Julie Driscoll, Brian Auger & The Trinity - Streetnoise (1969)

Brian Auger estuvo allí como gestor de fusiones tempranas y fue parte de la corriente que experimentó y llevó a la psicodelia hacia terrenos de mayor sofisticación, armando con su versatilidad técnica en teclados con la que fusionó el rock y el jazz.  Por su parte, Julie Driscoll fue una exitosa cantante que también funcionó durante esos años de contracultura y prototipos progresivos, teniendo gran acercamiento a la psicodélica, y al jazz rock mismo. A banda para esta ocasión se completaba con David Ambrose en bajo y Clive Thacker en batería.

Los músicos de aquella época a menudo manejaban varios estilos a la vez, siempre dentro de lo que sonaba en el momento, fusionando jazz, rock, funk, blues, soul, entre otros, por lo que muchas veces los discos que publicaban presentaban varias facetas, explorando fusiones o estilos diversos. ‘’Streetnoise’’, de 1969, es uno de esos trabajos con buenas miras hacia una propuesta de variado índole, también acercándose hasta el mote de trabajo conceptual u operístico, o por lo menos en su estructura es lo que insinúa, siendo un disco doble, con un sinfín de composiciones que van desde lo que parece ser algo de progresivo temprano, jazz-rock, elementos acústicos, pop rock, y muy buenos atascos con improvisaciones obviamente de la mano del órgano de Auger.

Al tratarse de un disco doble ofrece la posibilidad de encontrar un repertorio muy extenso, liderado siempre por hammonds y pianos, contando además con un par de canciones más pegadizas como ‘’Indian Rope Man’’ o ‘’Let the sunshine in’’, donde las melodías movidas no se dejan de esperar; también hay una reinterpretación del ‘’Light my Fire’’, de The Doors, aunque reinventada de forma particular, casi progresiva, con un desenlace que la quita lejos de su versión original. El disco en realidad cuenta con gran cantidad de reinterpretaciones de temas de otros artistas, incluyendo versiones de: "Take Me To The Water" de Nina Simone, "Save the Country" de Laura Nyro, "All Blues" de Miles Davis, "Indian Rope Man " de Richie Havens, y "Let The Sunshine In" y "I Got Life" del musical Hair

La obra ya desde sus cimientos y su portada insinúa ser algo fuera de lo común, lo cual se confirma en el sonido, con lo que parecieran ser implicancias socio-politicas en su concepto, y con una interpretación y elaboración muy esmeradas y centradas, presentando formas que se salen de lo común, momentos muy significativos desde lo instrumental y lo creativo, para cimentar un sonido que llama la atención de inmediato y que debió tener más suerte en cuanto a su repercusión, no es un disco más de la época, es una obra que se destaca del resto.

La grabación es nítida, equilibrada en una idiosincrasia artística propia que los llevó a salirse de los surcos del mote de disco de rock estándar para ubicarse en un sonido puramente creativo, reinterpretado todo bajo la particular visión del sonido de Hmmond B3 de Auger, reafirmado bajo una fulguración creativa muy particular que se presentan y asombra con un sonido excitante y muy significativo a todo momento, el disco es extenso pero nada de lo que ofrece está de más. El sonido cuenta con la virtud de Julie Driscoll, un cantante que puede llegar a unas notas muy altas con una facilidad notable y una gran potencia, con un estilo de voz dulce pero también con buena dosis de blues y rock.

La extensa desenvoltura de la obra puede llevar a la desazón, es una obra muy extensa y significativa, por lo que exige una escucha atenta, exige y demanda tiempo para dedicarle especialmente a su escucha y a la apreciación de cada detalle y momento porque la elaboración los ha llevado a la creación de una música que transita por diversos pasajes que varían en intensidad y sofisticación, porque todo lo ofrecido pareciera conectarse artísticamente bajo un halo de lo unifica en una misma cosa, funcionando como un álbum conceptual.

Los oscuros surcos que este sonido alcanza provienen de un lugar donde yacen posando los frutos tempranos de una generación ávida en andanzas y movimientos y ávida en innovación, que ya desde el comienzo de sus carreras comenzarían transitar y los cuales no tardarían en madurar en formas mucho más elaboradas de fusión, comenzando a trazas el camino desde formas tempranas de R&B y soul, pasando por la psicodelia hasta llegar a formas prototípicas de un progresivo que ya estaba dando qué hablar entre sus contemporáneos.

La carrera tanto de Driscoll como de Auger tuvo fuertes conexiones con la música progresiva y el jazz-fusion y de vanguardia. Driscoll se casó con el músico compositor Keith Tippet, por lo que desarrolló un fuerte vínculo con la música de vanguardia, además de ser requerida como vocalista de sesión. Por su parte Auger también tuvo mucha relación con el jazz-fusion con su Oblivion Express, y también sería un música de sesión muy requerido en su época, llegando a tocar con músicos como Rod Stewart, Tony Williams, Jimi Hendrix, John McLaughlin, Sonny Boy Williamson, Led Zeppelin, Eric Burdon, entre otros.

Cod: #1567

Group 1850 - Agemo's Trip To Mother Earth (1968)

Publicado originalmente en 1968, este es el primer lanzamiento de la banda holandesa Group 1850, un artefacto perdido del rock holandés que no tiene tanto que ver con el progresivo como se dice por ahí sino más bien está relacionado con la psicodélia y la experimentación rumbo a esos lares de delirio y cierto misticismo. La banda, aunque no alcanzó fama fuera de su Holanda natal y no tuvo un gran despliegue histórico en su país, aun así con su primer disco se ubicó como uno de los primeros proyectos psicodélicos de Holanda, con una propuesta que realmente ahonda en muchos momentos de gran goce lisérgico experimental. Con el tiempo la banda ha ido obteniendo algo de reconocimiento hasta tal vez ubicarse, con su primer lanzamiento, como una de las propuestas más delirantes de la psicodelia europea de la época.

Su álbum debut apareció en 1968, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, haciendo un evidente guiño hacia la psicodelia de la época, de la cual se nutren y proveen, apareciendo esta desde el comienzo hasta el final del trabajo, empapando a la producción rockera propuesta. Fueron agiles al momento de crear propuestas delirantes, en su mayoría las pistas son trips que conducen al delirio, con una producción delicada donde aparecen sutiles propuestas de delirio sonoro, experimentación, ambientes, etc. En los Países Bajos, el disco poseía una portada que tenía una imagen en 3-D y venía con un par de lentes en 3D para poder verla correctamente.

Un rol que cumplió la psicodelia fue el de, no solo romper con viejas tradiciones morales post segunda guerra mundial, sino también, destruir la estructura básica de la canción, proponiendo nuevas formas que se salían de los cánones artístico y se ubicaban en un lugar de fulguraciones creativas. Si bien el maistream comercial del rock psicodélico sí utilizó la canción, lo cierto es que cuando muchas bandas de la época experimentaban, en esa búsqueda bajo efectos alucinógenos, muchas veces aparecían sonidos que difícilmente podían ser ubicados bajo una forma reconocible, apareciendo fusiones con diversos estilos, experimentando en estudio con sonidos alterados lo que daba como resultado un vanguardismo sonoro, apareciendo también las extensas improvisaciones donde se caía en delirios instrumentales, etc.

En este disco aparecen algunas de esas salvedades creativas típicas de la época, por ejemplo la pieza ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’, un track de trece minutos de duración extendido en un trip psicodélico de gran experimentación que logra alcanzar una complejidad llamativa al transitar por buena cantidad de partes y momentos diversos, tal vez por eso eventualmente se tilde al disco de ‘’progresivo’’, pero esa pieza tiene relación directa con la psicodélica, con experimentaciones varias y hasta para una sesión donde suena solo una voz y en el fondo una batería. Luego, las utlimas tres piezas del disco también cuentan con su peculiaridad, viajes delicados que se suceden entre pasajes calmos pastorales, recitaciones y más ambientes delirantes.

Todo el disco en sí mismo en una gran puesta en escena creativa presentando una serie de piezas de variado índole psicodélico y de diferente manufactura, una travesía que parece conceptual, con un concepto ininteligible que hace referencias a la ‘’mother earth’’ y a la ‘’universal people’’. Esta es una gran adición a la colección psicodélica, con un disco que está realmente a la altura de la época en producción y creatividad y provee de un buen trip al oyente. Se destacan piezas como la mencionada ‘’I Put My Hands On Your Shoulder’’ y otra pieza de gran goce es la llamada ‘’Little Fly’’.

La banda se fundó en 1964 en La Haya, Holanda. Comenzaron bajo el nombre Klits, en una clara referencia al clítoris, pero rápidamente cambiaron su nombre por el de ‘’Group 1850’’. En 1966 su single debut, "Misty Night" / "Look Around", apareció en el pequeño sello Yep. En 1968 publican su disco debut, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, bajo el sello ‘’Philips’’. Un lanzamiento en el Reino Unido (también en Philips) no ayudó a la banda a afianzarse fuera de los Países Bajos, y Philips los abandonó poco después. Su siguiente álbum, ‘’Paradise Now’’, apareció en el sello discográfico holandés Discofoon en 1969 y fue solo un poco menos influenciado por el ácido que su predecesor. La banda se disolvió poco después, pero estuvo esporádicamente activa durante la década de 70s.

Cod: #1566

Gal Costa - Gal (1969)

El tropicalismo fue, como todas las fuerzas de choque y de vanguardia, un ente más que no solo contó con nombre y fuerza, sino con toda una identidad que quedó manifestada en un resarcimiento devuelto al mundo más que nada por el lado artístico, plasmado especialmente en la música, pero también en el cine, teatro y la literatura. Habiendo bebido de la psicodelia, los cultores del tropicalismo tomaron sus fuerzas de la política, las vanguardias, además del fenómeno de la antropofagia, concepto desarrollado en 1928 con el “Manifiesto Antropófago” de Oswald de Andrade, que recupera el símbolo del rito caníbal de los indios tupis que horrorizó a los europeos al llegar al Brasil.

La idea de la antropofagia, como símbolo del revitalizarse a través de la adquisición de las virtudes del enemigo al devorar su cuerpo, reforzó la identidad brasilera desde una forma de ruptura de valores extranjeros, aunque a la vez coqueteó con los vanguardismos rupturistas europeos como le dadaísmo o el surrealismo, manifestándose inequívocamente como otro rupturismo pero calcado a la brasilera, sin foco en la razón sino con la vertiente del optimismo, el manifiesto antropófago recalca: “Antes de que los portugueses descubrieran el Brasil, el Brasil había descubierto la felicidad”. El tropicalismo revivió esta dosis de rebeldía local, para traerla hacia ritos más moderno, sin dejar la esencia rupturista de lado, entre política, valores comunes del país, arte, colores contraculturales y creaciones sin formalidad. Esta suma de poderes sin saberlo, esta búsqueda de sacar lo estático para traer lo vivo a la realidad, puso foco sobre la sociedad brasileña y su vivir en comunidad, reviviendo valores comunes locales y acercándolos a la expresión de ruptura de las artes y pensamiento clásicas.

La tropicalia brasilera, desde lo musical, se inspiró directamente de la contracultura norteamericana y de su evidente arte psicodélico, manifestándose en un movimiento paralelo reversionado a la brasilera, y fugaz pero muy intenso que se hizo carne en un disco que funcionó como todo un manifiesto, el ‘’Tropicália: Ou Panis Et Circencis’’ de 1968, que integró a los artistas de rock emergentes de la época que se había alineado bajo esa vision, los cuales a su vez también publicaron sus respectivos discos solistas. Entre ellos figuraban Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Os Mutantes, y además aparecía la figura de Gal Costa, una cantante que había comenzado a hacer sus primero trabajos junto a Veloso y que no tardaría en comenzar a publicar sus trabajos solistas, con los cuales, por lo menos en los primeros de ellos, continuaría dicha temática de tropicalismo exótico.

‘’Gal’’, de 1969, es el segundo lanzamiento solista de Gal Costa, un clásico y explosivo detonante del movimiento tropicalista de la música Brasilera, un disco mucho más oscuro que su debut discográfico publicado unos meses antes ese mismo año. Para su segundo lanzamiento remarca las líneas melódicas y les agrega formas de rock, agrega un poco de funk a la mezcla y continua por la senda deliciosa de los sonidos y experimentación psicodélica. Con la participación de los por aquel entonces jóvenes Gilberto Gil y Caetano Veloso. Incluye temas de Jorge Ben, Jards Macalé y Roberto & Erasmo Carlos.

Tropicalia, rock afro, robusto en exotismo tropical, ensimismado en fusiones de un fuerte sabor groove afro, donde surgen momentos de aparición del funk en bases agiles y armonías típicas en las guitarras. O el segundo tema del disco, llamado ‘’Tuareg’’, donde se hace una fusión con un estilo de melodías típicas africanas. Y también por supuesto la aparición de la bossa nova en armonías y rasgueos, melodías exóticas, y obviamente también reflejadas en esa alegría jocosa que trasmite con sus canciones el tropicalismo y al música popular brasilera en general. E incluso la producción del disco se adentra mucho más en fusiones con funk que con bossa nova, reflejado tan característicamente en las armonías de las guitarras, los riffs del bajo y las percusiones agiles tan típico de funky, demostrando la versatilidad de los músicos para manejar diversos estilos y diversas fusiones, y reflejando la clara influencia del funk y soul estadounidense que pesaba sobre ellos y que no temieron usarlo a su favor en la construcción de la mayoría de los temas.

La materia prima con la que se construye el disco son los atascos groove con guitarras funky y algo de distorsión, donde se agregan algunas voces delirantes al mando de Gal y algunos otros eventuales agregados percusivos. Hay momentos de mucha experimentación, un par de tracks donde aparecen agregados orquestales, especialmente para el tema ‘’Objeto sim, objeto não’’, que comienza con unos sonidos y samples de voces alteradas en estudio, que continua en una canción también funky sobre la que aparecen más arreglos orquestales, una fusión deliciosamente extraña, un delirio muy agradable y justo al que recae el disco luego de una serie de pegadizas canciones que no tienen desperdicio alguno.

En comparación con su lanzamiento debut, este segundo trabajo se inmiscuye mucho más en el funky y en el rock, con una sensación general de psicodélia que se desparrama por todo el disco, especialmente en esa fusión con funk y en las guitarras acidas que desparramas sus solos por muchos pasajes de este artefacto. ‘’Gal’’ no tiene tanto sabor melódico de música popular brasilera, tiene más de rock y contracultura, poder político y experimentación cultural, que tanto caracterizó los mejores años de la tropicalia. Es considerado por el público y la crítica como su disco más psicodélico y experimental.

En el mundo de la psicodélia de la época hubo un punto importante de inflexión que marcó un precedente y sentó las bases de una música pop-rock moderna y actualizada, sirviendo también como un símbolo de obra conceptual psicodélica que elevó al género hasta niveles insospechados y que inspiró a muchos trabajos conceptuales que surgirían posteriormente aquellos año, con también roces con la orquestación y la experimentación conceptual, y eso fue precisamente por la aparición del ‘’Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’’ de los Beatles. La aparición de dicho álbum inspiró a muchos contemporáneos y creó el mote de ‘’obra maestra conceptual psicodelica’’, estándar creativo que muchos en su época intentaron emular. Esto de alguna manera parece verse reflejado en el tropicalismo brasilero y en sus álbumes más representativos, siempre abiertos a fusiones, a composiciones de variado estilo, a experimentación sonora, y aparición de arreglos orquestales en algunas canciones.

Cod: #1565

La Cofradia De La Flor Solar - La Cofradia De La Flor Solar (1971)

La Cofradía De La Flor Solar surgió originalmente como un grupo de hippies y bohemios que vivían en comuna, inspirados principalmente por los valores de la contracultura estadounidense, como la vida natural, el amor libre, el pacifismo, etc., aunque ellos, como lo sería con la gran mayoría de las bandas argentinas de la época, no se limitarían, en cuanto a su producción artística respecta, a volverse una mera copia de estándares extranjeros. Este carácter personalista de animarse a transgredir las influencias para desarrollar un arte propio es carácter de las bandas argentinas de aquellas época, desarrollando sus propias visiones, su propia poética, sus propias concepciones del arte y del rock, carácter que marca a fuego todas las producciones discográficas de la época como una identidad nacional que se erige en la zona y logra distinguirse, de alguna manera u otra, de los demás.

El grupo comenzó como un emprendimiento artístico surgido en el seno de una comunidad hippie platense, hacia 1968. En la comunidad había artesanos, intelectuales, artistas plásticos, músicos, todos muy influidos por la cultura flower power, el pacifismo y los movimientos contraculturales que desembocaron en el Mayo francés, tópicos ineludibles en la cultura joven de la época. 

Entre algunos de los miembros que conformaban dicha comunidad figuraban entre otros el más tarde periodista de rock y ecologista Miguel Grinberg, los guitarristas Quique Gornatti y Kubero Díaz (posteriormente miembros de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll), el artista gráfico Rocambole Cohen y el guitarrista Skay Beilinson, estos dos últimos, futuros integrantes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

La Cofradía tuvo también ese rol característico de las bandas argentina de esa época de chocar contra los estándares morales impuestos, el del joven formal y educado que vestía como un adulto y se perfilaba para llevar una vida de estudio y familia, pero este grupo desafío esa visión tan establecida en el inconsciente colectivo reuniéndose como un colectivo o comunidad de jóvenes artistas que, luego de abandonar la universidad y animados por un espíritu que estaba surgiendo en la juventud, se reunieron y fueron a vivir todos junto en una casa que alquilaban en la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires, Argentina).

Ricardo ‘’Mono’’ Cohen recuerda lo siguiente sobre aquella época: ‘’Por ese momento con Luis Creus (un recién llegado con abundante experiencia en comunidades) habíamos tomado un poco las tiendas ideológicas de la cosa y decidimos actuar como managers de la banda. Conseguimos el Instituto Di Tella para hacer estrenar una ópera de La Cofradía. Se llamaba ‘’La Mezcladora de Cemento’’ y era como un especie de cuento de Ray Bradbury, audiovisual, porque tocaba La Cofradía de la Flor Solar y se proyectaban cosas en la pantalla. Era como una invasión de marcianos que llegan a la Tierra y son captados por el consumo y se hacen consumidores, o sea que ellos a su vez, son invadidos. Se hacen adictos a la Coca Cola, a los helados…’’

Por medio de un productor llamado Manuel Román, consiguieron grabar para el sello RCA, donde graban el simple ‘’La Mufa’’ y ‘’Sombra Fugaz Por La Ciudad’’. Al poco tiempo se edita el simple sin promoción ni apoyo de ninguna clase, salvo por la promoción que la misma banda le hacía. Más tarde, con el auspicio de Billy Bond, graban un demo para mandioca, del cual se termina editando un solo tema, ‘’Juana’’, que salió en el compilado ‘’Pidamos Peras A Mandioca’’, uno de los últimos discos que sacó el sello antes de desaparecer. Después, cuando Billy Bond empieza a hacerse famoso con La Pesada, les ofrece unas horas de grabación en los estudios Phonal, lo cual es aprovechado por la banda. En tan solo veinte hora La Cofradía graba todo el material para su disco debut e incluso graba algunos tema de más. Finalmente su disco debut homónimo fue lanzado en 1971 bajo el sello ‘’Microfon’’.

‘’El clima de las sesiones era como todas las cosas que hacíamos en la Cofradía. Iba toda la familia. Parecía que llevábamos el gato, los colchones. Cuando había giras viajaba gran parte de la comunidad, era como una manifestación. Y en los estudios también. Se sentaban, prendía inciensos, otros comían pasteles, las chicas traían grandes tortas. En fin,  el clima era bien de época. Por eso hay muchos agradecidos en la tapa del disco.’’, cuenta Ricardo ‘’Mono’’ Cohen en un entrevista con Alfredo Rosso, junio de 1996.

Este trabajo consta en su mayoría de rock, puro rock setentero donde aparece el folk y el blues, con ese toque fundamental argentino de la época, o sea rock duro, pesado y con buenos riffs y solos eléctricos, y a la vez este trabajo también representa uno de los puntos más álgidos que se hayan alcanzado dentro de la psicodelia en la Argentina, con una idiosincrasia nacida de la influencia de la contracultura norteamericana que se ve reflejada en muchos pasajes bastante volátiles ubicados en los sonidos de las guitarras, efectos de sonidos agregados y en las letras mismas que cuentan epopeyas de flores y luz.

El estilo de las composiciones recuerda al estilo de Luis Alberto Spinetta en cuanto a los arreglos vocales y a las letras metafísicas que hablan de eventos áureos sin nombre. Por otro lado los arreglos en guitarra eléctrica, con riffs punzantes y duros, recuerdan mucho al estilo tipico de La Pesada de Rock And Roll, cosa que no es de extrañar ya que el en cargado de la voz y la guitarra en este disco, Kubero Díaz, tenía mucho contacto con la mismísima Pesada, con la que grabó buena cantidad de veces.

‘’El disco fue presentado en Buenos Aires, incluso y la cosa estaba como para seguir para hubo un acontecimiento desafortunado. Estábamos en Mar Del Plata, compartiendo unos shows con Pedro y Pablo y el primer Sui Generis, cuando la policía allana la casa donde estábamos parando y el comisario de entonces nos inventa un asunto de drogas para liberarse de nosotros. Los diarios de esos días publican unas noticias como si hubieran capturado a Charles Manson. Enseguida la policía allana nuestra casa de La Plata. Los dueños rescinden en contrato y nos obligan a sacar nuestras partencias inmediatamente. Cuando volvemos se produce el desbande, de hecho, porque no teníamos a donde ir. La gente de Pedro y Pablo invita a algunos a vivir a su casa de la calle Conesa. Yo decido quedarme y trabajar en la feria de Mar del Plata con Enrique García. Otras se van a Brasil y algunos más a Europa. En ese momento quedamos en volvernos a reunir, alquilar algo y volver a epezar, pero la historia siguió su curso.’’, recuerda Ricardo ‘’Mono’’ Cohen sobre el fin de la banda.

Cod: #1564

Aguaturbia - Aguaturbia (1970)

Aguaturbia probablemente sea la mejor y más reconocida banda psicodélica de la escena rock chilena de su época, oriunda de Chile y formada en 1968 por la pareja de Carlos Corales y Denise, el baterista Willy Cavada y Ricardo Briones en el bajo. Ya formados, comenzaron a ensayar en septiembre de 1968, dejándose llevar por la influencia de los sonidos más psicodélicos como de bandas como The Jimi Hendrix Experience y Jefferson Airplane, aunque también en sus orígenes y gustos había música de soul y blues el estilo de canto de Denise se inspiraba en Janis Joplin, Aretha Franklin y Billie Holiday.

Influenciados claramente por el rock & roll y blues típico de finales de los 60s (Cream, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane), y habiendo bebido directamente de esa fuente de contracultura, drogas y amor libre, lanzan su primer y homónima publicación en 1970, causando un revuelo en todo el país ya que en la portada del disco aparecían los integrantes de la banda posando desnudos. El  disco es pionero en sonidos psicodélicos tanto en su Chile natal como en Latinoamérica,  por su originalidad y su particular sonido que nada tiene que envidiarle a los grupos clásicos de la época.

A pesar de que el disco consiste en su gran mayoría de reinterpretaciones de canciones de otros artistas aun así presenta un sonido interesante de rock psicodélico que bebió  directamente de la contracutlura norteamericana para enriquecerse y fortalecerse con sus virtudes y tendencias típicas. En este disco homónimo se presenta un sonido de rock que hace un guiño directo a la contracultura, tomando de referencia a la misma y plasmándose en muchos de los estándares del género, apareciendo: un cover de un tema clásico del género como lo es ‘’Somebody To Love’’ (original de Jefferson Airplane), un blues lento como lo es ‘’Some Of These Days’’ (original de Shelton Brooks), la reversión de ‘’Crimson and Clover’’ (original de Tommy James), la versión rock de ‘’Baby It's You’’ (original de Burt Bacharach), un infaltable blues como es su reversión de ‘’Rollin' and Tumblin'’’(original de Muddy Waters) y la versión del tema ‘’Baby’’ (original de CarlaThomas).

Aunque el disco consista en su mayoría en reinterpretaciones aun así cuenta con una originalidad que lo ubicó entre los mejores discos psicodélicos de su época en Chile y, según la Roling Stone, entre los mejores álbumes de la historia de dicho país. Se trata de una ingeniosa reunión de muy buenos temas reinterpretados según la visión de la banda que no replicó fielmente las versiones originales sino que se animó a dotarles de su estilo propio, reversionandolas dentro del estilo del rock contracultural de la época.

En el disco solo hay dos composiciones originales de la banda, ‘’Erotica’’ y ‘’Ah ah ah ay’’, y justamente se trata de dos de los momentos más lisérgicos del disco, consistiendo ambas piezas en sesiones eléctricas instrumentales que funcionan como las típicas incursiones blues-rock acidas de la época, con pleno de guitarra eléctrica distorsionada y un estilo hippie de gran goce lisérgico y delirante.

Otro gran momento del disco es el que presentan para el tema ‘’Crimson and Clover’’, una reversión en la que toman la interpretación original y la extienden, recreando una extensa sesión de improvisada que entre estrbillos y solos alcanza una duración de diez minutos, una gran adición al repertorio del disco que en su mayoría consiste en temas de no más de tres minutos pero que en este caso rompen para volcarse en uno de los momentos más arriesgados del disco.

El disco fue grabado en tan solo tres días, compuesto de varias reversiones y cantado completamente en inglés. El tema más controversial de su primer trabajo es ‘’Erótica’, que es una total improvisación acompañada de gemidos provocados por la vocalista. El don que adquirió el grupo en su momento sirvió como bisagra para conectar la década de los 60s y 70s, trayendo riquezas de los movimientos extranjeros y reinterpertandolas a la chilena, lo que hizo que elevaran la vara muy alto en lo que respecta a un rock psicodélico de punta, con muchos momentos fundamentales en cuanto a la experimentación eléctricas y de blues-rock. 

La carátula de Aguaturbia mostraba a los cuatro músicos desnudos, sentados en círculo y una expresión neutra en sus caras, idea inspirada del álbum Two virgins, que John Lennon y Yoko Ono habían publicado poco antes en Inglaterra. Pero en Chile, la fotografía les valió la esperable calificación de inmorales y sucios,llegando a publicarse en la portada del periódico conservador La Segunda el 13 de marzo de 1970; lo cual, a la larga, se tradujo en una excelente estrategia de marketing para atraer la atención. El disco, editado bajo la etiqueta de RCA, tuvo una venta aceptable y apenas unos meses después, se editó su sucesor: Aguaturbia II (o Aguaturbia, Volumen 2), que generó un nuevo revuelo, quizás más grave que el anterior; esta vez, por una fotografía en la que aparecía Denise crucificada (una imagen inspirada en la obra «Cristo de San Juan de la Cruz» de Salvador Dalí). La polémica se mezcló con las agitaciones político-sociales del tiempo de la Unidad Popular. El grupo emitió una disculpa y una aclaración a la Iglesia católica y a la religión por el malentendido de la portada. Este álbum, antes de ser llamado así, pensaba titularse «Crucificada», pero nuevamente se les censuró el nombre y decidieron llamarle con algo más acorde a la numeración del álbum anterior.

Cod: #1563