Hugh Hopper - 1984 (1972)

Una de las principales figuras de la escena Canterbury, el bajista Hugh Hopper, es bien conocido principalmente por su trabajo como miembro de Soft Machine. Pero además de eso, participó en muchos proyectos, además de sus grabaciones en solitario.

En 1969 Hopper también se sumó a Soft Machine (ya había sido road manager de la banda e invitado en su álbum debut) como reemplazo de Kevin Ayers. Debutó con el grupo en Volume Two donde aportó la suite "Rivmic Melodies" (con letras del baterista Robert Wyatt). Durante los siguientes álbumes Third, Fourth y Fifth Hopper tomó el liderazgo del grupo junto al tecladista Mike Ratledge e inició una larga amistad con el saxofonista Elton Dean. Abandonó el grupo tras Six por diferencias con el reemplazo de Dean, Karl Jenkins.

En 1973 edita su debut solista ‘1984’, lo más experimental de su carrera. Se trata de un álbum conceptual basado en la famosa novela homónima de George Orwell, en el que presenta un sonido experimental a base de su bajo y sus ideas vanguardistas, una destilación de sus aportes en Soft Machine, traídas al mundo junto con un poco de filosofía anticapitalista e influencias minimalistas norteamericanas. Hugh registra el trabajo cuando aún era miembro de Soft Machine.

Lo más destacado del trabajo son las dos extensas piezas que este presenta, dos sesiones en las que se experimenta con ruidos, ambientes, sonidos, y distintas aplicaciones en bajo, como bases de fondo e improvisaciones con efectos extraños. La técnica que utiliza en estas piezas sería la de loops y manejo de cintas, alteraciones con grabaciones y superposición de fragmentos, para crear ambientes realmente extraños. 

El bajista ya tenía casi una década de experiencia haciendo loops caseros y experimentando con sonidos. El joven Hopper, de solo 18 años, solía experimental con esta técnica, junto a Daevid Allen y Gilli Smythe, cuando vivían todos ellos en París. Esta técnica de grabación volvería a aparecer mucho después, de forma digital, en Jazzloops de 2002.

El disco se completa con tres pequeños temas de jazz-rock, temas cortos más convencionales, en los que participarían los músicos invitados para esta ocasión: John Marshall en batería y percusión, Pye Hastings en guitarra, Lol Coxhill en saxofón soprano, Gary Windo en saxofón tenor, y Malcolm Griffiths y Nick Evans en trombón. En esta reedicion en cd aparecen también una serie de bonus, grabaciones y outtakes que quedaron afuera del disco en sí.

Cod: #1372

Pythagoron™ - Pythagoron™ (1977)

Este es un extraño artefacto electrónico del que muy poco se sabe. El disco fue emitido en forma privada en 1977. Los orígenes del álbum son misteriosos, se cree que es un producto de USCO (The Company Of Us), uno de los primeros colectivos de arte multimedia con sede en Nueva York: pioneros en el campo de la electrónica. A partir de la década de 1960, el grupo aprovechó la nueva tecnología como un vehículo para la experiencia mística y psicodélica. Esta rareza electrónica fue publicada de forma privada y vendida a través de revistas de la época como  High Times, comercializadas con anuncios del tipo ‘’un nuevo invento que te hace sonreír ". 

Pythagoron: una destilación de bellas artes, cultura de la droga, pensamiento New Age y minimalismo musical; esta creación sonora fue pensada para generar en el oyente un especie de viaje extático, cual una droga musical, buscaba llevar al oyente hacia estados alterados de conciencia, relacionado con el misticismo y algunos dejos de las miras psicodélicas de los 60s.

Aprovechando la precisión tonal permitida por los sintetizadores, intenta aprovechar la interacción resonante de los patrones de sonido y ondas cerebrales para inducir estados de euforia, el precursor de los esfuerzos más recientes en latidos binaurales y oscilaciones neurales.

Esto no es solo música, es sonido, controlado con una alta precisión electrónica y estudiado desde su lado científico y místico, una experiencia electrónica que combina minimalismo y un espíritu psicodélico para generar una experiencia musical con oscilaciones binaurales agudas y filosas, tonos y zumbidos hipnóticos y repetitivos, creando una experiencia única en su tipo.

Literalmente se trata de una especie de droga auditiva, creada con el fin de volverte hacia estados alterados de conciencia. No es música de recreación, es música para llevar a cabo una experiencia mística, psicodélica, espiritual, ritual; de principio a fin las oscilaciones alteran sutilmente y ofrecen oleadas de ondas donde dejarse llevar y perderse hacia un cosmos electrónico minimalista.

Algunos de los pocos datos que tenemos sobre esta música los podemos encontrar en la contraportada del disco: “Estás relajado, recostado en una habitación oscura, tus ojos están cerrados, tu mente se calma y comienza el sonido. Se vierte como una ducha envolvente. Los tonos se convierten gradualmente en un lugar familiar donde las imágenes e ideas sobrenaturales parpadean y luego se solidifican. Confiando en la experiencia, te sueltas y el sonido parece disolverse. No puedes describir este espacio; sin embargo, es una conciencia personal y profunda que siempre ha estado fuera de alcance. Gradualmente, termina regresando en etapas, una experiencia tan variada como su conciencia.’’

Cod: #1371

Franco Leprino ‎- Integrati… Disintegrati (1977)

Franco Leprino es un artista  de la escena progresiva vanguardista italiana de los años 70, menos conocido que Franco Battiato y contemporáneo a Arturo Stalteri o Albergo Intergalattico Spaziale. Leprino estudió composición y luego inició su carrera en la música electrónica, durante los setenta. Editado por el anónimo sello Eleven, ‘’Integrati… Disintegrati’’ es el único disco publicado por Leprino, de 1977

Un delicado trabajo electro-acústico que combina una esmerada composición en guitarra acústica con arreglos en sintetizador, creando así atmosferas dulces, delicadas, muy bien planeadas ya que nada parece estar suelto al azar de la improvisación. Las composiciones son finas, arreglos que denotan una formación clásica, cuasi de cámara, con participación, por momentos, de flautas y oboes que dan al sonido un aire de sofisticación.

El trabajo consta de dos extensas suites que no bajan de los diecinueve minutos cada una y que están construidas por secciones, no son composiciones estructuralmente enteras, sino que el fluir de las piezas va dejando una serie de partes que se continúan, como películas sonoras, siempre delicadas pero cada una con su textura particular, de esta manera el sonido fluye y va sorprendiéndonos con una nueva forma de reconstruirse así mismo constantemente.

E incluso las partes parecen estar divididas por pequeños silencios que marcan el paso hacia lo siguiente y dejan un instante de duda acerca de lo que pueda sobrevenir a continuación; aires de suavidad y tensión se entrecruzan entre arreglos fino, aplicaciones en sintetizador, sollozares de bebes, y un sonido absurdamente complejo que no para de presentarse en distintas facetas. 

De las dos, la segunda suite es aún más compleja que la primera, con interminables partes que se suceden, arreglos de todo tipo, intervenciones magistrales en sintetizadores, e incluso hay lugar, por ahí, para algo de rusticidad sutilmente experimental; la complejidad es digna de escucharse, tomarse el tiempo para detectar los sutiles cambios y las diversas partes que corresponden constantemente. 

No es un disco de rock progresivo pero entra dentro del ámbito de la costumbre progresiva italiana ya que es muy sofisticado para tratarse de electrónica. Franco Leprino se encarga de la guitarra clásica, de 12 cuerdas y eléctrica, VCS3, Moog, vibráfono, arpa judía, percusión, Fx, voz, y además participan en el disco, Franco Lazzaro en órganos Hammond y Moog, Arnaldo Ciato en piano, y Alfio Squaiella a las flautas y el oboe.

Cod: #1370

Taj Mahal Travellers - July 15, 1972 (1972)

Takehisa Kosugi  fue una de las figuras más singulares y perdurables del underground japonés. Nacido en Tokio en 1938, se graduó en 1962 en la Universidad de las Artes de Tokio, y luego fundó el equivalente japonés del movimiento Fluxus, llamado Grupo Ongaku , un grupo dedicado a la improvisación y actuaciones multimedia, pero su proyecto más legendario fue The Taj Mahal Travelers, fundado en 1969, un organismo multicelular que incluía a Kosugi , Ryo. Koike, Yukio Tsuchiya, Seiji Nagai, Michihiro Kimura, Tokio Hasegawa y el ingeniero de sonido Kinji Hayashi. 

Siete músicos forasteros de pelo largo se unieron en 1969 para desafiar los preceptos del día viajando a una amplia gama de ubicaciones geográficas para interpretar música que acompañaba los sonidos ambientales que ya estaban presentes, en colinas, en playas, en canteras, al lado de las carreteras, incluso en jardines, etc. Desplegando una amplia gama de instrumentos principalmente acústicos, incluyendo tympani, bajo tuba, mandolina, una multitud de percusión manual, armónica, trompeta, además de violín eléctrico, contrabajo eléctrico, sintetizador analógico Mini Korg y una variedad de instrumentos hechos a mano, voces, piedras, vientos de bambú' y ramas de árboles, Taj Mahal Travelers se prometió a sí mismos tocar dondequiera que haya una fuente de alimentación disponible.

El proyecto musical Taj Mahal Travellers se desarrolló en forma de improvisaciones musicales, eligieron principalmente tocar su música al aire libre, a menudo en playas y colinas, desarrollando largas sesiones psicodélicas repletas de interferencias sonoras, electro-drones e improvisaciones masivas espaciales, que desarrollaron desde finales de los 60s.

Las primeras actuaciones de Taj Mahal Travelers fueron fortuitas, como mínimo, debido a su naturaleza caótica, provocada principalmente por la gran diferencia de edad entre el líder Kosugi y el resto del conjunto, la mayoría de los cuales apenas salían de la universidad. Mientras Kosugi, de 32 años de edad, luchaba por liberarse de todos los compromisos externos, sus seis cohortes, mucho más jóvenes, se complacían en disfrutar de las nuevas libertades disponibles para ellos en el creciente movimiento clandestino de Tokio. Sin embargo, para diciembre del 69, Taj Mahal Travelers había establecido una serie de actuaciones de una semana de duración en el club Shibuya's Station 70, que fueron grabadas por el ingeniero, manipulador de sonido y el séptimo miembro Kinji Hayashi.

Los ‘’viajeros del Taj-Mahal’’ estuvieron a la altura de su nombre, decidieron viajar en una furgoneta Volkswagen a través de Europa y Asia, entre 1971 y 1972, la banda zarpó viajando desde Japón a los Países Bajos a través de Alemania, Escandinavia y Gran Bretaña, desde allí a Irán, finalmente llegando al Taj Mahal en la India. A su regreso a Japón, realizaron un concierto para recaudar más fondos para giras y lanzaron sus primeras grabaciones. En 1972 realizaron el concierto que finalmente seria lanzado como el disco presentado en esta ocasión, grabado en Sohgetsu Hall, Tokio, Japón, en Julio, y originalmente lanzado en CBS ese mismo año.

Entonces, su primer álbum llevó el nombre de la misma fecha en la que fue grabado ‘’July 15, 1972’’, y supuso la materialización de este colectivo musical experimental con vistas en músicas muy amplias y lejanas a lo común; por supuesto aquí no hay melodías, ni armonías, ni acordes, hay muchos instrumentos pero estos fueron usados de maneras poco comunes, para enredarse de esa forma en un viaje cósmico elaborado a distorsiones electrónicas y cualquier clase de ruido y sonido, incluso a las voces las usaron de manera poco común.

Fueron utilizados para la grabación un sinfín de distintos instrumentos: violín eléctrico, contrabajo, santoor, guitarras eléctricas, vibráfono, armónica, osciladores de radio, instrumentos de percusión, etc., instrumentos que fueron procesados electrónicamente, por lo que pasaron a formar parte de la electrónica general que se concibe en toda la atmosfera crítica y nebulosa que formulan. Los sonidos se construyen y se superponen sin límite, las oscilaciones fluyen desde el fondo como capas que surgen y viajan a través del viento cósmico generado en la interpretación.

A partir de entonces, Taj Mahal Travelers regresó a la carretera y prácticamente se quedó allí. Habiendo perfeccionado su modus operandi a sus componentes más optimizados, los siete se encendieron durante 1973-74 con conciertos en jardines de infantes de Tokio, tiendas departamentales de Hiroshima, conferencias de diseñadores industriales, programas de televisión educativos, conciertos en playa en la isla sur de Okinawa, pueblos nevados de montaña, incluso aparecieron en el festival benéfico "Días de Oz" para el propietario del legendario Oz Rock Café de Tokio. Aunque tocaron para televisión y radio muchas veces, tanto en Japón como en Europa, y tocaron muchos conciertos y festivales, su próximo disco no llegó hasta 1975. Grabado en agosto de 1974, este sería el último lanzamiento oficial del grupo que comenzó a desintegrarse más tarde en 1975. Después de que el grupo se disolvió, casi todos los miembros dejaron de involucrarse con la música y desaparecieron. La notable excepción fue Takehisa Kosugi, quien continúa activo hasta el día de hoy.

Cod: #1369

Dedalus - Materiale Per Tre Esecutori E Nastro Magnetico (1974)

Hablar de ‘’Dedalus’’ es hablar de una muy buena y oscura banda italiana de jazz rock y música vanguardista. Los orígenes del grupo tienen lugar allá por Italia, a principio de los 70s, originalmente integrada por Fiorenzo Michele Bonansone en teclado, cello y voz, Marco Di Castri en guitarra y saxo, Furio Di Castri en bajo, y Enrico Grosso en batería. El grupo nunca estuvo entre las bandas más destacadas de la escena de su país, pero supo en su momento copar escenarios con muy buenas presentaciones en vivo.

Ya desde un principio logran cierta notoriedad, tocan como teloneros de ‘’Amazing Blondel’’ lo que les otorga cierto renombre que los acerca a varias etiquetas, pero muchas los rechazan por considerar de ‘’demasiado inteligente’’ a su música. En 1973 la banda participa de festival ‘’Avantgarde and New Trends’’, de Nápoles, siendo señalada como la verdadera revelación del momento, este existo inesperado los coloca en la mira de varias compañías disqueras.

Sin embargo, en ese momento, la banda decide tomar una especie de venganza y rechaza a las principales firmas, para irse de esa forma con una pequeña y floreciente etiqueta proveniente de Milán, llamada ‘’Trident Records’’. ‘’Dedalus’’ surgía por derecho propio para instalarse en la corriente principal del jazz rock de su país.

Son unidos dos discos publicados en la década de los setenta distan mucho entre sí, ya que cada uno manifiesta un idioma musical diferente. En el primer trabajo la banda decide hacer jazz rock, un muy acertado jazz rock, con una capa suave y elementos finos, un sonido muy agradable para escuchar, y ya en ese primer disco dejan entrever algunos elementos de la música experimental que luego desarrollarían, sueltan tímidamente algunos pasajes con sonoridades experimentales/electrónicas.

Dichos elementos experimentales que tímidamente aparecerían en el primer disco, como marcando un poco el camino hacia donde seguir, explotarían y brotarían al máximo en el segundo de sus álbumes, el experimental ‘’Materiale Per Tre Esecutori E Nastro Magnetico’’ de 1974; en este segundo trabajo la banda se vuelca deliberadamente hacia la música vanguardista, combinando elementos de electrónica cuasi concreta y música improvisada ejecutada casi sin limitaciones.

Lejos del jazz fusión de sus inicios, ahora el grupo deconstruye todo lo construido y lo lleva a la enésima potencia, donde las pistas no cuentan más que con ruidos, sonidos, quejidos, elementos electrónicos, ruidos caóticos y voces desencajadas, entonadas misteriosamente para dar más vaguedad aun al sonido que carece de forma y estructura, ahora la libertad sonora vanguardista es el lema y lo llevan al extremo.

Un cambio tan determinante en el sonido de una banda lleva a preguntar qué es lo que pasaría por la cabeza de los músicos, y a la vez es reflejo de una clara evolución de sus sonidos que no se quedaron cómodamente estacionados en las construcciones de su primer trabajo y decidieron ir más allá, corriendo los límites de lo posible un poco más al externo, impulsándose hacia la innovación y la búsqueda sonora. Un sonido como el que demuestran en su segundo álbum, no se puede calificar, no se puede decir si es bueno o no, porque lo que es vanguardista carece de límites y desafía continuamente los hechos de lo posible y lo imposible.

Un año más tarde Furio Di Castri dejaría la banda, tras esa salida lanzarían el segundo álbum. Ya hacia finales de los 70s la banda dejaría de funcionar, reagrupándose nuevamente para principio de los 90s, en dicha etapa la banda constaría de un trio compuesto por Bonansone, Di Castri y Grosso, de esa formacion saldría un tercer album, ''Pia Visione’’, de 1997. Después de muchos cambios en la formación, en el 2002 la banda pasó a llamarse ‘’Dedalus Bonansone’’, y de dicha etapa tardía saldría un cuarto disco, ‘’Nomos Apache Alfa’’, más precisamente del 2004.

Cod: #1368

Annette Peacock & Paul Bley - Dual Unity (1972)

Este trabajo nace del encuentro de dos músicos que en realidad eran pareja, estaban casados, el genio del jazz canadiense Paul Bley, y la vocalista Annette Peacock quien por ese 1972 había publicado su primer álbum solista ‘’I'm The One’’, demostrando su carácter experimental y su espíritu por demás vanguardista. 

Dual Unity, grabado en dos sesiones diferentes, el 26 de Marzo de 1971 en Venue Club B14, Rotterdam, Holanda, donde se grabaron los tracks uno y dos del disco, y el 16 de Noviembre de 1971, en Espace Cardin, en Paris, Francia, donde se grabaron los tracks restantes, tres y cuatro; disco publicado finalmente un año después, 1972, bajo el sello Freedom Records. 

Este trabajo es el resultado del encuentro entre el jazz y la electrónica, embalados en un paquete vanguardista experimental que los lleva a plantear escenas musicales de ejecución libre, tipo free jazz electrónico, con una visión vanguardista de sonoridad experimental, aplicación libre del sonido una libertad de ejecución que los hace trascender varios limites dentro de la electrónica y por supuesto dentro del jazz mismo.

Es una autentica declaración de valores a través del minimalismo sintético y la experimentación vanguardista con free jazz. ‘’MU’’ es la primera pieza del trabajo, la más extensa, ya que dura diecisiete minutos, y la que tiene en todo el álbum un concepto más marcado con respecto a los demás tracks, se trata de una base instrumental que se repite constantemente y sobre la cual desfilan las melodías y las experimentación, y ya sobre el final aparece la voz de Peacock dándole otro color a una pieza que de por sí ya era algo extraña.

El resto de los tracks del trabajo constan también de un sonido similar, jazz electrónico, pero en este caso nos encontramos con experimentación pura y dura, sonido de ejecución libre y caótico, estilo free jazz puro pero reinterpretado desde la electrónica, con los sintetizadores a pleno vuelo, desparramando modulaciones y aplicaciones de diversa manufactura. Es posible que la misma Peacock haya participado también con algún artefacto que alterara su voz de forma electrónica, como lo hizo en su álbum debut, publicado ese mismo año de 1972, en el que se puede escuchar su voz distorsionada electrónicamente.

La músicos participantes del trabajo constaron en Annette Peacock en voz y efectos electrónicos vocales, su esposo el pianista Paul Bley en sintetizador Moog, además de Han Bennink en batería en "MJ" y "Gargantuan Encounter", Mario Pavone en bajo y Laurence Cook, batería en "Richter Scale" y "Dual Unity"

Estas son algunas palabras de Peacock sobre su trabajo en aquellos tiempos: ‘’En aquel momento el sintetizador era algo nuevo y realmente excitante. Yo trabajaba en esa época con un pianista, Paul Bley, que se limitaba a utilizar el sintetizador con el teclado. Yo tuve la idea de modificar todo el sonido del grupo durante la actuación en directo mediante el sintetizador (aplicado a la batería, la sección de viento, etc.). 

Pero era muy complicado hacerlo en directo, por la falta de medios; en estudio era más sencillo, puedes oírlo en “I’m The One”. Luego pensé en pasar la voz por el sintetizador e inventé una forma de hacerlo. Entonces colaboré con los fabricantes (Moog) para desarrollar una unidad más accesible. Parecía inevitable que el desarrollo tecnológico afectara la voz. Por supuesto, hoy en día esta puede modificarse notablemente.’’

Cod: #1367

German Oak - German Oak (1972)

En 1972, el grupo instrumental de Dusseldorf, German Oak, entró en el Luftschutzbunker, o Air Raid Shelter, para grabar su primer LP homónimo, pensando que tal vez tendrían una mayor acogida por el público, ya que estaban haciendo una música experimental que se relacionaba muy estrechamente con el sonido de bandas de krautrock contemporáneas. 

Desafortunadamente, German Oak no solo se equivocó en sus suposiciones de que los lugareños abrazarían su música, sino que incluso las tiendas de discos locales rechazaron todos los intentos del grupo de vender los álbumes en las tiendas de la ciudad. Tal fue su falta de éxito que 202 de las 213 copias originales se almacenaron en el sótano del organista del grupo hasta mediados de la década de 1980, cuando la sed por descubrir Krautrock finalmente trajo a German Oak de la muerte. Publicaron el homónimo German Oak, su primer y único trabajo, publicado en privado en números muy reducidos, la mayoría de las copias permanecieron sin ser vendidas, hasta que se filtraron al mercado de coleccionistas en la década de 1980.

El grupo fue fundado por una pequeña comunidad de 5 artistas alemanes hippies, a principio de los setentas, integrado por: Wolfgang Franz Czaika e guitarra líder y rítmica, Ullrich Kallweit en batería y percusión, su hermano Harry Kallweit en el bajo y voz eléctrica, Manfred Uhr  en órgano y voz, y Norbert Luckas en guitarra y efectos especiales.

Sin duda se trata de un trabajo harto en oscuro, típico de una jam band que se dedicaba a las extensas sesiones, eso es lo que ve reflejado en el disco, que constan de cuatro pistas, dos más cortas (una intro y un outro), pero las otras dos muy extensas, de alrededor de diecisiete minutos cada una en la que la banda se sumerge en ambientes de misterio instrumental. 

La primera de esas dos piezas extensas sería ’Down In The Bunker’’, de un sonido realmente espeluznante, parecen transitar por atmósferas muy oscuras que se entremezclan con las sesiones instrumentales de la banda. La segunda sesión significativa es ‘’Raid Over Dusseldorf’’, y es en este caso que el sonido pasa a ser predominado pura y exclusivamente por la interpretación de la banda, siempre dentro de ambiente oscuros, pero esta vez con una guitarra de un sonido hipnótico que acrecienta más aun el potencial de lo que quería representar la banda con su música.

Esta es una música que no te golpea instantáneamente, sino que es un ritmo acumulativo, que se basa en la repetición sin fin de algunas secuencias de bajo o de guitarra, que se entremezclan con sonidos y quejidos que aumentan su potencial oscuro y siniestro.

Todo el material publicado en este disco pareciera sufrir (o gozar) de una oscuridad que los lleva a experimentar con sonidos y sesiones instrumentales que funcionan dentro de un especie de hard rock volátil y muy denso. Una de las piezas se llama ‘’Down In The Bunker’’, una referencia al hoyo subterráneo remanente de la segunda guerra mundial en el que se grabó el álbum. El propósito de grabar en un búnker era recrear los sentimientos experimentados por los soldados alemanes durante la invasión aliada de 1944. 

Las extrañas condiciones acústicas en el búnker hicieron que la música, que era una serie de largas y amplias canciones de guitarra, sonara distante, catastrófica y llena de eco. La portada del álbum (una imagen militar que es un retrato de la tercera fuerza militar del Reich) proporciona una ilustración de la ira expresada por la generación joven de la Segunda Guerra Mundial contra sus padres.

Cod: #1366

Dom - Edge Of Time (1972)

''me encontraras allí al borde del tiempo

el mar-de-fuego lamiendo mis pies

gas y humedad, viento y lluvia,

nieve, calor, aguas, hielo y dolor

las almas malditas gritan ''¡Perdón! ''

el pasado será futuro y el futuro será pasado

nada en nuestro mundo durará para siempre

solo tu y yo

hasta pertenecerle a la eternidad

uno conteniendo a dos

vagar por el espacio y la paz que conocíamos''

Dom

"Edge Of Time" es un álbum de folk-avant garde grabado a principios de 1970 por un cuarteto con miembros de Alemania, Polonia y Hungría. El grupo se originó en Dusseldorf en 1969, compuesto por Reiner Puzalowski en guitarra, flauta y voz, Hans Georg Stopka en órgano, guitarra y voz, Laszlo Baksay en bajo y voz, y Gabor Baksay en percusión, flauta y voz; y grabaron su único álbum en Neubauer Studios al año siguiente. 

Casi no hay información sobre la banda, aparte de algunas fotos. Los hermanos húngaros Baksay probablemente formaron el núcleo del grupo, que trabajó en 1966 como "The Early Birds". Posteriormente (ahora también con Hans-Georg Stopka y Rainer Puzalowski) se llamó "The Set Minds" por un tiempo, antes de que en 1969 se eligiera el nombre de grupo Dom. El cuarteto grabó "Edge Of Time" en 1970, que fue publicado en 1972. 

Como tantos otros discos de krautrock, este trabajo también ofrece lo que pareciera ser un viaje esotérico hacia tierras experimentales, donde lo acústico y electrónico se combinan, generando atmosferas con destino indefinido que exploran un mundo misterioso de la mano de la música concreta y la libre experimentación sonora.

Finas interpretaciones en guitarra acústica, sintetizadores, órganos, amplios instrumentos de percusión y flautas, son los encargados de sublimar algunos de los estados más místicos que el krautrock alemán ha podido dar, atmosferas de ensueño con kosmiche music, estados meditativos, ánimos oscuros e interpretaciones que brindan espacio para las escucha atenta y errática.

Este álbum es muy profundo y denso, a veces acústico y cósmico, por momentos la electrónica toma el control y el viaje se vuelve mucho más oscuro y concreto, con voces erráticas y recortes de grabaciones, el sonido puede mutar de la manera que le dé la gana sin dejar jamás de ser un viaje de ensueño por tierras cósmicas. Las estructuras parecieran funcionar no en un continuo sino en bloque, partes tras partes se van sucediendo, básicamente momentos acústicos se corresponden inmediatamente con partes de electrónica concreta, y así sucesivamente.

La pieza central del disco podría decirse que es la que lleva el mismo nombre del disco ‘’Edge Of Time’’, en la cual no solo se continua con lo ya descrito sino que en esta pieza aparece una recitan de un poema, que justamente es el poema que aparece escrito en la portada del disco y que podría traducirse como: tú me encontraras allí / en el borde del tiempo / el mar de fuego rosando mis pies / gas y humedad, viento y lluvia / nieve, calor, agua, hielo y dolor / las almas malditas suplican perdón / el pasado será el futuro y el futuro será el pasado / nada en nuestro mundo durará / solo tú y yo / hasta la eternidad será ese espíritu / uno conteniendo a dos / vagando por el espacio y la paz que conocíamos.

Cod: #1365

Jimmy Page ‎- Lucifer Rising (1973)

Esta historia comienza con el ocultista Aleister Crowley, quien en 1899, a la edad de 24 años, compró una mansión en la costa de Loch Ness (Tierras Altas de Escocia) llamada Manor of Boleskine y Abertarff, más tarde llamada Boleskine House. Crowley fue dueño de esta mansión por poco más de una década, y la adquirió porque creía que la ubicación era ideal para llevar a cabo una serie de rituales de magia sagrada de acuerdo a ‘’The Book of Abramelin’’, un libro de magia y kabbalah. 

Supuestamente Crowley desencadenó una serie de rituales, con invocación de espíritus, pero según la leyenda, tras un viaje repentino que tuvo que hacer mientras realizaba los rituales, nunca desterró a los demonios que había convocado, lo que llevó a sucesos extraños que ocurrieron en la mansión. Otro suceso extraño ocurrió  en 1965, cuando Edward Grant, el por aquel entonces dueño de la propiedad, se suicidó en un dormitorio de la mansión, con una escopeta. 

Aproximadamente, un año después, el cineasta Kenneth Anger se mudó de Los Ángeles a San Francisco para trabajar en su próximo proyecto, ‘’Lucifer Rising’’. Desde su adolescencia, Anger se había enamorado del personaje de Aleister Crowley como de la religión que este personaje creó, Thelema. La película debía basarse en la noción Thelémica de que la humanidad estaba entrando en el "Aeon of Horus", que para nuestros propósitos se puede considerar como sinónimo del concepto hippie de la Era de Acuario. En 1968, Anger dejó San Francisco y se estableció en Inglaterra, donde siguió trabajando en sus visiones de su Lucifer Rising. También se hizo amigo de Mick Jagger y Keith Richards, y trató de convencer a Mick de que fuera su nuevo Lucifer, para la pelicula. Jagger rechazó el papel, pero grabó algo de música para la película.

Un coleccionista y fanático de Crowley, Jimmy Page, compró, cuando su fortuna se lo permitió, la mansión de Boleskine House en 1970. Un par de años más tarde, conoció a Anger en una subasta de artículos de recuerdo de Crowley y lo invitó a las antiguas excavaciones del ocultista. Algunos informes afirman que Page necesitaba ayuda de Anger para deshacerse de un fantasma; independientemente de eso, los dos se unieron en su interés por Crowley y se convirtieron en frecuentes amigos. 

Anger comienza a visitar asiduamente la casa de Page en Sussex (que perteneciera al actor Richard Harris), convenciendo al guitarrista para que le componga y grabe la banda sonora de su corto Lucifer Rising. Lo cierto es que "Lucifer Rising" ya había comenzado a rodarse en 1966, protagonizada por el mismo Anger, Bobby Beausoleil, Marianne Faithfull y el hermano de Mick Jagger, Chris Jagger. La película pudo terminarse recién en los años 70, aunque no vio la luz hasta 1980.

Page completó aproximadamente 24 minutos de música probablemente hacia fines de 1973, aunque el producto terminado jamás llegó; ante la demora del guitarrista en presentar una banda sonora, Anger decidió sustituirlo por alguien más, y seguir adelante con la producción de su película, cuya banda sonora sería finalmente confiada a Bobby Beausoleil, aunque para ese entonces Beausoleil (allegado al Clan Manson) estaba preso por homicidio, por lo que compuso y grabó la música en prisión (Beausoleil aparece en el film, ya que rodó sus escenas correspondientes cuando aún estaba libre). Una discusión entre Anger y la esposa de Page en 1976 terminó no solo con la amistad de los fanáticos de Crowley sino también con su relación de trabajo. Anger eliminó a Page del proyecto y supuestamente le lanzó una maldición.

Las grabaciones de Page creadas para Lucifer Rising se convirtieron desde entonces en un material de culto, especialmente para fanáticos y coleccionistas de Led Zeppelin. El material fue publicado de forma pirata a lo largo de las décadas, bajo distintos nombres, pero no fue publicado oficialmente sino hasta 2012, cuando el mismo Jimmy Page se encargó de remasterizar el material y lanzó su propia versión oficial a través de su sitio web, ‘’Lucifer Rising y Other Sound Tracks’’. Además de estar supervisada por Page personalmente, la edición tuvo un prensaje limitado de ejemplares, los cuales fueron firmados de puño y letra por el guitarrista.

El material creado y pensado por Page para musicalizar Lucifer Rising es por demás oscuro y experimental, no tiene nada que ver con su lado rockero de Led Zeppelin; en estas grabaciones demuestra todo su interés por el ocultismo, con una música oscura ideada para musicalizar escenas referentes a una película con mucho simbolismo místico y ocultista, por lo que refleja ese espíritu con ambientes oscuros, tenebrosos, que parecieran musicalizar un ritual luciferino, con magia e invocaciones.

La grabación no es sumamente extensa, solo alrededor de veinte minutos han quedado oficialmente de esta creación, pero lo que hay alcanza para descubrir otra faceta de Page, como místico, ocultista, interesado en la magia, porque la música así lo refleja, se sumerge en ambientes muy oscuros, donde van emergiendo distintos elementos, melodías extrañas, cantos rituales oscuros tipo tibetanos, sonidos extraños y un sinfín de apariciones sonoras de extraña procedencia.

Cod: #1364

Wilburn Burchette - Opens The Seven Gates Of Transcendental Consciousness (1972)

El enigmático Wilburn Burchette es una autentica figura oculta, nacido en los Estados Unidos, se sabe poco más sobre él, más allá de su música. Analizando sus sonidos es fácil deducir que se trataba de un joven místico, relacionado profundamente con la espiritualidad y la metafísica, autodenominado ‘’maestro’’. Es posible, o tal vez probable, que el nombre de Wilburn Burchette fuera un seudónimo.

Lo poco que se sabe de Burchette, proviene del libro Revelation: The Divine Fire, de 1973, escrito por Brad Steiger: ‘’Durante los últimos dos años he valorado una amistad con un fascinante joven ocultista-músico llamado Wilburn Burchette. Cuando tenía doce años, Wil estaba profundamente inmerso en sus experimentos poco ortodoxos con la música. A él se le había ocurrido que como todo en nuestro universo está compuesto de átomos vibratorios, entonces la vibración sería movimiento, el movimiento sería tiempo, y que, para lograr cualquier creatividad espiritual, el hombre debe elevarse por encima del tiempo.

"Consideré la música como una forma de arte del tiempo, a través del tiempo y en el tiempo. Asumí que todo era tiempo. Sin embargo, lo que concibe el tiempo no necesariamente tiene que estar en él ", me dijo Wil. "El avance hacia la Realidad Superior está fuera del tiempo. Cuando rompes el tiempo, eso es relevante, eso es romper a través de lo divino."

Los primeros trabajos de Burchette constaron solo de sesiones en guitarra, luego se inmergiría en la electrónica, pero siempre procurando elaborar una musica espiritual. En su segundo disco, siguiendo la línea de su primer trabajo y de su propio estilo creado, se manifiesta de forma mística a través de extrañas melodias y composiciones arrancadas de su ‘’guitarra’’, pero esta vez adentrándose mucho más deliberadamente en el mundo de la espiritualidad, ya que dicho trabajo (su segundo disco) se titula ‘’Abre las siete puertas de la conciencia trascendental’’, un título más que sugestivo que invita a la introspección, a la contemplación interna, la búsqueda de la espiritualidad interna, en la que, por supuesto, su música correría con un papel fundamental ya que es la encargada de guiar sonoramente el trance de lo cotidiano hacia ese estado místico del que tanto intenta adentrarse.

Sumado al sonido de su guitarra, aparecen algunos efectos, tal vez se trate de voces distorsionadas, o sonidos misteriosos, de misteriosa procedencia, que acompañan al leitmotiv espiritual del trabajo y acrecientan su potencial místico. Se trata de un estilo desconocido, que solo él puede reconocer porque es él mismo quien lo ha creado.

Tocando una guitarra hecha en su casa y por él mismo, la ‘’impro guitar’’, construida de seis tipos diferentes de madera, explora la psicodelia solista de sesión y el new age, similar a lo que haría Robbie Basho o en todo caso John Fahey, aunque Burchette se volcaría más profundamente hacia lo místico, el ocultismo, ofreciendo una música puramente improvisada (o compuesta pero en mayor medida surgida de improvisación), autodidacta y auto gestionada, publicada con el fin de trasmitirse y no de venderse. Burchette auto-distribuyó sus propios trabajos mediante el sello ‘’Burchette Brothers’’, en colaboración con su hermano, Kenneth, de 1971 a 1977, años entre los que fue publicada toda su discografía.

Cod: #1363

Flute & Voice - Imaginations Of Light (1971)

El grupo se forma en Mannheim, Alemania, en 1969, primero surgiendo como proyecto de una banda, que luego se acortaría y quedaría formado como un duo, con Hans Brandeis y Hans Reffert. Tuvieron su primer concierto público el 25 de mayo de 1970 en Frankenthal, una ciudad cerca de Ludwigshafen, en una pequeña discoteca llamada Pop Shop, la segunda presentación el 11 de junio de 1970 en la Escuela Técnica de Furtwangen, a unas horas de Mannheim.

Hans Brandeis  cuenta acerca del origen del nombre de la banda: ‘’Bueno, creo que hubiera sonado bastante tonto si hubiéramos llamado a nuestro dúo Hans & Hans ... o Reffert & Brandeis, Brandeis & Reffert ... ¿De qué sirve usar dos nombres de los que nadie haya oído hablar? En su lugar, queríamos que el nombre de la banda fuera más programático, contando algo sobre el personaje de la música. Era un hecho que nuestros instrumentos principales eran guitarras ... Entonces, ¿qué hay de Guitar & Guitar? De ninguna manera ... En cambio, decidimos enfatizar nuestras diferencias. Hans estaba estudiando flauta clásica, y yo estaba tomando lecciones de voz. Y Flute & Voice suena mejor que Voice & Flute ... La primera versión del nombre, The Flute and the Voice sonaba demasiado voluminosa para que la acortáramos.’’

El debut discográfico del grupo es ‘'Imaginations Of Light’', originalmente lanzado en 1970 por el legendario sello Pilz, es un intento de combinar las influencias que cada uno de los músicos del dúo traía consigo, con Hans Brandeis tocando guitarra y sitar y cantando, y Hans Reffert tocando guitarra, grabadora de bajo, flauta transversal y un montón de otras flautas y silbidos.

La primera pieza del álbum hace entender el porqué de la portada del disco, una extensa sesión llena de influencias orientales, con sitar y flauta, que van creando un ambiente místico por demás, misterioso, pacífico y relajado, un ambiente en donde es fácil perderse, relajarse, encontrar un estado de tranquilidad porque eso mismo es lo que transmite, suavidad y espiritualidad. Es una pieza improvisada para sitar y flauta, con voces melódicas que juegan a la par del sitar, en la que se hace uso de la espacialidad, de la extensión, se juega con el silencio para crear un carácter misterioso, tomando lo más rico de la cultura oriental hindú y explotándolo al máximo.

A contraste de la primer pieza, y para sorpresa en la escucha de este disco, en el segundo track el sonido muta rotundamente apareciendo un dúo de guitarras eléctricas que, en un parafraseo jazzero extenso, dialogan entre sí, sin perder el aura tranquila en la que estábamos inmersos, pero esta vez transitando por tierras que se adentran en terrenos del jazz instrumental. ‘’Resting Thinking About Time’’ es la tercera pieza, en la que parece que siguen la línea del segundo track, con un dúo de guitarras eléctricas, limpia y sin distorsión, elaborando una extensa canción con un canto melódico e hipnótico, y con un extenso interludio jazzero con solos de guitarra.

En ‘’Notturno’’, la cuarta y última pieza del disco, vuelve el sitar esta vez para fusionarse con la guitarra; de alguna manera se fusionan los dos estilos anteriormente presentados, el estilo oriental del sitar y mundo jazzero de la guitarra, en una pieza fusión de un estilo único, propio, nacido de las visiones propias de los músicos en plena experimentación y búsqueda de nuevas sonoridades. Por supuesto sin dejar jamás el aire introspectivo en el que están envueltos desde el principio, la pieza es otra muestra de la profundidad y el potencial místico con el que cuenta su música.

Cod: #1362

Pandit Kanwar Sain Trikha - Three Sitar Pieces (1971)

Pandit Kanwar Sain Trikha  llegó a Londres desde India en 1964, después de haber estudiado el Sitar desde 1943, bajo la dirección del profesor Tey Bhan, Sangeetacharya, un músico de la corte de Cachemira. Ha actuado en concierto y en televisión en Gran Bretaña y en todo el Continente. Los principales intereses de Pandit Trikha se centraban en sus estudiantes en el Instituto de Música Oriental que fundó en Londres poco después de su llegada a Inglaterra.  

Pandit Trikha incursiona en su primer trabajo Three Sitar Pieces, originalmente lanzado por Mushroom Records, sello underground de Vic Keary, a principios de los 70. Mientras que Vic Keary estaba interesado en el reggae, Mushroom Records incursionó además en grabar un poco de todo. Conocido sobre todo por la gran variedad de productos psicodelicos, progresivos y ácidos, el LP de Pandit Kanwar Sain Trikha encaja a la perfección con sus compañeros del sello británico como Simon Finn, Chillum, Pierre Courbois, Jasper Van't Hof, Magic Carpet, Ravi Shankar, etc.

Pandit Kanwar Sain Trikha, conocido por sus habilidades afinadas en el Sitar, muestra su virtuosismo en Three Sitar Pieces, tres ragas (en realidad son cuatro, ya que viene un bonus de más en una reedición) en los que claramente el sitar es el interlocutor principal del sonido, el cual cuenta con poco acompañamiento, la percusión apenas se escucha de fondo en algunos momentos, siendo una pieza fundamentalmente para sitar. Contando con acompañamiento de Paul Burwell en tablas, un percusionista británico, influyente en los campos de la improvisación libre y el arte experimental.

En este álbum, Pandit Trikha no deja de demostrar su virtuosismo, canalizando su energía en ragas cuya característica es siempre exploratoria y cuasi improvisada (como todos los ragas), y que se va construyendo poco a poco en la medida en que avanzan las piezas; con un ritmo constante particular en su ejecución y una manera propiamente melódica, proveniente de su propia personalidad y su propia manera de ejecución, demostrando en cada no su virtuosismo versátil y rítmico.

Son piezas de gran nivel, que tal vez no estén a la altura de grandes del género como Ravi Shankar, pero que aun así demuestran virtuosismo, una virtud de constancia en la interpretación que se mantiene firme a lo largo de las ejecuciones y demuestra el tipo de misticismo cálido y rítmico propio del que se trata de manifestar en el sonido. Las piezas tienen un ritmo constante desde que comienzan hasta que terminan, lo que le da dinámica y una impronta propia al sonido.

Varios destellos rítmicos delicados, audaces, dulces o incluso cuestionantes, establecen el ambiente y, literalmente, emana una confianza y un logro supremos en su instrumento. Otra obra de música clásica hindú que llega a occidente a conquistar los oídos de por aquella época que estaban algo abiertos a las influencia hindúes, entusiasmados por la popularidad que había logrado la música de Ravi Shankar por estos lados del mundo.

Cod: #1361

Ken Kesey ‎- The Acid Test (1966)

En la década de los 60s se llevó a cabo la madre de las revoluciones culturales, que darían pie e influenciarían a muchos otros sub-movimientos y revueltas, como el mayo francés, en krautrock, el progg sueco, etc. Esta revolución cultural se llevó a cabo esencialmente en los Estados Unidos, y tuvo repercusión en todo el mundo, esparciendo un espíritu que proponía la reflexividad respecto al poder y los lideres, la oposición a los horrores de la guerra, la oposición al capitalismo, la experimentación con psicodélicos, el amor libre y la creación y experimentación con nuevas formas de arte.

Esta revuelta generacional estaba alimentada en parte por una guerra estúpida y la desilusión general con el capitalismo de consumo. El punto cero de los sucesos, al menos en los Estados Unidos, se encontraba en San Francisco y, en el centro de ella estaban participando entusiastamente  algunos personajes como Ken Babbs, Ken Kesey, los Merry Pranksters, y sus legendarios eventos contraculturales ácidos, los ‘’acid test’’, fiestas o conciertos donde abundaba el LSD, el rock y las largas improvisaciones blues-rock psicodélicas que podían durar horas y horas, hasta que durara el efectos de los alucinógenos. 

La primera acid test "no oficial" ocurrió en la casa de Ken Babb, justo afuera de Santa Cruz en 1965, en Halloween. Los Pranksters en ese momento eran una banda en vivo, pero mientras estaban afuera y discutiendo la organización del evento, escucharon música proveniente del interior de la casa. Un grupo de músicos, llamados The Warlocks en ese momento, habían recogido los instrumentos y comenzaron a tocar. Estos fueron los músicos conocidos más tarde como los Grateful Dead, y más tarde pasaron el resto de la noche atascándose con los Pranksters hasta que saliera el sol.

En este ambiente, los Grateful Dead encontraron su sonido. Podían tocar lo que quisieran, y estirarlo musicalmente hasta donde quisieran también, sin disentir si era la forma correcta de jugar, o no. Tenían la libertad de hacer lo que querían, algo que muchos grupos de rock no pueden experimentar, ya que hay una forma "correcta" establecida de interpretación socialmente la musica. Este fue el primer espectáculo que tocó Grateful Dead, y cambió para siempre la forma en que representarían la elaboración de la música durante los próximos treinta años de su carrera musical.

Se realizaron pruebas de ácido posteriores. Playa de Muir, 11 de diciembre. Palo Alto, 18 de diciembre. Portland, 24 de diciembre. Cada evento, fue un caos enloquecedor de luz y sonido. Se animó a la gente a subir al escenario y rapear sobre lo que sea. Los micrófonos se extendieron por el lugar y se enrollaron en un frenesí de tonterías mientras la gente gritaba a través de ellos. Se reprodujeron espectáculos de luces, provistos por el agua que se esparcía en una variedad de colores y se proyectaba en las paredes. Mientras que Grateful Dead pronto se convirtió en una pieza central de cada programa.

La prueba de ácido más grande fue el “Trips Festival” de tres días que se llevó a cabo del 21 al 23 de enero de 1966, en el Longshoreman's Hall en San Francisco. Diez mil personas se presentaron cada noche, y mil más fueron rechazadas. El día 22, Grateful Dead y Big Brother & The Holding Company subieron al escenario y asistieron 6,000 personas, bebiendo el acido provisto. Krassner, un bromista, describe la escena en The Electric Kool-Aid Acid Test de Tom Wolfe: "...un salón de baile surrealista hirviendo con un par de miles de cuerpos apedreados fuera de sus atuendos, con disfraces locos y maquillaje obsceno, con una banda de rock and roll escandalosa y luces estroboscópicas y una máquina de truenos y globos y cabezas y serpentinas y el equipo electrónico...''.

Los Merry Pranksters eran los seguidores del autor estadounidense Ken Kesey, alrededor en 1964. Ken Kesey y los Merry Pranksters vivían en comunidad, en las casas de Kesey en California y Oregon, y su actividad principal consistía en viajar por todo el país, un largo viaje por carretera que realizaron en el verano de 1964, viajando a través de los Estados Unidos en un autobús escolar pintado psicodélicamente llamado Further, organizando fiestas y repartiendo LSD.  Estos sucesos incluyeron luces brillantes, música en vivo de músicos de la talla de The Grateful Dead y copiosas cantidades de LSD. 

Durante este tiempo se encontraron con muchas de las luces guía del movimiento cultural de mediados de la década de 1960 y ayudaron al establecimiento de lo que comúnmente se considera hippies, con comportamiento extraño, vestimenta teñida con multicolores y renuncia a la sociedad normal, a la que denominaron ‘’el stablishment’’. El escritor y periodista Tom Wolfe hizo una crónica de sus primeras aventuras en su libro ‘’The Electric Kool-Aid Acid Test’’.

Los miembros notables del grupo incluyen al mejor amigo de Kesey, Ken Babbs , Carolyn "Mountain Girl" Garcia , Lee Quarnstrom y Neal Cassady . Stewart Brand, Dorothy Fadiman , [3] Paul Foster , Dale Kesey (su primo), George Walker, los brujos (ahora conocidos como Grateful Dead ), Del Close (entonces diseñador de iluminación para Grateful Dead), Wavy Gravy , Paul Krassner , y los escritores de los Fab Five de Kentucky, Ed McClanahan y Gurney Norman (quienes se superponían con Kesey y Babbs como estudiantes graduados de escritura creativa en la Universidad de Stanford ) se asociaron con el grupo en diversos grados.

Este registro de 1966 refleja muy bien el espíritu del movimiento, el ambiente de los acid test y la idiosincrasia de este grupo de gente que se propuso ir a contracorriente. Estas grabaciones se caracterizan por una mezcla de delirio, debates, extractos de voces, charlas, experimentación sonora, ruidos, debates sobre política y la guerra de Vietnam, sarcasmos sonoros, música delirante e incierta: todo un conjunto de ingredientes culturales que impulsados por la implosión del LSD se manifiestan como una gran masa sonora que tal vez sea indefinida pero es de una valor artístico muy experimental: el acid test.

El álbum capturó material del 1 al 2 de octubre de 1966 en el acid test de San Francisco State College con Kesey y sus amigos en un extendido viaje de ácido. Habiendo sido arrestado dos veces por cargos de mariguana, para evitar el tiempo en la cárcel Kesey había estado viviendo en el exilio, en México. Antes de la decisión nacional de convertir el LSD en una droga prohibida (la ley entró en vigencia el 7 de octubre de 1966), Kesey regresó al país para recibir una prueba de ácido más. La mayor parte de este material es simplemente Kesey empapado de ácido, sin pensar y divagando sobre nada en particular. Sus narraciones fueron tratadas ocasionalmente con un extenso eco con la intención de mejorar la sensación trippy. 

Las narraciones también fueron acompañadas ocasionalmente por fragmentos de música, supuestamente de Jerry García y otros miembros de The Dead, con efectos de sonido esporádicos. Si esperaban escuchar a los Dead en esta grabación quedaran decepcionados, porque no aparecen para nada. Las drogas claramente tuvieron un efecto en Kesey que operaba bajo la creencia errónea de que él era un gran talento.

Cod: #1360

Bango - Bango (1970)

Los orígenes del grupo tienen lugar bajo el nombre de Os Canibais, un grupo que había lanzado un primer disco. Para el lanzamiento de su segundo disco deciden cambiar su estilo musical, y junto con el cambio en el diseño musical vino el cambio de nombre, ahora se pasarían a llamar Bango, nombre bajo el que publicarían otro disco, de nombre homónimo, en 1970. El quinteto estaba formado por Aramis de Barros y Fernando en las guitarras, Elydioen el bajo, Roosevelt Tadeu en el órgano y voz y Max Pierre en batería.

Desafortunadamente, hay muy poca información disponible sobre la banda que actúa bajo el apodo de Bango. Al igual que Os Canibais, la banda se estableció como una de las bandas de baile más respetadas durante los años sesenta, y la banda residente de programas de televisión durante la Guardia Joven. Con el cambio de la década, siguen las influencias de la época en que el rock tropical después del Tropicalismo se reflejaba cada vez más en Os Mutantes, haciéndose cada vez más pesados. 

El único álbum de Bango es una perla perdida del rock tropical brasileño, que representa un nuevo sonido de la banda que incursiona en psicodelia y rock, aunque también hay lugar para algo de pop, baladas y hasta música country brasileña. Ofrecen algunos temas pesados, con buenas bases y buen poderío vocal e instrumental.

Después de unos pocos conciertos, el grupo se separó y el disco quedó en la oscuridad (más tarde, algunos de los miembros de la banda se convirtieron en productores notorios de las mayores compañías discográficas de Brasil). 

Con los años, el álbum homónimo de Bango se convirtió en una leyenda por derecho propio y comenzó a llamar la atención. La razón es obvia: canciones como ‘’Inferno no mundo’’ y ‘’Motor maravilha’’ son pistas asesinas con un uso increíble de fuzz y wah-wah, sonidos de órgano de Hammond, sonidos fuertes, coros pegadizos y estados de ánimo alocados.

El grupo explora también otras facetas, presentando algunos temas más suaves, un par de baladas suaves, pero en lineas generales el sonido de los temas está representado por atascos dinámicos en batería, buenos solos de guitarras sucias, un estilo de funky rock movedizo y pegadizo, temas con buena dinámica y estilo pese a no ser demasiado extensos. 

Esta gema olvidada ha sido reeditada una vez por una etiqueta alemana, pero estuvo agotada por años. Groovie Records de Portugal ahora está lanzando el LP de Bango con una canción extra exclusiva y nunca antes lanzada, una versión de Mongoose del grupo Elephant's Memory. Este único LP de Bango está bien grabado y tiene un repertorio inspirado, pero tuvo poco éxito comercial y luego del su lanzamiento pronto el grupo se separaría fugazmente.

Sus miembros casi han desaparecido por completo, a excepción de Max Pierre que es uno de los productores más prolíficos de Brasil, trabajó en los años setenta con bandas como A Barca do Sol, director artístico de Som Livre en los años ochenta, y luego tomó la dirección de Polyram en la década de 1990. Con el nuevo milenio, Max se convirtió en el vicepresidente artístico de Universal Music of Brazil. Otro que tiene un currículum respetable como productor es Aramis de Barros. En los años noventa, Aramis reemplazó a Max como director artístico en Free Sound.

Cod: #1359

William Nowik - Pan Symphony in E Minor (1974)

El guitarrista William Nowik grabó este oscuro registro instrumental en 1974 en el área de Nueva York. Este es uno de esos trabajos difíciles de determinar en alguna categoría particular, debido a la cantidad de distintos estados y estilos por los que transita el sonido, que está presentado en forma de suites, dos extensas suites en donde en sonido se va desarrollando; tal vez este concepto sea un reflejo del título del álbum que insinúa que se trata de una ‘’sinfonía’’.

Las composiciones no están centradas y son algo inconsistentes en el sentido en que los elementos se unen sin mayores detalles compositivos, más bien son partes instrumentales de diversa manufactura que se van correspondiendo consecutivamente para crear una cosa común mayor y extendida en el tiempo; son pequeñas composiciones tituladas cada una por separado en el original vinilo lanzado en la época, que ahora en la reedición en cd aparecen toda juntas en un track. 

William Nowik ejecuta casi todos los instrumentos de la grabación, se escucha en guitarras (acústica, eléctrica y eléctrica de 12 cuerdas, hawaiana), bajo eléctrico, violín acústico y eléctrico, flautas, piano, percusión y kalimba. Algunas otras personas ayudaron en este álbum mayormente instrumental, incluido un saxofonista bastante bueno, Warren Cooper.

Sin duda el elemento más recurrente y consistente en el sonido es el rock, que aparece en forma de bases instrumentales, con buena definición y algo de groove, sobre las que desfilan algunos solos de guitarra eléctrica; pero esto aparece solo como un fragmento del sonido total en el que también aparecen partes instrumentales con instrumentos de cuerda, violines y guitarras acústicas que pintan paisajes folk, calmos y pastorales. 

Hay lugar para la improvisación, especialmente cuando se experimenta con la sensibilidad de los momentos calmos, tranquilos, en los cuales los arpegios y ritmos de violines y guitarras parecen deambular a sus anchas y crear un ambiente misterioso; y al no haber voces, lo instrumental se encarga de decirlo todo. 

No hay mucha diferencia de una cara a la otra, porque la propuesta es similar en ambos lados, la de una música que varía y muta dentro de una identidad musical propia y totalmente personalizada por su creador. Originalmente, en su época, solo se imprimieron 200 copias del vinilo y nunca se distribuyeron, por lo que se necesitó 35 años para ser descubierto.

Cod: #1358