Stenio Mendes - Stenio Mendes (MPBC) (1980)

‘’Música Popular Brasileña Contemporánea’’ fue una serie de discos brasileros con los que, en su época, se buscó dar lugar y cuerpo a nuevos compositores, presentando estilos nuevos, de vanguardia o experimentales, pero que en fin se salían de la MPB clásica, para adentrarse en inventos, fusiones, experimentos, creaciones propias de cada autos, etc. Para ello se convocó a instrumentistas, compositores y arreglistas profesionales, deseosos de encontrar su espacio para poder manifestar sus creaciones, que generalmente no lo encuentran en lo popular ni en el público masivo, un espacio que a la vez no interfiriera  en sus desarrollos artísticos sino todo lo contrario, brindándoles el apoyo para que puedan manifestar todo su potencial.

Stenio Mendes es otro de esos artistas que participaron de esta serie de discos, y, como no podría ser de otra manera de acuerdo a lo propuesto, la música es más que experimental, creada bajo visiones cosmogónicas propias del compositor que parece emprender un viaje por las culturas del mundo, uniéndolas en una sola expresión, que desde ya tienen un sello instrumental brasilero pero que demuestra tener una amplitud notable en su concepción.

La música del disco es acústica y está ejecuta principalmente por Stenio Mendes en su Craviola, instrumento acústico de cuerda similar a una guitarra, en la que aplica una técnica bien lograda en ritmos y ejecuciones frenéticas, especializada además en armonías y disonancias que le dan amplitud al sonido y logran el campo perfecto para que los demás instrumentos de sumen al viaje por las culturas de la tierra. Todo el disco está protagonizado por la craviola, apareciendo en las diversas pistas distintos instrumentos y agregados, como voces, percusiones, cantos, guitarras, agregados instrumentales, etc. 

Es un viaje que encarna las culturas de la tierra y su interacción entre sí, entre las diversas etnias del mundo, a lo largo de los milenios de vida del humano en el planeta. Para retratar este concepto véase el destacado ‘’A Barca Dos Homens’’, una pieza también protagonizada por la craviola pero en la que aparecen percusiones afro combinadas con tablas hindúes, para luego surgir momentos con estilo flamencos entre guitarras y cantos, una amplitud única en su tipo por la fusión y el fulgor que ya de por sí posee la música. Un album unico en su tipo.

En la contraportada del vinilo original aparecen algunas palabras del mismísimo Stenio Mendes, para aclarar algunas cuestiones y dejar detalles interesantes sobre la grabación y concepción de cada una de las piezas del disco:

‘’El clima constante de respeto y amistad hizo posibles varios momentos inspiradores durante la grabando este disco. Tomando un giro inesperado, se vuelve más flagrante en el tema ‘’Taquará’’, donde aparece en el mismo tono la craviola, la mas pura expresion de la mente que se libera: los indios Xingu, sus hijos, sus ritos…

Al arte en sus propias intenciones jugando con tiempo y espacio, trae al tema ‘’Espada de Ángel’’, siete años después de su composición, una extraño perspectiva. Lo que más me fascina de este estilo de música instrumental es la posibilidad de que cada uno imagine a su manera, retratando tus emociones, introduciendo nuevas dimensiones; es el caso del tema ‘’Sonata perdida’’.

El abanderado de todo este trabajo ‘’Invasión de los Monjes’’, cuenta con la presencia amiga de Zé Eduardo a la tabla y Bira a la percusión, así como en ‘’Taquará’’ y ‘’Barco de hombres’’. Fue en la canción ‘’Linhas Tortas’’ que tuve la participación muy especial de Ruth Nogueira, mi madre, como soprano, aportando su toque.

‘’ Barca dos Homens’’ va en busca de un sentido capaz de unir a todos los pueblos, visión redonda y azul, navegando en este mar inmenso de estrellas. Presencia muy fuerte de mi padre, João Mendes Nogueira, mareado en la concepción artística con instrumentos de efectos, desde sus arcos hasta guitarra, con un sonido similar al del violonchelo, reza sobre la armónica, más evidente en el tema ‘’Rosario’’, que dedico a su gloriosa vida artística.’’, 

Cod: #1691

Jorge Lopez Ruiz 5 - De Prepo (1972)

‘’De Prepo’’ es el clásico de 1972 del bajista argentino Jorge Lopez Ruiz y su quinteto eléctrico. El grupo se completaba con la crema del jazz argentino de la época: Fernando Gelbard en Piano (Fender Rhodes), Hugo Pierre en saxo, Pocho Lapouble en percusión, y Miguel Chino Rossi en batería. Las pistas incluyen el tributo a Miroslav Vitous en ‘’Mirosbass’’.

Atrás había quedado dos de sus suites, entre las que se encontraba la épica ‘’Bronca Buenos Aires’’ de 1971, y ahora, siguiendo la línea de vanguardia, se mete de lleno en el jazz de la época en cuanto a fusiones, ejecuciones libres y encuentros sutiles con el rock.

Este es un jazz a la Jorge Lopez Ruiz, un estilo vanguardista y de sutil acercamiento al fusión, con implementos de jazz libre, buenos atascos, inventos entre amalgamas y sonoridades particulares, y una buena dosis de improvisaciones del estilo del jazz porteño de la época y del estilo del fusión del momento en el mundo.

El disco recuerda al fusión de Miles Davis en su época de ‘’Bitches Brew’’, con atascos semiimprovisados-semiprefijados que se van construyendo poco a poco en la improvisación de la sesión, aunque no tan aventurado en la extensa improvisaciones, más bien Lopez Ruiz propone todo el sonido del disco en seis piezas de mediana duración.

El sonido es una aventura de amalgamas suaves desplegadas en el continuo de la sesión libre, lo suficientemente libre para rozar el free jazz y lo suficientemente contemporáneo para rozar el jazz rock/fusión, una aventura típica de su época, un vanguardismo con un espíritu refulgente y un concepto artístico que rebasa los límites de la mera música, estilos típicos de una época que, por cuya profundidad y concepto, jamás se repetirá. 

Actualmente el disco se ha convertido en un inconseguible del jazz argentino, llegando a pedirse por las copias que circulan a la venta valores desorbitantes, un ítem raro de ver en edición de época e incluso en reediciones, incluso reedición en cd es muy costosa.

Jorge López Ruiz es uno de los pesos pesados del jazz argentino, con una historia de fulguraciones y creaciones dentro del campo del jazz vanguardista que tuvo lugar especialmente en la década de los 70s. Aportó discos fundamentales al jazz argentino desde su rol de músico, compositor y arreglista, como ‘’B.A. Jazz’’ de 1961, compuso la suite ‘’El Grito’’ a manera de respuesta a aquellos años de violencia militar que estaba viviendo Argentina y que fue publicado en 1967, o su ‘’De prepo’’ de 1972 publicado por un quinteto liderado por él mismo. También es conocido otro de sus emprendimientos también contestatarios con el poder de entonces, ‘’Bronca Buenos Aires’’ compuesta en 1969, grabada en 1970, publicada en 1971. Tanto ‘’El Grito’’ como ‘’Bronca Buenos Aires’’ fueron prohibidas por la dictadura militar.

Como compositor y director, Jorge López Ruiz ha realizado la música de más de 60 films, 40 obras de teatro y cerca de 400 recitales. Varias ediciones de sus discos fueron realizadas en EEUU, Europa y Japón. Participó en la creación del exitoso sello discográfico TROVA. Durante este período se realizaron la mayor parte de las grabaciones de artistas como Vinicius De Morales (Vinicius en La Fusa), Astor Piazzolla, (con quien también colaboró como productor en New York para el sello Clavé), Dorival Caymmi, etc. Tuvo un histórico record de ventas discográficas (nunca superado hasta hoy) como productor, arreglador y director de estrellas como Sandro, Piero, Leonardo Favio, Sergio Denis, etc. 

En 1975 ocupó el cargo de director de A&R, en Emi-Odeon de Argentina. En la primera mitad de la década del 70' fue Profesor del Instituto De Cinematografía de Argentina, en la materia correspondiente a Música de Cine. Con su cuarteto fue premiado por la Fundación Konex como uno de los 5 mejores conjuntos de jazz de la década en la Argentina.

Jorge López Ruiz  explica lo siguiente sobre aquellos años de su carrera: ‘’En aquellos años de furibunda rebeldía (1968-70) yo estaba haciendo “eso” que se llamaba Jazz de vanguardia (Free Jazz, la escuela creada por Ornette Coleman) con tres colegas, amigos de muchos años y admirados como artistas: Fernando Gelbard, el “Chivo Horacio Borraro (saxo tenor) y Carlos “Pocho” Lapouble (batería). Ellos, al igual que yo, estaban imbuidos de una rebeldía y creatividad rayana en la locura. ’’.

Cod: #1690

Bertram Turetzky - In A Recital Of New Music (1964)

Esta es una música nueva, por lo menos para la época, aunque las vanguardias nunca pierden la validez, son atemporales, y aunque se haya innovado en la experimentación y avanzado en el desarrollo tecnológico en las últimas décadas, la vanguardia de antaño siempre tendrá validez, por su carácter precursor y su visión de punta, manteniéndose por siempre, incluso hoy día, en las sombras para los oídos poco exigentes y en la delicias para los oyentes más exploradores.

Bertram Turetzky propuso realmente algo así como enfoques vanguardistas de una ‘’nueva música’’, debido a que presentó al contrabajo como un instrumento solista y protagonista, experimentó con la ejecución de su instrumento, planteó nuevas formas compositivas, propuso nuevas maneras de experimentación y fusión con electrónica, etc. 

Eso es lo que ha manifestado desde todos sus trabajos discográficos, empezando con su ‘’Recital of New Music’’ de 1964, una obra extraña que nos conduce hacia los confines de la vanguardia de punta al presentar nuevas composiciones preparadas por compositores especializados específicamente para este primer disco de Turetzky.

El trabajo está integrado por una selección de 14 piezas cortas, que en realidad son seis piezas divididas en distintas pequeñas partes, seis piezas compuestas por los compositores Charles Whittenberg, William Sydeman, Kenneth Gaburo, Ben Johnston, George Perle y Donald Martino. Los ejecutantes en la grabación son Bertram Turetzky en contrabajo, Josef Marx en oboe, Patrick Purswell en flauta, Shirley Sudock en voz soprano y Nancy Turetzky en flauta.

La música es más que experimental y de vanguardia pero no deja de ser académica, formal, son estudios muy serios de música contemporánea (para la época) que reflejan la búsqueda de los compositores de cada pieza y el espíritu inquieto de Turetzky que encargó esta música que se coagula a la perfección con sus visiones de innovar con una cosa irreconocible para la formalidad de lo académico y totalmente detectable entre las vanguardias de su época que marcaron tendencia desde las sombras. Cabe recordar que Turetzky no solo es reconocido como un contrabajista muy imaginativo sino que también publicó su libro "The Contemporary Conbass" que es un manual de nuevas formas de tocar el bajo.

Las propuestas de las composiciones surgen de visiones clásicas en las que cada compositor plasma sus teorías de forma desparramada en la partitura, con experimentos microtonales, vanguardias de ejecución, e informalidades que le conceden a la música experimental el don de salirse de las formalidades académicas y buscar la experimentación desde el desconcierto y las formas inesperadas, cargadas de imágenes poéticas, visiones del futuro, experimentos con electrónica y dramaturgia musical muy simbólica.

El estilo? Indescriptible, es vanguardismo clásico moderno, composiciones de punta, visiones de innovación plasmadas en una música que busca ser ‘’nueva’’ y que lo es, y que tal vez para la época sea algo adelantado, marcando un buen precedente.

Las espacialidad y los arrebatos incongruentes se desparraman por doquier y caracterizan el estlo de muchos momentos. Con un encuentro con lo clásico vanguardista para las composiciones que muchas veces, cuyos compositores, desde los ideológico y lo práctico, buscaban romper con las viejas tradiciones del estilo clásico, buscando en el choque instrumental una manera de ‘’protesta’’, manifestación, satirización e innovación hacia las nuevas formas estilísticas.

El material fue publicado por primera vez por Advance Recordings en 1964 y desde entonces no ha tenido ninguna reedición formal. La diversidad de ubicaciones utilizadas en el registro del material produce un sonido de calidad variable. Imaginary Chicago Records ha rescatado y reeditado este material después de cincuenta años, con una reedicion única publicada en 2010 que revive el material y lo presenta a las nuevas generaciones de la vanguardia con aire académico pero informal también. Agotado durante casi 50 años, este álbum redefinió el papel del bajo como instrumento solista.

‘’Al principio de su carrera, mientras enseñaba en la Escuela de Música Hartt en Connecticut, la vida de Turetzky cambió de rumbo. Un amigo, un compositor, se suicidó a los 26 años. Se pensó que el compositor se desesperó porque nadie interpretaría su música. Este dramático episodio le ilustró a Turetzky que los compositores modernos estaban desesperados porque se interpretaran sus obras, y si quería tocar música en su instrumento, necesitaba colaborar con ellos. Junto con Henry Larsen, un clarinetista, Turetzky formó Hartt Chamber Players y buscó la nueva música de compositores vivos. “Sea lo que sea que se haya escrito para nosotros, lo tocaríamos todo. No nos apegamos a lo que era ''seguro'' ”, dice.’’, Paul Hormick/Contrabajista, primavera de 2003.

Cod: #1689

Arve Henriksen ‎- Cosmic Creation (2014)

Desde el primer segundo del trabajo se puede apreciar que no se trata de una música cualquiera y de que le están haciendo honor al título de la obra que proclama la ‘’Creación Cósmica’’, es así que, a lo largo de una variada serie de piezas instrumentales experimentales y espaciales, recrean una especie de creacionismo celeste con un sonido nacido de la deliberación de las capas subterráneas de los ventrículos áureos que se subyugan en una divergencia de equinoccios cósmicos con auras fantasmagóricas y texturas de una maquinaria que refleja una fuerte conexión y/o sensación de un ‘’más allá’’ que sobrevuela la materia y la traspasa perteneciéndola desde las fibras más íntimas hasta los recovecos más alejados del ser.

El misterio cósmico y la sensación de misticismo están totalmente impregnados en el sonido de este trabajo, de esas atemporalidades sonoras que son difíciles de explicar en cuanto a lo que reflejan, que contienen un mundo metafísico en su interior y que son detonadoras de trips siderales en los que es muy factible perderse hacia alguna galaxia lejana. Henriksen explora sonidos y paisajes musicales donde su distintivo y susurrante canto de trompeta se acompaña de grabaciones de campo fuertemente procesadas, así como una variedad de instrumentos electrónicos, para invitar al oyente a la creación pictórica interior. 

Es música cósmica, relacionada a la experimentación electrónica y/o electroacústica, con ambientes siderales de misterio y creación sonora, ambientes espaciales, místicos, con mucha carga experimental y espiritual, pero también al sonido se lo relaciona con el jazz vanguardista debido a su creador, Arve Henriksen, que es trompetista de formacion profesional en el jazz, el cual aplica a todo el disco un sonido particular dirigido por su trompeta, generalmente con un sonido alterado con ecos y otros efectos, aplicándole estigmas del jazz, agregándole una visión con miras hacia el vanguardismo jazzero y sumergiendo el sonido a una nueva influencia, lo que da por resultado la unión de varios quehaceres experimentales en uno solo.

La influencia del jazz y la aparición del mismo en la materia sonora del trabajo se hacen evidente teniendo en cuenta que su creador fue un jazzero experimentado pero lo cierto es que el sonido lejos está de emular algún tipo de jazz incluso si este es de los más vanguardistas, más bien esta música tiene su propio ser y su propio estigma y funciona bajo sus propias leyes metafísicas musicales, donde sí aparece el jazz, en trazas melodias, pero este se fusiona profundamente con auras electroacústicas y otros agregados electrónicos y experimentales.

Nacido en 1968, Arve Henriksen estudió en el Conservatorio de Trondheim de 1987 a 1991 y ha trabajado como músico autónomo desde 1989. Ha tocado en muchos contextos, bandas y proyectos diferentes, desde trabajar con el músico de koto Satsuki Odamura hasta la banda de rock Motorpsycho, pasando por numerosos grupos de improvisación libre con Ernst Reisiger, Sten Sandell, Peter Friis-Nilsen, Lotte Anker, Hasse Poulsen, Terje Isungset. , Benoit Delbecq, Steve Arguelles, Lars Juul y Marc Ducret. 

Ha colaborado con los compositores Peter Tornquist, Helge Sunde, Terje Bjørklund y Tõnu Kõrvits en cooperación con orquestas y escenarios de cámara como Cikada String Quartet, Nidaros String Quartet, Zapp 4, The Norwegian Chamber Orchestra, Kristiansand y Trondheim Symphony Orchestra, London Sinfonietta, Britten Sinfonia, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, The Norwegian Wind Ensemble y Trondheim Soloists.

Ha trabajado con muchos músicos, incluidos Jon Balke Magnetic North Orchestra / Batagraf, Edward Vesala, Jon Christensen, Marilyn Mazur, Nils Petter Molvær, Misha Alperin, Arkady Shilkloper, Arild Andersen, Stian Carstensen, Dhafer Youssef, Sidsel Endresen, Pekka Kuusisto, Christian Wallumrød Ensemble, Nils Økland, Karl Seglem, Per Oddvar Johansen, Iain Ballamy, Thomas Strønen, Gjermund Larsen, Svante Henryson, Mats Eilertsen, David Sylvian, Jon Hassell, Hope Sanduval, Laurie Anderson, John Paul Jones, Erik Honoré, Toshimaru Nakamura , Trygve Seim Ensemble, Jan Gunnar Hoff, Tord Gustavsen, Giovanni Di Domenico, Tatsuhisa Yamamoto, Gavin Bryars, John Potter, Johanna McGregor, Imogen Heap, Guy Sigsworth, Ryuichi Sakamoto, Bill Frisell, Terje Rypdal, Maria Schneider, Kate Havnevik, Live Marie Roggen, Silje Nergaard, Odd Nordstoga, Kari Bremnes,Sondre Bratland, Jannis Anastasakis, Lars Danielsson, The Source, Vox Clamantis y muchos más.

Henriksen ha compuesto y encargado música para festivales, películas y programas de documentales. Tiene una larga discografía contando más de 140 discos en total. Recibido junto con Supersilent The Alarm Award 2004. Ha sido artista residente en Moers Jazzfestival 2006, OIOI-festival en Bergen 2008 y en Molde Jazz Festival 2009. Desde 2004-2006 formó parte del proyecto European Jazz Launch. Ha recibido Norsk Jazzforums Buddy Award 2005. Radka Toneffs Memorial Award 2007, Paul Acket Award en el North Sea Jazz Festival 2011 y DNB and Kongsberg Jazzfestival´s Musician Award 2011. Ha sido nominado al Nordisk Råds musikkpris 2009 y también al European Jazz músico del año 2009. En 2016 se convirtió en Doctor Honoris Causa en la Universidad de Gotemburgo.

Cod: #1688

Ara Tokatlian & Enrique Villegas (ft. Guillermo Bordarampe) - Inspiración (1975)

En 1975 se publicó este fantástico trabajo de jazz libre creado por un eventual y fugaz dúo integrado por dos emblemas de la música argentina de época, como lo eran Ara Tokatlián, integrante fundador de la banda Arco Iris, en saxo y flauta, y Enrique "Mono" Villegas, pianista icono del jazz argentino. Tokatlián recordaría con estas palabras la experiencia de trabajar con Villegas: ‘’Al Mono le gustaba nuestra música. Y nosotros moríamos por él. Por su lucidez, su locura creativa, su talento musical. Estábamos ligados por algo mágico". El grupo para la grabación se completa con aportaciones estelares, Guillermo Bordarampe en contrabajo y percusiones, y Dana en voz, estos últimos dos también fueron miembros de Arco Iris.

‘’Inspiración’’ resume las experiencias de Tokatlián y demás miembros de de Arco Iris a lo hora de aportar su misticismo y espiritualidad que tanto habían volcado juntos en las composiciones con la banda, en la que ejecutaban una música algo disimilar a lo hecho en ‘’Inspiración’’, Arco Iris era una banda de rock que fusionaban música folklórica y también jazz, por lo que este nuevo emprendimiento, solista de Tokatlián, era una propuesta diferente y un punto de quiebre en la experiencia del y los músicos.

Y por supuesto, no pueden dejar de aparecer los ambientes espirituales que embeben todo el sonido con momentos de música mística, tan típico de los compositores participantes, misticismo que al ser volcado en este jazz libre vuelve al trabajo en una propuesta única en su tipo, por lo menos en la argentina. Jazz libre, con ambientes cercano a la libre ejecución, con ambientes espirituales, solos libres, y vanguardias e invento dentro del jazz, pocos momentos dentro del jazz argentino de la época se acercan a lo logrado en este disco en cuanto a su estilo, estirpe, misticismo y espiritualidad volcada al jazz.

El rol de Villegas en piano es vital para el sonido del disco, con aportaciones libres entre armonías y acompañamientos de amplitud que se conjugan a la perfección con los solos y melodías de los vientos de Tokatlián y los demás aportaciones. Las armónicas afectan el desempeño del grupo y completan con sensibilidad y hasta dulzura muchos de los momentos del disco, aportando una base que ha captado muy bien el misticismo de la propuesta y la réplica con creces para que los solos de saxo tengan lugar en tiempo y forma y se expresen entre melodías y solos libres.

Aunque no en todas las pistas aparece el piano, algunos tracks consisten solo en un juego de vientos y creaciones afines, como en ‘’Sombra de los dorados budas’’, donde al comienzo de la pieza hay un juego con tres vientos sonando a la vez en un ambiente libre, y por supuesto profundamente empapados por el misticismo de la propuesta, algún agregado vocal e instrumental extra sutil se le suma al track, jazz espiritual. ‘’Logré mi ser’’ es otra pieza en la que solo se aprecian un juego de vientos como principal armonía, sin aparecer el piano y apareciendo otros agregados como percusiones.

Estas palabras provienen de la histórica Revista Pelo, revista argentina emblemática de rock y aledaños, en una tirada de 1975 aparecieron esta palabras reseñando el disco que había sido seleccionado como destacado del año por ellos: ‘’Este álbum se convierte en algo realmente atractivo en los pasajes en que Enrique Villegas, pianistas de sensibilidad poco común, sostiene las tendencias armónicas del integrante de Arco Iris Ara Tokatlian. Es curioso como dos típicos representantes de generaciones bien diferenciadas en el tiempo y preferencias puedan llegar a sentarse juntos en un estudio de grabación. Esa confluencia, y su formidable resultado, es lo destacable de este álbum, algo empeñado cuando Villegas no participa. Los vientos de Tokatlian consiguen una dimensión mucho más amplia de lo que hasta ahora habían dado, la inspiración también es Villegas para él, y probablemente el pianista se haya sentido también atraído por la experiencia.’’

Cod: #1687

Patty Waters - College Tour (1966)

Patty Waters supo hacerse en el jazz más convencional pero sin duda lo más icónico de su carrera son sus incursiones dentro del terreno del jazz vanguardista y el free jazz, hasta llegar a ser reconocida internacionalmente como una de las primeras grandes vocalistas de vanguardia. En la primavera de 1966, el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York otorgó a ESP una subvención para recorrer las cinco universidades del estado con departamentos de música. Los artistas de esta gira incluyeron a Sun Ra Arkestra, Burton Greene, Giuseppi Logan, Ran Blake, y, por recomendación de Albert Ayler, Patty Waters.

Acompañada por un grup de respaldo de considerables buenos talentos, Patty Waters dio una serie de conciertos que en parte fueron a integrar el contenido de su primer disco, ‘’College Tour’’, de 1966, su segunda grabación para ESP Disk.

Si para su primer lanzamiento, de 1965 ‘’Sings’’, Waters había comenzado a emprender un camino llamativo en el terreno del free jazz, sería para ‘’College Tour’’ donde llevaría más allá aún su destreza vocal, convirtiendo a su voz en todo un instrumento que entre quejido, susurros y arremetidas vocales se convierte en un instrumento viviente que se confabula con los momentos de ambigüedad instrumental en los que tanto se inmiscuye el disco.

El álbum amplía las acrobacias vocales que se escucharon en su primera grabación solista, ahora llevando las acrobacias a terrenos más abstractos, y siempre utilizando su instrumento vocal de forma profesional dentro de la vanguardia, con una destreza llamativa y un dejo de abandono por el convencionalismo vocal que conmueve porque aquí su voz es utilizada desde todos sus ángulos y posibilidades, llegando a extraer de su garganta algunos quejidos y sonidos muy abstractos.

Los musicos que la acompañan son de elite: los pianistas Dave Burrell, Ran Blake y Burton Greene, Giuseppi Logan en la flauta y una variedad de secciones rítmicas, para construir sesiones libres de jazz de vanguardia donde todos se abocan a tejer el campo perfecto donde Waters pueda plasmarse a la perfección, con las sutilezas justas, en un clima distendido, con pocos limites compositivos sino casi la libertad de un jazz que no solo roza el free jazz o el vanguardismo, sino que se recrea en ambientes auténticamente experimentales.

La mayor parte del disco es instrumental sin contar a sus arremetidas vocales como canto convencional de letras o estribillos, en cambio prefiere utilizar su voz de forma orgánica entre gemidos y otras ocurrencias vocales de gran destreza. Pocas son las partes cantadas con letra, para ser el resto un repertorio de su amplitud vocal. "College Tour" ganó el segundo lugar en Grabación Vocal en Jazz and Pop Magazine en 1970.

Aparte de una aparición posterior con el conjunto de Marzette Watts en un LP de 1968, no se supo nada más de ella hasta 1996, cuando se retiró a Hawái para criar a su hijo (nacido en 1969) y cantó en público solo esporádicamente durante muchos años.  

La mística de Patty Waters ha sido reconocida a lo largo de los años por sus primeros trabajos y la extravagancia de los mismo dentro del terreno del jazz y la innovación de la ejecución vocal de sus dos discos con ESP Disk. Diamanda Galas ha nombrado Patty Waters como su mayor influencia, y también es reverenciada por otras cantantes como Christina Carter y Patti Smith.

Cod: #1686

Ray Russell - Live at the I.C.A (1971)

Ray Russell ha publicado una buena cantidad de disco dentro del terreno del jazz y las bandas de sonido pero seguramente lo más rupturista e influyente de su carrera se encuentre entre sus primeros álbumes, ubicados entre finales de los 60 y principio de los 70, cuando su sonido había tomado un cariz hacia el free jazz más radical y clásico, aunque ejcutado por su guitarra distorsionada y rockera, por lo que su sonido era una interesante fusión embrionaria de elementos que terminaban en sonido sucio, roto, desprolijo y descontrolado. 

Russell era uno de los músicos buscados en su época en la escena inglesa, participaba como músico de sesión en la escena, y también irrumpió en esta con interesantes trabajos con su cuarteto a finales de los 60s. Como guitarrista, y luego como compositor y productor, ha trabajado con artistas como Gil Evans, John Barry, Tina Turner, y con muchos otros grandes, pero primero hizo su fama con intervenciones y publicaciones propias. Al comienzo de su carrera contaba con ese espíritu rupturista típico de la juventud y lo volcó en algunos álbumes de un sonido particular, dentro de las vanguardias y la música improvisada.

En el verano de 1970 grabó ’’Rites And Rituals’’, pero este no se lanzó hasta el año siguiente en el sello Columbia, de un sonido que desafiaba los convencionalismos y presentaba a los grandes públicos distintas posibilidades posibles de hallar dentro de la experimentación y el jazz.

Un camino similar tomaría en su ‘’Live at the I.C.A’’, grabado en vivo y publicado ese mismo año de 1971. Aquí en guitarrista emprende un viaje desde su guitarra hacia la construcción de piezas de sofisticación en el terreno del free jazz, ya que buena parte del trabajo consiste en piezas muy extensas y de exploración en tiempo, espacio y sonido, que emprenden un camino y se construyen en la caos pero también en el desarrollo de un sonido elaborado artesanalmente en las distintas partes que logra alcanzar.

Las piezas se construyen entre el caos cacofónico, que a su vez transita por lo diversos instrumentos que participan de las sesiones, entre flautas, saxos, trompetas, baterías, y la guitarra eléctrica por supuesto, pero también aparece un costado melódico que brotan entre momentos muy específico y le da un aire diferente al asunto, que se construye entre el caos y lo unifica. En su estilo de ejecutar la guitarra estaba brotando el elemento del rock, elemento que no lo abandonaría jamás en sus producciones personales.

A la par de innovadores contemporáneos a su época y dentro del terreno del free jazz y la música improvisada, como Derek Bailey, Terje Rypdal, Masayuki Takayanagi o Sonny Sharrock, Russell también jugó con el estilo de libre improvisación, aunque tomando un rol importante en la transición entre el rock psicodélico y las vanguardia, casi uniéndolas en una sola y misma expresión, ya que su sonido era libre pero manteniendo el estilo sucio típico de la guitarra rockera. Con este elemento se las arregla para tejer campos de sonoridad libre obteniendo de su instrumento todo tipo de rasgueos libres, sonidos, quejidos etc, además de los tan esperado y ejecutados ‘’solos libres’’, que no tienen escala alguna o que tal vez parten de muchas a la vez ejecutadas al azar.

Durante los años 70, Russell pasó por conjuntos como ‘’Rock Workshop’’ y el combo de jazz-rock de vanguardia ‘’Nucleus’’, y cofundó ‘’Chopyn’’ (con Simon Phillips en la batería) con la tecladista Ann Odell . También tocó con Andy Mackay (de ‘’Roxy Music’’) en la banda sonora de la serie de televisión británica de ‘’Rock Follies’’, y se convirtió en un miembro de ‘’Stackridge’’ por un tiempo.

Aunque Russell es mejor conocido por sus habilidades como interprete de jazz, ha trabajado con éxito en una amplia gama de modismos musicales, incluidos R&B, soul y heavy metal. A lo largo de los años se han emitido varias grabaciones bajo su liderazgo, incluidos aspectos destacados de su carrera como ‘’Childscape’’ de 1987 con apariciones de Gil Evans y Mark Isham en la etiqueta ‘’Theta’’.

Cod: #1685

Arcana - The Last Wave (1996)

Este es un power free jazz-rock trio que se formó en 1995  y estaba compuesto por ilustres del vanguardismo, como ciertamente lo son el experimentado guitarrista de free jazz Derek Bailey, otro experimentado en el bajo como Bill Laswell, y el legendario baterista Tony Williams quien a esta altura no necesita presentación, con unos laureles que lo ubican como figura entre los orígenes del jazz fusión, un maestro que tocó con los mejores porque él también era uno de los mejores. 

Sin duda que aquí resalta y resaltará la figura de Williams, por su nombre universal, pero este es un trio que funciona a la perfección en todas sus aristas, creando una música de jazz que busca la innovación y la encuentra en el terreno del jazz libre eléctrico, jugando con algunos ruidos, distorsiones y ejecuciones libres y cambiantes que se desarrollan a lo largo de las tantas piezas presentadas en el trabajo.

Este trabajo es de un goce jazzero alto pero debido al calibre de los ejecutantes nos podemos encontrar una enorme versatilidad en las ejecuciones que hacen de las piezas una exploración por terrenos eléctricos/distorsionados que muchas veces mutan y se divergen hacia terrenos siempre nuevos. Se trata de free jazz moderno, actualizado según las visiones de la época y enriquecido por la enorme experiencia de los ejecutantes tanto dentro del jazz, el vanguardismo, la libre ejecución, la experimentación y el jazz fusión.

Derek Bailey había comenzado su carrera a principio de los 70s, con sus primeros trabajos solistas y colaboraciones, desde entonces ha cosechado una enorme experiencia en la libre ejecución sobre terrenos sin delimitaciones, por lo que para esta experiencia demuestra estar perfectamente capacitado, siendo el instrumento armónico principal y manifestándose con una prestancia hecha a la medida para volcar sus libres aplicaciones distorsionadas entre armonías, solos, quejidos y otras técnicas sonoras. 

Por su parte, Bill Laswell, en bajo, cumple también su rol y no es solamente el de acompañar. Su experiencia previa en ''Last Exit'' junto a Peter Brötzmann y otros grandes le había dado los pergaminos necesarios para estar en este trió, y lo demuestra abocándose a una tarea no solo de gran técnica sino también desplegando todo un repertorio sonoro entre más distorsiones y otros efectos agregados que suenan en lo profundo de la puesta y realzan el delirio eléctrico.

Las intensidades brotan y resurgen entre los diversos diálogos del trio, cambiando sutilmente los roles protagónicos en la instrumentación. En conjunto crean ambientes densos de libre ejecución donde cada integrante hace uso de su prestancia en una cacofonía continua e interminable, armonizando en un libre quehacer y coordinándose en las tantas partes y sub-partes que subyacen bajo la mirada solemne y el aire místico de la propuesta.

Es un viaje salvaje e intenso, organizado para funcionar como un encuentro entre voces mayores de la vanguardia, con momentos de mayor energía y poderío distorsionado, y otros momentos donde la maquinaria rebaja en intensidad y explora otras variantes y ambientes posibles dentro de la misma aura pero con invenciones diversas. Es un viaje de toda una hora de duración y el trio se las arregla para mantenerse en pie y no decaer en la monotonía.

La formación original lanzó un álbum, The Last Wave, en julio de 1996, antes de que Bailey dejara la banda. Las tareas de guitarra para el segundo álbum fueron grabadas por los músicos invitados Nicky Skopelitis y Buckethead , y Arc of the Testimony fue lanzado en octubre de 1997. La banda se separó después del lanzamiento de su segundo álbum debido a la muerte de Williams en febrero de 1997.

Cod: #1684

Inneratem - Inneratem (1984)

Aquí hay un lanzamiento surgido del under jazzero alemán, rumbeando hacia las ambiguas tierras del free jazz, pero con la dosis además del rock o jazz rock, por lo que el resultado se vuelve un entusiasta y nutrido sonido, con poderío, virtuosismo de los ejecutantes y una amplia gama de tramas entre las composiciones presentadas en el disco.

Aunque el disco muchas veces logra salirse del mote de jazz rock con algunos experimentos interesantes y perversos, donde la banda se vuelca en la plasmación de tramas instrumentales experimentales de corte vanguardista y con dosis de delirio.

Son algunos experimentos sonoros arrancados de los instrumentos para crear con ellos atmosferas indefinidas, jazz que no es jazz, percusiones orgánicas y climas oscuros y profundos que a lo largo de todo el disco van variando y mutando, presentando cada una de las nueve piezas del disco una moción y trama particular. 

Al ser música de vanguardia es casi indeterminada por patrones específicos o convencionales, siendo solo el condimento del jazz el elemento más ‘’estable’’ en la fusión entre experimentos y atmosferas que actúan en detrimento del bien común y por supuesto, como todo jazz vanguardista, choca contra las convenciones más tradicionalistas.

Lo más orgánico de esta música son algunas piezas donde ya prácticamente el jazz no se hace presenta, para transformarse en una cosa indeterminada y sin forma, son tan solo (y con todo lo que ello implica) sesiones rítmicas ejecutadas con objetos cotidianos desde su percusión, como lo es la pieza ‘’Schlüsseltanz‘’.

La aparición del rock en el disco da ese alivio al sonido, sacándolo del free jazz raso, al igual que el condimento de la experimentación organiza, que quita de la escena la única posibilidad de la cacofonía y la convierte en un elemento más de un álbum con algunas sorpresas sonoras desconcertantes.

Los momentos que parecen predilectos para la banda, o en los que por lo menos se lo escucha más exultantes, son los momentos más cercanos al jazz, con atascos libres entre solos virtuosos de guitarra, aplastantes avanzadas de percusión en bateria, y el bajo haciendo un rol correcta pero firmemente.

El homónimo ‘’Inneratem’’ fue grabado en vivo el 17 de diciembre de 1983 en Oberhausen, Alemania, masterizado en Berlín Occidental, disco publicado a su vez por el sello View Records en un lanzamiento con una tirada privada.

La banda para la grabación estaba integrada por Klaus Wilmanns en bajo, Peter Hollinger en batería, instrumentos y percusión con objetos, y Ulrich Ingenbold en guitarra y flauta. La poca y nula información sobre la banda dificulta el ingresos en detalle biográficos, en este caso solo nos queda el disco para atestiguar su paso por la escena.

El trabajo es excitante, tal vez no determinante en la escena alemana pero intrigante por su contenido y su jazz en alta dosis de experimentación, sus tramas indefinidas, variadas, y sus poderío y virtuosismo que hace de los momentos más jazzero una experiencia de exaltación. 

Cod: #1683