyd, especialmente de estos últimos se inspiró para algunos pasajes del trabajo, ya que alcanza sonidos muy similares a grabaciones de Floyd en ‘’a saucerful of secrets’’ o del mismo ‘’Live at Pompeii’’. Para 1976, Freddy lanza su segundo trabajo, un single con dos temas, los cuales se incluyen en la edición en cd que estamos compartiendo en este post, y no sería hasta 1980 cuando publicaría su segundo y último LP, ‘’Hope’’. En 1993 su primer álbum fue reeditado en CD por el sello alemán Thors Hammer.
Ash Ra Tempel es un grupo cuasi fundacional y uno de los grupos más notables dentro de la corriente krautrock alemana en los años 70. El grupo fue inicialmente fundado por el guitarrista Manuel Göttsching, el tecladista y baterista Klaus Schulze , y el bajista Hartmut Enke, en 1971. Los tres miembros fundadores habían tocado previamente en conjunto como parte del grupo de corta vida ‘’Erupción’’, por su parte, Schnitzler y Schulze habían trabajado juntos en el primer disco de Tangerine Dream. Su música se caracteriza por ser muy cósmica y atmosférico, y en lugar de escribir letras en inglés, ya que el idioma alemán no era popular en el rock del momento, Ash Ra Tempel decidió hacer música puramente instrumental. La banda tuvo su debut con un álbum homónimo en junio de 1971, esta producción es considerada por los críticos como un clásico en su género, se trata esencialmente de una exploración y desarrollo del enfoque de rock espacial muy al estilo ‘’Electronic Meditation’’, primer disco de Tangerine Dream, tal vez como era de esperar, teniendo en cuenta la presencia de Klaus Schulze. El trabajo cuenta con solo dos tracks, dos extensas sesiones espaciales de entre 19 y 25 minutos cada una, mostrando una doble personalidad, al ofrecer dos paisajes sonoros muy diferentes, como dos cara de una misma moneda. La primera sesión, ‘’Amboss’’, es más vertiginosa y aplastante, puro rock psicodélico espacial, pura psicodelia, comienza con un exuberante teclado que pinta desde el comienzo un paisaje oscuro y místico, con acentos en percusión, teclado que toma el lugar principal en el sonido, para luego ir trasladándose el sonido hacia un atasco furioso en el cual la guitarra toma el lugar principal, inundando de feedback, distorsión y grandes solos a la zapada, destacándose Göttsching, como gran artillero eléctrico. Esta es una pieza aplastante de principio a fin, que combina lo mejor de la heavy psicodelia, con sonidos espaciales y grandes innovaciones electrónicas en guitarra y teclado.
La segunda parte, ‘’Traummaschine’’, es proto ambiental, más dramatica y atmosférica, recorre el territorio que Tangerine Dream exploraría en su álbum ‘’Zeit’’. Esta vez la banda alcanza una mayor amalgama entre los distintos pasajes y los cambios entre cada uno, utilizan otras técnicas, especialmente por los sonidos que Göttsching le saca a la guitarra, se agregan algunas percusiones adicionales tipo bongos, y así van creando una atmosfera que tiene elementos de la primera sesiones, pero con una volatilidad menos convencional y más arriesgada.
Tanto en ‘’Amboss’’ como en ‘’Traummaschine’’ el que más se destaca es Manuel Göttsching, con su guitarra, que pone los límites y puntos de cada comentos e inunda el sonido con sus solos cargados de distorsión. Por su parte, Klaus Schulze, aporta uno sonido muy importante a nivel atmosférico pero no juega un rol tan de liderazgo en el sonido, el formato de banda seguramente limitaba sus capacidades o su talento, y esto hizo que se alejara de la banda, en busca de una carrera en solitario, con la cual explotaría y exploraría su talento, hacia lugares lugares alucinantes, plantando bases para nuevos sonidos, y convirtiéndose en un icono indiscutible de la música electrónica. Con este disco la banda se recibe inmediatamente de kosmische power trío de tamaño descomunal, las sesiones se desarrollan de forma muy intuitiva, y por supuesto, improvisadas, por momentos los instrumentos alcanzan tal fusión que no se los distingue como tal, sino que solo se escucha un ambiente electrónico alucinante. En general el álbum es muy bueno, planta bases para nuevos sonidos futuros, ya que visita diversos territorios eléctricos que serían explotados con mayor eficacia tanto en posteriores álbumes de Ash Ra Tempel, albums y por otras bandas también. Luego del lanzamiento del primer disco, vendrían, Schwingungen de 1972, Seven Up, con Timothy Leary, también del 1972, Join Inn y Starring Rosi del 1973. En 1975 graban la banda sonora ‘’Le Berceau de Cristal’’, inédito hasta 1993. Luego de dicho lanzamiento, la banda cambia su nombre por el de ‘’Ashra’’, liderada en su totalidad por Manuel Göttsching, quien siempre fue un miembro vital del sonido de Ash Ra Tempel, pero en este momento tomando un lugar total, como si se tratara de su propio proyecto, de hecho se dice que por momentos la banda estaba conformada solo por Göttsching.
Kazumi Watanabe, nacido en Tokio, Japón, el 14 de octubre de 1953, es un guitarrista de jazz y jazz fusión, uno de los grandes maestros japoneses de la guitarra, durante los últimos 20 años ha sido uno de los mejores guitarristas de fusión, contando con una carrera muy nutrida y una discografía extensa la cual comenzó desde muy chico y hasta entonces no ha parado de lanzar discos. Varias de sus grabaciones han sido puestas a disposición por Gramavision y demuestrna que está a la altura de guitarristas como Al DiMeola y Scott Henderson, entre otros. Tomó el piano a la tierna edad de siete años, pero comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y nunca más la ha dejado, estudió guitarra en Yamaha Music School de Tokio y comenzó a realizar sus primeras grabaciones siendo solo un adolescente, editó su primer disco en 1971, convirtiéndose en una de las jóvenes promesas del jazz japonés. ‘’Infinite’’ seria dicho primer disco que lanzaría, a la edad de 17 años, grabado en el ‘’Teichiku Studio’’, en Tokyo, para el cual forma un quinteto conformado por Takao Uematsu con saxo, Hideo Ichikawa en piano, Yoshio Suzuki en bajo, Motohiko Hino en batería, y por supuesto Kazumi Watanabe en guitarra. Desde un principio se puede percatar la frescura creativa que tenía y la enorme proyección, toma las riendas de las sesiones que desde un principio se presentan vertiginosas y con el toque virtuoso que le dan sus dedos a los de guitarra. Con un tempo rápido teje fascinantes improvisaciones y melodiosos afluentes improvisados, característica que sería marca registrada del estilo del guitarrista, marcado por la combinación de varias técnicas elaboradamente complejas, un sonido rico en fuerza expresiva.
Los pasajes son rápidos, con una base rítmica considerablemente funky y acercamientos al jazz fusión más que nada desde la guitarra, que por el virtuosismo que denota, se encuentra mucho más allá de hace solamente jazz. Todos los temas en general tienen similares características, a no ser por el último tema, ‘’Here That Rainy Day’’, un tema más lento y abossanobado. Durante la década de los 70s lanza innumerables disco, hasta que en 1979, forma una banda de jazz fusión con algunos de los músicos de sesión más reputados del país, con la cual lanza álbum ‘’Kylyn’’, que está considerado como una de las obras maestras de la fusión japonesa. Durante la década de 1980, Kazumi realizó un gran número de grabaciones de jazz rock. To Chi Ka (1980), con influencias funks, es probablemente el más famoso de sus primeros discos. Algunos álbumes posteriores, como Mobo Club (1983) y Mobo Splash (1985) escogieron tendencias más experimentales. Sin embargo, el más conocido de sus discos, es Spice of Life (1987). En el DVD editado sobre la gira de presentación de dicho disco, toca con el batería Bill Bruford y el bajista Jeff Berlin (que toca también en el disco de estudio). En los años 1990, organizó una banda con músicos japoneses, llamada "Resonance Vox", con Vagabonde Suzuki al bajo, Rikiya Higahihara en la batería y Tomohiro Yahiro en la percusiones. Watanabe ha trabajado con músicos como Steve Gadd, Tony Levin, Jeff Berlin, Bill Bruford, Sly and Robbie, Wayne Shorter,Patrick Moraz, Marcus Miller, Richard Bona, y Peter Erskine. Desde 1996, da clases en el Senzoku Gakuen College.
La banda sueca ‘’Ablution’’ nace a principio de los 70s, cuando el bajista John GUSTAFSON y el teclista Peter ROBINSON (futuro miembro de Brand X), ex miembros de Quartermass, se combinaron con la idea de hacer jazz fusión, se fusionaron a BJORN JAYSON LINDH en flauta, OLA BRUNKERT en batería y con el guitarrista JANNE SCHAFFER (los tres ex miembro de Baltik), para darle forma el proytecto. Se sumarian eventualmente MALANDO GASSAMA en percusión y el trompetista BARRY DE SOUZA. Juntos lanzaron un álbum homónimo, ‘’ Ablution’’, en 1974, que nace de la fusión progresiva de sonidos jazzeros, mesclados con funk y fusión. Prog-fusión instrumental con sesiones rítmicas masivas, una formula musical talvez no tan jugada y un tanto tipica para la época y para la calidad de bandas de gran calidad que había dentro del género, pero aun así lo que crean es notables y con un alto grado de disfrute para el odio.
La sección rítmica es muy buena, el sonido es limpio y fresco, con gran dinámica y vertiginosidad para desplegar los pasajes jazz rock, que recuerdan a Weather Report o a los mismos suecos Kvartetten Som Sprängde. También juegan mucho con las bases y matices funky y talvez también con alguna influencia latina, lo que le da más color a los temas y hace más fácil de escuchar a los complejos arreglos que despliegan. Algo criticable es que se acercan demasiado al sonido de Mahavishnu Orquestra, muy similares, cambiando el violín por una flauta, con arreglos parecidos, pero para ser una banda desconocida dentro del fusión creo que lo que hacen está bastante bien. Las pistas son muy atractivas y poderosas, agregan sonidos con sintetizadores y constantes solos en guitarra, muchos pasajes del disco son dignos de volverse a escuchar. El grupo, pese a la gran cantidad de grandes músicos que lo componían, no supo mantenerse ni crear sonidos tan significativos para el momento, por lo que se disolvió rápidamente, lo que nos han dejado ha sido este gran disco de jazz fusión.
