Truth and Janey - No Rest For The Wicked (1976)

Antes que nada, quiero agradecerle al buen Poseído del Alba por invitarme a su blog.

Truth and Janey fue una banda estadounidense formada en Cedar Rapids, Iowa en 1969, llamada así por el disco de Jeff Beck "Truth" y al apellido de su líder Billy Lee Janey. Esta primera alineación estaba formada por Billy Lee Janey en la guitarra y las voces, Steve Bock en el bajo y John Fillingsworth en la batería, este siendo sustituido al año siguiente por Denis Bunce.

En 1972 lanzaron un sencillo con las canciones "Midnight Horseman", composición propia del grupo y un cover de los Rolling Stones, "Under my Thumb". Al año siguiente lanzaron un segundo sencillo con la composición propia "Straight Eight Pontiac" y "Around and Around" de Chuck Berry en su propia etiqueta Wheel.

En 1976 decidieron lanzar su primer LP que se tituló "No Rest For The Wicked" en la etiqueta Montrose, después en 1978 lanzaron otro larga duración titulado "Just a Little Bit of Magic" y se separaron. Después en 1988 se lanzó un disco en vivo que fue grabado en 1976 que en el 2001 lo re-editaría con el nombre de "Erupts!" (próximamente se publicará aquí y en mi blog OutsideInside Music).

"No Rest For The Wicked" para algunos podría parecerles el típico disco de hard rock de mediados de los 70's con tendencias al heavy metal y glam metal de los 80's o al edulcorado y blando AOR que empezaba a reinar en estas épocas, pero nada de eso hay aquí, Truth and Janey en efecto eran hard rock pero mezclado con fuertes tendencias psicodélicas y algo de blues-rock, que en ocasiones de cierta manera llega a adelantarse a ese subgénero noventero que mezclaba tanto el heavy psych de estas épocas como grunge, rock alternativo y hasta algo de doom metal al que llamaron "stoner rock".

El sonido del grupo es potente, pesado, sucio y lisérgico sin llegar a ser viajadísimo como el de otros de sus contemporáneos como Terry Brooks & Strange, Jeff Liberman, JPT Scare Band, Sweet Toothe o Euphoria, sin embargo el sonido psicodélico está siempre presente a lo largo del disco, a pesar de no contener pedales fuzz, ni largas improvisaciones, ni atmósferas pachequísimas, el grupo conserva la esencia de grupos como Highway Robbery, Corpus, Totty, Unison, The Damnation of Adam Blessing, Primevil, Stray, Buffalo, Sir Lord Baltimore, Help entre otros.

El disco abre con "Down The Road I Go" con un riff machacante de guitarra y bajo y unas guitarras muy heavy psicodélicas. Después sigue "The Light", que es uno de mis temas preferidos, que tiene un magistral riff que no le pide nada a los grandes del hard rock de la época y la canción en general sin duda podría entrar entre los mejores temas de heavy psych de todos los tiempos.

Se viene un cover del bluesman Willie Dixon, "I'm Ready", en donde el grupo se atreve a coquetear con el boogie rock de la época, sin llegar a ser descaradamente simplones como varios grupos de dicho subgénero.

Llega la suite compuesta por 3 temas del grupo, "Remember", "A Child" y "Building Walls" que tiene un intro sospechosamente similar al de "Child in Time" de Deep Purple, sin embargo después el grupo vuelve a caer dentro de lo que mejor saben hacer: heavy psych, sin embargo, creo que esta canción es la que hace que algunos maletiqueten a la banda como "progresiva" o "con tendencias progresivas", debido a que es una suite de 3 canciones, pero la verdad es que no creo que lo sea, esta canción en lo personal me parece que tiene ciertas cosas en común con Primevil en sus momentos más "jammeros".

Llega el tema homónimo del disco "No Rest For The Wicked" que nos recordará por momentos a sus contemporáneos Totty y Poobah, o incluso a sus no tan contemporáneos Stray, Head Machine y Blue Cheer, pero más suaves, en donde las guitarras psicodélicas de Janey vuelven a hacer de las suyas con un riff machacante y unos excelentes solos. Otra de mis preferidas.

"It's all Above Us" la primera balada del disco, en donde el grupo apuesta por un sonido más suave que el de las otras canciones, recordándonos así a los grandes texanos Corpus quienes hicieron un extraordinario álbum de heavy psych y blues-rock en 1971 titulado "Creation a Child" e incluían muy bellas baladas como esta de Truth and Janey. Mi favorita junto con "The Light" y la anterior.

Se viene otro cover, "Ain't No Telling" de Mississippi John Hurt, otro gran bluesman, en donde el grupo vuelve hacer de las suyas, haciendo un cover ligeramente funky, similar en estilo a Help.

Para cerrar el disco llega la segunda balada del grupo, "My Mind", que además de tener una muy buena letra, nos recordará en ocasiones a Totty, Primevil y a Corpus, además de que vuelve a la misma formula que la mencionada "It's all Above Us", otro baladón.

Vámonos a los bonus tracks: "Midnight Horseman" tiene aires funkys, mientras que la influencia de Hendrix y Beck se hacen notar a lo largo del tema. "Under my Thumb" otro de esos covers heavys de los Rolling Stones que se hicieron en los 60's y 70's, y por cierto, excelente. "Around and Around" sigue con la misma fórmula de hacer covers pesados de los Rolling. "Straight Eight Pontiac" el grupo vuelve a coquetear con el boogie rock, sin embargo, siguen siendo mucho mejores que muchas bandas de dicho subgénero.

Cod: #1138

Samla Mammas Manna - Samla Mammas Manna (1971)

‘’Samla Mammas Maná’’ fue una banda sueca de rock progresivo nacida a principios de la década de los 70s. A menudo se caracterizan por la musicalidad virtuosa, influencias circenses y un tanto humorísticas y bizarras, similar en muchos aspectos al estilo de composición de canciones de Frank Zappa. Se dice que su nombre lo sacaron de un poema sueco sin sentido, para niños, lo que a su vez describe muy bien el interés por romper convencionalidades musicales sin sentido para ellos.

La historia de la banda tiene inicio allá por 1969, cuando el tecladista Lars HOLLMER y el baterista Bebben ÖBERG trataron de ponerle orden a algunas ideas musicales que tuvieron al conocerse. Con esas ideas y las ganas de organizarlas en una banda formal, lograron darle forma a una música folk tradicional de Escandinavia, adaptándola a sonidos más modernos. Fue cuando amigos suyos se les unieron en sesiones en su propio estudio de grabación, logrando formaciones eventuales que les dieron la oportunidad de formar una banda real. 

A finales de 1969 y principios de 1970 se les unieron Lars KRANTZ y Hasse BRUNIUSSON respectivamente, trayendo con ellos una buena experiencia por haber sido parte de distintas bandas y que aplicaron a la nueva formación de una forma más expuesta y libre. Así, definieron un sonido lleno de influencias folk, rock y estructuras jazz.

Liderados por el tecladista Lars Hollmer, lanzaron su debut homónimo, ‘’Samla Mammas Maná’’ en 1971. Se trata de un hard rock progresivo relativamente ‘’suave’’, ya que es interpretado principalmente por unos teclados que poco tienen que ver con lo rudo o duro. Un rock progresivo muy particular ya que está elaborado a base de buena cantidad de elementos alternos al rock, como sonidos y melodías circenses, gritos y voces como de jolgorio, ciertos conocimientos sobre jazz, melodías típicas y autóctonas del folk sueco, etc, lo que le da al sonido un toque único, es una especie de folk progresivo que se va regenerando a sí mismo en cada pasaje, con distintas intensidades y cadencias, que cambian y fluyen de una manera muy natural. 

Agregan una buena cantidad de distintos ingredientes, y usan esos mismo elementos para hacer variar al sonido, construyen a través de ruidos, a través de paredes rusticas construidas con folk y melodías nórdicas circenses. Es una música original, fina y delicada, con una dulzura particular,  alegremente matizada con lo más selecto del folclor Escandinavo y contrapuesta por elementos complejos de fina composición en partitura. Por la implementación de tantos elementos en el sonido, a este disco lo he visto etiquetado como ‘’Avant Prog’’, etiqueta que me parece bien acertada.

El hard rock nunca deja de tener su implicancia en el sonido, recuerdan bastante a Atomic Rooster, por las buenas bases melódicas y rítmicas, y por la presencia constante de los teclados. Un hard rock que en líneas generales es altamente agradable, tanto que el disco fluye muy cómodamente al oido, especialmente para los oídos progresivos y rockeros setenteros.

El disco funciona como un gran experimento, una obra conceptual, cuyo concepto radica en el sonido tan particular del disco mismo, compuesto por piezas de variada duración. Es mas hacia el ultimo tercio de los temas, hacia el final del disco donde encontramos las piezas mas intensas, jazz rock bien poderoso que cobra una fuerza muy particular y arrolladora, ampliando aún más el espectro del sonido, que se maneja y transita por una gama muy amplia.

A dicho primer disco lo seguirían ‘’Måltid’’ lanzado en 1973, y ‘’Klossa Knapitatet’’ de1974, antes de conocer a un productor misterioso, Gregory Allan Fitzpatrick, quien compuso y arregló Snorum-garnas Symfoni, octubre de 1976, para ellos. 

En 1976 se separaron, pero se reformaron en 1977 como ‘’Zamla Mammaz Maná’’, añadiendo Eino Haapala en la guitarra, y grabaron el álbum doble ‘’Schlagerns Mystik - Para Äldre Nybegynnare’’ (1977). Años más tarde volvieron a reformarse pasando a llamarse ‘’Von Zamla’’, nombre bajo el cual lanzaron Zamlaranama (1981) y No Make Up (1983).

 En 1999, la banda se reunió bajo su nombre original para ofrecer un nuevo lanzamiento, llamado ‘’Kakà’’. En 2002 se reunieron de nuevo, esta vez con el músico japonés Yoshida Tatsuya en la batería, para realizar algunas actuaciones y lanzar su álbum final ‘’Dear Mamma’’. La banda tocó su primer y único concierto en los EE.UU. en agosto de 2003, en el festival anual Progday, en Carolina del Norte. En 2005, la banda abrió en el festival internacional de rock progresivo que tuvo lugar en Moscú, Rusia,  2005. Lamentablemente Lars Hollmer falleció en diciembre de 2008.

Cod: #1123

Daevid Allen - Banana Moon (1971)

Daevid Allen (bautizado como Christopher David Allen, 13 de enero de 1938 en Melbourne, Australia) es un músico y escritor australiano, conocido sobre todo por ser miembro fundador de los grupos de rock psicodélico Soft Machine (en Canterbury, en 1966) y Gong (en Francia, en 1970).

En 1960, viajó a París, inspirado por los escritores de la Generación Beat, a los que había descubierto mientras trabajaba en una librería de Melbourne. Se alojó en el Beat Hotel, ocupando una habitación que acababan de dejar libre Allen Ginsberg y Peter Orlovsky. Mientras se ganaba la vida vendiendo el International Herald Tribune por Le Chat qui Peche y el Barrio Latino, conoció a Terry Riley y visitó los club de jazz de la zona. Tras conocer aWilliam S. Burroughs, e inspirándose en la filosofía de Sun Ra, fundó un grupo de free jazz, el Daevid Allen Trio, y representó en el teatro de Burroughs piezas dramática inspiradas en la novela de éste El billete que explotó.

Allen viajó luego a Inglaterra y alquiló una habitación en Canterbury. Conoció allí al hijo de dieciséis años de su casero, Robert Wyatt, con quien amistó inmediatamente. Junto aKevin Ayers y Mike Ratledge, fundaron en 1966 el grupo Soft Machine. Tras una gira por Europa, las autoridades inglesas se negaron a admitir de nuevo a Allen en el Reino Unido alegando que había sobrepasado el tiempo concedido durante su estancia anterior. 

Se estableció en París y participó en las protestas de mayo del 68. Aunque otros manifestantes se reían de él por su aspecto de beatnik, Allen se lo pasó en grande ofreciendo ositos de peluche a la policía y recitando poesía en una mezcla de francés e inglés.

Huyendo de la policía, fue a parar a Deyá, en Mallorca, junto a su pareja, Gilli Smyth. Allí publicó en 1969 el primer disco de Gong, titulado Magick Brother. En él participa el flautista Didier Malherbe, a quien Allen y Smith encontraron, según cuentan, viviendo en una cueva en la finca de Robert Graves.

Entre Enero y febrero de 1971, en el Marquee Studios, de Londres, Allen grabó su primer disco en solitario, Banana Moon, lanzado ese mismo año, y que cuenta con colaboraciones de Robert Wyatt y otros músicos de la escena de Canterbury, como Gary Wright de Spooky Tooth, Maggie Campana de Stone the Crows, y Christian Tritsch y Pip Pyle de Gong, entre otros…

‘’Banana Moon’’ es un disco de gran nivel dentro de lo que es el Canterbury, que grabó años después de salir de la legendaria Soft Machine y poco después de formar la anárquica, experimental y lisérgica Gong. Un disco con buenos temas de rock psicodélico, que a medida que va transcurriendo el disco van mutando y se van soltando más, hasta llegar a los últimos tracks donde se acercan más a los delirios vocales, sesiones improvisadas y freak outs explosivos y psicodélicos sonoros, que se entremezclan con varios efectos, entre los que se escuchan grabaciones y pedazos de otras canciones tipo comerciales antiguos.

Çreo que el sonio tiene un aura misma de rebeldía, fue elaborado en un momento de pleno nacimiento y desarrollo de la escena Canterbury, y eso por supuesto se ve reflejado en el sonido, que es una mezcla de rock psicodélico, jazz y blues, en un Canterbury todavía no tan de sesión o experimental, sino todavía ligado un poco más a estructuras de rock psicodélico, aunque ya mostrando delirios psicodélicos y freaks alucinantes. No es ninguna sorpresa que la anárquica música de este disco se asemeje a principios Gong, en especial al primer disco que lanzó Allen con Gong, en oposición a las grabaciones posteriores con Gong y en solitario. 

En esta ocasión, el incontenible y freak Allen, tiene la capacidad de transformar muchos elementos que a priori parecieran bizarro, en un rock altamente particular, nuevo, con su propio lenguaje musical, y a la vez muy seductor para el oído, tan psicodélico como Canterbury.

En 1971 Gong publicó Camembert Electrique. En esa época, los componentes del grupo vivían en Francia, en una suerte de comuna anarquista rural. En 1972 entraron en el grupo el teclista Tim Blake y el guitarrista Steve Hillage, que participaron en la trilogía de Radio Gnomo, formada por los discos Flying Teapot, Angel's Egg and You.

Allen abandonó el grupo y grabó dos discos en solitario, Good Morning (1976) y Now Is The Happiest Time Of Your Life (1977). En 1977 actuó y grabó un disco utilizando el nombre de Planet Gong, y reunió a la primera formación de Gong para una actuación única en el Hipódromo de París. Parte de este concierto (que duró varias horas) se editó en un LP doble, Gong Est Mort? Vive Gong.

En 1980 Allen trabajó en equipo con Bill Laswell en el grupo New York Gong, influido por el punk. El grupo editó un LP, About Time. Lo siguieron varios proyectos, con nombres como Invisible Opera Company Of Tibet, Brainville, Ex y Magic Brothers. En 1981 Allen volvió a Australia y se estableció en Byron Bay, donde continuó su actividad artística, realizando performances y recitales poéticos. Junto al artista de perfomance David Tolley, investigó las posibilidades de los loops y las cajas de ritmos. Actualmente participa en un proyecto llamado you'N'gong (juego de palabras con «Young Gong») junto a su hijo Orlando y miembros de Acid Mothers Temple, actuando con el nombre de Acid Mothers Gong. También realiza actuaciones con un grupo dedicado a la improvisación, Guru And Zero.

Durante muchos años ya, Daevid Allen ha sido miembro de la University of Errors, que ha editado cuatro discos, y de la banda de jazz rock Brainville 3. También ha grabado conSpirits Burning, un supergrupo de space rock formado por Alan Davey, Bridget Wishart, Karl E. H. Seigfried y Simon House. Junto a la Big City Orchestra, grupo noise que ha editado una media docena de discos, Allen ha realizado algunos de sus propuestas más experimentales.

En noviembre de 2006 se celebró en Ámsterdam una reunión de la familia Gong, en la que participaron muchos miembros de la formación clásica del grupo. En junio de 2008, una versión remozada de Gong dio varios conciertos en Londres, con Allen, Gilli Smyth, Steve Hillage, Miquette Giraudy y Mike Howlett.

Cod: #1076

Mainhorse - Mainhorse (1971)

‘’Mainhorse’’ fue una banda suiza de Rock progresivo formada a finales de la década de los 60. La historia de la banda comenzó en 1968, cuando Patrick MORAZ, un talentoso tecladista suizo, (futuro miembro de Yes y Moody Blues) y su amigo, el bajista y violonchelista Jean Ristori, llegan a Inglaterra en busca de un baterista y un cantante. En Londres contratan una sala de ensayo durante dos días para hace audiciones con los músicos que llegaban para probarse. De los dos días de pruebas quedaron el baterista Bryson Graham y el cantante David Kubinec, proveniente desde la banda ‘El mundo de Oz’.

Este cuarteto se mueve hasta Suiza para unirse al guitarrista Auguste De Antoni y el baterista Arnold Ott, ambos ya conocían a Moraz por haber tocado con él anteriormente. Esta nueva banda poco se mantendría junta, Ott dejaría el grupo para casarse y la banda pasaría a llamarse ‘Mainhorse Airline’. Bajo este nombre funcionarían un tiempo y dejarían varias grabaciones, algunas de las cuales fueron rescatadas en un cd lanzado en el 2007, llamado ‘David Kubinec's Mainhorse Airline ‎– The Geneva Tapes’.

Financiados por Sam Miesegaes, un productor que también financiaba a  Supertramp, logran dar varios conciertos, abriendo para bandas como Free o  Humble Pie. Sin embargo nuevos inconvenientes aparecerían, Kubinec  dejaría la banda por problemas de salud y poco tiempo después el guitarrista De Antoni también dejaría el grupo. Es así que contratan a Peter Lockett, un guitarrista y cantante, para reemplazar a los músicos salientes.

La nueva formación pasa a llamarse ‘Mainhorse’, nombre bajo el cual lanzarían su único disco, el homónimo ‘Mainhorse’, de 1971. Dicho trabajo, el que compartimos en esta oportunidad, se trata de una obra magnifica, un trabajo esplendoroso de rock progresivo muy original y bien nutrido, liderado por los teclados de Moraz, quien se convierte en el actor principal de los temas. 

Este sonido mereció mucho más reconocimiento del que obtuvo, el rock prog que alcanzan es muy original, pasando por algunos atascos poderosos en teclados, dejan en claro que no se trata de un disco mas. Combinan muchos elementos con una vertiginosidad increíble, buenas melodías, pasajes muy originales y agradables, arreglos muy finos sumados a pasajes improvisados, todo en un rock progresivo tipo art rock, mixturado con jazz fusión, en auténticos remolinos progresivos explosivos. 

Una obra maestra que juega con los tempos a la perfección, cuando quiere explota con pasajes poderosos, y al segundo se encamina hacia pasajes más calmos, para volver a explotar con algún riff poderoso, todo en un paquete sonoro elaborado de forma maestra, que jamás baja su nivel. Si te gusta ‘’Emerson Lake and Palmer’’, ‘’Return to Forever’’, ‘’Stanley Clarke’’, o ‘’Brian Auger Olvido Express’’, este disco te va a encantar.

La lista completa de temas no tiene desperdicio, todos los temas son entretenidos y llamativos, por lo explosivo de los arreglos y por el tratamiento del sonido, altamente contundente y poderoso. No dejan nada librado al azar, hasta el último arreglo está planeado y muy bien ejecutado. Pese a que en el segundo tema, ‘’Passing Years’’, muestran un cara más melosa y suave, en el resto de temas mantienen una cara ruda, con temas que son auténticos atascos pesados que se enroscan en remolinos progresivos propiamente dichos, especialmente los temas ‘’Introduction’’ y ‘’Such a Beautiful day’’.

El disco, a pesar de ser prometedor, gozó de un limitado éxito comercial y finalmente, en 1972, la banda se desintegraría, y los que eran miembros del grupo se irían, decisivamente, a seguir con otros proyectos musicales. David Kubinec, grabó discos en solitario, trabajó también con John Cale, también fue miembro de la banda Croata ‘Stijene’. Bryson Graham tocó junto Gary Wright, ‘Spooky Tooth’ y ‘The Paul Kossoff Band’. Patrick MORAZ hizo lo suyo en Yes y Moody Blues.

Cod: #1053

David Axelrod - Song Of Innocence (1968)

La música de la contracultura psicodélica dio pie e influyó a un sin fin de otros géneros que surgieron bajo su influencia, pero sin duda al estilo que más tocó fue a la música progresiva que surgiría desde principio de los 70s en adelante, es que fue en esos tumultuosos años de finales de la década de los 60s en los que se propusieron algunos experimentos y comenzaron a surgir sonidos que se salían de la cotidianidad de la música comercial y se erigían como auténticas arremetidas prototípicas de una música que comenzaba a complejizarse y sofisticarse cada vez más, dentro de un remolino creativo, efervescente y polémico que fue la contracultura, con sus tantas ramificaciones, sub géneros, sub estilos, variantes y vertientes.

Así como el icónico ''Days Of Future Passed'' de The Moody Blues, o el disco progresivo homónimo ''Touch'' de 1969, así como los primeros experimentos de The Nice trayendo música clásica a la psicodelia, o los atisbos que comenzaba a proponer Procol Harum ‎en su ‘’Shine On Brightly’’, entre tantos otros ejemplos prototípicos también aparece la figura de David Axelrod, un ingenioso compositor y arreglista que en su época presento algunas innovaciones dentro de este todavía desconocido terreno que era la experimentación con progresiones, diversos pasajes, arreglos orquestales, sinfónicos, operas rock, etc.

Axelrod nació el 17 de abril de 1931 en Los Ángeles, California, y es un compositor, productor y arreglista estadounidense de diversos géneros musicales. David se crió en Los Ángeles escuchando música R&B y jazz. Después de encontrar un trabajo en un estudio de la industria cinematográfica y de la televisión, y rápidamente fue solicitado como baterista, productor y arreglista. Produjo su primer álbum, The Fox, con el saxofonista Harold Land. En 1967 lanzó Live At the Club, con el que logró uno de los mayores éxitos del jazz en ese momento gracias al sencillo "Mercy, Mercy, Mercy”, escrito por el pianista Joe Zawinul. 

El éxito de David Axelrod hizo que Capitol le animara a producir sus propios álbumes en solitario, es así como en 1968 lanza su primer disco solista, como líder, compositor y productor, llamado ‘’Song of Innocence’’. Para la realización de este álbum se inspiró en ‘’Songs of Innocence’’, una colección de poemas del poeta inglés William Blake. Este disco es una caja de sorpresas, con un sonido que sale de lo común para la época y ofrece piezas orquestales que transitan por entre el pop, el rock, funk y el R&B, con un sonido puramente instrumental, finamente producido y arreglado con un impecable virtuosismo sinfónico.

El disco toma elementos básicos de la psicodelia y los transforma, los fusiona con elementos teatrales y pop, como en un género propio, donde los arreglos orquestales se acoplan perfectamente a la velocidad y cambio del pop de la época, y a la vez fusiona ese logro sonoro arquitectónico con el funk, que sería como el vehículo de las melodías, marca el tempo perfecto, un plano exacto donde los demás elementos puedan desarrollarse a la perfección. Esta música de vanguardia es un ejemplo de lo que fue el progresivo temprano, una música sofisticada, muy bien elaborada y producida.

Luego lanzaría ‘’Songs Of Experience’’ en 1969, un homenaje a la obra de William Blake. Su tercer álbum, ‘’Earth Rot’’ (1970), denunciaba la contaminación y la degradación del medio ambiente. En 1970 dejó Capitol para fundar su propio sello, lanzó varios álbumes en solitario y una versión rock de ‘’El Mesías’’, así como diversos trabajos con Cannonball Adderley en varios álbumes hasta la muerte de éste último en 1975. Su trabajo como compositor y arreglista fue descubierto nuevamente en la década de 1990, cuando artistas como Diamond D y Buckwild de D.I.T.C, DJ Shadow y Lauryn Hill utilizaron samples de varios de sus álbumes. En 1993 grabó su primer álbum en más de diez años Requiem: Holocaust.

Cod: #1139

The United States Of America - The United States Of America (1968)

‘’The United States of America’’ fue un grupo estadounidense formado en 1967 por un hippie comunista al que le gustaba experimentar con sintetizadores, sonidos electrónicos, clavicordios, pianos, calíopes y demás instrumentos, llamado Joseph Byrd, el cual reclutó a los demás músicos… como la vocalista Dorothy Moskowitz, el violinista Gordon Marron, el bajista Rand Forbes y al baterista Craig Woodson, además del músico Ed Bogas quien participó en su único disco tocando ocasionalmente órgano, piano y calíope.

El único álbum que lanzaron fue el homónimo ‘’The United States of America’’, grabado en diciembre de 1967, producido por David Rubinson para Columbia Records , y lanzado en 1968. Se trata de un trabajo de altísima calidad, de rock psicodélico experimental, que conserva el sonido de su época, y la vez se adelanta a su tiempo y a muchos subgéneros posteriores al implementar elementos  de electrónica, noise, krautrock, avant garde, rock experimental, etc.

Uno de los más notables puntos de la banda era que no tenía guitarrista, que para la época era bastante radical, como la guitarra eléctrica ocupado una posición central en la música rock de la época. En su lugar, utilizaron cuerdas, teclados y electrónica, incluyendo sintetizadores primitivos, y varios procesadores de audio. Es así como crean un sonido muy nutrido de elementos alternativos para la época, pero que por supuesto encontraron un público muy receptivo en el underground, crean su propia psicodelia, usaron el rock y trasmitieron ideas a base de sonidos electrónicos, como si fuera un collage de distintos efectos, sonidos, pistas, motivos, articulados en varios temas, los cuales transitan entre en rock psicodélico, el hard rock, blues rock, folk hippie y baladas psicodélicas. Por momentos recuerdan a los principios de Pink Floyd, The Velvet Underground o Jefferson Airplane.

La creación de los sonidos electrónicos en el álbum fue difícil debido a las limitaciones técnicas, por lo que el trabajo toma un carácter de artesanal, por así decirlo. Con dispositivos electrónicos lograron transforma un poco el sonido de algunos instrumentos, como el violín, mas la implementación de algunos generadores y efectos de estudio que agregaron, ye implementaron instrumentos poco usuales como el ‘’Calíope’’ (instrumento musical que produce sonido mediante un flujo de vapor a través de unos silbatos) o el ‘’clavicordio’’ (instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil), asì supieron moldear el sonido a su propio gusto, siempre con Joseph Byrd a la cabeza del proyecto, impulsando la búsqueda sonora y el vanguardismo como motivo de creación.

Otro punto llamativo es que daban un mensaje controversial e incómodo para la moral norteamericana, ya desde el nombre que eligieron para la banda, ‘’ The United States of America’’, satirizaban los valores culturales tradicionales norteamericanos, potenciado a la vez por la música experimental que realizaban, que haría horrorizar a cualquier republicano que en un principio se pudiera sentir atraído por la idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva banda. A su vez tenían una influencia política, mas por parte de Joseph Byrd, quien tenía gustos por ideologías de izquierda, lo que se ve reflejado en las letras de las canciones. The United States of America es un trabajo, en definitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia electrica, cierto romanticismo agridulce, heredado tal vez por la contracultura que se estaba llevando en ese momento, y una importante dosis de absurdo irreverente y cuestionaste hacia las costumbres sociales norteamericanas.

A pesar del apoyo generalizado de los críticos de música, el álbum vendió poco y pronto desapareció - por lo menos en los EE.UU., aunque en el Reino Unido permaneció recordado con cariño, en parte debido a una pista ("esposa de madera") que se utiliza en un conocido compilado de psicodelia llamado ‘’The Rock Machine Turns You On’’. 

La gira de la banda también tuvo sus dificultades. Los miembros de la banda fueron arrestados por posesión de drogas, también tenían una serie de problemas en los equipos. Estas y otras tensiones hicieron cada vez más complicado el trabajo para Byrd, el grupo se volvió incontrolable y la disolución fue inminente, habiendo estado tan solo un año en funcionamiento.

Los integrantes de la banda tomaron su propio camino, por su parte Joseph Byrd animado por su sed de creación y sus ganas de seguir con un proyecto similar, pronto reuniría a mas músicos para crear su próxima banda, ‘’ Joe Byrd And The Field Hippies’’, con la que lanzaría otro trabajo, también experimental y vanguardista.

Cod: #1243

Tonto's Expanding Head Band - Zero Time (1971)

‘’Tonto's Expanding Head Band’’ fue un dúo británico de música electrónica, compuesto por Malcolm Cecil (músico, ingeniero electrónico y de sonido, y productor) y Robert Margouleff (también, músico, ingeniero de sonido y productor). A pesar de que sólo lanzaron dos álbumes en la década de 1970, el dúo fue (y sigue siendo) muy influyente, debido a trabajos de producción para muchos otros músicos, como por ejemplo para Stevie Wonder.

Una de las particularidades más alucinantes de esta historia es que este dúo creó su propio sintetizador. En 1969, los ingenieros de Malcolm Cecil y Robert Margouleff trabajaron junto al pionero del sintetizador Robert Moog, para desarrollar módulos adicionales para la unidad central de Moog, como resultado de este desarrollo obtuvieron a ‘’T.O.N.T.O.’’, un enorme sintetizador de sonido sinfónico increíblemente expansivo. Las siglas ‘’tonto’’ significan "The Original New Timbral Orchestra’’, es hasta hoy en día el sintetizador más grande del mundo y cuenta con una función multitimbral, analógica y polifónica.

TONTO comenzó como un sintetizador Moog modular serie III, propiedad de productor discográfico Robert Margouleff. Más tarde se le añadió una segunda Moog III, mas tarde, un cuatro Oberheim SEM, dos ARP 2600s, módulos de Serge con paneles Moog-like, EMS, Roland, Yamaha, etc, además de varios módulos personalizados diseñados por Serge Tcherepnin y el propio Cecil, el cual tiene una formación en ingeniería eléctrica. Se añadieron más tarde, los circuitos de generación de sonido digital y una colección de secuenciadores, junto con el control MIDI. Todo esto está alojado en un reconocible semicírculo de enormes armarios de madera curvadas, de seis metros de diámetro y dos metros de altura.

Malcolm Cecil recuerda que: "Quería crear un instrumento fuera  el primer sintetizador polifónico multitimbral. La polifonía multitimbral es diferente que el tipo de polifonía proporcionada por la mayoría de los sintetizadores actuales. ‘Multitimbral' significa que cada nota que toques tiene una calidad de tono diferente, como si las notas provinieran de instrumentos separados. Yo quería ser capaz de reproducir música polifónica multitimbral en vivo, aprovechando al máximo cada dedo de mis manos y cada pie.’’

                                                     El sintetizado ''T.O.N.T.O.'': The Original New Timbral Orchestra.

TONTO , como la mayoría de los sintetizadores Moog, era notoriamente temperamental, lo que requería de ajustes constantes por parte de Cecil que debía ir a la parte posterior de la bestia, retocando y ajustando los circuitos osciladores. Esta voluminosidad más tarde condujo a la sustitución de piezas Moog con unidades modulares Serge.

En 1971, Cecil y Margouleff se dispusieron a grabar por su cuenta, bajo el nombre de ‘’T.O.N.T.O.'s Expanding Head Band’’. El primer álbum que lanzaría seria ‘’Zero Time’’, una pieza revolucionaria que se propuso explorar las capacidades del sintetizador sin tener en cuenta los conceptos de éxito pop. Zero Time está siendo considerado como un punto de inflexión en el uso de sintetizadores en la música contemporánea. 

El álbum fue lanzado en 1971 en los EEUU, bajo la etiqueta Embryo y distribuido por Atlantic Records, y generó cierta notoriedad, con su sonido tan particular y experimental, cada pasaje del disco es resultado de una búsqueda experimental con el sintetizador, que contempla una amplitud sonora que oscila entre distintas cadencias, distintos sonidos, distintos efectos, distintas mesclas, como un gran experimento que combina múltiples efectos que se sincronizan a la perfección y dan vida a un sonido netamente electrónico y desestructurado.

Desarrollan piezas únicas y jamás escuchadas, con un carácter propio de innovación, aunque a la vez en estructuras relativamente fáciles de comprender, con cierto carácter pop y algunas melodías y armonías como para que el transito del sonido se vuelva un poco más aceptable para oídos no tan acostumbrados a sonidos alternativos. En realidad, teniendo en cuenta que el disco fue creado con ‘’el sintetizador más grande y alucinante que hay’’, tal vez podría haber imaginado algo más bestial para el sonido, aun así… el disco es alucinante y único.

El lanzamiento del disco y su sonido tan particular atrajo a una buena cantidad de músicos con intenciones de trabajar con Tonto's Expanding Head Band, o mas que nada con TONTO. Uno de ellos fue el mismísimo Stevie Wonder, el cual quedó tan impresionado como para querer que Cecil y Margouleff produjeran sus discos. Es así como a partir de 1972, Stevie se internaría en el estudio,con Cecil y Margouleff, (y si no escuché mal en un documental hablado en inglés, se internarían en Electric Lady, los estudios de Jimi Hendrix, a donde supuestamente trasladaron al sintetizador TONTO, no estoy del todo seguro de si esa data es verdad…), donde pasaría mucho tiempo trabajando, grabando, experimentando, bajo producción de los músicos experimental. De ese trabajo saldrían los discos mas emblemáticos de la carrera de Stevie: ‘’Music of My Mind’’, ‘’Talking Book’’, ‘’Innervisions’’, ‘’Fulfillingness' First Finale’’ and ‘’Jungle Fever’’.

El mismo Stevie Wonder hablaría sobre ‘’Zero Time’’, primer disco de Tonto’s, diciendo que: "¡Qué gran momento en que la tecnología y la ciencia de la música está en su punto más alto de la evolución, para que la reintroducción de dos de los antepasados más prominentes en esta música se oyeran de nuevo. A medida que envejece sólo se pone mejor con el tiempo. Un brindis a la grandeza ... un brindis por ‘’Zero Time, ... para siempre.''

El resto de la década de los 70s y los 80 TONTO apareció en álbumes de Quincy Jones , Bobby Womack , The Isley Brothers , Gil Scott-Heron , Steve Hillage , Billy Preston , y Weather Report , asi como también en lanzamientos de Stephen Stills , The Doobie Brothers , de Dave Mason , Little Feat , Joan Baez , entre otros. El sintetizador TONTO también fue utilizado en ‘’El fantasma del paraíso’’, película de Brian De Palma, lanzada en 1974.

Tonto's Expanding Head Band lanzaría su segundo disco en 1972, y en 1975 relanzarian su primer disco. Tras ese relanzamiento la banda dejaría de funcionar, dándole pie a los músicos e ingenieros hacia una enorme carrera de ingeniería y producción sin precedentes.

Cod: #1084

Cluster - Cluster 71 (1971)

Cluster fue un dúo alemán de música experimental que tuvo una significativa influencia en el desarrollo de la música electrónica y del ambient. A lo largo de su carrera la banda grabó material de un espectro estilístico muy amplio, pasando desde la música experimental y el drone hasta el rock progresivo, manteniendo siempre un enfoque vanguardista. Cluster se mantuvo en activo intermitentemente desde 1971, publicando un total de nueve álbumes de estudio.

Dieter Moebius, Hans-Joachim Roedelius y Conrad Schnitzler formaron Kluster en 1969, tras conocerse en el Zodiak Free Arts Lab, un edificio alquilado en donde se desarrollaban actividades artísticas estilo underground. (en el lugar tocaron bandas como Ash Ra Tempel, Geräusche (Noises), Plus/Minus, Curly Curve (de), Per Sonore, Human Being, The Agitation (later Agitation Free), Klaus Schulze y Tangerine Dream). El trio primario lanzaría tres discos bajo el nombre Kluster, ‘’Klopfzeichen’’, ‘’Zwei-Osterei’’ y ‘’Eruption’’, los cuales fueron lanzados de manera independiente o en el pequeño sello alemán Schwann. La verdad no se bien si esos discos fueron remasterizados alguna vez, creo que sí, me pareció verlos por ahí en algún blog…

Schnitzler deja la banda en 1971, y Roedelius y Moebius cambiaron su nombre a ‘’Cluster’’. En su debut homónimo, lanzado ese mismo año, se les unió Conny Plank, quien posteriormente dejaría su labor como músico para centrarse en tareas de producción e ingeniería. El álbum sería el primer lanzamiento de los músicos en un sello grande, como lo era Philips, es por eso que este disco se considera el primero en su discografía oficial.

El homónimo ‘’Cluster’’, lanzado en 1971, sería el primer disco y la obra que los catapultaría hacia caminos de vanguardismo y excentricidad, se trata de un trabajo de  cuarenta y cinco minutos, divido en tres partes, con el único título de la duración de cada una de ellas. Órganos, generadores de audio y amplificadores son implementados para crear un paisaje electrónico, robótico y ambiental, en donde la expansión de la sonoridad lo es todo, dentro de un desarrollo de sonidos industriales generados casi artesanalmente.

No es un sonido fácil dentro del rock, ni tiene acercamientos al mismo, posteriormente se acercarían al krautrock y a la rítmica, pero lo que tenemos acá no tiene nada que ver, es una obra industrial brillante. Por lo que leí, parece que los músicos agregaron una guitarra hawaiana y un violonchelo al sonido, cosa que no logro escuchar en ningún momento, o tal vez si lo escuché pero su sonido debe haber estado tan modificado que pasa totalmente desapercibido.

Esto no se puede analizar ni estructurar, es solo el espíritu experimental el que los guio en tantos pasajes electrónicos, y es con ese mismo espíritu que debe escucharse, apreciando la poética de la creación y expansión sonora buscada por estos tipos enfermos, que lograron meter este trabajo como álbum debut y lograron publicarlo en un sello disquero importante. Pero bueno, también hay que hacer la salvedad de que era otra la época, momentos aquellos en los cuales hasta los sonidos más enfermos, industriales y experimentales tenían su lugar para coexistir y ser.

No hay rastro de lo que un oyente medio puede identificar como música rock; su vinculación con ésta la dan el fetichismo pop de la portada del ábum y sus fotos interiores —su publicación misma— y la integración del dúo en una tendencia que lleva el sufijo "rock" en sus caracteres. La estricta escucha del disco —por poner un ejemplo muy claro— nos sitúa del lado de John Cage o Pierre Schaeffer, no del de los Rolling Stones o Led Zeppelin, pero Cluster 71 queda fuera de vinculaciones restrictivas a uno u otro lado de la barrera. La concentración que de él emana y el convencimiento de sus creadores hacen inútiles discusiones bizantinas: solo provocan placer en quien conecte con ellos y quiera ensanchar su espectro. (gracias a Gonzalo Aróstegui Lasarte por este parrafo)

El estilo musical de Cluster varió profundamente a lo largo de su trayectoria. En su primera etapa, su sonido oscilaba entre la kosmische musik, el drone y la música experimental. Posteriormente, el dúo se aproximó a un estilo más rítmico y cada vez más cercano a la electronica y al krautrock, lo que queda patente en álbumes como Zuckerzeit y After the Heat. Hacia fines de los setentas Moebius y Roedelius se acercaron más al ambient y al new age, con melodías más apacibles y etéreas. Sin embargo, el dúo también profundizó en el avant-garde y la música industrial, como en los álbumes en vivo Live in Vienna y First Encounter Tour 1996. Pese a las vicisitudes en su sonido, Cluster siempre mantuvo un enfoque vanguardista, incluso en sus piezas más ambientales y serenas.

Cod: #1118

The Cosmic Jokers - The Cosmic Jokers (1974)

A esto lo digo ya que aquí les traigo un disco con sonidos muy introspectivos y alucinógenos, muy volátiles y espaciales, de la banda que no fue banda, ‘’The Cosmic Jokers’’. Las historia de este proyecto musical es muy particular y anecdótica, digo que ‘’no fue banda’’ ya que justamente los músicos nunca supieron que eran una banda, fue una autentica joda cosmica (cosmic jokers), un super grupo de krautrock formado por súper músicos los cuales no sabían que estaban formando parte de un proyecto.

La cosa fue así… durante varios meses a principios de 1973, el productor Rolf-Ulrich Kaiser organizó varias fiestas acidas salvajes en el estudio de grabación de Dieter Dierks (un músico, ingeniero de sonido y productor alemán conocido mundialmente por ser el productor de la banda alemana Scorpions por 13 años), a estas fiestas eran invitados músicos a los cuales se les pagaba con una pequeña cuota de dinero y el resto con todas las drogas alucinógenas que pudieran ingerir en la noche. Entre los músicos invitados estuvieron Göttsching y Klaus Schulze provenientes de la banda Ash Ra Tempel , Jurgen Dollase y Harald Grosskopf provenientes de la banda Wallenstein , y hasta el mismo Dieter Dierks.

Las sesiones que hicieron fueron míticas, por la calidad de músicos, porque todos coincidían más o menos dentro del kraurock y de los sonidos espaciales, y además porque todos estaban muy drogados y flashandola increíblemente bien con lo que estaban tocando. Todo lo interpretado en esas sesiones fue grabado, mesclado y editado por Kaiser y Dierks, los cuales tuvieron además la grandiosa idea de publicar todo el material, pero sin el consentimiento ni permiso de los músicos. Al proyecto lo llamaron ‘’The Cosmic Jokers’, y lanzaron el material bajo el sello ‘’Kosmiche Musik’’, que era propiedad de Kaiser. 

En 1974 lanzaron 5 discos que incluían todo el material grabado en las sesiones, y hasta incluso los discos estuvieron en las disquerías, incluyendo en la portada hasta las fotos de los músicos que participaron, y aun así los músicos no estaban enterados de nada… xD

El primero de esos discos, el cual les voy a compartir en esta ocasión, sería el homónimo ‘’The Cosmic Jokers’’, lanzado como les dije en 1974. Es una auténtica joya kraut, un auténtico viaje sideral, compuesto por dos extensas piezas instrumentales (una de cada lado del LP). A diferencia de los registros posteriores Cosmic Jokers, que se han añadido en la voz, este disco es completamente instrumental, dejando que la música se destaque por sí misma.
 Estructuralmente, el registro es similar a esos álbumes de Ash Ra Tempel de la época, con dos suites largos e improvisados. El primero de ellos sería ‘’Cosmic Joke’’, es el lado más activo y rígido del disco. Brota desde una calma con sintetizadores pero enseguida va subiendo en intensidad, con la cual los distintos instrumentos se van sumando, hasta llegar a un especie de freakout psicodélico que va tomando distintas intensidades a lo largo de las tres partes de la sesión. Se va acumulando lentamente hasta llegar a momentos tensos y oscuros, para calmarse y volver a construirse de nuevo hacia momentos más freaks aun, liderados en mayor parte por la guitarra eléctrica que toma el rol ritmito y que también toma su rol en la improvisación.

La segunda sesión del trabajo, que ocupa el lado b del vinilo, sería ‘’Cosmic Joy’’, la cual es más suave aunque no menos improvisada, ya que viaja, en manos de los sintetizadores de Schulze, con sonidos espaciales vanguardistas, hacia las profundidades del cosmos, fluyendo lenta y constantemente, como en un a cúpula de cristal, una fuente inagotable de vibraciones que se sobrevuelan entre si y se entremezclan en una danza maravillosa, introspectiva, que conduce a la conciencia a estados mucho más fieles y honestos al verdadero ser, al existir del espíritu, con su maravilloso resplandor de dignidad. Sin duda estamos frente un trabajo enfermo y sin precedentes, ya que los músicos estaban más que relajados, tocaban como si estuvieran en una fiesta con amigos (bueno, de hecho, estaban en una fiesta xD), concentrados verdaderamente con lo que estaban creando, ya que ellos a la vez estaban bajo efectos de alucinógenos, por lo cual es probable que hayan sentido muy profundamente cada cosa que tocaron.

Viendo los distintos matices, cambios y sonidos que alcanzan, podemos denotar claramente la maestría de estos músicos que construyeron paredes de sonidos únicas y las fueron moldeando a su gusto, creando sonidos primarios y emblemáticos para la electrónica,  y configurando estándares dentro de lo que sería la música clásica electrónica.

No fue sino hasta que un día, en 1974, Manuel Göttsching, guitarrista de la legendaria banda Ash Ra Tempel, se encontraba caminando por las calles de Berlín, cuando decidió entrar a una tienda de discos, donde se sorprendió gratamente por la increíble música que estaban pasando, y fue en ese momento en el que descubrió que estaba escuchando a un supergrupo de kraurock del cual él era parte…

Klaus Schulze, al enterarse de lo ocurrido, tomó inmediatamente acciones legales contra Kaiser. En 1975, Kaiser se vio obligado a suspender y retirar las grabaciones a la venta, y huyó del país  por los inminentes problemas legales que contrajo por semejante maniobra, los cuales le produjeron el cierre de su sello musical.

Como músico veo que lo que ocurrió fue algo catastrófico y poco considerado por parte de los productores que menospreciaron a los músicos de tal manera, pero aun así esa treta hizo que saliera a la luz todo este material que es alucinante y que se encuentra entre la neta de la neta de lo más increíble y glorioso de krautrock alemán…

Cod: #1119