Directo desde Italia llega la gente de ‘’Le Stelle di Mario Schifano’’, un grupo de corta carrera, de pop rock psicodélico underground, que gozó sus años de vida a finales de la década de los 60s, y que fue una de las primeras agrupaciones en su país en dedicarse a la psicodelia. El grupo nace bajo la idea de Giandomenico Crescentini, ex bajista de la banda New Dada, y el guitarrista romano Urbano Orlandi. Ellos convocan al tecladista Nello Marini y al baterista Sergio Cerra, y así dan cuerpo a la formación. Pronto se trasladarían a Roma, donde comenzarían a interpretar sus propios temas en clubs de la zona. Es allí donde contactan a Mario Schifano, un artista, pintor y director quien se interesa con el proyecto y comienza a hacer aportaciones a la banda como miembro activo, además de apoyarlos y darles inevitable publicidad por la vinculación directa de su nombre. Allí la banda da un salto inmenso, pasando del anonimato a la vanguardia y popularidad total. Schifano contrató a cantidades masivas de amplificadores, luces y proyectores, y llevó a su nuevo grupo al ‘Piper Club’ de Roma, donde se presentarían en vivo bajo la dirección de su nuevo gurú artístico, presentando conceptos musicales que se encaminaban hacia lados experimentales y de vanguardia. Para ayudarles en el ‘Club Piper’, Schifano llevó a su amigo, el productor y pianista Ettore Rosboch, que había acordado coproducir el proyecto. Por entonces la banda pasa a llamarse ‘’Le Stelle di Mario Schifano‘’ (‘’La Estrella de Mario Schifano,"). Una banda experimental estaba siendo apoyada por un artista plástico y director experimental, un fenómeno similar a lo ocurría con bandas como ‘’The Velvet Underground’’ y Andy Warhol de norteamerica, o ‘’Hapshash & the Coloured Coat’’ de Londres.
Rosboch sugirió que Schifano que debían moverse hasta Turín, donde los ingenieros experimentales y radicales del ‘Fono Folk Stereostudio’ los ayudarían a jerarquizar el proyecto y darle mejor nombre y forma. Allí comienzan a trabajar en su disco, que rápidamente se ubicarían en caminos experimentales dentro del pop y la psicodelia. El trabajo se llamaría ‘’Dedicato A’’, del cual dicen que marca un hito importante en la evolución del underground italiano y música psicodélica internacional. Se trata de una obra de rock psicodélico experimental, que no se guía por convencionalismos sino que se inclina hacia el avant garde y el absurdo sonoro, con un aura futurista, delicadamente bizarra y con un potencial lisérgico muy alto que combina percusiones, agregados en guitarra eléctrica, distorsiones de teclado eléctrico, golpes, ruidos, pianos, panderetas, etc. Todo unido, reproduciéndose aleatoriamente, en pos de una idea psicodélica imprevisible, que va formándose sola conforme avanzan los sonidos y ruidos. La única idea clara de la cual parten es la de crear en base a caos y aleatoriedad.
Todos y cada uno de los instrumentos compiten entre sí, en el espacio sonoro, como lobos devorando la carne de su presa muerta, por ver cual obtiene el protagonismo en su andanada abrupta, lisérgica, puramente nueva de psicodelia y suavemente vanguardista. Todo ello se puede ver reflejado especialmente en el primer corte del disco, ‘’ Le ultime parole di brandimante, dall'orlando furioso, ospite peter hartman e fine’’, una pieza de alrededor de 16 minutos de duración, un divague psicodélico que recuerda bastante al sonido de ‘’Hapshash and the Coloured Coat’’, y que, con el afán de que no quede oculta en el lado B del disco, la ubicaron al comienzo, en el lado A, como presentando sin mediaciones sus intenciones exquisitamente experimentales.
El resto de los temas son de igual calibre y contienen iguales características, pero ya volcados hacia un lado más pop melódico, con cantos y melodías suaves, y estructuras más convencionales, sin dejar de lado su buena dosis psicodélica; denotando la influencia del pop/ rock y psicodelia norteamericanas. Mario Schifano hizo sus aportes en la grabación del trabajo, además de diseñar la portada y el arte interno de las tapas, además de otros artistas que participaron, como el pintor Peter Hartman en el piano, Antonmario Meal en la flauta, Paul Thek en la pandereta, y Francesca Camerana en voces femeninas. En 1968, grabarían un single, ‘’E il mondo va/Su una strada ‘’, pero debido a la disminución del interés de Schifano en la colaboración con el grupo y las aspiraciones individuales en Marini, el grupo se separó. Así finalizaba su vida una banda de muy corta duración pero de muy intensa historia, la cual básicamente hubiese pasado desapercibida por haber tenido la fortuna de haber contado con el apoyo de Schifano. Luego de concluido el proyecto, lo músicos se separaron y poco se sabe de ellos, a excepción de Nello Marini, quien al poco tiempo lanzaría un single comercial, en 1968, y mas tarde participaría en el album ‘’The Arid Land’’, integrando la banda ‘’Venetian Power‘’. Por su parte, Mario Schifano siguió con su carrera de director, pintor, artista plástico, básicamente es considerado como uno de los artistas más importantes y prominentes del posmodernismo italiano. En 1962 había sido elegido para participar de una importante galería de nuevos talentos, junto a otros jóvenes del arte pop y el Nouveau réalisme, entre los que se encontraban Andy Warhol y Roy Lichtenstein, entre otros. También fue considerado entre uno de los mas importante artistas de Roma, sus pinturas han recobrado considerable renombre entre las galerías de todo el mundo.
‘’Cromagnon’’ fue una banda experimental nacida en la Costa Este norteamericana, activa durante la década de 1960, y liderada por el multi-instrumentista cantautor Austin Grasmere, y Brian Elliot. El concepto de este proyecto de artistas no tuvo mucho que ver con el lema sonoro de la época, con la explosión psicodélica ni nada de eso. En realidad por aquellos años la experimentación comenzó a surgir cada vez más y alcanzo puntos muy altos, talvez ese sea el único punto en común con su época, pero lo cierto es que desarrollaron conceptos musicales y nociones que hasta el momento no habían surgido, o que surgirían años más tarde en otros géneros o sub géneros. El grupo alcanzó a lanzar un solo disco, el muy particular ‘’Orgasm’’, primer y único trabajo de la banda, lanzado bajo la etiqueta ‘’ESP-Disk’', sello que había lanzado discos de Sun Ra y Timothy Leary. Se trata de una atrocidad total, era unos enfermos y se encargaron de demostrarlo, plasmando su espíritu de enfermedad en una serie de piezas altamente experimentales, formidablemente psicodélicas y bizarras, que combinan avant garde, noise, folk oscuro, etc. Se dice que, mientras grababan el disco, convocaron a gente de la calle que pasara casualmente caminando por el lugar, perfectos desconocidos, para hacerlos grabar sus voces y gritos, y así agregarlos a la mescla de sonido. Hay muy poco en concreto, la mayoría de las pistas constan de locuras ambientales, gritos, ruidos, cantos rituales, de hecho el segundo tema del disco se llama ‘’Ritual Feast of the libido’’, y se trata de exactamente eso, una grabación como de ritual, con gritos y ruidos de fondo. El resto de las piezas siguen más o menos esa misma temática de desenfreno ritual, gritos, collages de grabaciones, música bizarra, decadenmente oscura, por momentos media infernal. Más que disco es un rejunte de grabaciones extrañas, enfermas y experimentales. ‘’Toth, Scribe I’’ es talvez la pieza más llamativa del disco, ya que no es algo fácilmente de escuchar, como los gritos que sabes de donde provienen, en este caso se escucha algo totalmente extraño, un ambiente como diabólico, pienso que es como música de otros mundos, o sonido ambiente de algún lugar donde vive dioses, talvez oscuro, o talvez sagrado, pero un lugar de dioses o bestias gigantes.
Y que se puede sacar en limpio de todo esto? No sé, elementos para hacer algo más concreto tenían, pero prefirieron llegar los minutos con locuras, no sé si ni siquiera la psicodelia está presente, lo dudo, y si lo está es solo en pequeños pasajes. Pero crearon un monstruo sonoro, con la intención de hacerlo, y con ello, según dicen algunos críticos, se adelantaron a su época, transfigurando sonidos muy tempranos de noise rock, no wave, metal oscuro y rock industrial. Y Justamente uno de los miembros de la banda recordaba esto sobre la idea que tuvieron: ‘’El concepto original del álbum fue para el progreso de diferentes décadas de música. Al igual que, en el 59, Elvis estaba sacudiendo su pelvis y causaba una locura, en los jóvenes y los adultos también. Y luego, diez años más tarde, Hendrix estaba vertiendo un líquido más ligero en su guitarra y convirtiéndolo en un montón de disposición en sus amplificadores. Al igual que The Who que estaban rompiendo todo. Entonces ahí estábamos, tratando de llevar nuestra nosion a una década de adelanto. Nos decíamos que, tal vez, en 1979 habria un grupo de personas en el escenario haciendo música con cañas, recitando poesía, mientras otra volcaba agua con una manguera…’’ Así, a su manera oscura, ‘Orgasm’ es un esfuerzo experimental que, sin duda, hizo su pequeña parte para beneficiar a artistas como Throbbing Gristle, Ministerio, Skinny Puppy, Teenage Jesus & the Jerks, el Revolting Cocks, Einstürzende Neubauten, y otros que vinieron después. Pitchfork Media clasificada como la canción "Caledonia" en el número 163 en la lista de "Las 200 mejores canciones de la década de 1960". En 2007, la banda japonesa Ghost cubrió la pista "Caledonia" para su álbum In Stormy Nights.
Tengo el placer de compartir esta joyita electrónica española, y lo hago gracias a la contribución de Sergio Bujez Fernández, quien nos manda, desde Guadix, un ripero exclusivo de una copia del vinilo que tiene un su poder, un ripeo de gran calidad sonora que nos manda para que lo compartamos en el blog, muchas gracias amigo! ‘’It’’ fue un dúo electroacústico compuesto por el español Eduardo Polonio y el argentino Horacio Vaggione, quienes juntos desarrollaron un concepto electrónico muy personal y experimental. Horacio Vaggione es un compositor argentino de música electroacústica e instrumental. Fue co-fundador del Centro de Música Experimental de la Universidad de Córdoba (Argentina), y ha estado activo como músico, profesor y organizador en América del Sur y Europa. En 1986 fundó el CICM (Centro de Investigación de Informática y Création Musicale / Centro de Informática Musical Investigación) de la Universidad de París VIII. Sus artículos han aparecido en Contemporary Music Review, Computer Music Journal, Interface y Musica Realta. Eduardo Polonio nacido en Madrid en 1941, es un compositor y músico español, de música electrónica y experimental. Se retiró de la Escuela de Ingeniería de Telecomunicaciones y para asistir a Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde estudió piano, armonía, contrapunto y composición. También estudio enseñanza de la composición e instrumentación. En 1969, comenzó a trabajar con el laboratorio Alea en Madrid. En 1976, se trasladó a Barcelona, donde trabajó en estrecha colaboración con el Laboratorio Phonos. Ha participado de innumerables proyectos en vivo y compuesto varios trabajos solista, entre ellos dos óperas, dejando una huella importante en el desarrollo de la música electrónica española. Es también uno de los fundadores de la Asociación Española de Música Electroacústica - fue su presidente desde 1988 hasta 1994. En 1994, fue galardonado con el Magisterio de la Gran Premio Internacional de Música Electroacústica de Bourges (Francia).
‘’Viaje’’ es una legendaria obra maestra electrónica, lanzada en el año 1976, un trabajo elaborado con dos sintetizadores, guitarras eléctricas, órganos y bajos, para plasmar con ellos un caos electrónico psicodélico, una anomalía caótica, delirante, atemporal, abstracta, esmeradamente elaborada, un orgasmo electrónico único en su clase. Este trabajo plasma una serie de paisajes electrónicos, los cuales nacen de una exploración puntillosa y delicada, plagada de acoples y pequeños sonidos que se multiplican por millares, y van creando así un sonido misterioso y vanguardista, como asemejándose a un especie de insectario electrónico, como millares de diminutos cantos de insectos, o como si fuera un sonido ambiente de una selva electrónica, humera, con su sonido ambiente, y plagada de bichos y otras alimañas diminutas que van soltando sus ruidillos y sonidos típicos. Es elaborado todo a base de dos sintetizadores, y una guitarra que trata de estar a la altura de la experimentación y que va soltando, también, sus sonidos y rasgueos. Por momentos transitan caminos más placenteros para el odio, alcanzando sonidos dulces, aunque van mutando las sesiones, pasando por otras partes que son más atroces y ruidosas, frenéticas, como si la maquinaria perdiera control y se adentrara en un ruido descontrolado y tenso. El disco se divide en tres secciones, las dos primeras volcadas en el lado A del disco, las cuales duran alrededor de 10 min. cada una y que parecieran guardar cierta relación entre sí, con sus frenetismos y sus atrocidades electrónicas, y sus cambios de clima. La tercera parte, de alrededor de 20 min. de duración, que ocupa todo el lado B, y que se diferencia de las otras, con una concepción más minimalista aun, ya que se va construyendo a base de pequeños sonidos y ruiditos, como si se tratara de computadores de alguna antigua central de monitoreo, plagada de máquinas registradoras, radares y aparatejos, constantemente registrando eventos de algún tipo. Cada lado del disco tiene su marcada personalidad, diferente e individualizada de la otra.
John McLaughlin, nacido el 4 de Enero de 1942, en Doncaster, Reino Unido, también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70s llamado jazz-fusión o jazz-rock. Aunque, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el Flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y desde la década del 70 en adelante con sus grupos "Mahavishnu Orchestra", "The Heart of Things", "Five Pece Band" y actualmente "John McLaughlin y la 4ta Dimension") y con la música clásica (en su "Concierto para guitarra y orquesta" y en el disco "Thieves and Poets"). McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución. Antes de trasladarse a USA, McLaughlin lanzo su trabajo ‘’Extrapolation’’, su álbum debut, su primer álbum como líder, único álbum que grabó antes de unirse a Miles Davis, el cual suena tan fresco hoy como sonaba allá por 1969. Un trabajo de jazz grabado en Advision Studios, en Londres, el 18 de enero de 1969 y primero lanzado a finales de ese año por Giorgio Gomelsky's Marmalade Records. Luego de lanzar su primer disco, viaja a EEUU y se une a la banda de Miles Davis, con la cual participa de la grabación de la grabación de ‘’Bitches Brew’’. Durante esa época y los 70s, participa de la grabación, como colaboración, de un sinfín de disco, entre ellos ‘’Things We Like’’, un trabajo de jazz liderado por Jack Bruce. En este mismo año, 1970, lanza su segundo disco como solista, grabado poco después de su salida de la banda de Miles Davis, y antes de formar la Mahavishnu Orchestra. Para ello forma una banda eventual, con muy buenos músicos para la grabación, estarían Buddy Miles (baterista de Hendrix) en la batería, el tecladista norteamericano Larry Young en órganos y piano eléctrico, y el bajista norteamericano Eddie Wilbur, en bajo justamente. Empujado por los estilos que se desarrollaban en la época, McLaughlin elabora un trabajo con el sonido ambiente del momento, psicodélico y meramente fusionado, trayendo a colación sus tremendos atributos en guitarra, su bestial y aplastante técnica, su virtuosismo, y poniéndolo a la orden de un sonido casi embrionario, primario, casi como si fuera un sonido prototípico del mismo guitarrista, en el cual él mismo se estaría gestando, desarrollándose, creando su propia senda, su propio estilo.
McLaughlin había lanzando, en 1969, un disco con un sonido similar, ''Emergency!'', en un proyecto junto a Tony Williams y Larry Young, en el que desarrollarían una fusión prototipica, con un sonido muy libre, fusionado, ácido, repleto de improvisaciones y casi sin limites compositivos. En ''Devotion'' McLaughlin parece seguir por la misma senda, como buscando saciar su sed de innobar y explorar, con un sonido también muy libre, amplio, en un jazz fusión en gestación, con parámetros compositivos indefinidos, y con su virtuosismo como guía para impulsarse hacia las sesiones y la búsqueda continua.
En su primer disco solista habia hecho algo de jazz, en este segundo disco trajo ese jazz y lo fusionó con psicodelia, aunque no se trata de jazz psicodélico, sino de una fusión más esmerada, un enjambre psicodélico que pareciera haber sido grabado en una jam session, ya que los temas surgen todos muy de improvisto, sin un orden o estructura formal, sino más bien, son sesiones cuasi improvisadas en las que la guitarra de McLaughlin en la guia y la voz mayor de un sonido netamente instrumental, aplicando un sin fin de solos, arreglos, sonidos, aplicaciones, etc
Pareciera una de las típicas sesiónes de estudio de Jimi Hendrix, piezas netamente improvisadas, con una guitarra que denota una tremenda habilidad, muy blusera y cargada de fuzz, con muchos cambios e improvisaciones, y con un hammond rellenando al fondo, si me hubiesen disco que en realidad esta grabación se trataba de una sesión de estudio de Hendrix, tranquilamente podría haberlo creído. El sonido está volcado hacia un lado un tanto meloso y algo misterioso, cambiante, frenético, muy improvisado, se trata de un sonido muy particular, una fusión muy personal desarrollada por McLaughlin, quien combina elementos exquisitos y, por supuesto, el resultado es también exquisito. Luego llegaría unos de sus puntos más altos en su carrera, crearía su banda eléctrica, su Mahavishnu Orchestra, explotando todo su estilo técnicamente virtuoso y complejo, con el cual fusionó jazz eléctrico con rock progresivo, junto a otros sonidos como ciertas influencias indias, acaparando la mayor atención e influencia dentro del ambiente fusión, siendo uno de los puntos mas altos de referencia del genero.
En 2010 el guitarrista Jeff Beck lo llamó "el mejor guitarrista vivo". El indio maestro de tabla, Zakir Hussain lo ha llamado "uno de los más grandes y uno de los músicos importantes de nuestros tiempos", y no han errado, se trata de un guitarrista alucinante, experimental, con un despliegue tremendo de técnica y fusiones, y un sinfín de trabajo lanzados, en los cuales transita, como hemos disco, por incontable cantidad de géneros, sub géneros, fusiones, estilos, sin duda se trata de uno de los guitarristas mas importantes de la era rock, y aquí lo estamos celebrando con su segundo disco. Ya habrá mas tiempo para sus otros trabajos, por ahora disfruten de ‘’Devotion’’.
''The Red Krayola'' fue un grupo psicodélico de rock experimental, uno de los grupos underground más longevos de la historia, proveniente de Houston, Texas, formado por estudiantes de arte en la Universidad de Santo Tomás (Texas) en 1966. La banda fue liderada por el cantante, guitarrista y artista visual Mayo Thompson, junto con el baterista Frederick Barthelme (hermano del novelista Donald Barthelme ) y Steve Cunningham. El único miembro constante del grupo ha sido su fundador, Mayo Thompson, quien siempre pareció preocupado por desconstruir el lenguaje de la música "rock", creando nuevas formas de expresión dentro de género. Eso ha hecho a la música de Red Krayola a menudo difícil de escuchar. En 1966 la banda acordó el lanzamiento de su primer álbum con ‘’International Artists’’, un sello discográfico independiente con sede en Houston, quienes aceptaron agregar a la banda a su producción, tras oírlos tocar en vivo. El mismo sello que trabajaría con otra banda importante como 13th Floor Elevators. El grupo originalmente comenzó haciendo folk rock, pero rápidamente se inmiscuyó hacia la idea del rock vanguardista y/o experimental, sumados a la floreciente ola psicodelica del momento. Resultado de esto fueron los caminos experimentales que tomarían y que demostraría desde su primer trabajo, de 1967, ‘’The Parable of Arable Land’’. Un disco muy a menudo considerado como de culto dentro de la psicodelia y el rock experimental, por su sonido psicodélico puro y crudo, sonido con el que elaboran las canciones que se encuentran inmersas en medio de un delirio lisérgico sonoro por excelencia, un divague instrumental propio de la acidez y la extravagancia de la búsqueda sonora típica de las bandas del momento. El disco consta de este caos o divague sonoro, el cual se hace presente desde el primer minuto y se extiende hasta los últimos instante del disco. La esencia del trabajo es esta, presentar una música experimental irreconocible. Dicho sonido extravagante recuerda mucho al disco ‘’Psychedelic Underground’’, de los alemanes Amon Duul, parecen haber sido concebidos por estéticas que transitas factores similares. Luego, las distintas canciones que aparecen, surgen desde ese delirio, que por momentos corre con una suerte de disminución de su intensidad, dando lugar para que surjan las canciones, que no dejan de tener un sonido experimental, arritmico, y totalmente atípico. No son canciones pegadizas ni mucho menos, son mas que otros arrebatos, esta vez abocados a lo compositivo y la canción, en los que se puede apreciar el lado mas concreto de trabajo.
Las composiciones no son especialmente complejas, los temas son relativamente cortos y simples, pero muy agradables y lisérgicos, aunque creo que el valor del disco está especialmente en el concepto general del trabajo, en la locura de los sonidos y del ambiente general donde se desarrolla todo. El disco está dispuesto de tal forma que cada canción esté separa de la otra por un track instrumental intermedio, llamado ''Free Form Freak-Out'', en cada una de estas piezas intermedias, instrumentales, el delirio, citado anteriormente, se desata, y la lisergia se hace presente casi en su forma total. En 1967 grabaron un segundo album, ‘’Coconut Hotel’’, pero dicho proyecto fue rechazado por el sello donde trabajaban por su falta de potencial comercial, debido a su salida completa de la sonido de rock, por su sonido tan experimental y rotundamente cambiante. Dicho trabajo permaneció guardado durante décadas, y fue lanzado recién en Marzo de 1995. Esto hace que la banda deba volcarse en el trabajo de un nuevo material, y para 1968 lanzan ‘’God Bless the Red Krayola and All Who Sail With It’’. Dicho trabajo presentó un término medio entre ‘’The Parable of Arable Land’’ y ‘’Coconut Hotel’’, minimalista y alejado de la psicodelia original en la cual habían comenzado. Pero no fue tan bien recibido como el primer lanzamiento y la formación original de Krayola Red disolvió. Mayo Thompson continuó haciendo música, tanto bajo su propio nombre y como bajo The Red Krayola. En 1969 grabó un álbum en solitario llamado ‘’Corky's Debt to His Father’’, para un pequeño sello llamado Texas Revolution. El álbum, que ha llegado a ser considerado por muchos como la joya poco conocida del catálogo Krayola, también experimental y vanguardista, dentro del pop rock y folk rock. Durante los 70s y 80s lanzó algunos discos bajo Red Krayola, y varios albums mas junto a otros artistas, además de sus trabajos como productor, a finales de los 80s, de bandas de rock alternativo como The Raincoats, Scritti Politti,Blue Orchids, Cabaret Voltaire, Stiff Little Fingers, Kleenex/LiLiPUT, The Chills y Primal Scream. La década de los 90s encontró a Red Krayola con una nuevos publico, impulsada por movimientos de post rock y rock experimental. Thompson reformó la alineación de la banda, y con ellos llegarían nuevos lanzamientos, ‘’The Red Krayola’’ de 1994, el relanzamiento de ‘’Coconut Hotel’’, en 1995, y una buena serie de discos lanzados desde mediados de los 90s hasta los días que corren.
‘’Lard Free’’ fue un grupo de rock progresivo francés que funciono desde 1970 a 1978, uno de los primeros conjuntos progresivos de su país, explorando terrenos progresivos y experimentales. La banda fue fundada y liderada por un tal Gilbert Hartman, un músico multiintrumentista experimental, que comenzaría su carrera justamente en esta banda, y de la cual sería casi el único miembro estable, tras el constante cambio de formación que experimentaría el grupo. Él estaría altamente influenciado por el krautrock alemán, y al igual que otra banda francesa llamada Heldon, impulsaría la idea del desarrollo krautrock fuera de su Alemania natal, impulsando sonidos que nacerían desde las mismas raíces que el kraut. Las primeras grabaciones de Lard Free, que datan de los años 1971 y 1972, recopiladas en el álbum Unnamed, hablan de una propuesta musical radicalmente innovadora y distinta a lo que harían en sus albums en concreto, pueden tranquilamente considerarse como un espécimen preliminar a las primeras formas de RIO, creadas a partir de insanas improvisaciones, ritmos identificables con el Jazz, y las disonancias clave del género. Los orígenes de Lard Free los sitúan a los mismos como progenitores de los sonios RIO y Avant Progressive, y a la vez, pueden citados como uno de los experimentos más interesantes y raros del krautrock. (Parte de la data de este párrafo fue tomada de este post, muchas gracias!!) El primer álbum que lanzan seria el homónimo ‘’Lard Free’’, de 1973, en donde se puede percibir un sonido más aceptable en comparación con las primeras grabaciones, el jazz no deja de estar presente pero las fusiones no son tan abruptas, y a cambio tiene lugar algo de experimentación electrónica con sintetizadores. Se trata de un trabajo extraño, que no termina de definir hacia qué dirección va, toma su propio rumbo con distintos collages, elementos y elaboraciones particulares. Fusionan rock con algo de jazz, electrónica, pero todo desde esa esencia kraut alocada y tranquila.
Los temas son presentados también de manera poco común, un tema pinta solo paisajes electrónicos, en otro se escuchan saxos, jazz rock suave, solos de guitarra muy bizarros y dulcemente ácidos, disonantes con todo. Exabruptos compositivos y extrañezas sonoras propias de las influencias kraut electrónicas que tenían, un sonido atípico, minimalista, extravagantemente seductor, en un disco que no es un gran disco, ni por sus temas particulares ni tampoco como obra general, pero a la vez plantean un concepto nuevo y único, realmente se trata de los orígenes de RIO. Para la grabación del segundo álbum de Lard Free, ‘’ I'm Around About Midnight’’, de 1975, Gilbert Artman cambia por completo la formación del grupo. Agrega percusióes, vibráfono, órgano Hammond y saxo, sumando al grupo a Alain Audat (Synthi VCS 3, saxo tenor) y Antoine Duvernet (saxo alto y flauta). En 1976, Gilbert Artman fundó ‘’Urban Sax’’, una orquesta compuesta exclusivamente de saxofonistas. A partir de ahí ‘’Lard Free’’ y ‘’Urban Sax’’ se funcionarían de forma simultánea. Entre enero y marzo de 1977, Gilbert Artman registra el tercer y último álbum de Lard Free, ‘’Spirale Malax’’, que es lanzado casi al mismo tiempo que el primer álbum de Urban Sax, en junio de 1977, en la etiqueta de la cobra. Lard Free se diluyó poco después de que la liberación del tercer disco, de 1977. En Mayo del 78 realizó sus últimas presentaciones en vivo, pero Hartman seguía siendo una presencia vital en el progresivo francés y el RIO. Desde entonces, Artman se han mantenido activo como miembro y director de Urban Sax, lanzando disco con dicha banda hasta mediados de los 80s, y participando como compositor de varios proyectos hasta los días que corren.
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