Masahiko ato pertenece a la escuela de jazz y jazz fusión japonesa, que tantos grandes frutos y valores ha dado, y a la cual él ha influenciado, tanto con arreglos directos, participaciones, como con su sonido personal y con su extenso trabajo discografico. Nacido en Octubre de 1941, en Tokyo, Sato, es un influyente pianista japonés de jazz, arreglista y compositor. Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y a los 17 ya era profesional. En 1967 se muda a los Estados Unidos, para estudiar en la universidad de Berklee. Se mantenía trabajando en una casa de comidas y tocando el piano en un Hotel. Pasó dos años allí, estudiando arreglos y composición musical. En 1969 publica sus dos primeros álbumes, el primero sería ‘’Palladium’’. El segundo, que nos compete en esta ocasión, es ‘’Deformation!’’, grabado en vivo el 4 de julio de 1969, en el Sankei Hall, en Tokio. Este es un trabajo de free jazz en trio, con una dosis de experimentación, ya que a las sesiones del trio se le agregan cintas pregrabadas con sonidos electrónicos, que rompen con el sonido convencional del trio y le dan un toque vanguardista al asunto.
En la segunda mitad del disco, siguen jugando con cintas pregrabadas, esta vez usando música de cámara clásica y piezas de coro, que se fusiona al free jazz del trio, resultado un sonido realmente inquietante, música clásica y free jazz. Todo esto fue presentado en un evento en vivo, grabado en vivo, en una presentación conceptual que pretendía llevar la música más allá de sus límites, con un juego de luces y una ejecución por demás vanguardista combinada con un collage de sonidos y efectos. Sato demuestra ser un líder musical muy versátil y además, como su experiencia como músico de sesión y arreglista lo demuestra, refleja siempre su fina dosis de versátil ejecución y fresca ideación de las piezas, desplegando un repertorio amplio dentro del género. Sato ya era todo un experto arreglista para la época, participando de incontable cantidad de discos como invitado y arreglista, como por ejemplo para Count Buffaloes o Stomu Yamash'ta. El trio para este concierto estaba integrado por Masahiko Sato en el piano, Yasuo Arakawa en el bajo y Masahiko Togashi en bateria Luego de este lanzamiento, seguiría con el trio, con el cual lanzaría tres álbumes mas durante los primeros años de los 70s, pero su talento le permitiría participar a la vez en innumerable cantidad de discos, dúos, trabajos como invitado, arreglos para otros discos, música para películas, televisión y publicidad, además de sus discos lanzados en modo solista, que recorren todas las décadas desde principio de los 70s hasta la actualidad.
Free Music Quintet fue un grupo de músicos de variada nacionalidad dedicado al free jazz y a, como el nombre del grupo lo indica, la música libre, hacer música libre completamente radicalizada y manifestada de forma casi expresionista. El grupo fue creado en 1967 y liderado por el baterista y percusionista Pierre Courbois (cuya lista de créditos para esa época ya incluía sesiones y shows con John Coltrane, Kenny Clarke, Bud Powell, Lol Coxhill, Johnny Griffin y Mal Waldron), quien estaba acompañado por Ferdy Rikkers en bajo, Peter Van Der Locht en saxo y flauta, Boy Raaymakers en trompeta y percusión, y Erwin Somer en violin y percusión. El quinteto grabó un álbum para el sello ESP-Disk en 1968, ‘’Free Music 1 And 2’’, grabado en un típico día lluvioso holandés, en la granja de Erwin Somer, dentro de un establo, al cual había llevado una enorme grabadora de cuatro pistas. En este trabajo el grupo refleja su postura cuasi filosófica ante la música, partiendo desde el free jazz y yendo aún más allá con un sonido que expresa completa libertad de expresión y acción hacia cualquier dirección expresiva. Los músicos parecen actuar bajo la premisa radical de libertad total, lo que se refleja en una música sin nombre, sin comienzo ni final, sin armonía, se trata de una música bruta y neta, creada a mano, traída espontáneamente y liberada al instante. El trabajo consta de dos composiciones sin nombre, dos extensas sesiones de, como se dijo antes, una música expresada libremente, a lo largo de un extenso repertorio de un carácter muy personal, por momentos caótico y sobrecargado, por momentos más sutil, pero siempre funcionando como una cacofonía de vientos, percusiones y cuerdas que vuelan libremente al ritmo de un compás espontaneo y para nada planeado de antemano. Pequeños chasquidos, golpecitos, rasguidos, se aproximan y se agolpan sutilmente, Courbois siempre en la batería dando un trasfondo definido y siendo parte principal del cuerpo sonoro, aún más en los momentos de mayor tensión y ejecución. El sonido se va creando con pequeños aportes de cada músico, seguramente desconcertantes para el oído más convencional pero de una sutileza enorme al fin, con un montón de texturas, alturas, intensidades, ambientes percusivos, recreaciones cacofónicas y puestas en escena de una música soltada sin restricciones.
Es una música a la que hay que aproximarse con cuidado porque, por si sola, derrumba muchos de los prejuicios que tenemos a la hora de escuchar el sonido musical, aquí no hay canciones ni composiciones, no hay armonías ni acordes, no hay tempos ni ritmos, solo una libre ejecución de los músicos que actúan a placer y completan el espacio de forma espontánea. Hacer esta salvedad y entender estas premisas puede ayudarnos a acercarnos a este disco y este tipo de música. Peter Van Der Locht recuerda que: ‘’Estaba yo muy influenciado por el tan llamado ‘’psicodrama’’, en el cual tenes tres posibilidades de establecer tu posición: hacer exactamente lo opuesto de lo que hacen los demás, hacer lo que hacen los demás, o hacer algo completamente distinto de todo lo demás. Esas tres ‘’reglas’’ eran mi guía. Vi a la música como un ejercicio para desarrollarme a mí mismo, para aprender acerca de la forma y sus problemas. Al final esto me ayudó mucho conceptualmente. Toda la banda se inmiscuyó cada vez mas en estas ideas de psicodrama.’’ Pierre Courbois fue el único músico del grupo que quien se le pudo seguir el rastros, él había sido uno de los primeros en hacer free jazz en Europa, creando su Free Jazz Quartet en 1961. Luego de la experiencia con el Free Music Quintet fundó uno de los primeros grupos europeos de jazz-rock, que en un comienzo era conocido simplemente como ‘’Association’’. En 1982 Courbois fundó ‘’New Association’’ junto a Heribert Wagner, Ben Gerritsen y Ferdi Rikkers. En 1992, comenzó con un quinteto con su propio nombre y, por primera vez en su carrera, interpretó piezas compuestas por él mismo, este conjunto sorprendió gratamente a los críticos y al público, con un retorno a la tradición de Charles Mingus: jazz temático, conjunto melódico y una experimentación con improvisación lineal. En 1999 fundó el Double Quintet y en 2003 el Five Four Sextet, con Eric Vloeimans, Ilja Reijngoud , Jasper Blom, Paul van Kemenade y Niko Langenhuijsen. Actualmente sigue tocando en vivo.
Tod Dockstader fue un compositor estadounidense de música electrónica, y en particular de música concreta. Experimentó con la grabación de cinta y la edición para crear un tipo de música hecha con sonidos no musicales. Nació en Saint Paul, Minnesota , Estados Unidos. Estudió pintura y cine en la Universidad de Minnesota, antes de mudarse a Hollywood en 1955, para convertirse en aprendiz de editor de cine. Se trasladó a trabajar como ingeniero de sonido en 1958 y fue aprendiz en los Estudios de Grabación Gotham, donde comenzó a componer. Alrededor de este mismo tiempo, también trabajó para Terrytoons junto a Gene Deitch. Desde 1961 hasta 1962, cuando Deitch dirigió trece nuevos cortos de Tom y Jerry, Dockstader fue el responsable de crear los efectos de sonido inusuales y fuertemente reverberados que se escuchan a través de ellos.
El primer disco de Dockstader, Ocho Piezas electrónicas , fue lanzado en 1960, y fue utilizado más tarde como la banda sonora de Federico Fellini 's Fellini Satyricon (1969). Continuó creando música durante la primera mitad de esa década, trabajando principalmente con efectos de manipulación de cintas. En 1966, Owl Records lanzó cuatro álbumes de su trabajo de este período, incluyendo lo que muchos consideran la obra maestra de Dockstader, Quatermass. Quatermass fue entendido, desde el principio, para ser muy denso, masivo, incluso amenazante. Un trabajo de altos niveles y alta energía, puesta en la transmutación de cintas y en el juego de sonidos dramáticos electrónicos, uno de sus trabajos más electrónicos de la década. A lo largo de las cinco piezas que comprende el trabajo explora una variedad de alternativas y modificaciones sonoras, que como rasguños y bosquejos obtusos, surgen y se acoplan entre sí.
El "sonido organizado" de Tod Dockstader ha cautivado, encantado y en ocasiones asustado a los oyentes durante décadas. Las frecuencias y las intensidades juegan entre sí, y se agolpan como producto de la búsqueda, la experimentación, la reverberación y colocación, y la selección exhaustiva de varias grabaciones y tomas, inspirado por otros iconos de la música concreta como Karlheinz Stockhausen , Edgard Varèse o Pierre Schaeffer. Dockstader recuerda que: ‘’Para Quatermass, tuve por primera vez el uso de una grabadora de tres pistas (la tercera pista llenó el 'agujero' del centro en la grabación estéreo temprana), lo que me permitió hacer ritmos de eco de cinta más complejos que antes (escuchado en 'Tango' y 'Flight') y masas de sonido más gruesas: la 'pared' de sonido que quería para la pieza. Para mezclar todo esto, tuve una mezcladora de seis canales (tubos), una mono, una de 2 pistas y las máquinas de 3 pistas para alimentar una grabadora de 2 pistas de un cuarto de pulgada. Eso fue todo sin 'seguimiento', sin sincronización automática, sin 'capas', solo una mezcla de una pasada a la cinta maestra. Todo esto fue un equipo de tubo sin reducción de ruido. La etapa más larga fue editar las mezclas en los cinco movimientos. Supongo que los cuarenta y seis minutos de Quatermass fueron arrancados de una docena de horas de cinta mixta.’’
En 1961 solicitó el uso de las instalaciones del Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton y se le negó el acceso en cartas de rechazo escritas por Vladimir Ussachevsky y Milton Babbitt. La razón oficial de Ussachevsky fue la programación "exagerada" de los estudios, aunque muchos sospechan que la falta de formación académica de Dockstader fue un factor en la decisión. Después de dejar Gotham Recording Studios a fines de la década de 1960, formó el servicio audiovisual Westport Communications Group junto con su socio de negocios y el ex ejecutivo de Gotham, Fred Hertz. La compañía se enfocó en clientes corporativos y produjo películas educativas galardonadas para la serie American Heritage. Dockstader también fue un escritor prolífico, con varios artículos publicados por Electronic Music Review y The Musical Quarterly.
